SOMArts Cultural Center presents  

The Black Woman is God: Reprogramming that God Code 

 Image: courtesy of the artist Sage Stargate 

 

July 7–August 17, 2016 Curated by Karen Seneferu and Melorra Green 

  

Public Programming Schedule: 

Gallery Hours 

Tuesday–Friday, 12–7pm, Saturday 12–5pm 

 

EXHIBITION AT SOMARTS CULTURAL CENTER 

Exhibition: Thursday, July 7–August 17, 2016 

somarts.org/theblackwomanisgod 

 

Opening Reception 

Thursday, July 7, 2016, 6–10pm 

The Black Woman is God is a multidisciplinary visual art exhibition that celebrates the 

Black female presence as the highest spiritual form and challenges viewers to do the 

same. Artists working in sculpture, painting, and new media hone in on the vital 

contributions of Black women as artists and social changemakers, ensuring that the 

black woman’s contribution to society is seen and valued. Opening with a free to attend 

reception The Black Woman is God presents a procession of women Djemba drummers, 

community cypher, and participatory dance performance led by choreographer Colette 

Eloi.  

 

Night Light 

Saturday, July 23, 2016, 8:30pm–midnight  

One night only, Saturday, July 23, Night Light: Multimedia Garden Party blankets SOMArts Cultural Center in luminous art installations, including audiovisual 

performances and performative interventions by 20 artists, and digital and cinematic 

projections by over 35 artists. This year Night Light evolves in a new direction — in 

conjunction with The Black Woman is God exhibition, Night Light: Breaking the Code 

features visual and performing artists utilizing the art of illumination to explore and 

explode conceptions of identity. This exhibition seeks to make space where artists 

proudly set the scope of their own existence. Night Light: Breaking the Code invites audience members to engage in an artistic conversation about the relationship between 

identity, behavior, and lived reality.  

Tickets are $12 in advance & $15 at the door; advance tickets guarantee entry on the 

night of the event and will be available online via Eventbrite. 

 

   

The Black Woman is God: Reprogramming that God Code 

The Black Woman is God is a multi­media visual and spiritual exhibition for audiences to recognize an alternative to Western cultural narratives that challenges eurocentric notions of God. Through an examination of cosmology, womanhood, feminism, politics and psychology, The Black Woman is God challenges gaps and fragments in art history that position Black art as only ancient or contemporary, failing to honor the space in between.  

The brain­child of artist Karen Seneferu and curator Melorra Green, the project was first birthed as a Black radical response to “new” scientific findings in anthropological genetics, specifically, that the human race is linked through our mitochondrial DNA to one African woman over 150,000 years old. However, as scholar Francis Cress Wesling writes, “The most disastrous aspect of colonization [and] ... the most reluctant [idea] to release...is [the] colonization of the image of God.” Grappling with these two complexities, curators Seneferu and Green seek to examine why Black women are among the most mistreated, demoralized, and devalued people in the world if they are also the mother of all humanity.  

First curated at the African American Arts and Cultural Complex in 2013, over 25 multi­media and musical artists presented works directly challenging mainstream constructions of the Black feminine. As a result, audience members and the public were invited into a public ritual that examined the psychosis of white male patriarchy.  

In 2016, The Black Woman is God is planning for its largest evolution yet, subtitled “Reprogramming that God Code.” The exhibition at SOMArts brings together over 5 collectives representing scores of Black female artists from around the Bay Area. Launching at the POWER Conference held at the Oakland Museum in April 2016, featuring over 60 local Bay Area Black female artists spanning the fields of visual art, photography, videography, music, literature and dance. The exhibition includes a project website, short films, live music and dance performances, teaching curriculum, and photography series. The exhibition will also feature interactive activities that invite audience members to create God in their own image as well as a multimedia installation, lecture and workshops. All are invited to reconsider deep­seated beliefs and participate in the exhibition that challenges the idea that valuing one demands devaluing another. 

           

Artist/Organization Statements & Bios  Marissa Arterberry   Marissa Arterberry is a visual artist born and raised in San Jose, California. She graduated from San Francisco State University in 2007 with a Bachelor’s degree in Fine Arts with a focus on painting and textiles. Marissa’s work is influenced by the spiritual and cultural traditions of the African diaspora. Marissa lives and works in Oakland, California with her husband Codi and their baby son Sage.  Artist Statement Marissa Arterberry's Matriarchal Spirit House: Miracles and Answered Prayers is an altar piece honoring the women ancestors in her family. Marissa has spent the past few years researching and documenting her family's stories, and these matriarchs provided inspiration as she navigated her own journey of art, life, and motherhood. As Northern California experiences the shifts of gentrification and more African American families are pushed out due to the high cost of living, this piece is also contemplation on Marissa's sense of place in the Bay Area, and the roots that run deep (Marissa's Great Great Great Grandmother came to San Jose from Mississippi during slavery) in a place where so many Black people are being uprooted.  Matriarchal Spirit House: Miracles and Answered Prayers Watercolor and mixed media 6’x3’ 2016  Latisha Baker  Latisha Baker is a self­taught pyrographic (firewriter) artist, who utilizes woodburning, a primitive technique on reclaimed and recycled wood to create her work. She captures stories through visual interpretations of life in honor of the human spirit. She exhibits her work and lives in the bay area.  

Artist Statement In honoring the human spirit, this piece represents the expectations of many black women to be everything to everybody.  Debunking the stereotype of the black woman being the superwoman in this white supremacist patriarchal society is often blurred with the day­to­day expectations of daily life. Physically and psychology we fall into the fear of "not doing enough." What often suffers is self care and taking care of one's personal needs and pursuing creative interests.  This image is a visual reminder to disconnect the psychological chatter of daily expectations and self­worth. We are enough, REGARDLESS!  Staying in my Lane Pyrography & acrylic on reclaimed wood 4’x2’ 2016 

$3500  Mission Accomplished Pyrography & acrylic on reclaimed wood 21" x 34” 2009  One Woman with Heart Pyrography & acrylic on reclaimed wood 20" x 30" 2008 $1500  JaeMe Bereal  Born the oldest child of a multicultural union, of two painters in the late 1950’s, JaeMe Bereal inherited her talents from both sides of the family. Her father’s side included old radio musicians; Grandmother sang back­up for Judy Garland. Mom’s side, although staunchly German, had roots in the arts and crafts of the 20’s and 30’s.  JaeMe grew up amid the tumultuous 1970’s of the south central Los Angeles area, but luckily, with excellent grades and a scholarships, she attended and graduated from UC Berkeley in 1981, in Fine Art, with the world renowned Peter Volkous.  However, due to great disillusionment in college, both politically and artistically, JaeMe dropped from the art scene completely for approximately eight years. It wasn’t until 1989 that she returned to the Art world.  Currently, she is involved in preparations for an upcoming show in 2016. She has worked on several projects, including a book cover for a memoir for the Santana family, entitled, “Space Between the Stars”, by Deborah Santana, sold nationally in Barnes and Noble.  Along with other pieces the book covers can be viewed in the Portfolio section of her website. The children’s book, "In Her Hands, The Story Of Sculptor Augusta Savage" and “The Tomato Story” are available for sale and more information can be found in the Work for Sale section, also on the web.  JaeMe Bereal lives with her cat and significant other in the historic Bella Vista district of Oakland, California.  Artist Statement Music, people and politics are integral aspects of JaeMe Bereal’s art: these sources for precious bits and ideas which she incorporates into her work. People's faces are multi­colored landscapes full of rich experiences. JaeMe blends all this with diasporas’ history, events from years gone by, experiences that never really leave us. I am flooded with a wealth of 

multicultural inspirations, and this is what I bring to my art. Last year, 2015, I was published in the California Book Store compilation of the children's joke book, "Funny Ha Ha". I've illustrated book covers, "Space Between The Stars", Memoirs of Deborah Santana, published, 2004 and books, 2008's"In Her Hands, The Story Of Sculptor Augusta Savage", Smithsonion Notable Children's Books 2009. I look forward to many more worthy projects that empower and help link us together.  Las Bananas Acrylic 20” x 26” 2007 $1500  Inky Acrylic 12” x 16” 2015 $450  Lorraine Bonner  After practicing medicine for over thirty years, Lorraine Bonner has seen how profoundly the political and spiritual realms influence health and illness. None of us can heal our body, mind or soul until we have healed our world, and we cannot heal our world without healing our hearts. This is a job too big for medicine, and so she has turned to art.  Artist Statement In her current series, The Awakening of Multi­hued Humanity and the Redemption of Black, Lorraine Bonner rejects identifying Black and White with groups of people, and examines Black and White as they exist in our cultural imagination. She asks, can we see Black and White as equally sacred? In her figurative work, she uses clay of many colors to represent all human colors, interacting with Black and White in patterns of healing and liberation.  Multi­Hued Humanity: We Are More Than Even We Know Clay 21 x 12 x 9 2016 $3000  Starry Self Clay, glitter & mirrors 20 x 11 x 9 2015 $2000  

 Multi­Hued Humanity: Blinded by White Clay 2016 20 x 12 x 9 $3000  

Cynthia Brannvall  Cynthia Brannvall is a California native of African American and Swedish descent. She received BA’s in Art Practice and Art History from UC Berkeley where she was a Phi Beta Kappa and a Ronald E. McNair scholar and was awarded the Departmental Citation and Maybelle Toombs awards in Art History.  She has an MA in Art History from San Francisco State University where she was awarded the Sally Casanova Pre­doctoral Fellowship.  Brannvall specializes in the history of visual and ideological culture in relation to the politics of identity in modern and contemporary art. Brannvall is a multimedia artist who works with oil paint, mineral pigments, ink and indigo dye as well as sculpture in metal, wood, ceramics, and textiles.  Her artwork has been in recent group shows BayCentric, Landscape Meets Collage, Abstracts, Gravity of the Heart, and most recently, the Womxn are Perfect! exhibition at Galería de la Raza. Cynthia Brannvall teaches Art History in the San Francisco bay area.    Artist Statement Cynthia Brannvall’s project explores ideas of identity formation centered on women of color. Using repeated porcelain slip cast molds of her face next to the face of her daughter, Cynthia has overlaid images of important historical and contemporary women.  Inscribing the meaning of the experiences of figures like Sojourner Truth, and Sandra Bland into her own portrait and onto a portrait of her daughter. The work attempts to create a visual language that articulates the intimacy and urgency of how black lives matter.  The ways in which the achievements of figures like Sojourner Truth and the magic of Erzulie inspire and sustain and the ways injustices leveled against Sandra Bland, mothers, sisters, daughters, and friends hit close to home.  Their stories become part of the stories we tell about ourselves. The spectrum of hues in the clay bodies that comprise the work extend the engagement with a larger community of women of color.  Justice, (Kindred Spirits Series) Slip cast porcelain, copper, wood 14x 11 x 5.5  2016  Protection (Kindred Spirits Series) Slip cast porcelain, copper, wood 14x 11 x 5.5  2016  Love (Kindred Spirits Series) 

Slip cast porcelain, copper, wood 14x 11 x 5.5  2016  Camille Brown  Camille Brown (1978) is artist, traveler and teacher. She currently resides in Baltimore City. Her work is contemplative, detailed and greatly influenced by her experiences at home and abroad working in support of displaced communities, education, and advocacy for women, families and children. Her work invites the viewer to witness and recognize the nobility of marginalized and disregarded individuals and communities. Particularly with regard to the humanizing of girls and women, her intention is to present a platform uncluttered by traditional archetypes and paradigms where the inherent value and nobility of an individual or experience is its own story. She aims to do this without patronizing or commoditizing the experience, culture or suffering of her subjects, but rather by facilitating a viewer engaging with a subject untethered by indifference or preconception.   Her work is often meticulously linear where a scene or figure emerges from the collision of lines. She has exhibited in Chiang Mai, Thailand,  Seoul, Korea and Panama City, Panama, Atlanta, Georgia and in Maryland. Camille finds solace in art's generous access to understanding, healing and communication beyond the limitations of language. It is a pathway for refining intangible, scattered and stagnant thoughts and frustration into something clear and sharable.  Artist Statement This work is an acknowledgement and offering to the Source of healing for the dehumanization, violation and traumas of surviving being scattered throughout the diaspora. She created us and she loves us, our healing is her active priority.  Untitled Mixed media drawing 30" x 40" 2016 $3400  Most Beautiful Things Graphite on paper 21" x 19" 2009 $2100  Supreme Gardener Panel 2 Acrylic on canvas 24" x 48" 2009 $1400  

