revista nº4 much cine marzo de 2015
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En este número compartimos las críticas de las películas más destacadas así como la lista completa de ganadores de los OscarTRANSCRIPT
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CRÍTICAS
DE
CINE
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‘JOHN WICK’
La venganza es mía
Por: Gerardo Medina Pérez
El Paul Kersey que clamaba venganza en “El justiciero de la
ciudad” por la muerte y violación de su esposa ya existía antes de
que este John Wick decidiera ajustar cuentas con los
responsables de la muerte de su perro. Y Jack Carter, Max
Rockatansky, Mason Storm … Todos estos personajes han venido
a coronar un subgénero que lleva bastante tiempo en el mundillo
del mercado doméstico, aunque recientemente propuestas como
“Venganza” o “The Equalizer” han rememorado el brillo de
aquellos días, cuando los justicieros tomaban la ciudad y
demostraban que la venganza es un plato que se sirve bien frío.
Así que esta cinta de acción en apariencia modesta no viene para
inventar nada nuevo, pero sí que se preocupa de servirlo de una
manera distinta. “John Wick” recicla la idea del justiciero en una
cinta de acción directa, violenta y visceral que consigue hacer
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suyos los códigos del género y modularlos en torno a una cantidad
de gadgets de guión de lo más originales. Sí, su guión cojea en
más de un tramo –algunas motivaciones de sus personajes no
están del todo explicadas, y el mismo leit motiv de la vendetta
puede resultar difícil de creer-, pero lo compensa con el
grafismo escénico del mundo del cómic. Porque en cada plano, en
la confección del peculiar y atractivo universo criminal en el que
nos va sumergiendo, repleto de hoteles para asesinos con su
propio código de etiqueta o empresas de limpieza de cadáveres,
en la misma caracterización de sus personajes y su concepción de
la acción, esta película desprende un aroma a cómic que
sorprende precisamente porque no está basada en ninguna novela
gráfica.
Estamos ante una de las propuestas de acción más vibrantes y
originales de los últimos tiempos, repleta de ingenio en el libreto
de Derek Kolkstad y buen hacer tras la cámara por parte del
debutante y doble de acción de su estrella protagonista en más
de un film, Chad Stahelski, que, además, supone la resurrección
de un icono del género como Keanu Reeves, totalmente cómodo en
su rol de hombre del saco de la mafia, de vengador implacable y
prácticamente indestructible. Un vehículo para su lucimiento
personal que el intérprete usa y explota como tal con
sobresalientes resultados.
Pura orgía de disparos, sangre, peleas acrobáticas y sentido del
ritmo, “John Wick” ofrece cien minutos de entretenimiento sin
fisuras en lo que a divertir al respetable se refiere, tanto que
compensa la debilidad de su guión y un tramo final más
convencional que el conjunto que deja abiertas las puertas a la
casi inevitable secuela. Pero la verdad, si ésta consigue el mismo
nivel que la que nos ocupa, como si hacen una veintena. Tenemos
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nuevo director y guionista en el panorama cinematográfico a los
que seguir muy de cerca si siguen esta línea. Vivimos la vuelta de
un actor al que, pese a sus baches, siempre hemos echado de
menos. Y hay un nuevo vengador en la ciudad al que respetar y
temer.
NOTA: 7 sobre 10
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‘EL LIBRO DE LA VIDA’
¡Qué viva México!
Por: Gerardo Medina Pérez
“El libro de la vida” comienza con unos niños norteamericanos que
acuden con pocas ganas a un museo, donde una azafata les recibe
para enseñarles la sala dedicada a México. Allí la azafata les
contará la disputa por el amor de una bella joven entre un joven
torero que aspira a ser cantante y un héroe local cuyas medallas
dan buena prueba de su valentía, mientras La Muerte y Xibalba
se apuestan entre sí sus respectivos reinos, la Tierra de los
Recordados y la Tierra de los Olvidados, en función de quien
consiga casarse con la chica.
Con esta breve sinopsis, que prácticamente se nos desvela
durante los diez primeros minutos de la cinta, el debutante
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Jorge R. Gutiérrez viene a resumir a su vez el espíritu del que
supone su puesta de largo en la animación. Su debut no pretende
más que acercar la cultura y folclore mexicanos del sur al norte
en particular, y en ese sentido se convierte en un escaparate que
consigue estrechar lazos entre culturas tan cercanas
geográficamente, pero alejadas en su idiosincrasia.
