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PINTORES

ESPAÑOLES 03

BARTOLOME

ESTEBAN

MURILLO

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> Murillo. Bartolomé Esteban Murillo

BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILL0

Nacionalidad: España Sevilla (1617) - Sevilla (1682) Estilo: Barroco Español

Bartolomé Esteban Murillo es quizá el pintor que mejor define el Barroco español. Nació en Sevilla, donde pasó la mayor parte de su vida, en 1617. La fecha exacta de su nacimiento nos es desconocida pero debió ser en los últimos días del año ya que fue bautizado el 1 de enero de 1618 en la iglesia de la Magdalena. La costumbre en la Edad Moderna era bautizar al neonato a los pocos días del nacimiento por lo que los especialistas se inclinan a pensar en esta posibilidad. Su padre era un cirujano barbero llamado Gaspar Esteban y su madre se llamaba María Pérez Murillo, siendo este último apellido materno el elegido por el artista para darse a conocer en el mundo artístico sevillano. Constituían una familia numerosa y el pequeño Bartolomé era el hijo número catorce. La situación económica de la familia era bastante aceptable y el futuro pintor se criaría sin estrecheces. Pero en cuestión de un año fallece el padre (1627) y la madre (1628) por lo que el joven Bartolomé pasará al cuidado de su hermana Ana, casada con un barbero cirujano de nombre Juan Agustín de Lagares. Las relaciones entre los cuñados serían muy buenas, tal y como atestigua que Murillo fuera designado albacea testamentario por su cuñado. No disponemos de más datos hasta que en 1633 firma un documento en el que declara su intención de emigrar al Nuevo Mundo. El viaje lo realizaría con su hermana María, su cuñado el doctor Gerónimo Díaz de Pavía y su primo Bartolomé Pérez. Pero el dicho viaje nunca se produciría y Murillo inicia su aprendizaje artístico con Juan del Castillo, en cuyo taller permanecerá cinco años. Palomino dice que Del Castillo era tío de Murillo aunque no podemos asegurarlo categóricamente; posiblemente existiera entre ambos algún parentesco y esto pesó a la hora de hacer la elección. Del Castillo no era un artista de primera fila pero sus trabajos eran respetados en el ambiente artístico sevillano y tenía un buen número de encargos, colaborando Alonso Cano en el taller. Los primeros cuadros de Murillo están muy influidos por el estilo del maestro como se puede apreciar en la Virgen del Rosario con santo Domingo. El estilo de Cano apenas se puede apreciar en estas obras, posiblemente porque el granadino dedicaba más tiempo a la escultura. En 1645 Murillo recibe su primer encargo de importancia. Se trata de la serie de trece lienzos para el Claustro Chico del convento de San Francisco en Sevilla. En estas obras muestra una notable influencia de Van Dyck, Tiziano y Rubens, lo que hace pensar a algunos en un posible viaje a Madrid, apoyándose en los datos aportados por Palomino y Ceán Bermúdez. No existe base documental para apoyar esta teoría por lo que si realizó el viaje a la Corte quedó en el más absoluto anonimato. Este año de 1645 será de gran importancia para el artista porque se casa el 26 de febrero. La elegida se llamaba Beatriz Cabrera y Villalobos, joven sevillana de 22 años, vecina de la parroquia de la Magdalena donde se celebró el enlace. En los 18 años que duró el matrimonio tuvieron una amplia

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descendencia: un total de nueve hijos. El éxito alcanzado con la serie del Claustro Chico -al aportar un estilo más novedoso que los veteranos Herrera el Viejo o Zurbarán- motivará el aumento del número de encargos. Por ello en 1646 ingresa en su taller un joven aprendiz llamado Manuel Campos al tiempo que debe buscar una casa más amplia para organizar un taller. Se traslada a la calle Corral del Rey donde sufrió la terrible epidemia de peste que asoló la zona de Andalucía -y en especial Sevilla- en 1649. La mitad de la población de la capital perdió la vida y entre los muertos debemos contar a los cuatro pequeños hijos del matrimonio Murillo. La crisis económica que vive la ciudad no impide que los encargos continúen a buen ritmo, siendo uno de los más importantes el enorme lienzo de la Inmaculada Concepción para la iglesia de los Franciscanos, llamada "La Grande" por su tamaño. En 1658 se traslada a Madrid donde es muy probable que conociese a Velázquez, quien le pondría en contacto con las colecciones reales donde tomaría contacto con la pintura flamenca y veneciana. Alonso Cano, Zurbarán y los artistas madrileños de esta generación también pudieron ser visitados por el sevillano pero no existen documentos que nos lo aseguren. A finales de 1658 Murillo está de nuevo en Sevilla, apareciendo como vecino de la parroquia de Santa Cruz donde permaneció hasta 1663 que se trasladaría a la de San Bartolomé. Los numerosos encargos que recibía le permitían disfrutar de una saneada economía, complementando estos ingresos con las rentas de sus propiedades urbanas en Sevilla y las de su mujer en el pueblo de Pilas. Tenía tres aprendices en el taller y una esclava que colaboraba en las tareas del hogar. El 11 de enero de 1660 funda una Academia de Dibujo en Sevilla, en colaboración con Francisco de Herrera el Mozo. Los dos artistas compartieron la presidencia durante el primer año de funcionamiento de esta escuela en la que los aprendices y los artistas se reunían para estudiar y dibujar del natural, por lo que se contrataron modelos. La presidencia de la Academia será abandonada por Murillo en 1663, siendo sustituido por Juan de Valdés Leal. Precisamente será en 1663 cuando Murillo quede viudo al fallecer su esposa como consecuencia del último parto. De los nueve hijos sólo sobrevivían en aquel momento cuatro: Francisca María, José, Gabriel y Gaspar. Gabriel partió para América en 1677 y los tres restantes siguieron la carrera religiosa, llegando Gaspar a ser canónigo de la catedral sevillana . El periodo más fecundo de Murillo se inicia en 1665 con el encargo de los lienzos para Santa María la Blanca -el Sueño del Patricio y el Patricio relatando su sueño al Papa Liberio- con lo que consiguió aumentar su fama y recibir un amplio número de encargos: las pinturas del retablo mayor y las capillas laterales de la iglesia de los capuchinos de Sevilla y las pinturas de la Sala Capitular de la catedral sevillana . Ese mismo año de 1665 Murillo ingresa en la Cofradía de la Santa Caridad lo que le permitió realizar uno de sus trabajos más interesantes: la decoración del templo del Hospital de la Caridad de Sevilla, encargo realizado por don Miguel de Mañara, un gran amigo del artista. La fama alcanzada por Murillo se extenderá por todo el país, llegando a la corte madrileña donde, según cuenta Palomino, el propio rey Carlos II invitó a Murillo a asentarse en Madrid. El artista rechazó el ofrecimiento alegando razones de edad. En 1681 Murillo aparece documentado en su nueva residencia de la parroquia de Santa Cruz. Allí recibió el último encargo: las pinturas para el retablo de la iglesia del convento capuchino de Santa Catalina de Cádiz. Cuando trabajaba en esta encargo sufrió una caída al estar pintando las partes superiores del cuadro principal. A consecuencia de la caída, algunos meses más tarde, falleció el 3 de abril de 1682, de manera repentina ya que no llegó a acabar de dictar su testamento. En él pide que se le entierre en la parroquia de Santa Cruz y que se digan unas misas por su alma, nombrando como albaceas a su hijo Gaspar Esteban, don Justino de Neve y Pedro Núñez de Villavicencio. Los herederos de la pequeña fortuna acumulada serían sus hijos Gaspar y Gabriel. Según su primer

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biógrafo, Sandrart, en el entierro de Murillo hubo una gran concurrencia de público y el féretro fue portado por dos marqueses y cuatro caballeros. Siguiendo el testamento, fue enterrado en una capilla de la iglesia de Santa Cruz, templo que fue destruido por las tropas francesas en 1811. Una placa colocada en la plaza de Santa Cruz en 1858 señala el lugar aproximado donde reposan los restos del gran artista sevillano. Dos elementos clave en la obra de Murillo serán la luz y el color. En sus primeros trabajos emplea una luz uniforme, sin apenas recurrir a los contrastes. Este estilo cambia en la década de 1640 cuando trabaja en el claustro de San Francisco donde se aprecia un marcado acento tenebrista, muy influenciado por Zurbarán y Ribera. Esta estilo se mantendrá hasta 1655, momento en el que Murillo asimila la manera de trabajar de Herrera el Mozo, con sus transparencias y juegos de contraluces, tomados de Van Dyck, Rubens y la escuela veneciana. Otra de las características de este nuevo estilo será el empleo de sutiles gradaciones lumínicas con las que consigue crear una sensacional perspectiva aérea, acompañada del empleo de tonalidades transparentes y efectos luminosos resplandecientes. El empleo de una pincelada suelta y ligera define claramente esta etapa. Las obras de Murillo alcanzaron gran popularidad y durante el Romanticismo se hicieron numerosas copias, que fueron vendidas como auténticos "Murillos" a los extranjeros que visitaban España.

Cronología de Bartolomé Esteban Murillo 1638 Virgen entregando el rosario a Santo Domingo 1638-40 1640

San Antonio (Dibujo) La visión de fray Luterio Las dos Trinidades

1645 1645 1645-46

Niño espulgándose San Francisco Solano y el toro Fray Junipero y el pobre La bendición de Gil por el Papa Gregorio IX

1645-50 La gallega de la moneda La Inmaculada Concepción de Esquilache El horneado de las tortas San francisco de Asís rezando Arrepentimiento de San Pedro

1646 La cocina de los ángeles San Diego San Francisco La muerte de Santa Clara Adoración de los pastores Santo. Rodríguez

1647-50 La huida a Egipto

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1650 1650-55

Dos niños comiendo melón y uvas Sagrada Cena Inmaculada concepción Santa Ana enseñando a leer a la Virgen Sagrada familia del pajarito Virgen del Rosario Virgen con niño Rebeca y Eliécer Santa Catarina de Alexandria Virgen del Rosario (Italia) La Anunciación Magdalena Penitente

1653 Magdalena penitente 1655 1655-60

Adoración de los pastores Nacimiento de San Juan Bautista Cuatro figuras San Ildefonso San Isidoro San Lesmes San Juan muestra a Jesús Santiago Peregrino Niño con perro Virgen y San Bernardo Bautismo de Cristo Retrato de Andrés de Andrade y la Col San Leandro El niño Jesús y San Juan Virgen con el niño Huida a Egipto Sagrada Familia con San Juan niño Virgen con niño

1656 Inmaculada del Escorial Visión de San Antonio de Padua San Antonio con el niño

1658-60 La Inmaculada Concepción de Aranjuez 1660 1660-65

Anciana espulgando a un niño El Buen Pastor Niño La Dolorosa La Sagrada Familia Nacimiento de la Virgen San Juan Bautista niño El Hijo Prodigo reclama su parte de la herencia La despedida del hijo prodigo El Hijo Prodigo hace vida disoluta Expulsan al Hijo Prodigo El Hijo Prodigo apacienta a los cerdos El regreso del Hijo Prodigo La Anunciación Santa Justa El sueño de Jacob

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1660-70

Santa Rufina Virgen de la Faja Adoración de los Magos La Dolorosa Cristo en la cruz La Sagrada Familia

Cristo en la Cruz 1664 Virgen de la Servilleta

El cazador La muerte del inquisidor Pedro de Arbues

1665 Niños jugando a los dados D. Justino de Neve Sueño del Patricio Visita al Pontífice

1665-66 1665-1670

San Leandro y San Buenaventura José y el niño Jesús San Francisco en la Porciuncula San Miguel Liberación de San Pedro Santas Justa y Rufína Anunciación Sagrada familia o la Virgen de Sevilla Descanso en el viaje a Egipto Isaac bendiciendo a Jacob Visión de San Agustin

1667 Santa Isabel de Hungría curando a los niños 1667-70 Cristo sanando a un paralítico en la piscina de Betzata

Moisés y el agua de la roca de Orbe Abraham y los ángeles

1668 Santo Tomas de Villanueva 1668-69 1668 1668-70

San Francisco Adoración de los pastores Ecce Homo La Sagrada Familia

1670 Autorretrato Caballero de golilla La Virgen y el Niño con Santa Rosalía de Palermo Santo Tomás La caridad de Santo Tomas de Villanueva Josua van Belle Niño Jesús dormido La Inmaculada Concepción Invitación al juego de pelota a pala Joven y su Dueña Muchacha con flores Niños comiendo pastel Niños de la concha Tres muchachos Visión de San Francisco en la Porciúncula La Asunción de la Virgen

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Virgen con niño Retrato de un noble

1670-75 Las Bodas de Caná La Sagrada Familia Joven frutera St . Joseph leading the Christ Child

1670-1680 Joven asomado al alfeizar de una ventana Visión de San Antonio de Padua

1672 Nicolás de Omazur San Juanito y el cordero Virgen con niño

1675-82 Dos Trinidades Crucifixión

1678 Inmaculada de los venerables o de Soult El niño Jesús repartiendo pan a los peregrinos

1680 Martirio de San Andres Presentación de la Virgen en el Templo Paisaje

1682 Desposorios místicos de Santa Catalina

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Titulo: Virgen entregando el rosario a Santo Domingo, 1638-40 Museo: Palacio Arzobispal Sevilla Características: Óleo sobre lienzo 207 x 162 cm.