 Tracy Brown  Tracy T. Brown’s career might best be described as eclectic. As a Visual Griot, community worker Tracy is dedicated to applying her talents toward the development and liberation of her community. Tracy fell in love with photography at the age of 11 and has started sharing her passion Tracy holds a BA in Speech Pathology/Audiology from San Jose State University and an MA in Arts Politics from NYU. She has conducted seminars on drug abuse prevention, served as mentor to countless youth, helped develop a curriculum for cross cultural diversity training, sailed the eastern seaboard, built energy efficient mud stoves in West African villages, and so much more. Currently, Tracy devotes the bulk of her time to her work as a software consultant, serving as a Minister In Training in the Wo’se Community, caring for her parents and developing her creative projects. These projects include documentation of funerals worldwide and shooting whatever and whenever she is so moved.  Artist Statement This piece is a visual prayer. It features the darkness of night, captured shadows and symbolically illustrates the super humanity and goddess nature of the African Woman. We are represented by two women who labor from can't see to can't see and who, much like African woman everywhere, need someone to lift their divinity in prayer. The title of the piece hails from passage 10:2 in the Odu Ifa and ceters on recognizing that the world will not prosper without the inclusion of women and that special respect should be paid to the woman as a sustaining co­creator with the most high.  Osa Meji Mixed media Dimension varies 2016 $1300  April Martin Chartrand  April Martin Chartrand is a national award­winning fiberalchemist. She won 1st place in the Textile Division at the Atlanta Life Insurance Company’s Annual Art Competition; her winning work ‘Sailing on Motion’ is in their private collection in Atlanta, GA.  In 2010 she received a Certificate of Achievement from the San Francisco Board of Supervisors.  Additionally, she is a published author of ‘Angel’s Destiny:  A Novel Story of Poems & Illustrations’ (2009) which is available on Amazon.  Chartrand is currently pursuing her counseling master’s degree at San Francisco State University and is a member of the Chi Sigma Iota International Honor Society.  Artist Statement In 2013, Chartrand’s ‘Treasured Cigar Box: Assemblage Explorations of the African Diaspora’ (series) was featured at the California African American Museum’s research library in Los Angeles, CA.  In 2013 she featured her assemblage work entitled ‘Highwaymen:  Florida’s Traveling ‘26’ at the Afro Solo Festival #20 exhibition ‘Reflecting the Light: Works Inspired by 

Black Masters.’ During her 2013 one­woman show ‘Treasured Cigar Box: Explorations of the African Diaspora’ she received a critical review by SF Weekly editor. Michael Leverton: “Her boxes come across as totems from another time, ritual containers filled with all manner of evocative materials . . . arranged into haunting, mysterious tableaus ­­ not unlike something you might see in the Museum of Jurassic Technology, to be honest”.  In 2010. Treasured Cigar Box’ (series) was exhibited in a group show entitled ‘Artists United for Peace’ at the San Francisco Public Library.    ‘Tippu Tip the Black/Arab Slave Trader’ Zanzibar–Slaves, Ivory and Gold Mixed Media 9”x9”x10” 2011  ‘Slave­Ship Baby Jumpers’ Portugal, France, Spain, Britain, Netherlands (Dutch), Germany and the USA­ Triangular Trade Mixed Media 1.5”x12”x8.5” 2011  ‘The New Technology of Slave Ships’ Portuguese, the British, the French, the Spanish, the Dutch and the Americans–Slave Ships Mixed Media 6.5”x8”x8.5” 2011  Toshia Christal  Toshia Christal is A Oakland native and self taught artist of many mediums. Born May 11, 1983, she has been creating art since her early childhood years. Her latest art and jewelry works have been displayed at Show and tell concept shop, Betti ono Gallery, Oakstop, Owl n Wood, and also found on the screen of Cheryl Dunes latest film.  A Berkeley high school Graduate of the 2001 class, Toshia never stopped making art. In 2008 Toshia Christal became self employed shifting her passions into her profession. In 2016 she continues her path as an independent self sufficient entrepreneur. Berkeley high school was the last institution that she received any “formal” art education.   Fortunately, “everything she needed to know” was consumed during her high school years. This exposure to the basics, boredom with repetition, and constant curiosity were enough to manifest her own creative forces. she continues to quench her thirst for knowledge and new technique on the daily bases.     Toshia will experiment with any material she can get her hands, validating her nonconformity to any specific genre. She enjoys all mediums equally, choosing only one has never occurred to 

her, she states “she would surely feel boxed in”. Her art is often feminine, vulgar, homosexual, figurative, political, abstract or infused with vagina's. The artistic reflections in her life are particularly stimulated by the art of African traditions, spiritual visions, nature, lovers, anatomy, and her gratitude for the mind and body of a woman.   Artist Statement The project that Toshia Christal is presenting for TBWIG focuses on the power we hold inside to heal ourselves centered through the chakras and etheric bodies. This exhibit is intended to spark the question for the individual, "what are my powers" Shifting the most important god to the front which is self. Toshia Christal hopes to encourage everyone to see themselves as the gods and goddesses that we are, no less than  jesus christ.  Highest Power Mixed media 2’x4’ 2016 Contact artist for pricing  Blasted of her Sacral Mixed media 3’x4’ 2015 Contact artist for pricing  For Lovers Only Mixed media 19”x20” 2016 Contact artist for pricing  Cheryl Patrice Derricotte  Cheryl Patrice Derricotte is a visual storyteller. Originally from Washington, DC, she lives and makes art in Oakland, CA. Her primary medium is glass and she also makes work on paper. She holds the Master of Fine Arts from the California Institute of Integral Studies (CIIS). Cheryl was named one of two inaugural Emerging Artists at the Museum of the African Diaspora in San Francisco. Other awards include the Art Alliance for Contemporary Glass’ Inaugural Visionary Scholarship and a D.C. Commission on the Arts & Humanities/ National Endowment for the Arts Artist Fellowship grant. Select shows include “Ghosts/Ships” at the Museum of the African Diaspora; “Hyperbolic Crochet Coral Reef” at the Smithsonian Museum of Natural History; "Terrestrial Forces,” at the Florida State University Museum of Fine Arts, and "Contemporary Glass” at the SFO Museum.  Artist Statement 

Ghosts/Ships is my ongoing investigation of images of the global slave trade in historical texts. Paying homage to Fred Wilson’s “Mining the Museum,” I am “mining the library”—this time The New York Public Library—for images related to slavery in the US. The art reveals images of women of African descent that were involved in the slave trade. The images of the ships and oceans reveal how the art and culture of African peoples was dispersed all over the world. The first iteration of Ghosts/Ships was presented earlier this year in a solo show at the Museum of the African Diaspora in San Francisco.  Adorned Kiln formed glass and enamels 11”x14” 2016 $500  Devoted Kiln formed glass and enamels 11”x14” 2016 $500  Illuminated Kiln formed glass and enamels 11”x14” 2016 $500  Nicole Dixon  Nicole Dixon was born in Oakland, CA and in 2002, received a BA in Studio Art at Spelman College in Atlanta, GA. In addition to exhibiting paintings, she has produced commissioned works, including family portraits and in­home murals, for over a decade. She has served as the altar­artist for numerous gatherings, conferences and activist organizations. She is also Montessori preschool teacher, and firmly believes education and creative expression go hand­in­hand. She teaches art to youth and adults alike, which has taken her as far as the Kalahari as guest art instructor. Nicole uses art as an interactive medium, and vehicle for self­transformation, community bridge­building, and positive social change.  Artist Statement There is always something unseen: a life force in natural objects­ charcoal, paper, feathers, wood in a technological age, an ancient human need for ritual and spiritual purpose in a secular society, a power in those who are most marginalized by institutional oppressions.  Nicole has always been drawn to the unseen, and finds that the journey of seeking what lies beneath is an ancient one.  The mixed­media act of layering drawing, painting, fabric, paper, and even natural objects seems to reflect the complex nature of the themes that drive her subject matter.   As an African­American woman in the US, it feels impossible to hold the strong and complex 

emotions she feels inside, and shameful to not speak out against the innumerable institutional injustices affecting so many lives­ thus art is her expressive tool.  Nicole developed a yearning for healing, for cathartic iconography that gave those emotions a transcendent purpose, and for images of the Black woman in a true/spiritual form.  She uses the bodies of the figures she creates as a site of power, dialogue, and ritual. She adorns them with empowering symbols, highlights their inner strengths with gilded emblems, and gives them a spiritual purpose.  Her figures contradict negative stereotypes without needing to address them directly.  Nicole uses the Black female body as a transcendent icon.  Her figures are the embodiments of socio­cultural, political, and spiritual journeys.  Her hope is that they become universal figures partnering with the viewer in a journey towards healing, transformation, and community empowerment.  Transmission Acrylic, charcoal, fabric, watercolor, wood, goldleaf on canvas 30”x40” 2016 $3200  Did Not Your Morning Start With Darkness II Acrylic, charcoal, fabric, wood, watercolor, handmade paper, magazine paper, goldleaf on canvas 30”x40” 2016 $3800   Alise Eastgate  Alise Eastgate is a visual artist, focusing in watercolor and acrylic painting. She is also an aspiring digital photographer and ukulele player. Born in Europe and raised in Louisiana, Alise has been shaped by those landscapes and the places she's called home since, including Alabama, Mississippi, New Zealand, California, and the Fiji Islands. She earned her Bachelor degree in Studio Art and Geography from the University of Alabama in 2010. Her work is inspired by her activism and belief that all living beings deserve the right to live, love and be free. She uses color and organic shapes to explore these ideas and relationships within overlapping cultures.  She paints and designs collaborative works with her life and creative partner, Jack Eastgate through their joint project, EastRand Studios. Alise has exhibited work in group and solo shows in Oakland and live­painted at events and festivals in California and the Fiji Islands.    Artist Statement Alise’s work explores blackness, half­ness, femininity, beauty and duality through cultural understandings of non­human animals. Her subjects are animals whose cultural oppression has been appropriated into labels used to further oppress human bodies for their perceived femaleness, impurity and/or blackness. Her images seek to embrace animality and reject the notion that being white, being human, being male, and being pure are traits/things to aspire to. 

She chooses animals in which she sees herself and invites the viewer to question and explore their own understanding of their relationship to non­human animals.  Mulatta Acrylic on canvas 30”x40” 2016 Contact artist for pricing  Freed­A Acrylic on canvas 30”x40” 2016 Contact artist for pricing  Captain of my womb; master of my milk Acrylic on canvas 30”x40” 2016 Contact artist for pricing  Anna W. Edwards  Anna W. Edwards lives and works in San Leandro, CA. Anna grew up in New York City, and lived on Sugar Hill. The Sugar Hill Neighborhood is a small enclave, north of Harlem. She attended CCNY and The New School.  Sugar Hill in the 1950s and 1960s was an exciting place to grow up. Anna heard stories of all of the famous African Americans who had lived in the neighborhood during the glamour of the Harlem Renaissance. That pride was pervasive.  Edwards’ Sugar Hill neighborhood was home to Duke Ellington and other musicians. This opened up a whole new world of jazz and the musicians who made the music come alive not only for Edwards, but for the neighborhood and the world.   Edwards says “The Neighborhood, the Music and the Musicians influenced my art when I started painting some twenty­five years later. The urban landscape has been my focus, because cities have always held a special fascination for me, and I endeavor to give the environment an emphatic and personal quality.” Connecting to the music, the musicians, the energy and the people of Sugar Hill and beyond is a constant source of inspiration for me.  After moving to California Anna  began painting and studied painting with Takeshi Nakayoshi. Her work in acrylic, mixed media and collage have been influenced by Ed Clark, Richard Diebenkorn, Bob Rauschenberg and Antoni Tapies.  