Su propuesta acierta no sólo en contarnos las tradiciones de todo
un pueblo y todo lo relativo a una celebración como el Día de los
Muertos, sino que a la vez da en el clavo al reírse de todos los
tópicos de los gringos hacia los mexicanos, así como al poner en
tela de juicio, que no condenándolas, algunas de las
características fundamentales de algunos de estos acervos, como
la tauromaquia. Sin embargo, comete el gran error de confundir
el acercar la cultura a Estados Unidos con americanizarla,
utilizando gags más propios de una propuesta que pretende
abrirse un hueco entre audiencias más amplias y se olvida de que
es más importante contentar a unas más modestas. Una
americanización que también se evidencia en su propia banda
sonora, donde encontramos versiones de éxitos del rock en
anglosajón de Elvis Presley o Radiohead al más puro estilo pop,
algunas cantadas por sus propios personajes.
Lo que acusa esta película es pura falta de identidad personal.
Podía funcionar perfectamente gracias a su trama, sus
personajes y la lección que da sobre el peso del legado, de crear
nuestra propia historia y no vivir siempre a la sombra de nuestro
apellido, sin necesidad de todos esos intentos de empaquetarla y
venderla a un público adicto a los productos basura. Y es algo
curioso considerando que su productor es Guillermo del Toro, un
cineasta que ha sabido confeccionar un cine fronterizo,
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encontrando el perfecto equilibrio en su filmografía entre sus
raíces culturales y el cine mainstream.
Sin embargo, la propuesta de Gutiérrez compensa este grave
defecto con una puesta en escena espectacular, un sentido del
ritmo que la hace tremendamente entretenida y una animación de
primer nivel. La historia protagonizada por estos muñecos de
madera animados digitalmente divertirá a espectadores de todas
las edades, pero es menos abanderada de la cultura mexicana de
lo que ella misma cree ser.
NOTA: 6 sobre 10
10
‘BOB ESPONJA: UN HÉROE FUERA DEL
AGUA’
Otra vuelta de tuerca
Por: Gerardo Medina Pérez
El comienzo y el desenlace de esta segunda aventura
cinematográfica del personaje creado por Stephen Hillenburg
vienen a funcionar como nexo de unión de lo que fuera el
comienzo de la serie animada de Nickelodeon. “Bob Esponja: Un
héroe fuera del agua” se convierte en algo así como un episodio
piloto de larga duración de la serie original, un regreso a los
orígenes de la carismática y tontorrona esponja amarilla ataviada
con pantalones cuadrados.
No es la única vuelta de tuerca que atesora esta propuesta para
toda la familia. Porque un personaje como Bob Esponja necesita
no acomodarse en su asiento y el éxito fácil, y la película se
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preocupa por contener momentos de auténtico ingenio. Y el más
importante de todos ellos es que cambia constantemente de
géneros, estilos narrativos, técnicas de animación e incluso
sector de la audiencia en sus ajustados noventa minutos.
Coquetea sin vergüenza con la ciencia-ficción de viajes en el
tiempo y universos apocalípticos –soberbias las referencias a
filmes tan dispares y poco infantiles como “Mad Max”, “El
resplandor” o “2001”- y los sueños de golosina, a la vez que pasa
en un abrir y cerrar de ojos del cartoon de Tex Avery a la
animación 3D mezclada con la imagen real, pasando por el cine de
superhéroes y el uso de marionetas.
Pero si bien se muestra subversiva en lo que a narrativa se
refiere, ya su guión e historia son otro cantar. La acidez y el
surrealismo del que hace gala la serie están presentes aquí en
ocasiones puntuales. Es como si el conjunto se hubiese dejado
contagiar por esa ingenuidad impostada que desprenden Bob,
Patricio y los demás habitantes de Fondo de Biquini, por ese aura
infantil que desprende el convenientemente sobreactuado pirata
que interpreta Antonio Banderas. En eso está a años luz de la
anterior película del personaje, mucho más anárquica en su
libreto que la que nos ocupa, que parece más preocupada por
satisfacer al público más familiar antes que mantenerse fiel al
espíritu de su referente catódico. Posiblemente, la razón esté en
el cambio de guionistas y de director, y sobre todo, en la menor
implicación del creador en el proyecto.