Hasta el presente se considera esta obra como la más temprana que conocemos de Murillo. Procede del convento de los Padres Dominicos de Santo Tomás en Sevilla y en su composición y técnica el pintor se presenta heredero de maestros de generaciones anteriores. Murillo todavía no ha creado un estilo personal y por eso en el dibujo muestra evidentes influencias de su maestro, Juan del Castillo, especialmente en los rasgos delicados y finos con los que describe los rostros y las sonrisas insinuadas. En el rompimiento de Gloria que aparece en la zona superior -formado por ángeles mancebos que tocan música y cantan mientras que angelitos arrojan flores a santo Domingo- se constata la influencia de Juan de Roelas. Los ropajes que cubren a los personajes estarían inspirados en Zurbarán, sobre todo el modelado recio de los pliegues. Quizá por esta amalgama de influencias, algunos especialistas consideran, injustificadamente, que no se trata de una obra salida de los pinceles de Murillo.

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Titulo: San Antonio 1638-1640 Museo: Fitzwilliam Características: Dibujo

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Título: La visión de fray Lauterio h. 1640 Museo: Fitzwilliam Museum at the University of Cambridge Características: Óleo sobre lienzo de 217.8 x 172.1 cm.

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Titulo: Las dos Trinidades 1640 Museo: Museo Nacional Características: Óleo sobre lienzo

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Titulo: Joven mendigo. 1645-50 (Niño espulgándose) Museo: Museo del Louvre Características: Óleo sobre lienzo 134 cm x 100 cm. Al margen de su abundante producción religiosa, Murillo nos dejó con este niño que se despioja, representado en tamaño natural, una de las más penetrantes visiones de la infancia. De inspiración caravaggiesca, el cuadro describe sin complacencia a un joven sevillano con los pies sucios y con vestimentas andrajosas en un lugar de rústica desnudez. Pero la dificultad reside en el efecto del rayo de sol impreso en el material pictórico con un cuidadoso naturalismo, que llamará la atención de los pintores franceses del XIX que buscaban la novedad, como Manet.

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Título: San Francisco Solano y el toro h. 1645 Museo: Patrimonio Nacional Alcázar de Sevilla Características: Óleo sobre lienzo de 157 x 225 cm.

Es uno de los cuadros de Murillo menos conocido y tal vez menos identificable del artista. Se trata de una de las primeras obras que se conservan del pintor, cuando debía contar 28 años. Seguramente procede del convento de San Francisco de esta ciudad, formando parte de una serie de importantes cuadros, en los cuales Murillo sigue la tradición zurbaranesca. Tal vez fue depositado en el Alcázar por los franceses en 1810 aunque no figura en el Inventario que publicó Gómez Imaz. Francisco Solano (1549-1610) fue un franciscano español, quien en los últimos veinte años de su vida evangelizó el Perú, adiestrando también a sus gentes en las tareas agrícolas. La ejecución del cuadro debió hacerse basándose en el libro de Diego de Córdoba: La vida, virtudes y milagros del apóstol del Perú, venerable padre fray Francisco Solano (Madrid, 1643). El misionero fue beatificado en 1675 y canonizado en 1726 por Benedicto XIII. Del cuadro existe un dibujo preparatorio en el Museo de Boston. Representa al santo conduciendo al toro bravo que había escapado del coso, al cual ha apaciguado con el poder de su palabra, utilizando como rienda el cordón de su hábito.

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Titulo: Fray Junípero y el pobre 1645-1646. Museo: Museo del Louvre. París. Francia Características: Óleo sobre lienzo. 176 x 222 cm.

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Titulo: La bendición de Gil por el papa Gregorio IX 1645-1646. Museo: Museo de Arte de Carolina del Norte. Carolina del Norte. USA. Características: Óleo sobre lienzo. 166,3 x 186 cm.

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Titulo: La gallega de la moneda (1645-1650) Museo: Museo del Prado. Madrid. España. Características :Óleo sobre lienzo (63 x 43 cm) Bartolomé E. Murillo dedicó la mayor parte de su obra a temas religiosos, aunque no olvidó otros géneros. Son conocidos sus trabajos dedicados al tema de la vida callejera, como Mujeres de la ventana o como éste, La gallega de la moneda. La mujer representada en el cuadro transmite una sensación de optimismo enmarcada en un estupendo juego de telas, luces y sombras que aportan relieve. A partir de 1981, hay autores que atribuyen esta pintura a uno de los discípulos de Murillo.

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Titulo: La Inmaculada Concepción de Esquilache 1645 Museo: Características: Óleo sobre lienzo 235x196 cm

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Título: El horneado de las tortas 1645 - 1650

Museo: Hermitage Museum, Saint Petersburg, Russia Características: Oil on canvas. 164.5x120.5 cm.

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Título: San Francisco de Asís rezando 1645-50 Museo: O.-L. Vrouwekathedraal, Antwerp Características: Óleo sobre lienzo de 182 x 129 cm.

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Título: San Pedro 1645-1650 Museo: Características: Óleo sobre lienzo de 120 x 96.5 cm.

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Titulo: La cocina de los ángeles, 1646 Museo: Museo Nacional del Louvre Características: Óleo sobre lienzo 180 x 450 cm.

El primer encargo importante que recibe Murillo será la realización de una serie de pinturas para el claustro chico del Convento de San Francisco en Sevilla. El éxito obtenido le consagró en su ciudad natal, compitiendo con el propio Zurbarán y con Herrera el Viejo. La temática de la serie gira alrededor de la ideología franciscana, dedicándose a exaltar las virtudes de la Orden: el espíritu de pobreza y su amor hacia los pobres y la práctica de la caridad. La cocina de los ángeles es uno de los mayores de la serie. En él se narra un episodio de la vida de Fray Francisco Pérez, fraile cocinero de profunda devoción que alcanzaba el éxtasis en lugar de realizar sus trabajos. La recompensa vino del cielo al ser enviados un grupo de ángeles para realizar las tareas que el fraile no hacía, evitando así la reprimenda de sus superiores. El centro de la escena lo ocupan dos ángeles que enmarcan al fraile, arrodillado y en levitación, rodeado de una aureola dorada. En el fondo aparece la puerta abierta y un fraile que contempla el milagro: diversos ángeles están trabajando en una típica cocina conventual donde se muestran las ollas, el fogón, las viandas sobre la mesa, los platos, etc. Los angelitos se dispersan por el escenario para crear una mayor sensación de profundidad. Murillo emplea intensos efectos de claroscuro tomados del tenebrismo que en aquellos momentos estaba cosechando un importante éxito en la capital andaluza gracias a Zurbarán. El empleo de una luz dorada resalta las tonalidades empleadas, especialmente pardas. El naturalismo utilizado en los personajes terrenales contrasta con la cierta idealización que emplea Murillo en los ángeles, cuyos cabellos y rostros denotan una belleza sobrenatural.

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Titulo: San Diego 1646 Museo: Real Academia de Bellas Artes de San Fernando Características: Óleo sobre lienzo

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Titulo: San Francisco 1646 Museo: Real Academia de Bellas Artes de San Fernando Características: Óleo sobre lienzo

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Titulo: La muerte de Santa Clara 1646. Museo: Dresde, Gemäldegalerie Alte Meister Características:Óleo sobre lienzo. 189,5 x 446 cm.

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Titulo: Adoración de los Pastores 1646 Museo: Museo del Hermitage. San Petersburgo. Rusia. Característica: Óleo sobre lienzo 197x147 cm.

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Título: St. Rodriguez. . 1646-1655. Museo: Alte Meister Gallerie, Dresden, Germany. Características: Óleo sobre lienzo.

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Titulo: La huida a Egipto 1647-50 Museo: Instituto Detroit de Arte Características: Óleo sobre lienzo

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Titulo: Dos niños comiendo melón y uvas, 1650 Museo: Neue Pinakothek, Munich Características: Óleo sobre lienzo

Murillo se convertirá en uno de los principales pintores infantiles del Barroco, tanto a la hora de representar figuras divinas como el Niño Jesús o San Juanito o personajes absolutamente reales como estos niños que aquí observamos. Se trata de una obra juvenil, fechada entre 1645-50 y en ella apreciamos la influencia naturalista en la pintura de Murillo. Las dos figuras aparecen ante un edificio en ruinas, interesándose el artista por presentarlos como auténticos pícaros, destacando sus ropas raídas y sus gestos de glotonería. Los detalles están captados a la perfección -especialmente las frutas- creando Murillo una apreciable sensación de realidad. La pincelada comienza a adquirir una mayor soltura y los efectos de vaporosidad y transparencia empiezan a surgir gracias a su contacto con Herrera y la pintura veneciana.

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Titulo: Sagrada Cena 1650. Museo: Iglesia de Santa Maria la Blanca. Sevilla. España. Característica: Óleo sobre lienzo. 265 x 265 cm.

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Titulo: Inmaculada Concepción, 1650 h. Museo: Museo BB.AA. Sevilla Características: Óleo sobre lienzo 436 x 292 cm.

Hacia 1651 los franciscanos de Sevilla encargan a Murillo una Inmaculada para situarla en el arco triunfal de su iglesia. Cuando el artista presentó su trabajo a los monjes, éstos no encontraron a su gusto la obra ya que la hallaron tosca y poco acabada, negándose a aceptarla. Murillo solicitó permiso para colocar el lienzo en su lugar correspondiente y una vez situado en el arco triunfal de la iglesia fue de absoluto agrado para sus clientes. La tradición dice que Murillo en ese momento se negó a separarse de la Inmaculada a menos que le pagaran el doble de lo estipulado, aumento que fue admitido por los monjes sin oposición. Desde ese momento la obra siempre estuvo colocada en su lugar original hasta que en 1810 sería requisada por los franceses y depositada en el Alcázar. Su enorme tamaño -de ahí que sea conocida como "La Grande"- la salvó de ser trasladada a Francia por lo que en 1812 fue devuelta al convento donde permaneció hasta la Desamortización de 1836. Murillo muestra en esta obra uno de sus primeros intentos por renovar la iconografía de la Inmaculada, incluyendo el dinamismo y el movimiento característico del Barroco. Posiblemente el sevillano contempló algún grabado de la Inmaculada realizada por Ribera en 1635 para las Agustinas de Salamanca en la que aparecen elementos claramente innovadores. La Virgen se muestra en actitud triunfante, apoyando su pie derecho sobre la luna y su rodilla izquierda en una nube sostenida por querubines. Viste amplia túnica blanca y manto azul -siguiendo la visión de Beatriz de Silva-, siendo sus ropajes pesados y voluminosos aunque dan muestran de movimiento, especialmente el manto, en sintonía con la cabellera. Los querubines que acompañan a la Virgen aún no gozan de la gracia de obras posteriores. La ubicación original del lienzo, a elevada altura y a gran distancia del espectador, condicionó la composición ya que Murillo tuvo en cuenta que la obra tenía que ser vista de abajo a arriba y en oblicuo, consiguiendo un excelente resultado y demostrando su gran capacidad para adaptarse a las necesidades de la clientela.

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Titulo: Santa Ana enseñando a leer a la Virgen 1650. Museo: Museo del Prado. Madrid. España Característica: Óleo sobre lienzo. 219 x 165 cm.

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Titulo: Sagrada Familia del Pajarito, 1650 h. Museo: Museo del Prado Características: Óleo sobre lienzo 144 x 188 cm.

Una de las obras realizadas por Murillo, en el estilo naturalista que habían puesto de moda Zurbarán o Velázquez en Sevilla, es la Sagrada Familia del Pajarito, que recibe ese nombre por el pajarillo que el Niño Jesús muestra al perro. La total ausencia de elementos divinos o celestiales hace que nos situemos ante una escena familiar, como si el pintor abriera las puertas de su propio hogar para mostrarnos el juego del pequeño acompañado por su padre, mientras la madre ha parado en sus labores de hilado para comer una manzana. Son figuras elegantes pero no dejan de poseer cierto realismo; el protagonista es el Niño Jesús, iluminado por un potente foco de luz procedente de la izquierda que provoca contrastes, dejando el fondo en total penumbra sobre el que se recortan las figuras, aunque junto a San José se vislumbra el banco de carpintero. No obstante, la iluminación es matizada y supera el estricto tenebrismo. El excelente dibujo del que siempre hará gala Murillo se aprecia claramente en sus primeras obras, donde los detalles son también protagonistas: el cesto de labor de la Virgen, los pliegues de los paños, los miembros de las figuras, el gesto del perrito. En relación con el dibujo, hay que advertir que Murillo fundaría una Academia de Pintura junto a Francisco de Herrera "el Mozo" en 1660. El colorido empleado es el que caracteriza esa primera etapa del artista siguiendo el estilo de los naturalistas. Colocar a San José como protagonista de la escena junto al Niño Jesús viene motivado por las discusiones teológicas sobre la función del santo en la vida de Cristo. Si, en un principio, se pensó que no había tenido nada que ver en la educación de Jesús (de hecho, en el tríptico de la Adoración de los Magos de El Bosco aparece en la tabla lateral) a medida que pasa el tiempo se considera que la labor de San José es cada vez más importante y, por ello, aquí le vemos como el padre ideal, con un rostro inteligente y paciente, que incluso relega a la figura de María a un segundo plano. Pueden apreciarse ciertos ecos de la pintura de Rafael en esta Sagrada Familia.