Artist Statement My paintings from 2006 onward are from a continuing series of contemplation and reflection on Light, whether the blush of sunlight on dissimilar landscapes, such as The Kenyan savanna, Grand Canyon and Death Valley or the majestic nature of the 2008 California Fires which depicts the color, power, chaos, serenity and devastation that ensued. And “The Light Bearers”, deliverers of Light and, purveyors of inspiration and wisdom, have planted seeds helping us tap into our true source of inspiration. The Light from within speaks to us individually yet; there are those special souls around us, The Light Bearers, who inspire us through their writings, art, music, poetry, living, teaching and inventions. The paintings in this series are exploring the spiritual landscape of the individual. While many are my particular and personal stories, they are also universal. My intent is to pay homage to a few of those extraordinary individuals, public and private who have led the way for my spiritual and artistic growth and have been an inspiration to many.  My aim is to produce paintings that are soothing and comforting to see, and be inspired by.  In my Spiritual quest I have begun to see each person and event as a link in the chain for my continued growth.  Setting Sun over Canada   Mixed media 12” x 36”  2009  Canadian Sunset Mixed media 12" x 36" 2009  Revelation Mixed media 48" x 36"   2006  Danie W. Frink  Dania W. Frink (b. 1984) is a multidisciplinary artist. She is a painter, digital artist, upcyclist, and animator; merging formal training with self­taught exploration. Frink's work examines the range of experiences of the African Diaspora (particularly, Black Americans) within the contexts of love and relationships, womanhood, navigating and battling oppression, the influence of music, tradition, storytelling and cultural preservation, and beauty. Her art has shown in 15 exhibitions, including her 2015 debut solo show ­­ W­2 Warriors ­­ in Oakland, CA. As a result of her professional background in the creative and social sectors, Frink enjoys discovering and creating new methods of fusing the arts, education, social justice, storytelling, and technology.She recently launched, Still Kings and Queens, which offers arts based open educational resources for learning and teaching about the rich history of the African Diaspora. 

She is a graduate of the University of San Francisco's Masagung School of Management (Masters of Public Administration) and Loyola Marymount University's School of Film and Television (BA in Animation, Studio Arts Minor). A San Francisco Bay Area native, Frink currently resides in Jacksonville, FL.     Artist Statement Frink examines the unlearning of what and who God is ­­ as Sister Karen Seneferu has stated, this is part of "breaking the code." Contrary to what is seen in mainstream media, Black women DO celebrate and honor one another. Black women see God in each other, most often without explicitly calling it out. Black Women create, incubate, birth and nurture others ­­ often at the expense of their own well­being. Can the way that Black women neglect self­care be linked to the collective hesitance to reclaim God's original identity as a Black woman? Can the way that Black women are demoralized, persecuted, harmed and poorly treated on a global scale be linked to a subconscious "threat" that God is indeed a Black woman? It is controversially revolutionary for Black women to publicly display love of self and a desire for truth. Are we beginning to see a turning of tides where Black women reclaim the power that they inherently had all along?   Much of Frink’s research for this artwork derives from Dr. Joseph R. Gibson's book, "When God Was a Black Woman and Why She Isn't Now."   Strength in Sankofa Mixed media 40”x60” 2016 $1500  Bre Gipson  Bre Gipson is a multi media artist based in Oakland, California. She received her BA in Art Practice from University of California, Berkeley and is currently in pursuit of a MFA in Visual Studies at Pacific Northwest College of Art in Portland, Oregon. Bre has exhibited internationally and has exhibited at California African American Museum in Los Angeles. Bre creates environments that explore natural phenomena and parallel landscapes. Mystified by the possibilities of what may or may not exist, Bre is interested in investigating the unknown and exploiting our changing beliefs of what is real.  Artist Statement Oasis and Nova are a duo of sculptural ecosystems that perform simultaneously as natural growths and synthetic or otherworldly formations. Through her art environments, Bre Gipson explores ideas of alternate destinies, the unknown and magical thinking.   Taiwo, Kehinde and Bushmama Africa  

Twin curators/artists, Kehinde and Taiwo, are currently exploring identity and beauty through their newest multidisciplinary project titled, “Ibeji: The Twin Project”.  This research, social justice and public interactive conversation utilizes visual, literary, and performance arts to explore the life of twins; create new visuals for and about twins; and connect twins of the African diaspora. The “ComPAIRative Analysis I” installation is their first opportunity to create a piece of art specifically for the project and open the conversation about the impact of comparing with twins and those fascinated by twins.  Artist Statement Using themselves as a case study, twin curators & artists, Kehinde and Taiwo, use their imagery to discuss the impact of comPAIRing against a projection outside of one's self. From the angle of ComPAIRing our God to other Gods (other projections of God), Kehinde and Taiwo speak to the impact comparing has on the GODliness within ourselves and to others. Do we rise to our GODness? Or do we crumble under a projection of what GOD IS or IS NOT? “ComPAIRative Analysis I” uses photography, 3D and digital imagery. There will also be an interactive altar co­curated by spiritual/multimedia artist, Bushmama.  ComPAIRative Analysis I Mixed media installation Dimensions vary 2016 Courtesy of Ibejis: Born Gods  Shylah Pacheco Hamilton  Shylah Pacheco Hamilton is an Afro­Surrealist artist, writer and Lecturer at California College of the Arts. She received her MFA in Film, Video, New Media and Animation at the School of the Art Institute of Chicago where she combined her studio practice with post/colonial theory and was a recipient of the distinguished Archibald Motley Award. Her films have exhibited internationally. In addition to her creative practices, current research interests include Diasporic melancholy, kinesthetic imagination, performance and ritual.  Artist Statement This video is a meditation upon friendship, death and Ancestors as told through a series of dreams.  

Untitled 

Experimental Video 

2016 

 

Nannette Y. Harris­Jones 

 Nannette Harris­Jones was born and raised in Oakland, CA. She have been painting since a young age, and followed her passion for painting by overcoming the distractions of growing­up 

in an urban setting and earning a Bachelors of Fine Arts Degree from the California College of Arts. Nannette's artwork has been seen in numerous art galleries and festivals in the bay area. African American Art/Cultural Center, Sergeant Johnson Art  Gallery, Art Expo, Las Vegas. In addition Nannette' artwork have been featured in various bay area publications, Contra Costa Times, Vallejo Times Herald, Art Business and San Francisco Chronicle.  Artist Statement There is a belief that our blood has a bluish color before it connects with oxygen, truth of misconception, blue for me is the color that represents the vein of life, red represents the blood of life, and yellow is the aura and energy of life. Nannette believes that Black radiates negative space when used with color. Canvas and a paint brush to me is like pen and paper to a writer. This is how I express my view of life. “I BELIEVE WE ARE ALL PEOPLE OF COLOR AND THE COLOR IS BLUE”.   Dinah Washington Oil/Metallic gold leaf on canvas 30”x40” 2016 Contact artist for pricing  Etta James Oil/Metallic gold leaf on canvas 24” x 30” 2016 Contact artist for pricing  Cab Calloway Oil/Acrylic 30”x40” 2015 Contact artist for pricing  Nina Simone Oil/Acrylic 30”x30” 2013 Contact artist for pricing  Shah Noor Hussein  Shah Noor is a poet, activist and scholar working through the mediums of writing, yoga, ethnography, film, photography and more to create healing in queer, black and brown communities. Shah's work focuses on youth empowerment, cultural histories, storytelling and multimedia studies in order to shed light on these narratives through a Queer Black Feminist lens. As a Queer Black Womyn raised in an immigrant Sudanese household with tribal and 

Muslim roots, Shah embodies an intersectional identity that pushes the boundaries of global politics, personhood, and spiritual understandings which is reflected in the multigenre publications, collaborations, and creatives works produced thereof.   Artist Statement Shah Noor's current project aims to shed light on the narratives and stories of Black Women Healers in Oakland utilizing the anthropologically rooted practice of ethnography combined with artistic and creative works from the community researchers (co­researchers) as well as video and photo essays to be published online and in print. This ambitious Masters Portfolio Project follows Shah's first published poetry anthology released in Spring 2015, entitled "Ain't I a Womyn: A Self­Love Zine" featuring all black women. This was closely followed by a collection of works penned almost entirely by Noor released in Winter 2015, entitled "Black GRRRL Healing" with featured poems by Amani Johnson and Xenia Simms and cover art by Hannah Levy. The latter collection was the poets first attempt at a musically influenced poetic project that included an EP interweaving the artists recitation of their pieces with beats produced by DJ Dreams. All these projects have been conducted under the support and collaboration of The Womyn's Creative Collective, an Oakland based group of womyn and queer* artists dedicated to healing through creative empowerment and community building.   Ewunike (Awoo)  Ewunike Hanson was born and raised in Berkeley, California. She is the CEO and designer of Ewunike Hanson Designs and is a skillful avant­garde painter and make­up artist. Her beginnings were formed around being innovative and creative, her father, an accomplished jazz musician opened her eyes to music, film, and art all of which inspire her creations. Ewunike’s mother who is essentially a shaman and a natural healer taught her about the properties of food, plants, and herbs and how to use them in everyday life. Ewunike means: “Fragrance from the blessings of God” which to her means that all of nature’s natural fragrances on earth all connect to something great.  Ewunike uses all of her keen senses and sound as inspiration in her designs. While on the pursuit to become an artist, she had the opportunity to live and travel to Kuala Lumpur, Malaysia where she was a Make­up artist for runway models; her make­up was featured in Harper’s BAZAAR Magazine Malaysia. Ewunike moved back to the states where she then realized her true passion was painting and creating art. In 2008 she started an eco friendly leather jewelry business specializing in hand made cutting edge jewelry. Her art is inspired by ancient Egyptians elaborate art and the way they used color, stones, metal, leather, and beads. Just by the use of mother earths beautiful resources you can create stories and history. Ewunike Hanson’s technique, attention to detail and immaculate color blending is what sets Ewunike Hanson Designs apart from many other designers. Her cultural knowledge from her travels and her upbringing unite in her artwork, which makes each piece an original work of art. Her primary focus and business model is to reuse materials instead of killing living species. She continues to travel, grow as an artist and create unique pieces of art.   Artist Statement My name is Ewunike Ayobami Hanson and I love and live art. Art to me starts from nature! Natures magical, majestic beauty inspires a gives me ideas to create my art. When I step 

outside amongst mother nature, hearing all the songs and seeing all the colors of the world, visions of art come over me. The significance of me being connected to the elements of life helps me to have more focus and dedication for my passions. My style of art is highly inspired by mother nature's perfection of beauty and our mysterious galaxy; the milky way. Colors, textures and light is significant technique I use when I paint. Building from the canvas creating illusions to the naked eye. I want my paintings to enlighten people, taking the viewer to a mysterious world or capturing the beauty of this one.  I want to be able to interpret my creativity by painting a story without saying a word. The light of sunsets, the depth of the galaxy, Abstract and cutting edge is my style of painting I love to mix things up!!!   Galaxy Acrylic on canvas 20”x24” 2016 Contact artist for pricing  Bay Area Acrylic on canvas 40” x 30” 2016  Aerial View Acrylic on canvas 24”x36” 2014  Evolution Acrylic on canvas 20” x 24” 2016  Idris Hassan  Bay Area based Photographer and Visual Arist Idris Hassan, began her journey as the family photographer preserving precious life moments. In 1994 while studying Photo Journalism in college she won an award for a emotionally stunning photo entitled “Dead Homies”, which pictures a young man overlooking an East Oakland Cemetery. The photograph, a commentary on the countless young men losing their lives to drugs and violence in the 1990's Urban Landscapes, was a catalyst for Ms. Hassan's entry into the field of Photography and Media. Her style carries the inspiration of greats such as Gordon Parks, Romare Bearden, and Carrie Mae Weems.  In her evolution as a documentarian she has traveled across the county and abroad capturing the visual essence of various communities. Her photography and collages reveal the worlds of artists, musicians, families, and highlights the legacy of culture.Her photography and collage work have been featured in the “Black Artists on Art” Legacy Exhibit at Oakstop Gallery, the Annual “Art of Living Black” Exhibition at the Richmond Art Center, the “Oakland Women's 

