estilo joyero nro 74 - mayo 2014

1Mayo 2014 G Estilo Joyero G

AÑO XIV Nº 74 MAYO 2014

PUBLICACION BIMESTRAL DEL COMPLEJO EDUCATIVO DE JOYERIA

2 G Estilo Joyero G Mayo 2014


DIRECTOR / PROPIETARIODamián Hernán Wasser

PRODUCCION GENERAL Y FOTOGRAFIA

Damián Wasser

ARTE, DISEÑO Y DIAGRAMACIONVerónica Borsani

REDACCION PERIODISTICANatalia Calabrese Castro

ADMINISTRACIONGraciela Porto

PUBLICIDADTel.: (11) 4901-1212 Cel.: 15-3000-3686

[email protected]

Impreso en LATINGRAFICA S.R.L.Prohibida la reproducción

parcial o total. Tirada: 2.500 ejemplares.

STAFF

PIEZAS DE TAPA Vía LácteaPulsera de plata con cúbic.Ver aviso en pag. 2 y 3

FOTOGRAFIA Damián Wasser

v nuestra tapa

sumario 74

24 mercado Lanzamiento de la PDE

56 historia El Victoriano

Alexander Calder un artista

en movimiento

42 v personajes

Calaveras de “memento mori” a íconos de la moda

60 v curiosidades

v índice60 galería Futuros Talentos: Alumnos del CEJ muestran sus creaciones

66 cej Calendario Marzo 2014

Van Cleef & Arpels elocuencia hecha joya

30 v historia

38 v gemologíaUn obelisco

de aguamarina


El anillo de compromiso de Clooney

GEl soltero más codiciado, de 52 años, ha cedido ante los

encantos de Amal Alamuddin, la abogada de derecho

internacional, activista y escritora británico-libanesa recono-

cida recientemente por haber representado a Julian Assange,

fundador de WikiLeaks. A tan solo siete meses de iniciado su

noviazgo, el actor, director y ganador del Oscar le propuso

matrimonio con un enorme diamante de corte Esmeralda de

más de 7 quilates, que cubre por completo el ancho del dedo

de su prometida y fue adquirido en un valor de aproximada-

mente u$s 650.000.

Como era de esperarse, el anuncio generó gran revuelo

entre sus fans y tanto los

medios como las redes

sociales explotaron con

la noticia. El anillo pudo

verse en twitter, tras

haber sido fotografiado

durante una cena que

compartieron Clooney y

su prometida con Cindy

Crawford y su marido,

Rande Gerber, en su resi-

dencia de Santa Bárbara,

California.

Según los expertos, el anillo de platino destaca un dia-

mante principal de corte esmeralda grado VS1 o superior, de

unos 7,5 cts., flanqueado por dos pequeños diamantes de corte

baguette.

Si bien se especula que la boda podría ser anunciada para

septiembre de este año, todavía no hay precisiones acerca de

la fecha.

actualidad

Joyería con diamantes de laboratorioGLa diseñadora de joyas Reena Ahluwalia ha lanzado

recientemente su primera línea de joyas con diamantes

sintéticos creados en laboratorio, bajo el nombre “Nurture by

Reena”.

Según Ahluwalia, la marca está “comprometida a dar a

conocer y certificar el origen de cada diamante, para asegurar

su adquisición ética y ecológicamente sustentable”.

“Moments Collection”, la primer colección de la marca está

provista de un código QR único para cada pieza, lo que permite

que el comprador personalice su joya valiéndose de las nuevas

tecnologías y de una forma muy especial. De este modo, el

usuario podrá escanear con su smartphone el código oculto en

la joya y acceder a contenido multimedia personalizado.

La colección será presentada en la exposición JCK Las

Vegas, del 30 de Mayo al 2 de Junio.

De Dios Joyas en el Miami Fashion WeekGDel 15 al 18 de Mayo se desarrolló la edición número 15

del Miami Fashion Week en el Centro de Convenciones

de Miami Beach. Desde 1999, Miami Fashion Week presenta a

los diseñadores establecidos y emergentes de moda, joyería y

accesorios a través de acciones de prensa, desfiles y exhibicio-

nes en Miami, Florida. Este evento anual conjuga diseñadores


de todo el planeta en una fiesta donde se muestra lo mejor

de cada categoría. Figuras globales de la moda como Custo

Barcelona, Andrés Sarda y Agatha Ruiz de la Prada estuvieron

presentes en esta edición.

DE DIOS Joyas, marca local que produce joyería con

diseños innovadores, alta calidad y con énfasis en las últimas

tendencias de la moda internacional, compartió con otros

diseñadores nacionales el Stand Argentino de la muestra con

la intención de vender la marca al mercado americano como

un paso más en el proceso de crecimiento.

Smartphones preciososGEl mercado de dispositivos

móviles super exclusivos se ha

puesto algo más competitivo gra-

cias al ingreso al nicho de la marca

suiza Savelli, con su colección de

once modelos de teléfonos celulares

Android, diseñados exclusivamente

para mujeres. Estos smartphones

combinan oro 18K, pieles exóticas y

piedras preciosas, y están fabrica-

dos con el cuidado y la delicadeza

de una joya. Con sus diseños elegantes y su construcción

premium, la colección Savelli ha generado cierto revuelo en

la industria. Si bien los modelos más modestos de la colección

podrán conseguirse por unos u$s 9.000, también habrá dos

versiones para los clientes más exquisitos. “Emerald Night” y

“Emerald Insane”, fueron diseñados con la colaboración de la

empresa minera Gemfields, son de edición limitada, y están

adornados con esmeraldas y diamantes, lo que los cotiza en

u$s 71.000 y u$s 244.000 respectivamente. Pero para adquirir-

los, habrá que darse una vuelta por la sección de alta joyería

del Harrods’ de Londres, ya que tienen la exclusividad para la

venta de estos lujosos dispositivos.

100 años de vida para celebrar

GAlberto Corvetto es una persona muy conocida en el gremio

por su larga y activa trayectoria. Prácticamente nació con la

joyería, ya que su padre era uno de los dueños de la Joyería La

Royal, en la calle Esmeralda. Cuando se independizó formó una

sociedad de 10 años, Corvetto & Piotti, donde fabricaban piezas

de oro para Casa Escasany y otras importantes firmas.

En el año 1954 comienza la historia de Glecor S.R.L., cuando

Alberto Corvetto se asocia con tres joyeros orfebres: Sigfrido

Glecer, Manuel Lichtenstein y Marcos Kumec, amigos de toda

la vida, y se hace cargo de la parte comercial y administrativa.

La empresa se dedicó a la fabricación de cajas y pulseras de oro

para las mejores marcas de relojes suizos, y alhajas finas. Pero

el cambio más importante que llevó al desarrollo de nuevas

piezas tuvo lugar a partir de la “fiebre del oro”, cuando el valor

de la onza subió de 33 a 600 dólares a nivel internacional, a

fines del ’67. Allí comenzó la fabricación de joyas en plata, y

luego, en el ’77, llegaron al enchapado en oro “Oroglecor”, con

un gran éxito de ventas. A partir de esta innovación lograron ser

proveedores por muchos años de la firma Avon, así como de las

mejores joyerías y casas de bijouterie de la Argentina, firmas

que hoy, en su mayoría, continúan siendo clientes y amigos.

Corvetto tuvo la gran responsabilidad de ser vicepresidente

durante 25 años de la Cámara de Joyería y Afines, junto al Sr.

Martínez Cajigall, manteniendo durante su gestión una activa

participación en temas relacionados con el gremio.

Actualmente se lamenta de que ya casi no encuentra pares

ni amigos, como antes. Va a Libertad casi todos los días, toma su

café, lee el diario y vuelve a su casa. Ya delegó la responsabilidad

de su ex empresa, que en el año 2001 pasó a manos de cuatro de

sus empleados, quienes afrontaron la aventura de continuar con

la firma en uno de los momentos mas difíciles del país.

Su hija Marisa, gran admiradora de su persona y orgullosa

de tenerlo como padre lo define como “un hombre muy inteli-

gente, responsable, sumamente trabajador durante toda su vida,

cariñoso y generoso”.

Desde Estilo Joyero le deseamos un muy feliz cumpleaños y

que cada día que pase junto a sus seres queridos sea motivo de

celebración y alegría.


actualidad

Primera Palma de Cannes “responsable”

GChopard, la firma encargada de la fabricación del famoso

trofeo desde el año 1998, presentará la primer Palma de

Oro realizada con metal obtenido de la minería responsable,

y que será entregada este año al filme ganador del premio a la

mejor película en el Festival de Cine de Cannes.