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Titulo: Virgen del Rosario, 1650/55 Museo: Museo del Prado Características: Óleo sobre lienzo 164 x 110 cm

La devota sociedad española del Barroco solicitará a los pintores un importante número de imágenes de la Virgen María debido a que los protestantes estaban cuestionando muchos dogmas relacionados con ella, como la virginidad o haber sido concebida sin pecado original. Esto provocó una inmensa devoción mariana en nuestro país, paladín del catolicismo, frente a la impiedad de los protestantes, según los contemporáneos de Murillo. Por lo tanto, el pintor aprovechó la enorme demanda de obras marianas para crear iconografías personales. Una de ellas es la Virgen del Rosario, donde aparece María sentada con el niño en brazos, sosteniendo el rosario con la mano derecha. Ambas figuras están recortadas sobre un fondo neutro para dar un mayor efecto volumétrico, acentuado al llevar las piernas a un lateral del cuadro. A pesar de estar juntos apenas se relacionan entre sí, ya que miran hacia el espectador; sólo sus mutuos abrazos les ponen en contacto, omitiendo los juegos de miradas entre madre e hijo tan característicos de Rafael. Los tonos que emplea son bastante oscuros aunque intenta alegrar la gama cromática con el rojo y el azul, símbolos de martirio y eternidad respectivamente. Bien es cierto que María no fue martirizada, pero sufrió el martirio de su hijo siendo considerada, pues, mártir psicológica. La pincelada empleada por el artista es algo más suelta que en la Sagrada Familia del Pajarito y anticipa el efecto vaporoso que pronto le convertirá en el primer pincel de Sevilla.

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Titulo: Virgen con Niño 1655 Museo del Prado. Madrid. España. Características: Óleo sobre lienzo 151 x 103 cm.

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Titulo: Rebeca y Eliezer, 1650-55 h. Museo: Museo del Prado Características: Óleo sobre lienzo 107 x 171 cm.

Murillo recoge en esta escena el momento en que Rebeca ofrece agua al sediento mayoral de los rebaños de Abraham, Eliezer, cuando éste buscaba en Mesopotamia la mujer para Isaac. Rebeca es acompañada por tres mujeres, apareciendo una de ellas de espaldas mientras que al fondo se aprecia la caravana de camellos y un caballo. El naturalismo de las figuras dispuestas alrededor del pozo, los alegres colores de los ropajes, la expresividad de algunos gestos y la luz y atmósfera que impregna la composición hacen de esta obra una de las más interesantes de la etapa madura del pintor, alejado del claroscuro de la década de 1650 e interesado por efectos atmosféricos tomados de Herrera el Mozo, Van Dyck y la escuela veneciana. La facilidad a la hora de narrar un episodio sitúa a Murillo a la altura de Velázquez, convirtiéndose en los dos grandes maestros del Barroco español. El lienzo fue traído de Sevilla en 1733 por Isabel de Farnesio, esposa de Felipe V y gran admiradora de la obra de Murillo, estando documentado en su colección en 1746, en la Granja.

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Titulo: Santa Catalina de Alejandría 1650-1655. Museo: Museo de Arte Sao Paulo. Sao Paulo. Brasil Características: Óleo sobre lienzo. 186 x 104 cm.

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Titulo: La Virgen del Rosario 1650. Museo: Galería Palatina. Palazzo Pitti. Florencia. Italia Característica: Óleo sobre lienzo. 165 x 109 cm.

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Titulo: La Anunciación 1650 - 1655. Museo: Museo del Prado. Madrid. España Características: Óleo sobre lienzo. 183 x 225 cm.

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Titulo: Magdalena Penitente 1650-55 Museo: Características: Óleo sobre lienzo 123,2x108 Cm.

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Titulo: Magdalena penitente, 1653 Museo: National Gallery (Dublín) Características: Óleo sobre lienzo 152 x 104 cm.

Durante la etapa tenebrista, Murillo realizó una serie de Magdalenas penitentes que se convertirán en un prototipo repetido por el maestro a lo largo de su carrera, existiendo siete versiones diferentes sobre el tema. La santa aparece arrodillada, ocupando su figura casi toda la superficie del lienzo. Un potente foco de luz sólo ilumina a la figura, dejando entrever algunas aristas de la cueva donde está la santa, situando de esta manera la escena. La Magdalena cubre su desnudez con un amplio manto que deja al descubierto los brazos, los hombros y parte de un seno, poniendo con estas partes del cuerpo una nota de claridad ante la oscuridad del entorno. De esa penumbra envolvente también parecen surgir el tarro de los afeites y la calavera que simbolizan a la santa. El bello rostro de María dirigiendo su mirada al cielo puede compararse con la Magdalena de Ribera, demostrando Murillo su calidad pictórica al emplear perfectamente dibujo, luz y color, creando un juego cromático de gran belleza con el rojo del manto, la nacarada carnación y el sombrío fondo.

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Titulo: Adoración de los Pastores, 1655/60 Museo: Museo del Prado Características: Óleo sobre lienzo 187 x 228 cm

Las primeras obras de Murillo denotan una evidente influencia del Naturalismo tenebrista que tanto éxito estaba cosechando en Sevilla por aquellas fechas, teniendo en Zurbarán a su máximo representante. Sería lógico pensar que si el joven Murillo pretende obtener rápidos triunfos será en un estilo admitido por todas las fuerzas artísticas de la ciudad, teniendo tiempo posteriormente de introducir novedades en su pintura. Así, esta Adoración de los Pastores muestra una importante influencia de la obra de Ribera, sin olvidar a Zurbarán y al joven Velázquez. Murillo ha dejado en penumbra a San José, que era el protagonista de la Sagrada Familia del Pajarito, iluminando a la Virgen y al Niño. Junto a ellos, dos pastores y una pastora entregan sus presentes: un cordero, huevos y una gallina. El realismo que caracteriza a las figuras tiene una clara muestra en los pies sucios de los pastores, como ya había hecho Caravaggio en Roma, mientras que la oveja recuerda el Agnus Dei de Zurbarán, que debía ser muy comentado en la capital andaluza por aquellas fechas. Los tonos predominantes son los típicos del Naturalismo: marrones, blancos, sienas y pardos que contrastan con los rojos y azules intensos. La pincelada minuciosa del pintor muestra todo tipo de detalles, desde los pliegues de los paños hasta las briznas de paja del pesebre. La composición carece de profundidad, como era habitual, al cerrarse con un fondo neutro normalmente muy oscuro, marcando una típica diagonal barroca aunque aquí no sea muy pronunciada. En suma, las primeras obras de Murillo tienen todos los ingredientes para cosechar éxitos inmediatos y hacerse un hueco en el mercado sevillano

Murillo, como Velázquez y Ribera es uno de los pocos artistas españoles con reputación internacional

Murillo, like Velázquez and Ribera, is one of the few Spanish artists with an international reputation. In his own lifetime Murillo's genre scenes were exported to Flanders, but much greater interest was aroused by his work in the early nineteenth century, when, following the Napoleonic invasion of Spain, the agents of French and other collectors were able to acquire and export pictures by him of other types.

In this early painting the typical characteristics of the Seville school, by which he was formed, can be observed. There is an accent on clear detail, emphasized by the contrasts of light and shade. The rather high viewpoint creates the impression that one has just walked in on to the scene represented: such effects of intimacy and directness were typical of the aims of Counter-Reformation Baroque.

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Título: Nacimiento de San Juan Bautista 1655 Museo: Norton Simon Museum of Art , Pasadena, CA USA Características: Óleo sobre lienzo de 188.3 x 146.7cm.

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Titulo: Cuatro figuras en un escalón, 1655 h. Museo: Kimbell Art Museum Características: Óleo sobre lienzo 110 x 143 cm.

La risa será una de las principales protagonistas en las pinturas de género realizadas por Murillo. El joven muchacho de la izquierda que aquí contemplamos dirige su mirada hacia el exterior y esboza una amplia sonrisa que contrasta con el gesto de la hermana que parece contener su divertida actitud. La madre abandona su tarea de despiojar a un niño para mirar también hacia el exterior, a través de sus anteojos. ¿Qué ocurre en el exterior para que todos dirijan su mirada hacia allí? Algo similar podemos encontrar en las Mujeres en la ventana, creando un juego con el espectador que hoy por hoy es imposible de descifrar pero que en la época sí tendría su lógica. En esta imagen Murillo se muestra como un excelente pintor de gestos y expresiones, recogiendo con sus pinceles las diferentes actitudes de los personajes. Las figuras se recortan ante un fondo en penumbra lo que permite al artista dotarlas de mayor volumetría, recibiendo un potente foco de luz desde la izquierda que resalta las diferentes tonalidades de sus vestidos. Las indumentarias -a excepción del pantalón roto del pequeño- nos indican que se trata de una familia de cierta posición económica, recogiendo el maestro con un insistente naturalismo todos los detalles.

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Titulo: San Ildefonso, 1655/60 Museo: Museo del Prado Características: Óleo sobre lienzo 309 x 251 cm

La imposición de la casulla formaba pareja con la Aparición de la Virgen a San Bernardo y fueron pintados por Murillo por encargo del sevillano convento de San Clemente hacia 1655. Las dos obras fueron compradas por la reina Isabel de Farnesio, esposa de Felipe V, en 1730. San Ildefonso escribió un libro en el que defendía la virginidad de María, por lo que la madre de Dios le recompensó con el regalo de una casulla ricamente decorada que habría de usar en sus fiestas. Murillo nos presenta el momento en el que María hace entrega de la casulla al santo, acompañado de una corte de ángeles y querubines en diferentes posturas, recurso muy empleado por los pintores para demostrar que saben situar a las figuras en el espacio pictórico. Junto a San Ildefonso aparece una señora mayor con una vela en la mano que posiblemente indicaría la devoción popular a la Virgen. La composición se organiza, como en el caso del cuadro compañero, a través de dos diagonales que se cruzan en el centro, esto es, en la casulla. La que va de derecha a izquierda acoge al santo, a la casulla y a la Virgen, mientras que de izquierda a derecha se sitúan un ángel de espaldas y otro de frente. El situar una figura de espaldas en primer plano es un recurso muy utilizado para introducir al espectador en la escena. La mezcla de idealismo y realismo que hace Murillo aquí es una repetición de la compañera; idealiza a la Virgen y a los ángeles y resalta con evidente realismo al santo, la casulla y la anciana de la vela. Gracias a la luz, ilumina a los protagonistas de la escena acentuando el claroscuro que caracteriza el Tenebrismo. El colorido es más amplio apareciendo tonos verdes, amarillos y naranjas. Otro detalle a destacar es el plegado de las telas donde demuestra Murillo su gran capacidad como dibujante.

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Titulo: San Isidoro, 1655 Museo: Catedral de Sevilla Características: Óleo sobre lienzo 193 x 165 cm.

En el mes de agosto de 1655 fueron colgadas en la Sacristía de la Catedral de Sevilla las pinturas de San Isidoro y San Leandro que habían sido encargadas a Murillo por el canónigo y arcediano de Carmona, don Juan Federigui. Ceán Bermúdez dio a conocer una tradición sobre el rostro de San Isidoro que señala como Murillo reflejó los rasgos faciales del licenciado Francisco López Tabalán, eclesiástico vinculado al Cabildo que falleció precisamente el mismo año de la ejecución de las obras. No podemos dar esta suposición por segura. El lienzo está realizado para ser contemplado desde un punto de vista bajo por lo que destaca la pincelada fluida y pastosa empleada por el maestro, sobre todo en la túnica y en la capa. Sin embargo, Murillo no ha renunciado a recoger a la perfección la actitud serena y concentrada del santo, sujetando de manera solemne un báculo de obispo con su mano derecha mientras que con la izquierda sostiene el libro que alude a su actividad de escritor de asuntos teológicos en la España visigoda. El santo patrono de la ciudad sevillana y Doctor de la Iglesia recorta su monumental figura ante un cortinaje oscuro que deja ver una columna y un celaje en la zona de la derecha, resultando una composición de gran belleza.

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Titulo: San Lesmes 1655. Museo: Museo de Bellas Artes de Bilbao. España Características: Óleo sobre lienzo. 243.5 x 179 cm.

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Titulo: San Juan muestra a Jesús, 1655 h. Museo: Chicago Art Institute Características: Óleo sobre lienzo 269 x 183 cm.

Para el refectorio de San Leandro en Sevilla realizó Murillo una serie de cuatro lienzos sobre la vida de San Juan Bautista, siendo esta obra que contemplamos la más conocida, acompañándola el Bautismo de Cristo y San Juan y los fariseos. El pintor emplea un sencillo esquema para realizar la composición al colocar a los dos personajes frente al espectador, a la misma altura y representados en actitudes estáticas. La pasividad de ambas figuras se rompe con la mano de San Juan dirigiéndose hacia Cristo. Sobre ambos personajes encontramos un águila y un toro, símbolos respectivamente de los evangelistas san Juan y san Lucas, rodeados de unas cartelas con textos evangélicos. Un paisaje se abre al fondo, surcado por el río Jordán entre árboles. La luz empleada por el artista es clara y diáfana, destacando tanto la monumentalidad de ambas figuras como sus gestos y actitudes. Con estas obras, Murillo demuestra que ha alcanzado su madurez y ya no recurre a elementos tomados de otros artistas como ocurría en sus primeros trabajos -véase la Virgen entregando el rosario a santo Domingo

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Titulo: Santiago Peregrino, 1655 h. Museo: Museo del Prado Características: Óleo sobre lienzo 134 x 107 cm.