Day” exhibition at Betti Ono Gallery, Afro Solo's "Reflecting the Light Series" at the San Francisco Public Library, and at various exhibitions in the Bay Area. Ms. Hassan's work has also been featured in the Summer 2015 issue of“African Voices”, a Collection of Soulful Art and Literature.  Artist Statement “Spirit Women” embodies and pays tribute to the essence of African female spirituality. This piece is a collaged reflection of the magical and spiritual powers that have allowed women of African descent to not only endure and survive, but to also flourish and thrive through historic hardships such as enslavement, racism, oppression, sexism, forced sterilization, and separation from family.   Here and now as she, the global Black woman, faces the continued loss of children to violence and battles ongoing oppressive forces...she continues to dance, to laugh, to play, to sing, to birth life, to make magic, and to manifest the beauty of GOD's original manifestation in human form.   Spirit Women Digital Photo Collage 24” x 36” 2016  The Black Woman is God Documentary Video TRT 15:00 2016  Ayana Ivery  Ayana Dionne Ivery is a Graphic Designer and has been creating multi­media art since 2003, professionally since 2005. Born March 23, 1981 in a suburb of Detroit, Michigan, she knew from an early age that she was very tactile and enjoyed creating with her hands.   Having lived in Aix­en­Provence, France; South Beach, Florida; Denver, Colorado and the Bay Area in California have all added influence to her creative endeavors. She inherited her artistic interests from both of her grandmothers and expanded her influence in the fierce boldness of Josephine Baker, Grace Jones, Diane Carroll, Betty Davis, meeting Eartha Kitt at the age of 9 planted the seed of artistic expression.   Graduating with a Bachelors of Science in Fashion Design and Merchandising, minors in International Business and Marketing, Ayana also studied African Art and History and speaks fluent French. Deeply moved with travel and culture, Ayana has been featured in Travel + Leisure Magazine and SF Guardian for her intrigue and sense of classic style.  

She infuses her art with a mixture of classic style from her ancestors here and in Mother Africa expressed most sincerely in her line of aprons and accoutrements L’Oven Fresh, Kitchen Couture handmade in Oakland, California. She is currently expanding her graphic design portfolio while refining the product offerings of L’Oven Fresh.  ayanaivery.squarespace.com lovenfresh.ca  Artist Statement Ayana Ivery's our mother pays tribute to the Black Madonna and the Lady of Guadalupe by infusing the art with traditional African dress and amulets.  Our Mother Mixed Media 6" x 4" 2016 $5000  Amana Brembry Johnson  Amana Brembry Johnson, mixed­media sculptor, currently lives and works in Oakland, California.  After two decades of creating imagery in stone, her most current medium is primarily ceramic and bronze sculpture.  The work reflects a fusion of contemporary and historical aesthetics drawn from African American culture.  It is a form of feminine archetypal myth­making born from a place of intuition and reclaimed memory.  Johnson completed an MFA in Sculpture from the Maryland Institute of Art and has created public artwork throughout the United States.  An accomplished visual artist, her work has been exhibited nationally and internationally with public art commissions installed throughout the U.S.   Artist Statement Drawing on and advancing the imagery and ideas of the Sacred Feminine, Amana Johnson’s work assembles a contemporary mythology that includes the visual narratives of women whose stories have either been omitted from history or told in a foreign and indifferent tongue. Amana re­architects the body in ways that create windows into what is held in the mind/heart and how it’s content is reflected in outward action.  Movement and mobility embody the figures as they push up and against conventional constrictions.  Torsos and bellies break open to reveal that which is hidden in shadow, or move forward to redefine and reconstruct a visual language imbued with power, integrity, and grace.   These works of monumental stature, shift the focus of the black woman away from the socially constructed and constricted, postmodern model of femininity back towards the earth­centered stature and power of the black woman as original creator and protector of life.   Through these works we are summoned to investigate culturally constructed barriers and socially sanctioned masks that annihilate the truth of what we might or might not be.  We are 

asked to examine our interdependence on the earth and each other, and how we reside both together and alone within the walls of our internal and external universe.  Earth High Fired Ceramic 60"x28"x18"  2013  Protector High Fired Ceramic 57"x24"x18" 2013   Shield High Fired Ceramic 35"x15"x9" 2013  Virginia “Nia” Jourdan  Virginia Jourdan is an award winning visual artist.  Virginia enjoyed art classes as a child and continued pursuing her passion and developing her talents in college, first at the University of Washington focusing on painting, then receiving her BFA in Illustration from the Academy of Art University in San Francisco with a focus in illustration. Virginia moved to New York and worked as a freelance illustrator for commercial jobs. Returning to the Bay Area, she began focusing on fine art to allow her more creative freedom. Virginia continued developing her talents studying abroad, attending painting workshops in Italy, China and Senegal West Africa. She is also talented in printmaking and sculpture. Her artwork has been shown at exhibitions across the country and includes several commissioned works. Virginia illustrated her first children's book called "Granny, Who is God".  Artist Statement Virginia Jourdan's art piece is in remembrance and honor of mothers and women who have died in police custody. Its also to bring awareness to a growing number of African American women who have no weapon but are killed by the police. A song accompanies the exhibit entitled "I miss you”, song for my mother.  The Cross We Bare Oil on canvas 8’ x 9’ 2014  Val Kai  

Val Kai is a multi­dimensional Photographer, born & raised in San Francisco Oakland Bay Area. Started expressing herself w/ Photography in High School. Has been exhibiting work since 2005. A one word description that best describes Val's work is Variety. Her portfolio contains many areas of focus, such as: Performance Art, Portraits, Landscapes, Events, Family/Friends & Environmental Art.  Artist Statement The work Val has chosen to show for this exhibit are archival images depicting black women that are or were active in the Bay Area's African / Black Dance & Music Community.  Bird Photography/Mixed Media 20”x24” 1978/2016 $1200  Oshun/Spirit of Yemenya Photography/Mixed Media 18”x22” 1987/2016 $400  The Poetry, The Dance Photography/Mixed Media 18”x22” 1978/2016 $350  Iyabo Kwayana  Iyabo Kwayana was born in Guyana, South America to a Guyanese father and African­American mother and spent the earliest years of her life moving through cultures in Latin America, the Caribbean, and the United States; she became intrigued by culture and both the distinctiveness and universalness that exist simultaneously within the human experience.    At the age of 7, her artistic expression began when her mother placed her in a 35mm photography and darkroom developing class at age 7.  Since then, she has relied on photography as a means of expression.  Filmmaking became an intriguing development that emerged from her interest in the visual image.  Iyabo has produced, directed and done the cinematography for films in various countries both nationally and internationally. Though much of her interest takes her into international spaces, she also works domestically.  Her goal, to produce narrative and documentary films that speak to vast richness and poetic vibrancy of human beings, mammals, and small creepy crawlies 

alike.  Above all, she is interested in moments of insight and magic.    Iyabo received her BA from Spelman College with a major in English Literature and a minor in French Literature.  Prior to becoming a filmmaker, she studied Energy Medicine and even briefly studied Traditional Chinese Medicine and Qi Gong in Shanghai, China. She feels her study and practice in the healing arts has fueled her development as an intuitive visual storyteller. In2015,  Iyabo received her MFA from UCLA's graduate school completing the dual requirements for cinematography and directing MFA in production tracks. She has been the recipient of the Fulbright­Hays Fellowship in Tanzania, the U.C. Cuba Fellowship, and the FLAS fellowship for Portuguese language and the implementation of her youth film curriculum in Bahia, Brazil.   Artist Statement The Offering is a hybrid form documentary in which a chicken undergoes the unique journey from caged livestock to healer as we follow his voyage from a live chicken market to an Afro Cuban ceremony in which a traditional priest uses him to cleanse a woman of some of the negativity she is experiencing in her life.  The Offering Film 2016  Joan Tarika Lewis  Joan Tarika Lewis is a Renaissiance Woman, born and raised  in Oakland, Calif. Visual Artist and Jazz Improvisational Violinist Tarika teaches the arts to high and middle school students as well as adult learners.  Tarika has also performed locally and internationally with Jazz and Blues bands. Tarika is also engaged in genealogical family research.  Her paternal lineage was recently featured on the PBS Finding Your Roots Show and numerous PBS documentaries about the Black Panther Party for Self Defense.  Tarika works in mixed mediums...acrylic, charcoal. Two recent murals are located on 98th and International streets and inside the Verdese Carter Recreation Center.  Themes are families engaged in positive, healthy life choices.  Artist Statement Artwork by Joan Tarika Lewis entitled "The New Seal of California" depicting Queen Califia. There is a mythical story about a warrior queen who ruled over a kingdom of Black Women living on the island of California.  The character was created by the Spanish writer Garci Rodriguez de Montalvo in a novel entitled Las Segas de Esplandian. written in 1500.  The explorer Sir Francis Drake set sail from Europe in search for Queen Califia and the gold.  Her image was painted in  San Francisco at the Mark Hopkins Hotel in the Room of the Dons 1921 World's faire featuring the meeting.  California is named after Queen Califia, however the image depicted on the current Seal of California does not reflect her ethnicity.  Joan Tarika Lewis has created a New Seal of California.  While doing genealogy research Ms. Lewis discovered she is a descendant of Sir Francis Drake.  Her paternal grandmother was J.M. Drake!  Ms. Lewis 

completed the research and painting a year before learning about her genetic DNA matches through 23andme.com.  This is one of those Ripley's Believe It Or Not findings.  Queen Califia Acrylic 36” 2014    Samella Lewis  Samella Sanders Lewis (1923­ ) The career of visionary teacher, scholar and artist Samella Lewis spans some seventy years and has taken her to many parts of the world. As an art historian and scholar, her knowledge is boundless and accessible. As an artist, Lewis remains at the forefront of her field. As a collector, she has amassed an impressive and diverse collection that includes African American, Asian, Caribbean, Native American, South American and African Arts. As a social and community activist, she will serve as a reference for generations to come.  Samella’s college education began in 1941 at Dillard University in her native New Orleans, where she studied with her mentor renowned artist Elizabeth Catlett. After two years at Dillard, she transferred to Hampton Institute (University) where she was a student of Viktor Lowenfeld, a Jewish refugee from Austria who taught his students not to feel they had to produce art to please anyone, but to produce it from the heart.   At The Ohio State University, Lewis received her Master of Arts degree in 1947, and her Ph.D in fine arts and art history in 1951. In 1952 she became chair of the fine arts department at Florida A&M University. Her next stop was a teaching position, five years later, at the State University of New York (Plattsburgh).  While there, she developed an interest in Chinese language and Chinese art history. This soon led to a Fullbright Fellowship to study Chinese language and art history in Taiwan.  On her return from Taiwan, Dr. Lewis was awarded a New York state grant to study Chinese language and art history at the Freer Gallery in Washington D.C.. with famed author and art historian, Sherman Lee. Following this, she resumed her studies at New York University. Samella went on to receive a National Defence and Education grant, for a three year course in Chinese language and history, at the University of Southern California.  Currently Dr. Lewis is Professor Emerita of art history at Scripps College of the Claremont Colleges. Scripps was instrumental in two of Lewis' career milestones. The school provided space and assistance in 1975 when she founded The International Review of African American Art. The school also lent support to The Museum of African American Art in 1976, of which Lewis was founder and director.  

