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��PALAIS DE TOKYO / DOSSIEr DE PrESSE / cInq mILLIArDS D'AnnéES /

PALAIS DE TOKYO /cInq mILLIArDS D’AnnéES�4 3� �2 2006

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22PALAIS DE TOKYO / DOSSIEr DE PrESSE / cInq mILLIArDS D'AnnéES /

Y a-t-il un point fixe dans l’univers?

Il y a cinq milliards d’années, l’expansion de l’univers qui avait tendance à ralentir, a soudainement connu une brutale accélération sous l’effet d’une force mystérieuse, l’énergie noire. Ce renversement de vitesse impose un changement de perspective : l’expansion ne connaîtra jamais de répit. D’un ralentissement à une accélération constante, l’univers a mis fin à tout espoir de se reposer sur un hypothétique point fixe. C’est une évidence, le monde ne peut apparaître comme une suite de points formant des lignes. Il se manifeste par des effets tangents et des différentiels de vitesse. Il traite de liaisons et traverse les strates. De la même manière, l’art ne peut s’aborder en termes de positions, de lieux. Il glisse sur le visible et révèle la multiplication des couches qui servent à sa construction. Il contribue à densifier le réel, voire à l’accélérer.

CINQ MILLIARDS D’ANNÉES est la première session d’un programme qui va se décliner sur une année. Il est le prologue d’une réflexion portant non pas sur l’exposition en tant qu’événement singulier, point fixe isolé dans le temps et l’espace, mais sur la notion de programme, expérience dont le curseur temporel est en constant mouvement, en oscillation permanente. Amorce d’une programmation nouvelle, CINQ MILLIARDS D’ANNÉES témoigne de l’énergie de la création contemporaine et de l’engagement du Palais de Tokyo à ses côtés.

CINQ MILLIARDS D’ANNÉES est un univers artistique en expansion accélérée qui gagne l’ensemble des espaces du Palais de Tokyo. Structuré autour d’expositions collectives et personnelles, il comprend également une multitude d’événements aussi variés qu’un concours international de sculptures à la tronçonneuse, une conférence d’un astrophysicien et d’un musicothérapeute, un ballet de mini-motos, etc.

Marc-Olivier Wahler, directeur du Palais de Tokyo

image : Philippe Decrauzat, Nick of the Time, 2003. Coll. part.

cInq mILLIArDS D’AnnéES �4 09 −3� �2 2006


EXPOSITIOnS cOLLEcTIVES /

5’000’000’000 D’AnnéES une exposition qui tel un mutant adopte le même titre que la session qui la contientdu �4 septembre au 3� décembre 2006

UnE SEcOnDE UnE AnnéE constituée d’œuvres qui s’activent de manière aléatoiredu �4 septembre au 3� décembre 2006

EXPOSITIOnS PErSOnnELLES /

rEnAUD AUGUSTE-DOrmEUIL du �4 septembre au 29 octobre 2006

ZILVInAS KEmPInASdu �4 septembre au 29 octobre 2006

JOAcHIm KOESTErdu 2 novembre au 3� décembre 2006

nOUVEAUX ESPAcES /

espaces de dimensions modestes dédiés aux jeunes artistes ainsi qu’à des projets spéciauxun vernissage tous les premiers jeudis du mois, vingt-quatre expositions par an

FABIEn GIrAUDdu �4 septembre au 29 octobre 2006

le motard GHOST rIDErdu �4 septembre au �er octobre 2006

ULLA VOn BrAnDEnBUrGdu 5 octobre au 29 octobre 2006

LES FEnÊTrES /

OLIVIEr mOSSETinvité à intervenir sur les fenêtres du Palais de Tokyoà partir du �4 septembre 2006

LES JEUDIS DE cInq mILLIArDS D’AnnéES /

DU YODEL À LA PHYSIqUE qUAnTIqUEen passant par les zombies, les concertos pour tronçonneuses, les conférences de motardstous les jeudis

LES SALOnS /

LE PALAIS DE TOKYO TIEnT SALOn et invite artistes, curateurs, critiques d’art, scientifiques, sportifs, musiciens, proctologues et autres passionnés tous les premiers jeudis du mois

++ BOnUS VErnISSAGE /

cOncOUrS InTErnATIOnAL DE ScULPTUrE A LA TrOnÇOnnEUSEavec les meilleurs bûcherons du monde entier�4 septembre 2006 / 20h

BALLET DE mInI-mOTOS�4 septembre 2006 / �9h30

Tel un univers multiple, cInq mILLIArDS D’AnnéES se définit comme une session englobant une composition d’expositions, performances, concerts, salons, conférences qui se constituent selon différents rythmes.


Tony Matelli, Gone, 2000 / Collection Pamela et Arnold Lehman, © Leo Koenig Inc., New York.


EXPOSITIOn cOLLEcTIVE / �4 09 – 3� �2 2006

Reconsidérée à l’échelle de l’univers et de l’irréversible accélération de son expansion, la frontière qui définit une œuvre d’art s’estompe au profit d’une dynamique de contamination par-delà toutes limites assignées. L’œuvre joue de sa furtivité et d’une puissance d’accélération de son potentiel artistique. 5’000’000’000 D’ANNÉES explore cette élasticité de l’œuvre, de sa temporalité et de son impact.

Jouant de la mutation et du renouveau de sens provoqué par la mise en contexte, certaines œuvres présentées dans l’exposition 5’000’000’000 D’ANNÉES ont déjà été visibles, entre autres, au SI de New York dans le cadre d’expositions telles FIVE BILLION YEARS (2004), OK / OKAY (2005) et SPACE BOOMERANG (2006). Ces œuvres s’insèrent dans un mouvement schizophrénique qui pointe leur capacité à se métamorphoser selon le contexte et leur potentiel de démultiplication de sens : une œuvre exposée en deux endroits différents peut-elle rester identique ? Quel est son principe de mutation? Quel est son principe d’autonomie ?