La jugada tiene como objetivo trascendental poner el foco

en la minería responsable y los artículos de lujo sustentables, a

través del evento más glamoroso de la industria cinematográfi-

ca, para aprovechar la difusión mediática y conseguir cobertu-

ra internacional.

Chopard anunció recientemente su intención de transfor-

marse en una empresa “verde”, una tendencia hacia la joyería

responsable y sustentable que esperan se traslade a los partici-

pantes más representativos de la industria del lujo. Como parte

de esta campaña, la empresa Chopard se ha comprometido

a seleccionar proveedores que puedan demostrar prácticas

responsables, tanto en el plano social como ambiental. El año

pasado, la firma lanzó una colección de alta joyería para la Al-

fombra Verde, la primera de su tipo en el mundo, realizada con

oro de fuentes responsables. La colección captó la atención de

celebridades como Cate Blanchett, quien lució un par de aros

de diamantes de esta colección para los Globos de Oro.

Chopard es la primer empresa del sector en asociarse con

la Alianza de Minería Responsable (ARM), una asociación

de empresas mineras de pequeña escala certificadas en los

estándares de Minería Etica. De este modo, la empresa sienta

un importante precedente y redefine lo que en breve serán las

nuevas reglas del comercio en el sector de joyería de lujo.

Buccellati presenta la funda de iPhone más cara del mundo

GLa marca de lujo italiana presentó en la feria Baselworld

de este año la carcasa para iPhone más cara del mundo,

con un precio de venta de u$s 208.000. Pero esta no fue la

única pieza de este tipo. También fabricaron una carcasa para

iPad, con un tamaño obviamente

mayor y un valor de

u$s 485.000. Como parte de

su nueva colección “Úni-

ca”, las exclusivas piezas

creadas por Lucrezia

Buccellati e inspiradas

por las ilustraciones

solares de Leonardo

Da Vinci, ostentan

un intrincado diseño

con la técnica Rigato

sobre oro amarillo y

blanco con diaman-

tes. El diseño es tra-

dicional y consistente

con el estilo de la marca.

Buccellati es mundialmente conocido por sus elaborados

diseños de joyas en oro y platino, grabadas y engarzadas pro-

fusamente con diamantes. Pero la marca de 95 años ha sabido

evolucionar con el tiempo y está buscando su continuidad a

través de la innovación.


Eli Izhakoff, Presidente vitalicio de la Fede-ración Mundial de Bolsas de Diamantes (WFDB), el Consejo Mundial del Diamante (WDC) y la Confederación Mundial de Joyas (CIBJO), preguntó en su discurso inaugu-

ral, “¿Por qué atrae y emociona tanto un evento que ha sido organizado por una joven bolsa de diamantes para celebrar el lanzamiento de un centro que todavía no ha comenzado a operar?”. “La respuesta es simple”, res-pondió, “entendemos lo que el establecimiento de un sistema de negociación seguro y estructurado significa para el desarrollo del mercado de diamantes, piedras preciosas y joyería, no sólo en Panamá sino en toda América Latina, que hasta el día de hoy, no había podido disfrutar de los servicios de un complejo de este tipo”.

G En el marco de la Cumbre Diamantes y Joyería de América Latina, se anunció el lanzamiento del Panama Gem & Jewelry Center, el primer centro joyero de la re-gión que albergará la única bolsa de diamantes de América Latina aprobada por la Federación Mundial de Bolsas de Diamantes.

Lanzamiento de la Bolsa de Diamantes de Panamá

mercado

Uno de los objetivos del Panama Gem & Jewelry Center, es que América Latina llame la atención de los merca-dos internacionales, atención que en los últimos años se ganaron otros países como China, India y el Golfo Pér-sico. Para Eli Izhakoff el crecimiento de estas zonas fue precedido por la creación de centros de comercio que proporcionaron la infraestructura necesaria para rea-lizar actividades comerciales. “Al igual que en 1800, el establecimiento de la línea de ferrocarril en los Estados Unidos, llevó al oeste americano a convertirse en una de las economías más poderosas del mundo, la creación del Panama Gem & Jewelry Center impulsará el crecimiento y desarrollo del mercado de diamantes, piedras preciosas y joyería en América Latina”, afirmó.

Durante el encuentro, Erez Akerman, Presidente de

v Un edificio de gran altura albergará las oficinas de la Bolsa de Diamantes de Panamá y simultáneamente un centro comercial de joyería.

Texto Natalia Calabrese Fotos Cortesía Bolsa de Diamantes de Panamá (PDE)


PDE destacó que el proyecto busca: “primero, facilitar un centro de comercialización seguro y estructurado que cuente con los requisitos específicos del sector en la región, suministrando una variedad y volumen de mercancía que durante años sólo se ha podido obtener viajando fuera de la región. Segundo, ofrecer un punto de acceso para que distribuidores, comercializadores y compradores de todo el mundo lleguen al mercado joyero y de piedras preciosas en América Latina, el cual está valorado en $8 mil millones de dólares al año y se espera que crezca de forma significativa en los próximos años”. El Panama Gem & Jewelry Center será el primer complejo en toda América Latina exclusivamente de-dicado al comercio de diamantes, piedras preciosas y joyas. El corazón latente del nuevo edificio será la Bolsa de Diamantes de Panamá. “Planeamos hacer de PDE un lugar en el cual podrán reunirse entre colegas, y sentar las bases con compradores y proveedores de todo el mundo”, afirmó Erez Akerman.

¿Por qué Panamá? Ciertamente, que el centro de co-mercio más importante de joyas sea establecido en un mercado de bajo consumo no es un hecho sin preceden-tes. Amberes, Tel Aviv e incluso Dubai no son mercados principales por sí mismos. Sin embargo, son centros que suplen áreas masivas, y están dedicados al crecimiento y desarrollo de la región a la que sirven. Este será el rol del centro panameño que funcionará como un “hub” para América Latina. Asimismo, el gobierno de Panamá ha brindado un apoyo sólido al proyecto durante estos años.

LATINOAMERICA

BOLSAS DE DIAMANTES DEL MUNDO


mercado

tecernos de diamantes, piedras preciosas e interiorizar-nos sobre las nuevas tendencias y tecnologías. Da cuenta también del potencial de crecimiento que está demos-trando la región en el mercado de lujo global, como con-sumidores pero también como generadores del valor agregado”. Sin duda serán referentes fundamentales, ya que este nuevo rol se suma a los servicios de certifi-cación, valuación, tasación, peritaje y sucesiones, que prestan desde hace años.

Pero la creación de un organismo de estas caracte-rísticas en nuestra región es totalmente lógico, ya que Latinoamérica es un interesante mercado de joyería sin explotar. Además la región muestra una creciente auto-nomía, y una clase media en expansión que dispone de mayores ingresos, con un mayor interés por marcas y productos de lujo.

Con una inversión de 200 millones, es el proceso más ambicioso desarrollado en el marco del comercio de dia-mantes, joyas y piedras preciosas de la región. Para Eli Izhakoff “no existirán perdedores en este proceso, solo ganadores” puesto que mientras el sector crezca en Pa-namá, también lo hará el comercio en América Latina. Y conforme el mercado Latinoamericano alcance todo su potencial, la industria mundial crecerá también. “Lo cierto es que la reunión de esta semana en Panamá será recordada como un hito para el sector de los diamantes, piedras preciosas y joyería en Panamá, América Latina y a nivel internacional”, concluyó.

En 2012, cumplió con los requisitos para convertirse en miembro del Proceso Kimberley (sin el cual PDE tendría dificultades para operar) y aprobó una regulación que permite al área de PDE y el Panama Gem & Jewelry Cen-ter operar como una zona libre de impuestos (aspecto clave para poder crear un ambiente financiero y legal apropiado para poder desarrollar el proyecto).

“Bajo la previsión de que Latinoamérica se convierta en el gran mercado para la joyería y las piedras preciosas en el futuro cercano, Panamá no podía perder la oportuni-dad de ser, del mismo modo, el punto de encuentro entre el sector de la joyería de la región y el mundo gracias al Panama Gem & Jewelry Center”, afirmó el presidente de Panamá, Ricardo Martinelli. Según Erez Akerman “en el comercio de joyas y piedras preciosas de América Latina, todos los caminos conducirán de y hasta Panamá”.

