textos-arte | 2012

ContenidoPresentación 7

Los editores

Formación y metodología 9Materia, espacio y tiempo en la metodología de la especialidad de escultura para laformación de nuevos escultores 13Marta Cisneros y Johanna Hamann

Reflexiones en torno al arte de la escultura 37Johanna Hamann

La experiencia de enseñar a aprender y de aprender a enseñar 51Veronica Crousse

La enseñanza y el quehacer artístico 57Marta Cisneros

La especialidad de Escultura: origen, tradición y transición en la formación académica 61Manuel Larrea

Reflexiones y experiencias de la formación 69Un homenaje a Anna Maccagno.Recuerdos imperecederos de mi trayecto en la Facultad de Arte 73Raúl Cuba

Anna Maccagno. Generosa entrega a la docencia 81Joicy Bartra

Confrontarse al trabajo creativo 83Martín Salazar

Breve reflexión sobre mi experiencia en la Facultad de Arte de la PUCP, 1998-2003 89Raura Oblitas

Sólo con libertad, la elección por el compromiso es plena 93Milagros Arias Secada

El aprender a ver 95Herta Seibt

La despedida 97Pepe Santos

Coda 103“Aprender a ver con el corazón”(Citas y reflexiones en torno al proceso creativo en las artes plásticas) 105Susana Rosselló

Actividades 113

La especialidad de Escultura, a puertas de alcanzar los cincuenta años, quiere entregar esta edición de textos-arte 2012, celebrando su creación en 1965, año en el que Anna Maccagno diera inicio a la formación de Escultura en la entonces Escuela de Artes Plásticas de la Pontificia Universidad Católica del Perú.

Su contenido está compuesto por dos partes: en la primera se expone la metodología, es decir los temas tratados en los ejercicios durante la formación del alumno. Se subraya la vigencia de los ejercicios de origen de los primeros sílabos y el proceso de profundización de la visión de lo escultórico, hasta lograr un programa coherente, integrador y orgánico. Se reúnen también textos de docentes con el propósito de acercarnos a pensar el arte de la escultura, la enseñanza y el quehacer artístico.

En el segundo apartado se comparte el devenir de la experiencia del escultor que ha transitado la formación en la especialidad y cómo ésta ha calado y dejado huella en las diferentes generaciones de artistas. Finalizamos con una hermosa reflexión (Coda), que nos devuelve al espíritu de la creación artística e integra en su tratado arte, vida, alma, cuerpo; renovando su sentido al develar en él lo inefable. Sumamos una relación de las actividades más resaltantes desarrolladas por docentes, ex alumnos y alumnos de la especialidad.

Presentación

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8 • textos-arte | 2012

Este compendio realza el método establecido en la escuela por Anna Maccagno y Adolfo Winternitz y deja ver cómo es que se ha ido continuando, ampliando, profundizando y actualizando. Viajar en el tiempo desde su gestación implica una revisión del mismo y su evolución hacia lo que somos. Crea un punto de encuentro entre el pasado y el futuro, presente en construcción, desde el que se establecen las metas y direcciones que ha venido desarrollando nuestra especialidad. Esta revisión de nuestro pasado busca esclarecernos para tomar decisiones ante lo que como docentes podemos seguir contribuyendo para lograr hacer de la formación en la especialidad de escultura un sello de excelencia que nos acredite para formar a los mejores artistas. Relacionarnos con el medio reconociendo las características que nos constituyen y preservarlas es lo que nos compete. Así como explorar la experiencia y la herencia en términos de estética, dentro del proceso del artista que queremos formar, fomentar y generar en este un discurso propio, una poética íntima y una liberación expresiva.

Aunque la situación del arte en Lima es todavía difusa, es preciso integrar a la formación la toma de conciencia en los escultores que son artífices en la creación de espacio público, debemos de conducirnos en esa dirección. La conciencia de la necesidad del arte y la función del artista en la generación de cultura implica la restitución y reafirmación de la comunidad a la cual pertenecemos conectados a la dimensión social. Individuo, comunidad, espacio de congregación son dimensiones en las cuales el escultor tiene una función vital como artífice de integración, agente de convivencia y ciudadanía. Hacer vigente la memoria colectiva a través de expresiones convocantes, reivindicar la historia, son tareas que no puede perder de vista como creador en un medio, en una realidad a la que pertenece y que integra.

En homenaje a nuestros maestros y amigos de la Facultad Anna y Adolfo; y de Luis Jaime Cisneros, Raymundo Estrems y Carlos Beas, amigos y colaboradores de textos-arte, quienes partieron este año; entregamos el fruto de esta valiosa colaboración.

Los Editores

noviembre 20 , 2012

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Formación y metodología

11 • Marta Cisneros y Johanna Hamann

La especialidad de escultura fue fundada por Anna Maccagno en el año 1965, dentro de lo que era, en ese momento, la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad Católica. Desde entonces hasta hoy en día la especialidad ha seguido funcionando y ha seguido creciendo de forma dinámica gracias a los fundamentos básicos que impulsó Anna desde el principio. Anna siempre fue artista, en el oficio, en la docencia y en la vida. Esta experiencia vital la compartió con sus alumnos de manera generosa, y nosotros, sus alumnos, fuimos aprendiendo que lo más importante era la formación integral del ser humano, que la creatividad se da en un espacio de libertad, que la comunicación y el diálogo entre alumnos y profesores es enriquecedor para todos, que sin compromiso no se puede construir algo que valga la pena. Aprendimos que el trabajo en equipo es una tarea difícil pero que es a través de esta dinámica que podemos desarrollarnos, crecer y enriquecernos como docentes, como artistas y como seres humanos.

A 10 años de la muerte de Anna, este número de textos-arte está dedicado a la especialidad de escultura y a su vigencia en el tiempo, porque creemos que recordarla significa seguir comprometidos con la especialidad, significa estar atentos al tiempo y al espacio, siempre en movimiento y en constante transformación, para poder

Materia, espacio y tiempo en la metodología de la especialidad de escultura para la

formación de nuevos escultores

I


continuar con la compleja tarea de formar artistas en el tiempo y en el espacio en que nos toca vivir.

Hacer escultura significa trabajar con la materia, en el espacio y en el tiempo. Esta afirmación es compleja y tiene múltiples interpretaciones, pero nos permite entender la manera cómo hemos venido desarrollando una metodología que nos permita avanzar orgánicamente en la formación del estudiante que entra a la especialidad de escultura.

Las sumillas de la especialidad contienen los conceptos que, de manera orgánica, el alumno debe de ir incorporando en el proceso de formación desde 3er año hasta 6to año. Estos conceptos se basan en el desarrollo de la historia de la escultura a partir de la forma unitaria (monolito) y la relación que se establece con la materia hasta llegar a la forma abierta, donde el espacio y el ordenamiento de los elementos con características particulares en cuanto a forma y material, van a ser fundamentales para lograr propuestas artísticas… Las relaciones materiales, constructivas y espaciales van a ser aprendidas por el alumno a través de ejercicios que le permitan desarrollar sus capacidades creativas, imaginativas y técnicas. El estudiante debe iniciar el trabajo con la motivación de que es él el que descubre nuevas formas y distintas maneras de enfrentar el reto de una nueva escultura, incorporando los conceptos a través del quehacer mismo de la escultura. Luego el reto será abordar una intervención en el espacio público, con toda la complejidad que eso demanda. La manera como hemos venido operando en la especialidad es a través de intervenciones artísticas en espacios públicos determinados que sensibilicen, tanto al ciudadano como al alumno, frente a distintas problemáticas locales.

Paralelamente, el alumno desarrolla su capacidad de observación, una manera de ver y de establecer relaciones a través de trabajos que se vinculan con el mundo natural. El dibujo y el modelado en arcilla del cuerpo humano nos permiten reflexionar sobre nuestro propio cuerpo y el vínculo que establecemos con nuestro entorno. También logramos, a través de esta dinámica, aproximar al alumno a su propio desarrollo como artista enfrentándose al conocimiento de las distintas manifestaciones escultóricas en la historia del arte.


La experiencia con los materiales y su desarrollo desde diferentes puntos de vista lo situará ante la escultura como un proceso creativo generativo de nuevas relaciones formales. En cada uno de los temas propuestos a lo largo de toda la carrera de formación escultórica, se presentarán los contenidos teóricos pertinentes, tanto desde el punto de vista técnico como conceptual y cultural, simultáneamente a la realización de los ejercicios.


La metodología de enseñanza está basada en la asesoría particularizada de cada estudiante. Cada alumno desarrolla un discurso visual único, original y nosotros los profesores debemos de ayudarlo a que sea él el que descubra su propio camino hacia la construcción de un lenguaje propio. Ponemos énfasis en la creación artística, en la formación de nuevos artistas que manejen los elementos visuales, medios, lenguajes y materialidades para que puedan elaborar propuestas creativas y significativas.

Los procesos creativos no tienen reglas fijas ni tiempos establecidos formalmente, es por eso que debemos estar atentos al desarrollo del proceso de cada estudiante. Consideramos importante los procesos de creación por los que atraviesa el artista y la manera que tenemos de promover estas dinámicas. La experimentación y la reflexión teórica van a ser fundamentales en el desarrollo de nuevos modos de crear sentido en el trabajo escultórico. Esta será la vía por la cual los escultores podrán aproximarse y abordar investigaciones artísticas que les permitan incorporar conocimiento y establecer relaciones creativas con el fin de producir nuevas formas del saber y del sentir en el arte.


El espacio de trabajo también es un factor importante en los procesos de aprendizaje y maduración de la idea artística del alumno. El patio de escultura es un espacio que alberga alumnos de los distintos años de la especialidad, los cuales trabajan en materialidades diversas (piedra, madera, resina, ensamblaje, f ierro, etc.) y a escalas muy variadas. Esto nos permite a los profesores estar siempre mirando el trabajo, su evolución y los recursos creativos que cada estudiante utiliza para resolver problemas tanto técnicos como estéticos y formales. Es responsabilidad de todos, alumnos y profesores, la construcción de un espacio de trabajo dinámico, positivo, que apunte a generar un ambiente donde los aspectos creativos como los vinculados al of icio del quehacer de la escultura, así como los de carácter social, como lo son el respeto y la solidaridad, permitan una producción escultórica signif icativa.


Las tutorías en este sentido son permanentes y no están sujetas a un horario de clase rígido.

Muchos alumnos que han egresado de la especialidad tienen sus talleres en lugares periféricos de la ciudad y es allí donde debemos de ir para realizar asesorías relativamente regulares. Es importante el contacto con la obra vinculado al discurso de la idea, de manera que no se desligue lo que se desea decir a través del lenguaje escultórico.

Queremos resaltar que para llevar a cabo las actividades, los cambios en los ejercicios, las dinámicas de trabajo disímiles en el espacio de trabajo y el contacto personalizado con cada alumno, debemos de tener una actitud abierta al diálogo, donde las vías de comunicación estén permeables en todas las direcciones: entre alumnos, profesores, trabajadores y autoridades. El trabajo en equipo es la manera más eficaz de desarrollar iniciativas y propuestas que beneficien al alumno y a la especialidad. Lo que queremos es tener un equipo de trabajo comprometido con la formación de nuevos escultores y con el desarrollo de la especialidad. Esa será nuestra herramienta más efectiva para transmitir a los alumnos no solo conocimiento sino también la manera cómo aprender a valorar lo que hacen y a asumir la responsabilidad del discurso visual que construyen.


PRIMER AÑO DE ESPECIALIDAD EN ESCULTURA

Durante este período de formación, el alumno realizará diferentes aproximaciones de interpretación observando las formas naturales y su estructura geométrica subyacente como principio de articulación esencial. El ejercicio conlleva una cadena de procesos perceptivos para la comprensión de la forma partiendo de la observación y del análisis de su estructura interna como condición para su correcta interpretación. El alumno realizará el ejercicio en tres etapas: figuración realista, síntesis y abstracción. Es en el proceso del trabajo que el alumno accederá a la comprensión de los conceptos que comprenden la figuración, la relación de una síntesis con respecto al objeto de análisis y la posibilidad de abordar la abstracción con libertad. Es transitando por ese proceso creativo donde logrará conjugar la idea para la materialización de las tres esculturas.


Debemos tener en cuenta que el proceso de desarrollo en la formación es complejo y que es abordado desde distintas perspectivas. Simultáneamente al ejercicio de análisis de la forma, el alumno irá incorporando los elementos visuales que le permitirán articular un discurso artístico creativo.

Abordamos la escultura como una concreción que se estructura a través de relaciones materiales, constructivas y espaciales que atañen a la naturaleza física de los materiales. El quehacer escultórico implica diferentes aproximaciones a la materia y a su configuración tridimensional, las mismas, que se han ido dando y transformando a lo largo de la historia de la escultura: desde el volumen de orden contenido hasta su despliegue en el espacio. Vale decir, de la escultura cerrada a la escultura abierta.

Partimos de las relaciones materiales que se irán estableciendo de una manera directa y creativa entre el alumno y la materia elegida en una dinámica que le permitirá reconocer las características particulares del espíritu de cada material: piedra, madera y fierro.

La configuración tridimensional de la forma (volumen y espacio) y la experiencia a través de las distintas propiedades de los materiales,


hará transitar a los alumnos por diferentes procesos para la realización de sus proyectos escultóricos. El análisis de objetos de la tradición escultórica con sus elementos conceptuales históricos y documentales es una práctica que los llevará a trascender en sus representaciones tridimensionales lo puramente mimético y técnico y a conectarse con su sensibilidad contemporánea creativamente.

En la segunda etapa de este primer año de formación se hará un análisis del cuerpo humano desde su estructura: proporción, ritmo, equilibrio, movimiento, ubicación en el espacio, peso y densidad. En el reconocimiento del “otro”, como ser vivo, en la antropometría y el canon del cuerpo humano como modelo armónico, el alumno accederá en el proceso de creación, a la experiencia estética en su totalidad.


Los aspectos anatómicos del cuerpo humano, la expresividad de la materia y sus calidades (texturas) en los procedimientos aditivos del modelado con arcilla contribuyen a un desarrollo ordenado y progresivo del trabajo. Aportar y mover material, como una razonable capacidad para interpretar los volúmenes generales del modelo, lleva al alumno a emprender el ejercicio de representación desde posiciones más abiertas a una interpretación expresiva. Con esta intención metodológica, que se contemplará transversalmente a lo largo de toda la formación en la especialidad de escultura, se realizará el estudio de la figura humana desde sus diferentes aspectos.

Afirmar el concepto de estructura, entendiéndolo como lo que hace que algo se soporte a sí mismo en el espacio y en relación con su entorno nos permitirá consolidar la idea que la forma siempre está ligada a la función, nunca es arbitraria, que siempre tiene un sentido y que debemos aprender a descubrir, interpretar y articular las infinitas posibilidades que se presentan al momento de abordar el reto de plantear una escultura. Este concepto aportará al alumno recursos perceptivos para crear nuevas constelaciones espaciales


del quehacer escultórico. Partimos de las relaciones espaciales, entendiéndolas como una organización de materia que se estructura en y con el espacio.

El estudio de las formas naturales y su lógica de crecimiento busca satisfacer la necesidad de articular, destruir y recomponer la forma como síntesis, desde su función para crear un nuevo orden estético. Conocer a fondo los procesos, sistemas de formas, funcionamiento del mundo físico nos abre hacia una comprensión nueva y acaso más honda en nuestro quehacer artístico. Explorar, intervenir la materia y ensuciarse las manos seguirá siendo la base de la formación en escultura. Mirar la naturaleza es esencial para lograr algo de trascendencia en la obra escultórica, entendida como la suma de procesos y decisiones tomadas siempre en contacto directo con la materia y a través de la experimentación. Sin embargo, será el alumno, quien poniendo en actividad su creatividad e imaginación, accederá a las innumerables posibilidades de reorganizar y reconfigurar los elementos, abriendo nuevos espacios de expresión artística para la comprensión del mundo.


SEGUNDO AÑO DE ESPECIALIDAD EN ESCULTURA

La representación del cuerpo humano en escultura es una categoría histórica y cultural, por lo tanto, en permanente transformación. La percepción y experiencia del cuerpo en su concepción artística refleja las diversas creencias y actitudes sobre la existencia humana. Actualmente, el cuerpo en escultura se expresa en una multiplicidad de formas para cuestionarnos acerca de nuestra condición humana, rompiendo esquemas y transgrediendo los parámetros de la representación.

La escultura de un cuerpo humano ocupa el mismo espacio real de quien la contempla, está dentro de las mismas proporciones y escala que el mundo real, y es por eso que el cuerpo tridimensional de la escultura confronta e interpela al cuerpo natural de quien lo crea e invita y compromete al espectador a un compromiso visual y psicológico. El cuerpo sigue siendo un enigma, y el deseo por explorarlo con todo lo que tiene aún de desconocido, siendo a su vez lo más cercano a nosotros mismos, es lo que lo mantiene vigente en la escultura.


El análisis de los aspectos anatómicos nos convoca a la comprensión de que el cuerpo no representa simplemente un cuerpo, sino que se relaciona por analogía con todas las estructuras que se han convertido en parte de nuestra experiencia imaginativa. Se plantea aproximar al alumno hacia una nueva percepción y comprensión del cuerpo humano, al reconocimiento de sí mismo como corporeidad, como imagen, como rostro, y, a partir del estudio del modelo, al reconocimiento del “otro”.

Habiendo el alumno experimentado una primera aproximación a la escultura desde sus relaciones materiales, constructivas y espaciales, es importante que en esta segunda etapa profundice en el ejercicio de la organización constructiva y espacial del proyecto escultórico. Esto supone modos de organizar los elementos vinculándolos con el espacio y generando relaciones físicas y significativas para crear y dar sentido a su propuesta.


El objetivo es desarrollar la capacidad de imaginar, analizar y crear situaciones espaciales con elementos tridimensionales. La capacidad de pensar el espacio exige un entrenamiento mental específico que se irá concretando con los ejercicios a través del proceso en una propuesta escultórica “abierta”. Apuntamos hacia realizaciones de proyectos escultóricos en donde el espacio de la instalación del proyecto esté implicado. Entendemos una “instalación” como una imagen mental que se materializa espacialmente, generando una poética con el espacio adonde se desarrolla.

En este curso se plantea darle al alumno una visión amplia del concepto y quehacer escultórico, ya que el arte de la escultura se encuentra en un constante proceso de renovación. Es por eso que consideramos fundamental abrir los márgenes de sus definiciones para que los alumnos se puedan expresar a partir de presentes y futuras manifestaciones artísticas, manteniendo como eje al espacio y su relación con los elementos pertinentes para la conformación de un proyecto escultórico libre, personal y creativo.


Entendemos el quehacer escultórico como una construcción compleja que articula varios elementos desde sus formas materiales y organización en el espacio. Esto supone complejizar modos de organizar los elementos vinculándolos con el espacio y generando relaciones físicas y significativas, con el objetivo de desarrollar la creatividad y dar sentido a la propuesta artística.

El autorretrato es uno de los ejercicios de análisis más profundos que puede hacer un artista. Implica mirarse el rostro en la intimidad y conocerse hasta tal punto que la realización escultórica, y la expresión plástica se traduzca en obra artística.

“Pintarse a sí mismo, como fotografiarse o filmarse, puede ser una operación de simple narcisismo más o menos velado, como también un ejercicio de humildad, de meditación y de exploración de la propia identidad carnal y espiritual, para saber más de sí mismo y a través de sí mismo de los demás.”

Durante el proceso, el alumno tomará conciencia que la percepción de sí mismo está cambiando constantemente, no es estática, y que deberá destruir la imagen preestablecida de sí mismo a través de un profundo proceso de observación e introspección, llegando a atravesar la estructura ósea para confrontarse y, finalmente, relacionarse con su propia imagen, creando un autorretrato.


Este ejercicio abre una vía no solo para fijar los aspectos de la fisonomía y su perfil psicológico, cuanto por implicar la imagen ideal que cada uno lleva dentro de sí. Imagen que siempre está vinculada con su medio afectivo, social y cultural. En esta complejidad está presente la posibilidad de establecer varias lecturas sobre la construcción de la imagen que nos representa. Llegar a descubrirnos y descubrir quiénes somos, cómo nos miramos y cómo nos miran nos ayuda a vislumbrar ese rostro que presentamos socialmente y nos libera para alcanzar la proporción justa entre la complejidad de lo que somos y el cuerpo que habitamos.

Los conocimientos asimilados en el proceso de formación sobre la forma de hacer escultura a través de relaciones constructivas, materiales y espaciales le abre al alumno la posibilidad de enfrentar un proyecto más complejo que se inserta en el espacio público.

La formación en escultura contempla intervenciones artísticas en el espacio público que permiten tomar conciencia de la ciudad y confronta al estudiante a asumir responsablemente su rol como generador de cultura.


Consideramos necesario que, dada la importancia que el monumento ha tenido en la escultura durante los siglos, “ya que parece que la lógica de la escultura es inseparable a la lógica del monumento”… (R. Krauss), el alumno debe analizar la historia de la escultura a través de su presencia y ubicación en el espacio público. Para ello, enfocará su desarrollo y transformaciones radicales, y observará directamente ejemplos locales e internacionales.