Una de las imágenes más monumentales pintadas por Murillo es el Santiago Peregrino o Santiago Apóstol. Su figura solemne y grandiosa sorprende gratamente al espectador del Museo del Prado. El apóstol está representado de frente al espectador, portando en su mano derecha el bordón de peregrino y en la izquierda un libro que alude a las epístolas. Viste una túnica azul y un precioso manto rojo que hace resaltar la figura del fondo neutro. Estos colores forman parte de la iconografía, ya que el azul simboliza la eternidad y el rojo el martirio. Posiblemente formaría parte de un Apostolado, muy popular en la España del Barroco debido a los ejemplos tan importantes que nos han quedado: Rubens, Ribera o El Greco. Habitualmente son figuras aisladas, captadas con el mayor realismo posible, como ocurre en este caso.

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Titulo: Muchacho con un perro 1655-60. Museo: Museo del Hermitage. San Petersburgo. Rusia. Características: Óleo sobre lienzo. 74 x 60 cm.

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Titulo: Virgen y San Bernardo, 1655/60 Museo: Museo del Prado Características: Óleo sobre lienzo 311 x 249 cm

Para el sevillano convento de San Clemente, Murillo pintó hacia 1655 una pareja de cuadros en los que la Virgen tiene especial protagonismo al realizar los milagros a los que éstos hacen referencia. Ambas obras fueron adquiridas por la reina Isabel de Farnesio, gran admiradora de Murillo, en 1730. Sus títulos serían La Aparición de la Virgen a San Bernardo, del que nos ocupamos ahora, y La imposición de la casulla a San Ildefonso. El pintor ha sabido captar el momento en el que San Bernardo, debido a su gran devoción por la Virgen, es recompensado por ésta con la lactación de su pecho; por eso, vemos a María llevándose la mano derecha a su seno. La composición está resuelta con sencillez al emplear una marcada diagonal ascendente de izquierda a derecha. Otra diagonal, de derecha a izquierda, separa la escena en dos áreas similares, situando en una al santo y en la otra a la Virgen con el niño rodeados de querubines, que tan famoso harán a Murillo. Cada una de las áreas tiene una iluminación diferente; así, la zona de San Bernardo queda a oscuras mientras que la de María está perfectamente iluminada por el Rompimiento de Gloria, con una luz muy dorada para indicarnos que estamos presenciando un hecho sobrenatural. Este uso de luces doradas debió aprenderlas de Zurbarán como se aprecia en la Aparición de San Pedro Apóstol o San Pedro Nolasco. Es ésta una obra de contrastes; además de las zonas de luz perfectamente diferenciadas podemos apreciar una clara idealización de María y el niño, así como los angelitos y una mayor dosis de realismo en la figura del santo, destacando su hábito con unos magníficos pliegues, en los libros del ángulo inferior o en los que se intuyen entre la penumbra detrás de San Bernardo. Aunque el estilo que define estas primeras obras de Murillo siempre se considera tenebrista, es evidente que existe por parte del pintor un deseo de avanzar y crear nuevos conceptos.

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Titulo: El Bautismo de Cristo 1655. Museo: Gemäldegalerie. Berlín. Alemania. Características: Óleo sobre lienzo 233 x 160 cm.

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Título: Retrato de Andrés de Andrade y la Col. 1656-1660. Museo: The Metropolitan Museum of Art, New York, USA Características: Óleo sobre lienzo

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Titulo: San Leandro 1655

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Museo: Catedral de Sevilla Características: Óleo sobre lienzo

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Título: El niño Jesus y San Juan Bautista 1655-60 Museo: Características: Óleo sobre lienzo. 124 x 115 cm

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Titulo: Virgen con el niño 1655-1660 Museo: Rijksmuseum Características: Óleo sobre lienzo

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Titulo: La huída a Egipto 1655-1660. Museo: Museo de Bellas Artes de Budapest. Budapest. Hungría Características: Óleo sobre lienzo. 155,5 x 125 cm.

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Titulo: La Sagrada familia con San Juan Niño 1655-1660. Museo: Museo de Bellas Artes de Budapest. Budapest. Hungría. Características: Óleo sobre lienzo. 156 x 126 cm.

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Titulo: Virgen con niño 1650-1655. Museo: Galería Palatina. Palazzo Pitti. Florencia. Italia. Características: Óleo sobre lienzo. 155 x 107 cm.

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Titulo: Inmaculada de El Escorial, 1656-60 Museo: Museo del Prado Características: Óleo sobre lienzo 206 x 144 cm.

Cuando Pacheco dictó las normas iconográficas que habían de regir la pintura sevillana consideró que la Virgen "hase de pintar (...) en la flor de la edad, de doce o trece años, hermosísima niña". Murillo siguió las normas del suegro de Velázquez en esta escena, una de las más atractivas de su producción. El rostro adolescente destaca por su belleza y los grandes ojos que dirigen su mirada hacia arriba. La figura muestra una línea ondulante que se remarca con las manos juntas a la altura del pecho pero desplazadas hacia su izquierda. Los querubines que conforman su peana portan los atributos marianos: las azucenas como símbolo de pureza, las rosas de amor, la rama de olivo como símbolo de paz y la palma representando el martirio. Los ángeles aportan mayor dinamismo a la composición, creando una serie de diagonales paralelas con el manto de la Virgen. La sensación atmosférica que Murillo consigue y la rápida pincelada indican la ejecución entre 1660-65, pero debemos indicar que gracias al dibujo la figura no pierde monumentalidad, definiendo claramente los contornos. El colorido vaporoso está tomado de Herrera el Mozo, quien acercó los conocimientos de la pintura flamenca -con Van Dyck y Rubens- y la escuela veneciana a Murillo. Debe su nombre a haber estado registrada en la Casita del Príncipe de El Escorial en 1788, entre los cuadros del príncipe Carlos IV, desde donde pasó a Aranjuez y de allí al Prado en 1819. Durante mucho tiempo se la denominó Inmaculada de la Granja por considerar que procedía de aquel palacio.

Inmaculada Concepción del Escorial También conocida como "La Virgen entre nubes acompañada de Ángeles". 1660-1665. 206 x 144 cm. Óleo sobre lienzo. Museo del Prado. Madrid. España.

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Titulo: Visión de San Antonio de Padua, 1656 Museo: Catedral de Sevilla Características: Óleo sobre lienzo 56 x 33 cm.

En 1656 el cabildo de la Catedral de Sevilla encarga a Murillo un gran lienzo para decorar el altar de la capilla de San Antonio, que también hacía de capilla bautismal. En el mes de octubre el cuadro estaba colocado en el retablo construido para la ocasión por Bernardo Simón de Pineda. Murillo realiza un gran cuadro de altar con el que sigue la tradición de décadas anteriores, colocando un cuadro de grandes dimensiones en capillas de pequeño tamaño, lo que permitía aumentar la espectacularidad. Esta tradición ya había sido seguida por Roelas o Herrera el Viejo. San Antonio se encuentra en el interior de una estancia monumental, leyendo sobre una austera mesa -decorada con unos lirios que simbolizan la pureza- cuando recibe la visita del Niño Jesús rodeado de una corte de ángeles que forman una mandorla a su alrededor. El santo interrumpe su lectura y se arrodilla ante la espectacular visión, quedando iluminado por el resplandor que emana de la sagrada figura. Al fondo de la estancia se abre una puerta que permite contemplar una arquitectura monumental, exactamente una gran columna que formaría un pórtico de acceso al edificio donde está el santo. De esta manera son dos los focos lumínicos que inundan la parte baja de la composición, creando Murillo un sensacional efecto atmosférico que recuerda a Velázquez. La composición se estructura a través de una diagonal que enlaza las dos zonas mientras que el rompimiento de Gloria está organizado por un círculo. Escorzadas figuras forman este rompimiento, acentuando el aspecto de teatralidad barroca que manifiesta el maestro en la escena, trayendo a la memoria los grandes lienzos de altar pintados por Rubens, Herrera el Mozo o Van Dyck. El juego de luces y sombras sirve para unificar la composición, de la misma manera que emplea el color con tal fin. Definitivamente Murillo ha abandonado el claroscuro para trabajar en un estilo propio, superando el naturalismo de la generación anterior que tenía en Zurbarán a su máximo representante. La llegada de las tropas francesas del Mariscal Soult en 1810 provocaron un gran peligro para las obras de Murillo. El general francés admiraba la obra del sevillano y desde un primer momento tuvo la intención de llevarse este cuadro a Francia. El cabildo catedralicio pudo persuadirle y le entregó en compensación el Nacimiento de la Virgen. Sin embargo, aquí no acaban los avatares del lienzo ya que en noviembre de 1874 la figura del santo fue recortada por un ladrón que la ofreció al año siguiente a un anticuario de Nueva York. La honradez del anticuario permitió que la embajada española comprara el recorte y éste fuera devuelto a la catedral, donde Salvador Martínez Cubells realizó un excelente trabajo de restauración, exhibiéndose en octubre de 1875.

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Titulo: San Antonio con el niño 1656. Museo: Catedral de Sevilla. Sevilla. España Características: Óleo sobre lienzo. 550 x 330 cm.

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Titulo: La Inmaculada Concepción de Aranjuez 1658-1660. Museo: Museo del Prado. Madrid. España Características: Óleo sobre lienzo. 222 x 118 cm.

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Titulo: Anciana espulgando a un niño, 1660-70 Museo: Bayerischen Munich Características: Óleo sobre lienzo 147 x 113 cm.

Las escenas costumbristas serán una de las especialidades de Murillo, existiendo una amplia demanda de estos temas, especialmente entre los comerciantes y banqueros flamencos que habitaban en Sevilla. En la década de 1660 pintaría esta Anciana espulgando a un niño, también llamada Abuela espulgando a su nieto. La composición se desarrolla en un interior, recortándose las figuras sobre un fondo neutro al estar iluminadas por un potente foco de luz que entra por la ventana. El pequeño tumbado sobre el suelo come pan y acaricia al perrillo mientras que la mujer procede a quitarle las pulgas o los piojos de la cabeza. La anciana concentra toda la atención en su tarea y ha abandonado sus útiles de hilado que aparecen sobre la banqueta de la derecha. Al fondo podemos contemplar una mesa con una jarra y un cántaro, lo que nos indica que se trata de una familia con escasos recursos económicos pero que sobrevive humildemente. Este detalle también se puede apreciar en sus vestidos ya que no observamos jirones como en otras escenas -véase los Niños jugando a los dados-. El naturalismo con el que trata Murillo la escena se aleja del empleado por Zurbarán años atrás, lo que indica la evolución de su pintura hacia un estilo muy personal, caracterizado por las atmósferas.

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Titulo: El Buen Pastor Niño, (También conocida como "El niño Jesús, Divino Pastor") 1660 H.

Museo: Museo del Prado Características: Óleo sobre lienzo 123 x 101 cm.

En el Evangelio de San Juan (10, 11-14) se compara al Cristo con el Buen Pastor que da su vida por sus ovejas. Esta sería la posible base documental de este trabajo en el que Murillo emplea a sus protagonistas principales: los niños, bien se trate de niños de la calle -como en Dos niños comiendo uvas y melón- o celestiales como en este caso. El Niño Jesús se sitúa en un paisaje con una referencia arquitectónica al fondo, sentado sobre algunos restos clasicistas y dirigiendo su mirada al espectador. En la mano derecha lleva la vara del pastor y con la izquierda acaricia al cordero, quien también dirige la mirada hacia nosotros. La composición se estructura con una pirámide característica del Renacimiento mientras que la pierna y la vara se ubican en diagonal para reforzar el ritmo del conjunto. La atmósfera creada gracias a la iluminación y el colorido recuerdan a la escuela veneciana, aportando el maestro sevillano una idealización de las figuras que no aparece en sus escenas costumbristas. En este lienzo de Murillo luce como en ningún otro el estilo vaporoso y tierno que le hizo famoso. Con mucha frecuencia Murillo representaba a los santos como niños, acentuando con la ternura el acercamiento devoto de los fieles. En este caso se trata de una representación infantil de Jesucristo como buen pastor, ofreciendo al niño divino en una prefiguración de sus propias palabras, ya en su vida pública, cuando habló de sí mismo como "el buen pastor que da la vida por sus ovejas". Así, el Niño lleva en su mano derecha la vara con la que los pastores organizan y dirigen el rebaño, y apoya la izquierda en el lomo de una oveja, prodigiosa en el naturalismo con que Murillo la pintó. El lienzo, originalmente de menor tamaño, fue ampliado -y puede apreciarse- por el propio Murillo, cuando le fue requerido un cuadro con este tema para una determinada decoración.

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Titulo: La Dolorosa Aprox. 1660. Museo: Museo de Bellas Artes de Sevilla. Sevilla. España Características: Óleo sobre lienzo. 163 x 105 cm.

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Titulo: La Sagrada Familia 1660. Museo: Basílica de San Esteban. Budapest. Hungria. Características: Óleo sobre lienzo. 186 x 155 cm.

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Titulo: Nacimiento de la Virgen, 1660 h. Museo: Museo Nacional del Louvre Características: Óleo sobre lienzo 185 x 165 cm.