El evento de apertura de la PDE contó además con la presencia de dos representantes argentinos: Damián Colombo, prestigioso gemólogo y diseñador de joyas, y su socio Gustavo Picchio. Como miembros fundadores de la PDE tendrán la posibilidad de generar una fluida interacción entre el mercado local y este nuevo centro comercial, propiciando el abastecimiento de diamantes y fomentando el comercio internacional de joyas de alta gama. Según ellos, “la creación de la bolsa de diaman-tes panameña genera una gran oportunidad y llena un vacío para quienes trabajamos con joyas, porque antes debíamos viajar fuera de nuestro continente para abas-

v Líderes de la industria reunidos en la ceremonia de inauguración.

v Erez Akerman. Presidente de la PDE. v Eli Izhakoff. Presidente vitalicio de la WFDB, WDC y CIBJO.


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Miembros Fundadores de Panama Diamond Exchange®Socios estratégicos en Argentina

La primera y únicaBolsa de Diamantes de América Latina

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La historia de la firma nace producto de una his-toria de amor entre Alfred Van Cleef y Estelle Arpels, hacia finales del siglo XIX. Ella era la hija de un comerciante de piedras preciosas y él era hijo de un joyero prominente que había

llegado a ser bien conocido en París por su capacidad de volver a cortar gemas defectuosas, aumentando su valor. Como los jóvenes amantes tenían mucho en común, en 1895 se casaron y pocos años después idearon lo que iba a ser la Maison de Van Cleef & Arpels.

En 1906, Alfred estableció el negocio con el hermano de Estelle, Charles, ubicando la boutique en el centro de París, justo frente al famoso hotel Ritz. Pocos años des-pués se sumaron los otros hermanos de su esposa: Julien y Louis. La Plaza Vendôme, en donde estaba ubicada la tienda, atraía a aristócratas rusos, europeos y hombres de negocios norteamericanos, haciendo que Van Cleef & Arpels se convirtiera en poco tiempo en un símbolo del lujo parisino y referente de elegancia internacional.

Texto: Natalia Calabrese Fotos: Van Cleef & Arpels

Van Cleef & Arpels elocuencia hecha joya

historia

G La firma francesa, fundada en 1906, es dueña de un estilo naive, colorido y es-trechamente emparentado con la naturaleza. La búsqueda de la excelencia la han ubicado entre las casas de joyería más finas y codiciadas, y sus diseños siempre vigentes son el resultado de una constante innovación.

Desde su fundación, la firma ofrecía a sus clientes la posibilidad de ordenar la joya de sus sueños y diseñarla a medida. Creado alrededor del año 1908, el barco Varu-na fue uno de los primeros pedidos especiales hechos a la Maison. Confeccionada con ébano, esmalte verde, y blanco, rubíes, oro y jaspe, esta joya única fue probable-

mente ordenada por Eugene Higgins, una figura promi-nente de la sociedad de Nueva York, dueño del yate de vapor más moderno de su tipo en aquel entonces.

Durante la Primera Guerra Mundial, Charles y Louis fueron llamados a la guerra, mientras que Alfred (que estaba exento debido a su mala salud), se ocupó de la empresa durante cuatro años. Durante ese tiempo, Estelle

Esta capacidad de ser clásicos pero con creatividad, definiría el estilo de la firma.


sirvió como enfermera y cuidó de Emile Puissant, un jo-ven teniente que había sido herido (quien posteriormen-te se casaría con su hija y se convertiría en responsable de la administración de la empresa). Pero incluso duran-te la guerra, el negocio siguió siendo exitoso. Van Cleef & Arpels producía joyas creativas y atractivas, mostrando que eran capaces de romper con lo convencional me-diante la creación de una línea de joyas hechas de made-ra. Esta capacidad de ser clásicos pero con creatividad, definiría el estilo de la firma.

En 1942, la familia Arpels emigró a los Estados Uni-dos y abrió su primera boutique en Nueva York en la 5ta Avenida. Más tarde, se convirtieron en los primeros jo-yeros franceses en abrir tiendas en Japón y China. A lo largo de su historia, Van Cleef & Arpels hizo numerosas contribuciones a la historia del diseño. La primera fue con la creación del Minaudière, un tipo de neceser en oro y plata, que toma la forma de una caja y en cuyo interior pueden guardarse distintos elementos útiles

v Arriba: Minaudière cerrado. Se aprecia la tapa con un elaborado diseño.Abajo: Pieza abierta exhibiendo todos sus compartimentos.

v Retrato de Alfred Van Cleef y Estelle Arpels, fundadores.

v La delicadeza del joyero dándo vida a esta maravillosa pieza.


para la mujer como lápiz labial, reloj, gafas de lec-tura, o llaves.

Otra contribución importante fue la invención de la conocida técnica de ajuste de piedras preciosas llamada engarce invisible (“Serti Mysterieux”). El ajuste se lla-ma así porque parece como si nada estuviese sujetan-do a las piedras: no se observan dientes o biseles. Las piedras están aseguradas en su parte inferior por una rejilla de metal que queda oculta. Este nuevo tipo de engarce revolucionó el mundo de la joyería y posibilitó el surgimiento de una nueva estética, puesto que con esta técnica las piedras comenzaron a tomar más pro-tagonismo.

VAN CLEEF & ARPELS Y LAS HISTORIAS DE AMOREl amor de Estelle y Alfred, que hizo posible la crea-

ción de una de las más prestigiosas firmas de joyería del mundo, vive hasta el día de hoy, a través de las his-torias amorosas que fueron marcadas por las piezas de la Maison. A lo largo de los años, distintas relaciones sentimentales llevaron de la mano joyas de Van Cleef & Arpels. Entre ellas, no es fácil de olvidar el caso de Eduardo VIII, quien renunció al trono de Inglate-rra luego de tan sólo 11 meses de reinado, para poder consumar su amor con Wallis Simpson, ya dos veces divorciada. En 1937, el Duque de Windsor le regaló, con el fin de conmemorar su matrimonio, un brazalete compuesto de zafiros y diamantes, todos ellos tallados de forma diferente. El duque solía pasar horas con los

diseñadores de Van Cleef & Arpels para añadir su toque personal a todas las creaciones que ordenaba a su esposa como prueba de amor.

Por otro lado, tres meses después de que el príncipe Rainiero de Mónaco adquiriera el juego de collar, aretes, anillo y brazalete de perlas y diamantes que le obsequió a su futura esposa para proponerle matrimonio en 1956, la casa Van Cleef & Arpels recibió la notificación de que había sido nombrada proveedora oficial del Principado. También, los dos anillos de compromiso que Jacqueline Bouvier recibió a lo largo de su vida fueron hechos por Van Cleef & Arpels. En el verano de 1953, John F. Kenne-dy le presentó un anillo de esmeralda y diamantes para pedirle matrimonio y quince años después, cuando ella accedió a casarse con Aristóteles Onassis, el multimillo-nario griego le regaló un anillo de diamantes de 40 qui-lates. Finalmente, en el caso de Liz Taylor, durante los años que vivió un intenso romance con Richard Burton, con quien se casó dos veces, el actor compró diferentes piezas para ella en Van Cleef & Arpels. Entre sus muchas adquisiciones, por ejemplo, está el hermoso juego Reina Margarita.

PIEZAS ICÓNICASEn 1925, la “Pulsera de rosas” de Van Cleef & Arpels,

adornada con rosas rojas y blancas formadas de rubíes y diamantes ganó el gran premio en la Exposición de Artes Decorativas de París. Este hecho hizo famosa a la firma mundialmente. La pulsera con estilo floral se

historia

1

v 1 y 2. Piezas Van Cleef & Arpels confeccionadas con la técnica de en-garce invisible (“Serti Mysterieux”). v Piezas de la colección “Ballet de las Joyas” de Van Cleef & Arpels.2

3

4


v Barco Varuna confeccionado para el dueño del yate de vapor más moderno de aquel entonces.

v El famoso prendedor de Eva Perón realizado por Van Cleef & Arpels.

v Van Cleef & Arpels en Place Vendôme, París.


historia

dario “Zip Necklace”, una pieza diseñada para usarse abierta como collar o cerrada como pulsera.

Pero para los argentinos, Van Cleef & Arpels es la fir-ma detrás de dos grandes íconos de nuestra historia: la emblemática figura de Eva Duarte de Perón y su famoso broche representativo de la bandera argentina que la fir-ma realizara para ella en el año 1949. Es precisamente aquel broche que tomó trascendencia nuevamente en enero de este año, tras haber sido comprado en subasta por el empresario Garfunkel a un valor cercano al medio

millón de dólares para ser regalado a su esposa, la mo-delo Victora Vanucci, en el día de su cumpleaños.