During the course of her career, Lewis has received numerous awards and honors, including an appointment as a distinguished scholar at the Getty Museum, and the Samella Lewis Scholarship and Contemporary Art Collection at Scripps College in Claremont, California.   Artist Statement Samella Lewis' inspiration, as an artist and art historian, comes from the need to bring greater attention to the accomplishments of African American Artists.  Together We Stand (Words By Maya Angelou) Hand embellished lithograph 22" x 30" 1997  Sita Kali Ma  Sita has been a practicing Yogini since the age of 13. She has been teaching Yoga since age 19. Her vast knowledge, experience, and expertise in the practice and teaching of Yoga attracted many Shamans, Sages, and Yogis from Mexico, Brazil, and Africa, who mentored, and nurtured her intuitive healing gifts to fruition. In the late 60s, and through the 70s, Swami Muktananda was her master teacher and guide. It was Muktananda who gave her the name, “Sita”. She studied and practiced the deeper aspects of Yoga with this great Siddah Master.  Sita taught Yoga for California Family Fitness, a major fitness corporation in Northern California, for 9 years. There she took courses in anatomy and kinesiology with the Aerobics and Fitness Association of America (AFFA), American Council on Exercise (ACE), and the College of Sports Medicine. Currently, Sita is writing a series of books on Yoga for healing and regeneration.  As a youth Sita was greatly influenced by her father, who was a gifted musician and artist. She has utilized her artistic and musical gifts to express her spirit and love to the world. She says, “Art can be a powerful healing and enlightening experience.” Sita studied art and music at San Jose State University. Her goal is to bring an expression of love and light to the world through Art, Music, Yoga and Love.  Artist Statement For Sita Kali Ma, Art is her way of connecting to her cultural roots. It is through art that she honors the legacy of her African and Native American ancestors. She creates tapestries to reflect the rich, exotic, beauty of the African wild life.  Also, to bring attention to the beauty of the African and indigenous people.   Her love for her ancestors, and the rich culture they have blessed her with, has always inspired her to learn as much as she can about it. Her research and study of King Tutankhamun’s influence on Mayan culture brought her into the beaded art, which she has incorporated into her tapestry arts, as well as jewelry.  She has chosen this particular genre to express her artistry, because it brings an authenticity to her craft and honors her ancestral roots. Art is Sita's way of sharing the beauty of her cultural history with the world.  

Insight Mixed Media on Canvas 16” x 12” 2015  Ajuan Mance  Ajuan Mance creates comics, drawings, and zines about Black life in America. A scholar of African American literature and a professor at Mills College, Ajuan draws inspiration from Black writers and their work. Ajuan Mance holds degrees from Brown University and the University of Michigian, Ann Arbor.  Artist Statement Each of Ajuan's three works feature Black women writers, artists, scientists, poets, and musicians as conjure women and ancestral spirits. The figures in each painting appear to be both conversing with each other and watching over the viewers in the gallery.   Harriet Tubman and Rosa Parks Cool their Toes in the Peaceful Waters of Owasco Lake Mixed media on paper 18”x24” 2016  Bessie Smith and Nina Simone Have Cocktails at Carlyle Cafe Mixed media on paper 18”x24” 2016  Josephine Baker and Maya Angelou Get Carryout from Manna Soul Food on 125th Street Mixed media on paper 18”x24” 2016  Shonna McDaniels  Shonna McDaniels was a founding member of the Visual Arts Development Center in 1990, a collaborative partner of the Celebration Arts/Visual Arts “Art and Soul Festival” 1990­1993, collaborative partner of the African American Art Summit 1992­1994 and founder of the Arts­In­Prison Liaison 1992­1994. Later, she became the Founder and Director of the Sojourner Truth Cultural Arts Center (founded in 1996).  McDaniels is a professional artist/teacher/muralist and community activist, she has an extensive background in art instruction and mural designs.  She has studied under some of the finest professors in the Los Rios Community College network and master artists in the San Francisco Bay Area.  Ms. McDaniels has contributed to over 150 murals to the landscape of Sacramento, Stockton and San Francisco, for example she’s responsible for the Sacramento Redevelopment Agency 

Downtown Mural Project, Marian Anderson Elementary School Mural Project, Hmong Women’s Heritage Community Mural and the Oak Dale Elementary School Mural, just to name a few. Her artistic legacy within the community is renowned to grass roots, professional artists, politicians and the business community. Her contributions have been recognized by Council members: Lauren Hammond, Bonnie Pannell, Larry Carr, Mayor Kevin Johnson, Congress Doris Matsui, Governor Arnold Schwarzenegger and Entertainer Russell Simmons.  Mrs. McDaniels is a committed “social artist activist.” Her work is dedicated to creativity and social change within the context of an evolving, healthy community.   She is currently the Executive director over the Sojourner Truth African Heritage Museum which serves over 12,000 kids each year. Other events include Mr. Black Sacramento and the Banana Festival which are annual ventures. Last but not least, she is also one of the visionaries for the Sacramento African American Non­profit Coalition and a collaborative partner for the African Market place and the Crocker Art Museum Block by Block Initiative.  Artist Statement Shonna's  goal as an artist is to share the strength and majesty of ancient African culture via beautiful paintings, mixed media, clay pottery and Styrofoam.  She believes her African ancestors work through her fingers to create each brush stroke or art sculpture. Her  creative process generally begins with a large canvas. Paintings of women with dark blue hues, purple and brown skin tones stimulates love, passion, beauty and hope as her hands move across the canvas.  She states, her hands are driven by a spiritual force connected to the motherland evoking the spiritual essence from her  ancestors to shine through and It’s a humbling experience. Her chosen medium is oil paint but She also work in pastels, charcoal, acrylic, water color, and mix media utilizing fabric, beads and other recycled materials. Her  purpose as an artist is to leave a legacy for future artist. She wants young black girls and boys to look at her  art and experience something of worth, pride and value. For this reason she strives to have the essence of her work reflect dignity, strength and beauty of each subject that I present. The education of youth for Shonna is very important and she has spent a large part of her  career as an artist educating youth. She feels today, more than ever, that art is needed by young people as a forum for safe expression, communication, exploration, imagination, cultural and historical understanding and art is an essential, encompassing life element that has the ability to produce an environment with a productive, cultural exchange of ideas.  The Nubian Waters Barriers Oil Paint 48” x 48” 1996 $4000  the African Bride (lady with fish on her head) Mix Media (Oil,Acyrilic,Fabric,Beads) 48” x 60” 2011 

$15,000  Zeluma Oil,Grout 36” x 48” 2009 $6000  Adeoga (Ade­Oga) Crown of Glory (Mother Africa) Mix Media (Oil, Acryrilic,Fabric) 4’ x 4’ 2015 $10,000  Gold At My Feet Mix Media (Acyrilic, Fabric, Beads,tile)  4’ x 8’ 2016 $15,000  Kathleen McDonald  Kathleen McDonald is a West Indian, Bay Area artist, and is a first generation immigrant with roots in St. Lucia, Jamaica, and Barbados. McDonald immigrated to the United States in 2007 to pursue higher education. Her work originates from her love of her West Indian heritage, and addresses the constant push and pull of her identity between American culture and the West Indian culture she clings to.  Kathleen McDonald is an active creative writer and her poetry is oftentimes a significant part of her work. She has had her poetry published in Bim: Arts for the 21st Century Volume 6. McDonald was selected for an interview with KCBX Newsroom on her work Cultural Synthesis, which was being exhibited at San Louis Obispo Cal Poly in the fall of 2014. In early 2015 McDonald was selected as one of the artists to exhibit in First Street Gallery, New York as part of the National Juried competition.  McDonald created the Museum of the West Indies in 2015, to bring about more visibility for West Indian culture, and history. Consequently an abridged version of the museum was showcased in the De Young Museum exhibition Divergence: Emerging Legacies and the SOMArts exhibition Making a Scene: 50 Years of Alternative Spaces in the Bay Area. After this exhibition, McDonald’s work was featured in Art Forum Magazine as a Critic’s Pick for the SOMArts Making a Scene exhibition.   McDonald has a background in textiles techniques such as batik, dying, stencilling, and silk painting. She is trained in traditional oil painting and many printmaking methods such as lithography, monotype, and intaglio. She is also as accomplished in traditional photographic 

methods such as gum dichromate, cyanotype, Vandyke, gelatine silver printing processes, and newer processes such as gum oil printing, and photogravure. McDonald will oftentimes print on her own handmade paper.  McDonald has her studio in the South Bay Area and teaches as an adjunct instructor at Academy of Art University, and San Jose State University.    Artist Statement Kathleen McDonald’s work centres on her West Indian heritage, combined with her experience as a first generation immigrant. Her practice is deeply connected to West Indian culture and history and in much of her work, McDonald reclaims the Amerindian and African parts of her identity. Indigenous and naturalized Caribbean flora are a continuous motif in her work, and are often used to parallel her identity. McDonald’s work MOWI (The Museum of the West Indies) is an installation that allows her to infiltrate this history into places where it has not been experienced before. While it is important for her to have the viewer question the reality of this history, it is just as significant for the history to evoke dialogue on the contemporary West Indian experience.  In Cultural Synthesis, McDonald uses a multisensory installation to explore identity and its ethereality. She is concerned with how identity exists through memory and is altered by the society surrounding it. McDonald also explores other avenues of identity and culture through her work Atabeyra as Diosa Luna. McDonald uses photography to explore the persona and act out the story as the Goddess Atabeyra. While questioning her ties to the indigenous peoples and stories of the Caribbean, McDonald questions the patriarchal belief system that was imposed upon the West Indies, subsequently eliminating the indigenous Goddess, spiritual and natural beliefs.  McDonald believes identities are constantly evolving through the evolution, retention, and dissolution of culture. “I am a foreigner abroad, a stranger at home.”  Atabeyra as Diosa Luna I–IV Archival Pigment Prints 20”x24” 2015 $300  Francis Mead  Francis Mead is a mixed Black womxn of many ancestries rooted in Oakland, Ca. Ever since she can remember she made art to connect with herself and her ancestors. Creation allowed her to go within herself, look at her spirit and the spirits that guide her, and reflect those creations back to the world as a way to inspire and build with her peoples.  