CHRISTIAN ANDERSSON / ARTISTS UNKNOWN / MICHEL BLAZY / MIKE BOUCHET / LORIS CECCHINI / PHILIPPE DECRAUZAT / MARCEL DUCHAMP / CEAL FLOYER / URS FISCHER / MARK HANDFORTH / JOACHIM KOESTER / VINCENT LAMOUROUX / LANG-BAUMANN / TONY MATELLI / JONATHAN MONK / FRANÇOIS MORELLET / GIANNI MOTTI / CHARLES RAY (liste en expansion)

5’000’000’000 D’ANNÉES se présente comme une exposition qui s’inscrit dans la session CINQ MILLIARDS D’ANNÉES par un mouvement de mutation. A la fois analogues et dissemblables, l’exposition et la session dans laquelle elle s’inscrit activent un mouvement d’oscillation constant, la mutation engendrant un transfert permanent d’un état à l’autre.

Comme les mutants, les artistes ont développé une liberté de se mouvoir dans des sphères parallèles, et comme les mutants, l’art fonde sa survie sur la furtivité : notre radar ne permet pas à notre système interprétatif de déceler les indices alarmants. Visuellement, rien (ou presque) ne permet de distinguer un mutant d’un être humain, rien (ou presque) ne permet de distinguer une œuvre d’art d’un objet ordinaire. La différence est ailleurs. Mais dès qu’un mutant est identifié comme tel, il réintègre à nos yeux son statut d’origine (un extraterrestre). Dès qu’une œuvre d’art est identifiée, elle abandonne son statut d’objet pour se transfigurer et rejoindre le monde de l’art.

Ce qui compte, ce n’est pas la colonisation de nouveaux mondes. Les petits martiens verts aux rayons lasers - tout comme les artistes visionnaires aux pinceaux fous - s’en sont déjà chargés. Non, l’expansion continue de notre univers implique un mouvement de mise en glisse perpétuel, un cumul de l’identique activant une schizophrénie chronique, et l’art d’aujourd’hui travaille à ce développement. Ce qui compte, ce n’est pas ce qui nous est donné à voir (chaque monde est visuellement identique à un autre), ce n’est pas le défrichement d’un territoire au détriment d’un autre, c’est cette oscillation, ce transfert permanent entre chaque sphère qui constitue l’intérêt de l’art de notre époque, qui dès lors se fonde moins sur une esthétique que sur une véritable dynamique.

5’000’000’000 D’AnnéES


Mark Handforth, Honda, 2002. Collection Paul Rubell, Miami.

Lang / Baumann, Perfect. 2006. Simulation du projet pour le Palais de Tokyo.

Vincent Lamouroux, Scape, 2006. Simulation du projet pour le Palais de Tokyo.

Michel Blazy, Patman 2, 2005 / Court. Art : Concept, Paris.


EXPOSITIOn cOLLEcTIVE / �4 09 – 3� �2 2006

UNE SECONDE UNE ANNÉE est une exposition collective qui débutera comme une exposition classique en un lieu donné. Les œuvres qui ne seraient pas activées pendant la durée de l’exposition seront ensuite placées tels des parasites dans l’espace du Palais de Tokyo jusqu’au moment de leur activation. Ainsi, certaines pièces deviennent "visibles" plusieurs fois par jour, certaines ne s’activent qu’une seule fois, comme par exemple la célèbre pièce d’Alighiero e Boetti : une boîte contenant une ampoule qui ne s’allume qu’une fois par an.

ALIGHIERO E BOETTI / FRANÇOIS CURLET / LARA FAVARETTO / GRAHAM GUSSIN / LEOPOLD KESSLER / KRISTOF KINTERA / JONATHAN MONK / FERNANDO ORTEGA / WERNER REITERER / ROMAN SIGNER / KRIS VLEESCHOUWER (liste en expansion)

Présentant des œuvres qui s’activent de manière totalement aléatoire, UNE SECONDE UNE ANNÉE propose un rapport toujours en attente ou en accéléré avec des œuvres dont rien ne permet de déterminer par avance le moment de leur activation. Jouant d’un effet de suspense et flirtant avec la frustration, UNE SECONDE UNE ANNÉE est une exposition en perpétuelle oscillation. La temporalité de l’œuvre d’art est ainsi plus ou moins élastique et fonctionne sans aucune prévisibilité possible.

UnE SEcOnDE UnE AnnéE


Jonathan Monk, Big Ben, 2002 / © Lisson Gallery, Londres.

Lara Favaretto, Twistle, 2004 / © Galleria Franco Noero, Turin.


Zilvinas Kempinas crée un univers flottant et mystérieux. Une série de ventilateurs engendre un flux porteur qui permet à une bande magnétique de "léviter" dans l’espace d’exposition. Des formes aléatoires et éphémères prennent vie et captivent le regard.

ZILVInAS KEmPInAS

EXPOSITIOnS PErSOnnELLES /

Renaud Auguste-Dormeuil propose The Day Before : des cartes du ciel étoilé le jour précédant des bombardements militaires, que cela soit Guernica (25 avril 1937), Hiroshima (5 août 1945), Nagasaki (8 août 1945), Sarajevo (28 août 1994) ou Bagdad (15 janvier 1991)... Temps suspendu avant la catastrophe, chaque photographie est le témoignage d’un instant où tout est encore possible et où tout pourtant semble déjà décidé.

rEnAUD AUGUSTE-DOrmEUIL

02 �� – 3� �2 2006

Joachim Koester travaille à la frontière entre documentaire et fiction. S’intéressant à des événements politiques ou historiques disparus de la mémoire collective, il les met en perspective au moyen de vidéos, films et photographies.

JOAcHIm KOESTEr

�4 09 – 29 �0 2006

�4 09 – 29 �0 2006

�0�0PALAIS DE TOKYO / DOSSIEr DE PrESSE / cInq mILLIArDS D'AnnéES /

Zilvinas Kempinas, Flying Tape, 2004 / © Spencer Brownstone Gallery, New York.

Renaud Auguste-Dormeuil, The Day Before _ Guernica _ April 25, 1937 _ 23:59, 2004 / © Coll. privée, Monaco.

Joachim Koester, Histories. Ed Ruscha, 6565 Fountain Ave, Los Angeles 1965, 2005 / © Galerie Jan Mot, Bruxelles.