Evocar las joyas de Van Cleef & Arpels es también ilustrar la historia de la alta sociedad de los años veinte a los años cincuenta y el nacimiento del jet-set de los setenta. La empresa fue siempre gestionada por un des-cendiente de la familia Arpels hasta que fue adquirida por la Compagnie Financière Richemont SA en 1999. Ac-tualmente, es una de las principales casas de joyas de todo el mundo.

componía de 463 brillantes redondos, 293 rubíes, es-meraldas y platino. Muchos de los diseños posteriores de Van Cleef & Arpels también estuvieron inspirados en la naturaleza, marcando un estilo que perdura hasta la actualidad en todas sus creaciones.

En 1930 fabricaron el brazalete Jarretière para la ac-triz y cantante alemana Marlene Dietrich. Confecciona-do con diamantes, rubíes y platino, se lo puede observar en el brazo de la actriz en una escena de un filme de Alfred Hitchcock. Si bien era la única pieza de joyería de la cual Dietrich se resistía a desprenderse, finalmente se vendió por 990 mil dólares en Sotheby poco antes de su muerte en 1992.

Otra fuente de inspiración para la firma fue la danza. En 1967, se creó el “Ballet de las Joyas” (Ballet Précieux) ofreciendo un excelente homenaje a este arte, mostran-do piezas espectaculares y únicas que plasman una ar-monía, poesía y elegancia sin fin. Estas exquisitas piezas fueron un éxito inmediato con los clientes estadouni-denses glamorosos de la Maison, que los vieron como símbolo de alegría y esperanza durante los oscuros días de la guerra con Vietnam.

En la década del 30 la Duquesa de Windsor le pidió a los diseñadores de Van Cleef & Arpels que crearan un cierre en diamantes y platino para uno de sus vestidos. El desafío era inédito, pero la firma no dudó en poner manos a la obra. La innovación necesaria para este tra-bajo requirió varios años de dedicación y fue recién en 1951 cuando se logró plasmar aquella idea en el legen-

Muchos de los diseños posteriores de Van Cleef & Arpels también estuvieron inspirados en la naturaleza, marcando un estilo que perdura hasta la actualidad.

v Marlene Dietrich luce el brazalete Jarretière en una escena de un filme de Alfred Hitchcock.

v “Zip Necklace”, dise-ñado para la Duquesa de Windsor. Puede usarse abierto como collar o cerrado como pulsera.


El aguamarina a partir de la cual se creó el “Dom Pedro” fue encontrada en Brasil a finales de 1980 en una mina de Minas Gerais (Brasil). En aquel entonces, medía más de dos metros de largo y pesaba cerca de 40 kilos. Cuando los

mineros intentaron arrastrarla fuera de la mina, la misma se rompió en tres pedazos. Este aparente desastre, final-mente resultó crucial para el posterior proceso de tallado. Se cree que el dueño de la mina rápidamente tomó pose-sión de aquel tesoro y vendió los dos primeros bloques, que fueron cortados para joyería comercial. Pero mantuvo el tercero, y el más grande, detrás de su cama. O al menos, eso cuenta la historia.

Bernd Munsteiner se enteró de la existencia de esta aguamarina gracias a su amigo Jürgen Henn. Henn había viajado a Brasil en 1991 para ver este espectacular cristal, el más grande que había visto en su vida y estaba conven-cido que había que hacer algo con él. Un año más tarde lo contactó para decidir la compra. Bernd Munsteiner sabía

G Dom Pedro es la mayor aguamarina tallada del mundo. Es un regalo de la naturaleza y el resultado del excelente trabajo de un maestro cortador.

Texto Natalia Calabrese Fotos Gentileza Atelier Tom Munsteiner

Un obeliscode aguamarina

gemología

v Inauguración de la exhibición del Dom Pedro en el Museo de Historia Natural del Instituto Smithsoniano.


que el cristal era muy valioso, pero no podía trasladarse a Brasil para examinar la piedra. En su lugar, viajó su hijo Tom, quien consideró que era un proyecto en el cual su padre iba a querer participar. Así, Henn se reunió con el dueño de la aguamarina para cerrar el trato. Después de una larga negociación, la venta finalmente fue acordada con un apretón de manos.

Cuando llegó el cristal, fue “amor a primera vista” para Munsteiner puesto que, si bien de vez en cuando se en-cuentran grandes cristales, nunca había visto una agua-marina de tal claridad y color. Esta fue una oportunidad única para Munsteiner de crear algo diferente, algo real-mente importante. La mayoría de estos cristales grandes se cortan en muchas pequeñas piedras preciosas para la industria de la joyería y tal fue la suerte de dos de los tres fragmentos.

Aunque Bernd Munsteiner había fabricado con ante-rioridad grandes esculturas preciosas, este sería su ma-yor proyecto. Comenzó en agosto de 1992 y durante

v Aguamarina Dom Pedro tallada en forma de obelisco por Bernd Munsteiner.

El diseñadorBernd Munsteiner, es considerado uno de los más importantes artistas de la gemología del siglo XX. Nació en una familia de talladores de gemas, y su trabajo es la manifestación de una forma de arte que ha ido pasando de generación en generación. Nunca nadie le preguntó qué quería hacer cuando fuera grande, puesto que se esperaba que siguiera los pasos de su padre y su abuelo. Así, se convirtió en un aprendiz en el comercio de la familia a la edad de 14 y más tarde estudió en la Escuela de Diseño en Phorzheim, Alemania, donde se graduó como diseñador de piedras preciosas y joyas. Uno de sus más importantes logros, fue revolucionar el arte lapidario con su técnica de facetado conocida como “Fantasy Cuts”.

v Bernd Munsteiner (der.) junto al curador Dr. Jeffrey Post.

v Aquí puede apreciarse con claridad el tamaño de la obra.


dro: “estoy fascinado con él, incluso cuando lo veo hoy pienso que es absolutamente una locura”. Aunque acla-ra, “Si usted me pregunta si me gustaría hacerlo de nue-vo, yo diría que no! No es posible. En ese momento yo era joven. Siempre me arriesgué en mi vida y esto realmente fue el mayor riesgo”.

El aguamarina es una variedad de berilo, un mineral que, si se desarrollara en un laboratorio, sería incoloro. Sin embargo, cuando se forma naturalmente siempre aparecen ciertas impurezas, como en este caso en que el berilo incorporó pequeñas cantidades de hierro. Es precisamente el hierro el que, en interacción con la luz, da al berilo el precioso tono turquesa que caracteriza al aguamarina. El Dom Pedro hizo su debut en 1993 en Basilea, Suiza, y ha estado en exhibición en numerosos museos y exposiciones, para el deleite de los visitan-tes. Recientemente, fue donada al Museo de Historia Natural del Instituto Smithsoniano por una pareja de coleccionistas de Palm Beach, Florida, Jane Mitchell y Jeff Bland. Los expertos la consideran como una de las esculturas de piedra preciosa más excepcionales del mundo.

Actualmente, “diseñar la piedra” es la máxima mo-tivación para el Atelier Munsteiner. Gracias a esta ex-haustiva dedicación, se han ganado varios premios y gozan de reconocimiento internacional. Allí no sólo trabaja Bernd, sino también su hijo Tom y su esposa Jutta, asegurando que el legado familiar siga pasando de generación en generación.

gemología

cuatro meses sólo se dedicó a observar al monstruo azul. Tenía confianza en ser capaz de trabajar con el cristal porque para él, el hecho de que se haya roto en tres pedazos en Brasil, era realmente algo bueno. Tras haberse partido al salir de la mina, se habían aliviado las tensiones ocultas dentro del cristal y sabía que no se iba a romper o fracturar durante el corte. Munsteiner estaba fascinado de estar trabajando en un proyecto de este tipo y durante esos meses no durmió demasiado. Constantemente pensaba en el cristal y hasta soñaba con él, ya que si hacía las cosas bien podía lograr una obra de arte memorable, pero si algo salía mal podía destruir totalmente la piedra junto con su ambicioso proyecto.

Eligió la forma de obelisco para maximizar su lon-gitud. Trabajó durante seis meses y, debido a que nece-sitaba mucha concentración y precisión, nunca lo hizo durante más de dos horas al día: un pequeño error y el cristal podría romperse y ser arruinado. El corte y facetado fue completamente realizado a mano, algo que por lo general se lleva a cabo con una máquina. Es sa-bido que el tallado siempre implica desperdicio. Pero Munsteiner afirma que nunca presta atención al peso: “cuando te centrás en el peso en quilates, lo haces sólo por el dinero, y no puedo crear cuando estoy preocupa-do por el dinero”.