Y con todo, lo que da “Bob Esponja: Un héroe fuera del agua” es
puro entretenimiento sin miramientos, sin tomarse nada en serio
a sí misma y sin preocuparse por ser algo más que un pasatiempo
lúdico. Eso sí, desde aquí es conveniente lanzar un mensaje de
advertencia: no se dejen llevar por su tráiler y su póster, y en
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general por ese salto al 3D que ha centrado toda su campaña de
promoción. Porque empieza tarde y dura poco, y puede
decepcionar a todo aquel que acuda a buscar precisamente lo que
le han vendido. Pero sobre todo porque no es sino otra vuelta de
tuerca más, y no la más importante.
NOTA: 6.5 sobre 10
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‘LA SEÑAL’
Más allá del límite
Por: Gerardo Medina Pérez
Tres amigos viajan a California cuando reciben una señal de un
hacker que ha conseguido meterse en los servidores del MIT. Por
el camino deciden desviarse de su ruta e investigar el origen de
la transmisión, que les lleva a un caserón abandonado en medio
del desierto de Nevada. En la casa parece que nos encontramos
ante una cinta de terror más, hasta que… No conviene desvelar
mucho más del argumento de “La señal”, una modesta propuesta
de género tan difícil de clasificar como de recomendar, que
podrá sorprender a muchos pero decepcionar a otros en función
del nivel de credulidad del espectador.
La segunda película de William Eubank, ya a simple vista, nos deja
claro que a este señor más vale seguirle la pista. El realizador
maneja muy bien los pocos recursos cinematográficos que tiene a
su alcance y hace de las carencias una virtud. Buena fotografía,
solventes efectos especiales, interpretaciones decentes -
especialmente Laurence Fishburne y Olivia Cooke, y atención a la
siempre agradecida aparición de Lin Shaye-, un excelente manejo
de la cámara en las escenas de acción, y una habilidad
sobresaliente para crear atmósferas enrarecidas e intrigantes.
Es decir, una factura técnica y artística de primer nivel para un
film que no ha contado precisamente con medios demasiado
generosos.
Y, además, muestra una buena mano a la hora de manejar los
distintos géneros que transita. De la película de terror found
footage que apunta que serán sus primeros 25 minutos pasamos a
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la ciencia-ficción pura y dura, en una cinta que tiene
reminiscencias de “Cube”, “La amenaza de Andrómeda” o incluso
“District 9”, y que sabe perfectamente mantener el suspense
durante la primera mitad de su relato. Es elogiable cómo Eubank
va caminando poco a poco, sin vergüenza y con paso firme, hacia
lo desconocido, y cómo su película va recordando cada vez más a
un episodio alargado de la televisiva “Más allá del límite”.
Sin embargo, pese a su incuestionable potencia visual, lo que sí
demuestra “La señal” es que está más preocupada por el
envoltorio que por ofrecer un contenido mínimamente coherente.
Y es aquí donde entra en juego la credulidad del público. Porque
habrá quien finalmente se deje engañar por todos sus chispazos
de ingenio, que los tiene y en abundancia, pero para los demás
superará en más de una ocasión el límite de la inverosimilitud.
Para ellos, todo lo que ocurra tras sus primeros cincuenta
minutos de metraje será una sucesión de un “WTF” tras otro,
jugando al más difícil todavía y a sorprender al respetable. Hasta
llegar a un clímax que supone la cúspide de esa incredulidad y se
torna en decepción por culpa de una explicación final que o bien
puedes ver venir hacia mitad de película o bien no acaba de
cerrar todos los cabos sueltos de un guión no del todo bien
hilvanado ni preocupado por sus personajes. Pero, a pesar de
todo, no dejamos de estar ante una propuesta interesante y
entretenida, y ante un cineasta que podría dar una obra mayor
con unos pocos centavos más y un libreto mejor pulido entre sus
manos.
NOTA: 5.5 sobre 10
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‘JUPITER ASCENDING’
El negocio de los Wachowski
Por: Gerardo Medina Pérez
En un momento de su última película, los Wachowski ponen en
boca del villano lo que significa el negocio del cine, una inmensa
maquinaria de hacer dinero cueste lo que cueste, aprovechándose
de quien se cruce por su camino. No es casualidad que estos dos
hermanos condenados por parte de los espectadores y de los
productores a repetir el éxito de su ambiciosa epopeya matricial
carguen de esta manera sutil contra la industria del
entretenimiento, pues tan pronto estuvieron en lo más alto como
tocaron fondo en sucesivos trabajos.