Artist Statement Francis is a visual artist, whose passions lie in pen and ink illustrations and acrylic paintings. She describes her work as a 'decolonial inspiration in dedication to the ancestors'. Her illustrations and paintings are adornment for homes, altars and sacred spaces. Francis's work is inspired by her people, Black and Brown Indigenous womxn in particular, who have struggled throughout the diaspora for collective liberation. Francis believes it is important to create art that reflects and moves the people lifting our consciousness into higher vibrations.   Osun Dreams Acrylic 18”x24” 2014 $250  Naima Acrylic on canvas 24”x30” 2016 $500  Divine Reflections Acrylic 22”x28” 2016  Selamawit Mekonen  Selamawit Mekonen is originally from Eritrea (East Africa),was raised in Germany and currently resides in California .She has a BFA in Art­History and Sculpture from SFSU and has shown her work localy and  internationally.Selamawit Mekonen’s most recent mixed­media work could best be described as a grand celebration of the ancient female imagery. Mekonen is interested in using natural materials as conduits for ancient messages and codes. These patterns and stories are expressed through photographic references that are to evoke past memories. She is attempting to excavate the meaning of archetypical stories and iconic imagery. Selamawit Mekonen is re­imagining these stories, by closely connecting with the materials essential form. She skillfully slices, connects, disassembles and re imagines objects found in nature such as tree branches and logs to tell her own story.  Artist Statement In this Project Selamawit Mekonen will highlight the beauty of the black female body in a series of paintings and mixed media works. These works are to be exhibited at and in conjunction with ‘The Black Woman is God’ Show. Selamawit Mekonen intends to investigate this statement through self examination and visual expression.The black body, and specifically, the female black body has been historically threatened by stereotypical representation, politicization and 

exotization. The artist seeks to ambitiously free and at least re­contextualize this image of the black woman. Mekonen looks through her own lens and  attempts to invent  new references and ideals of black beauty .  Sprectrum Mixed media 24”x36” 2016 $1100   Synergy Mixed media 36”x36” 2016 $1600  Alchemy Mixed media 24”x24” 2016 $875 

 Bre’yanna Mitchell  Bre'yanna Mitchell was born and raised in San Francisco, Ca in 1992. As a kid Bre'yanna grew a                                   fascination for the Arts in particular in the medium of music and painting. In 2004 Bre'yanna                               was introduced to the art of music where she took interest in the Violin and shortly after in                                   2006 her Orchestra teacher introduced her to the Cello which she continues to study.                           Watercolor became life and she then realized music was the unconsciousness of ourselves.  Artist Statement The creator of life, through Living Proof we visually  take on the traditional importance of woman  through the eyes of a Surmi woman (a tribe in the southwestern part of Ethiopia), we see how the traditianal lips plate (signs of beauty and prestige) are now broken as time moves forward no longer symbolizing tradition but what woman believes.   Living Proof Watercolor & acrylic 12’x16’ 2016 Contact artist for pricing  

Fatima Nasiyr 

 

Valuing the authentic sharing of human experiences to reaffirm the connection between us all, Fatima Nasiyr, through visual mediums, attempts to bring the attention back to the beauty of the divine that constantly surrounds us all in every single day of life. To shine light on how the divine is constantly working. To bring meaning to the matter. To be a beacon of light and love. Fatima Nasiyr, one word: vanguard.  Artist Statement In the beginning, there was only darkness—there was a blackness. And from that blackness sprung forth an atom. That atom realized itself and became. It became and shaped itself into this universe, this world, and into our being. The Return of the Divine Feminine is a collection of photographs that highlights the mystery, the intrigue, the insurmountable strength and power, the abundance, the nurturance, and the everlasting beauty that has sprung forth from that darkness and is encapsulated in nature as well as within Black womanhood. In this collection, Mother Earth and Black women serve as a representation of that Divine Feminine energy. It is this unknowable, receptive energy that absorbs the ills of the world and yet has the power to destroy, transform, and create something new and marvelous from that. This Divine feminine energy, seen as threatening, unholy, a mystery, ugly, and feared for it has been misunderstood, is the only means for creation. For the blackest soil holds the richness nutrients and from darkness births light.  A­lure Photography 19” x 13” 2015 Contact artist for pricing  Guardian Photography 12” x 8.5” 2016 Contact artist for pricing  Return of the Divine Photography 20” x 32” 2016 Contact artist for pricing  Yetunde Olagbaju Yetunde Jaqueline Apeke Olagbaju is a multimedia artist and collaborator, currently residing in Oakland, CA.  With interests in source, spirit, vulnerability, emotion labor and lineage, she utilizes various mediums to illuminate paths of deep emotional kinship, vulnerability, and cosmic mirroring.  

MAMMY, MAMMY 

Photography / Installation 

22" x 36" 

2016  2AM  2AM is an Oakland Based artist focused on creating artwork for social and spiritual change. She believes in showcasing artwork as a call to be conscious of the past, to know thyself, towards the political and personal  manifestations of the present. This work is inspired by that voice to create, from the definitive home of our ancestry, providing therapeutic reparation to the Black Spirit.  In doing such, we present a creative revolution re­writing and re­telling our own truths, taking back the true power of the Goddess within.  Artist statement The Kru is a 3 dimensional installation piece standing as tribute to the Kru women, considered to be the strongest women to fight from being captured as slaves. In paying tribute to our ancestors we re­write history, while reconnecting to the lineage of divinity that lays inside of us.  Tribute to a Kru Goddess Acrylic on Wooden Sculpture 5”x7” 2016 NFS  Lala Openi  Lala Openi is a truth­seeking multidisciplinary mixed­media artist, filmmaker, and designer with a passion for visual storytelling. Openi has spent their career bringing visual representation to the voices of the non­profit organizations, community arts centers, and green businesses they work and build with. Openi’s broad skillset has helped various big name brands and start­up clients fruit their dreams through identity development—creating everything from logos to websites, print collateral to packaging, infographics to sizzle reels.  Openi marries their passion for the people with their multimedia chops through event curation, installations, fine art commissions, film screenings, and residencies throughout The Bay Area both as solo artist and as a part of acclaimed art collectives Veuxdo Child Films, The House of Malico and Them Hellas. Currently Openi is exploring illustration and fine art painting in their work. Openi was born and raised in the San Francisco Oakland Bay Area and has a BFA in New Media and Web Design. Check out Openi’s work and film blog on the interwebs.  Artist statement This animation re­purposes a popular gif circulating the internet, re­contextualizing the anime to represent black wombmyns in the realms of pussy power, energetic power and self­dominion. Also, participation the aforementioned arenas manifesting in both the literal and figurative embodiment of fly. 

 Lala Openi BOW DOWN Digital illustration in motion 2016  Rosalyn Parhams  Rosalyn Parhams is a self­taught craftswoman and a ceramic artist.  She is attuned in the first and second levels of Reiki which is a technique for stress reduction and relaxation by balancing energy fields.  She infuses her art with Reiki to promote peacefulness a sense of well being. Her art is designed with semiprecious stones and other mixed media which have their own energies and metaphysical properties. These stones and other media can assist in meditation or can be used to absorb its positive properties.  Artist statement The art work by Rosalyn Parhams is entitled "Soul Retrieval"   It is believed that when a person is subject to disrespect or abuse, at the hands of another bits of the soul are lost due to the trauma leaving parts of that person's power trapped in past events or with the abuser.  Soul Retrieval is about reclaming those lost pieces.  American Black Women have been put upon and stressed out so much because of the racist and violent 400 year history in this country but also in interpersonal relationships as well.  Soul Retrieval is the process of calling back and recovering those lost bits of the soul and making one whole again through prayer and meditation.   The artwork has crystals, stones, and other mixed media incorporated into it with the intention of the viewer receiving energy from them that would aid in meditation on forgiveness, letting go, releasing, and unconditional love.  The purpose of the art work  "Soul Retrieval" is to help crack open the door of one's heart and look within to begin the repair work.  Viewers are invited to visit with the art more than once because "Soul Retrieval" is about forgiveness which is a process.   Soul Retrieval Ceramics and Mixed Media 24" x 36" 2016 $3000  Lakiba Pittman  Lakiba Pittman is an educator and creative artist. She is the Director for the Office of Diversity at Notre Dame de Namur University, and an Adjunct Professor at Menlo College. Her latest book, “Bread Crumbs From The Soul… Finding Your Way Back Home,” is a showcase featuring her original art, poetry and autobiographical reflections. Lakiba was a featured soloist with John Santos and the Machete Ensemble, and was a founding member and featured dancer and singer with Malonga Casquelourd’s Congolese Music and Dance Ensemble, “Fua Dia Congo.” She was also a featured vocalist with the Sons and Daughters of Lite and has performed at both 

the Stanford Jazz Festival and the San Francisco Jazz Festival. Lakiba is a performing member of the Black Arts Movement Poet’s Choir & Arkestra most recently performing at the 50th Year Celebration of the Black Arts Movement held at Laney College and for the International Conference on the Black Arts Movement and Legacies at the University of California­Merced. Most recently Lakiba was one of 20 global writers included in Emmy­award winning artist, James Gayles book “Reflections.” Lakiba’s poem “A Love Supreme” was featured alongside the painting of John Coltrane. Lakiba holds a B.A. in Creative Arts, an M.A. in Organizational Development and is currently pursuing a Ph.D. in Psychology and Transformative Social Change. She is a recent graduate of the Center for Compassion Altruism & Research Education (CCARE) program at Stanford University and is certified to teach their 8­week Compassion Cultivation Training.  Artist statement Lakiba Pittman’s Ancestral Images series reflects her depth of connection with her spiritual and ancestral roots. During a time when she had an injury to her vocal chords and was unable to sing, she spent hours in meditation and prayer and eventually was internally led in the direction of doodling to pass the time. Fascinated with the contrast of black and white plus a life­long love of African art, design and sculpture, over time her doodles took on a life of their own and began to reveal themselves – first as mandalas and eventually as a combination of mandala, spiritual visions, and African and Indigenous mask likenesses. Lakiba views her art as healing art, spiritual art, living art … an inner calling from her ancestors to call the viewer to step within each piece for their own healing and soul­message.  Ancient One  Pen & ink/Reproduced on Canvas 36x48 2016  Whimsical Light Pen & ink/Reproduced on Canvas 24x36 2016  Indigenous Eye Pen & ink/Reproduced on Canvas 30x40 2016  TaSin Sabir  TaSin Sabir’s artwork can be described as vibrant and full of powerful and emotional messages. Skilled in a range of mediums (including photography, painting, film, web & print design), TaSin uses this love for art making to express topics that are of an importance to her.  

In 2004 TaSin graduated from California College of the Arts, where she received a BFA in Fine Arts Photography.  Born and raised in Oakland California TaSin’s artwork has been exhibited all around the Bay Area and Nation. Such galleries include, The Oakland Museum of California, The African American Historical and Cultural Society Museum, The Richmond Art Center, The Judah Magnes Museum, Pro Arts Gallery, Joyce Gordon Gallery, and the African American Museum in Philadelphia. TaSin has also published two photography books: "100 Families Oakland" and "Madagascar Made".  In 2007 TaSin took her passion for art and love of her community and opened a galley in Oakland called The Oakpod. During its time The Oakpod was a vital source for art and entertainment in the bay area. Since the closure of The Oakpod TaSin has become an independence curator and curated shows for the Joyce Gordon Gallery, Maafa organization and others. Currently TaSin is a freelance photographer and designer specializing in utilizing all her skill sets to create one of a kind projects for her clients. www.tasinsabir.com  Artist statement "It is often said that the first sound we hear in the womb is our mother's heartbeat. Actually, the first sound to vibrate our newly developed hearing apparatus is the pulse of our mother's blood through her veins and arteries. We vibrate to that primordial rhythm even before we have ears to hear. Before we were conceived, we existed in part as an egg in our mother's ovary. All the eggs a woman will ever carry form in her ovaries while she is a four­month­old fetus in the womb of her mother. This means our cellular life as an egg begins in the womb of our grandmother. Each of us spent five months in our grandmother's womb and she in turn formed within the womb of her grandmother. We vibrate to the rhythms of our mother's blood before she herself is born. And this pulse is the thread of blood that runs all the way back through the grandmothers to the first mother. We all share the blood of the first mother ­ we are truly children of one blood."­ Layne Redmond  My Grandmother's Womb 