El gigante obelisco de aguamarina fue llamado “Dom Pedro” en honor a los emperadores brasileños Pedro I y Pedro II. Mide 35 centímetros de alto, por 10 centímetros de ancho en la base, con un peso de 10.363 quilates (4,6 libras). Munsteiner quedó muy contento con el Dom Pe-

Munsteiner estaba fascinado de estar trabajando en un proyecto de este tipo y durante esos meses no durmió demasiado.

v Bernd Munsteiner y su hijo Tom.

v Bernd Munsteiner con otra de sus esculturas, “Metamorfosis”. v Lapidando un citrino de gran tamaño.


v Tom Munsteiner, hijo de Bernd, y su esposa Jutta.

v Algunos de los trabajos realizados por el Atelier Munsteiner.


Escribió Alexander Calder a su madre cuando era tan sólo un niño: “Quise escribirte una carta de cumpleaños hace dos días, pero en su lugar, te hice un collar con cosas que en-contré en el camino”. El collar al que hace

referencia, es uno de los primeros que confeccionó y lo hizo con trozos de cuerda, alambre de latón y de cerámica antigua hallados durante un viaje. La frase extraída de la carta dirigida a su madre evidencia su temprana vocación por el arte, así como la tendencia a trabajar con materiales simples y encontrados.

Hijo y nieto de distinguidos escultores estadouni-denses, nació el 22 de julio de 1898 en Lawnton, Penn-sylvania. Desde pequeño, fue alentado por sus padres a construir cosas con distintos materiales, e incluso le acondicionaron un espacio de la casa para que traba-jara: “en aquella época, conseguí mis primeras herra-mientas y me dieron la bodega como taller. Mis padres siempre me motivaron para que haga cosas por mí mis-

G Sus obras de arte móviles lo convirtieron en el pionero y más importante repre-sentante del arte cinético. A lo largo de su vida, produjo aproximadamente 1800 piezas de joyería, generalmente con objetos encontrados. Texto Natalia Calabrese Fuente Calder Foundation (www.calder.org)

Alexander Calder un artista en movimiento

personajes

mo”, contó Calder en una entrevista. Con tan sólo diez años, ya fabricaba pulseras para las muñecas de su her-mana: “mi hermana tenía un buen número de muñecas para las que hemos hecho extraordinarias joyas con perlas y alambre de cobre muy fino que hallábamos en la calle, al lado de los hombres que empalmaban cables eléctricos”.

Tras recibirse de ingeniero, ingresó en 1923 en la Asociación de Estudiantes de Arte de Nueva York y en el otoño de 1926 se instaló en París. En uno de sus via-jes conoció a Louisa James, con quien se casó en 1931. “Conocí a un joyero en París, Bucci, que me ayudó a hacer el anillo con un espiral en la parte superior y una hélice para el dedo. Pensé que sería un anillo de bodas, pero Luisa lo llamó ‘anillo de compromiso’ y tuvimos que ir a comprar un anillo de bodas de dos dólares”. Du-rante estos años produjo numerosas figuras de alam-bre, siendo la más conocida el circo en miniatura con el que recreaba el comportamiento de un verdadero circo.


¿POR QUÉ EL ARTE DEBE SER ESTÁTICO?

La estética de su trabajo cambió significativamente luego de visitar el estudio de Piet Mondrian en París. Al contemplar las sobrias composiciones del artista holan-dés en la soledad de su estudio, Calder se vio abruma-do por la intensidad de sus formas y se las imaginó en movimiento. A partir de aquel momento, dejó de hacer las esculturas figurativas de alambre que había realiza-do y se volcó hacia lo abstracto, dando predominancia a las formas geométricas. Poco después, se integró a Abstraction-Création, un grupo de artistas de tendencia constructivista, liderado por André Bretón y comenzó a incluir pequeños motores que ponían en movimiento al-gunos de los elementos de las obras.

Marcel Duchamp, impresionado por su trabajo, le aconsejó que los expusiera. Cuando Calder le consultó cómo podía denominar a estas obras, Duchamp le sugi-rió el nombre de “móviles”. En su primera exposición,

v El espiral está presente en casi todas las obras del artista.

v Calder circus, 1931.


que causó sensación, sus obras se accionaban por un motor que el visitante ponía en funcionamiento para conseguir el movimiento. Una vez que el artista descu-brió que el motor no era necesario, comenzó a eliminar todos los elementos mecánicos, y a crear estructuras mo-vidas por corrientes de aire. De este modo, se convirtió en el primero en incorporar el movimiento a la obra de arte y en el precursor del arte cinético. Aunque en la ac-tualidad esto se ha convertido en una forma artística ab-solutamente aceptada, la innovación de Calder en aquel momento, fue un gran logro vanguardista que contrasta-ba profundamente con las formas escultóricas estáticas de aquel entonces. Son también famosos sus estables o “stabile”, construcciones de acero estáticas y fijas ejecu-tadas con planchas de hierro atornilladas. Parece para-dójico que estas piezas tan pesadas surgieran simultá-neamente a los móviles. El padrino del nombre en este caso fue otro amigo de Calder, Hans Arp, quien usó la expresión stabile por primera vez en 1932. Los móviles son estructuras abstractas que se balancean suavemente suspendidas en el aire. Los estables son formas, también abstractas, inmóviles que sugieren formas de animales.

En 1933 Calder dejó Francia y regresó definitivamen-te a los Estados Unidos donde compró una vieja casa de campo que acondicionó como taller. Allí comenzó a fa-bricar joyas de forma más sistemática. En las piezas de joyería Calder combinaba de manera más libre que en su trabajo escultórico formas geométricas y motivos figura-tivos. En algunas de sus joyas usó el principio de móviles colgantes que solía usar en sus esculturas. Las innume-rables variaciones y combinaciones de formas en sus collares, broches, pulseras y anillos, reflejan fuentes de inspiración en distintas culturas como la celta, en la que el espiral era el principal motivo de decoración. En la

obra de Calder, espirales planos, circulares y cuadrados, así como tridimensionales en forma de conos, apare-cen recurrentemente combinados con otros elementos. La naturaleza fue otra importante fuente de inspiración para el artista. Las joyas en forma de hoja o de flor son innumerables, ya sea en alambre de metal o con piedras sin pulir, incluidas en lugar de los pétalos. Los anima-les, tanto pájaros e insectos como crustáceos y peces, son otro motivo que se repite con infinitas variantes.

Calder fabricó algunas de sus joyas con el objetivo

personajes

Se convirtió en el primero en incorporar el movimiento a la obra de arte y en el precursor del arte cinético.


v Uno de sus “móviles” cuyo movimiento se produce por corrientes de aire.

v Figuras de alambre realizadas por Calder inspiradas en el circo.


y porcelana, no eran engarzados, sino atados con alam-bre a sus bases. Varillas de distintos metales como latón (aleación de cobre y zinc), plata y oro, fueron martillados por el propio artista, dando como resultado superficies y contornos algo irregulares.

Hacia 1960 Calder deja de hacer joyas para entrar en una nueva etapa de su carrera, creando obras de gran formato para espacios públicos. El tamaño de las obras del artista comienza a cambiar y sus modelos en peque-ño formato eran luego construidos por asistentes en una escala mayor. Estas obras, de mayor escala, lograron una entusiasta aceptación popular rara vez alcanzada por el arte abstracto, lo cual llevó a que se le hicieran nume-rosos encargos después de la Segunda Guerra Mundial. Durante este período crea un grupo especial de collares gigantes en alambre de latón martillado, de 35x40 cm. “Arpas”, “Corazón” y “El marido celoso”, son los ejem-plos más destacados de este grupo. Éste último es posi-blemente la joya de Calder más reproducida, ya que apa-reció en la tapa de The New York Times Magazine del 17 de octubre de 1976, llevada por la actriz Anjelica Huston.