DOS AÑOS DE PERFECCIONAMIENTO EN LA ESPECIALIDAD DE ESCULTURA

El proceso de formación en la especialidad de Escultura hasta cuarto año plantea ejercicios específicos y un acercamiento concreto sobre la forma de hacer escultura a través de relaciones materiales, constructivas y espaciales. Con estos conocimientos adquiridos, el alumno está preparado para plantear proyectos artísticos personales con libertad y complejidad.

Un proyecto artístico responde a una intención específica y está conformado por elementos visuales y conceptuales que se configuran y materializan en el espacio. El alumno debe manejar las herramientas y competencias que requiere como artista contemporáneo para elaborar, construir y presentar su propuesta con libertad. La elaboración de un proyecto demanda un planteamiento amplio y complejo que conlleva en su estructura la articulación de referencias culturales, vivencias, procesos y una destreza en el manejo de elementos visuales para dar una respuesta a los múltiples estímulos y circunstancias desde su ser como artista en el espacio y tiempo que le ha tocado vivir.

Marta Cisneros y Johanna Hamann

octubre del 2012


HAMANN, Johanna: Integración. 2006. Escultura en Espacio Público. Metal 11 m. de alto

37 • Johanna Hamann

Si tuviéramos que hacer una definición de escultura, diríamos que puede ser toda forma tridimensional que materializa un concepto de expresión artística. O también: la configuración de la forma (espacio y volumen), a través de un proceso creativo y por medio del tratamiento de distintos materiales. Esta actividad desarrolla la capacidad de imaginar, analizar, crear situaciones y conexiones de sentidos. Por tanto, y citando a Cork en el ejercicio escultórico: “El sentimiento escultórico es la apreciación de diferentes masas en sus relaciones recíprocas”. (1993 Cork,

pp. 74-75)1

El arte de la escultura en cuanto masa, es decir, volúmenes que ocupan espacio y conviven con todos los objetos que nos rodean y con el ser humano mismo ha sido clasificado, a lo largo de la historia, dependiendo de sus diferentes configuraciones estéticas, técnicas y procesos.

Puede ser modelada en barro, yeso, o en cualquier otro material que permita su realización por medio de un proceso de adición del material hasta crear la o las formas. Puede también ser tallada en piedra, madera, marfil, etc.sacando la forma del bloque a través del proceso de sustracción.

Incluso puede ser fundida, construída, ensamblada, soldada, cosida, etc.

1 CORK, Richard, “Gaudier-Brzeska et le primitivisme”, en cat. exp. 1993, Orleans, Toulouse, pp. 74-75.

Reflexiones en torno al arte de la esculturaPara Anna

II


Hay esculturas figurativas y no figurativas. Figurativas son aquellas que representan o simbolizan “su sentido” por medio de una figura concreta y reconocible.

Se llama abstracción a aquello que se opone a la representación figurativa del mundo visible. La abstracción es opuesta a la naturaleza, es la búsqueda de identidad del vacío, del volúmen, organizados en un equilibrio dinámico.Es la manifestación de lo sensible por medio de un lenguaje plástico objetivo para simplificar la visión de la vida.

Los fundamentos de la abstracción lo constituyen: el vacío y la masa, la línea, los volúmenes, la estructura, el ritmo, la armonía y su interacción con el espacio.

Se trata de la materialización de una forma de la energía, en sus ritmos y en sus formas, replegadas y expansivas.

La escultura abstracta, muchas veces utiliza formas geométricas en su representación. Acentuando los puntos de fuga de la fuerza, la tensión y el equilibrio entre el volúmen y el vacío.

No-figurativas son las que partiendo de la figuración,desarrollan su desconfiguración por medio del ritmo de los volúmenes.

Toda escultura es una intuición, un pensamiento o una idea previa a su representación o al material elegido. Está habitada por el deseo, o la reflexión de llegar a ser al acceder al conocimiento desde la experiencia.


Se llama estatua a la escultura que representa total o parcialmente la figura humana y los elementos que la acompañan.Según la parte del cuerpo representada se les denomina:

Busto, figura masculina, orante, femenina, pedestre, ecuestre, yacente, torso.


Los grupos escultóricos, como su nombre indica, están conformados por varias figuras creando escenas centrales, laterales o complementarias.

El relieve es una práctica escultórica realizada sobre una superficie. Sobre la cual se distribuyen los volúmenes y los vacíos sobre un plano, para crear perspectivas y profundidades generando una ilusión espacial. La naturaleza de la perspectiva genera una transformación geométrica que nos permite representar una escena de tres dimensiones sobre una superficie bidimensional.

Se trabaja por medio de procesos de adición si es en arcilla, o sustracción si es en piedra o madera. Los hay de alto, bajo y medio relieve.

La creación escultórica espacial es aquella en la que los elementos que la constituyen están entretejidos con el espacio que ocupa, interactuando simultáneamente. Desarrolla un lenguaje con el espacio.,

Pueden ser sólo femeninos, sólo masculinos, mixtos, o con animales. etc.


Friso es un motivo escultórico de relieve continuo, generalmente integrado a la arquitectura y de desarrollo horizontal.


“Ensamblaje, la palabra ensamblar viene del francés assembler, que significa juntar piezas de madera o de otros materiales. En el caso de la escultura el artista aprovecha los materiales que le ofrece la vida cotidiana y los combina en su obras tomando en cuenta sus valores plásticos-formales,dimensión,textura,color o su posible contenido simbólico.” (LIAÑO, Marta, Ensamblaje)

La cinética en la escultura nace por el afán de otorgar movimiento al objeto artístico. El objeto en movimiento se torna a su vez en vehículo del tiempo percibido, y el tiempo se torna en una dimensión visible del espacio.Una vez que lo temporal toma forma en el movimiento mecánico.

Juega con la ambigüedad de las apariencias y poniendo en evidencia la poética que encierran los materiales menos nobles, cuando no de desecho.

le proporciona una nueva configuración principios de mutación en el tiempo y espacio reales.

A principios del siglo XX es con el Collage, una potente herramienta para generar nuevos espacios poéticos.


La escultura minimalista deviene del término Minimal Art, tendencia abstracta dentro del arte moderno que rompe con la antigua concepción de la escultura como una forma de expresión encerrada en sí misma. Deviene de lo abstracto a lo real, en una exploración efectiva en el recorrido (tiempo), en el espacio y en la materia industrial y a partir del contexto que los circunda.

La escultura paisaje, o Land Art, es una expresión escultórica donde el paisaje natural se convierte en el material de configuración artística, transformando la vastedad de los paisajes con sus intervenciones en nuevas realidades espaciales.


“Monumento (del latín “monumentum”, moneo, memoria) patentizan una atávica aspiración del hombre: el afán de perdurar”.

Alfonso Castrillón1

Un monumento es una edificación pública o privada cuyo destino es perpetuar la memoria de algún personaje o acontecimiento.Los hay de varios tipos:Civil o popular, cultural, histórico, militar, funerario, privados y públicos. Sus componentes sonEmplazamiento: Lugar específico, espacio donde se desarrolla el proyecto escultórico, o la intervención artística. Puede ser un espacio cerrado o un espacio abierto. Puede estar en el espacio urbano o en un paisajeBasamento: Especie de gran zócalo continuo que sirve de base a una construcción.Plataforma: Superficie plana que sobresale del nivel del piso.Instalaciones: Facilidades con las que cuenta el monumento, ya sean de energía eléctrica, hidráulica, sanitarias y de elementos mecánicos.

1 CASTRILLÓN, Alfonso. “Escultura Monumental y Funeraria en Lima”. En: Escultura en el Perú. Lima: Colección Arte y Tesoros del Perú, 1991.


Fúnebre: el que se erige para honrar a la persona enterrada.


Pero si vamos más allá en el intento de definir qué es la escultura, podemos aproximarnos desde otras perspectivas.

¿Porqué la escultura es aburrida?

Baudelaire, poeta francés del siglo XIX, tituló un artículo así: con motivo de la exposición de esculturas celebrada en París en el Salón de 18461, escribió sobre la escultura, aludiendo a sus tres dimensiones: “Brutal y positiva como la naturaleza, es al mismo tiempo vaga e impalpable porque nos muestra demasiadas caras a la vez.” Y… es que, para su espíritu controvertido y moderno, ésta se le presentaba, como una “roca clásica”, como una forma congelada en el espacio, inmóvil y permanente, fría, distante y ostentosa. Para él, rebelde y transgresor, poeta de la intensidad y del cambio, de la vida que transcurre, del instante que pasa; la brutal realidad estática de su tridimensionalidad y de sus formas clásicas lo perturbaba totalmente.

1 http://elpais.com/diario/1997/07/28/cultura/870040809_850215.html, El País, Archivo, Fernando Samaniego, 28 JUL 1997. 2 de octubre 2012, 10.55 a.m.

La fusión y la mezcla de medios y géneros,de todos los procesos constructivos, de múltiples manifestaciones espontáneas y efímeras han conducido al arte de la escultura al predominio de la instalación.

“La instalación es aquella extensión de lo escultórico que se aboca a la creación de espacios totales creados a partir de exploraciones espaciales.”


Sin embargo, se puede leer también el carácter visionario de Baudelaire. La escultura parte de lo concreto y palpable y es contradiciendo su esencia natural, que sin perderla, transita en la historia hacia lo impalpable, inasible, e indescifrable. Mostrando actualmente “todas sus caras a la vez”. El arte de la escultura vive una vida que nada tiene que ver ya con la vida real como fuente de imitación; se ha ido liberando de todas las definiciones por medio de las cuales se ha hecho conocida. Ha dejado en el tiempo ese carácter totémico, monolítico, absoluto de materialidad; desprendiéndose de la representación figurativa, antropomorfa y del uso exclusivo de materiales nobles, desligándose de las definiciones que tradicionalmente la encerraban. Como dice Hildebrand: “Ha cambiado toda la coherencia del organismo plástico, y ya las formas construyen una unidad de la apariencia que nada tiene en común con la unidad orgánica de la naturaleza, ni con su unidad de acción”. (1903 Hildebrand p. 66.)2

Este continuo movimiento de la imaginación en el tiempo y de la forma en el espacio, articulado con la necesidad de comunicar nuevos conceptos, nuevas visiones sensibles sobre la realidad, ha ido generando conexiones de formas, de espacios, de escalas, de materiales, de texturas, de transparencias, etc.; reinventando una nueva mirada y flexibilizando el sentido de lo que es escultura, ampliando sus posibilidades y gamas expresivas. Este es un arte vivo, en constante proceso de transformación; en ella todo ha ido cambiando; materiales y procedimientos, siendo actualmente imposible formular una definición absoluta y cerrada sobre sí misma. que comprenda todas sus manifestaciones. Ya que un nuevo proyecto escultórico, “arrastra consigo la desaparición de todo canon significativo de la forma y la visión.” (1915 Einstein, pp. 24-25)3.

Actualmente ha ido adquiriendo una fuerte condición espacial. La escultura aunque tiene proporción, peso, gravedad, un interior, un exterior, un arriba y un abajo, espacio y ubicación, está cada vez más inmersa en su medio físico y dentro de la continuidad y neutralidad de su espacio y de su tiempo. Esta nueva tendencia impulsa al arte de la escultura hacia realizaciones de proyectos adonde el espacio de la instalación esté implicado en propuestas de escultura “abierta”. Es justamente la capacidad para pensar el espacio, la

2 CHEVILLOT, Catherine. “Forma cerrada antes del estallido”, ¿Olvidar a Rodin? Escultura en París, 1905-1914. Fundación MAFRE, Madrid, 2009, nota n° 18, pág. 160.3 CHEVILLOT, Catherine. “El problema era Rodin”, ¿Olvidar a Rodin? Escultura en París, 1905-1914. Fundación MAFRE, Madrid, 2009, nota n° 34, pág. 21.


que nos conecta con la sensibilidad contemporánea; este esfuerzo mental se concentra en el análisis de los espacios que habitamos expandiéndose desde el rincón personal, a la ciudad y al territorio.

El concepto de lo escultórico se amplía aún más al abordar el tema, de hacer arte en el contexto urbano público, la capacidad reflexiva del “hacer escultura” que se viene desarrollando en intervenciones artísticas que logran expresar el sentido del arte al “hacer ciudad” comunitariamente. Operar en el espacio público, siempre será un riesgo político; es la ética y creatividad del escultor que lograrán trascender en el contexto urbano su propuesta artística a nivel simbólico.

Para concluir cito a Javier Maderuelo:

“A través del «Arte público» los escultores han llevado a la práctica la antigua idea de los

constructivistas rusos de realizar un arte al servicio del pueblo, un arte realmente popular

alejado del pastiche consumista del «pop art», un arte que desciende al nivel del hombre

de la calle y hace realidad la proclamada unión entre arte y vida.” 4

4 MADERUELO Javier. La pérdida del pedestal. Círculo de Bellas Artes Visor dis. 1994, pág. 78.


LA ESCULTURA EN LA FACULTAD DE ARTE DE LA PUCP

Habiendo hecho una reflexión general sobre lo que es la escultura, tomando múltiples puntos de vista, hacia una compresión integradora, corresponde explicar cómo es que se estructura la formación en la especialidad de escultura de la Facultad de Arte de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Con este propósito parto citando a Anna Maccagno, quien sentó las bases sobre las cuales se concibe la formación, con lineamientos en permanente revisión:

“La tarea es trabajar sobre lo que nadie puede regalarnos o quitarnos; a ese factor tan

importante e imprescindible yo lo llamo: talento + consciencia”1. Anna Maccagno.

En la Especialidad de Escultura nos hemos propuesto despertar al alumno, con el re-conocimiento de sus capacidades creativas. Creatividad que partiendo desde un cuestionamiento de sí mismo y de lo que lo rodea, vaya con sus manos, como resultado de la acción y de la curiosidad explorando permanentemente, y entretejiendo, con talento y disciplina, materiales y formas en sus propuestas artísticas en consonancia con su imaginario personal.

En los ejercicios planteamos fundamentos plásticos como el volumen, la forma, el ritmo y el espacio, y los alumnos trabajan (en un inicio), con materiales tradicionales como la piedra, la madera, el yeso, la arcilla; pero también experimentan con nuevos materiales como la resina, el látex, el caucho, el papel, etc. Incluso crean sus proyectos con objetos reciclados. Lo que buscamos es formar escultores vitales y curiosos, inteligentes y sensibles, comprometidos con su país y su contexto.

Los estímulos para cada etapa del proceso de formación, se tornan más complejos ya que el alumno deberá ir reconociendo, experimentando y manejando nuevos retos. Al principio, en las primeras etapas, nos concentramos en desarrollar las capacidades de observación y análisis de las formas naturales, para ir descubriendo una nueva dimensión de la forma en el espacio, implicando también al espacio.

Lo que tratamos es de abordar una metodología abierta a la sorpresa, para ir juntos develando el enigma de las posibilidades creativas. El propósito es el de caminar e investigar abriendo nuevas brechas, donde la visión de la

1 textos-arte, Anna Maccagno, noviembre de 2003. Edición Especialidad de Escultura. Editores: Miguel Mora, Marta Cisneros, Johanna Hamann. Pag. 88.


materia, la forma y el espacio se conjuguen y renueven para crear, con ideas propias y materiales diferentes, conexiones con sentido que solamente se podrán transmitir a través del lenguaje plástico/artístico.

Apuntamos a la búsqueda de un espíritu libre, comprometido con nuestra propia vida como artistas, y aunque el futuro se muestre borroso y disperso, sigamos manteniendo la fe en la libertad y en nuestra capacidad de cuestionarnos y cuestionar constantemente el mundo que nos ha tocado vivir.

Talento + Consciencia

“Consciencia que el joven artista tiene que ir afinando frente así mismo, frente a su trabajo,

frente a su contexto socio cultural. Una consciencia que, cultivada paralelamente al

talento, da como resultado la autodisciplina, la honestidad y finalmente una paternidad

responsable hacia su obra. El contenido y la forma nacen de este empeño”.2

Johanna Hamann

octubre del 2012

2 textos-arte, Anna Maccagno, noviembre de 2003. Edición Especialidad de Escultura. Editores: Miguel Mora, Marta Cisneros, Johanna Hamann. Pag. 88.

Dibujos: Berenice Zagástegui, María Gracia Ego Aguirre y Silvana Hurtado-Dianderas.

51 • Veronica Crousse

Enseñar en la Especialidad de escultura es para mí un proceso constante de aprendizaje. Aprendí a enseñar de mis maestros, compartiendo el tiempo con ellos mientras me guiaban en el largo y ciego proceso de enseñarme a aprender, buscando sin método. Pero sobre todo, sigo aprendiendo a enseñar ahora que enseño. He tenido también capacitaciones sobre docencia, donde me he instruido sobre eficaces métodos y técnicas de enseñanza, pero que son difícilmente aplicables en una disciplina no compatible con los métodos1.

Esta teoría aprendida no es comparable con la práctica docente, ya que se aprende a enseñar en el proceso de estar y compartir mucho tiempo con los alumnos, buscando la manera de hacer que descubran un mundo al cual tal vez no han estado expuestos, un mundo que es nuestro mundo, pero visto desde una rendija que se va abriendo, permitiendo atisbar a través de ella e ir construyendo una mirada sensible que descubre otros ángulos, 1 Ávila, Francisco. “Los conceptos de azar y arte en Jorge Wagensberg”. Pág. 13. Versión digital http://serbal.pntic.mec.es/~cmunoz11/wagensberg.pdf. Enlace activo 02/10/2012. El autor dice: “Digamos algo más para apreciar claramente la diferencia que deseamos precisar, entre conocimiento científico y conocimiento artístico. El primero, combate el miedo de ciertas complejidades porque las hace inteligibles, tal como pretende su principio particular. Idéntico efecto produce el segundo, ya que transmitir una complejidad con su ininteligibilidad intacta, como asegura su único principio, también es un buen remedio contra el miedo. En este momento es preciso decir que el primero en tener miedo es el artista, que la ausencia de método artístico y la falta de un lenguaje único, son elementos que en nada ayudan al artista a la hora de crear arte. Debe buscar sin método, un poco a ciegas. Esto no sucede con el investigador científico.”

La experiencia de enseñar a aprendery de aprender a enseñar

III


perspectivas y formas de ese mundo. Esta posibilidad de “abrir el mundo” se potencia y enriquece al compartir un espacio de discusión y crítica de las obras de los alumnos con los otros profesores, lo cual permite confrontar la mirada propia con otras maneras de ver el mismo problema, permitiendo esto acceder a lo que se ve desde otra rendija.

En ese sentido, el enseñar arte y el hacer arte tienen en común el ser la búsqueda constante de otras maneras de ver, percibir y decir; transmitir puntos de vista no sólo desde el conocimiento adquirido sino desde esa mirada nueva, que finalmente es lo que uno propone cuando hace una obra o cuando enseña arte.

Este es un proceso largo, pues lo que se busca no es la transmisión de fórmulas y métodos prácticos que acorten tiempos. El acortar el tiempo que uno le da a un problema artístico es incompatible con la revelación que supone el ir encontrando en el hacer y en el tiempo esa manera de ver el mundo, ese lenguaje que permitirá mostrarlo bajo la mirada profunda que el artista serio propone.

Es a esa mirada profunda a la que se refiere ese cliché del artista incomprendido por sus contemporáneos, un individuo que se adelanta a su tiempo revelando, a través del arte y antes que nadie, los misterios del mundo y los aspectos de la sociedad que no son evidentes para el resto. Pero para lograr esa mirada reveladora que resulta de la contemplación, no existen atajos ni fórmulas que nos permitan cuantificar el tiempo y trabajo que demanda la labor creativa. Y este aspecto no es exclusivo del trabajo de las artes plásticas: en una exposición retrospectiva de la obra del arquitecto peruano Enrique Ciriani2, encontré que entre sus planos, maquetas y dibujos estaba escrita en la pared la siguiente frase: “No soy un hombre apurado. Hay que añadirle tiempo a lo que uno hace para que sea mejor.”

Esta frase estaba en el centro de la sala, y alrededor de ella se mostraban los bellísimos dibujos que Ciriani hace a partir de sus proyectos, pero que no son el proyecto en sí, dibujos que muestran no el plano como anónima instrucción, sino dibujos que nos revelan cómo el arquitecto ve el mundo y cómo su obra arquitectónica es la manera de acercarse a materializar 2 Enrique Ciriani, arquitecto peruano que ha desarrollado la mayor parte de su trayectoria profesional en Francia y por la que ha logrado la Equerre d’Argent, el máximo premio de arquitectura en ese país por una obra construida. En el año 2010 se presentó en Lima la exposición retrospectiva de su obra Ciriani 1960-2010, en el Centro Cultural Británico.


esa visión del mundo. Esa frase hacía patente las incuantificables horas de búsqueda, reflexión y ejecución necesarias para que sus dibujos nos transmitan esa otra manera de ver el mundo. En este sentido, cada obra es muchísimo más que su fría materialidad, al ser condensación de conocimiento, contenido y sensibilidad.

Me sentí identificada con esa frase pues fortalecía mi posición cuando se me reprochaba por los plazos de entrega de mis esculturas por encargo. Y es que nunca he querido renunciar al tiempo que debo darle al trabajo, aunque eso obviamente crea un desbalance entre el valor real de la obra y su precio de venta.

Asumo este lujo porque me da la posibilidad de hacer una obra dándome y dándole el tiempo que necesita para que se convierta en un descubrimiento. Y es que ese es el sentido último de hacer arte, una forma de conocimiento que finalmente permite mostrar a través de la obra eso que has descubierto. Pero si no le añadimos a la obra el tiempo necesario para que este descubrimiento se dé en el proceso indisociable de hacer-encontrar y develar en el hacer, entonces el arte pierde todo su sentido y estaremos solo ante la labor mecánica de aplicar métodos que llevarán a la construcción de un objeto inanimado.