Pero por mucho que arremetan contra la misma industria que les
da de comer en forma de superficial discurso capitalista, lo
cierto es que la culpa de que no hayan vuelto a levantar cabeza es
suya y solamente suya. Porque es sólo culpa de ellos no haber
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sabido aprovechar los generosos 170 millones de dólares que
Warner, que mima más la autoridad de sus cineastas antes que el
mero hecho de amasar millones, para narrar algo mínimamente
interesante y entretenido.
Lo único que puede salvarse de esta “El destino de Júpiter” es su
factura técnica. Efectos especiales de infarto, un gran trabajo
de maquillaje, vestuario, un excelente sonido, una solvente banda
sonora a cargo de Michael Giacchino… Su abultado presupuesto
se nota en cada detalle de la producción, y lo que los hermanos
obtienen es un espectáculo de pirotecnia visual para ver con la
boca abierta y en pantalla grande. Pero entre tanta escena de
acción frenética pero reiterativa, conflicto fraternal no
resuelto, bienvenido cameo sorpresa montypythoniano y boda
bizarra, “El destino de Júpiter” se ve frustrada por un guión que
ya acusa importantes agujeros desde su presentación, al minuto
de arrancar la proyección.
Personajes pésimamente dibujados, situaciones que deberían ser
graciosas pero resultan vergonzosas, y una sensación general de
no creerte nada de lo que te están contando. Los actores hacen
un esfuerzo y un acto de fe por creerse la trama, pero es la más
floja de la función, Mila Kunis, la que viene a sintetizar la
sensación del público con su “No me j****”constante.
Y, encima, los Wachowski intentan vendernos de nuevo la historia
que les hiciera famosos hace casi 15 años. Es decir, la del elegido
que debe salvar a la Humanidad de ser cosechada por una raza
superior que incluso puede alterar nuestra percepción de la
realidad a su antojo. Esta vez sin chispa, sin una mezcla de
géneros y estilos coherente y que funcione –aquí también está
“Dark City” como una de sus referencias, mezclada con otras del
género como “Dune”-. Uno se pregunta si aquella alegría que
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supuso “El Atlas de las Nubes” no fue en realidad fruto de la
presencia de Tom Tykwer, y si estos dos hermanos no tuvieron ya
su momento de gloria y realmente carecen de verdadero talento.
Lo peor de todo esto es que, en su idea de negocio, los que
salimos perdiendo somos los espectadores que pagamos por ver
este monumental bodrio aburrido e insustancial bañado de
atractivos fuegos artificiales.
NOTA: 3 sobre 10
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‘AMERICAN SNIPER’
El gran héroe americano
Por: Gerardo Medina Pérez
Hay tres tipos de personas en este mundo. Algunos no quieren
creer que el mal existe en este mundo y, cuando llama a su
puerta, no saben defenderse a sí mismos. Son las ovejas. Luego
están los predadores que hacen presa del débil, los lobos. Y por
último existe un tipo de personas que viven para enfrentarse al
lobo y proteger a las ovejas. Son los perros pastores. De esta
manera tan simplista resumía el padre de Chris Kyle, el
francotirador más letal de la historia militar estadounidense, a la
raza humana. Este pensamiento caló tan hondo en el personaje a
quien se dedica la última película de Clint Eastwood, que el propio
Kyle –correcto Bradley Cooper, sin más- llegaba a categorizar a
quienes le rodeaban de una manera aún más simplista. Lo
incomprensible para él era quedarse en casa viendo cómo las
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Torres Gemelas caían el 11-S. Si no luchas por tu país, eres un
cobarde.
En “American Sniper”, Eastwood se deja llevar por ese espíritu
simplista y sirve una cinta manipuladora y extremadamente
patriótica que solamente muestra una de las dos caras de la
contienda. Aquí hay unos buenos perfectamente definidos, los
americanos, y unos malos malísimos, el Estado Islámico, y cada
fotograma desprende un hedor a propaganda. Es un film
tremendamente localista. Sólo con la moral patriotera yanqui
podría valorarse y comprenderse una propuesta como ésta.
Por el camino, además de romantizar la figura del francotirador,
de un cowboy que se ve afectado por disparar a un niño en la
cabeza pero que siempre rendirá cuentas ante Dios por cada vida
que ha quitado con orgullo, porque lo ha hecho por su nación,
asistimos a todo un manual de tópicos imprescindibles del género
bélico. Desde la violencia engendrando violencia hasta la adicción
que produce la guerra, algo que Kathryn Bigelow ya retratase con
mucha mayor objetividad y frialdad en la muy superior “En tierra
hostil”.