Calder murió en Nueva York en 1976, logrando en vida algo bastante difícil en el arte abstracto y es que éste con-siguiese aceptación popular. El artista obtuvo numerosos premios y sus obras se pueden encontrar en muchas pla-zas y lugares públicos de distintas ciudades del mundo como Bruselas, Nueva York y Chicago. Actualmente, su le-gado continúa vivo en la obra de diversos joyeros y artistas que toman su obra como referencia e inspiración.

personajes

de regalarlas a personas de su entorno, en general artistas, esposas de amigos, u otras mujeres activas en los círculos de intelectuales a los que pertenecía. Estas usaban las joyas con mucho orgullo, como muestra de pertenencia al grupo exclusivo de allegados al escultor. Así, realizó un gran número de piezas con iniciales y nombres. Alexander Rower, presidente de la Fundación Calder, explica que “el uso de materiales simples era in-tencional, ya que Calder pretendía poner de manifiesto que cualquiera puede adornarse con hermosos objetos. No tienen que ser piezas con incrustaciones de diaman-tes o ser valiosos”. Así, Calder creó la mayor parte de sus collares, broches y colgantes en hilo de latón (aleación de cobre y cinc) martilleado en cintas o en hilos, o labra-do en arabescos, en espirales, rulos e hileras y volutas… formas puras de gran sensibilidad estética que aún hoy son vanguardia.

Para Alexander Calder el verdadero valor de una joya estaba en su proceso creativo, por lo que jamás aceptó su reproducción en serie. Cada una de sus joyas fue tan única que hasta llegó a diseñar las cajas de madera en que iban guardadas. Algunas de sus piezas, como los pendientes que usaba Peggy Gugenheim (importante coleccionista de arte norteamericana), integraban ele-mentos que recuerdan a sus “móviles”. Las peinetas son un capítulo muy prolífico en su joyería, igual que sus broches, que solían llevar las iniciales de sus portadoras. Lo que diferenciaba su trabajo de la joyería tradicional era que, por ejemplo, las piedras, o los trozos de vidrio

v Muchas de sus piezas de joyería tenían las iniciales de quienes iban a lucirlas.

v La modelo Anjelica Houston usó este collar de Calder llamado “El marido celoso” para la tapa del New York Times Magazine (1976).


La costumbre de mostrar a los invitados a un banquete la representación de un esqueleto, era utilizada en la Antigua Roma como una oportunidad para hacer reflexiones filosóficas sobre la muerte. Si el poseedor era adinerado,

podría hacerlo fabricar en metales preciosos.En el mismo siglo, el recientemente surgido Cristia-

nismo, era perseguido por el Imperio Romano y no tenía templos ni permiso para manifestar sus creencias. Los de-votos se reunían en secreto en las Catacumbas y llevaban allí, lo único que tenían para improvisar algo parecido a

G La combinación de joyas y esqueletos, huesos o calaveras, no es nueva. Símbolos por excelencia de la muerte, estuvieron asociados también al luto, el peligro ante un ataque armado y por supuesto a lo efímero de la vida. Pero desde la década del 90, otro sentido estético las hizo tomar posesión de las pasarelas.Texto Lic. Marta Opacak

Calaveras: de “memento mori” a íconos de la moda

curiosidades

un altar, reliquias de algún santo o mártir, como trozos de su ropa o alguno de sus huesos. Cuando el emperador Constantino se convirtió a dicha religión en el siglo IV, todo cambió. El concepto de relicario para el culto oficial del estado, implicaba mantener los restos materiales de una figura religiosa en el mejor contenedor posible, ya que la gloria material del mismo, evocaba la gloria espi-ritual de aquella. A partir de entonces y durante toda la Edad Media, comenzarían a construirse numerosas obras de arte como el Relicario de San Eustaquio (c.1200, Basi-lea), que contiene fragmentos de su cráneo, en una estruc-

v Espectacular pulsera de

plata con engarce de granates

realizada por Federico Merlo.

www.ilcapitanoweb.com.ar


tura de oro decorado con gemas, que pretende reconstruir la imagen del santo, un general romano del emperador Trajano convertido, que murió martirizado por negarse a venerar su antigua fe.

La calavera era el ícono principal de los “memento mori” (del Latín “recuerda que eres mortal”), expresio-nes artísticas que acompañaban el entorno social de fines del siglo XVI y siglo XVII. Creados dentro del pensamien-to cristiano para no olvidar nunca que la vida terrenal y todos sus placeres duraban poco e indefectiblemente ha-bía que prepararse para merecer la vida eterna, estaban por ejemplo, en los relieves de la arquitectura religiosa y en las pinturas que decoraban los hogares burgueses y nobles conocida como “Vanitas”. Este género, incluía en su composición: un cráneo, junto a libros, frutas en descomposición, relojes de arena y coronas o joyas, para simbolizar que el saber, los manjares, el tiempo y el poder eran efímeros. Y no era extraño para una joven, recibir un anillo de compromiso con un cráneo o esqueleto. Una tipología específica dentro de la Joyería Sentimental, la Jo-yería de Luto, explotaría este tema como motivo.

Las piezas de luto estaban dedicadas a rendir tributo a seres amados que ya no estaban en este mundo. La parti-cular situación política de Inglaterra, durante la Dinastía Estuardo, hizo que estas joyas de carácter recordatorio, tuvieran que fabricarse para honrar a un rey muerto en una circunstancia muy especial. Durante la denominada Guerra Civil Inglesa, los partidarios del Parlamento y su líder Oliver Cromwell, tomaron la decisión de matar al rey, Carlos I en 1649 y establecer el gobierno republicano. Sin embargo muchos seguidores del ejecutado monarca,

siguieron recordándolo con objetos devocionales, aunque ser encontrado portando uno de ellos podía significar la cárcel o aún la muerte. Ejemplos de “Memento mori” y de distintas piezas de joyería de luto con la imagen del soberano se fabricaron, muchas veces insertados en cu-biertas o contenedores de cristal facetado conocidos como “Stuart Crystals”.

USO EN LA PIRATERÍA Y BATALLONES DE GUERRADos huesos cruzados debajo de un cráneo, un símbolo

que se utilizaba en los Cristales Estuardo, sería popular-mente conocido a partir del siglo XVIII, debido a su inclu-sión en la bandera pirata o “Jolly Roger”. Se la denomi-naba así por una deformación en idioma inglés de “jolie rouge” (bonito rojo), ya que las primeras banderas de este tipo, solían tener fondo rojo, como las insignias navales que con ese color indicaban, que no se daría tregua a los enemigos.

Las insignias militares también tomarían este di-seño en la misma época y con el término alemán “Totenkopf” (cabeza de hombre muerto), fue in-corporado por la caballe-ría del ejército prusiano de Federico II el Grande, para su 5to Regimiento de Húsares. Llevaban el emblema metálico sobre su colbac, un gorro de pelo de animal de forma cilíndrica.

v Relicario de San Eustaquio. British Museum.

v Ejemplos de

“Memento Mori” en

anillos y broches

barrocos.

v Peineta con el símbolo

de Jolly Roger.


curiosidades

Tras el desastre que supuso para Prusia la derrota de su ejército durante la invasión napoleónica, las fuerzas armadas debieron reorganizarse en 1808. Durante esta reestructuración, Federico Guillermo III en reconoci-miento a sus actos heroicos, transforma el 5º Regimiento de Húsares, en el “Leib-Husaren Regiment”, conocidos como “Húsares de la muerte”, que continuó utilizando el “Totenkopf”. Aunque fueron ellos, sus más famosos por-tadores, otras unidades militares de distintos países, tam-bién lo adoptaron. El cráneo siguió vigente en las tropas de asalto que llevaron a cabo las últimas ofensivas alema-nas de la Primera Guerra Mundial en 1918. A pesar de su siniestro recuerdo, son muy buscados por los coleccionis-tas, los anillos nazis de la SS de la Segunda Guerra Mun-dial representando en ellos los cráneos, la lealtad hasta la muerte.

EL TOQUE LATINO: CALAVERA CON NOMBRE DE MUJERLa Catrina, nació como un esqueleto, sólo vestido con

un sombrero elegante hecho de plumas de avestruz, crea-do como un grabado en metal, por el artista mexicano José Guadalupe Posada. Inicialmente bautizada por él con el nombre de “Calavera Garbancera”, la figura alu-día a los vendedores de garbanzos de la época anterior a su Revolución de 1910, que a pesar de ser pobres y tener sangre indígena, renegaban de ambas cosas pretendiendo ser europeos y vivir como tales. Cosa tan ridícula como un esqueleto desnudo con un sombrero tan elaborado. Sería Diego Rivera quien le daría su nombre femenino al representar la Catrina del brazo de su creador y vestirla de cuerpo entero en el mural “Sueño de una tarde domini-cal en la Alameda Central”. Más tarde, sería incorporada como símbolo de la muerte en la tradicional celebración del Día de los difuntos en dicho país y plasmada en dis-

tintos elementos decorativos a utilizarse en dicha celebra-ción como por ejemplo piezas de joyería.