Photography 

20x30 

2016 

$175 

 Yasmin Sayyed  Yasmin Sayyed was born in NYC of Cape Verdean and Jamaican heritage. She lived in SF for more than 20 years before moving to South Lake Tahoe. Yasmin has been making art for as long as she has had memory. Her earlier representational work later morphed into abstract expressionism as a door to her internal landscape of life experiences.   She graduated from a competitive New York City arts high school and holds undergraduate and 

graduate degrees in Art and Art Therapy and a doctorate in International and Multicultural Education. For dozens of years she used visual and poetic art to teach academics, facilitate art therapy groups and train social service providers working with traumatised populations.  Her art primarily concerns intrapsychic, and cosmologic subject matter. They are mixed media works of acrylics, oil pastels and graphite, the intent of which is to explore and express both the sacred wonders and harsh realities of life and the munificence of living fully present in both. She paints about the awe of nature’s magnificence and the sadness of its neglect, the splendour of tenderness and the ravages of inequities. Her work is generally a dance of sweeping colours and movement, with visual tension and tender pauses.   Yasmin has exhibited in Los Angeles, Santa Monica, Hermosa Beach, Lake Tahoe, New York, San Francisco, Reno, NV, and New York City, and has recently authored a book about painting with the splendour of brushes dipped in Spirit.  Artist statement Yasmin Sayyed’s art evokes a witnessing of beatific and horrific life experiences, and a dancing in the magnificence of infinite possibilities. Her paintings are an exploration of the psyche and notions of self in relationship with those African mother­spirits who whisper in her ear and guide her footsteps.   Her lifelong interest in art and the development of social, spiritual and political consciousness stimulates queries about what might be the condition of the world if artists raised pens and brushes, voices and vibrations in service of healing the insults to sacredness, thus illumining the indivisibilities of life, and the struggles against the depravities of greed and presumed superiorities. The artist believes that art is a language of the heart and that it can heal, lead, save lives, and hold metaphoric mirrors for introspection. Her art transcends the limitations of social constructs and speaks to an inseparable majesty of being a powerful, unapologetic black woman in a land that despises her existence.   In her lens of perception, the uproars and gentle breezes of life can move us towards heightened states of consciousness regarding our willingness to be on both sides of graciousness and atonement, to reconcile injustices, and to be solid with both our wonderments and fragilities. Her work speaks to those places of self­knowledge, elegance, rebellion and character, infused with an inculcated love of Africa irrespective of where her feet are planted.  Complicated Sisters: Homage to the complexities and loveliness of women of African Ancestry Acrylic on canvas 36”x60” 2016 $5000  Peace be Still Acrylic on canvas 

60”x45” 2009 $4000  Honouring Character: In reverence to Iwa rere Acrylic on 400lb. Watercolor paper 30”x22” 2016 $2500  Honouring Sacredness: In reverence to our mother Earth Acrylic on 400lb. Watercolor paper 30”x22” 2016 $2500  On the backs of the Ancestors: May they be pleased to receive us upon our return Acrylic on 400lb. Watercolor paper 30”x22” 2014 $2000  Spirit Dancer Acrylic on 400lb. Watercolor paper 30”x22” 2010 $2000  Karen Seneferu  Karen Seneferu is one of the most thought provoking visual artists of our time. Born and raised in Oakland California, her childhood was fed by revolutionary politics and the Black Panther Party’s free breakfast program. She earned a B.A. in English from the University of California at Berkeley and has dedicated her life to working as an educator and artivist. Self taught in her artistic craft, Senefuru is obsessed with gathering information, imagery and ideas. As a result, her work contains a completeness that belies her brief tenure as a multimedia artist. Using natural and manufactured materials she boldly examines the ancient and contemporary, turning modern objects into artifacts. This Afrifuturistic aesthetic provides a curative intersection between technological and the spiritual. Senefuru’s work is grounded in the philosophy that space has hidden meaning. Therefore,  her work seeks to enter into and transform the meaning of space.   Artist statement The Black Woman is God (TBWIG) celebrates the Black female presence as the highest spiritual form –God, and challenges viewers to do the same. Artists bring history and culture alive by 

refocusing the audience on where humanity really began­­the womb of the African woman. Currently in its third year, “Reprogramming that God Code” is the largest iteration yet, consisting of over 50+ local bay area musical, performing, and visual artists.   No Me 1 Sculpture 13”x11” 2016  No Me 2 Sculpture 13”x11” 2016  No Me 3 Sculpture 8”x3” YEAR  No Me 4 Sculpture 9”x4” YEAR  No Me 5 Sculpture 10”x7” YEAR  Serving Shango Sculpture 36”x13” YEAR  Technokisi 3 Sculpture 93”x7” YEAR  Coat of Arms Assemblage 30”x44” YEAR  They Emerge 

Assemblage 30”x60” YEAR  Branded for Life Assemblage 13”x6” YEAR  Before Time Assemblage 34”x4” YEAR  Eleven by 7 Assemblage 11”x7” YEAR  BrittSense  BrittSense is an independent documentary photographer from East Oakland, CA Her Movement 222ForgottenCities shows the unconditional love & struggle within Broken melanated communities around the world. 

Artist Statement Ever since I was little I have always been someone who can constantly feel the Pain of this earth but most Importantly the LOVE. I tend to feel everything which is why I'm super compassionate when it comes down to my Documentations. One of my missions when Im documenting is to get to the root of the numbness my people feel so they are able to start building better foundations. When observing my documentations I want people to have conversations about different aspects that society tries to cover up. My OVERALL mission is to break the disconnect & separation & bring back the Awareness, building, & Unconditional Love we lack within Melanated communities that have been forgotten,  So that we are all able to Prosper through the struggles we face daily. 

Unconditional love ­ 222atlanta Photography 20” x 30” 2014 $2500  The creator ­ 222brooklyn Photography 20” x 30” 

2015 $3000 

Marnika Shelton  Marnika Shelton is an African­American Artist specializing in figurative sculpture. Her work focuses on political and cultural paradigms facing 21st century Black America. Combing the media, history and cultural consciousness she weaves intensely poetic and poignant narratives.  Artist Statement Focusing on the paradigm of the African­American experience, Marnika Shelton’s work points to the contradictions that now exist as a result of centuries of internal and external oppression. This exhibition The Black Woman is God provides an opportunity to highlight the true Strength, Power and Beauty of the black woman as a pillar of spiritual and creative energy. This work is designed to release the historical stigma of servitude placed on the Black Woman and elevate her to a place of honor. Shelton’s statement on the work ­“Many truths were lost and many stories will never be told; that is the art that I make now and those are the stories I tell.” 

Smile Charcoal drawing 11”x14” 2012 $150 

Bless the Child Charcoal drawing 22”x28” 2005 Courtesy of Keiana Levels 

Black Madonna Cast Glass Roundel 12”x12”x 2” 2008 $10,000 

 Wade in the Water series: The Baptism Mixed media: Glass and Ceramic  7"x12"x2" 2016 $4,000  Gazing Charcoal Drawing 16"x20” 2012 

$150  

Sage Stargate  Sage is a visual artist born and raised in San Francisco, Ca. Through creations of ancestral portals, her work has been a reflection of an unseen reality we all live in. Her work shines on the everlasting spirit of self as a descendant of the African diaspora while growing up in the “Information Age”. Through her art, organic elements resurface lost and stolen myths of the ancients and futurists. She believes artist are provided to assist us in dismantling the disharmonious colonial cosmograms that confine our consciousness. She hopes that her work inspires others to create new realms of their own.  Ancestral Womb Portal  Mural Dimension varies 2016  Nye’ Lyn Tho  Nye’ Lyn Tho was born and raised in Poughkeepsie New York with her 10 awesome siblings. She was taught and critiqued in Philadelphia within the field of Architecture and Multimedia. She currently works and resides in West Oakland with her partner Ahmunet Jessica Jordon.   Nye considers herself a soultographer. She captures the souls of  whatever she shoots and often manipulates them with various tools in order to heighten and or exaggerate the sometimes not so apparent story.  She currently runs her own Photography & Graphic Design business located in American Steel Studios in West Oakland.  Artist Statement “Natural Heir” 

These photographic manipulations are visual puns on the idea of natural hair... hair growing wild like a garden, vibrant, healthy, respected and deeply cared for. “Natural Heir” is about embracing the natural state of our hair, our lineage, and our truth.    Nye' remembers digging huge bloodied black scabs out of her scalp days after getting her hair relaxed as child. There would be blotches of hard dried blood and singed skin above the nape of her neck, over her temples and right in the middle of her crown from where the chemicals sat too long. This was her normal. She vividly recalls believing that her hair and scalp were dead.   She relays reading something as a young adult in regards to viewing birds, plants, and insects to measure the health of an environment. If there weren’t healthy vibrant birds chirping and flying around, bees buzzing and pollinating, and an overall lack of growth then the environment was unhealthy. It was sick. She took this knowledge and infused it into this concept of "Natural Heir". 

 Cash Crop New Media 18” X 24” 2016 

Cact­I New Media 18” X 24” 2016  Queen Heir New Media 18” X 24” 2016  The House of Malico  The House of Malico is a multi medium art production platform re­imagining contemporary culture through the vision and voices of women of color (WOC). As an organization we are facilitating opportunities for WOC to transmute their individual and universal experiences into creative works propelling expressive healing arts to the forefront of arts and culture.  The House of Malico goal is to celebrate women of color creativity. Our productions are therapeutic forms of healing art that provides representation for the undeserved WOC population in media and arts. Our desired impact is to empower, inspire and affirm WOC. Our impact is measured through The House of Malico’s direct engagement with its target communities. Each activity is documented during art exhibitions, public programmings, and various virtual platforms.  Artist Statement “Rites of Passage” is a conceptual piece depicting contemporary archetypes of divinity through various artistic mediums including photography, performance, installation arts, fashion & film.   The project is created for the world to bare witness to this present moment in history, where women of color are transforming by embodying their own ideas, beliefs, & images of god.  A major component of ”Rites of Passage” is the ritual, a collaboration amongst women, that is created within the making. Within this act, each sharer(s) is vulnerable enough to express the inner dialogue of one's identity in relation to self and the divine.   The social engagement of “Rites of Passage” begins with a initial contact between the creator(s) & the sharer(s). There is a series of questions were the share(s) describes their inner­god(dess). 

In the process, some woman identify with knowledge, beliefs systems, personal histories, & bloodline(s). Whereas, others express a pure feeling.   “Rites of Passage” is a House of Malico production that began with Sasha Kelley photographing adornments designed by Danielle Keenan, aka DeLa.  Each adornment piece was personally styled for each sharer within the “Rites of Passage” series. Each image has been created as a portal to a particular experience and/or world. “Rites of Passage” is an evolving social practice piece where the human experience & consumable products are made to explore contemporary forms of initiation.    Together, we are creating a nu visual language to radiate our inner truths.  A practice needed for us all to survive and thrive.  

Rites of Passage Mixed media installation 2016 

Karin Turner­ karinsArt  Karin Turner is a  fine artist painter who's discovered her purpose in life is to emanate & raise the static of JOY and self acceptance through positive african diasporic female & watermelon imagery.  KarinsArt features a semi­autobiographical character “H2oMelon Girl™” who boasts a crown of exotic natural hair, lives in the moment, and is happy with the curvaceous figure she possesses.  The ever present H2omelon  imagery – is both a silent reclamation of the watermelon & an iconic  present day metaphor for Life urging the viewer to participate/own her Life.   "It’s worthless if you just sit it on the shelf, never knowing all it has to offer: nourishment, historical truths, sweetness, as well as the not­so sweet things that happen in Life." Completed works examine the combination of brown skin, watermelon, natural hair, voluptuous figures, and how aesthetically uplifting affectations influence  women.  Turner’s  stylized self portraits  are stark, real, funny, and honest,& transcend race and class. Their messages are universal.  They are purposely glamorized images that boast an idealized femininity in its truest form; buoyant, tolerant, happy, sexual, loving, and joyous self loving. 

Artist Statement The underlying exploration that runs through her work is an examination of how actions are influenced by personal experience  and how those experiences can either enable or inhibit a desired outcome. 

Frequently viewers express almost a  relief to view imagery that grants  permission to feel 

worthy, joyful, stronger, sexual, and, tolerant­(accepting) of what they feel are their 

imperfections.  Notably “what has been deemed as imperfections by a society that historically 

has been afforded the privilege of determining the value of a woman of the African diaspora.   

Publishing her work is also an attempt at raising a positive joyous static through self awareness.   

Turner became aware that as a society, we have achieved an imbalance at highlighting 

negativity  without a relief of optimism . 