Sin embargo, lo peor de “American Sniper” es que tras la cámara
se encuentra un clásico del celuloide como Eastwood. Un maestro
que se atrevió a cuestionar el patriotismo yanqui a través de una
fotografía mítica en “Banderas de nuestros padres” para luego
poner la otra mejilla, la del bando japonés, en la soberbia “Cartas
desde Iwo Jima”, tratando a ambos bandos como iguales. Aquí no
tenemos eso, ni siquiera se reconoce al realizador de obras
míticas como “Sin Perdón” o “Mystic River” salvo por un ritmo tan
pausado que puede llegar a aburrir. Lo que sí tenemos es un
trabajo de encargo obra de un cineasta que ha venido a glorificar
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la figura del gran héroe americano desde la más absoluta
cobardía.
NOTA: 3 sobre 10
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‘FUERZA MAYOR’
Gran bola de nieve
Por: Gerardo Medina Pérez
Una idílica estancia de cinco días en los Alpes. Tomas, Ebba y su
familia están disfrutando de la comida cuando de repente una
avalancha se acerca a lo lejos hacia el restaurante. Al principio,
Tomas tranquiliza a los suyos advirtiendo que el alud está
controlado. Pero pronto el peligro se acerca más y más y la
situación escapa a su control. En una situación así, ¿cómo actuaría
cada uno de nosotros? ¿Pondríamos a salvo a nuestros seres
queridos antes que a nosotros mismos, o predominaría el instinto
de supervivencia?
En su nuevo trabajo tras la laureada “Play”, el sueco Ruben
Östlund propone un drama familiar con tintes de comedia, o si lo
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prefieren una comedia tan ácida sacada de un contexto tan
dramático que es imposible no esbozar una sonrisa incómoda, en
torno a un acto de cobardía que irá creciendo en el seno de la
familia protagonista y de los que los rodean como si de una gran
bola de nieve se tratase.
El realizador consigue así una serie de sublecturas de lo más
interesantes. Por un lado, estamos evidentemente ante una
gigantesca avalancha emocional dispuesta a dinamitar desde
dentro la estabilidad conyugal y familiar, una mastodóntica
terapia de pareja servida con un malicioso guión y arropada por
un excelente reparto de actores, que acercan a la cinta al cine de
Thomas Vinterberg. Pero también es la historia del fracaso del
hombre como macho protector de su manada, la vergüenza de
quien ha sacado a relucir su verdadero rostro y debe ser juzgado
por ello. Y entre otros muchos frentes abiertos, también
tenemos el reflejo de ese patetismo tan buñueliano al que puede
verse rebajada la clase acomodada ante una crisis.
Östlund consigue así un relato repleto de múltiples capas de
nieve a punto de resquebrajarse, donde el narcicismo, el egoísmo
y la independencia individual frente a la vida familiar se dan la
mano. Y además logra algo que Vinterberg e incluso Michael
Haneke manejan muy bien, ese efecto de distanciamiento por el
cual podemos analizar de manera imparcial los actos de sus
personajes sin identificarnos del todo emocionalmente con ellos,
amén de compartir con ellos también los altibajos de ritmo y el
no ir al grano en muchos momentos. Logra este distanciamiento, a
pesar de la tensión que rodea a sus protagonistas, arrancando la
risa del espectador que mira desde fuera una situación llevada
hasta el extremo del absurdo. A ninguno de nosotros nos gustaría
vernos sepultados por esta colosal bola de nieve. Pero qué
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divertido y retorcido es convertirse en juez y verdugo desde la
lejanía.
NOTA: 7 sobre 10
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‘FOXCATCHER’
Por: Ferran Larraz Albalat
¿Qué es lo más espeluznante de Foxcatcher? Que lo que nos
cuenta, ocurrió realmente. Y es que la nueva película de Bennett
Miller, director de “Moneyball” y “Capote”, nos transmite un
mensaje muy claro y a la vez aterrador: “No te fíes de los que
tienes a tu alrededor”. La nueva película de Miller es un thriller
muy bien ordenado y con algunas partes que te pondrán la piel de
gallina.