SEXO, MODA Y ROCK AND ROLLMuchos diseñadores, principalmente de indumentaria

que incorporaron luego una línea de joyería a sus marcas, tomaron el tema de las calaveras, en principio inspirados por las celebrities del rock. El pionero entre estas últimas fue Keith Richards de Los Rolling Stones, que comenzó a llevar un anillo de plata con una calavera a principios de los ‘70, siendo imitado más adelante por Cliff Burton de Metallica, que llevaría dos, mucho antes de que se hiciese famoso su grupo. Un grande de la moda, Gianni Versace, incorpora una variante rebelde y a la vez romántica de la misma con su línea “Versus” de 1994, que incluye una

pulsera con un cráneo que tiene una rosa atravesando la boca. Y no se quedaría atrás Vivienne Westwood, la fun-dadora de la mítica boutique londinense “SEX” en los 70, que recibiría el título de “reina del punk”. Creó delicadas piezas con el símbolo de la Jolly Roger y otras que in-cluían esqueletos articulados, en diamantes y paladio, que no pierden vigencia.

El caso de Stephen Webster es diferente porque él se formó como un joyero tradicional en el distrito de Hatton Garden e inauguró su propio local en 1994. Su precisión

El pionero entre las celebrities del rock fue Keith Richards de Los Rolling Stones, que comenzó a llevar un anillo de plata con una calavera a principios de los ‘70

v “La Catrina”, una

calavera con nombre de

mujer, creada por José

Guadalupe Posada.

v Broche y aros de

esqueleto. Diseño de

Vivienne Westwood.


v Keith Richards luciendo su emblemático anillo.

v El difunto bajista de Metallica adoptó las calaveras para su imagen.


curiosidades

conocido como su joyero favorito: Shaun Leane. El fue el autor en 1998 del “Spine Corsé” (corset de la colum-na vertebral). La pieza era una caja torácica, realizada en aluminio, que la modelo lucía debajo de las prendas de Mc Queen como si fuera un corset. Alexander, quería que se viese la belleza de la estructura ósea por encima de las prendas, contrariamente a la realidad. Esta pieza y otras similares que crearía la marca fueron calificadas como “joyería para rodear el cuerpo”.

Dos ítems serían los mayores éxitos comerciales de la línea de joyería de Mc Queen. El primero adoptado inme-diatamente por el público consumidor e imitado hasta el cansancio, fue una pequeña cartera de fiesta o “clutch” con cierres con calaveras realizadas en metales preciosos y gemas. Y el segundo, una pieza que agrupa cuatro anillos de nudillos con el mismo motivo. Una variedad de estos dos ítems, con calavera alada, le costaría a la casa Mc Queen, un juicio millonario a cargo de los que patenta-ron el símbolo por primera vez en 1948, los Hell’s Angels. Esta cofradía de motociclistas, había realizado entonces su inscripción en la Oficina de Patentes y Marcas Comer-ciales de los Estados Unidos y tenía los derechos de su uso en todo tipo de objetos, joyas y ropa. Por lo tanto la deman-da sostenía que tanto la firma Mc Queen como los lugares donde se vendían las piezas, habían violado los términos de dicha ley. Y hubo que retirar los productos de la venta para que se solucione la disputa.

A pesar del refrán, digamos luego de verlas aplicadas a tantos ejemplos de joyería que cada “calavera no chilla”, más bien ¡brilla!

técnica, inspiración creativa e increíble capacidad de trabajo lo convirtieron en el megaempresario talentoso que es hoy en día, adorado por celebrities del cine y el rock. Las calaveras de Stephen, como un conocido ani-llo denominado “Skull and Bones” (calavera y huesos) tienen ojos de rubí y detalles en zafiro. En 2009, Victoire de Castellane, diseñadora de la línea de joyería Dior Joaillerie (inaugurada en el 2000), creó una colección de joyas con calaveras que representaban reyes y reinas de naciones imaginarias: “Reines et Rois”. Las calaveras eran talladas en gemas, generalmente de colores vivos, que daban nombre al personaje: Reina de Ópalo, Reina de Crisopraso, Rey de Jaspe, etc. Y estaban festoneadas

y coronadas con diamantes. Hubo quien las asoció a la escultura de calavera de platino con 8.601 diamantes in-crustados creada por el artista plástico Damien Hirst en 2007, que fue cotizada en 10.000.000 de Libras Esterlinas.

Pero quien hizo de la calavera su sello distintivo y ca-racterístico que se apoderaría de las pasarelas fue Alexan-der Mc Queen. Este “enfant terrible” de la moda, trabajó en su firma, con varios joyeros, pero las primeras produc-ciones relacionadas con esqueletos y huesos vinieron del

Alexander, quería que se viese la belleza de la estructura ósea por encima de las prendas, contrariamente a la realidad

v Broches de

Calaveras de Stephen

Webster.

v El sello inconfundible de

Victoire de Castellane para Dior.

v “Spine Corsé”

de Shaun Leane

para Alexander

Mc Queen

v Anillos de calaveras de Co&Co

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La era comienza oficialmente la mañana del 20 de junio de 1837 con la coronación de la joven Reina Victoria y termina con su fallecimiento en el año 1901, teniendo 82 años de vida y 63 años de reinado, convirtiéndose en el reinado

mas largo de la historia de los monarcas británicos.Durante estos años la revolución industrial alcanzó su máximo grado de desarrollo y, como resultado, toda la industria viviría una época de gran euforia. Con el de-sarrollo de tecnologías de producción en gran escala, se sustituye el trabajo manual, prescindiendo de muchos trabajadores, y de esta forma repercutiendo directamen-te en todas las ramas de la creación humana. Fue también una época de grandes inventos y avances. Edison presenta la bombilla eléctrica y los hermanos Lu-mière aplican la física para desarrollar el cine. Hoffman inventa la aspirina y Freud comienza a estudiar la mente. Stevenson escribe una de las novelas más leídas que pro-fundiza en el comportamiento humano: Dr. Jekyll and Mr. Hyde. La música deja la moderación del clasicismo y da paso a una vibrante expresión de sentimientos, dando lugar al Romanticismo con Ludwig Van Beethoven como referente máximo, así también como con Schubert, Men-

G Nombrado en honor a la Reina Victoria. Irradia sentimentalismo y simbolismo, incorporando los más variados y eclécticos motivos influenciados por los egipcios, el renacimiento y los etruscos. Texto Miriam Testorelli. Directora de Joyería Testorelli 1887 www.testorelli.com

El Victoriano: el romanticismo en todas sus formas

historia

delssohn, Schumann y Berlioz. El romanticismo tam-bién se traslada a la pintura, destacando la supremacía emocional sobre la racional con sus máximos represen-tantes: Goya, Matisse, Rousseau, entre otros. En Estados Unidos se inaugura la Estatua de la Libertad y Abraham Lincoln es elegido presidente mientras en Rusia el Zar Alexander II elimina la esclavitud feudal.

NUEVAS TÉCNICAS DE PRODUCCIÓN A GRAN ESCALA De estos grandes cambios tecnológicos la joyería y la relojería obtuvieron varios beneficios. Es durante este periodo, por ejemplo, que se fundan las grandes firmas productoras de relojes suizos como Longines, Patek Phi-llipe, Cartier, Omega, Tissot, Tag Heuer, Audemars Piguet y Movado. La energía manual utilizada para estampar un cuño de metal, poco a poco fue remplazada por la máqui-na de vapor, el gas y por la fuerza hidráulica, resultando en la obtención de formas, de manera rápida, precisa y en grandes cantidades, lo que provoca una reducción de las horas de trabajo de los artesanos y consecuentemente en el precio final de la joya. Los lapidadores se sirvieron también de estas nuevas fuentes de energía para aumen-tar la velocidad de sus tornos y así obtener nuevas tallas


con mayor número de facetas; el platino, descubierto con anterioridad, debido a su alto grado de fusión fue aprove-chado recién en esta época gracias a las nuevas fuentes de calor, principalmente obtenidas de la quema de carbón mineral.De la mano del espíritu tecnológico viene la reducción de costos, dando como resultado que la nobleza y los comerciantes más ricos ya no fueran las únicas personas que se podían permitir una selección de joye-ría para acentuar su guardarropa. En 1854 fue permitido legalmente en Gran Bretaña, rebajar las ligas de oro a 15K, 12K y 9K. También fue introducido el doublet, que consistía en cubrir con una lámina de oro un metal económico. La técnica de galvanización, originalmente desarrollada en Italia, fue aplicada a mediados de 1840 de diferentes formas, como por ejemplo en el proceso llamado “Electroformatura” que consiste en depositar una delgada capa de oro o pla-ta sobre una pieza a través de una corriente eléctrica, o también la plata “Vermeille” que consiste en una fina capa de oro sobre la base de plata de ley.