Motard suédois anonyme, Ghost Rider roule à plus de 300 km/h sur les autoroutes scandinaves et filme ses performances. Devenu un personnage culte sur internet, Ghost Rider transforme son flirt avec la mort en une expérience hypnotique.

GHOST rIDEr

nOUVEAUX ESPAcES / Un VErnISSAGE TOUS LES PrEmIErS JEUDIS DU mOIS

Plusieurs motos alignées se mettent en marche, vrombissent et harmonisent leur puissance : synchronisant leur mouvement, elles se dressent d’un coup sur leur roue arrière. Un Wheeling inattendu et déroutant qui prend la forme d’une sculpture mobile.

FABIEn GIrAUD

A partir du 5 octobre, Ulla von Brandenburg investit l’un des nouveaux modules dédiés aux projets spéciaux. Dans un contexte industriel, Around, film muet en noir et blanc, joue de manière hypnotique sur les mouvements de freinage et de mutation : une mécanique des corps anonymes se met en place avec une troublante régularité.

ULLA VOn BrAnDEnBUrG

�4 09 - 29 �0 06

�4 09 - 0� �0 06

05 �0 - 29 �0 06

LES FEnÊTrES /

Invité à intervenir sur les fenêtres du Palais de Tokyo, Olivier mosset reprend à son compte la fameuse citation d’Ellsworth Kelly : "les fenêtres sont plus intéressantes à regarder que les expo-sitions".

OLIVIEr mOSSET�4 09 06


Ghost Rider.

Fabien Giraud, dessin préparatoire pour son installation Rodage, 2006.

Ulla von Brandenburg, Around, 2005 / © Art : Concept, Paris & produzentengalerie, Hambourg.


Le Palais de Tokyo a réuni les chorégraphes Jonathan Capdevielle et Guillaume Marie, ainsi qu’une équipe de pilotes professionnels de mini-moto. Des motards composent un ballet urbain motorisé sur mini-motos et marquent l’asphalte avec leurs roues arrière. L’art du dérapage artistique contrôlé en action.

mInI-mOTOS

++ BOnUS VErnISSAGE / �4 09 06

Les meilleurs bûcherons du monde entier participent à un concours free style de sculptures à la tronçonneuse. Le jury composé d’artistes rompus au maniement de la tronçonneuse désignera les vainqueurs qui gagneront une semaine d’exposition au Palais de Tokyo.

cOncOUrS InTErnATIOnAL DE ScULPTUrE A LA TrOnÇOnnEUSE

+ DES cOnFérEncES D’EXPLOrATEUrS, PHILOSOPHES, mOTArDS ET ASTrOPHYSIcIEnS, DES PErFOrmAncES, cOncErTS ET AUTrES éVénEmEnTS.

PALAIS DE TOKYO / DOSSIEr DE PrESSE / cInq mILLIArDS D'AnnéES /�4

Concours international de sculpture à la tronçonneuse / © Michael Bihlmaier, Marengo, Illinois, Etats-Unis.

BMS Pocket Bike, Montpellier.


CHRISTIAN ANDERSSON

[1973] Vit à Stokholm.

A la fois sophistiquées et épurées, les installations de Christian Andersson jouent sur les apparences. Les rapports d’ombres et de lumière, de transparence ou de réflexion permettent à l’artiste de créer de véritables « pièges à perception ». Le spectateur est ainsi systématiquement confronté à un dispositif de détournement de nos a priori.

D’apparence banale, Blind Spot (2003) est composé d’un projecteur illuminant d’un cercle le mur qui lui fait face. Le spectateur qui viendrait à passer entre le projecteur et le mur aura la surprise de constater que son ombre n’apparaît pas sur le cercle de lumière. A l’instar des vampires qui n’ont pas d’ombre, le visiteur est aspiré dans le champ de l’œuvre qui fait disparaître tous points de référence. ARTISTS UNKOWN

STEPHAN KOBATSCH [1975] Vit à Vienne.ATTILA SAYGEL [1968] Vit à Berlin.LORENZ SCHREIBER [1972] Vit à Berlin. Le nom Artists Unknown a été créé par les artistes Attila Saygel, Lorenz Schreiber et Stephan Kobatsch. Stephan Kobatsch travaille habituellement avec le groupe Mahony, alors que Saygel & Schreiber forment un groupe en eux-mêmes. Ces artistes ont travaillé ensemble pour la première fois à l’occasion de l’œuvre Wrong Place Wrong Time. Wrong Place Wrong Time (2005) est une œuvre originale sous forme de plaisanterie. Les artistes ayant été engagés pour travailler sur l’installation d’une exposition sur la lumière au centre d’art contemporain ZKM à Karlsruhe, ils entassèrent des ampoules endommagées provenant d’une œuvre de Carsten Höller dans une poubelle rose en ne laissant qu’une ampoule fonctionner. Ils installèrent ensuite cette “œuvre” parmi d’autres oeuvres de Martin Kippenberger, le titre Wrong Place Wrong Time étant un hommage à ce dernier.

AnnEXE � 5'000'000'000 D’AnnéES /ArTISTES


MICHEL BLAZY

[1966] Vit à Paris.

Michel Blazy produit des œuvres où la décomposition et le devenir des objets organiques structurent de manière aléatoire sa pratique. Le collant, le liquide ou le mousseux sont des matières récurrentes qui permettent à l’artiste de ne jamais s’enfermer dans une conception finie de l’œuvre d’art. Privilégiant les matières pauvres, voire comestibles, l’artiste laisse libre champ à un hasard contrôlé et à la beauté de l’éphémère.

Reprenant l’icône des premiers jeux vidéos "Pac Man", l’artiste élabore un clone en spaghetti, Patman 2 (2006). Débordant l’imaginaire informatique, la sculpture de l’artiste produite par le Palais de Tokyo joue d’un rapport décalé à la matière comestible en envahissant l’espace de sa présence étrange.

MIKE BOUCHET

[1970] Vit à New York.

Mêlant les références à l’histoire de l’art, les icônes contemporaines, les problématiques socio-économiques, Mike Bouchet produit des installations qui décalent nos attentes. Du jacuzzi de célébrités en passant par son cola auto-produit, sa marque de jeans, ses bustes de Tom Cruise jusqu’à la réactivation d’une pièce célèbre de Walter de Maria, Mike Bouchet croise avec humour l’historique et le quotidien.