También puse en relación esa frase con la formación artística que recibí de la Facultad de Arte cuando estudié en ella en los ochentas y noventas. Para mí tuvieron un valor revelador algunos trabajos que me tomaron mucho tiempo, como el autorretrato o por ejemplo el hacer el ejercicio de claroscuro con plumilla y tinta china: Mi desentendida elección de la técnica puntillista para hacer el claroscuro, trajo, ya desde los primeros días, la desesperación de intuir que no lo acabaría nunca. Pero ésta poco a poco cedió el paso a una creciente voluntad de no rendirme ante la evidencia, que se hacía patente en cada minuto-hora-día que pasaba agregando puntos sobre el papel blanco,


que necesitaría de muchísimos más minutos, horas y días para lograr que esa constelación se organizara en una relación entre luz, medio tono y oscuridad creando un ambiente donde se iría definiendo una figura sobre un fondo. Y al final, con el trabajo logrado, la enseñanza más importante que recabé no fue la aplicación de la técnica, ni los métodos para hacer el trabajo más rápido. Sobre todo aprendí que el tiempo que le agregué a ese trabajo fue lo que hizo que éste tuviera valor, pues me permitió asistir, en el proceso de trabajo, a esa especie de mágica auto-organización de los puntos que iba creando un todo unitario y con sentido.

Recuerdo que un factor que iba en desmedro de la velocidad de ejecución de los trabajos, era un aspecto que es intrínseco al método de enseñanza de nuestra Facultad, y es la multiplicidad de opiniones que el alumno recibe de los distintos profesores que lo siguen personalizadamente durante su proceso creativo. Y es que esta multiplicidad de opiniones, muchas veces divergentes e incluso opuestas, hacen que la duda y los cuestionamientos sobre la propia obra sean los caminos bifurcados que se encuentran a cada paso del proceso del ir haciendo, y que te llevan no a seguir instrucciones eficaces, sino que te obligan, ante la incerteza de qué camino tomar, a discernir y tomar decisiones propias, fundamentales para ir construyendo el lenguaje personal de cada artista.

Y es que el arte es subjetividad, y por lo tanto, como dice Borges, “el arte no se enseña, se puede enseñar el amor al arte.”3 Si el arte fuera conocimiento objetivo podría enseñarse y cuantificarse, simplificarse y reducirse a métodos y fórmulas efectivas. Pero no lo es. Lo que entonces se enseña en la Facultad de Arte es a construir los cimientos del conocimiento artístico: mirar en profundidad, buscar, probar, deshacer, indagar, para que ese proceso nos permita contemplar la complejidad del mundo desde una rendija que se abre de tanto forcejear.

Este conocimiento se revela paulatinamente en el hacer, en el oficio a través del cual se materializa la obra que comunicará ese conocimiento 3 Borges, Jorge Luis. Citado en: Wagensberg, Jorge Luis. Ideas sobre la Complejidad del Mundo. Pág.118.Jorge Wagensberg (Barcelona, 1948) es doctor en Física y profesor de Teoría de los Procesos Irreversibles en la Universidad de Barcelona. Es investigador y divulgador científico además de un dinámico actor del debate de ideas. Recibió el Premio Nacional de Pensamiento y Cultura Científicos en Cataluña. Dirigió el museo Cosmocaixa, referente de los museos de la ciencia de todo el mundo. Es autor de libros e investigaciones sobre termodinámica, matemáticas, biofísica, microbiología, paleontología, entomología, museología científica y filosofía de la ciencia, así como de numerosos artículos periodísticos. (tomado de la información del autor que aparece en su libro).


ininteligible. Es por esto que la creación artística es el resultado de un proceso indisociable de adquirir conocimiento en la práctica. La obra es teoría y práctica, conocimiento y oficio indivisiblemente condensados.

Creo que la educación artística que hemos recibido de la Facultad de Arte de la PUCP como alumnos, y que intentamos ahora continuar impartiendo como profesores, es un lujo. Un lujo al que no hay que renunciar en el intento de homogeneizarnos con disciplinas y procesos de aprendizaje distintos, ni intentando cuantificar y reducir sus tiempos de aprendizaje, cálculos que solo irían en desmedro de la calidad de nuestra Facultad y que lesionaría su esencia.

Porque no es su especificidad ser productiva, ni eficiente, ni ejecutiva, ni exacta. Como tampoco son éstas características del arte. Su especificidad es la búsqueda del conocimiento a través de la creación. Un conocimiento distinto al conocimiento científico, el cual “debe buscar las explicaciones más sencillas de los fenómenos más complejos”.4 Sin embargo, cuando la complejidad arrecia y no se deja descomponer para su estudio, solo el arte permite comunicar una complejidad aun cuando ésta sea ininteligible.5

Y en un mundo que tiende cada vez más a la velocidad (en la información, en la comida, en las relaciones humanas, en la comunicación), velocidad que se traduce en la jungla de la inútil multiplicación de contenidos vacíos y superficiales, es bueno saber que todavía existe una Facultad pausada y perfectible sin duda, pero desde donde se puede contemplar, aprender y comunicar a través del arte, intentando revelar los misterios de este complejo mundo que se nos propone cada vez más veloz y ligero.

Veronica Crousse

setiembre del 2012

BIBLIOGRAFÍAÁVILA, Francisco. Los conceptos de azar y arte en Jorge Wagensberg. Versión digital http://serbal.pntic.mec.es/~cmunoz11/wagensberg.pdf. Enlace activo 02/10/2012.

WAGENSBERG, Jorge. Ideas sobre la Complejidad del Mundo. Barcelona: Tusquets 1994. 176 p.

4 A. N. Whitehead, citado en Ávila Francisco “Los conceptos de azar y arte en Jorge Wagensberg” Pág. 2. Versión digital http://serbal.pntic.mec.es/~cmunoz11/wagensberg.pdf. Enlace activo 02/10/2012.5 Ávila, Francisco. “Los conceptos de azar y arte en Jorge Wagensberg”. Pág. 15. Versión digital http://serbal.pntic.mec.es/~cmunoz11/wagensberg.pdf. Enlace activo 02/10/2012.

CROUSSE, Veronica: Territorio (detalle) 2010 madera de encofrados, cemento blanco 600 x 140 cm

57 • Marta Cisneros

Enseñar arte es una tarea difícil y compleja que abarca múltiples aspectos vinculados al espacio y al tiempo en que nos toca vivir. La lista de esta diversidad de aspectos que participan en la enseñanza artística se puede tornar incalculable: sociales, culturales, históricos, estéticos, técnicos, subjetivos, medio ambientales, etc. Esta razón nos lleva a pensar que la forma de medir los distintos elementos que participan en este quehacer no debería ser la misma que se utiliza en otras disciplinas, más circunscritas al territorio de su propio accionar, con sus límites mejor establecidos. Somos conscientes de que nos movemos en un espacio donde lo ambiguo y lo relativo riñe con el sentido de la Verdad y de la Belleza. Por esto es necesario que los espacios de enseñanza del arte cuenten con profesores que se mantengan atentos a lo que sucede en el entorno y, sobretodo, que éstos tengan, de manera simultánea y paralela a su práctica docente, un espacio de creación para desarrollar sus propuestas artísticas. La persona que tiene a su cargo la responsabilidad de enseñar disciplinas vinculadas a la producción del arte debe mantenerse en contacto con su capacidad de observar, de imaginar y de realizar sus propias creaciones.

Esta es una afirmación que se asentó en mi conciencia cuando tuve el privilegio de trabajar, en la docencia, al lado de Anna Maccagno. Su mensaje fue claro y contundente: uno no puede enseñar algo en lo que uno no se encuentra implicado; algo además, que

La enseñanza y el quehacer artístico

IV


es complejo, diverso y que nos enfrenta permanentemente a propuestas artísticas originales creadas por los alumnos; propuestas cargadas de contenido personal, propuestas con otras maneras de entender y ver el mundo, propuestas que se rebelan frente al orden establecido, propuestas que abordan la cotidianeidad envuelta en un espacio de poesía; en fin, propuestas, todas ellas, distintas por tratarse de personas diferentes.

Enseñar, nos transmitió Anna con el ejemplo, no es una dinámica que tiene una sola vía, es más bien algo de ida y vuelta, que se forja de a dos, profesor-alumno. No se trata de establecer dinámicas de jerarquía vertical, se trata más bien de una dinámica compleja, de un profesor con un alumno, un “otro”, en donde a través de la comunicación, la apertura de ambos para incorporar nuevas formas, la confianza, la sensibilidad, el respeto y la inteligencia, se vaya construyendo una relación que permitirá sacar lo mejor de cada uno. Lograr que el estudiante descubra sus capacidades y las desarrolle es nuestra labor. Recordar a Anna significa tener presente que practicar la docencia es asumir un compromiso con la formación de jóvenes artistas; significa saber identificar, respetar e impulsar las particularidades de cada uno de los alumnos para lograr que sean ellos los protagonistas de su propio descubrimiento como creadores.

Los profesores aprendemos permanentemente de los alumnos; así como aprendemos de lo que leemos, de lo que vemos y de lo que vivimos. Esto significa que nada está detenido, que el mundo y el conocimiento están siempre en movimiento. Significa también que es muy poco lo que sabemos, y que la humildad frente a esta verdad nos estimula a seguir creciendo y aprendiendo, a seguir asombrándonos de lo que vemos, de lo que imaginamos y logramos entender de este mundo que nos ha tocado vivir.

Somos conscientes de que no hay puntos de certeza visibles y que la amplitud del horizonte en el arte es enorme. Que las nociones de realidad y representación, de forma y proporción, de espacio y vacío, de lo que es afuera y adentro, están abiertas a múltiples interpretaciones. Frente a esta complejidad infinita que se nos presenta cuando nos aproximamos al trabajo creativo en proceso

59 • Marta Cisneros

de realización de un estudiante, debemos estar atentos, escuchar e intentar ubicarnos en el territorio o en la dinámica del alumno. Esto es, ponernos en su ángulo de visión con la intención de entender el sentido de la propuesta y así poder generar interrogantes que le permitan avanzar en su exploración creativa. Dinámicas como ésta se repiten, de una manera u otra, en nuestro propio espacio de creación y nos revelan que la reducción de la diversidad, la homogeneización de los aportes creativos y los esquemas aplicados sistemáticamente lo único que hacen es aquietar el tiempo y el espacio del presente, otorgándonos la falsa tranquilidad de creer saber siempre la respuesta a las múltiples interrogantes que se nos presentan.

No es sencillo mantener esta disciplina de taller-docencia y lograr buenos resultados. Para lograr este reto, necesitamos tener muy presente el deseo de querer materializar nuestras propuestas artísticas y que la universidad apoye las prácticas individuales, que promueva los espacios de creación y no permita que el sistema administrativo sea el protagonista frente a los aspectos fundamentales de la formación.

La universidad alberga y desarrolla una multiplicidad de saberes a la par que los organiza de manera tal que le permite separar las Letras de las Ciencias, y mantener independientes a otras Facultades como Arquitectura, Educación o Arte. Esta organización conviene para promover prácticas interdisciplinarias pero lo que no compartimos de esta clasificación es la intención de medir con los mismos parámetros los logros y los resultados obtenidos en cada disciplina. En Arte la medida va a ser distinta que en Ingeniería, en Humanidades o en Psicología. Cada una debiera tener su propia medida como herramienta útil para identificar, cualificar o cuantificar. En el trabajo artístico hacemos, pero también, pensamos con las manos; en nuestro quehacer, el tiempo y el espacio se vinculan a un ritmo distinto, la relación y convivencia de la razón y la intuición es fundamental. La evaluación en Arte siempre será compleja y no podrá sustentarse en una prueba objetiva que determine siempre la misma variante, o que dictamine lo verdadero o falso como verdad absoluta. El tiempo y el espacio necesarios para lograr que el


alumno descubra su talento también serán distintos. Todo esto nos ubica en una posición difícil dentro de la Universidad y nos conduce a cuestionarnos sobre los patrones de uniformidad muchas veces utilizados en las exigencias que ésta demanda en el día a día. Todo esto nos dispersa y entorpece la vía de la creatividad, así como también dificulta el crecimiento de nuestro quehacer como artistas y el desarrollo de nuestra Facultad.

La universidad crece y aparentemente todos crecemos con ella, pero si nos fijamos bien, hay ciertos puntos donde el equilibrio se anda tambaleando, donde lo que están intentando es igualarnos, cada vez más, con las demás Facultades, cuando de lo que se trata es de surgir con toda nuestra diferencia, valorar la particularidad de lo que somos en el fondo y en la forma visible, porque sólo así podremos imaginar la posibilidad de acceder a ese espacio de libertad que tanto buscamos a través de la creatividad y el conocimiento.

Marta Cisneros Velarde

setiembre del 2012

CISNEROS, Marta: Somos nos/otros 2002 madera caoba, metal y resina 150 x 95 x 65 cm

61 • Manuel Larrea

Me ha sido solicitado escribir un texto breve, una apreciación personal sobre la evolución de la formación en la especialidad de escultura. La razón de que este requerimiento recaiga en mi persona se debe a que al haber sido estudiante en la especialidad de escultura en un período que va desde 1994 hasta 1998 puedo ofrecer testimonio acerca de la formación que se daba en la época de Anna Maccagno y establecer una relación de ello con la época actual, en la que se me ha dado la oportunidad de integrar el plantel docente de la especialidad que hoy en día lideran Marta Cisneros, Johanna Hamann, Sonia Prager y Veronica Crousse.

He decidido abordar este texto en base a mi memoria como estudiante y a mi experiencia actual como docente, pero insertaré en esta reflexión mi pensamiento crítico y mi apreciación personal del contexto histórico del arte en su transición desde la modernidad hacia nuestra contemporaneidad.

ORIGEN

Mi formación en la especialidad de escultura se inició en el año 1994 y culminó en el año 1998. Durante este periodo de tiempo tuve la oportunidad de tener a Anna como maestra. Es preciso señalar que para ese entonces Anna además de maestra fue también jefe de Departamento y posteriormente Decana de la Facultad, dichos cargos sumaron a su labor

La especialidad de Escultura: origen, tradición y transición en la

formación académica

V


docente una serie de responsabilidades administrativas y de gestión que muchas veces la alejaban de los talleres. Es importante señalar aquí, que a pesar de ello Anna siempre se dio tiempo para asesorar el trabajo de sus alumnos y para planificar junto al plantel de profesores de escultura los métodos, las técnicas y los contenidos de la enseñanza a impartir.

Si tuviera que resumir a Anna desde mi experiencia con una sola palabra diría de ella que fue una mujer severa. Esta apreciación debe ser aclarada para no leerla de una manera incorrecta.

Por severa yo entiendo:

Una mujer con carisma, con una visión, que se veía expresada en la creación y desarrollo continuo de metodologías para la educación artística, más precisamente el desarrollo de un programa o proceso para la enseñanza de la escultura en nuestra facultad. Anna, es para mí, una mujer que tuvo la capacidad de ver en el alumno, no solo un estudiante más, no solo una labor por cumplir, sino un individuo particular, digno de respeto, pero entendiendo este respeto como un compromiso serio con su crecimiento intelectual, espiritual y creativo. Anna nos enseñaba valores, así como un padre debería hacerlo con su hijo. Ella nos enseñaba ética, respeto, responsabilidad, disciplina y compromiso. Más allá de la labor que estuviéramos realizando, ella siempre nos encomiaba a crecer y para ello era severa. Anna no andaba con rodeos, si no había disposición en ti para escuchar y entender, estabas sobrando.

Anna estableció, para la especialidad de escultura, un rumbo a seguir, unas coordenadas, que no establecían un destino final, más bien planteaban una visión de cómo caminar hacia él, sin olvidar quiénes somos, de dónde venimos y a dónde nos dirigimos.

Frente a la sombra de la tecnología (que ya era evidente, sobre todo desde la ultima década del siglo pasado) ella supo definir este fenómeno como dinámico y avasallador, ella supo descubrir en ello un reto importante, y esta identificación trajo como consecuencia la necesidad de trazar una filosofía a seguir.

Esta filosofía se ve plasmada, desde mi apreciación personal, en algunos extractos de su Discurso de clausura del Año Académico 1999. En él, Anna señala lo siguiente:


“Todos podemos constatar que el arte ha cambiado y continúa cambiando

con el paso del tiempo. Al terminar este último siglo del milenio parece que nos

encontramos como en el pre-Renacimiento, en una época de transición que precede

una renovación de criterios, creando así un divorcio entre las expectativas crecientes,

el público y la producción del artista actual.”1

En esta cita Anna identifica con claridad que es necesaria una renovación en la estructura de la formación artística, pues la transformación que sufren las artes tradicionales modernas desde mediados hasta finales del Siglo XX así lo estaban demostrando. Aquí quisiera aportar una visión propia que es la siguiente: la aparición de tendencias como el Minimalismo y el Land Art, el desarrollo de la fotografía y el cine, el afianzamiento del discurso del arte conceptual, pero quizá por sobre todo la inserción de la nuevas tecnologías digitales y la creciente Institucionalidad del Arte (Museos Internacionales, Fundaciones y Organismos dedicados a la difusión de la cultura) habrían de generar aquello que Arthur Danto califico como —la muerte del arte2—, que no hacia alusión a la desaparición de las artes sino a su reinvención y/o re-estructuración, a la destrucción de los cánones modernos y a la aparición de formas y estrategias cada vez más diversas y experimentales muchas de ellas inscritas en medios digitales como el video arte y otras que plantean una nueva aproximación al espacio de exhibición donde lo objetual se desintegra para dar a luz al fenómeno de la Instalación multimedia.

A este respecto uno de los ensayos más interesantes y agudos del fenómeno de la transformación de la escultura moderna hacia un horizonte posmoderno y contemporáneo es sin lugar a dudas aquel de Rosalind Krauss, titulado La escultura en el campo expandido3, esta disertación abre las puertas del entendimiento de las nuevas estrategias y formas escultóricas, creando así un antes y un después, o como afirma Danto, —una muerte— y quizá debió agregar —una vigorosa resurrección —, aunque en realidad la visión de este último autor es menos constructiva y mas escéptica.

1 Homenaje a Anna Maccagno, I Simposio sobre la escultura peruana del siglo XX, Fondo Editorial, Facultad de Arte de la Pontificia Universidad Católica del Perú, 2003. p. 39.2 Danto, Arthur, Después del fin del arte: el arte contemporáneo y el linde de la historia, Barcelona: Paidós, 1999.3 Krauss, Rosalind, La originalidad de la Vanguardia y otros Mitos Modernos, Madrid: Alianza Editorial, 1996. p. 289.


Anna afirma en este discurso también:

“No recuerdo quién dijo: —el arte que no se entiende hoy, será entendido mañana—,

pero, como en el Renacimiento, el documento histórico del arte de este siglo será dado

solamente por aquellas obras valiosas que hayan sido creadas con fuerza creadora

que, previa introspección profunda, vienen expresadas con sinceridad y consciencia

del momento vivido”.4

TRADICIÓN Y TRANSICIÓN

La formación en la especialidad de escultura ha evolucionado, puedo dar fe de ello, la metodología que se aplicaba durante mi formación como alumno fue muy diferente a la que hoy se aplica con las nuevas generaciones de estudiantes. Esto no ha sido gratuito, ha significado de parte del plantel docente de la especialidad un reconocimiento de las nuevas necesidades del artista contemporáneo, si quisiéramos resumir esto creo que lo mas acertado sería decir que la formación actual es más analítica y propone la investigación teórica de conceptos que ofrezcan una estructura progresiva al alumno para el desarrollo de su aprendizaje. El entendimiento de la creación como un proceso es fundamental aquí y por ello se han generado e insertado ejercicios que plantean desde el inicio de la formación especializada en escultura una metodología de investigación en temas que han de conducir al alumno por razonamientos y experiencias materiales y técnicas que le permitan transitar por la evolución de la escultura desde su entendimiento moderno hacia uno mas acorde con nuestra realidad contemporánea. Con esto me refiero por ejemplo a la incorporación del análisis de temas como estructura, forma y función en la naturaleza, sintaxis espacial y el análisis de la problemática del espacio público.

La especialidad ha considerado importante mantenerse firme en la experimentación material, ello nos hace quienes somos y por ello aún se requiere de los alumnos la experimentación de materiales y técnicas tradicionales tales como la observación del natural y el modelado figurativo en arcilla, el labrado en piedra, la talla en madera y la soldadura del metal. Sin embargo, estas experiencias se han vinculado a razonamientos conceptuales en torno a ideas como el monolito (forma cerrada de la escultura moderna), 4 Homenaje a Anna Maccagno, I Simposio sobre la escultura peruana del siglo XX, Fondo Editorial, Facultad de Arte de la Pontificia Universidad Católica del Perú, 2003. p. 39.


(el tótem y su carácter tutelar) y el trazado lineal o dibujo en el espacio nacido de la visión de artistas como Julio González o David Smith, (precursores de la escultura abstracta en metal), la Sintaxis, que es, por qué no decirlo, el inicio del razonamiento que conduce a estrategias como la instalación. Esta vinculación entre materiales, técnicas y conceptos permite que los alumnos investiguen de manera integral y que puedan de esa manera otorgar referentes teóricos para sustentar sus proyectos escultóricos y desarrollar estos con un nuevo nivel de conciencia crítica, sin dejar de lado claro esta, el dialogo con la materia que se establece durante el proceso de creación de las obras.