Lo mejor de la cinta es que toda ella recae en sus personajes, en
los actores. La película tiene un reparto casi estelar, empezando
por Ruffalo, un actor que nos ha demostrado de los que es capaz,
y eso le proporcionado su segunda nominación al Oscar a lo largo
de su carrera, nos ha demostrado que no solo es Hulk, y en
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Foxcatcher nos revela su otra cara. Algo parecido le ha pasado
también a Carell y a Tatum, dos actores que dan un gran salto de
la comedia al drama con esta película. Sobre todo Carell, un actor
que ya dábamos como “acabado”, pero que ha demostrado hacer
un papel excelente, y eso se ha notado al estar nominado (al igual
que Ruffalo) al Oscar este mismo año.
Otro nominado este año es el director, Bennett Miller, que ha
conseguido su segunda nominación, después de que en la primera
por “Capote” perdiera frente Ang Lee. Y es que Foxcatcher ha
conseguido 5 nominaciones en total, y vuelve a demostrar el
cariño de parte de la academia hacia Miller y su equipo.
La película hace muy bien su función, explicarnos la terrible
historia entre deportistas que empezó siendo mágica y acabo
siendo una verdadera pesadilla.
Miller nos cuenta muy bien la historia, con algunos momentos
tensos y otros un poco lentos. Podríamos decir que la película en
sí es aburrida, porque nos está contando la misma historia de
formas diferentes, pero lo bueno es que todas esas historias nos
llevan a un final increíble que caracteriza a la película por sí sola,
y pasamos de aburrida a emocionante.
Encima, si pensamos que la historia que estamos presenciando
fue real, nos produce más curiosidad y a la vez más terror.
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Sin duda Foxcatcher es una de las películas del año, pero no deja
de ser un thriller lento y sin nada que contar.
Lo mejor: Las interpretaciones y la dirección
Lo peor: Es lenta, y a veces un poco aburrida.
NOTA: 6 sobre 10
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‘KINGSMAN: SERVICIO SECRETO’
“My fair Lady” con espías.
Por: Laura Magaña Martínez
Título original: Kingsman. The Secret Service
Año: 2015
Duración: 129 min.
País: Reino Unido
Director: Matthew Vaughn
Guión: Matthew Vaughn, Jane Goldman (Cómic: Mark Millar, Dave
Gibbons)
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Música: Henry Jackman, Matthew Margeson
Fotografía: George Richmond
Reparto: Colin Firth, Taron Egerton, Samuel L. Jackson, Mark
Hamill, Mark Strong, Michael Caine.
Productora: Twentieth Century Fox Film Corporation / Marv
Films / TSG Entertainment
Género: Acción, humor.
Kingsman: Servicio secreto cuenta la historia de Eggsy (Taron
Egerton), un delincuente juvenil que se mueve por los barrios
bajos de Londres y que pronto verá que su vida da un giro de 180
grados gracias a la ayuda de Harry Hart (Colin Firth) un
misterioso hombre que le abre las puertas a un nuevo oficio. De
delincuente pasa a entrenarse para entrar en Kingsman, una
agencia de espías. A su vez el malvado Valantine (Samuel
L.Jackson) intentará diezmar la raza humana. Basado en el cómic
The Secret Service, creado por Dave Gibbons y Mark Millar.
Tras el parón de X-Men: Primera Generación, y tras haber
rechazado proyectos como Días del futuro pasado, o Kick-Ass 2,
Matthew Vaughn vuelve a la carga con Kingsman: Servicio
secreto, una cinta que mezcla humor negro, acción y elegancia a
partes iguales.
“Las películas de hoy en día sobre espías son demasiado serias”,
si tu también piensas como Valantine, el personaje de Samuel L.
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Jackson, esta sin duda es tu película. Ya sea con Alex Rider,
Superagente Cody Banks o incluso Spy Kids, el mundo del cine ha
intentado extrapolar la fórmula de James Bond a unos agentes
más jóvenes y modernos, con resultados claramente nefastos.
¿Qué es lo que salva a Kingsman? Sin duda el tono de la película,
pensado en adultos y no en adolescentes. Donde antes los
gadgets y las situaciones caían en el ridículo, Matthew Vaughn
construye un mundo en el que te crees que exista un paraguas
aprueba de balas, o un millonario filántropo que vaya regalando
tarjetas SIM al todo el mundo.
Otro de los atractivos de la cinta es sin duda el papel de Colin
Firth en un rol más gamberro. Choca ver al galán británico
repartiendo a diestro y siniestro, ¡pero siempre con educación!