Pour 5'000'000'000 D’ANNÉES, Mike Bouchet présente quelques uns de ses jacuzzis pour célébrités (Jude Law, 2005 / Robert Mugabe, 2005 / Jack Welch, 2005). A la frontière du bricolage et de l’objet scientifique, ses sculptures post-minimales jouent d’une référence cryptée à une célébrité dont on ne saurait dire s’il s’agit d’un hommage irrévérencieux ou d’un pied de nez admiratif.


LORIS CECCHINI

[1969] Vit à Milan.

Par des transformations subtiles, Loris Cecchini s’immisce dans le monde des objets quotidiens et en arrête toute fonctionnalité au profit d’une vision qui alterne entre post-apocalypse et onirisme pur. Des fournitures de bureau, chaises, portes et câbles divers sont, par exemple, confectionnés en une matière élastique molle et grise qui suspend leur utilité et affaisse les objets, atteints d’une sorte de fatigue ontologique, sur eux-mêmes. D’une évocation à l’autre, Loris Cecchini réinvente notre perception des choses et brouille les codes de compréhension en usage.

Cloudless est une œuvre monumentale qui prend la forme d’un nuage improbable mêlant en un gigantesque nid surréaliste des balles de ping pong et des échelles. Flottant dans les airs au-dessus de la cafétéria du Palais de Tokyo, l’œuvre de Loris Cecchini oscille entre la menace organique et l’assemblage poético-burlesque.

Dans la meilleure tradition du mécénat, Fendi soutient le projet culturel de l’artiste qui développe à différents niveaux une sensibilité forte à l’étude des matériaux et une attention soutenue à la recherche technologique. Le processus de production de l’œuvre se déroule grâce à Fendi à travers le monde, de Shangaï à NewYork en passant par Paris. PHILIPPE DECRAUZAT

[1974] Vit à Lausanne.

Jouant du rapport de l’œuvre à l’espace, Philippe Decrauzat crée des sculptures, dessins ou peintures murales qui réinvestissent l’héritage de l’Op’art et du vocabulaire de l’abstraction. High et low culture se croisent dans un univers artistique qui fait du rapport optique une coordonnée fondamentale de son œuvre. A la fois hypnotique et vibrante, le travail de l’artiste ouvre de nouvelles dimensions perceptives.

Pour 5'000'000'000 D’ANNÉES, Philippe Decrauzat réalise un wall-painting monumental produit par le Palais de Tokyo. Il présente aussi son Light Space Modulator (2002) dont les séquences lumineuses suivent un rythme hypnotique extrait d’une scène du film "L’Exorciste". Il présente par ailleurs Melancholia (2003) qui poursuit sur un mode sculptural l’interrogation mathématique autour d’un volume géométrique impossible apparaissant sur la gravure éponyme d’Albrecht Dürer.

MARCEL DUCHAMP

[1887-1968]

Artiste majeur du 20ème siècle, référence incontournable à laquelle tout artiste d’aujourd’hui doit se confronter, Marcel Duchamp présenta en 1933 à l’occasion du concours Lépine, salon de l’invention, la première version de son Rotorelief. Œuvre d’art pionnière, le Rotorelief aspire le regard et met l’œil au défi de trouver un quelconque point fixe auquel se tenir. Présenté dans 5’000’000’000 D’ANNÉES, le Rotorelief met en abîme la démultiplication frénétique de nos capacités d’interprétation grâce à son mouvement d’oscillation permanent.


CEAL FLOYER

[1968] Vit à Londres.

Evitant les écueils de la dérive spectaculaire et le pur illusionnisme, Ceal Floyer produit un travail à la fois ténu et discret. Ses installations prennent corps dans l’espace avec humour et délicatesse en déjouant les attentes du spectateur. L’absurde et la gravité légère cohabitent avec un sens extrême de l’à-propos.

Autofocus (2002) joue sur le processus de transition du focus à l’out of focus et de l’apparition à la disparition. De manière aléatoire, un projecteur se règle et dérègle sans fournir d’image, mais une simple variation d’intensité lumineuse. A la fois poétique et minimale, l’œuvre de l’artiste modifie notre rapport à la représentation et à la perception du monde.

URS FISCHER


Urs Fischer trouve ses sujets et ses matériaux dans la vie quotidienne. En les transformant en objets et en sculptures, la forme de ces éléments ordinaires change et échappe à leur fonctionnalité d’origine. Multipliant les angles de vision inattendue, il donne un aspect lyrique et humoristique à son art.

Pour 5'000'000'000 D’ANNÉES, Urs Fischer présente Untitled (Branches) (2005), une œuvre qui flirte avec une ambiance solennelle et mystérieuse. Deux bougies attachées à une branche en circonvolution dessinent deux cercles de cire sur le sol.

MARK HANDFORTH

[1969] Vit à Miami.

Poursuivant une esthétique du patchwork, Mark Handforth assemble, transforme et détourne des objets du quotidien et de l’espace public. Dans ses sculptures et installations, l’artiste combine des éléments aussi hétéroclites que des panneaux indicateurs, des lampadaires ou des deux roues.

Après avoir intégré, pour une exposition à Rome, un système d’arrosage à une Vespa (Vespa Fountain, 2001), l’artiste récidive avec une œuvre (Honda, 2002) mêlant mécanique et chandelles. L’engin est couché sur le côté et les innombrables bougies de couleur posées sur la moto se consument, transformant la motocyclette en autel improvisé.

PALAIS DE TOKYO / DOSSIEr DE PrESSE / cInq mILLIArDS D'AnnéES /�9

JOACHIM KOESTER


Qu’il prenne la forme d’un film documentaire en 16mm, d’une série de photos d’archives ou d’un livre, le travail de Joachim Koester transforme les images en histoire, et réciproquement. Fasciné par le Pôle Nord, l’artiste fait de l’exploration l’un des pivots de sa recherche. Joachim Koester s’attache également à la documentation d’événements infimes, disparus de la Grande Histoire, pour les faire réapparaître dans la mémoire collective.