La admiración del mariscal Soult hacia las obras de Murillo hizo que éstas peligraran durante la ocupación francesa de 1810. El mariscal francés se prendó del San Antonio con el Niño que decoraba el altar de la capilla de San Antonio de la catedral de Sevilla y quiso llevarse el lienzo a Francia. El Cabildo catedralicio consiguió persuadirle y le ofreció a cambio este Nacimiento de la Virgen que Murillo pintó para la Capilla de la Concepción Grande de la catedral sevillana. Se trata de una de las obras más interesantes del pintor sevillano, inspirándose en la vida cotidiana para su ejecución. Excepto la presencia de los ángeles en la parte superior del lienzo no existe ninguna indicación más de que nos hallamos ante una escena religiosa. La figura de la recién nacida es el elemento central de la composición, sostenida en los brazos de las comadronas y rodeada de varias jóvenes. Una mujer de espaldas nos introduce en la escena, estableciendo un juego de diagonales cruzadas para organizar el grupo. De la figura de la Virgen emana un potente foco de luz que ilumina al grupo que la rodea pero que deja en semipenumbra a las figuras del fondo, envueltas en una atmósfera tenue que deja casi entre tinieblas a Santa Ana a la izquierda, incorporada en el lecho ante la presencia de San Joaquín y a las dos jóvenes de la derecha dos jóvenes que posiblemente calienten agua. Este juego de luces recuerda las obras de Rembrandt que posiblemente Murillo pudo contemplar en algunas colecciones sevillanas. Las tonalidades brillantes y la pincelada rápida hablan de la influencia de la escuela veneciana, posiblemente a través de Herrera el Mozo o del viaje realizado a Madrid donde Murillo pudo contemplar las colecciones reales donde Tiziano tenía un importante lugar. Rubens, Van Dyck y el propio Velázquez también serán importantes influencias para el artista sevillano.

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Titulo: San Juan Bautista niño, 1660 h. Museo: Museo del Prado Características: Óleo sobre lienzo 121 x 99 cm.

El San Juanito aparece sentado sobre una piedra, llevándose la mano derecha al pecho en señal de penitencia y dirigiendo la mirada hacia el cielo de donde le llega una rayo de luz. A su lado encontramos el Cordero que simboliza a Cristo. Las figuras aparecen ante un fondo de paisaje. Al igual que el Buen Pastor Niño, la composición se estructura con una pirámide mientras que diversas diagonales dotan de mayor ritmo al conjunto. La atmósfera conseguida gracias a la luz y el color son una muestra clara de la admiración de Murillo por los maestros venecianos. La pincelada es rápida y diluida cercana al estilo de Velázquez. Resulta curioso comparar esta idealizada escena con los asuntos costumbristas protagonizados por niños en los que Murillo emplea un naturalismo que aporta cotidianidad a las estampas.

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Titulo: El hijo prodigo reclama su parte de herencia 1660 Museo: National Gallery of Ireland, Dublin, Características: Óleo sobre lienzo

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Titulo: La despedida del hijo pródigo Museo: National Gallery of Ireland, Dublin, Ireland. Características: Óleo sobre lienzo. 105 x 135 cm.

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Titulo: El hijo pródigo hace vida disoluta 1660 Museo: National Gallery of Ireland, Dublin, Ireland. Características: Óleo sobre lienzo. 104 x 134 cm.

139

Titulo: Expulsan al hijo prodigo 1660 Museo: National Gallery of Ireland, Dublin, Ireland Características: Óleo sobre lienzo.

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Titulo: El hijo pródigo apacienta los cerdos, 1660 Museo: Galería Nacional de Arte de Irlanda Características: Óleo sobre lienzo 27 x 34 cm.

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Titulo: El regreso del hijo prodigo 1660 Museo: Galería Nacional de Arte de Irlanda Características: Óleo sobre lienzo

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Titulo: La Anunciación 1660 Museo: Museo del Prado, Madrid Características: Óleo sobre lienzo de 142 x 107.5 cm.

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Titulo: Santa Justa, 1660 h. Museo: Meadows Museum Características: Óleo sobre lienzo 93 x 64 cm.

Santa Justa y Santa Rufina son las patronas de Sevilla y su representación es muy popular en la capital andaluza. Se trata de dos hermanas alfareras que formaban parte de la clandestina comunidad cristiana de Sevilla durante el siglo III. Se negaron a financiar al ídolo local Salambó por lo que fueron condenadas a prisión y martirizadas. Esta es la razón por la que en este cuadro Murillo pinta a una de las santas portando cacharros y con la palma del martirio en la mano. La santa está representada como una joven sevillana del siglo XVII, secularizando la figura que más bien parece tratarse de un retrato profano debido a la belleza, elegancia y sensualidad de la modelo. El tamaño de los dos lienzos ha hecho pensar que se trataría de cuadros de devoción personal, encargados por algún cliente particular. Para el retablo de los Capuchinos de Sevilla pintará Murillo un gran lienzo con las dos santas juntas que tendrá mucha devoción, siendo tomado como inspiración dos siglos después por Goya.

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Título: El sueño de Jacob Museo: Características: Óleo sobre lienzo de 246 x 360 cm.

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Titulo: Santa Rufina 1660 Museo: Meadows Características: Óleo sobre lienzo

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Titulo: Virgen de la Faja, 1660 h. Museo: Colección Particular Características: Óleo sobre lienzo 137 x 112 cm.

Con esta obra Murillo gozó de gran popularidad, realizándose numerosas copias que han aumentado su fama. Al igual que en la Sagrada Familia del Pajarito o la Huida a Egipto, el maestro representa la escena como si de un episodio de la vida cotidiana se tratara, presentando a María envolviendo en pañales al Niño para después colocarle la faja que aparece en la izquierda, de donde el cuadro ha tomado el nombre. El rostro de la madre es tremendamente expresivo, recogiendo cierta melancolía que podría estar relacionada con el futuro del pequeño. Esa ligera melancolía contrasta con la música de los ángeles que aparecen en el fondo, presenciando la escena unos querubines en la parte superior del lienzo. Los personajes se insertan en una serie de diagonales que organizan la composición, aportando dinamismo y ritmo al conjunto. Las figuras están bañadas por una clara luz con la que se consigue cierto efecto atmosférico, que será tomado de la escuela veneciana que Murillo admiró durante su estancia en Madrid en el año 1658.

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Titulo: Adoración de los Magos 1660-1665. Museo: The Toledo Museum of Art. Toledo. Ohio. USA. Características: Óleo sobre lienzo 190 x 146 cm.

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Titulo: La Dolorosa 1660-1670. Museo: Museo del Prado. Madrid. España Características: Óleo sobre Lienzo. 52 x 41 cm.

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Titulo: Cristo en la Cruz 1660-1670. Museo: Timken Museum Características: Óleo sobre lienzo. 82 1/4 x 44 1/2 in.

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Titulo: La Sagrada Familia 1660 -1670 Museo: Características: Óleo sobre un panel de 24x18 cm

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Titulo: Cristo en la cruz Museo: Museo del Prado. Madrid. España. Características: Lienzo. 71 x 54 cm.

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Titulo: Virgen de la Servilleta, 1664-66 Museo: Museo del Prado Características: Óleo sobre lienzo 68 x 72 cm.

Existen dos tradiciones recogidas por O´Neill en 1883 relacionadas con el título de esta obra, una de las más populares de Murillo. La primera de ellas hace referencia a que el pintor solía desayunar en el Convento de los Capuchinos tras oír misa. Un día, tras el cumplido desayuno, los frailes se apercibieron que faltaba una servilleta que días más tarde fue devuelta por Murillo tras pintar una Virgen con un Niño. La segunda versión narra como un devoto fraile solicitó al pintor una Virgen con Niño de pequeño formato para concentrase en sus oraciones. Murillo le respondió afirmativamente pero le solicitó la tela necesaria para su ejecución. El fraile le entregó la servilleta y el pintor la realizó sobre ella. Ambas leyendas son falsas ya que el soporte sobre el que está realizada la obra es lienzo, no tela de mantel. La Virgen con el Niño forma parte de la decoración del retablo mayor del Convento de los Capuchinos de Sevilla, ubicándose concretamente en la portezuela del tabernáculo. Murillo ha sabido captar a la perfección en ambos personajes la ternura y la afectividad. El Niño se inclina hacia el espectador, dirigiendo sus grandes ojos hacia nosotros, lo que motivó la popularidad del lienzo entre los sevillanos. La obra está realizada con una pincelada rápida y certera, rodando a ambos personajes de una sensación atmosférica que diluye sus contornos y crea un efecto de espiritualidad. Los vivos colores y la delicadeza de las carnaciones recuerdan a Rafael mientras que las atmósferas serán tomadas de Velázquez o Rubens, dos pintores importantes para Murillo tras su viaje a Madrid, sin dejar de lado a Tiziano y Van Dyck.

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Titulo: El Cazador 1664 Museo: Colección Particular. Características: Óleo sobre lienzo El cazador, retrato de don Antonio Hurtado de Salcedo. Marqués de Legarda, secretario de Felipe IV y caballero de la orden de Santiago. Fue uno de los hermanos del Hospital de la Caridad, al igual que Murillo. Se trata de un retrato de caza en el que el personaje aparece con un criado y tres perros. Murillo en este caso no se limita a la figura del caballero, que por sí sola hubiera expresado que nos hallábamos ante un retrato de caza, sino que, como en otras obras, acumula detalles que contribuyen a caracterizar la escena, en este caso el joven que aparece con los perros. Sus ropas sencillas, su actitud servil y un rostro que apenas es posible entrever se convierten en contrapunto de la figura de su señor, apuesto, elegante, recibiendo toda la luz, mirándonos con una actitud arrogante como corresponde a su posición. Quizá por ese propósito de reforzar con el contraste del criado la prestancia del retratado, Murillo se permite colocar al servidor en un plano más próximo a nosotros que el que ocupa el caballero. Por lo demás, la práctica de la caza nos recuerda que se trataba de un noble, pues la caza era ejercicio de nobles y de reyes. Como cazadores habían sido retratados los miembros de la familia real por Velázquez. Aunque éste no pretenda recordar en absoluto a los retratos regios, sí se relaciona con ellos en tanto en cuanto asimila las costumbres del noble secretario de Felipe IV a las de su señor.

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Título: La muerte del Inquisidor Pedro de Arbués hacia 1664 Museo: Características: Óleo sobre lienzo de 293.5 x 205.5 cm.

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Titulo: Niños jugando a los dados, 1665-75 Museo: Bayerischen Munich Características: Óleo sobre lienzo 140 x 108 cm.

Las similitudes entre estos Niños jugando a los dados y las Niñas contando dinero resultan significativas. Ambas escenas están bañadas con una luz similar y se desarrollan ante el mismo fondo arquitectónico. Dos de los chiquillos juegan a los dados en posturas encontradas mientras que un tercero come una fruta mientras que un perro le mira. Se supone que se trata de vendedores de fruta o aguadores debido a la presencia en primer plano de una canasta con fruta y una vasija de cerámica, jugando las escasas monedas conseguidas, realizados todos los detalles con una impronta claramente naturalista. Los gestos de los muchachos están perfectamente caracterizados, especialmente el que echa los dados cuyo rostro está parcialmente iluminado por la rica y dorada luz. Una línea diagonal une las tres cabezas de los muchachos mientras que alrededor del centro de atención -los dados- Murillo ha creado un círculo donde se integran gestos y actitudes. Como viene siendo habitual en las obras de la década de 1670, el pintor sevillano introduce una atmósfera vaporosa creada por las luces cálidas y la armonía cromática de pardos, blancos, grises y ocres, obteniendo un resultado de gran calidad y belleza protagonizado por las actitudes desenfadas y vitales de los muchachos. El lienzo aparece documentado en 1781 en la Hofgartengalerie de Munich donde fue adquirido a principios del siglo XVIII para la Colección Real Alemana.

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Titulo : D. Justino de Neve 1665 Museo: National Gallery (Londres) Características: Óleo sobre lienzo

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Titulo: Sueño del Patricio, 1665 Museo: Museo del Prado Características: Óleo sobre lienzo 232 x 522 cm

Don Justino de Neve y Yébenes, canónigo de la catedral de Sevilla, encarga en 1665 a Murillo la decoración de la iglesia de Santa María la Blanca. La serie estaba formada por cuatro escenas de formato semicircular en las que se exaltaba la devoción mariana. Durante la Guerra de la Independencia, el Mariscal Soult hizo un verdadero expolio artístico en Sevilla, siendo Murillo su gran objetivo. Éste es el motivo por el que ninguna de las piezas de la serie está en su lugar original. Por fortuna, el Gobierno español pudo recuperar en 1816 los dos cuadros, que se encuentran en el Museo del Prado, pero los otros dos continúan fuera de España. El Sueño del Patricio y la Visita al Pontífice narran la legendaria historia de la fundación de la iglesia de Santa María la Mayor en Roma, por lo que ambas escenas recibieron en Francia los añadidos dorados en los que se representa la planta y el alzado de la iglesia romana. Hay que incidir, pues, en que su formato era semicircular. El Sueño del Patricio Juan recoge la primera parte de la leyenda, según la cual la Virgen y el Niño se aparecieron al patricio y a su esposa en sueños para solicitarles que, con el dinero que le habían legado con tan gran devoción, edificasen una iglesia sobre el monte Esquílino, en cuya cima había trazado María la planta del templo con una nevada milagrosa, pues era la noche del 5 de agosto. Murillo nos muestra al patricio y a su mujer durmiendo sentados, en posturas algo forzadas, mientras que la Virgen y el Niño se sitúan por encima de ellos, rompiendo la penumbra en la que se encuentra la estancia donde descansa la pareja, agotados tras la intensa jornada. A la izquierda se abre la habitación para dejarnos ver el monte nevado que señala María. Las figuras del patricio y su esposa están realizadas con el mayor naturalismo posible, como si estuviésemos fisgando por un agujero. Las telas, los pliegues, el perro, todos están pintados al detalle y transmite un sorprendente realismo. Contrastando con ambos personajes nos encontramos con la mayor idealización de María y Jesús, envueltos en un halo anaranjado que explica la aparición.