ª Retrato de la Reina Victoria en 1845. Para Victoria y Albert, el arte en general era una parte importante de la vida cotidiana y una manera de expresar su amor.ª Anillo de luto con microfotografía del Príncipe Albert(1819-1861) Foto: The Royal Collection

LAS JOYAS DE LA REINALa Reina Victoria amó las joyas, las diseño, las uso y las dio como regalo a sus amigos y familiares mas allega-dos. Sus preferencias marcaron tendencia en el diseño y comercio de joyería en Londres durante toda su vida, y sobre todo luego del fallecimiento de su amado esposo Albert en 1861, cuando adopta el luto hasta el final de su vida. Con él, el negro también es introducido en la joye-ría con diseños tenues, austeros y sombríos. Estas piezas se destacan por tener piedras pesadas y oscuras, particu-larmente el azabache, así como el ónix, la amatista y los

granates rojo profundo.La reina Victoria se lleva también el crédito de

la popularización de la pulsera encanto o “charm”, como la conocemos hoy. Un

ítem de joyería utilizado alrededor de la muñeca, que lleva colgados “encantos personales” de gran significado para el usuario. Fue

con la reina que este tipo de joyería pasó de ser una herramienta práctica a

convertirse en una joyería decorativa.

LA JOYERÍA VICTORIANAEn lo que hace a este estilo de joyería, es un estilo ecléc-tico, con una revalorización de lo antiguo. Los diseños tienen un gran interés en motivos figurativos y temas sentimentales, destacándose las flores, los árboles y los pájaros. Hay dos técnicas que los orfebres desarrollan particularmente durante esta época y son el repoussé (repujado) y el cannetille (imbricado trabajo realizado en filigranas de hilos retorcidos). Los orfebres más reco-

ªPulsera “charm” con imágenes en homenaje a seres queridos..


historia

nocidos fueron Castellani y Giuliano, siendo este último considerado como el orfebre más grande del siglo XIX. También hay una gran producción de joyas dónde se empleaba el cabello humano como materia prima, dan-do lugar a creaciones de rara belleza y mucha destreza en el tejido de los mismos.

TRES ETAPAS DIVIDEN EL PERÍODO VICTORIANOEl temprano Victoriano o Periodo Romántico (1837- 1860) se corresponde con una reina joven, plena de vida y enamorada de su reciente esposo Alberto. En la joye-ría, el mundo de la naturaleza inspiro estilos y motivos. El oro era usado en todas sus formas, a veces acompaña-do de esmaltes, o con gemas de color. Durante el día se utilizaban joyas más económicas realizadas en marfil, carey, coral, o perlas barrocas, y para la noche el oro y las gemas eran las estrellas. Los aros se usaban en lon-gitudes importantes y las gargantillas eran usadas cortas y con gemas colgando en el centro. Uno de los modelos más elegidos en pulseras, era el de hebilla de cinturón, sobre mallas tejidas de oro.

Tanto a los motivos como a las gemas se les atribuían significados especiales y propiedades mágicas, como las serpientes presentes entre las joyas de la Reina, que simbolizaban sabiduría y eternidad relacionadas a la fidelidad y el amor. Uno de los accesorios que se volvie-ron muy populares, fueron los Lorgnette, una suerte de lentes sin patillas, con un pequeño mango que permitía acercarlos a los ojos.

El Medio o Alto Victoriano también conocido como el Gran Periodo (1860-1885) es un momento marcado por el luto, con el fallecimiento de la madre de la Reina Vic-toria y su esposo Alberto durante el mismo año, y con el comienzo de la Guerra Civil en Estados Unidos. A ambos lados del Atlántico, los “lockets” se convirtieron en un accesorio de moda muy importante: dijes en forma de caja que atesoraban la memoria de un ser querido cerca del corazón, podrían contener un rizo de cabello o los primeros ejemplos de la fotografía (daguerrotipos) en compartimientos secretos. Gracias a los descubrimien-tos arqueológicos del momento, las tendencias fueron

ª Las piezas conmemorativas son muy características de la época.


los convierten en gemas muy accesibles y son adoptados para la joyería de este tiempo, acompañados por gemas de colores pálidos o sin color, como ópalos o piedras lu-nares. También se usan el marfil tallado con motivos bo-tánicos y las perlas, aplicadas en gargantillas cortas o en collares de varias vueltas, con separadores de baguettes y diamantes engarzados. Las mujeres usan menos joyas, y en tamaños menos importantes. La regla: “menos es más”, fue adoptada en las joyas de este período, dando paso de a poco al Art Nouveau.

influenciadas y materializadas en las creaciones con téc-nicas como el esmaltado y la granulación que consiste en la realización de diseños utilizando micro esferas de oro. Las gemas usadas fueron las amatistas, granates, cristales, esmeraldas, diamantes, ónix negro, azabache, ópalo, perlas, rubíes, vidrio negro, marfil y carey. Moti-vos de estrellas y lunas acompañan los diseños. Es este el período más lujoso y opulento de la era Victoriana.En el Victoriano tardío o Periodo Estético (1885- 1901), los descubrimientos de minas de diamantes en África

ª Los elaborados peinados recogidos favorecían la utilización de accesorios en el pelo, así como importantes aros y gargantillas.


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Realización de diseños variados de joyas no clásicas, sobre metales, combinando técnicas y materiales no convencionales. Diseño de accesorios para la moda (marroquinería, calzado e indumentaria).El diseño de una Joya al igual que la elaboración de cualquier obra de arte requiere grandes dosis de creatividad, no solo se trata de diseñar una pieza que resulte bella a la vista, sino que se trata de algo más. Una pieza de joyería debe ser capaz de transmitir emociones.Dirigido a aquellas personas que quieran desarrollar su imagen y sus propias colecciones.Clases de 3 hs prácticas.Frecuencia: 1, 2 o 3 veces por semana con profesor.Horarios: 10,30 hs., 14 hs. ó 17 hs.Los aranceles incluyen el acceso al taller para prácticas de hasta 2 horas todos los días.

Curso Esmalte sobre metales para joyería

Aprendizaje de diversas técnicas de esmaltado a fuego sobre metales para joyería, bijouterie y objetos pequeños.Dirigido a aquellas personas que quieran desarrollar su imagen y sus propias colecciones.vUn trabajo de esmalte por clasevModalidad prácticavEsmalte a fuego utilizando soplete y hornovAplicación en piezas de joyeríaProf.: Leonardo GreccoDuración: 2 módulos de 4 cleses cada uno.No es necesario tener conocimientos previos.

Seminario Compra-Venta de Metales Preciosos

Capacitación inmediata para com-pra/venta de metales preciosos en alhajas y objetos de arte.Dirigido a coleccionistas, comercian-tes, anticuarios, etc.Programa:Metales utilizados en joyería y orfe-brería, sus características, títulos y aleaciones. Peso especifico. Puntos de fusión. Tratamientos galvano-plásticos. Rodinado. Doublet. Técnicas de reconocimiento del metal a través de la prueba de toque con ácidos. Preparación de los ácidos. Composición y proporción. Reconocimientos punzones. Nomenclatura internacional. Otros metales: Hierro, paladio, rodhio, cobre, bronce, acero, etc.

v Clases personalizadas.Prof.: Carlos LeporaceDuración: 1 Clase de 90 minutosFecha y horario: A coordinar con el docente

Curso Capacitación para alta joyería

vRealización de trabajos con sistemas y articulaciones.vReproducción de piezas antiguas de diferentes estilos con plata, oro de diferentes colores y platino. Prof.: Alejandra GonzálezClases de 3 hs prácticas.Frecuencia: 1, 2 o 3 veces por semana con profesor.Los aranceles incluyen el acceso al taller para prácticas de hasta 2 horas todos los días. Requisitos: Haber cursado Joyería 1º Nivel

Calendario Mayo-Junio 2014Complejo Educativo de Joyería Libertad 145 6º piso, Cap. Fed. Teléfonos: (011) 4381.5544/ 4383.4483E-mail: [email protected] Web: www.escueladejoyeria.com.arHORARIO SECRETARIA: Lunes a Jueves de 10,30 a 20 hs. Sábados hasta las 13,30. Teléfono: 4381-5544/ 4383-4483

COMPLEJO EDUCATIVO DE JOYERIA ( CEJ)

estilo joyero nro 74 - mayo 2014

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