el50 diario nº6

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE GIJÓN

21 NOVIEMBRE 2012 // nº 6

ORGANIZA PATROCINA COLABORA


OFICIAL

Se dice muchas veces que una película recae sobre los hombros de tal o cual actor, pero pocas veces está tan justificado el dicho como en el caso que nos ocupa.

California Solo está escrita pensando exclusivamente en su protagonista, Robert Carlyle. Su inter-pretación del rockero Lachlan McAldonich, británico emigrado a EE.UU por un motivo que no se desvela hasta el último tercio de la película, es el verdadero motor de la historia. Un personaje que empatiza desde el primer minuto, desencadenante y catalizador de todo lo que sucede, y con una personalidad entre canalla y tierna, que siempre resulta atractivo e invita a la complicidad del espectador.

Complicidad que comienza cuando a Lachlan le multan por conducir bajo los efectos del alcohol en Los Ángeles, infracción que le puede suponer la deportación a su país natal, que había abandonado años atrás por cuestiones no demasiado claras. En el viaje interior que surge a partir de esa infrac-ción, acompañaremos al personaje mientras se replantea las razones que le llevaron a abandonar el estrellato de su banda de rock para buscar refugio en una granja ecológica californiana. Conocere-mos la familia que abandonó, sabremos el incidente que le hizo cambiar tan radicalmente de vida y asistiremos a algunos brotes de esperanza, entre las malas hierbas que se acumulan cada vez más a su alrededor.

Una película sencilla y emotiva, que brilló en Sundance, y a la que se augura una buena carrera co-mercial fuera de los circuitos de Festivales, gracias precisamente a la figura de Carlyle y a su estética típicamente indie americana.

Por :

CARLOs VILLAR

Los secretos de los Chávez salen a la luz el día en que su hijo me-nor, adicto a las drogas, intenta robar el caballo de porcelana de sus padres. Luis, que así se llama el chaval, toca en un grupo punk y lleva vendida media casa familiar para sufragar su vicio. Su her-mano mayor, Paco, de apariencia más formal, goza del favor ma-terno, pero se mete lo mismo que Luis y sigue sin saber qué hacer con su vida. Mientras se acuesta con Lucía, su amor de juventud, ahora casada y con un hijo, intenta mantener las apariencias de cara al mundo. Él es el hijo bueno, la oveja descarriada es Luis. Sin embargo, no todo es lo que parece, y tras ese día innombra-ble, ambos hermanos tienen que enfrentarse al mundo y, sobre todo, a sí mismos, sin ayuda de nadie.

Ópera prima de Javier Andrade, que antes había rodado un par de documentales, esta película ecuatoriana cuenta lo que quiere-narrar ya en el título. La historia de Luis y Paco habla de lo que nadie quiere contar alrededor de una cena familiar, pero también

Por :

CLAUDIA LORENZOJavier Andrade Ecuador / 2011 • 100 m.

de lo que nadie quiere contar en un mitin. Partiendo de una his-toria muy local y de unos personajes desestructurados, Mejor no hablar de ciertas cosas denuncia muchos de los fallos de la sociedad y la clase política ecuatoriana, tan semejantes a otros países que van, como Paco, de formales, pero tienen sus mismos defectos. Pasando de la denuncia del uso de las drogas a un llamamiento de atención sobre cómo seleccionamos a quienes nos represen-tan y gobiernan, Javier Andrade muestra personajes grises, en el mejor sentido de la palabra, que tienen defectos pero también virtudes y que intentan sobreponerse, aunque parezca demasiado tarde, a las circunstancias que les han tocado y, también, a aque-llas situaciones en las que ellos mismos se han metido solitos.

Beneficiándose de intérpretes noveles o casi, Andrade rueda una película que va in crescendo, con un final tan escalofriante como necesario para entender aquellas cosas de las que, al fin y al cabo, sí que es mejor hablar.

Las sesiones de sección Oficial del

Teatro Jovellanos serán ambientadas

musicalmente hoy por Infamous Monster

California Solo

Marshall Lewy Estados Unidos / 2012, 93 m.

HOY • 20:00 h. // Teatro Jovellanos

MAÑANA • 22:15 h. // Cines Centro Sala 1

Mejor no hablar de CiertaS CoSaS (PorCelain horSe)HOY • 17:00 h. // Cines Centro 2

HOY • 22:30 h. // Teatro Jovellanos MAÑANA • 17:30 h. // Cines Centro 2

Todas las familias tienen secretos oscuros.