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Titulo: Visita al Pontífice, 1665 Museo: Museo del Prado Características: Óleo sobre lienzo 232 x 522 cm

La Visita al Pontífice, junto al Sueño del Patricio, formaba parte de la decoración de la sevillana iglesia de Santa María la Blanca, realizada por Murillo en 1665. Fue robada, como las demás obras de la serie, por el Mariscal Soult y devuelta en 1816 formando parte desde entonces de la colección del Museo del Prado. Su forma original era semicircular pero en París se completaron para formar un rectángulo en las enjutas doradas que contienen la planta y el alzado de Santa María la Mayor en Roma, a cuya construcción se refiere el cuadro. Esta escena es la continuación de la leyenda iniciada en el Sueño del Patricio. Así, Murillo nos presenta al patricio Juan y a su esposa, vestidos con sus mejores galas, ante el Papa Liberio, a quien relatan, arrodillados, su sueño. Curiosamente, el Pontífice había tenido un sueño similar esa misma noche. A la derecha, en un plano diferente, se ha situado la procesión hacia el Esquilino donde, a pesar de los calores del verano ya que la escena tiene lugar el 5 de agosto, encontraron la planta de la iglesia diseñada sobre la nieve. Por eso, la festividad del 5 de agosto es la Virgen de las Nieves. Murillo ha dividido el cuadro en dos escenas: a la izquierda la revelación, que tiene lugar en un interior en donde se aprecia una impresionante sensación atmosférica, como si entre las figuras hubiese aire que el espectador pudiera percibir. Es producto de la fuerte luz que penetra por la izquierda e ilumina al patricio y a su esposa, dejando en semipenumbra al pontífice. El clérigo de las gafas, algo desdibujado, es una de las mejores figuras de Murillo. A la derecha vemos la procesión más lejana, donde la atmósfera se ha convertido en protagonista, haciéndose más suelta. La libertad pictórica con que ha realizado Murillo a la esposa del patricio y al clérigo de las gafas nos sitúa en una nueva concepción de la pintura por parte del artista, que abandona el Naturalismo anterior y se introduce en nuevas fórmulas muy personales y características que harán de su obra una de las más populares y queridas.

Estos dos lienzos (junto con La Inmaculada y La Fe, actualmente en el Museo del Louvre y en una colección privada londinense respectivamente) fueron pintados por Murillo entre los años 1662 y 1665 con destino a la iglesia sevillana de Santa María la Blanca. En ambos se representa una leyenda del siglo IV relativa a la fundación de la basílica romana de Santa Maria Maggiore. Murillo, fiel a la secuencia narrativa del relato, nos presenta en el primero titulado El sueño del patricio Juan, a éste y a su esposa profundamente dormidos. A la izquierda la Virgen con el Niño en brazos señala hacia un monte nevado. Según la tradición, María se mostró en sueños al patricio y le reveló su deseo de que se levantase en su honor en el monte Esquilino una iglesia cuyo emplazamiento estaría indicado por la caída de una nevada milagrosa. En el segundo, El patricio revela su sueño al Papa, le vemos junto a su mujer contando la aparición de la Virgen al Papa Liberio, quien sorprendentemente había recibido a su vez en sueños el mismo mensaje. Decidido a verificar el prodigio, el Papa se dirigió, acompañado de un nutrido séquito, al lugar señalado, encontrándolo cubierto de nieve pese a los rigores del verano. (La festividad de la Virgen de las Nieves, la Virgen Blanca, se celebra el día 5 de Agosto). La primera escena transcurre en un interior en penumbra. Queda ya lejos el riguroso tenebrismo de los años juveniles de Murillo; aquí la luz envuelve suavemente los cuerpos del patricio y de su esposa (una de las figuras femeninas más bellas y exquisitas salidas de la mano del maestro), matizando los objetos y los pequeños detalles cotidianos. En la siguiente escena se observan efectos de contraluz extraordinarios. Tanto la Virgen de la izquierda en el primer cuadro, como el cortejo de la derecha en el segundo, han sido resueltos por el pintor con una técnica deshecha, de pinceladas ligerísimas, que preludia la "vaporosidad" de sus obras posteriores. Las telas, medios puntos en origen, fueron llevadas a Francia en 1813 por el mariscal francés Soult quien las regaló al Museo Napoleón. Durante su permanencia en París se les añadieron remates triangulares neoclásicos, diseñados por el arquitecto Percier, que todavía conservan. Volvieron a España en 1816 e ingresaron en el Museo del Prado en 1901.

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Titulo: San Leandro y San Buenaventura 1665-66 Museo: Museo de Bellas Artes Características : Óleo sobre lienzo

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Título: José con el niño Jesús 1665-1666. Museo: Museo de BB. AA. de Sevilla. Características: Óleo sobre lienzo

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Titulo: San Francisco en la porciúncula1665-1666. Museo: Wallraf-Richartz-Museum. Colonia

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Titulo: St. Michael 1665–66 Museo: Gemäldegalerie, Kunsthistorisches Museum, Vienna Características: Óleo sobre lienzo 169 x 110 cm

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Título: La liberación de San Pedro Entre 1665 y 1667 Museo: The Hermitage, St. Petersburg, Russia Características: Óleo sobre lienzo de 238x260 cm.

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Titulo: Santas Justa y Rufina 1665-66 Museo: Museo de Bellas Artes Características: Óleo sobre lienzo

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Titulo: Anunciación 1665-1670. Museo: Colección Wallace. Londres. Inglaterra Características: Óleo sobre lienzo. 187 x 134 cm.

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Titulo: La Sagrada familia también conocido como “La Virgen de Sevilla” 1665-70 Museo: Características: Óleo sobre lienzo 2.40 m.x 1.90 m.

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Titulo: Descanso del viaje a Egipto 1665 Museo: Caract.: Óleo sobre lienzo 136.5x179.5

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Titulo: Isaac bendiciendo a Jacob1665-1670. Museo: Museo del Hermitage. San Petersburgo. Rusia. Características: Óleo sobre lienzo. 245 x 357,5 cm.

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Titulo: Visión de San Agustín 1665-1670. Museo: Museo de Bellas Artes de Sevilla. Sevilla. España. Características.: Óleo sobre lienzo. 250 x 139 cm.

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Titulo: Santa Isabel de Hungría curando a los niños, 1667-70 Museo: Hospital de la Caridad de Sevilla Características: Óleo sobre lienzo 325 x 245 cm.

La iglesia de la Caridad de Sevilla se convertirá en el interior más deslumbrante de todo el Barroco español gracias a don Miguel de Mañara, artífice de la decoración. Para ello contó con los mejores artistas del momento, eligiendo a los pintores Valdés Leal y Murillo para realizar los cuadros que decoraban el templo. Murillo se encargo de realizar seis obras -la Curación del paralítico o el Regreso del hijo pródigo- que narran las alegorías de las obras de Misericordia, complementadas con la séptima -"Enterrar a los muertos"- que estaba realizada en escultura y se sitúa en el retablo mayor gracias a la obra de Pedro Roldán. Mañara también encargó a Murillo la realización de dos obras donde se recogieran dos ejercicios caritativos que debían cumplir los miembros de la Hermandad. Una de ellas es asistir a los enfermos durante su curación y darles de comer como se recoge perfectamente en esta obra que contemplamos protagonizada por santa Isabel de Hungría. Santa Isabel era hija de rey Andrés II de Hungría. Se casó con Luis IV de Turingia y a la muerte de su esposo en 1227 decidió llevar una vida ascética, dedicándose a realizar obras de beneficencia. Para ello construyó un hospital para pobres y leprosos en Marburgo, atendiendo personalmente a los enfermos. En 1228 tomó el hábito de terciaria franciscana, convirtiéndose en su patrona. En 1235 fue canonizada por Gregorio IX. Murillo presenta a la santa rodeada de leprosos a los que cura con sus propias manos. Los enfermos están representados con absoluto realismo, apreciándose incluso sus padecimientos y dolores. La santa lava la cabeza de un joven asistida por varias damas que visten elegantes trajes, contrastando con la pobreza de los ropajes de los tiñosos. Tras ellas se contemplan las lentes redondas de una mujer. La escena se desarrolla ante una monumental arquitectura como era habitual en esos momentos -véase la serie del Hijo pródigo- creando una composición piramidal que tiene como eje a santa Isabel. La luz dorada baña todos los personajes para crear una atractiva sensación atmosférica que diluye los contornos pero no omite ninguno de los detalles como las calidades de las telas o los reflejos en la palangana de metal. Al fondo, teniendo como escenario un espectacular pórtico, contemplamos una segunda escena en la que se representa a santa Isabel dando de comer a los pobres, segunda parte del ejercicio caritativo entre los hermanos de la Caridad, de los que Murillo era miembro desde 1665. Santa Isabel de Hungría, curando a los tiñosos Si comparamos esta obra con Santo Tomás de Villanueva podríamos pensar en las mismas palabras, pero las semejanzas van más allá. En ésta el primer plano viene creado por una figura abajo a nuestra izquierda, el pobre que se cura la llaga y a continuación un escalón crea una plataforma para la acción del santo. La serenidad de ambos, Santo Tomás y Santa Isabel, contrasta con el mundo de miseria que les rodea y ambos ocupan el centro de la composición, mientras al fondo a la derecha crea profundidades mediante escenarios arquitectónicos muy iluminados. En esa zona del fondo representa aquí una escena de comida en el palacio de la reina santa, que recordaría una de las funciones que tenían los hermanos de la Santa Caridad, como era la de dar de comer a los pobres. La de curarles las enfermedades, por muy desagradables que éstas fueran, es la que se representa en la escena principal. El realismo con que está tratada fue señalado por Palomino, quien escribió que al tiñoso al que está quitando el casquete de la cabeza sólo le faltaba gritar. Todo ello: contraste, realismos, juegos de luces y sombras..., convertiría el mensaje de la obra en un verdadero impacto visual para el espectador, conmovido desde que entraba en la iglesia ante el camino de salvación que en ella se le mostraba, y que había de recorrer de la mano de la virtud de la caridad.

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Titulo : Cristo sanando a un paralítico en la piscina de Betzata. 1667-70 Museo: Galería Nacional Características: Óleo sobre lienzo 237 x 261 cm. Esta obra pertenece a la iglesia del Hospital de la Caridad. Es una de las mejores de la serie. Un paralítico, que lleva 38 años esperando que su enfermedad fuera curada por las aguas de la piscina de Betzata es milagrosamente curado por Cristo. Los cinco pórticos que tenía esta piscina según el Evangelio de San Juan son imaginados por Murillo en un fragmento extraordinario de arquitectura clásica que sirve de escenario al milagro. La perspectiva lineal se alía con la atmosférica para crear una gran cantidad de planos en profundidad, alternando zonas de luz y de sombra. Murillo además vuelve a jugar con los contrastes sin ningún recato, como había hecho en la escena de Santo Tomás de Villanueva dando limosna. Aquí es la figura de Cristo la que condensa toda la serenidad en su actitud, y esa impresión que produce de estar fuera del mundo se ve reforzada por el hecho de que todos los que le rodean muestran en sus actitudes y expresiones su naturaleza humana, esclava de los sentimientos: gesto de atención en los acompañantes de Cristo, de esperanza pese a su desesperación de años en el paralítico... The subject is from the New Testament (John 5). The pool of Bethesda in Jerusalem was periodically visited by an angel, and whoever first stepped into the water after this visit would be cured of illness. Christ visited the pool and a sick man complained to him that he was never able to get to the pool first. When Christ said to him, "Rise, take up the bed, and walk", the man was miraculously cured. The painting was made for the church belonging to the hospital of the Caridad (Charity) in Seville. The Caridad was a charitable brotherhood dedicated to helping the poor and sick of the city. Murillo was himself a member of the brotherhood. Murillo painted six large pictures for the church representing six of the seven acts of charity (the seventh is represented by a sculpture which remains in place on the high altar). Two of the paintings are still in the church, while the other four, including this one, are now in various museums. This picture represents the act of visiting the sick.

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Titulo: Moisés y el agua de la roca de Orbe 1667-1670. Museo: Hospital de la Caridad de Sevilla. Sevilla. España. Características: Óleo sobre lienzo. 335 x 550 cm.

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Titulo: Abraham y los ángeles 1667-1670. Museo: National Gallery of Art Ottawa Características: Óleo sobre lienzo. 236 x 261 cm.