Pour 5'000'000'000 D’ANNÉES, l’artiste présente pour la première fois en France Message From Andrée (2005), un travail poétique et conceptuel qui relate l’histoire tragique de l’accident d’un groupe d’explorateurs partis en montgolfière en 1897 dans le Pôle Nord, et dont on retrouva trentre-trois ans plus tard quelques effets dont une boîte de négatifs. Joachim Koester a filmé ces négatifs avec une caméra 16mm. Le résultat est un film abstrait et insaisissable qui ne documente aucun événement mais montre la zone de crépuscule entre ce qui peut et ne peut pas être raconté, entre le narratif et le non narratif, entre le documentaire et l’imagination.

VINCENT LAMOUROUX

[1974] Vit à Paris. Le travail de Vincent Lamouroux bouleverse la relation du spectateur à l’œuvre d’art, en employant souvent la sculpture monumentale et l’installation in situ. Ses références, allant du Land Art au divertissement populaire, sont à l’origine de propositions architecturales perturbant le visiteur, décalant et détournant ses points de référence dans l’espace. Scape (2006) est une gigantesque sculpture en acier inoxydable repensée spécialement pour le Palais de Tokyo. Sa forme, reflétant de manière détournée et sinueuse le symbole de l’infini, un grand-huit ou encore une rampe de flipper, épouse les courbes du bâtiment et en restructure l’espace.

LANG / BAUMANN [1972 et 1967] Vivent à Burgdorf / Suisse.

Dans leurs installations, le duo Sabina Lang et Daniel Baumann mêle des références de l’art pop et du life-style des années 60 et 70. Inspiré par une esthétique de design intérieur futuriste, leur univers visuel s’adapte à différents espaces et en modifie la perspective.

Pour 5'000'000'000 D’ANNÉES, Lang / Baumann présente une nouvelle pièce de leur série Perfect (2006), agrandie et modifiée pour l’adapter aux espaces du Palais de Tokyo. A l’entrée de l’exposition, deux murs convexes, tapissés par des ampoules, forment un passage entre le monde extérieur et l’univers tamisé de l’exposition.

PALAIS DE TOKYO / DOSSIEr DE PrESSE / cInq mILLIArDS D'AnnéES /20

TONY MATELLI


Utilisant différents matériaux tels que la résine, le PVC et la peinture, Tony Matelli nous propose des instantanés de vie tels qu’un groupe d’adolescents perdus dans la forêt ou un somnambule vêtu de son seul caleçon. Par le biais de son parti-pris hyperréaliste, l’artiste porte un regard onirique et ironique sur les aspects les plus absurdes de notre vie quotidienne.

Après avoir travaillé sur la citation en se mettant en scène dans une série d’autoportraits reproduisant les postures de quelques classiques de l’histoire de l’art, l’artiste franchit une étape supplémentaire dans la mise en abîme avec Gone (2000). Avec cette version simiesque, l’artiste propose une relecture ironique de son premier Sleepwalker (1997).

JONATHAN MONK

[1969] Vit à Berlin.

Par le biais de divers médiums et en référence constante aux pionniers de l’art moderne, Jonathan Monk tente de démystifier le procédé de création. Puisant généreusement dans le passé, il juxtapose sa création personnelle et de banales anecdotes qu’il réfère aux plus intouchables mythes de l’histoire de l’art.

A Tour Eiffel le 13 octobre 2008 à midi, The Lion Enclosure London Zoo Regents Park London 12th May 2014 Lunchtime… : autant de rendez-vous que Jonathan Monk propose avec Meeting Piece (2006), œuvre itinérante sous la forme d’un blind date avec le public. Par ailleurs, traduisant le paradoxe Constantly Moving Whilst Standing Still (2005) en objet, l’artiste présente une bicyclette renversée dont les deux roues tournent inlassablement dans des directions opposées.

FRANÇOIS MORELLET

[1926] Vit à Paris et Cholet.

François Morellet est une figure historique de l’art contemporain. Visant la neutralité et l’absence de pathos, son œuvre se déploie avec toute la rigueur de l’abstraction géométrique. Le processus de conception de l’œuvre intervient de manière décisive dans son travail d’où doit jaillir, en toute logique, une part d’imprévisibilité.

Dans la lignée de ses œuvres qui tentent de limiter au maximum la subjectivité par déclinaison successive de propositions mathématiques, François Morellet réalise une nouvelle pièce pour le Palais de Tokyo.

2�2�PALAIS DE TOKYO / DOSSIEr DE PrESSE / cInq mILLIArDS D'AnnéES /

GIANNI MOTTI

Mène une vie exemplaire.

Gianni Motti adore brouiller les pistes en agissant hors du monde de l’art. En utilisant des éléments vrais, faux, vécus, inventés ou projetés, il sait jouer avec notre système de valeurs et infiltrer les médias. Notre façon de vouloir toujours déterminer ce qui "fait œuvre", ce qui "fait sens", ce qui entre dans le champ de l’art et ce qui en serait exclus est systématiquement remis en question.

Gianni Motti place face à face deux œuvres qui explorent la structure du temps. Big Crunch Clock (1999) effectue le décompte des 5 milliards d’années qui nous séparent de l’explosion du soleil et de l’irrémédiable fin de notre univers. Le film Higgs montre l’artiste dans le nouveau tunnel d’accélération des particules du CERN (Conseil européen pour la recherche nucléaire). Là où les particules d’anti-matières tournent à la vitesse de la lumière, il se déplace à la vitesse du pas.

CHARLES RAY

[1955] Vit à Los Angeles.

Subtilement dérangeantes, les œuvres de Charles Ray font de la sculpture l’objet d’un incessant décalage. Que cela soit sous un jour minimaliste, ironique, voire tout à fait subversif, Charles Ray interroge les codes de la représentation et met à mal nos attendus perceptifs ou sociologiques. Par références plus ou moins directes, l’artiste est souvent au cœur de l’œuvre, comme par exemple dans Family Romance où les différents membres d’une famille sont représentés nus et de même taille… la taille de l’artiste. D'autres œuvres font plus directement référence à l'héritage minimaliste comme Ink Box (1986), un cube rempli d'encre noire.