3 50FICXixón

OFICIAL

Por : CLAUDIA LORENZO

Jung, dibujante reconvertido en director de cine, publicó hace cinco años la historia de su infancia y su adopción por parte de una familia belga en la novela gráfica Piel Color Miel. Este año ha estrenado una adaptación y, a la vez, re-visión de aquella historia de su infancia, con-vertida en una película co-dirigida con Laurent Boileau, basada en el cómic, pero con un nuevo punto de vista.

¿Cómo se enfrenta uno a la creación de un material

tan personal dos veces?

Creo que lo he hecho incluso más de dos veces. De he-

cho, si no hubiera sido un niño adoptado, quizá no me hubiera

puesto a contar esta historia, ni en una novela ni en la película.

Empecé a dibujar porque sentía que había algo que debía expresar.

Es un trabajo de búsqueda de la identidad que empezó desde muy

joven y que aún hoy día continúa. Hay algo muy orgánico en contar

esta historia, es una especie de reflejo para mí.

¿Y ahora que ya ha dejado de explorarse a sí mismo,

qué va a contar?

La verdad es que estoy continuamente explorando el

tema de la búsqueda de la identidad, es un tema inagotable para

mí. Tengo nuevos proyectos, pero no serán autobiográficos, contar

la vida de uno sólo se puede hacer una vez, pero sí que voy a se-

guir abordando este tema. Tengo ganas de explorarlo hasta el final,

porque es un tema universal, siempre en construcción.

Cuando la novela fue escrita, aún no había ido a Corea.

¿Cómo vivió la experiencia de volver para la película?

Era la primera vez que lo hacía desde que me adoptaron.

Con todo el dispositivo técnico que tenía alrededor resultaba impo-

sible expresar lo que tenía lugar en mi interior. Si ya resulta difícil

cuando uno está solo, imagínese. Igual si hubiésemos ido sólo con

la cámara en mano hubiese sido más fácil. De todas formas, lo

contaré en una novela gráfica.

¿Cómo se siente al colaborar en algo tan personal con otra

persona, el co-director Laurent Boileau?

La verdad es que fue muy, muy difícil. Yo estoy acostum-

brado a trabajar en solitario y tengo libertad total como autor de

novelas gráficas, por lo tanto este paso de llevar la novela gráfica

a la pantalla ha sido complicado a nivel de producción. Me dio la

sensación de que el co-director y yo teníamos ideas diferentes, que

no queríamos hacer la misma película.

Mucha gente considera que la novela gráfica ofrece una visión

agridulce sobre la adopción.

En la novela gráfica hay un poco más de amargura que

en la película, es cierto. Hay que pensar que entre 2007 y 2012 han

trascurrido unos años en los cuales ha seguido mi proceso de re-

construcción. En mi trabajo hay una dimensión terapéutica, a pesar

de que no me guste la idea de que el público tenga que pagar por

la terapia. Pero reconozco que existe. Es precisamente esta dimen-

sión la que me ha ayudado a reconstruirme como persona.

Parece que le interesa mucho el tema de la identidad personal.

Yo, como muchos otros niños coreanos adoptados, lle-

gué a Europa en los 70, y creo que he vivido cosas pa-

recidas a los españoles que han tenido que emigrar, el desarraigo.

Hoy en día, la globalización provoca que la gente se desplace mu-

cho más y que el mundo se vaya empequeñeciendo, lo cual no es

malo porque parece que se vuelve más mestizo, aunque sea una

utopía. Y yo estoy a favor de esa utopía.


OTRAs sECCIONEs

¿Qué te impulsó a contar la historia de Aura María, tanto en una novela como en el cine?Emilio Ruiz Barrachina: Cuando se piensa en una historia son muchos los factores que influ-yen. Por un lado está el tema social. Íbamos encaminados al desastre cuando escribí la no-vela, y ya hemos llegado. La novela la presentó en su día María Teresa Fernández de la Vega,

y ella juraba y perjuraba que lo que se contaba era absolutamente imposible. Bueno, está demostrado que la realidad va por un lado y los políticos por otro.