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Titulo: Santo Tomás de Villanueva 1668 Museo: Museo de Bellas Artes de Sevilla Características: Óleo sobre lienzo 283 x 188 cm. Esta obra fue pintada por Murillo para la iglesia del convento de los Capuchinos de Sevilla. Para impedir que el mariscal Soult se la llevara durante la Guerra de la Independencia, los frailes, la trasladaron a Gibraltar, como hicieron con otras de las obras de Murillo que poseían. El pintor se sentía orgulloso de ella y según Palomino la llamaba su lienzo. Sólo el contraluz de la madre con el niño abajo a nuestra izquierda justificaría ese orgullo. La luz que, desde lo alto, ilumina el espacio vacío que hay entre el grupo de la madre y el hijo y la mesa, ilumina parcialmente a las figuras, parte de los hombres de la madre, la cara del niño y su mano con las monedas...., convirtiéndolas en algo tan corpóreo, que casi parece que se pueden tocar. En esta obra, planos diagonales sucesivos de luces y sombras crean la profundidad espacial, pero las figuras forman diagonales. Se corresponderían compositivamente con el grupo de la madre y el niño con el de los mendigos del fondo a la derecha, y esta diagonal se cruzaría con la que inicia el pobre al que da limosna el santo y que acaba en el libro abierto sobre la mesa, siendo el centro de todo el gesto de Santo Tomás dando la limosna. Ese es el mensaje, que la caridad y no las glorias terrenales es lo que hace al hombre santo y merecedor de la salvación. La arquitectura desempeña una función importante en la composición, pues la verticalidad de la figura del santo halla su correspondencia en ella, y transmite con sus forma clasicistas la sensación de orden y serenidad que podemos esperar de la acción que se desarrolla en el lienzo. Murillo mezcla aquí, como en tantas de sus obras, sus extraordinarias dotes de observación de la vida de la calle, a través de los pobres representados con un realismo que no oculta detalles que pudieran parecer desagradables, como la calva del niño o el gesto de la vieja, con el sentido trascendente que requiere una escena religiosa. El santo es el eje de la historia, pero la pobreza deja de ser una anécdota para convertirse en una reflexión sobre la condición humana.

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Titulo: San Francisco 1668-1669 Museo: Museo Provincial de Bellas Artes. Sevilla Características: Óleo sobre lienzo 283 x 188 cm San Francisco abrazando a Cristo en la Cruz Esta pintura procede del convento de los Capuchinos. En ella se nos muestra cómo el amor al Crucificado es correspondido, puesto que desclava una de sus manos de la cruz para abrazar a San Francisco. Este ha renunciado a todos sus bienes terrenales, tal como nos cuenta la inscripción latina que aparece en el libro que sostiene los ángeles Qui non renuntiat omnibus qui possidet, non

potest meus esse disciipulus, LucXIII

Es una de las mejores imágenes de devoción porque la austeridad con que la trata, que se muestra tanto en la gama de colores empleada como en los pocos pero imprescindibles elementos simbólicos que aparecen, lo que hace es destacar los gestos de ambos personajes fundidos en el abrazo. Al fondo, la ciudad que más que una Jerusalén fuerte y torreada tal como se la representaba tradicionalmente, podría hacernos imaginar los arrabales de la misma ciudad de Sevilla: de pobre construcción, pero con algún edificio religioso entre esas formas urbanas que casi hay que adivinar. En este fondo, Murillo, una vez más ha pintado las formas en función de la distancia, pues sólo desde ésta se perciben los volúmenes, perdiéndose sus contornos si tratamos de verla de cerca. - Alicia Cámara

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Titulo: Adoración de los Pastores 1668. Caract.: Óleo sobre lienzo. 283 x 188 cm. Museo: Museo de Bellas Artes de Sevilla. Sevilla. España

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Titulo: Ecce homo 1668-1670. Caract.: Óleo sobre lienzo. 52 x 41 cm. Museo: Museo del Prado. Madrid. España

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Titulo:La Sagrada Familia 1668-1670. Caract.: Óleo sobre lienzo. 100 x 67 cm. Museo: Colección Devonshire. Chatsworth. Inglaterra

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Titulo: Autorretrato, 1670 h. Museo: National Gallery (Londres) Características: Óleo sobre lienzo 122 x 107 cm.

Hacia 1670 los hijos de Murillo le encargan la realización de este autorretrato que contemplamos, tal y como aparece en la inscripción en latín. Para su ejecución, el maestro toma como base los tipos de los retratos flamencos y holandeses empleados desde finales del siglo XVI. No debemos olvidar la importante colonia de comerciantes flamencos que estaba afincada en Sevilla con la que el artista tendría una buena relación. El pintor aparece enmarcado en un óvalo decorado con molduras, mientras que sobre la mesa que sujeta el fingido marco encontramos elementos alusivos a su profesión: la paleta y los pinceles en la derecha y un dibujo con el lápiz, el compás y la regla en la izquierda. El modelo saca la mano del óvalo y la apoya en el marco, para crear una mayor sensación de perspectiva y acentuar el naturalismo que caracteriza a todo el conjunto. El centro de la imagen es, sin duda, el rostro de Murillo, captado con toda su profundidad psicológica, resaltando sus facciones agradables y su mirada serena. La intensidad de las luces en algunas partes y el fondo en penumbra refuerza la potencia del retrato, demostrando la calidad de Murillo para esta temática que no tocó en demasía. En 1682 el cuadro fue grabado en Amberes a instancias de don Nicolás de Omazur por lo que sería una obra admirada por buena parte de los pintores europeos.

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Titulo: Caballero de golilla 1670. Museo: Museo del Prado. Madrid. España. Características: Óleo sobre lienzo. 198 x 127 cm.

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Titulo: La Virgen y el niño con Santa Rosalía de Palermo 1670. Museo: Museo Thyssen-Bornemisza Características: Óleo sobre lienzo. 190 x 147 cm.

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Titulo: Santo Tomás 1670 Museo: Museo de Arte de Cincinnati Arts Museum Características: Óleo sobre lienzo 219 x 148,5 cm. Santo Tomás de Villanueva repartiendo su ropa

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Titulo: La caridad de Santo Tomás de Villanueva 1670. Museo: Colección Wallace. Londres. Inglaterra Características: Óleo sobre lienzo. 150 x 152 cm.

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Titulo: Josua van Belle 1670 Museo: Galería Nacional de Irlanda Características: Óleo sobre lienzo Este retrato está lleno de color, siguiendo el tipo de retrato habitual en los Países Bajos. Se adaptaba así Murillo, como la había hecho con otros de sus retratos, a la personalidad del retratado. Este era un comerciante holandés que había sido burgomaestre de Rótterdam y se había asentado en Sevilla desde 1663. Tiene el retrato un acusado sentido profano: no hay cruces de órdenes militares, perros alusivos a la fidelidad o al noble ejercicio de la caza, sillones de autoridad...., simplemente una rica cortina roja sobre la que destaca la cabeza del retratado y el borde de una balaustrada delimitan el rico espacio en que habita el personaje, y es esa prosperidad material de un triunfador seguro de sí mismo la que transmite el retrato.

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Titulo: Niño Jesús dormido 1670 Museo: Sheffield City Art Gallery Características : Óleo sobre lienzo El elemento dela calavera es utilizado como símbolo de la muerte sobre la que triunfará con su resurrección. El Niño se apoya sobre la cruz y sigue un modelo de éxito en la pintura europea del siglo XVI. Debió ser un tipo de imagen muy solicitado en Sevilla en esta época, pues Murillo lo representó en varias ocasiones, sobre todo al final de su vida. Debió ser un tipo de

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Titulo: La Inmaculada Concepción 1670. Museo: Galería de Arte Walters de Baltimore. Maryland. USA Características: Óleo sobre lienzo.

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Titulo: Invitación al juego de pelota a pala, 1670 h. Museo: Dulwich Picture Gallery Características: Óleo sobre lienzo 160 x 104 cm.

En la producción de Murillo ocupan un lugar destacado las escenas populares protagonizadas por niños mendigos. Desconocemos qué tipo de clientela encargaba estos trabajos pero se especula con la posibilidad de que se trate de algún miembro de la colonia flamenca que vivía en Sevilla, debido a la similitud de temas que aparecen en la pintura barroca flamenca y holandesa de este tiempo. Angulo ha interpretado este asunto como una conversación entre niños, uno de ellos que está realizando un recado para sus padres y un pícaro que le anima a jugar a pelota a pala, apareciendo los instrumentos del juego junto a él. El perrito actúa como elemento de unión entre ambos personajes, mirando atentamente el mendrugo de pan que el niño de pie esta comiendo. Podría tratarse de una escena de carácter moralizante -al igual que había hecho Caravaggio- protagonizada por niños. Los niños están al aire libre, ante un edificio en su izquierda mientras que la zona de la derecha se completa con un cielo nublado. Una vez más Murillo ha puesto toda su maestría en captar las expresiones de los pequeños, siendo la sonrisa picarona de uno y el pensativo gesto del otro los verdaderos puntos de atracción de la composición. Forma pareja con los Tres muchachos.

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Titulo: Joven y su dueña, 1670 h. Museo: National Gallery de Washington Características: Óleo sobre lienzo 127,7 x 106,1 cm.

Murillo representa un profundo cambio en el gusto de los clientes del arte en la España del siglo XVII. Tras la severidad de naturalistas como Zurbarán, Maíno, el joven Velázquez, etc., Murillo proporciona imágenes bellas, iluminadas con suaves tonos dorados y rostros gentiles. Es el caso de esta pintura, realizada con frescura e ingenuidad. Muestra un tema muy explotado en la pintura española, como es el de la maja asomada a la ventana y acompañada de una mujer mayor. En el caso de Goya serán con frecuencia Celestinas exhibiendo a sus pupilas. En el caso de Murillo, la joven parece una muchacha del pueblo, con grandes ojos llenos de confianza y alegría. La dueña parece divertida por lo que ve en la calle y se tapa el rostro para ocultar la risa. La composición del lienzo es muy acertada: se basa en un ángulo recto acodado en la esquina inferior izquierda del marco. El ángulo está subrayado arquitectónicamente por el alféizar y la contraventana de madera, y así como por los personajes, con la jovencita apoyada y la dueña que se asoma. De este modo, gran parte del cuadro queda absolutamente vacío y la mirada del espectador se ve atrapada por las dos simpáticas figuras femeninas, que destacan contra un fondo oscuro sin iluminación ni referencias espaciales.

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Titulo: Muchacha con flores, 1670 h. Museo: Dulwich Picture Gallery Características: Óleo sobre lienzo 119 x 96 cm.

Si la mayoría de las escenas populares pintadas por Murillo están protagonizadas por niños -véase la Invitación al juego de pelota a pala o Tres muchachos- en algunas ocasiones también emplea como modelos a muchachas, como en esta ocasión, tratándose de una de las imágenes costumbristas más atractivas de la producción del sevillano. Angulo ha querido ver en esta imagen una alusión a lo efímero de la belleza y la juventud, que vendría subrayado por las rosas marchitas y deshojadas que aparecen en el manto de la joven. De esta manera, la "vanitas" barroca subyace en este lienzo, siguiendo Murillo la estela de las obras pintadas por Caravaggio. La muchacha aparece al aire libre, dirigiendo su risueño gesto al espectador y sentada sobre un pequeño muro que tiene su continuación arquitectónica en el pilar que aparece a su espalda. Viste de manera sencilla pero elegante, coronando su cabeza con un gracioso tocado. La figura es iluminada por un potente foco de luz que resbala por las telas, realzando la volumetría del personaje y acentuando el contraste con el fondo en penumbra. Esa luz también realza el colorido alegre empleado, obteniendo como resultado una obra de gran atractivo que ha sido copiada en numerosas ocasiones. Esta obra parece presentarnos ante el sentido trascendente de la vida. El tema de las flores, lo efímero de la belleza e incluso de la vida. Independientemente de esos posibles significados, es la belleza y la vida lo que estalla en el cuadro desde el que nos mira la joven. Nadie queda inmune ante esta imagen, aunque el mensaje final pueda ser que todo ello acaba. Antes de marchitarse se mostró en todo su esplendor

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Titulo: Niños comiendo pastel, 1670-75 Museo: Alte Pinakothek Características: Óleo sobre lienzo 123 x 102 cm.

Mientras que las primeras imágenes infantiles están caracterizadas por la melancolía y el pesimismo -como puede apreciarse en el Niño espulgándose- las imágenes de la década de 1660 gozan de vitalidad y alegría de la manera que se muestra en estos Niños comiendo pastel, también denominados Niños comiendo de una tartera. La glotonería caracteriza buen parte de estas imágenes -véase Niños comiendo melón y uvas- realizadas al aire libre y bañadas por una elegante luminosidad que acentúa el aspecto atmosférico de la composición. Una vez más Murillo vuelve a destacar como pintor de gestos y actitudes, centrándose aquí en la alegría sonriente del pequeño que mira como su compañero se lleva el pastel a la boca, acción que también contempla el perrillo que les acompaña. El naturalismo que define toda la composición se manifiesta con mayor fuerza en el cesto de frutas y el pan que aparecen en primer plano, una muestra más de cómo los pequeños consiguen sus alimentos a pesar de sus ropajes raídos y sus pies descalzos. El seguro dibujo es superado por la rápida y vivaz pincelada, empleando unas tonalidades cálidas que refuerzan el aspecto jovial de la escena. La composición está organizada a través de diagonales paralelas que otorgan el aspecto barroco al conjunto.

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Titulo: Niños de la Concha, 1670 Museo: Museo del Prado Características: Óleo sobre lienzo 104 x 124 cm

Murillo es uno de los mejores pintores de niños de la pintura española. Pero hay que hacer una clara diferenciación entre los niños de la calle, realizados con el mayor realismo posible, y los niños "divinos" como éstos de la escena que observamos, ejecutados con un elevado grado de idealización, aunque no por ello exentos de gracia y ternura. La intensa devoción existente en el Barroco por el Niño Jesús y San Juanito motivó un importante número de obras protagonizadas por ambos personajes. Murillo nos presenta a los niños a orillas del río Jordán, eligiendo el instante en el que el Niño Jesús ofrece la concha a su primo. En primer plano, un corderito - símbolo de Cristo - contempla la escena, mientras que la parte superior presenta un Rompimiento de Gloria con tres ángeles muy difuminados. La composición está inscrita en un triángulo, siendo la cabeza de Jesús el vértice superior. Los contrastes de luces y sombras son sorprendentes y otorgan una especie de bruma a la escena, bruma conocida como "efecto vaporoso" que caracterizará las últimas obras del pintor. La combinación de idealismo y realismo también es significativa; su pincelada se hace más suelta, aunque el colorido es similar, con predominio de gamas oscuras.