 

In her experience  she’s  found that "joy" is often dismissed as a subject deemed unworthy of 

exploration because it's not 'heavy' or salacious enough to be taken seriously.  Believing Joy is a 

simply a  discipline that must be practiced. Turner chooses to publish Joyous imagery as a tool 

of this practice.  “I take my JOY very seriously, yours too.”  

OSMOSIS Acrylic on canvas 48” x 60” 2013 NFS 

Trouble Don’t Last Forever Acrylic on canvas 60” x 72” 2007 $6000  

 Blue Wade 

Blue Wade is a digital media installation artist born and raised in New York. She developed an interest in art very early attending the High school of Art and Design later receiving her BA from University of California at Berkeley with a double major in Art Practice and Interdisciplinary Studies Field. She received her MFA in Digital Media from Rhode Island School of Design. Blue’s first love has been the passionate figure. The love of the figure and object making has led to her interest in construction environments or worlds where her figures belong. Each environment is a combination of virtual and real space often consisting of video, animation, digital sculpture (virtual objects and 3D generated sculptures real space objects) and traditional materials of sculpture. These installations serve as environments that are meant to be experienced. Her art has been exhibited both nationally and internationally.  

Artist Statement My work explores the hybridism of sculpture, influenced by 3D technology. The exploration of digital sculpture led me to investigate object making in virtual space. Once I began to see virtual space as a place to explore non­material based object making I became interested in ways of taking these virtual objects outside of the virtual space and bringing them into real space. In my research I found many ways of doing this using new technologies such as Rapid Prototyping (RP), Computer Numerical Control (CNC) Milling, and Laser Cutting. These new tools allowed 

me to create objects I would not have made before and require an investigation about object making that is unique to a contemporary practice exploring the interaction of particular materials as they relate to the space between the virtual and the real.   Much of my exploration of digital object making has been with Rapid Prototyping a process of creating sculpture in real space through modeling in virtual space with 3D software. Rapid Prototyping is a way to make a 3D print, or a real object from a virtual 3D object. When creating my work I model and then animate figures looking for precise moments that are engaged in a dialogue about present­day human emotions. When creating figures with 3D technology, for the sake of sculpture making, I see the figure as having entered into a dialogue that discuss the contemporary figure. Using these tools addresses both the artist and the viewer understanding of the current state of the body. Making the figure out of computerized technology speaks to our present and future reality of the body composed of natural and computerized components, such as, cloned organs and Rapid Prototyped skins. My work is made from the consciousness of seeing ourselves in the context of current technology’s effect on us.   There are three important philosophical underpinnings to this creative process: first, my relationship to materials and the human form­ I embrace a point of view that sees material and technology as their own inherent contents; second, I have a commitment to an exploration that is not seeking a pre­determined outcome, akin to the ideologies of Minimalism; and last, I am interested in 3D technology and the potential variety of uses for technology in my current and future work. 

 

Fan Lee Warren 

Fan Lee Warren has been challenging viewers with her works on paper, paintings, sculptures and installations for over two decades. She has developed and administered art programs, taught studio art and art history within a multitude of settings from colleges, museums to housing projects in culturally diverse communities. Warren is currently the Chair of Art Department at Laney College in Oakland California where she teaches Drawing Composition, and African American Art History. 

Artist Statement For over twenty years Fan Lee Warren has explored African American history and its effect on contemporary culture.  Her compositions such a “Watching Black Mommas,” queries the reality of looking backwards and being in the present simultaneously.  “Watching Black Mammas,” is a historical layer piece that merges ancient images of the Black Mother as the Creator and Mother of all gods, with images of powerful black women that are often ignored from his­story. Fan Lee’s smaller ink and watercolor drawing entitled “Endangered II” is reminiscent of a previous simulated innocent generation when young girls played together in their neighborhoods with few concerns. The artist then juxtaposes “Endangered II” with “Legacy C­ {Migration}” a larger work on paper.  It’s a contemporary view of similar children yet they are wandering in their environment tragically without knowledge of their cultural history.    

Watching Black Mammas Mixed media on paper 30” x 20” 2016  Endangered II Ink on paper 12” x 8” 2014    Legacy C­ {Migration}    Acrylic & watercolor on a monoprint  22” x 30” 2015 

 

Performers:  Sister Nau–T Agu Sis. Nau~T is a lover of peace, dope emcee, self defense instructor and culture keeper committed to creating safe spaces and community. Juju first and steadfast works for mental liberation and uplift of the nation, this is the journey and the mission.   Zakiya Harris Zakiya Harris is an afroeclectic mix of soul, dance and theater.   Lalin Lalin St Juste is a Haitian­American singer/songwriter, most notably with the electro­soul band The Seshen.  The Seshen has shared stages with Thundercat, Hiatus Kaiyote, Macy Gray, Les Nubians, Tune­Yards, and other artists across the Bay Area.  She also sings with Haitian dance group Rara Tou Limen and with indie rock band St Tropez.  She is inspired by love, truth, and personal stories.  Sistah Kujichagulia Sistah Phavia Kujichagulia is a Djialli Ba (Griot) ­ Oral Historian/Musician who utilizes music and spoken word to reveal history and heal society. A true Renaissance Woman (Warrior Scholar, Cultural Artist, & Author), Sistah Kujichagulia has performed and lectured extensively throughout the continental USA, the Caribbean, and England.  Queens D. Light Queens D. Light is a multi­media creative based out of Oakland, California. She a San Francisco State University MFA Film Major specializing in video and musical compositions. Internationally, QDL is  known as an experimental hip hop artist combining dance, installation and unorthodox beats for audiences. She has been recognized in The Oakland Express, L.A Records and Sf 

Weekly as an artist to watch. As the Co­ founder of The House of Malico, Queens D. Light is involved in several social justice driven art projects surrounding the healing for people of color.   Jasmine Haynes Jasmine "Turfer Girl" Haynes Was Born April 23 1992 In Oakland Ca, Raised in Richmond Ca. From a Young age she always had the passion to entertain. In 2006 she fell in love with the Bay Area's Style of dance Turf Dancing. Turfer Girl is apart of the Bay Area Dance group the Turf Feinz which she joined in 2012. In 2014 She Won the True Beauty: Dreams Come True Female dance tournament 1st place and a Barbie doll in image of her. Jasmine is currently a student at Ex'Pression School for the Digital Arts earning her BA degree.  Osunfemi Wanbi Njeri Osunfemi Wanbi Njeri, a Warrior Woman who sings the praises of Osun!  Frida Precariat Frida Precariat is a local musician originally from NYC who is performing a song called "God Level".  Amara Tabor Smith  Amara Tabor­Smith is a San Francisco native and Oakland resident describes her dance theater work as Afro Futurist conjure art. She is the Artistic Director of Deep Waters Dance Theater (DWDT) and was the co artistic director of Headmistress, an ongoing performing collaboration with movement artist Sherwood Chen. Her work with DWDT and Headmistress has been performed in Brazil, The Republic of the Congo, Judson Church/Movement Research, NYC and many venues throughout the San Francisco/Bay Area and United States. Amara has performed in the works of dance and theater artists such as Ed Mock, Joanna Haigood, Pearl Ubungen, Ronald K. Brown, Faustin Linyekula, Ana Deveare Smith, Marc Bamuthi Joseph, and she is the former Associate Artistic Director and dancer with Urban Bush Women. Residencies and awards include, The Headlands Center for the Arts artist in residence, CHIME Mentorship Exchange grant, CounterPULSE artist in residence, Espaço Xisto in Salvador, Bahia, Green Choreographers exchange at Dance Exchange, DC and most recently finished a three year artist in residency at ODC Theater in SF,CA. She has received grants from The Zellerbach Family Foundation, The Creative Work Fund, The Kenneth Rainin Foundation, The Wallace Alexander Gerbode Foundation, Theatre Bay Area/CA$H, The East Bay Community Foundation and is a 2016 recipient of the Creative Capital Grant.  House/Full is a multi site specific dance theater performance ritual that takes place in Oakland and addresses sex­trafficking, displacement, and the health and well being of black women and girls in Oakland. Rooted in Yoruba ritual, this piece asks the question how can black women have a place to be well and thrive?  Monica Hastings­Smith An Oakland native, Monica Hastings­Smith is a performer and teacher and student of the culture and sounds of African­rooted Carnaval and community celebration.  

 Exhibiting Artists Marissa Arterberry Latisha Baker JaeMe Bereal Lorraine Bonner Edythe Boone Cynthia Brannvall Camille Brown Tracy Brown April Martin Chartrand Toshia Christal Queens D. Light Cheryl Patrice Derricotte Nicole Dixon Erika Dukes Alise Eastgate Anna W. Edwards Dania W. Frink Bre Gipson Renata Gray Melonie Green Melorra Green Shylah Pacheco Hamilton Ewunike Ayobami Hanson Nannette Y. Harris­Jones Idris Hassan Jasmine Haynes Shah Hussein Ayana Ivery Amana Brembry Johnson Virginia “Nia” Jourdan Val Kai Iyabo Kwayana Joan Tarika Lewis Samella Lewis Sita Kali Ma Ajuan Mance Kanika Marshall Shona McDaniels Kathleen McDonald Francis Mead Selamawit Mekonen Bre’yanna Mitchell Fatima Nasiyr 

Aambr Newsome Yetunde Olagbaju Lala Openi Rosalyn Parhams Lakiba Pittman TaSin Sabir Yasmin Sayyed Karen Seneferu BrittSense Marnika Shelton Sage Stargate The House of Malico Nye’ Lyn Tho Karin Turner Blue Wade Fan Lee Warren  Opening Reception Performers Sister Nau­T Agu Ryan Austin Bri Blue Colette Eloi and dancers Zakiya Harris ft. Elephantine Charlene Gumbs Monica Hastings­Smith Kimiko Joy Sistah Kujichagulia Queens D. Light Shawn Nealy­Oparah Osunfemi Wanbi Njeri Coco Pele Frida Precariat Amara Tabor Smith and House/Full Lalin St. Juste Mar Stevens  The Black Woman is God: Reprogramming that God Code Karen Seneferu, Curator Melorra Green, Curator Matt McKinley and McKinley Art Solutions, Lead Installer Carolina Quintanilla, Interim Gallery Creative Partnerships Manager  SOMArts Staff Maria Jenson, Executive Director Jess Young, Interim Executive Director 

Alex Lukas, Director of Facilities & Technical Operations Matt McKinley, Interim Gallery Exhibitions Designer & Technical Coordinator Carolina Quintanilla, Interim Gallery Creative Partnerships Manager Sarah Pritchard, Director of Communications Evan Karp, Events Coordinator René Yañez, Co­Curator, Dia de los Muertos; Special Projects Rio Yañez, Co­Curator, Dia de los Muertos La Vette Virden, Bookkeeper Debra Bok, Fiscal Sponsorship & Administrative Office Manager Devon Nandagiri, Events Rentals Coordinator Katie Gilmartin, Print Studio Manager Robert Ige, Maintenance Coordinator Zach Slater, Director of Neighborhood Arts Services Building Managers & Technicians: Cathie Anderson, Katie Gilmartin, Colin Johnson, Dion Reiner­Guzman, Ronnie Heaven, Alex Turner, Michael Wood, Rene Yañez, Rio Yañez, Neighborhood Arts Services Crew: Damond MacFarland, Jose Salazar  SOMArts Board Brian Freeman, President Iris Fluellen, Vice President & Secretary Peter Sizgoric, Treasurer Jacob Foster Nick Gomez Rhodessa Jones Dorothy Santos Sherry Suisman  ACKNOWLEDGMENTS SOMArts’ exhibition programs are generously supported by the San Francisco Arts Commission and The San Francisco Foundation, and are sponsored in part by a grant from Grants for the Arts. For more information about upcoming events, space rentals and technical services, visit www.somarts.org or call 415­863­1414.  www.somarts.org