Creo que por ello la especialidad de escultura es una de las más conscientes de las demandas actuales del arte y que ello se da gracias a que este esfuerzo persiste, no se queda quieto, no se duerme y evoluciona y de esa manera genera logros, controversia y crítica.

Los resultados académicos de los últimos años y con esto me refiero a las obras que se construyen año tras año en los talleres y en el patio de la especialidad, son evidencia de este crecimiento y de esta transformación de las metodologías de enseñanza. Puedo decir que me siento orgulloso de poder aportar en este proceso, de conversar e intercambiar experiencias con los alumnos, de investigar con ellos, de celebrar los aciertos y saber admitir las carencias y buscar siempre soluciones conjuntas con este grupo humano que es casi siempre entusiasta y dinámico.

Quiero decir además que el plantel de la especialidad se destaca por su entrega a la creación artística personal, son pocos los docentes que han dejado de lado sus practicas artísticas para entregarse de lleno a la enseñanza y esto es positivo y así debería ser, pues solo en la constante investigación personal, en el trabajo y la experimentación espacial y material es donde un docente puede hallar nuevos retos para transmitir, nuevas preguntas y cuestionamientos que resolver, nuevas estrategias y métodos que lo nutran y le permitan crecer como artista y de esa manera como docente.

Voy a terminar este artículo con una cita de Anna, extraída del texto que ella redactó para el Encuentro Regional sobre Formación y Promoción de las Artes Plásticas en América Latina y El Caribe realizado en octubre del año 1990.

“En el campo del lenguaje artístico (…), habrá que analizar qué impacto tuvo cada

una de las tantas influencias foráneas (comenzando por la importación y asimilación


del arte europeo, hasta la gravitación de tantos —ismos— y vanguardias) en un país

andino como el Perú, donde el peso histórico del arte pre-colombino no puede dejar

de ser parte del artista nacido en esta tierra” .5

Es mi apreciación que a este respecto aún queda por implementar una mayor investigación sobre la importancia de las tradiciones y manifestaciones artísticas populares locales, pues en ello quizá podamos encontrar un sentido de —identidad— dentro de un contexto actual de globalización uniformizante, donde el acceso irrestricto a la información y la interconectividad están generando una amplia gama de posibilidades sin precedentes en la historia humana, pero que al mismo tiempo nos inducen a olvidar aquello que nos precede en un sentido cultural y que es, desde mi punto de vista, lo único que nos puede permitir insertar un discurso artístico acorde a las necesidades y problemáticas propias de nuestra nación. No somos solo ciudadanos globales, pertenecemos a un contexto geográfico y cultural muy particular, de una pluralidad asombrosa y de recursos naturales que en muchas partes del mundo han sido destruidos por una civilización cada vez más artificial que plantea como ideales: el consumo, el confort y el entretenimiento.

Nuestra realidad local y regional debe llamar nuestra atención, el artista formado en nuestra Facultad de Arte y mas precisamente en la especialidad de escultura debe ser uno que esté atento, despierto, consciente, un ciudadano crítico, audaz y convencido de que el arte es una herramienta para el cuestionamiento, para el desarrollo humano, para la reconciliación y que su deber es también contribuir a forjar en el ámbito social un mejor entendimiento de nuestra identidad como nación, como colectividad.

Manuel Larrea

setiembre del 2012

5 Homenaje a Anna Maccagno, I Simposio sobre la escultura peruana del siglo XX, Fondo Editorial, Facultad de Arte de la Pontificia Universidad Católica del Perú, 2003. p. 29.


LARREA, Manuel: Tensiones Globalizadas 2 2011 estructura de metal soldado con acabados en lacas acrílicas y ploteos en vinyl medidas variables

Anna, recuerdos de la formación

SANTOS, Pepe: César Vallejo

73 • Raúl Cuba

Para mí un homenaje a Anna Maccagno es todos los días, no necesariamente un día en especial, ya que ella fue la artífice de mi destino, me rescató y me brindó toda su experiencia de MAESTRA en mis estudios y luego en la docencia.

ANNA se merece más que un homenaje, y es por ello un principio en mí el reconocerla en mis labores cotidianas, porque ella fue una gran Maestra que supo inculcarnos toda su experiencia de Escultora y Educadora con principios y deberes como alumnos y luego, muy pronto, asimilar sus enseñanzas en las labores de docente.

Quiero verter todo mi agradecimiento y pleitesía en estas líneas a la gran MAESTRA que supo hilar los senderos de mi destino y hoy quedan sellados en los recuerdos míos como una parte de la historia de la Escuela de Artes Plásticas. A Anna la llevo por siempre en mis pensamientos y en mi corazón.

El homenaje a la maestra ANNA MACCAGNO siempre es necesario y vital para el reconocimiento y conocimiento real de los que no la conocieron pero también es cierto que este homenaje póstumo debemos también hacerlo siempre a ADOLFO WINTERNITZ que junto a ANNA fueron los fundadores, los pilares, las columnas vertebrales de aquella escuela de Artes Plásticas hoy convertida en una Facultad de Artes; gracias a ellos estamos donde estamos ahora.

Un homenaje a Anna Maccagno.Recuerdos imperecederos de mi trayecto en

la Facultad de Arte

VI


En estas letras vertidas en estos momentos muy emotivos y con sinceridad, van a brotar vivencias y experiencias en el acontecer espontáneo que se tornaron ya como un recuerdo imperecedero en mi memoria y, en el cotidiano día a día, los rememoro siempre en mis pensamientos.

Es una historia con nostalgias profundas a partir de la búsqueda de un quehacer diario, como una obsesión viva cuando era alumno y que se tornó en un interés de querer cambiarlo todo, lo mismo pasó cuando empecé en la docencia, justo cuando fueron apareciendo nuevas tecnologías (cámara y filmadora digital y la computadora).

Hay muchas vivencias y cosas que van aflorando en mi mente de las primeras enseñanzas que tuve en las aulas de la Escuela de Artes Plásticas y de aquellos tiempos de convencimiento de estar en la especialidad de Pintura o Escultura, sobre todo la lucha constante de querer ser un Artista por convicción.

Terminé los estudios básicos (estudios generales), en dos años. Ya estaba listo, entusiasmando y convencido para empezar estudios de especialidad Pintura, llegué a la pre-matricula y quedé inscrito como futuro pintor.

Surgieron inconvenientes en esos momentos que truncaron mis aspiraciones y tuve que alejarme en silencio y dejar la Escuela. En ese tiempo de aparente vacío que, en verdad, nunca lo fue, pude cimentar nuevas posibilidades de supervivencia que a la larga me sirvieron para mi formación futura; en todo caso esos momentos largos me sirvieron para elegir y poder cimentar mi certeza de seguir en el derrotero de la Escultura.

En esas vacaciones forzosas de dos años de ausencia y silencio fui cimentando y adentrándome en los estudios acelerados de cerámica utilitaria, ahí pude conocer la materia de la arcilla, los hornos a petróleo y eléctrico, esmaltes, modelados sin estructuras, coladas de vaciados en arcilla.

Absorbida toda esa experiencia en la cerámica, me sirvió para trabajar en una fábrica, luego me enfrenté a la realidad de hacer moldes, y sin saberlo me vi colmado de bolsas de yeso cerámico y los trabajos terminados en arcilla listos para sacarles molde, desarrollando así la cerámica utilitaria.

Seguía en mi derrotero todavía incierto construyendo mi vivencia, búsquedas, necesidades de saber cosas y seguir experimentando en trabajos

75 • Raúl Cuba

de albañilería, conociendo el yeso industrial que servía para dar acabados en las paredes de una casa, de paso conocí la preparación del cemento y agregados (arena gruesa y piedra chancada). Trabajos de carpintería de madera y de metal, de dibujante de arquitectura y diseño mecánico de piezas, sirvieron para mi formación integral.

Después de muchas experiencias en esas vacaciones, recomencé mis estudios y que por convicción elegí la especialidad de Escultura. Éstas finalmente sirvieron para desbordarme en mis búsquedas de mejorar o recrear técnicas, necesarias para poder reforzar mis esculturas con nuevas posibilidades, ya sea en yeso, cemento, metal, mármol o madera.

Las experiencias externas que tuve fuera de las aulas me sirvieron mucho; una enormidad porque tuve la seguridad de seguir investigando respecto a moldes y vaciados en yeso, cemento y una nueva necesidad experimental: el vaciado en cera. Cuando llegué a la Escuela vi que los alumnos hacían los vaciados llenos y sólidos; por consiguiente, éste se resquebrajaba, lo cual me preocupaba mucho. A partir de lo que vi me formulé la idea de hacer igual que el mismo proceso del vaciado en yeso; eso quiere decir que vaciar la cera de abeja no tan caliente dentro del molde y luego inclinarlo en forma horizontal, vertiendo la cera hacia afuera, girando siempre hacia un lado hasta cubrir varias veces las paredes internas del molde; mientras más vueltas se dieran, se irían engrosando las paredes internas hasta tener el grosor necesario.

Entre otras técnicas utilizadas está la ampliación a escala de los bocetos de escultura a su tamaño real, ya sea en mármol o madera. Esta técnica de ampliación se hacía sobre cartulina y radial, cuadriculada y las plantillas de la escultura de frente, perfil y vista aérea con ejes en todos los casos. Asimismo, la preparación de cinceles planos y de punta, tridentes y martellina.

LOS RECUERDOS ESTÁN SIEMPRE PRESENTES

En el compendio de los recuerdos… siendo alumno que retornaba a la Escuela después de dos años de silencio pero rico por las muchas experiencias que viví, tuve la osadía y la seguridad de plasmar y aventurarme a experimentar en todos los materiales como yeso, cera, cemento y, sobre todo, hacer moldes y vaciados.


Teniendo la seguridad de poder realizarlos, me propuse conversar con Anna sobre mis inquietudes de enseñar a los alumnos cachimbos lo que iba aprendiendo a diario: hacer molde y vaciados. Ella se negó rotundamente; creo que en ese tiempo Escultura era el patito feo de la Escuela y Anna iba sobre seguro; es decir, que los trabajos debían estar impecables. Ella pensaba más en las exposiciones de fin de año para mostrar la valía de los trabajos de los alumnos para así despertar expectativas en el espectador.

Una anécdota que siempre recuerdo surgió como por arte de magia para cambios necesarios en el futuro, es que después de dos años de perseverar con mi insistencia de llevar a cabo la enseñanza de molde y vaciado a primer año, el día menos pensado ocurrió lo que yo quería, aceptó dicha propuesta: ya no vendría el señor con el camión a recoger los modelados en arcilla…; y que, en un ir y venir, llegaban convertidos en yeso; los alumnos nunca conocían todo el proceso que ocurría después del modelado en arcilla.

Mi alegría duró sólo segundos, porque ella terminó la oración inconclusa y dijo que ya no vendría el señor a recoger los modelados de arcilla… sino que yo me ocuparía de hacer el trabajo; o sea, que le quité la “chamba” a dicho señor.

Ella dijo que los alumnos verían todo el proceso de lo que yo hacía con los modelados y el yeso. Aunque no puedan creerlo, lo que Anna quería era que yo hiciera todo el proceso que hacía antes el personaje del camión, porque su necesidad era que tuvieran buen acabado y su prioridad estaba en mostrar siempre lo mejor de Escultura, pensando siempre en la Exposición de fin de año.

Sin embargo, mi necesidad, razón y criterio eran otros; eran más arriesgados pero tenían un contenido más real. Yo le explicaba a Anna, que los alumnos debían tener la experiencia de aprender y efectuar los trabajos de molde y vaciado en yeso.

Lo que yo quería era enseñarles a los alumnos el proceso de molde y vaciado de los modelados de manto y que ellos mismos experimentaran con el yeso, hasta le dije que los alumnos no eran profesionales y, por ende, sus trabajos saldrían algunos malos y otros buenos y, sobre todo, era una experiencia que deberían tener los alumnos y que se abrían muchas más posibilidades de que hubiese más alumnos para la especialidad de Escultura, pero ella se negaba siempre.

77 • Raúl Cuba

Fue una lucha que, a la larga, dio sus benditos frutos después de muchos años y peripecias. Valió mi insistencia y logré tener mis primeros 40 alumnos y el acontecimiento fue gratificante para mí; supongo que para Anna también.

UNA ANÉCDOTA CON EL PROFESOR ADOLFO WINTERNITZ

Siendo ya profesor de la especialidad de Escultura, el profesor Adolfo me invitó a su oficina para conversar y hacerme ver que no debería estar en la especialidad de escultura, sino entrar de lleno a la Sección Arte, porque yo debería formar a nuevos cachimbos y no a los de escultura porque ellos ya están formados y seguirían su propio derrotero sin necesidad apremiante de un profesor. Gracias a los sabios consejos de Adolfo empecé a enseñar Dibujo Modelado 1 y 2.

Tuve el privilegio de enseñar tempranamente. El inicio del desnudo a tamaño natural, modelado en arcilla, abrió nuevos horizontes porque, en ese tiempo, los moldes en yeso eran gruesos y el vaciado lleno con cemento, granalla y marmolina más las estructuras internas, eran experimentales y de mi total responsabilidad.

Teniendo ya la experiencia necesaria como profesor tuve la idea de realizar una separata escrita con imágenes dibujadas para que los alumnos de primer año tuvieran acceso a una mejor comprensión del proceso de molde y vaciado en yeso de los modelados de manto.

Desde ese tiempo hasta ahora se ha mejorado mucho en esos aspectos; los moldes y las estructuras son más livianos, los vaciados de los desnudos son huecos y con estructuras, es accesible para los alumnos poder llevárselos a su casa. Antes los moldes eran necesariamente gruesos, los vaciados eran llenos y pesaban demasiado.

Otra cosa experimental fueron los vaciados de los desnudos en resina. Esta técnica abrió muchas posibilidades para la escultura en sí.

Han pasado vertiginosamente muchos años, pero también fueron apareciendo tecnologías de vanguardia, que en un principio no me atraían, pero ocurrió algo inesperado que se plasmó en una idea. La antigua Escuela de Artes Plásticas albergaba alumnos con los


profesores necesarios para dar las clases normalmente, pero pasaron muchos años y en la Escuela, ya convertida en Facultad de Arte, había crecido desmesuradamente la cantidad de alumnos y, por ende, se requería nuevos profesores para poder manejar estos nuevos cambios. Exactamente hace cinco años, al ver que no había una unidad de criterios y conceptos a nivel de profesores para dictar las clases a los cachimbos, surgió la idea de recrear, en diapositivas y videos, para que haya mayor comprensión de parte de los alumnos. Comencé por hacer un video casero de molde y vaciado en yeso de los modelados de manto, luego el proceso integral de hacer el ovoide, modelado de cabeza en arcilla con modelo vivo, y el molde del modelado en yeso y vaciado en yeso, cemento y cera.

Todo ello sirvió para ir construyendo parámetros de técnicas que se fueron convirtiendo en aspiraciones de cambios por mi propia necesidad para recrear una ESCULTURA. Debía comprenderse la necesidad de las técnicas que me ayudarían a fortalecer y abrir nuevas posibilidades que permitan cristalizar el amplio bagaje de éstas que, de alguna manera, cambiaron el rumbo de la Especialidad de Escultura.

Hoy en la Especialidad de Escultura puede apreciarse que hay buenos profesores que dirigen las riendas y el destino de los futuros escultores con seguridad y tino. Todo ello gracias a la gran visión que tuvo ANNA MACCAGNO, que supo inculcar sabiamente en todos nosotros los lineamientos necesarios para futuros desempeños en la enseñanza.

Raúl Cuba

setiembre del 2012

79 • Raúl Cuba

CUBA, Raúl: Sueño 2002 mármol-onix 45 x 27 x 22 cm

Era un personaje de mente abierta y directa, y con muchas ganas de hacer cosas. Para ella lo importante era la posibilidad de compartir y enseñar. Ser su alumna ha sido un privilegio y un placer (dulce que alimentaba constantemente).

Cada alumno es uno solo, y ella, nos conducía a percibir las cosas de otra manera pero en esencia. Ella nos guiaba de acuerdo a nuestra personalidad, carácter y del lugar dónde procedíamos. No creo que haya sido fácil, pero lo hacía con mucha naturalidad, porque para ella, el hecho de pertenecer a un lugar de costumbres diferentes, iba a mantenerse con la fuerza de esa cultura inmersa en cada uno de nosotros. Tomar conciencia frente al contexto socio-cultural del cual venía me permitió ver formas que podían inspirar al arte y la escultura como un papel integrador de los hombres.

En 1982 viajamos (Anna, César, Gonzalo, Helen y Joicy) a Tarapoto, San Martín. ¡No saben! Se veía en su rostro lo maravillada que se sentía al estar en la selva verde, disfrutando de la atmósfera mágica que envolvía la vida y que nos acompañaría siempre…

Ello me enseñó a tocar los tambores en otra dimensión, a dar vida a personajes creados por la imaginación para transformarlos en un trabajo plástico de expresión artística; para que otros puedan percibirlo y amarlo…

Anna Maccagno¡generosa entrega a la docencia!

VII


Han pasado tantos años y para mí fue ayer. Es que los buenos recuerdos nunca se olvidan y no se olvidarán.

Joicy Bartra

setiembre del 2012

BARTRA, Joicy: Yolanda 2012 almendro, eucalipto y tutupay 275 x 75 x 75 cm

La Facultad de Arte de la Universidad Católica está marcada fuertemente por el idealismo y la casi sacralizada forma de acercarse al trabajo artístico de Anna Maccagno y Adolfo Winternitz. Esta visión ha influenciado notablemente, en mi concepto, el modo de trabajar de muchos artistas.

Anna, por su parte, siempre recordaba con mucha satisfacción todo el esfuerzo realizado para que los estudiantes pudieran seguir un curso universitario. Insistiendo en que los alumnos, además de recibir una enseñanza artística, debían tener una formación humanista que les permitiese, también, abordar de una manera más completa la carrera de artista. 25 años han pasado desde mi egreso de la Universidad, y me doy cuenta hasta qué punto ella estaba en lo cierto. En efecto, no podemos decir que el nivel escolar en el Perú sea suficiente para formar una autonomía crítica. En ese sentido, yo me considero una persona formada principalmente en la Facultad. Es allí donde, por primera vez, tocaba el carboncillo y la arcilla; donde, por primera vez, veía una “pintura de verdad” (en casa sólo teníamos una foto coloreada de mi madre que, a pesar de sus orígenes cuzqueños, más parecía un retrato de María Félix). Es allí donde supe lo que significaba visitar una exposición de arte y, sobre todo, donde aprendí a “leer”, donde descubrí diferentes disciplinas de las ciencias humanas y sociales; en fin, es en ese recinto donde Anna junto a su equipo de profesores me convencieron que todos podíamos tener un mundo interior muy rico y que ellos nos ayudarían a exteriorizarlo.

Confrontarse al trabajo creativo

VIII


Las cualidades de Anna Maccagno como maestra, tantas veces mencionadas por sus alumnos, las veremos a todo lo largo de nuestro aprendizaje. Durante el curso Introducción a la Escultura, por ejemplo, ella acercaba al alumno al proceso de creación de una obra de una manera muy abierta, ayudándolo a expresar un mundo interior sin dar “recetas”, como solía decir. A través de una serie de preguntas, ella, con una gran paciencia y prestando mucha atención al relato de la persona, lograba que ésta pudiese conceptualizar su idea, transformando, ella misma, poco a poco, una masa deforme en un proyecto plástico. Esto lo he vivido en tanto que alumno y luego como docente; cuando la llamaba ante mi fracaso delante una “obra” de un alumno donde yo no llegaba, a pesar de todos mis esfuerzos, a ver una mínima forma que me hiciera pensar en una escultura. Ejercicio al que Anna nunca se negaba.

Este espíritu de apertura lo apreciamos también en la especialidad de escultura, donde los cursos se adaptaban en función de los resultados obtenidos en el semestre. Durante las reuniones de trabajo que se realizaban en su domicilio, cada uno de los profesores (asistentes y jefes de practica, incluso) aportaba una mirada personal, debatían y luego de una discusión se proponían los cambios necesarios.

Anna se rodeaba de un equipo joven, pero siempre tenía el apoyo de artistas con más experiencia, que nunca dejaron de apoyarla pese a su falta de tiempo. La presencia de Lika Mutal, Susana Rosselló y Benito Rosas fueron indispensables en la manera como Anna abordó la enseñanza. Estos artistas dedicados a tiempo completo a su obra y de gran trayectoria daban una mirada diferente al trabajo del alumno y enriquecían el intercambio entre el personal docente. De la misma manera era muy beneficioso, en todo este proceso, ver a los profesores y estudiantes compartiendo un mismo espacio en la realización de sus esculturas, dando a estos últimos la posibilidad de ver el desarrollo de una obra. Lastimosamente, esto fue cuestionado posteriormente, suprimiéndose este intercambio.

Mucho se habla de la abnegación y todo el trabajo que Anna dedicó a su labor de maestra. No voy a redundar en lo que ya todos reconocemos en ella. Yo quisiera abordar aquí dos cosas que, desde mi experiencia personal, son muy importantes y están íntimamente ligadas, presentes en el método académico que ella dejo: la manera de enfrentarse a una obra y la elección del material.