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Titulo: Tres muchachos, 1670 h. Museo: Dulwich Picture Gallery Características: Óleo sobre lienzo 159 x 104 cm.

Murillo tuvo un esclavo negro llamado Juan que había nacido en 1657. Puede tratarse del modelo empleado para esta composición, también titulada en algunas ocasiones El pobre negro. Al igual que su compañero Invitación al juego de pelota a pala, el maestro sevillano realiza una nueva demostración de cómo captar las reacciones psicológicas de los niños. La escena tiene lugar al aire libre donde dos niños están dispuestos a iniciar su merienda cuando aparece un tercero que porta un cántaro, demandando un trozo de la tarta que están a punto de comer. El que tiene la tarta en sus manos la retirada del campo de acción del muchacho negro mientras que el otro dirige su mirada al espectador y sonríe abiertamente. El pequeño negro muestra un gesto amable en su demanda. Un triángulo organiza la composición, ocupando la cabeza del niño negro el vértice, creando un juego de luces y sombras con el que refuerza la sensación atmosférica, de la misma manera que hizo Velázquez en Las Meninas. Las tonalidades pardas y terrosas contrastando con claras son habituales de esta época caracterizada por el aspecto naturalista de las composiciones, especialmente las populares.

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Titulo: Visión de San Francisco en la Porciúncula, 1670 h. Museo: Museo del Prado Características: Óleo sobre lienzo 206 x 146 cm.

Esta obra repite el tema pintado por Murillo algunos años atrás en la decoración del Convento de los Capuchinos de Sevilla. El pintor sevillano desarrolló una de sus obras más aparatosas y barrocas. La composición se divide en dos zonas: cielo y tierra, contrastando tanto por sus efectos cromáticos como lumínicos. Mientras que en la zona inferior aparece san Francisco arrodillado, vistiendo su hábito terroso y con los brazos abiertos, sumido en la penumbra que apenas deja ver la arquitectura de la capilla de la Porciúncula, en la zona superior se manifiestan intensos resplandores dorados. Los ángeles rodean las figuras de Cristo y la Virgen. Cristo se muestra en actitud triunfante, sosteniendo la cruz con su brazo izquierdo y cubriendo parte de su esbelto cuerpo con una túnica roja que ondea al aire tras su espalda. La Virgen dirige su mirada al Hijo y viste la característica túnica roja y el manto azul. La composición está formada por la característica aspa barroca, organizada por dos diagonales que se cruzan. La sensación atmosférica dota a la escena de mayor espiritualidad y armonía, invitando a la oración.

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Titulo: La Asunción de la Virgen 1670. Museo: Museo del Hermitage. San Petersburgo. Rusia Características: Óleo sobre lienzo. 195,6 x 145 cm.

252

Titulo: Virgen y Niño 1670. Museo: Gemäldegalerie de Dresde. Dresde. Alemania Características: Óleo sobre lienzo.166 x 115 cm.

254

Titulo: Retrato de un noble 1670 Museo: National Gallery of Canada Características.: Óleo sobre lienzo 88.5 x 62.5 cm

256

Titulo: Las Bodas de Caná 1670-75 Museo: Instituto Barber Características: Óleo sobre lienzo

258

Titulo: La sagrada Familia 1670-75 Museo: The Trustees of the Chatsworth Settlement Características: Óleo sobre lienzo

260

Titulo: Joven frutera 1670-1675. Museo: Alte Pinakothek. Munich. Alemania Características: Óleo sobre lienzo. 145,5 x 113 cm.

262

Titulo: St Joseph Leading the Christ Child Between 1670 and 1675 Museo: Características.: Óleo sobre lienzo. 73x52 cm

264

Titulo: Niño campesino inclinado sobre el alféizar (1670-80) Museo: National Gallery (Londres) Características: Óleo sobre lienzo

266

Título:La visión de San Antonio de Padua 1670-1680. Museo: Características: Oil on canvas. 250x167 cm.

268

Titulo: Nicolás de Omazur, 1672 h. Museo: Museo del Prado Características: Óleo sobre lienzo 83 x 73 cm La especialidad de Murillo no era el retrato, aunque sí realizó algunos como éste de Don Nicolás de Omazur, gran amigo del pintor, natural de Amberes, importante comerciante de sedas y muy aficionado a la poesía, llegando a componer algunos versos. Formaba pareja con el retrato de su esposa, Isabel de Malcampo, actualmente perdido. Murillo sigue la tradición flamenca y holandesa de los retratos dobles insertos en un óvalo. Don Nicolás porta en sus manos una calavera, símbolo de la muerte y resurrección y de la vanidad de las cosas. El pintor se ha centrado en la personalidad del modelo, iluminando el rostro para llamar la atención sobre él. La sobriedad cromática recuerda los retratos de Van Dyck.

270

Titulo: San Juanito y el Cordero, 1672 Museo: National Gallery (Londres) Características: Óleo sobre lienzo 164 x 106 cm.

Los expertos piensan que esta obra podría haber formado parte de la decoración del altar que se levantó en la plaza de Santa María la Blanca. Sería propiedad de don Justino de Neve, el canónigo de la catedral sevillana promotor del encargo, y haría pareja con el Buen Pastor que hoy guarda la Colección Lane de Londres. Los dos cuadros decoraron el altar erigido en la Plaza de Santa María la Blanca en Sevilla durante las fiestas por la inauguración de la iglesia en 1665, y fueron pintados ligeramente antes. San Juanito dirige su mirada hacia el espectador con una seductora sonrisa, abrazando al Cordero mientras señala al Cielo con un dedo de la mano izquierda. La figura se sitúa al aire libre, ante un fondo de paisaje donde abundan las nubes, creando un juego de luces y sombras que recuerda la etapa tenebrista -véase la Magdalena penitente-. El estudio anatómico de la figura infantil está realizado perfectamente, consiguiendo una sensacional volumetría al igual que en el Cordero. La delicadez y actitud del pequeño preludian el estilo del siglo XVIII. Inscripción: Ecce agnus Dei (Contemplar al cordero de Dios). La inscripción esta tomada del Nuevo Testamento (Juan 1: 29 y 36).

272

Titulo: Virgen con niño 1672. Museo: The Metropolitan Museum of Art. New York. USA Características: Óleo sobre lienzo.

274

Titulo : Dos Trinidades 1675-82 Museo: National Gallery (Londres) Características:

276

Título: Crucifixion 1675-1682 Museo: Características: Oil on canvas. 98.4x60.2 cm

278

Titulo: Inmaculada de Soult, o de los Venerables 1678 Museo: Museo del Prado Características: Óleo sobre lienzo 274 x 190 cm

Difícilmente podemos encontrar en la historia de la pintura universal imágenes más populares y reproducidas que las Inmaculadas de Murillo. El fervor mariano existente en España motivó la realización de un gran número de Inmaculadas, destacando también las de Zurbarán, Ribera o el propio Velázquez. Pero será Murillo, con esa gracia especial que tienen sus Vírgenes, quien las inmortalice. La conocida como Inmaculada Concepción de Soult debe su nombre a que fue robada por el mariscal Soult durante la Guerra de la Independencia y se la quedó en propiedad. Llegó a Madrid en 1940 gracias a un concierto con el Estado francés. Fue encargada por Don Justino de Neve, canónigo de la catedral de Sevilla, para la iglesia del Hospital de los Venerables Sacerdotes de dicha ciudad, por lo que también se la conoce como la Inmaculada de los Venerables. María viste túnica blanca, símbolo de pureza, y manto azul, símbolo de eternidad, lleva sus manos al pecho y eleva la mirada al cielo. La belleza idealizada de su joven rostro es lo que más llama la atención del espectador. El estatismo de la figura de la Inmaculada contrasta con el movimiento de los querubines que le sirven de peana, en posiciones totalmente escorzadas. La composición se inscribe en un triángulo, cuyo vértice superior es la cabeza de la Virgen; incluso para intensificar ese efecto triangular ha ensanchado la figura de María en su zona baja. La luz dorada que ilumina la escena provoca un marcado efecto atmosférico que diluye los contornos, creando a su vez un fuerte claroscuro que provoca mayor dinamismo, haciendo de ésta la más barroca de sus Inmaculadas.

280

Titulo: El niño Jesús repartiendo pan a los peregrinos 1678. Museo: Museo de Bellas Artes de Budapest. Hungria. Características: Óleo sobre lienzo. 219 x 182 cm.

282

Titulo: Martirio de San Andrés, 1680 Museo: Museo del Prado Características: Óleo sobre lienzo 123 x 162 cm

Murillo no representa habitualmente este tipo de asuntos religiosos, siendo el especialista en martirios el valenciano Ribera, pero en alguna ocasión lo hizo, al tenerse que someter a las exigencias del encargo. En el Martirio de San Andrés, Murillo va perdiendo el estilo tenebrista que definía su primera etapa para pasar a fórmulas mucho más coloristas, en las que las influencias de Rubens o Ribera son palpables. Rubens le influirá en la composición, mientras que de Ribera asimila el colorido y el efecto atmosférico que se puede apreciar en el Martirio de San Felipe, también en el Museo del Prado. La cruz en aspa de San Andrés domina la composición, iluminada por un fuerte haz de luz amarillenta procedente del cielo, en el que se vislumbran unos querubines. A ambos lados del santo nos encontramos con grupos de figuras, destacando al efecto naturalista de las mujeres de la izquierda y el escorzo de los caballos en la derecha, así como el hombre de espaldas con el perro. El fondo está muy difuminado, aunque se observan varias arquitecturas clásicas inspiradas en Veronés. Toda la escena se diluye por efecto de la atmósfera dentro del "estilo vaporoso" que caracteriza los últimos años del artista, en los que también destaca la pincelada suelta.

284

Titulo: La Presentación de la Virgen en el Templo 1680. Museo: Colección Privada Características: Óleo sobre lienzo. 155 x 208 cm.

286

Titulo: Paisaje 1680 Museo: Museo del Prado. Madrid. España Características: Óleo sobreLienzo. 194 x 130 cm.

288

Titulo: Desposorios misticos de Santa Catalina1682. Museo: Museo de Bellas Artes de Cádiz. Cádiz. España Características: Óleo sobre lienzo 440 x 315 cm.

289

Sin Fecha

292

Título: Inmaculada Concepción Museo: Great Gatsby's. Atlanta. Georgia. USA. Características: Óleo sobre lienzo. 96 x 71 cm

294

Título: José con la mujer de Putifar Museo: Whitfield Fine Art. Londres. Inglaterra. Características: Óleo sobre lienzo. 62,90 x 83,80 cm.

296

Título: La Concepción Museo: Museo del Prado. Madrid. España. Características: Lienzo. 91 x 70 cm.

298

Título: La conversión de San Pablo Museo: Museo del Prado. Madrid. España. Características: Lienzo. 125 x 169 cm

300

Título: La Magdalena Museo: Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Madrid. España. Características:

302

Título: Los esponsales de la Virgen Museo: Colección Wallace. Londres. Inglaterra. Características: Óleo sobre lienzo de 76 x 56 cm.

304

Título: Sagrada Familia Museo: Artrageous Gallery. New York. USA. Características: Óleo sobre lienzo.

306

Título: Sagrada Familia con San Juan niño Museo: Colección Wallace. Londres. Inglaterra Características: Óleo sobre lienzo. 169 x 130 cm.

308

Título: San Agustín entre Cristo y la Virgen Museo: Museo del Prado. Madrid. España. Características: Óleo sobre lienzo de 274 x 195 cm.

310

Título: San Fernando Museo: Museo del Prado. Madrid. España. Características: Óleo sobre lienzo de 56 x 38 cm.

312

Título: San Jerónimo Museo: Museo del Prado. Madrid. España Características: Óleo sobre lienzo. 187 x 133 cm.

314

Título: Santo Tomás de Villanueva dando limosna Museo: Alte Pinakothek. Munich. Alemania Óleo sobre lienzo.

316

Título: Virgen con niño Museo: Características: Óleo sobre tela. 43 x 35 cm.

318

Título: Niño sonriendo Museo: Colección Abelló. Madrid. España

320

Titulo : Joven bebiendo Museo: National Gallery (Londres) Características: Óleo sobre lienzo 62.8 x 47.9 cm.

Puede ser una copia de un original perdido de Murillo, o una imitación quizás de un pintor francés de la primera mitad del siglo XVIII.

322

Titulo: Ángel con linterna y espada Museo. Museo del Louvre Características: Dibujo

324

Titulo: Ascensión de la Virgen Museo: Kunsthalle Kupferstichkabinett Características: Dibujo

326

Título: Paisaje Museo: Museo del Prado. Madrid. España. Características: Óleo sobre lienzo. 95 x 123 cm.

328

Título: about 1670 Museo: Características: Oil on canvas 74 x 57 1/2 in.

330

Título: .... hacia 1650 Museo: Características: Óleo sobre lienzo 70 x 51cm.

332

Título: ... 1660-70 Museo: Características: Panel de Mahogany de 76 x 56 x 3 cm.

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