Poco a poco su personaje se vuelve más divertido cuando
comparte minutos en pantalla con el joven Taron Egerton, que se
desenvuelve perfectamente en su primer largometraje. Samuel
L.Jackson hace de millonario malvado, y aunque cumple su
cometido de filántropo excéntrico, no puedes dejar de pensar
que es una versión adulta de Bruma Roja (Red Mist/The
Motherfucker) otro villa anteriormente creado por el tándem
Vaughn/Miller para la película Kick-Ass. Mark Strong y Michael
Caine completan a los agentes Kingsman más destacados, y Mark
Hamill hace un cameo regresando a la gran pantalla antes de
poder verlo de nuevo en la piel de Luke Skywalker.
Recomendada si te gustó Kick-Ass, quieres echarte unas risas y
no te asustas al ver un poco de sangre, avisados estáis, el
director no se corta ni un pelo a la hora de mostrar escenas
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violentas. Obligatoria para los amantes de Matthew Vaughn y ese
estilo tan personal de fusionar cine y cómic que ha construido y
mejorado con esta película. No es un producto original, pero si
uno fresco que no aburre. Llamamiento especial a Matthew
Vaughn y Mark Millar, por favor, ¡sigan trabajando juntos!
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‘BLACKHAT: AMENAZA EN LA RED’
Por: Sirius Maxen
Si os hablo de Michael Mann, a muchos os vendrán a la cabeza
algunos títulos como "Heat" o "Collateral", ambas obras más que
decentes en lo que respecta al cine criminal. A los que no,
pensaréis en "El Último Mohicano" (con Daniel Day-Lewis) o "Ali"
(con Will Smith). El caso es que estamos hablando de un director
consagrado, que ha demostrado, a lo largo de los años, que sabe
lo que se hace. Lo que convierte el fracaso infumable que es
"Blackhat" en un trago mucho más amargo. Vayamos por partes.
La película comienza con un ataque informático de consecuencias
catastróficas sobre una central nuclear de Hong Kong,. Las
autoridades chinas, en colaboración con las estadounidenses,
comienzan una investigación para atrapar al culpable y descubrir
sus motivos. Para ello, reclutan a un hacker experto
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(interpretado por Chris Hemsworth) que cumple sentencia por
varios delitos relaciondos también con la informática. Para el
final de la película, sabremos quién ha orquestrado éstos ataques
y sus motivos. Lo que no quiere decir que estemos más
satisfechos de lo que estábamos al entrar en la sala de cine.
Como hemos dicho antes, sabemos que Mann sabe crear
personajes tridimensionales, y moverlos en una historia creíble.
La carga dramática de Blackhat, sin embargo, es nula. Los
personajes son contenedores vacíos, sin llegar a estar nunca
desarrollados del todo, y avanzan en un thriller que no nos llega a
intrigar nunca. En una escena de la película, un personaje le habla
a otro de la relación de éste con la hermana del primero. Le
asegura que está contento, ya que nunca ha visto a su hermana
tan feliz. Mi pregunta (y la de la mayoría de espactadores) es:
¿cómo lo sabe? Nadie muestra sus sentimientos ni sus
pensamientos, cómo unos robots programados para representar
una escena, sin ningún tipo de emoción.
Hay, sin embargo, pequeños aspectos positivos que pueden llegar
a ser incluso disfrutables. El director es conocido por su énfasis
en las escenas de acción. Siempre se asegura que sus actores, en
el caso de que tengan que llegar a empuñar algún tipo de arma,
pasen por un entrenamiento exhaustivo en el que aprendan a
utilizarlas de forma realista.
Es conocida la buena recepción que tienen sus películas entre
personal policiaco y militar. Los tiroteos de ésta película (si bien
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breves) son los pocos momentos en los que nos encontramos
inmersos en la acción. Del mismo modo, se ha prestado una
especial atención para representar de una forma realista el
mundo informático. Es ua auténtica lástima que no podamos decir
lo mismo del guión y la dirección de actores.
En resumen, se trata de una película excesivamente larga,
insulsa, y nada memorable. Tiene unos diálogos vacíos, unos
actores que se limitan a leer sus frases y no aporta nada al
género.
Nos gusta:
Las muy cuidadas escenas de acción.
No nos gusta:
El guión, y la dirección en general.