Rotating Circle (1988) est une œuvre d’apparence discrète et néanmoins spectaculaire. Intégré dans un mur, un disque tourne à pleine vitesse jusqu’à devenir indiscernable. A la fois minimal et cinétique, Rotating Circle joue de sa propre invisibilité et fonctionne comme une menace implicite générant une fascination esthétique qui frôle l’obsession visuelle.


AnnEXE 2 UnE SEcOnDE UnE AnnéE /ArTISTES

ALIGHIERO E BOETTI

[1940-1994]

Alighiero e Boetti a produit une œuvre d’une grande densité conceptuelle et systématique. Les idées de ses œuvres priment sur leur réalisation qu’il laisse le plus souvent à d’autres. En 1968, il décide d’intercaler entre son prénom et son nom un "et" qui symbolise l’impossible unité de l’individu avec lui-même.

Présentée au Palais de Tokyo, Lampada Annuale (1966) est une lampe qui ne s’allume qu’une fois par an. Cette œuvre des premières années révèle la part de jeu inhérente au domaine artistique ainsi que le décalage à la fois absurde et mystique de cet objet du quotidien intégré au cœur de l’institution.

FRANÇOIS CURLET


Pratiquant l’allusion avec humour, François Curlet opère des glissements de sens à travers un jeu subtil sur les mots, les formes et les matières. Ces allusions et rapprochements permettent à l’artiste de faire émerger un sens nouveau des objets de notre quotidien. L’effet produit est à la fois ironique et surréaliste.

Œuf de voiture - American Dino (2003) (sous-titré Sculpture minimale et timide) est un cube laqué de blanc, d’un mètre de côté. Une antenne télescopique installée sur la face supérieure se déplie et replie de manière aléatoire.


LARA FAVARETTO

[1973] Vit à Turin.

Le thème de la fête est une constante dans l’œuvre de Lara Favaretto qui conçoit l’art comme un espace structuré par la multiplication des possibles. L’utilisation de la photographie, de la sculpture, de la vidéo et de la performance lui permet d’exprimer l’urgence d’une transformation permanente et la nécessité d’impliquer l’autre dans le processus créatif.

Pour UNE SECONDE UNE ANNÉE, Lara Favaretto présente Twistle (2003). Disposées dans les espaces d’exposition, des bombonnes d’air compressé surmontées de sifflets s’activent de manière aléatoire et génèrent une impression à la fois désuète et festive à la frontière du tragi-comique.

GRAHAM GUSSIN [1960] Vit à Londres. Utilisant une grande variété de médiums, le travail de Graham Gussin se glisse dans le fin interstice entre réalité et inconscient. Ses œuvres engagent le spectateur dans une certaine expérience de l’infini, entre déplacement de sens et confusion. Reprenant à son compte des images ou des histoires existantes, il les distord jusqu’à fournir une complète manipulation de notre vision du monde. Jouant avec l’idée d’attente, Graham Gussin présente dans l’exposition UNE SECONDE UNE ANNÉE une nouvelle version produite pour le Palais de Tokyo de l’installation vidéo Fall (1997-2006). Le spectateur est face à une image projetée d’un lac de montagne, dont seules les traces de vent sur la surface de l’eau indiquent qu’il ne s’agit pas d’une image fixe. De manière aléatoire, selon un logiciel d’ordinateur, une immense pierre tombe dans l’eau, troublant par ses éclaboussures et son bruit la quiétude de la scène originelle.

LEOPOLD KESSLER

[1976] Vit à Vienne.

Leopold Kessler adopte le rôle d’un ingénieur dissident travaillant de manière subversive au cœur de nos référents culturels. Ses travaux provoquent des fissures au sein d’un environnement aussi contrôlé que celui des lieux publics. Par ses petits gestes et interventions, l’artiste semble préparer le terrain pour une révolution discrète contre l’autorité.

Pour la première fois en Europe Léopold Kessler présente son installation Drink Distributor (2006) produite par le Palais de Tokyo. Avec cette œuvre, constituée de deux distributeurs de boissons connectés par GPS (l’un se trouvant au sein du Palais de Tokyo et le second dans l’atelier de l’artiste), Leopold Kessler s’amuse de l’aléatoire et de la surprise en déréglant les machines et le geste qui l’accompagne.


KRISTOF KINTERA [1973] Vit à Prague. Utilisant des objets du quotidien a priori inoffensifs, Kristof Kintera les dote de systèmes sophistiqués qui les transforment en menaces potentielles ayant une vie propre. Son travail poursuit par un biais humoristique une critique de la société de consommation. Ses installations au-delà de leur impact immédiat opèrent une remise en cause du monde qui nous entoure. Revolution (2005-2006) est une sculpture animée de Kristof Kintera : un personnage de petite taille tourné contre le mur (bouderie ? punition ?) se tape violemment la tête à intervalles irréguliers. L’apparente simplicité de l’œuvre et son réalisme cruel nous font osciller entre fou rire et effroi face à cette automutilation sauvage et mystérieuse.

JONATHAN MONK

[1969] Vit à Berlin.

Par le biais de divers médiums et en référence constante aux pionniers de l’art moderne, Jonathan Monk tente de démystifier le procédé de création. Puisant généreusement dans le passé, il juxtapose créations personnelles et banales anecdotes aux plus intouchables mythes de l’histoire de l’art.

Dans le cadre de l’exposition UNE SECONDE UNE ANNÉE, Jonathan Monk présente Big Ben (2002), un projecteur à diapositives sur son socle. De manière apparemment aléatoire, le projecteur s’enclenche et projette une image d’une carte postale de Big Ben à l’heure exacte indiquée par la célèbre horloge londonienne. Les images sont toutes des cartes postales récoltées par l’artiste dans les boutiques de touristes à Londres.

FERNANDO ORTEGA

[1971] Vit au Mexique.

Fernando Ortega utilise de multiples médiums allant de la vidéo à l’installation en passant par des interventions plus immatérielles et minimales. Jouant avec le tangible et l’intangible, Fernando Ortega sollicite l’attention du spectateur par des biais détournés et parfois spectaculaires.