85 • Martín Salazar

En un ejemplo dado anteriormente me refería al trabajo de conceptualización que ‘’impuso” como una manera de confrontarse al trabajo creativo. Cuando el alumno entra en especialidad, esta labor de interiorización continúa pero a esto se añade la alternativa del material. Es decir, el estudiante-escultor está obligado a reflexionar, madurar y visualizar interiormente la obra para posteriormente lanzarse a la realización del dibujo y del boceto, dejando la elección del material como último paso. Ese método, por llamarlo así, fue una opción pedagógica de Anna Maccagno que persiste en la especialidad de Escultura; diferente por ejemplo al seguido en la Central Academia de Bellas Artes de Pekín (CAFA), donde pasé cuatro años. Allí la enseñanza está basada en la representación y en la repetición de ejercicios de modelado de figura humana (del mismo modo que el aprendiz-calígrafo o pintor tradicional no hace más que copiar durante muchos años las obras maestras). No será solamente sino al final de este aprendizaje extenso y repetitivo que el estudiante será capaz de encontrar su propio lenguaje. Para esto, el alumno debe asimilar primero las diferentes relaciones de planos y oscuridades (“aprendiendo a observar”, como me decía un profesor), más adelante éste puede buscar, si lo desea, otras formas de expresión en otro material.

Contrariamente a lo que se puede hacer en Pekín o en otros lugares de Europa, el hecho de que la técnica sea enseñada por los artistas-profesores, y no por los técnicos especializados en talla de piedra, madera, metal… es revelador de la visión de la escultura en Anna. El material no es solamente el espacio donde se ejecuta una idea, sino que él se encuentra con la idea para formar una obra. Quizás esto parece evidente, pero lo es menos hoy día cuando sabemos que numerosos artistas internacionales (lo mismo que ciertos alumnos en Pekín) encargan la realización de sus obras a diferentes ejecutores.

Por mi parte, yo he beneficiado largamente de esta capacidad de adaptación a los materiales, que ella nos ha transmitido. Cuando en China, yo no tenía acceso más que a la arcilla, no me sentí totalmente desprovisto. Yo tenía los recursos para ir a buscar, fuera de la Academia, materiales que antes no tenían mi preferencia pero que los había experimentado en la Facultad, como la madera. Más tarde, al contrario, cuando tenía acceso a la madera, entonces retornaba a la cera de abeja y a la cerámica. Posteriormente otros materiales se unirán a la lista. Esto puede dar como resultado un cierto ecléctismo, que actualmente es parte integrante de mi obra.


Si decimos que los materiales están al servicio de la idea y que, por otro lado, los alumnos reciben una formación académica, ¿no faltaría, asimismo, integrar las nuevas tecnologías a la lista de materiales tradicionales puestos a su disposición? En mi opinión, eso sería continuar en la dirección del espíritu de apertura de Anna.

Del mismo modo, podríamos incentivar el trabajo interdisciplinario como con la danza, la música, el teatro, el arte popular, etc. En los años 90, Anna Maccagno acogió con mucho entusiasmo la visita del grupo Yuyachkani a la facultad, a pedido de la especialidad de escultura.

En todos los casos, es importante continuar con los intercambios, tanto locales como internacionales, confrontándose a las prácticas artísticas contemporáneas.

Por último, siempre me pregunto, ¿cómo una persona puede ser tan querida y recordada por sus alumnos? Luego de tanto tiempo, creo entenderlo. Ella, en cierto sentido, a algunos nos ha “criado” y nos ha criado en una de la etapa más importante de la vida de una persona: el paso a la madurez. Porque lo que Anna buscaba en realidad no era solamente formar artistas sino también a la persona misma, dándonos una segunda educación y, por consecuencia, una segunda familia.

No quisiera cerrar este texto sin antes agradecer al equipo que junto a Anna Maccagno contribuyó al descubrimiento y a la consolidación de una vocación de artista; comenzando por Miguel Mora, quien con su valiosa ayuda permitió, entre otras cosas, que Anna tuviera más tiempo para concederlo a sus alumnos; a Raúl Cuba, Marta Cisneros, Cesar Campos, Pepe Santos, Lyde Zavaleta , Lika Mutal, Susana Rosselló y Johanna Hamann por sus preciosos consejos; saludar a Alejo Alayza que me enseño amar la pintura y todo el nuevo grupo de profesores, representados por Veronica Crousse, que continúan eficazmente la labor nuestra querida maestra.

Martín Salazar

Pekín, 2 de mayo del 2012

87 • Martín Salazar

SALAZAR, Martín: Autrefois toi et moi técnica mixta 157 x 140 x 63 cm

OBLITAS, Raura: Los textos (detalle) 2012

89 • Raura Oblitas

Ingresé a la facultad de arte de la PUCP el año 1998 y si bien tenía muchas inquietudes personales acerca de lo que era el arte, me sentía ubicada en una especie de nebulosa que debía despejarse en las aulas y patios de la Facultad. Todo aquello que yo no sabía del arte debía ser supuestamente explicado y aclarado a partir del día en que empezaran las clases (marzo del año 1998). Una vez dentro, ya inmersa en la dinámica preparada de los cursos que obligatoriamente todos deben tomar durante los dos primeros años, no quedaba mucho tiempo para pensar en algo más que los ejercicios planteados. En las mañanas dibujo y trabajo en barro de un modelo con manto de tela encima, en las tardes ejercicios acerca de la composición bidimensional con formas geométricas, fundamentos visuales de la forma; además, cursos teóricos, dibujo geométrico y anatomía artística. Parecía ser que la carga académica copaba de tal modo el tiempo del estudiante que no quedaba más, ni de tiempo ni de energía para nada más, pero tiempo y energía, ¿para qué?, ¿para qué queríamos más?, ¿qué era eso que habíamos venido a aprender, que por momentos no relacionábamos a lo que hacíamos en nuestros cursos de arte dentro de la facultad? Era aquello que estaba sucediendo en el arte a nivel global y que nosotros, los alumnos de estudios generales, queríamos conocer.

Para el año 1998, los alumnos de los últimos años de la Facultad de Arte de la PUCP podíamos ver que la línea más representativa seguía los patrones

Breve reflexión sobre mi experiencia en la Facultad de Arte de la PUCP /1998-2003

IX


del Expresionismo Abstracto, aquel del que tanto se hablaba en los corredores de los talleres. Además, entre nuestros profesores de primer y segundo año teníamos a artistas destacados que eran parte importante de la escena artística del país. Más en una línea de arte figurativo, estos artistas hacían pinturas que recuerdo haber admirado por su expresión, por el gesto, además de el significado de la imagen retratada.

Sin embargo, algo sucede en esos dos últimos años del siglo pasado, especialmente en Lima y en mi caso, entre mi círculo de amigos y compañeros de la facultad. El uso del Internet como herramienta de conocimiento casi a tiempo real, así como la llegada y difusión de varios textos importantes como Art Now o Art at the Turn of the Millenium y la lista casi interminable de nuevos artistas que se mencionaban en esos libros, fueron para mí, reveladores. ¿Qué era eso tan fascinante que veíamos ansiosamente en los libros de arte contemporáneo, que no veíamos en la escena local? ¿Por qué podíamos ver tantas esculturas, fotografías, instalaciones y stills de videos en los libros y al mismo tiempo no tener los recursos teóricos para generar una discusión acerca de ellos? Sentíamos un vacío, un espacio en blanco que dividía aquellos conocimientos recientes que aprendíamos en estudios generales y aquello que estaba pasando en el mundo. Esta sensación se volvió más fuerte aún cuando, durante los días de la Bienal de Lima (1999), nos encontramos con una serie de tentativas locales de ese nuevo arte, y más aún cuando nuestros héroes de la pintura joven colgaron los pinceles para cambiar radicalmente su forma de hacer arte.

Sucedía que todos los cambios sucedidos esencialmente en la década de 1960 a nivel mundial, recién empezaban a ser entendidos, asimilados y puestos en práctica en una nueva Lima, con artistas ávidos de cambio. La obra minimalista que anuló la relación compositiva tradicional occidental dentro de los límites de la pieza de arte y la simplificó como forma para su subsiguiente relación con el espacio externo de la pieza o espacio de la galería y el arte conceptual que desafió la noción tradicional del objeto artístico modificando los usos del lenguaje, las acciones, los procesos y las formas culturales tradicionales, especialmente los registrados en los medios de comunicación de masas, inauguraron unos campos artísticos completamente nuevos, redefiniéndose como vehículo para la transmisión de ideas. Todos estos fueron temas que marcaron la pauta para los cambios en el arte local.

91 • Raura Oblitas

Esta es la situación general que me hace replantear mis propias inquietudes, mis propias curiosidades e intereses, y tal vez debido a todo eso, me incliné por escoger la especialidad de escultura. A pesar que predominaba el trabajo figurativo del cuerpo y también el exclusivamente abstracto como las dos ramas más representativas de los alumnos de la especialidad de escultura, la tridimensionalidad y, sobre todo, el espacio como plataforma de trabajo y sus posibilidades me produjeron una atracción que yo seguí casi por intuición. Y no me equivoqué.

Una vez en la especialidad también tuve que tomarme las cosas con calma, y aprender acerca del oficio y la disciplina, aprender los métodos, los procesos, y las técnicas que inicialmente van dando forma a las primeras tentativas de expresión artística tridimensional. Pero sin esperar demasiado, llegaron aquellos ejercicios o planteamientos que nos obligaban a considerar no sólo la forma de la pieza trabajada, sino su relación con el entorno, y además, la consideración del espacio vacío como parte de los elementos a evaluar en la creación tridimensional. Estos aspectos me ayudaron a poder reunir todo aquello que me interesaba del arte, como la instalación, la escultura minimalista e incluso el uso de nuevos medios cuya materialidad como objeto era también una posibilidad y así poder finalmente articular un discurso más personal, un interés realmente consistente, del que personalmente cada vez tenía menos dudas. Creo que eso es fundamental para un alumno, el poder encontrar la coherencia entre lo que aprende y lo que en el fondo lo mueve más a hacer arte. A pesar de que es una condición difícil en una facultad en donde desde los primeros años la abstracción es la principal herramienta de expresión, en la especialidad de escultura la flexibilidad y la libertad para expresar, desde una idea hasta un proyecto más complejo, fueron aspectos importantes para mi propio proceso de entendimiento y práctica del arte. Una de las cosas más importantes que personalmente experimenté dentro de la especialidad fue poder ser consciente de mi propio proceso de trabajo desde que empecé, en tercer año, hasta el último sexto año en el que el alumno plantea ya un proyecto final. Haber desarrollado todos los ejercicios planteados en tercero y cuarto y, finalmente, llegar a sexto año habiendo pasado por la experiencia de dos años de proyecto personal, permite poder ser consciente de lo que significa recibir una formación. Dentro de lo que fue mi propio proceso reconozco mi propia evolución, mi propia forma de ir expresando y proponiendo mis propias formas de entender la escultura.


Temas como escultura abierta o sintaxis escultórica me permitieron poder ampliar las definiciones tradicionales que tenía sobre el quehacer escultórico y así, al llegar a los dos últimos años, poder tener bastantes posibilidades sobre cómo llegar a concretar mi propuesta. Es interesante que ese proceso que empezó en tercer año, continua, no siento haber quebrado nunca esa linealidad.

Raura Oblitas

setiembre del 2012

OBLITAS, Raura: Pájaro

93 • Milagros Arias Secada

Sólo con libertad, la elección por el compromiso es plena. Te permite ver las cosas con transparencia, sentir la comodidad para la introspección y desde el silencio poder partir hacia la comunicación, la cual es base para la confianza.

El pequeño párrafo anterior explica el mayor aprendizaje que me acompaña desde mi experiencia en la universidad como estudiante de Escultura. Lo entendía como la base para poder aprender y crecer; ahora, del otro lado de la cancha como jefa de prácticas, corroboro que también es la base para educar y así seguir aprendiendo y creciendo.

Es muy incentivador asumir la responsabilidad de motivar a los alumnos a crear, de compartir los conocimientos y no negar que el acto de educar es recíproco, por tanto que aprendemos de ellos. Es necesario dejar siempre el camino abierto para el aprendizaje, mediante el cuestionamiento y no buscando finales indestructibles y establecidos.

Si bien son difíciles los años de carrera, son muy gratificantes y merecedores de agradecimiento. La experiencia de aprender en este espacio que me otorgó la vida, en el patio de escultura, está viva. No existe comparación con el placer y la gratitud que se siente cuando entiendes la intención de lo que buscas al crear una obra. Esa búsqueda que se complica y luego se aclara gracias a conversaciones y mensajes de los buenos compañeros y

Sólo con libertad, la elección por el compromiso es plena

X


pacientes profesores. Esa oportunidad se da de una manera especial en ese tiempo y espacio.

Las grandes enseñanzas son muy positivas e incomparables pero existe una falta que es cuestionable, una ausencia en la cual no se define un límite.

Existe un mundo paralelo al proceso creativo que demanda una dedicación requerida para lograr una obra de arte, un mundo paralelo al tiempo necesario para lograr la carrera que hemos elegido. Este otro mundo sigue variando fuera de nosotros, fuera de la facultad: una realidad artística cultural en permanente movimiento, que se desarrolla en el Perú y el mundo.

Sucede aquí, que al salir de la universidad, el ex-estudiante de arte se enfrenta con un circuito veloz, desordenado e inseguro, ante el cual el “nuevo artista” no sabe cómo relacionarse y empezar a participar. Esta es una constante en los egresados de la Facultad de Arte.

Creo que, dentro de las nuevas metas que van integrando a la enseñanza ya estructurada, debemos empezar abriendo más los muros y ventanas, para permitir una relación y comunicación más real con el contexto cultural que nos rodea. Contexto del cual, como artistas, tenemos el deber de ser parte.

Milagros Arias Secada

Lima, 1o de octubre del 2012

ARIAS, Milagros: S/T 2012 piedras, junco, algodón y cera de abeja 400 x 200 x 100 cm

95 • Pepe Santos

En los meses de junio y de julio de este año tuve la suerte de enseñar en la escuela de arte “Edith Maryon Kunstschule” de Munzingen; en las cercanías de Freiburg, Alemania. Ciudad hermosa en la que actualmente vivo y trabajo. En esas seis semanas de trabajo intensivo, ensené a los alumnos a modelar cabezas con modelo. Todos esos días sentía la presencia de nuestra querida e invalorable maestra Anna Maccagno. Era ese dejar fluir y dar eso maravilloso que ella nos dio. El aprender a ver, establecer diferencias, similitudes y poderlas plasmar. Esa sensibilidad y capacidad de ver a cada uno de nosotros, sus alumnos, cómo individuos que somos y por ello su manera de acercamiento y formas de transmitir aquellos conocimientos era diferente, individualizada.

Le estoy profundamente agradecida, ahora que con esa experiencia inmediata de docencia complemento y corroboro aquello.

Herta Seibt

octubre del 2012

El aprender a ver, establecer diferencias, similitudes y poderlas plasmar

XI


SEIBT, Herta: Flor III 2009

97 • Pepe Santos

El día que me citó a su casa la vi aparecer, desde la antesala, menuda y apagada por el peso de la enfermedad, pero saludándome con la misma voz grave y cálida con declinación italiana que siempre mantuvo. Sus ojos, de un gris frío, habían perdido el vivo matiz de su mirada inteligente tras una veladura pálida y enervante. Su mano sin vigor se extendió lánguida y reposada sobre mi hombro

—Sabes que me estoy muriendo- dijo-y he dispuesto devolver a mis alumnos las esculturas que fui coleccionando durante todos estos años.

—Vamos Anna —traté de animarla— todos moriremos algún día y quizás, nadie lo sabe, seas tú la que acuda a mi velorio.

—No Pepe, en serio, estoy cerca del final… Y no tengo a quién dejar todas estas obras de ustedes, mejor es que las recuperen y sepan darle buen destino. Una vez que me haya ido te llamará Valeria quien ya recibió instrucciones para que sean devueltas.

Entonces, haciéndose traer por Valeria, su diligente empleada, una esculturita en cera que lucía sobre un armario, continuó aconsejándome:

—Esta escultura tuya es un triunfo. La haces vaciar en bronce de una vez, le colocas una buena base, de una piedra negra, un mármol, si puede ser…

La despedidaPara Marta Cisneros, mi entrañable condiscípula

XII


Y mientras hablaba la palidez cansina de su mirada fue trastocándose por aquella luz intensa y envolvente de la maestra que treinta años antes había conocido.

—No las cosas “a la chamba” como siempre las acabas —me reconvino con la severidad cariñosa del rapapolvo de mis años de estudiante.

Luego sacó una pequeña wincha y dibujando en el aire un prisma, visualizamos, con la imaginación orientada por la firmeza que imponía a sus de pronto vivaces manos, un pedestal de medidas armoniosas que juntos convenimos en determinar.

—Después le aplicas una pátina… algo sutil, verde, podría ser, prueba con un verde, te lo recomiendo, pero prueba varias gamas y halla la que no compita con la robustez de los sólidos y deje fluir alegre, nerviosa, la claridad de las transparencias. Así hablaba Anna, atribuyendo cualidades humanas a las cosas.

La miré sorprendido y entusiasmado, cuando tocándome cariñosamente el lóbulo de la oreja imitando un jalón disciplinario con sus manos como palas, así se refería ella misma a sus manos, me dio la admonición que antes habría hecho al muchacho díscolo y voluble que fui años ha.

—Con PRRRROFESSSSIONALISMO —alargando la RRRRR como para hacer más persuasiva la lección… Y para concluir, casi un susurro que envolvía una premonición animosa: “Con esto ganas un concurso…”

ANÉCDOTAS CON ANNA

Demás estaría repetir las cualidades de Anna que, como maestra y ser humano, todos los que tuvimos el privilegio de ser sus alumnos le reconocemos.

Sin embargo, hay algo de su perfil que poco se ha remarcado, será por la solemnidad inherente a la evocación de un alma grande. Pero dejando de lado los protocolos he de decir que lo que más extraño de mi maestra fue su sentido del humor.

99 • Pepe Santos

Y como con humor fueron sus enseñanzas, el aprendizaje y la aplicación de esos consejos los llevo sobre la piel, siempre a la mano y expeditos para la vida profesional.

Mi vida junto a ella se prolongó por un tiempo más que los de cualquier estudiante promedio, porque me concedió el honor de acompañarla en el plano docente, como jefe de prácticas, por varios años. De esos dos momentos de mi juventud azul en la Escuela recojo este pequeño anecdotario en el que Anna luce su agudo sentido para la respuesta rápida, graciosa y asertiva.

EL SILLAR Y LA BOLSA DE YESO

En una oportunidad, Anna, me regaló un sillar arequipeño que yo trabajé con esfuerzo hasta que una impertinente piedra negra surgió de las entrañas de la lava fría afectando mi composición, entonces decidí resanar con yeso de construcción el hueco expuesto tras la extracción del cuerpo extraño.

“Ma qué cosa hace?” me dijo Anna con su dejo romano. —¿Cómo le va a echar yeso al sillar? Tú tiene que hacer varia proeba, moler un poquito del mismo material, mezclar con un aglutinante adecuado que reconstituya el sillar y recién resanar”

—Pero si es lo mismo—le repliqué con arrogancia desavisada.

—Bue, si para ti e’ lo mismo la próssima vez no te regalo un sillar, te regalo una bolsa de yeso.

HAY QUEJAS SOBRE TI

—Eh Pepe, hay ciertas quejas sobre ti...dicen que solo le presta atención a la chicas bonitas.

—Y ¿quién dice eso?

—Y… no van a ser los chicos feos.


SOPLA

Estaba trabajando una talla de un enorme tocón de madera y parte de él lo había tableado en su sección central. En ambas caras de esa tabla surgida del centro de la pieza grande, aparecieron rajaduras, de tal forma que no se dejaba ver si se trataba de la misma grieta que atravesaba la pieza de lado a lado.

Estudiábamos el problema con Anna, el asunto era determinar si se trataba de una sola rajadura, o si se trataba de dos, superficiales y paralelas.

—¿Cómo hacemos Anna?

—Bene, una solución podría ser, tú sopla por un lado, si sale aire por el otro, entonces e’ la misma grieta.

—A ver, ahí voy, soplo... FUUUUUU... ¿Qué sientes, Anna?

—Olor a buen vino!!!

LA SALVÉ

Era una de esas reuniones de celebración que congregaba a todos, alumnos y profesores, compartiendo bebidas y bocaditos en varias mesas dispuestas al aire libre. De pronto un insectito alado y diminuto, una de esas moscas de la fruta, cae en la limonada de Anna. Ella , con gran cuidado y paciencia, se hizo de una servilleta para sacar al bichito del vaso. El animalito vibró vigorosamente el cuerpo, batió las alas sacudiéndose el líquido pegajoso y alzó vuelo, Anna sonriendo me mira y en voz baja me dijo: la salvé.

—Anna, no necesitabas salvar la limonada, si quieres te traigo otra, me ofrecí solícito.

—Qué salvar la limonada —me retrucó— a la que salvé fue a la mosca.

Así era de respetuosa por la naturaleza, su simpatía por los animales no tenía límites.

101 • Pepe Santos

EL CONCURSO GANADO

Y llegó la fecha en que Anna nos dejó su gastado cuerpo para devolverlo a la tierra y entregó su alma inmarcesible y juvenil al buen Dios de los cielos.