Está bien dar un punto de vista diferente.E.R.B. Hay dos formas de encarar la creación: una, vas a contarle al público una cosa de una forma más o menos fácil, para entretener o denunciar sin riesgos formales narrativos, o vas por nuestra vía, que busca provocar una reacción. Es el camino difícil, pero el más interesante.

¿Y a vosotros, como actores, que os motivó a trabajar en esta película?Carlos Iglesias: Para empezar, como dices, soy actor. Me habían dicho que en cuanto em-pezase a ser director ya no sería considerado actor, y tenían razón. Emilio recuperó mi profesión. Y además es una propuesta muy valiente, muy diferente a lo que yo hago, y eso

para mí era muy interesante.E.R.B.: Lo bonito del papel de Carlos es que hila toda la historia. No se sabe lo que es, aparece de repente y, en el momento en que lo hace, cambia todo el código de la película y desaparece sin hacer ruido. Es un personaje de mucha belleza, que va con la personalidad de Carlos.C.I. : No sólo belleza interior, también exterior, que aquí hay que hablar de todo. (Risas)William Miller: Sí va mucho con Carlos, que aparece y desaparece, no se sabe si es bueno o si es malo (Carlos: ¡Y roba bancos!

¿Y tú, cómo acabaste en este papel?W.M.: No siempre se tiene la oportunidad de hacer todos los géneros, y cuando de repente te ofrecen el cromo que te falta, es un gusto. Además, me pareció una película bonita, no sólo por lo que se ve sino por lo que se dice. En cine se está olvidando mucho la palabra a favor de

la acción, y ésta es una película que hay que escuchar. Hay grandes frases y momentos en la película.

Emilio Ruiz Barrachina presentó en el Festival de Cine de Gijón su nueva película, La venta del pa-

raíso, basada en su novela del mismo título, que cuenta la historia de una inmigrante mexicana en Ma-

drid, las penurias por las que pasa y el grupo de marginados sociales que la arropa. Conversamos

con el director y dos de sus actores, William Miller y Carlos Iglesias, tras el primer pase de la película.



“Está demostrado que la realidad va por un lado y los políticos por otro”

La película ofrece una visión muy cínica del mundo y a la vez, invita a que cada uno use estos mecanismos para cambiar.E.R.B.: Ése es el mensaje de la película. Está en cada uno, porque nos están toreando incluso cuando sale la masa.

Los personajes de la película interiorizan sus problemas y a partir de eso les buscan solución. No les pidamos soluciones a los políticos o a los banqueros. La solución está en cada uno de nosotros. W.M.: De hecho hay otra frase: “Lo que vamos a hacer no es legal, pero es moral”, que está muy al día. Tenemos que empezar a darnos cuenta de que las leyes las tenemos que escribir nosotros, no cuatro tipos encerrados en un despacho.

Tanto Carlos como tú tocáis el tema de la inmigración en vuestras películas…E.R.B.: Es un tema con mucho para hablar. Hemos recibido gente, ahora nos volvemos a ir, es ley de vida

y, afortunadamente, se puede hacer. Los países que reciben son los que más se enriquecen, pero en la película es sólo una excusa para un viaje interior.

Todos los personajes destilan mucha bondad.E.R.B.: Porque están filtrados a través de Aura María. Ne-cesita en ese momento rodearse de bondad. También lla-ma a su madre y dice que vive fenomenal, como muchos

de los inmigrantes. Nadie es capaz de reconocer que le va mal. A la vez, va demoliendo su mundo interior hasta decidir volver al principio y arrancar otra vida con dignidad.

Miguel Ángel Pérez y Javier Asenjo, de Karma Films, se han liado la manta a la cabeza este año y en vez de venir a

Gijón con películas ajenas han rodado Viaje a Surtsey, filme independiente que presentaron ayer.

En él se cuenta la historia de una amistad masculina, una aventura que obligó a todo el equipo a rodar a tres mil

metros de altura… o dos mil setecientos. Muy a tenor de lo que ahora en Hollywood se conoce como bromance,

en donde la relación fuerte de la película surge entre dos amigos, ambos directores admiten que “hay bastante de

nosotros en Mateo e Iñaki, los dos protagonistas. No es que cada uno sea un personaje, pero sí que hay mucho de

nuestra relación y de nuestras experiencias”. Ambos fueron scouts de jóvenes y reconocen en la montaña uno de

sus refugios de juventud, de ahí que sea una parte tan importante de la película, “aunque cuando nos dimos cuenta

de que tendríamos que rodar en las alturas nos lo replanteamos”.