2/10
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GANADORES
OSCAR
2015
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(Ganadores destacados en negrita)
MEJOR PELÍCULA:
- El Francotirador
- Birdman
- Boyhood
- El gran hotel Budapest
- The imitation game
- Selma
- Whiplash
- La teoría del todo
DIRECTOR
- Birdman: Alejandro González Iñárritu
- Boyhood: Richard Linklater
- Foxcatcher: Benett Miller
- El gran hotel Budapest: Wes Anderson
- The Imitation Game: Morten Tyldum
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ACTRIZ
- Dos días, una noche: Marion Cotillard
- La teoría del todo: Felicity Jones
- Siempre Alice: Julianne Moore
- Perdida: Rosamund Pike
- Alma Salvaje: Reese Witherspoon
ACTOR
- Foxcatcher: Steve Carrell
- El francotirador: Bradley Cooper
- The Imitation Game: Benedict Cumberbatch
- Birdman: Michael Keaton
- La teoría del todo: Eddie Redmayne
ACTRIZ DE REPARTO
- Boyhood: Patricia Arquette
- Alma Salvaje: Laura Dern
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- The imitation game: Keira Knightley
- Birdman: Emma Stone
- Into the Woods: Meryl Streep
ACTOR DE REPARTO
- El juez: Robert Duvall
- Boyhood: Ethan Hawke
- Birdman: Edward Norton
- Foxcatcher: Mark Ruffalo
- Whiplash: J.K. Simmons
HABLA NO INGLESA
- Relatos Salvajes (Argentina) de Damián Szifrón
- Leviatán’(Rusia) de Andrey Zvyagintsev
- Ida (Polonia) de Pawel Pawlikowski
- Timbuktu (Mauritania) de Abderrahmane Sissako
- Tangerines (Estonia) de Zaza Urishadze
38
GUION ORIGINAL
- Boyhood
- Birdman
- Foxcatcher
- El gran hotel Budapest
- Nightgrawler
GUION ADAPTADO
- El francotirador
- The Imitation Game
- Puro vicio
- La teoría del todo
- Whiplash
MONTAJE
- El francotirador
- Boyhood
- El gran hotel Budapest
39
- The Imitation Game
- Whiplash
FOTOGRAFÍA
- Birdman
- El gran hotel Budapest
- Ida
- Mr. Turner
- Invencible
BANDA SONORA
- The imitation Game
- El gran hotel Budapest
- Interestellar
- La teoría del todo
- Mr. Turner
40
CANCIÓN
- “Everything is awesome” de ‘La LEGO película’
- “Lost Stars” de ‘Begin Again’
- “Glory” de ‘Selma’
- “Grategful” de ‘Beyond the Lights’
- “I’m not gonna miss you” de ‘Glen Campbell: I’ll Be Me’
DIRECCIÓN DE ARTE
- The imitation game
- Interstellar
- Into the Woods
- El gran hotel Budapest
- Mr. Turner
VESTUARIO
- Into the Woods
- El gran hotel Budapest
- Maléfica
41
- Mr. Turner
- Puro vicio
MAQUILLAJE
- Foxcatcher
- El gran hotel Budapest
- Guardianes de la galaxia
EDICION DE SONIDO (EFECTOS SONOROS)
- El francotirador
- Birdman
- El Hobbit
- Interestellar
- Invencible
MEZCLA DE SONIDO (SONIDO)
- El francotirador
- Birdman
42
- Interstellar
- Invencible
- Whiplash
EFECTOS ESPECIALES
- Capitán América: El soldado de invierno
- El amanecer del planeta de los simios
- Guardianes de la galaxia
- Interstellar
- X-Men: Días del futuro pasado
LARGOMETRAJE DE ANIMACION
- Big Hero 6
- Lox Boxtrolls
- Cómo entrenar a tu dragón 2
- Songs of the Sea
- El cuento de la princesa Kaguya
43
LARGOMETRAJE DOCUMENTAL
- Citizenfour
- Finding Vivian Maier
- Last Days in Vietnam
- la sal de la Tierra
- Virunga
CORTOMETRAJE DE ANIMACION
- Panorama general
- The Dam Keeper
- Una sola vida
- Buenas migas (Feast)
- Yo y mi bicicleta
CORTOMETRAJE DOCUMENTAL
- Crisis Hotline: Veterans Press 1
- Joanna
- Our Curse
- La parka
- White Earth
44
CORTOMETRAJE DE FICCIÓN
- Aya
- Boogaloo y Graham
- La lámpara de mantequila de yak
- Parvaneh
- La llamada