Y tal como lo dispuso en vida, la gentil Valeria me llamó al poco tiempo para que recogiera la pequeña escultura de cera.

Me convencí que poner en práctica los consejos que recibiera de mi querida profesora en esa mi última visita y postrera clase, sería una forma de rendirle mi homenaje personal. Efectivamente, la esculturita devuelta, ahora trasladada al bronce, la envié a un concurso, cumpliendo su auspiciosa sugerencia.

El año 2002 gané el premio Luis Hochschild Plaut que convoca IPAE, observando con aplicación y detalle todas las soluciones y acabados que convenimos con Anna ese inolvidable día en la que se me antojó ver a mi maestra convaleciente y remozada por el entusiasmo, por lo menos, pasajeramente.

Siempre he tratado, dentro de mi escéptico racionalismo, de buscar explicaciones razonables a los hechos: la esculturita tenía potencial desde que fue parte de la colección de una entendida profunda. En su perspicaz asesoramiento su ojo avizor detectó y sugirió los detalles que resaltaban sus fortalezas. Juntos, como era su metodología, llegamos a la medida exacta que equilibraba visualmente la base a la composición complementándose sin obstruirse, de manera que la propuesta estudiantil se potencializó con la luces de la maestra que iluminaba la intuición del aprendiz hasta convertirla en una pieza madura y ganadora.

Eso digo yo con muy poca convicción.

Pero las amigas y amigos, los y las colegas piensan que no es solo eso. Hay otras relaciones misteriosas y espirituales. Ellos dicen que Anna nos cuida desde un remoto lugar en el cielo donde, de alguna forma, nos envía una energía propiciatoria y protectora.

Y eso es lo que yo quiero creer. Pepe Santos

11 de noviembre del 2011A una década de su partida

105 • Susana Rosselló

La imitación de las formas externas de la naturaleza mediante el dibujo, la pintura o la escultura, (mencionamos sólo estas tres por ser disciplinas vinculadas a nuestra actividad, mas no por considerarlas exclusivas frente a lo que expondremos a continuación), significaría obviar las ideas o los modelos arquetípicos sobre éstas en un nivel superior al de nuestra condición como seres creados. Un error similar se daría al creer que el origen de todo “se dio”, (cronológicamente hablando), en un pasado remoto y por consecuencia obsoleto ante la mirada evolucionista, individualista y materialista que pareciera dictar las pautas actuales a nombre de una supuesta vanguardia. Esta actitud implicaría tener una visión profana del tiempo. Otras lamentables equivocaciones se darían al adjudicar el nombre de “realidad” exclusivamente a lo que alcanzamos a comprender por medio de la razón, cuando ésta reclama una autonomía o monopolio que no conduce a otra cosa que no sea la de disgregar la unidad de nuestra psique o el hecho similar de no reconocer las limitaciones del ojo humano como órgano exclusivamente físico de visión y, por consiguiente, incapacitado para vislumbrar otras insospechadas dimensiones. El espacio es más que lo que nuestro ojo como instrumento alcanza a distinguir. Es más: el espacio cuando visto igualmente bajo el lente limitado de la física sólo luciría de sí un aspecto parcial de su dimensión (en la suposición improbable de que pudiera tenerla). Sin dejar de reconocer otras bondades en la pintura

“Aprender a ver con el corazón”(Citas y reflexiones en torno al proceso creativo en

las artes plásticas)

XIII


pos renacentista europea nos inclinamos a pensar que el fenómeno de la perspectiva que ésta ostenta es un ejemplo patente de una visión enclaustrada y sentimental al reducir lo transcendente al plano de la circunstancia. Estas apreciaciones mencionadas de manera escueta podrían aproximarnos a entender los motivos de las controversias que surgen entre la visión condicionada, profana y de aire triunfalista y otra de carácter tradicional con miras a transcender las apariencias superficiales de las cosas reconociéndolas como reflejo de un orden superior e inmutable por encima de la naturaleza creada y más allá del tiempo y del espacio relativos.

En este contexto se ha señalado a menudo que “existen dos clases de arte muy diferentes: una constante y normal y la otra variable e individualista y que en términos generales las artes tradicionales y normales son las de Asia en general, las de Egipto, las de Grecia hasta el final del período arcaico, las de la edad media europea y las designadas colectivamente como artes de los pueblos primitivos y arte popular de todo el mundo. Las artes anormales serían las de la decadencia clásica y las de la Europa pos renacentista”1. Compartiendo estos criterios de selección y sin dejar de tener en cuenta las características de nuestros tiempos creemos, sin embargo, que lo Inmutable podrá ocultarse tras los velos que tienda una visión materialista como la que parece predominar pero que no está en su esencia el desaparecer ni que lo hará jamás. Prueba de ello se evidencia con optimismo en magníficas obras de exponentes contemporáneos, desprovistas absolutamente de todo afán imitativo y que, desde su autenticidad, conservan en esencia igual grado de transcendencia. “El arte, para que tenga valor, tiene que estar engranado en la vida contemporánea. No se trata de menospreciar las cosas del pasado sino de procurar asimilarlas a nuestra propia consciencia”2.

Ananda K. Coomaraswamy en el cap. 2 de su libro “La Transformación de la Naturaleza en Arte” nos dice en referencia al pensamiento de Meister Eckhart:3 . “La preeminencia de Eckhart no es del orden del genio; lo que es notable en él no es ningún modo especial, nada individual o curioso, sino sólo una energía y voluntad que le permite resumir y concentrar en una única demostración coherente el ser espiritual de Europa en su tensión más alta”4.1 A.K. Coomaraswamy – La Filosofía Cristiana y Oriental del Arte – Biblioteca de Estudios Tradicionales Taurus – 1980.2 Okakura Kakuzo – El Libro del Té – Editorial Simientes – Buenos Aires.3 Eckhart de Hochheim: dominico alemán, más conocido como Meister Eckhart; teólogo, filósofo y místico. 1260 – 1327.4 A.K. Coomaraswamy – La Transformación de la Naturaleza en Arte – Editorial Kairós, Barcelona – 1997.


Meister Eckhart escribe “Sermones” sobre el arte de conocer a Dios mas nunca tratado alguno sobre filosofía del arte. Sin embargo, la lucidez con que trata lo primero conlleva una familiaridad con lo segundo. La toma de consciencia de que la contemplación y la recreación de la naturaleza creada tiendan a la sacralización de ésta y, por lo tanto, a reconocerla como reflejo de un orden superior al de la existencia entendida como exilio establecería un punto en la horizontal desde el cual iniciar la ascensión vertical o el inicio del viaje de regreso del héroe hacia su verdadero origen con miras a recuperar su dignidad primordial, tema tan conocido en la mitología de pueblos ancestrales. Como ejemplos: el viaje de retorno al hogar que realiza el héroe Ulises después de la guerra de Troya en la “Odisea” de Homero o el simbolismo del retorno a la casa del Padre transmitido por la tradición cristiana.

Coomaraswamy continúa citando a Eckhart:

“La ignorancia es falta de conocimiento……brutal”…… “¿Qué es el conocimiento?”…

”El conocimiento es triple: 1.) de particulares y generales, sensible, empírico, literal,

indicativo……- 2.) de universales, racional e inteligible, alegórico, convencional……-

3.) de mismidad, sin imagen ni semejanza, transcendental, anagógico……”.5.

Por su carácter relativo nos sentimos más dispuestos a comprender con menor dificultad la definición de los dos primeros modos de conocimiento; no sucede lo mismo frente a la tercera ante la cual nos sentimos más perplejos. Nuestra capacidad de razonar carece de competencia para dilucidar con certeza este caso ya que el término “anagógico”, a diferencia de “literal”, “moral” o “simbólico”, está relacionado al ámbito de la Teología. La definición sobre el término “anagogía” que nos da el Diccionario Enciclopédico Hispano-Americano es la siguiente: “Interpretación mística de las palabras y frases de las Sagradas Escrituras (Teología) en uno de los cuatro sentidos de ella que reconocen los intérpretes y expositores. Equivale, pues, la anagogía al sentido místico, a diferencia del literal, moral o simbólico. La palabra “Jerusalén” en el sentido anagógico significa el cielo o sea la eterna bienaventuranza”6. Nada más ajeno a nuestras facultades que describir los misterios de la mística; somos conscientes de que la sola intención de emprender semejante tarea terminaría por aniquilar el más

5 Meister Eckhart, citado por A.K. Coomaraswamy – La Transformación de la Naturaleza en Arte – Editorial Kairós, Barcelona – 1997.6 Diccionario Enciclopédico Hispano-Americano – (1887 – 1910). Edición: 2007.


mínimo atisbo que pudiéramos tener de ellos de modo similar a lo que sucedería frente a la poesía. Muy lejos de pretender entender o acceder a cualquiera de ellas por medio de nuestra consciencia ordinaria y teniendo en cuenta que ninguna es sinónimo de la otra, nos queda, sin embargo, la posibilidad de ser testigos de su manifestación mientras contemos con el criterio para reconocerlas cuando esté en ellas el darse. Tal vez el único medio a nuestro alcance para dar luz a este misterio sea el de reverenciarlo y de darse el caso de formular una pregunta frente a ello, venerar el vacío o silencio como la vía más propicia hacia la prefiguración de una respuesta. Hacer de nosotros un vacío equivaldría a un desprendimiento del ego temporal suspendiendo todo juicio o prejuicio limitativo con miras a hacernos receptivos al acontecer. Antes de lamentarnos por el limitado alcance de nuestros sentidos ordinarios, debiéramos regocijarnos ante la intuición de la apertura de un umbral antes oculto a nuestra condición y que pareciera invitarnos a ser partícipes de una plenitud insospechada. “No es al pintor mismo lo que el retrato nos revela”; “Lo que proclamo está en mí como el don de Dios”7. Ante éste y otros testimonios que citaremos a continuación nos resulta difícil no confiar en que la mención del tercer modo de conocimiento no aluda a nada más que no sea la presencia del espíritu en la materia y de allí la transcendencia de lo que significaría el “aprender a ver con el corazón”.

“Hablar de arte exclusivamente en términos de sensación es hacer violencia al hombre interior, el sujeto consciente; extraer del pensamiento de Eckhart una teoría del gusto sería hacer violencia a su unidad. Si me atrevo de todos modos a extraer de él una teoría del arte, ello no es como un ejercicio dialéctico, sino porque se requiere para la interpretación específica del arte cristiano y porque el punto de vista escolástico es más que una gran escuela de pensamiento provinciano; representa un modo de pensamiento universal, y este modo arroja una luz sobre las teorías análogas que han prevalecido en Asia”8.

Solemos atribuir a la competencia de nuestra individualidad el tener ideas “originales” olvidándonos de que no existe nada nuevo bajo el sol y de que la naturaleza, en todos sus aspectos, proviene de una fuente superior desde la

7 Meister Eckhart, citado por A.K. Coomaraswamy – La Transformación de la Naturaleza en Arte – Editorial Kairós, Barcelona – 1997.8 A.K. Coomaraswamy – La Transformación de la Naturaleza en Arte – Editorial Kairós, Barcelona – 1997.


cual emana toda energía. “Toda naturaleza emana de su forma apropiada”9. Más aún, persistimos en el error de creer, desde nuestra condición separada, que las ideas evolucionan variablemente ignorando que el surgimiento de la idea no se da por un acto de voluntad humano o divino sino de atención cuando la voluntad está en reposo. (Esto no significa dejar de considerar la función de la voluntad humana al intervenir en una posterior fase del proceso creativo al momento de exteriorizar y materializar la idea en imagen). “Para expresarse propiamente una cosa debe proceder desde dentro, movida por su forma; no debe entrar desde afuera, sino salir afuera desde dentro”10. “.....la suma de todas las cosas concebidas por el hombre y que subsisten en Dios mismo, no teniendo yo nada propio en ellas ni ninguna idea de propiedad”11. Al respecto, Coomaraswamy nos recuerda que la imagen está en el artista más no él en ella. Ante estas observaciones deducimos el porqué del anonimato en la edad media y en otros tantos pueblos cuyo pensamiento se considera de carácter tradicional.

“Veo los lirios en el campo, su alegría, su color, todas sus hojas”, al igual que las percibe un animal irracional: esto es simplemente el reconocimiento y el saboreo de las “criaturas como criaturas”, “como son en sí mismas”…… “pero mi hombre interior saborea de las cosas no como criaturas sino como el don de Dios”, es decir, como imágenes inteligibles……”. “Y además, para mi hombre interiorísimo no saben a don de Dios sino a mismidad eterna”. “He venido como la fragancia de una flor”12.

“Como consecuencia de lo hasta ahora dicho el proceso estético sería como sigue: “lo que digo “surge en mí”, entonces me detengo en la idea, y en tercer lugar lo expreso”. O también: “primeramente, cuando una palabra es concebida en mi mente, es una cosa sutil, intangible; es una verdadera palabra cuando toma figura en mi pensamiento. Después, cuando es pronunciada en voz alta por mi boca, es sólo una expresión exterior de la palabra interior”; “la mente ve y formula, y la voluntad quiere, y la memoria lo aprehende”13. 9 Meister Eckhart, citado por A.K. Coomaraswamy – La Transformación de la Naturaleza en Arte – Editorial Kairós, Barcelona – 1997.10 Meister Eckhart, citado por A.K. Coomaraswamy – La Transformación de la Naturaleza en Arte – Editorial Kairós, Barcelona – 1997.11 Meister Eckhart, citado por A.K. Coomaraswamy – La Transformación de la Naturaleza en Arte – Editorial Kairós, Barcelona – 1997.12 Meister Eckhart, citado por A.K. Coomaraswamy – La Transformación de la Naturaleza en Arte – Editorial Kairós, Barcelona – 1997.13 Meister Eckhart, citado por A.K. Coomaraswamy – La Transformación de la Naturaleza en Arte – Editorial


Respecto a la obra, trabajar y devenir son lo mismo y pertenecen a una misma fase del proceso creativo y es en ésta cuando la voluntad humana interviene. “El proceso estético es triple, el surgimiento de la idea en germen, su toma de figura ante el ojo de la mente y la expresión exterior de la obra”. “La audición y la visión corporal se gestionan en la mente”. “El naturalismo en el arte no tiene nada que ver con el tema en sí mismo. Una imagen de la divinidad puede hacerse repulsiva por su sugestión de realismo; una pintura de una flor puede no parecerse a nada sobre la tierra”14.

Es de especial importancia subrayar que Eckhart no aboga por ninguna fórmula, tanto en lo que concierne al arte hierático como en lo que concierne al arte profano, con respecto al tema: “quien buscando a Dios bajo formas establecidas se apodera de la forma mientras pierde al Dios oculto en ella”15, es realmente un idólatra.

Los temas sagrados no son imágenes de Dios más válidos que las formas de las especies naturales: “Uno debe aprender a verle en todas partes y en cada parte”. “Una pulga, como ella es en Dios, es más noble que el más alto de los ángeles en sí mismo”. Así como sucede con los mitos, por ej.: “las cosas materiales en ellos, dicen, deben trasladarse a un plano más alto”16.

En la factura de la obra participan la voluntad y el tiempo; es casi imposible que en esta circunstancia se pueda evitar la presencia del estilo particular como cosa propia del temperamento o grado de destreza con que cuente el artesano. Vistas las cosas de este modo, no creemos que tenga sentido forzar su eliminación mas sí el saber diferenciar lo que es el accidente de lo que vendría a ser un voluntarioso objetivo individualista. En la medida en que el arte transcienda al estilo se le dominará como universal. La Divinidad no tiene estilo: “Su idiosincrasia es ser”.

Susana Rosselló Ferraro

(Docente de la Facultad de Arte PUCP)

Lima, octubre, 2012

Kairós, Barcelona – 1997.14 Meister Eckhart, citado por A.K. Coomaraswamy – La Transformación de la Naturaleza en Arte – Editorial Kairós, Barcelona – 1997.15 Meister Eckhart, citado por A.K. Coomaraswamy – La Transformación de la Naturaleza en Arte – Editorial Kairós, Barcelona – 1997.16 Meister Eckhart, citado por A.K. Coomaraswamy – La Transformación de la Naturaleza en Arte – Editorial Kairós, Barcelona – 1997.


“Dextera Domini” (del Latín “mano de Dios”). Fresco. Detalle central del ábside de San Clemente de Tahull perteneciente al románico catalán (Inicio del siglo XII). Hoy conservado en el

Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC) de Barcelona.

Actividades

117 • Actividades

ACTIVIDADES DE LA ESPECIALIDAD DE ESCULTURA Las actividades en la Especialidad de Escultura pretenden motivar y despertar la curiosidad tanto de los alumnos como de los profesores. Para lograrlo, la Especialidad debe estar atenta a las oportunidades que se presentan en el medio nacional y en el internacional. Es, a través de las actividades que realizamos, que podemos establecer nuevas vías de comunicación con los alumnos, así como también seguir incorporando nuevos conocimientos, que nos permitan mantener abierta nuestra capacidad de relacionar, en el pensamiento, distintas vinculaciones entre lo que vemos, experimentamos, imaginamos y comprendemos, de tal manera que podamos ir construyendo una opinión propia. El mundo de las imágenes, de las expresiones artísticas, del conocimiento, no está fijo, no está detenido, sino que al contrario, se encuentra siempre en permanente movimiento y cambio. Nuestra actitud hacia ese dinamismo debe ser una actitud abierta, sensible y razonada que apunte a seguir creciendo y desarrollándonos como grupo en la Especialidad, pero sobre todo, como seres humanos comprometidos con nuestra comunidad. 2008

Asistencia y participación de Alumnos de cuarto año y de profesores de la especialidad de Escultura, en el Seminario Arte en el Espacio Público que nos dio, por invitación de la especialidad, el Dr. Wiley Ludeña. Participación de los alumnos en un coloquio organizado por la Especialidad en el marco del IV Encuentro de Derechos Humanos “Memoria y Espacio Público” Concurso para la construcción de la Nueva Plaza de la Memoria en el Campus PUCP. Los alumnos de 4to año realizaron propuestas de intervención en el espacio verde asignado por las autoridades. El proyecto ganador fue el de la alumna Marinés Agurto, el cual sigue a la espera de su realización. La alumna de 6to año, Jazmín Gabriela Flores del Pozo obtuvo el primer puesto del Premio de la Crítica en la Exposición de fin del año académico de la Facultad de Arte. Ganó una Residencia Creativa en el Medialab otorgada por la Fundación Telefónica. Los alumnos de 4to, 5to y 6to año, como preparación al trabajo de Monumento, asistieron al Simposio Internacional “El Espacio de Todos, arte y arquitectura del espacio público” realizado en el Centro Cultural de la Universidad Ricardo Palma.

2009 Conferencias sobre el tema de la Sintaxis a cargo del Dr. Mario Montalbetti. Los alumnos de la especialidad de escultura asistieron a la Galería ICPNA de Miraflores para realizar una visita guiada y una charla con el artista Carlos Runcie Tanaka. Seminario Internacional “Lima: Espacio Público, Arte y Ciudad”. Participación de Antoni Remesar, Director del programa de Doctorado Espacio Público y Regeneración Urbana, Juan Tokeshi, arquitecto e investigador, Mario Montalbetti, poeta y lingüista, José Canziani, arquitecto urbanista e investigador. OJO FALTAN ANTONIO ZAPATA, LIKA MUTAL Y WILEY LUDEÑA

2010 Conferencia sobre Sintaxis, Dr. Mario Montalbetti. El historiador Antonio Zapata brindó una conferencia a los alumnos de cuarto año sobre el tema de los Monumentos y el Bicentenario de la Independencia del Perú, con motivo de una intervención artística en el espacio público de Lima. Conversatorio con la escultora Lika Mutal, en el marco del aniversario de la entrega del informe de la CVR. Visita guiada con alumnos de 4to, 5to y 6to año a muestra “Emergentes” exposición colectiva en ESTAR donde participan alumnos y ex alumnos de escultura: Köning Johnson, Isabel Guerrero,


Gabriela Flores, Carlos Risco y José Carlos Juárez. Visita guiada al MALI, exposición Gordon Matta-Clark. En coordinación con la Sra. Fietta Jarque, directora del suplemento cultural Babelia del diario español El País, se logró una donación para la Sala de Lectura de la Facultad de Arte de la PUCP, consistente en más de 800 ejemplares de catálogos y libros sobre teoría del arte y de artistas contemporáneos. Material que contribuirá a la mejor formación de los estudiantes y les permitirá estar al día de las últimas tendencias y acceder a las manifestaciones artísticas de lo más representativo de la plástica contemporánea internacional. Los alumnos de la especialidad de escultura asistieron de manera programada al MALI, con visita guiada a las exposiciones Cerámica Cupisnique, Camilo Blas y Mario Testino. Los alumnos de 4to, 5to y 6to año de la especialidad fueron a una visita guiada al memorial “El ojo que llora” con la escultora Lika Mutal. * Los alumnos y profesores del curso Composición Escultura III hicieron un recorrido por la ciudad popular del cono sur con el arquitecto Juan Tokeshi.

2011 Clase maestra del Dr. Mario Montalbetti, sobre el tema de Sintaxis para los alumnos de escultura. El Dr. Señor Salomón Febres Lerner fue invitado a dar una Clase Maestra sobre el tema de los (IN) VISIBLES para los alumnos de escultura sobre la relación y el compromiso del artista con su realidad social. Doce alumnos de la especialidad de escultura de tercer año asistieron a la galería del ICPNA de Lima, con las profesoras de escultura para realizar una visita guiada a la exposición Diseño en madera de Finlandia.