Fly Electrocutor (2003) se présente sous la forme d’un piège à mouches électrique. A chaque électrocution d’insecte, l’espace d’exposition est plongé dans un black-out ponctuel.


WERNER REITERER

[1964] Vit à Vienne.

A la fois drôle et dérangeant, l’univers de Werner Reiterer joue sur la consistance du réel. Dérive onirique, décalage impertinent et jeux de langage sont mis en scène au travers d’objets détournés laissant flotter, non sans humour, de multiples interprétations.

Produite par le Palais de Tokyo, Breath (2006) se présente sous la forme d'une incitation écrite au mur ("Cry As Loud As You Can") que le spectateur peut prendre à la lettre. S’il crie suffisamment fort, l’intensité de la lumière diminue dans l’ensemble des espaces d’exposition alors qu’un bruit de respiration va croissant.

ROMAN SIGNER

[1938] Vit à St. Gall.

Les Actions Sculptures de Roman Signer sont autant d’interrogations esthétiques et d’actions expérimentales. Fasciné par les processus de destruction et la redistribution du rapport de cause à effet, l’artiste réinterprète les méthodes d’expérimentations scientifiques et fait de l’art un challenge logique qu’il repousse derrière ses retranchements.

Pour UNE SECONDE UNE ANNÉE, Roman Signer présente une valise qui explosera mystérieusement durant la période de l’exposition. Durant chaque étape de cette "sculpture d’explosion" produite pour le Palais de Tokyo, la tension et le suspense dessinent des zones instables où la notion de temps semble se dilater à l’infini.

KRIS VLEESCHOUWER

[1972] Vit à Anvers et à Berlin. Bricoleur astucieux et adepte de l’interactivité, le jeune artiste belge, Kris Vleeschouwer, invente des installations ludiques et souvent spectaculaires qui tentent régulièrement de piéger le spectateur. Manipulant, via ordinateur, des objets de notre quotidien et parfois dans différents lieux simultanément, l’artiste parvient à créer des situations incongrues et absurdes, des petits actes terroristes sans gravité. L’œuvre Glass Work 1 pose à nouveau ce dilemme. Une étagère de type industrielle sur laquelle se trouve plusieurs dizaine de bouteilles en verre est installée dans l’espace d’exposition. Plusieurs fois par jour, à intervalles irréguliers, une bouteille tombe de l’étagère et vient se briser sur le sol.


AnnEXE 3LES EXPOSITIOnS PErSOnnELLES /ArTISTES

RENAUD AUGUSTE-DORMEUIL [1968] Vit à Paris. Le travail de Renaud Auguste-Dormeuil joue sur l’idée de surveillance et de paranoïa. Il utilise des éléments existants à l’échelle de la ville - caméras de surveillance, voitures de police banalisées ou encore reportages télévisés - afin de les détourner au profit de projets artistiques dans lesquels photographies, sculptures, performances et installations se mêlent dans une critique de la société actuelle. Renaud Auguste-Dormeuil présente dans le cadre d’une exposition personnelle au Palais de Tokyo la série The Day Before _ Star System. Ce projet photographique propose de réaliser la carte du ciel du jour ayant précédé divers bombardements militaires sur des cibles civiles restés dans l’Histoire. Ces photographies de grand format croisent l’onirisme du destin et le réalisme tragique de ces événements. On découvre ainsi le ciel étoilé de Guernica au 25 avril 1937 ou celui de Bagdad le 18 mars 2003...

ZILVINAS KEMPINAS


Poétiques, minimales et visuellement intrigantes, les installations in situ de Zilvinas Kempinas combinent l’utilisation sensible de matériaux hétéroclites pour créer des sculptures "vivantes" et dont la forme souvent infra-mince parvient toujours à investir totalement l’espace. Sous les dessous d’une insoutenable légèreté, Zilvinas Kempinas parvient à créer de la monumentalité avec un minimum de moyen, comme un acte furtif et spectaculaire, un jeu sur le vide.

Pour sa première exposition personnelle en France, Zilvinas Kempinas présente Flying Tape (2004), œuvre mobile, élégante et légère jouant sur plusieurs registres. Une bande magnétique de plusieurs mètres flotte dans les airs simplement propulsée par plusieurs ventilateurs posés au sol. Si l’artiste utilise régulièrement des matériaux évoquant l’image et le son, c’est le plus souvent au profit d’une œuvre silencieuse. Hypnotique et vibrante, Flying Tape est une oeuvre qui n’est pas sans évoquer l’héritage de l’art cinétique ou de l’Op Art.


JOACHIM KOESTER

[1962] Vit à New-York.

Qu’il prenne la forme d’un film documentaire en 16mm, d’une série de photos d’archives ou d’un livre, le travail de Joachim Koester transforme les images en histoire, et réciproquement. Fasciné par le Pôle Nord, l’artiste fait de l’exploration l’un des pivots de sa recherche. Joachim Koester s’attache également à la documentation d’événements infimes, disparus de la Grande Histoire, pour les faire réapparaître dans la mémoire collective.

Pour son exposition personnelle au Palais de Tokyo, Joachim Koester réalise une série de nouvelles pièces.


AnnEXE 4nOUVEAUX ESPAcES /ArTISTES

FABIEN GIRAUD


Pour inaugurer les nouveaux espaces dédiés à la jeune création contemporaine et aux projets spéciaux, le Palais de Tokyo invite Fabien Giraud, jeune artiste récemment diplômé du Studio National des Arts Contemporains - Fresnoy (2006), et lui consacre sa première exposition.

Inaugurant un des nouveaux modules, Fabien Giraud présente son installation Rodage (2006), constituée de trois mini-motos posées sur un socle. Périodiquement, les moteurs se mettent à rugir et les motos commencent à s’activer. Chaque moto est équipée de capteurs et d’une intelligence artificielle sommaire qui détermine ses choix et ses attitudes vis à vis des autres motos. Il en résulte l’image d’une communauté embryonnaire faite de réglage et d’intensité, de rivalité, de vexation et de symbiose.