2012 Conversatorio sobre intervenciones en el espacio público dirigida por el colectivo Cascoland, Holanda a cargo de Fiona de Bell, Teresa Borasino y Sandra Nakamura. Participación en el Seminario Expo Terra 2012 de los alumnos de tercer año la Especialidad de Escultura, con la construcción de un gran volumen en adobe. Centro Abierto 2012. Visita guiada a las intervenciones artísticas seleccionadas en el Espacio Público con alumnos de 4to año de la especialidad. Conferencia sobre el concepto de Ágora a cargo del filósofo Alejandro León.

119 • Actividades

EXPOSICIONES COLECTIVAS2012

SNYDER, Rocío: Desplazamientos migratorios, Centro Cultural de Bellas Artes, agosto-noviembreHAMANN, Johanna: Reencuentro Creativo, Centro Cultural Parra del Riego, setiembre-octubrePOZZI-ESCOT, Rustha: Fragmented Identity, The Art Syn Projects, Art Gwangju 2012, CoreaCAMPOS, César; FLORES, Ítalo; LEDESMA, Alfredo; PEÑA, Iñaki; PLAZA, Alessandra; RODRIGO, Fátima: OSTRALE ‘012, International Exhibition of Contemporary Art, Dresden, AlemaniaSNYDER, Rocío: Desplazamientos Migratorios, Sala de Exposiciones del Convento de Santo Domingo Qorikancha, Cusco, PerúROSAS, Benito: Transpacífico. Lima-Santiago, Casa Museo Santa Rosa de Apoquindo, Chile, agosto-octubrePLANAS, Cristina: Vigilar y castigar. Breve historia de la censura del arte en el Perú, Sala Luis Miró Quesada Garland, julio-agostoCAMPOS, César; POZZI-ESCOT, Rustha: OSTRALE ‘011, International Exhibition of Contemporary Art, Dresden, Alemania julio-setiembreRIECKHOF, Carolina: Flight: Drawing Interpretations, The National Gallery, Londres, julioDE LA FUENTE, Nani: Madera Infinita, Galería Yvonne Sanguineti, junioALDANA, Javier Aldana; CHECA, Margarita Checa, PRAGER, Sonia: Madre Tierra, Sala de Arte del Centro Cultural Petroperú, abril-mayoHIGA, Haroldo; OBLITAS, Raura; LUYO, Verónica: ¿Y qué si la democracia ocurre?, Galería 80 m2, marzo-mayoARIAS, Milagros, BARTRA, Joicy; CISNEROS, Marta; HAMANN, Johanna; BARRIGA, María; BICKEL, Adriana; FLORES, Ítalo; MIRANDA, Jimena; OLEA,Francisco; QUISPE, Sebastián, RODRIGO, Camila; VARSI, Ginietta; SCARPATTI, Paolo; VICUÑA, Diego; VILLAFUERTE, Adriana: EXPOTERRA, Pontificia Universidad Católica del Perú, abril LARREA, Manuel; MORÓN, Federico: 13° Concurso Anual de Escultura, Luis Hochschild Plaut 2011, Galería John Harriman del Centro Cultural Británico, enero ALDANA, Javier; DE LOSADA, María Gracia; GÓNZALEZ, Mónica; González, MARTÍNEZ, Pilar; ZORRILLA, Percy: Rutas de piedra, Audi Zentrum Derby, eneroPOZZI-ESCOT, Rustha: Liaisons dangereuses, Galerie Coucou, Kassel, Alemania

2011PRAGER, Sonia; SÁNCHEZ, Soledad: Fronteras Nómades II. Interferencias territoriales - flujos artísticosRODRIGO, Rocío: Guardianas de Bosques, Galería Forum, noviembre DE LOSADA, María Gracia; PRAGER, Sonia; RODRIGO, Rocío, SHIROMA, Aldo: Visitando talleres, Galería Forum, noviembreRIECKHOFF, Carolina: Identity Matters, MiddlesexBARTRA, Joicy: Amazónica, Sala Raúl Porras Barrenechea del Centro Cultural Ricardo PalmaDE LA RIVA AGÜERO, Luis Felipe: No mientas, Bruno Gallery, abrilCAMPOS, César; POZZI-ESCOT, Rustha: OSTRALE ‘011, International Exhibition of Contemporary Art, Dresden, AlemaniaPOZZI-ESCOT, Rustha: Yesterday’s Tomorrows. Show Room, Tinbox Contemporary Art Gallery, Bordeaux, FranciaHIGA, Haroldo: The Armory Show 2011. Focus Latin American, Nueva YorkGUILLÉN, Pool; MACHER, Karen: colectiva + art + de/signs +, Vértice Galería de Arte


2010-2011SALAZAR, Martín: Chefs-d’œuvre de la Renaissance italienne du musée du Louvre. La collection Edmond de Rothschild, París, Francia, noviembre-enero

2010CAMPOS, César; HAMANN, Johanna: 40 Aniversario. Colección de Arte Contemporáneo del Museo de San Marcos, Museo de Arte del Centro Cultural de San Marcos, febrero-julioVARGAS, Juan Pablo: Ars Amandi 2010, Galería de Toulouse LautrecHAMANN, Johanna; LARREA, Manuel; SHIMURA, Ango: La Estrategia de la Forma. 50 escultores en acero. Asia. Estados Unidos. Europa. África. América Latina, Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, México POZZI-ESCOT, Rustha: Mulier, mulieris, Museo de la University of Alicante, EspañaPOZZI-ESCOT, Rustha: Africa Light, Centre Culturel Blaise Senghor; DAK’ART OFF, Dakar, SenegalPOZZI-ESCOT, Rustha: Africa Light, 8th choreographic encounter from the Indian Ocean side of Africa, Danse l’Afrique danse, National Museum of Mali, Bamako, MaliJOHNSON, Koening; VÁSQUEZ, Erika; MASH↑UP arte en choque→fuga, Centro Cultural de España, setiembreMUTAL, Lika: Metamorphosis, Nohra Haime Gallery, New YorkPATIÑO, Alberto: Muestra colectiva, Centro Colich

2009CÁRDENAS, Nani: Salón de Dibujo A4, Enlace – Arte contemporáneo, diciembreHAMANN, Johanna: Expo Arte, octubre CÁRDENAS, Nani: VI edición de la Bienal SIART, La Paz, Bolivia, octubreAGURTO, María; GUERRA, Eduardo; OBLITAS, Raura; PONCE, Paloma; RUBIO, Gabriela: VII Salón Nacional de Escultura ICPNA: VII Salón Nacional de Escultura ICPNA 2009, Galería ICPNA, julioHAMANN, Johanna: VI Exposición de Investigación PUCP, Expo DAI, PUCP, junioRISCO, Carlos: El Árbol del Ritmo, Centro Cultural de EspañaCROUSSE, Veronica; GONZÁLEZ TOBÓN, Mónica; GUILLÉN, Pool; HERRERA, Carmen; LIÉBANA, Joaquín; SHIMURA, Ango; VÁSQUEZ, Erika; ZORRILLA, Percy: Proyectos para esculturas en un espacio público, Centro Cultural Ccori Wasi de la Universidad Ricardo Palma, abrilGONZÁLEZ TOBÓN, Mónica; GUILLÉN, Pool; MORÓN, Federico: XI Concurso Anual de Escultura, Premio Luis Hochschild Plaut 2009, marzoCAMPOS, César: The Human Rights by an Artist Eyes, marzoCISNEROS, Marta: El Performance Arte Local, Toulouse LautrecWONG, Marcelo: Art en Capital, Salon de l’art actuel, FranciaPLANAS, Cristina; SHIROMA, Aldo; WONG, Marcelo: Cow ParadePOZZI-ESCOT, Rustha: Just Buy Art, Tinbox Contemporary Art Gallery, Burdeos, Francia

2008HIGA, Haroldo: Arte nikkéi contemporáneo en el Perú, Galería del Museo Pedro de Osma, noviembreCHAPARRO, Aldo; CHECA, Margarita, HIGA, Haroldo; LIÉBANA, Joaquín; MUTAL, Lika: Visiones del arte contemporáneo en el Perú, Lucía de la Puente Galería de Arte, noviembrePACHECO, Juan: Primer Salón Anual de Artes Plásticas, Universidad San Martín de Porres, noviembreALDANA, Javier; GONZÁLEZ TOBÓN, Mónica; LIÉBANA, Joaquín; PRAGER, Sonia; ZORRILLA, Percy: Angular, La Galería, setiembreRODRIGO, Rocío: Maestros, Escuela Superior de Bellas Artes Corriente Alterna, setiembreSHIROMA, Aldo: La ciudad, amor y rechazo, Galería Forum, agosto

121 • Actividades

ABUGATTAS, Sergio; HIGA, Carla; JOHNSON, Koening; LEDGARD, Galahad; MIRANDA, Jaime; PEDAL, Alexia; PÉREZ, Karim; RISCO, Carlos: ocupando, [e]Star, agostoWONG, Marcelo: Two, Galería Índigo, agostoGARIBAY, Mariela: Myth, History, and Memory, Paranimf de la Universitat de Barcelona, julioLUYO, Verónica; MACHER, Karen; RIECKHOFF, Carolina: Re-género, Centro Cultural de España, junioCÁRDENAS, Nani: Casa de muñecas, junioMUTAL, Lika: Pulso de la Montaña, Centro Cultural Inca Garcilaso del Ministerio de Relaciones Exteriores, marzo-mayo CANZIANI, Alina; CÁRDENAS, Nani: Paisajes Interiores, La Galería, marzoLARREA, Manuel; OBLITAS, Raura: La construcción del lugar común, Museo de Arte Contemporáneo, febreroHAMANN, Johanna: Homenaje al Cine Alemán, Centro Cultural de la PUCPSHIMURA, Ango: ILAFA 49, Cancún, MéxicoCROUSSE, Veronica: Exposición de proyectos finalistas Premio Hobart de Escultura Urbana, Centro Cultural CcoriWasi de la Universidad Ricardo PalmaLIÉBANA, Joaquín: Premio Peter & Adriana HorbartWONG, Marcelo: Primera Bienal de Escultura en Piedra “Tiawuanaku”, Bolivia HIGA, Haroldo: Trienal de Arte Contemporáneo de Praga, República ChecaPOZZI-ESCOT, Rustha: L’art est ouvert 08, Jardin d’Hélys-oeuvre Excideuil, Dordogne, Francia

2007CISNEROS, Marta; HAMANN, Johanna: Homenaje a Jorge Ara, Centro Cultural de la PUCP, octubreCÁRDENAS, Nani: Elogio a la sombra, Galería Yvonne Sanguineti, agostoRODRIGO, Rocío: Encuentro actual, Tendencias, mayoBLANCO, Pablo; CÁRDENAS, Nani, CLARKE, George; HIGA, Haroldo; LIÉBANA, Joaquín; MACHER, Karen; PACHECO, Juan; PATIÑO, Alberto; PLANAS, Cristina; SALEM, Claudia; SHIMURA, Ango; SHIROMA, Aldo: Esculturas para solitarios, Galería Enlace-Arte Contemporáneo, abrilSALAZAR, Martín: Galerie Toxic, LuxemburgoSALAZAR, Martín: Chuangyi Zhengyang (Creativity in the Sun), China HAMANN, Johanna: Fundación Gilberto Alzate Avendaño, Bogotá, ColombiaHAMANN, Johanna; LARREA, Manuel: ILAFA 48, Museo de Arte Moderno de Cartagena de Indias, ColombiaBLANCO, Pablo; CÁRDENAS, Nani; CLARKE, George; HIGA, Haroldo; LIÉBANA, Joaquín; MACHER, Karen; PACHECO, Juan; PATIÑO, Alberto; PLANAS, Cristina; SALEM, Claudia; SHIMURA, Ango;

2006LÓPEZ, Carlos; LARREA, Manuel; MORÓN, Federico: VI Salón Nacional de Escultura ICPNA, Galería Juan Pardo Heeren, octubre-noviembreCAMPOS, César; POZZI-ESCOT, Rustha; ROSSELLÓ, Susana: Tercera Bienal de Arte, Patra, GreciaALDANA, Javier; CAMPOS, César; CANZIANI, Alina; CÁRDENAS, Nani; CISNEROS, Marta; CLARKE, George; CROUSSE, Veronica; CHECA, Margarita; DE LOSADA, María Gracia; EHNI, Wilma; HAMANN, Johanna; HIGA, Haroldo; LARREA, Manuel; IZQUIERDO, Jorge; LUYO, Verónica; MUTAL, Lika; OREJUELA, Ana; PRAGER, Sonia; RIECKHOFF, Carolina; RODRIGO, Rocío; ROSSELLÓ, Susana; SALEM, Claudia: Urbe & Arte. Imaginarios de Lima en transformación 1980-2005, Museo de la Nación, agostoLIÉBANA, Joaquín; OBLITAS, Raura: Cambios estructurales I, Centro Cultural de San Marcos, agostoLUYO, Verónica; RIBBECK, Mijanou; DE LA RIVA AGÜERO, Luis Felipe: Kilómetro .0, mayoLARREA, Manuel: Rescates II, Museo de Arte del Centro Cultural de la Universidad de San Marcos,


DE LOSADA, María Gracia; LIÉBANA, Joaquín; MORÓN, Federico; VÁSQUEZ, Erika; WONG, Marcelo; ZORRILLA, Percy: VII Concurso Anual de Escultura, febrero-marzoCAMPOS, César; LIÉBANA, Joaquín; PRAGER, Sonia: Artistas peruanos en el Reino Unido, Galería John Harriman, febreroHIGA, Haroldo: Pasionarias, Escuela de Arte Corriente Alterna, febreroHAMANN, Johanna: ILAFA 47, Santiago, Chile LARREA, Manuel: VI Salón Nacional de Escultura ICPNA CAMPOS, César; CISNEROS, Marta; CROUSSE, Veronica; CHECA, Margarita; DE LOSADA, María Gracia; HAMANN, Johanna; HIGA, Haroldo; LIÉBANA, Joaquín; MUTAL, Lika; PRAGER, Sonia; RODRIGO, Rocío; ROSAS; Benito; SALEM, Claudia: Jardín de Esculturas, Museo de Arte Contemporáneo MUTAL, Lika: From Calder to Bolla, Nohra Haime Gallery, Nueva YorkCANZIANI, Alina: Franquicias Imaginarias, Museo de Arte de LimaPATIÑO, Alberto: Kilómetro Cero, Galería Pancho Fierro PATIÑO, Alberto: Pulso/Impulso, Galería Wu Ediciones WONG, Marcelo: Palm Beach Sculpture Biennale, Florida, Estados UnidosWONG, Marcelo: IV Simposio Internacional de Piedra de Estambul, TurquíaWONG, Marcelo: Tercer Simposio Internacional de Escultura, Unquillo-Córdoba, ArgentinaHAMANN, Johanna: Miradas de fin de siglo. Tránsito de imágenes, Museo de Arte de LimaPOZZI-ESCOT, Rustha: Propositions délicates, Red House en Sofia, BulgariaVARGAS, Juan Pablo: Improntas, Museo de Sitio del Parque Reducto no 2

ADQUISICIONES2012

FLORES, Ítalo; GALLIANI, Franco; HEIN, Walter: Adquisición de esculturas por parte de Oficina Central de Admisión del PUCP, octubre

123 • Actividades

EXPOSICIONES INDIVIDUALES2012

OBLITAS, Raura: Los textos, 80 m2, setiembre-octubreLIÉBANA, Joaquín: KAOS (la gente está en conflicto), Galería de Arte Lucía de la Puente, BARTRA, Joicy: Mascarones de proa, Museo Pedro de Osma, junio-julioHIGA, Haroldo: Pequeños territorios y Entropía, Galería de Arte Lucía de la Puente, julioJOHNSON FASCE, Koening: 228 [retenciones], Sala Luis Miró Quesada Garland, junio-julio

2011PATIÑO, Alberto: La sombra de tu sonrisa, Cecilia González Arte Contemporáneo, noviembreLARREA, Manuel: Imágenes de guerra. 3, Galería Juan Pardo Heeren, Lima, Perú, setiembrePOZZI-ESCOT, Rustha: Femmes Armées, Les chantiers de la lune, Francia

2010SHIROMA, Aldo: No sólo los chanchos vuelan, Galería Forum, diciembreHIGA, Haroldo: El Paraíso, Galería de Arte Lucía de la Puente, octubreMORÓN, Federico: Esculturas, Centro Cultural El Olivar, setiembre-octubreSALEM, Claudia: Calma Chicha, Galería Forum, agostoSALAZAR, Martín: Randonnées aux mythes sublimes, Xin Dong Cheng Space For Contemporary Art, China, junioDE LOSADA, María Gracia: Guardián del Desierto: Esculturas y Dibujos, Galería Forum, junio-julioPRAGER, Sonia: Dibujos 2007-2009, Galería Forum, junioBLANCO, Pablo: Maquinaria Paleolítica, Galería Yvonne Sanguineti, abril-mayoAYALA, Judith: El lenguaje del fierro, Museo de Arte Contemporáneo, Cuzco, marzoPOZZI-ESCOT, Rustha: Bewaffnete Frauen, (mujeres armadas), Kino Babylon, Lakino festival, AlemaniaCÁRDENAS, Nani: PICNIC, Messe Düsseldorf, WireAGURTO, Marinés: La Siesta, video instalación

2009ROSAS, Benito: Escultura peruana contemporánea, Misión Diplomática del Perú en El Salvador y Museo de Arte de El Salvador (MARTE), diciembreGONZÁLEZ TOBÓN, Mónica: La razón hacia la luz por la senda de Wiracocha, La Galería, agostoCHECA, Margarita: La trama de la vida, Lucía de la Puente Galería de Arte, mayo-junioLARREA, Manuel: La materialización del impulso, Galería Yvonne Sanguineti, mayoCÁRDENAS, Nani: Cuaderno de dibujo, Enlace-Arte contemporáneo, marzoLIMA, Ivonne: Tauro Magia, Sala de Exposiciones de la Biblioteca Municipal de Magdalena del MarCANZIANI, Alina: Realización escultura urbana, Teléfónica del Perú y la Municipalidad de Magdalena del MarPATIÑO, Alberto: Casa/caso, Yvonne Sanguineti Galería de Arte, abrilPOZZI-ESCOT, Rustha: Mujeres Armadas (Armed Women), Galería Forum, marzoGARIBAY, Mariela: Galería d’art Salduba, España, febrero-mayoPOZZI-ESCOT, Rustha: Armée de femmes, (Army of Women), Tinbox Contemporary Art Gallery, Bordeaux, FranciaLUYO, Verónica: Inventario piso C/Banys Nous 15 3º,2ª Barcelona & Other works. Colaboración con Annegien van Doorn, Espacio Menosuno, Madrid y Youkobo Art Space,Tokio


2008PLANAS, Cristina: La migración de los santos, Vértice Galería de Arte, octubre-noviembreOREJUELA, Ana: En silencio, Galería Forum, octubreMARTÍNEZ, Pilar: Hanan Punko, Museo Pedro de Osma, setiembreDE LA FUENTE, Nana: Diosas, Galería Yvonne Sanguinetti, agostoMUTAL, Lika: La Tentación de la Piedra, Galería Patricia Ready, Chile, julioHIGA, Haroldo: Play-Revisited, Gallery IAC-Berlín, AlemaniaPLANAS, Cristina: Lima. Instalación – Escultura, Galería 80 m2, mayo-junioCHAPARRO, Aldo: I feel so extraordinary, Galería Lucía de la Puente, eneroCÁRDENAS, Nani: Cromoterapia, muestra itinerante. Galería Maria Reiche de la Embajada del Perú en Berlín, Messe Düsseldorf, WireHAMANN, Johanna: Homenaje a la Integración

2007WONG, Marcelo: El viaje, Galería ARTCO, noviembreCISNEROS, Marta: Esculturas, Galería ARTCO, octubre-noviembreHIGA, Haroldo: LOVE, Vértice Galería de Arte, agosto-setiembreBLANCO, Pablo: Technoparanoia Celeste, Galería Forum, mayo-junioGUILLÉN, Pool: OEL-1, Galería Yvonne Sanguineti, mayoMACHER, Karen: Demasiado Chica, Galería de Arte Artco, eneroPOZZI-ESCOT, Rustha: En tant que telle, Galería Tryptique, Burdeos, FranciaCHAPARRO, Aldo: I´ll be your mirror, Galería Dabbah -Torrejón, Buenos Aires, ArgentinaMUTAL, Lika: Del espacio sagrado, de las piedras soñadas, del Munay, Galeria Lucia de la Puente

2006ROSAS, Benito: Lucía de la Puente Galería de Arte, octubre-noviembreZORRILLA, Percy: Esculturas y relieves, La Galería, setiembreSHIROMA, Aldo: Zoociedad, Galería Forum, agostoCANZIANI, Alina: Mundo detenido 1982-2006, Galería Germán Krüger Espantoso, abril-junioRODRIGO, Rocío: La mujer sabia edifica su casa, Galería Forum, junioPRAGER, Sonia: Serie UNO - 2006, Galería Forum, mayoVARGAS, Juan: Más esponja, por favor, Universidad del Pacífico, abrilCÁRDENAS, Nani: Culturas en tránsito, Galería Beaskoa. BarcelonaPOZZI-ESCOT, Rustha: Espace 29, Burdeos, FranciaCÁRDENAS, Nani: Drahtsleben, Messe Düsseldorf, WireCHECA, MARGARITA: Unveiling of Doors of Perception, Woodward Academy, Atlanta, Georgia HIGA, Haroldo: Ciudad-Luz, SALA 2 de la Cité Internationale des Arts, Paris, FranciaPATIÑO, Alberto: Cuerdo Delirio, Galería 80m²

125 • Actividades

INVESTIGACIÓN2012-2015

CROUSSE, Veronica; HAMANN, Johanna: miembro del equipo de trabajo del proyecto INPAUD Interdisciplina. Problemas de proyecto de Arte Público y Diseño Urbano, Ministerio de Empresa e Innovación de España

2011-2012CROUSSE, Veronica; HAMANN, Johanna: miembros de la Red Temática PAUDO, grupo de investigación sobre espacios públicos y procesos de regeneración urbana, Ministerio de Empresa e Innovación de España

2010 - 2012 LUYO, Verónica: disruptiva.net. En colaboración con Sara Rato y Mariana Camacho. Con el apoyo del Programa de Estudios Independientes del MACBA, 2008-2011

2011CROUSSE, Veronica: Reencontrando la espacialidad para el arte público en el Perú. Pontificia Universidad Católica del Perú, Universidad de BarcelonaHAMANN, Johanna: Monumentos públicos en espacios urbanos de Lima 1919-1930, Universidad de Barcelona

2010HAMANN, Johanna: obtención de una donación de parte de la señora Fieta Jarque Krebs de una valiosa donación de libros, catálogos y revistas [822 ejemplares] destinados a la Sala de Lectura de la Facultad de Arte de la PUCP

2009HAMANN, Johanna: El Neo peruano como estética para una ¿Patria Nueva? Registro de Escultores y Monumentos en el Oncenio de Leguía. (1919-1930). Pontificia Universidad Católica del Perú

2007-2008CROUSSE, Veronica: El modelo Barcelona y su implementación en Lima. Universidad de Barcelona

2007 CROUSSE, Veronica; HAMANN, Johanna: Lima: Desarrollo Urbano y sus monumentos, 1535-2007, Facultad de Belles Arts, Universidad de BarcelonaBARTRA, Joicy; CISNEROS, Marta, CROUSSE, Veronica, HAMANN, Johanna, OBLITAS, Raura; PRAGER, Sonia; ABUGATTAS, Sergio; AGURTO, Marinés; FLORES, Gabriela; GUERRERO, Isabel; HIGA, Carla; JOHNSON, Koening; PEÑA, Iñaki; PÉREZ SUBAUSTE, Karim; RISCO, Carlos: Primera Jornada de Inventario y Catalogación de las Esculturas del Cementerio Presbítero Maestro, Centro de Estudios Museológicos de la Universidad Ricardo Palma, agosto-setiembre


LIBROS Y/O CATÁLOGOS2012

LARREA, Manuel: Imágenes de GuerraBARTRA GARDINI, Joicy Violeta. Mascarones de proa, un símbolo mítico engarzado en el arte y la cultura, Comparsa Beat

2010CROUSSE, Veronica; HAMANN, Johanna: Art Públic de Barcelona, Ayuntamiento de BarcelonaSALAZAR, Martín: Randonnées aux mythes sublimes, Xin Dong Cheng Publishing House, China

2011CAMPOS, César; POZZI-ESCOT, Rustha: OSTRALE ‘011, Slaughterhouse Five

2009HAMANN, Johanna; LARREA, Manuel; SHIMURA, Ango: en MACLEAN, Guillermo: Entrevistas. 50 escultores en acero. Asia. Estados Unidos. Europa. África. América Latina, Fundación Cívica Cultural Villacero, IBP, México CÁRDENAS, Nani: Cuaderno de dibujo

2008SALAZAR, Martín: Revue, abril, ChinaCANZIANI, Alina: Esculturas 1982-2006 | ICPNA, febreroHAMANN, Johanna; LARREA, Manuel: Muestra escultórica en acero de artistas latinoamericanos, Museo de Arte Moderno de Cartagena

2007CISNEROS, Marta: Esculturas

127 • Actividades

PREMIOS Y MENCIONES2011

CROUSSE, Veronica; HAMANN, Johanna: Premio de reconocimiento a la Investigación, PUCPLARREA, Manuel (compartido): 13° Concurso Anual de Escultura, Premio Luis Hochschild Plaut

2010ROSAS, Benito: Medalla Cívica de la Ciudad de San Miguel, abrilCROUSSE, Veronica: Participación en la concepción y diseño de la plaza del proyecto ganador del Museo de la Memoria en Miraflores, Lima Perú. Miembro del equipo de diseño de Barclay – Crousse Arquitectos para este proyecto.

2009AYALA, Judith; CAMPOS, César; CROUSSE, Veronica; CUBA, Raúl; HAMANN, Johanna; PRAGER, Sonia: Premio de Reconocimiento a la Investigación 2009, Pontificia Universidad Católica del Perú

2008AGURTO, Marinés: Mi Perú, primer premio del Concurso para la realización de una intervención en la nueva Plaza de la Memoria en la PUCPARIAS, Milagros; PEÑA, Iñaki: segundos premios del Concurso para la realización de una intervención en la nueva Plaza de la Memoria en la PUCPLIÉBANA, Joaquín: Premio Peter & Adriana Hobart (compartido), Concurso de Proyectos para Esculturas en espacio Público HAMANN, Johanna: Premio de Investigación DAI, PUCP

2007 ZORRILLA, Percy (compartido): Concurso Anual de Escultura, Premio Luis Hochschild PlautMUTAL, Lika: Premio José María Arguedas por El ojo que Llora, LimaWONG, Marcelo: Cuarto puesto, Primer Simposio Internacional de Escultura, Teherán, IránMARTÍNEZ, Pilar: Premio Ministro de Energía y Minas, XII Concurso Plata Perú. AtacuchoMIRANDA, Jaime: Primer premio, Monumento a las víctimas del terrorismo

2006SALAZAR, Martín: Prix d’excellence, First International Elaborate Sculptures Exhibition of An International City of Sculpture and Cultural Year of Zhengzhou, ChinaLARREA, Manuel: VI Salón Nacional de escultura ICPNAZORRILLA, Percy (compartido): Concurso Anual de Escultura, Premio Luis Hochschild PlautLIÉBANA, Joaquín: Premio Unión LatinaWONG, Marcelo: Primer premio, II Exposición Internacional “Bem de Maz”, Brasilia, Brasil

HAMANN, Johanna: Escultura de la Integración, Primer Premio , Mnicipalidad de San Isidro

MENCIONES2011

LARREA, Manuel; MORÓN, Federico: Concurso Anual de Escultura

2009LAZO, Diana: VII Salón Nacional de Escultura ICPNA

2006LIÉBANA, Joaquín; ZORRILLA, Percy: VI Salón Nacional de Escultura ICPNA


PUBLICACIONES VARIAS2012

HAMANN, Johanna: Lima: espacio público en transición la Plaza de la Democracia 2006. VIIth

Waterfronts of Art International Conference, 21. http://www.ub.edu/escult/Water/index.htmHAMANN, Johanna: Arte Precolombino [conversación con Luis Jaime Castillo], Umbrales. http://www.youtube.com/watch?v=r2eduHcLmOc&feature=relmfuMUTAL, Lika: GARDEN CASTRO, Jan: “Listening to Stones: A Conversation with Lika Mutal” en Sculpture, Vol. 31 No 2, marzo

2011HAMANN, Johanna: El nacimiento de Lima: la imposición de un nuevo orden, On The Waterfront, revista científica indexada de la Universidad de Barcelona y la Red Paudo sobre ciudad y espacios públicosHAMANN, Johanna: Monumentos públicos en espacios urbanos de Lima 1919-1930. http://www.tdx.cat/handle/10803/1552CROUSSE, Veronica: Configuración del paisaje, arte y espacio público en el Perú, On the Waterfront; revista científica indexada de la Universidad de Barcelona y la Red Paudo sobre ciudad y espacios públicos, pp. 39-72. http://www.ub.edu/escult/Water/index.htmCROUSSE, Veronica: Reencontrando la Espacialidad para el arte público en el Perú. Barcelona: TDX (tesis doctorales en red). http://www.tdx.cat/handle/10803/1551CROUSSE, Veronica; HAMANN, Johanna: Art Públic de Barcelona. Catálogo de la colección de arte público de la ciudad de Barcelona. Página web del Ayuntamiento de Barcelona. http://www.bcn.cat/artpublicLUYO, Verónica: Off the record. Representacions frontereres de la mèmoria històrica de les dones. Grup de Recerca Cos i Textualitat, Universidad Autónoma de BarcelonaLUYO, Verónica: Artistas peruanas contemporáneas Editado por Iván Fernández-DávilaLUYO, Verónica: Trazos de historiaLUYO, Verónica: Anuario Can Xalant 2009-2010, Barcelona

2010CROUSSE, Veronica: “Comentario crítico sobre la Font de l’Assamblea de Catalunya. En Art Públic de Barcelona (pp. 453-453), Barcelona: Ayuntamiento de Barcelona/ambitCROUSSE, Veronica: “Comentario crítico a la escultura Panta Rei. En Art Públic de Barcelona (pp. 508-508), Barcelona: Ayuntamiento de Barcelona/ambitCROUSSE, Veronica: “Comentario crítico a la escultura Homenaje al Doctor Hahnemann. En Art Públic de Barcelona (pp. 422-422), Barcelona: Ayuntamiento de Barcelona/ambitLUYO, Verónica: La causa limeña. Menú gráfico del día, Ediciones Pneumaticas, EspañaAYALA, Judith; BARTRA, Joicy; CISNEROS, Marta; CUBA, Raúl; CHUNG, Beatriz; HAMANN, Johanna; HIGA, Haroldo; KAZMIERSKI, Anna; LARREA, Manuel; MIRANDA, Jaime: OBLITAS, Raura; PATIÑO, Alberto; PINTO, Rafael; PRAGER. Sonia; RÍOS, Angélica; SÁNCHEZ, Soledad: “Dossier Miranda”, textos-arte, pp. 100-104GARIBAY, Mariela: “El Modelo Barcelona: logros y límites”, textos-arte, pp. 95-99AYALA, Judith: “La escultura en la búsqueda de la esencia”, textos-arte, pp. 93-94

2009CISNEROS, Marta; HAMANN, Johanna: “Reflexiones y Propuestas” en IV Encuentro de Derechos Humanos. Memoria y Espacio Público. Memoria y espacio público, Instituto de Democracia y Derechos Humanos de la Pontificia Universidad Católica del Perú, mayoAGURTO, Marinés; ARIAS, Milagros; BELLIDO, Carolina; DE LA RIVA AGÜERO, Luis; FLORES, Gabriela; GRAU, Susana; JIMÉNEZ, Mónica; JUÁREZ, José; PEÑA, Iñaqui; ROLDÁN, Alexandra; SNYDER, Rocío; VILLAFANA, Ana: “Proyectos de los estudiantes: presentación” en IV Encuentro de Derechos

129 • Actividades

Humanos. Memoria y Espacio Público. Memoria y espacio público, Instituto de Democracia y Derechos Humanos de la Pontificia Universidad católica del Perú, mayoLUYO, Verónica: ”Algunos apuntes sobre la crisis de la Facultad de Arte de la PUCP”. Colaboración con Antonio Felices. En “70 años de Artes Plásticas en la PUCP”, Textos-Arte, PUCPHAMANN, Johanna: presentación del catálogo de Mariela Garibay, España

2008KAZMIERSKI, Anna: Luz intacta, sol naciente, World Of Mine, agostoCISNEROS, Marta: “Reflexiones sobre espacio y memoria”, textos-arte, 2008-IV, pp. 89-91CROUSSE, Veronica: “Lima”, textos-arte, 2008-IV, pp. 29-40HAMANN, Johanna: “El espacio Guinovart”, textos-arte, 2008-IV, pp. 41-42HAMANN, Johanna: “IV Encuentro de Derechos Humanos: Memoria y Espacio Público”, textos-arte, 2008-IV, pp. 93-94AGURTO, Marinés; ARIAS, Milagros; BELLIDO, Carolina; DE LA RIVA AGÜERO, Luis; FLORES, Gabriela; JIMÉNEZ, Mónica; JUÁREZ, José; PEÑA, Iñaki; RODRIGO, SNYDER, Rocío; Fátima; VILLAFANA, ANA: “Proyectos de alumnos participantes. Intervenciones artísticas para la nueva Plaza de la Memoria”, textos-arte, 2008-IV, pp. 97-102HAMANN, Johanna: Esculturas en el Espacio Público de la ciudad de Barcelona, Artículos publicados en www.bcn.cat/artpublicHAMANN, Johanna: Concurso para intervención artística en la nueva Plaza de la Memoria de Pontificia Universidad Católica del Perú [Powerpoint]

2007CROUSSE; Veronica: “Eliminando intervenciones artísticas en el espacio público: consideraciones sobre dos fracasos”, textos-arte, IV trimestre, Escultura, pp. 88-103HAMANN, Johanna: “El cuerpo-sujeto y su relación con el contexto urbano”, textos-arte, IV trimestre, Escultura, pp. 105-112HAMANN, Johanna: Esculturas en el Espacio Público de la ciudad de Barcelona, Artículos publicados en www.bcn.cat/artpublicHAMANN, Johanna: presentación del catálogo Esculturas de Marta CisnerosMIRANDA, Jaime: Monumento en honor a la verdad para la reconciliación y la esperanza”, textos-arte, IV trimestre, Escultura, p. 81-83HIGA, Haroldo: “El lado oscuro del corazón” (entrevista) en PLANAS, Enrique, Suplemento Luces del diario El Comercio, agostoBARTRA, Joicy: “Intercambio cultural de alumnos de arte de la PUCP y el pueblo de Chazuta”, textos-arte, I trimestre, Naturaleza, p. 108VIDAL, Sergio: “Recuerdos de una gente y un lugar”, textos-arte, I trimestre, Naturaleza, p. 111VILLAFANA, Ana: “Intercambio cultural”, textos-arte, I trimestre, Naturaleza, p. 113

2006HAMANN, Johanna: “El cuerpo un familiar desconocido”, textos-arte, enero, Cuerpo, pp. 97-106

KAZMIERSKI, Anna: “Cada año después de la misa…”, textos-arte, enero, Cuerpo, pp. 109-110LUYO, Verónica: Post-Ilusiones. Nuevas Visiones. Arte Crítico en Lima (1980-2006)


SEMINARIOS, PONENCIAS Y CHARLAS2012

LEÓN, Alejandro: Reflexión en torno al espacio público: Agora, Facultad de Arte, PUCPCISNEROS, Marta; HAMANN, Johanna: Presentación catálogo de Manuel Larrea, setiembreHAMANN, Johanna: Arte público en Lima 1919-1930 y su relación en los procesos de hacer ciudad, Lima Milenaria, Municipalidad de Lima

2011 HAMANN, Johanna: integrante de mesa de presentación del libro Perú: esculturas de ayer y hoy de Marisa Mujica, Museo Pedro de Osma, diciembreCROUSSE, Veronica: Ciudad y espacios públicos Bogotá-Medellín ¿Mito o realidad? Vigencia y perspectivas, seminario internacional organizado por el Departamento de Arquitectura de la PUCP, noviembreHAMANN, Johanna: Lima. Espacio público en transición: la Plaza de la Democracia 2006, Congreso sobre el tema de las Transiciones, Arte Público y espacio Público, VIIth Waterfronts of Art International Conference TRANSITIONS, Lisboa, octubreLERNER, Salomón: clase maestra sobre el tema de Los (IN)VISIBLES, Facultad de Arte, PUCP, agostoEspecialidad de Escultura y Decano de la Facultad de Arte: agradecimiento a la señora Fietta Jarque por donación de libros a la Sala de Lectura de la Facultad de Arte, julio

2010CROUSSE, Veronica: La forma como resultado de los procesos constructivos y de los materiales. Ciclo Matterscapes, Taller de Paisaje del prof. Josep Cargol, Facultad de Arquitectura y Urbanismo, PUCPCROUSSE, Veronica: Diseño de taller de artista. Taller del profesor Juan Reiser, Facultad de Arquitectura y Urbanismo, Pontificia Universidad Católica del Perú, octubreCANZIANI, José; LUDEÑA, Wiley; MONTALBETTI, Mario; MUTAL, Lika; REMESAR, Antoni; TOKESHI, Juan, ZAPATA, Antonio: Lima Espacio público, arte y ciudad, Especialidad de Escultura, Facultad de Arte, Pontificia Universidad Católica del Perú, agostoCROUSSE, Veronica: La madera: la utilización en el arte de un material vivo, Taller del profesor Juan Reiser, Facultad de Arquitectura y Urbanismo, Pontificia Universidad Católica del Perú

2009CROUSSE, Veronica: Arte y Diseño de Espacios Públicos. Taller de Proyecto de Fin de Carrera, Facultad de Arquitectura y Urbanismo, Pontificia Universidad Católica del Perú, octubre

2008CISNEROS, Marta; HAMANN, JOHANNA: IV Encuentro de Derechos Humanos. Memoria y Espacio Público, PUCP, setiembre

2007BARTRA, Joicy; CORPANCHO, José; CUADROS, Cristina; CHIÓN, Tammy; DE LA RIVA AGÜERO; Luis; GRIFFITHS, Sybil; HAIDER, Simón; PEDAL, Alexia; VIDAL, Sergio; VILLASANA, Ana: Experiencia en ChazutaAYALA, Judith; LIMA, Ivonne: Seminario internacional de arte e identidad, Escuela Superior Autónoma de Bellas Artes Diego Quiste Tito , Cuzco

2006HAMANN, Johanna: Escultura, obra, discurso, Universidad de Barcelona CROUSSE, Veronica: Escultura, Dibujo, Facultad de Bellas Artes, Universidad de Barcelona, EspañaCROUSSE, Veronica; HAMANN, Johanna: La recuperación de la Tierra para Proyectos Artísticos, Facultad de Bellas Artes, Universidad de Barcelona, EspañaCAMPOS, César: Efectos de la Globalización en la Enseñanza de Arte en el Perú, III Simposio para Docentes de Arte, Marmara University, Estambul

131 • Actividades

TESIS2012

LARREA, Manuel: Procesos de conflicto como detonantes del proceso creativo, Facultad de Arte, Pontificia Universidad Católica del Perú, agosto [Licenciatura]

2011SANTACROCE, Sara: Arte para niños con discapacidad visual: “Lo que nuestros ojos no ven” “Redescubriendo las Meninas de mi vida”, Facultad de Arte, Pontificia Universidad Católica del Perú, agosto [Licenciatura]HAMANN, Johanna: Monumentos públicos en espacios urbanos de Lima 1919-1930, Universidad de Barcelona [Doctorado] [sobresaliente cum laude]CROUSSE, Veronica: Reencontrando la espacialidad en el arte público del Perú, Universidad de Barcelona [Doctorado] [sobresaliente cum laude]

2010OBLITAS, Raura: Los textos, Facultad de Arte, Pontificia Universidad Católica del Perú, setiembre [Licenciatura]

2008CROUSSE, Veronica: El modelo Barcelona y su implementación en Lima, Universidad de Barcelona [Maestría]

2006LIMA, Ivonne: Proyecto de restauración integral del Palais Concert y adecuación a uso como centro de arte y cultura de Lima, Facultad de Arte, Pontificia Universidad Católica del Perú, setiembre [Licenciatura]

portada: expoterra 3 cuerpo humano • 11 mosaico de esculturas • 15 mogollón, elisa: modelado de cuerpo humano • 16 el espacio como elemento sensible • 17 relaciones materiales, constructivas y espaciales • 18 taller, patio de escultura • 19 taller. patio de escultura • 20 rieckhoff, carolina: escultura en malla metálica • 21 ejercicio fragmento de cuerpo humano, síntesis y abstracción • 22 escultura en piedra • 23 tótems, construcción y talla de madera • 24 modelado de niña • 25 ejercicio de estructura, forma y función en la técnica de metal • 26 dibujo de myriam • 27 modelado de cuerpo humano vaciado en resina • 28 valcárcel, liuba: propuesta personal en torno al cuerpo • 29 ensamblaje: materia (objeto) y espacio • 30 ejercicio de sintaxis • 31 estudio de autorretrato • 32 autorretrato tallado en madera • 33 maqueta de intervención en el espacio público [manchay] • 34 - 35 proyectos artísticos de 5to y 6to años • 36 hamann, johanna: integración • 53 foto veronica crousse • 56 crousse, veronica: territorio • 60 cisneros, marta: somos nos/otros • 67 larrea, manuel: tensiones globalizadas 2 • 71 anna maccagno y adolfo winternitz • 72 santos, pepe: san cipriano • 79 cuba, raúl: sueño • 80 tarapoto • 82 bartra, joicy: yolanda • 87 salazar, martín: autrefois toi et moi • 88 oblitas, raura: los textos • 92 oblitas, raura: pájaro • 94 arias, milagros: s/t • 96 seibt, herta: Flor III • 102 rodin, auguste: la catedral • 104 miguel ángel: la creación de adan • 111 dextera domini • 114 panel expoterra especialidad de escultura • 115 expoterra collage • 132 escultura de madera

contraportada

textos-arte | 2012 -...

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