GHOST RIDER

Motard suédois anonyme, Ghost Rider roule à plus de 300 km/h sur les autoroutes d’Europe et filme ses performances. Devenu un personnage culte sur internet, Ghost Rider transforme son flirt avec la mort en une expérience hypnotique.

"Ceux qui regardent sont fascinés, et ils continuent de regarder jusqu’à la fin. Beaucoup réagissent en disant que c’est dangereux ou criminel, mais ils regardent les images jusqu’au bout. J’ai eu des commandes par des policiers, des juges et des avocats. Ils m’écrivent que sur la base des images, je devrais être en prison, mais ils pensent également que les images sont très cool à regarder. Ils estiment que le DVD devrait être interdit. Le film "Massacre à la tronçonneuse" a aussi été interdit, mais maintenant, il est considéré comme un film culte". Ghost Rider interviewé par le journal MOTO 73. http://www.turbobusa.net/v3/ghostrider

http://www.turbobusa.net/v3/ghostrider

PALAIS DE TOKYO / DOSSIEr DE PrESSE / cInq mILLIArDS D'AnnéES /29

ULLA VON BRANDENBURG

[1974] Vit à Hambourg.

Faisant fréquemment appel au trompe l’œil, à l’illusion d’optique et au mystère, Ulla von Brandenburg développe une iconographie chorégraphique qui croise psychanalyse, condition sociale et parapsychologie. Ses films mettent en scène des « tableaux vivants » où des groupes de plusieurs personnes issues de contextes et d’origines variées font corps.

A partir du 5 octobre, Ulla von Brandenburg investit l’un des nouveaux modules dédiés aux projets spéciaux. Dans un contexte industriel, Around, film muet en noir et blanc, joue de manière hypnotique sur les mouvements de freinage et de mutation : une mécanique des corps anonymes se met en place avec une troublante régularité.


AnnEXE 5LES FEnÊTrES /ArTISTE

OLIVIER MOSSET

[1944] Vit à Tucson, Arizona.

Travaillant les questions de signatures, d’appropriations et de répétitions, Olivier Mosset a développé en tant que "non-peintre" une œuvre radicale et rigoureuse qui ouvre de nouvelles perspectives à l’abstraction. Il a participé avec Buren, Parmentier et Toroni à la fondation de BMPT en 1967.


AnnEXE 6LE PLAn


FOcUS

Situé au coeur de Paris - entre la Tour Eiffel et les Champs Élysées - le Palais de Tokyo, site de création contemporaine est devenu une vitrine de la vitalité de la création artistique. Installé dans un bâtiment historique, construit en 1937 pour l’Exposition Universelle et rénové par les architectes, Anne Lacaton et Jean-Philippe Vassal, le Palais de Tokyo dispose d’espaces d’exposition exceptionnels (4000m2) qui le placent au rang des grandes institutions internationales dédiées à l’art actuel.

Quelques chiffres…Depuis son ouverture, le 22 janvier 2002 etjusqu’au mois d'août 2006, le Palais de Tokyo a reçu :> 1 106 907 personnes qui ont visité les expositions, la fréquentation moyenne étant de 21 388 visiteurs par mois, soit 800 visiteurs par jour> plus de 5 millions de personnes qui ont visité le site www.palaisdetokyo.com> 39 368 inscrits reçoivent la newsletter.Entre janvier 2002 et août 2006, le Palais de Tokyo a organisé 115 expositions d’artistes (101 monographiques, 14 collectives) et exposé les oeuvres de 326 artistes.Dans le cadre des 101 expositions monographiques :44,5% de ces expositions ont été réalisées par des artistes français, 55,5% par des artistes étrangers.

Créé en janvier 2002 à l’initiative du Ministère de laculture et de la communication, le Palais de Tokyo est un lieu d’expérimentation et d’innovation. Pensé comme un forum ouvert à tous, il offre une nouvelle façon de vivre l’art au plus près de son époque, des attentes du public et des artistes. Véritable lieu de vie et première institution ouverte de midi à minuit, le Palais de Tokyo propose à la fois des expositions, des événements, des rencontres, de la vidéo, de la musique, un restaurant, une librairie et une boutique. Le Palais de Tokyo a également créé un accueil sur mesure au service de tous les publics grâce à une équipe de médiateurs spécialistes des nouvelles pratiques contemporaines.

La programmation du Palais de Tokyo rend comptede l’art de notre époque et atteste du foisonnementcréatif du monde contemporain, des disciplinestraversées par la création actuelle et des nombreuses expressions émergentes qui en dessinent son futur. Transdisciplinaire, réactif, international, expérimental et diversifié, le programme du Palais de Tokyo témoigne de son engagement permanent aux côtés des artistes tout au long de leur processus de création, pour produire avec eux leurs oeuvres nouvelles les plus pertinentes et significatives. Nicolas Bourriaud et Jérôme Sans ont fondé le Palais de Tokyo.

Après avoir dirigé le Swiss Institute - Contemporary Art à New York de 2000 à 2006 et co-fondé en 1994 le CAN (Centre d’art Neuchâtel) dont il a assuré la direction artistique jusqu'en 2000, Marc-Olivier Wahler est, depuis février 2006, l’actuel directeur du Palais de Tokyo. Le conseil d’administration de l’association est présidé par Maurice Lévy, qui est également à la tête du directoire de Publicis Groupe S.A., premier groupe mondial de média ; Pierre Cornette de Saint-Cyr, vice-président, est un commissaire-priseur de renom. Ce conseil se compose également d’artistes tels que Orlan, Catherine Breillat ou Daniel Buren.

PALAIS DE TOKYO /SITE DE créATIOn cOnTEmPOrAInE


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Presse :Perrine MartinTel : +33 1 47 23 52 [email protected]

Palais de Tokyo / site de création contemporaine /13, avenue du Président WilsonF - 75116 ParisTel : +33 1 4723 5401 & +33 1 4723 3886Fax: + 33 1 4720 1531www.palaisdetokyo.com

Ouvert tous les jours de midi à minuit sauf le lundi.

Commissariat : Marc-Olivier Wahler / directeur du Palais de Tokyo avec la collaboration de Marc Sanchez, Akiko Miki, Claire Staebler, Daria Joubert et toute l’équipe du Palais de Tokyo

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