“De todas formas estos protagonistas son unos inconscientes, nadie entiende cómo no se matan subiendo la

montaña”, añaden ambos directores, que asumen parte de la culpa: “cuando subimos nosotros a localizar éramos

igual de locos, el guía quería matarnos”. Viaje a Surtsey es una película independiente, rodada con un equipo que se

convirtió en familia, “queríamos contar una historia cotidiana, diferente a los dramones que muchas veces pueblan el

cine independiente, que son peliculones, pero no dejan de ser tragedias. Mucha gente nos pregunta por qué estos

dos han dejado de hablarse. Pues no es por nada en concreto, la vida te

lleva a cosas así.” Al hablar de sus próximos proyectos, entre los que están

tanto seguir con la producción y distribución de trabajos ajenos como rodar

los propios, se echan a reír. “Estamos planeando la historia de unos amigos

que se divorcian todos a la vez y se van a vivir juntos. Pero aun no tenemos

título. En previsión de las demás entrevistas, deberíamos preparar uno que

merezca la pena.”

“Queríamos contar una historia cotidiana, diferente a los dramones que muchas veces pueblan el cine independiente”

5 50FICXixón

Children Who Chase Lost VoicesMakoto Shinkai • Japón / 2011, 116 m.

ANIMAFICX

Asuna es la única hija de una enfermera viuda que cubre demasiados turnos en el hospital. Ella se organiza el día, va al colegio, se ocupa de la casa y, cuando está libre de responsabilidades, sube a la montaña, y sintoniza una melodía mis-teriosa con la radio que le regaló su padre. Hasta que un día, un joven, Shun, irrumpe en su vida. La aparición del chico desencadenará una serie de senti-mientos y emociones en Asuna, pero también afectará a uno de sus profesores, el señor Morisaki.

Esta nueva película del director Makoto Shinkai, considerado por muchos el nue-vo Hayao Miyazaki, da una nueva vuelta de tuerca al mito de Orfeo y Eurídice. Mucho más reflexiva y oscura que su compañera japonesa a competición, From Up on Poppy Hill, Children Who Chase Lost Voices, propone un viaje sobre lo que supone perder a un ser querido y asumirlo.

Por: Claudia Lorenzo

“Ahora mismo estás dentro del cuadro. Sé que aquí está un poco oscuro, pero es porque van a suceder acontecimientos inquietantes…”

Así comienza la mágica historia de Le tableau, película de animación del realizador francés Jean-François Laguionie nominada a los César. Una pequeña obra de arte, que ofrece muchas más lectu-ras de lo que parece a simple vista.

En el cuadro habitan tres tipos de seres: los Alldunns, personajes completamente pintados por el autor del lienzo; los Halfies, a los que su creador dejó a medio pintar; y los Sketchies o garabatos. En esta pequeña sociedad se persigue a los bocetos, quienes viven ocultos en el bosque al igual que los imperfectos, repudiados por los habitantes del castillo, que gozan de una paleta de colores digna de admirar. Pero como si de Romeo y Julieta se tratara, surge una historia de amor entre un joven Alldunn y una bella pero inacabada chica. Las represalias no se harán esperar, por lo que deciden aventurarse en un viaje en busca del pintor, para pedirle que termine su obra y no haya así ningún tipo de diferencias sociales.

Una película llena de imaginación, donde no sólo resulta un placer para la vista compartir el viaje de los personajes, sino que se plantean cuestiones tan diversas como el sentido de la vida, la búsqueda del creador, la condena al racismo y las inexistentes barreras del amor, capaz de mover el mundo y traspasar, literalmente, un cuadro.

Esta última cuestión es, quizás, la más interesante de la trama, la capacidad de los personajes para ir más allá de las dimensiones del lienzo y aventurarse en otras obras, creando pequeñas historias o cortometrajes independientes, y haciendo claras referencias a Manet, Matisse o Modigliani, por poner algunos ejemplos de grandes pintores universales. Pero, ¿quién no ha imaginado nunca lo que podría suceder de poder adentrarse en un cuadro?

Un bello relato que conmueve y entretiene a partes iguales. Pura poesía visual.

Por: Amaya Murga

ANIMAFICX

HOY • 20 :00 h. // Cines Centro 5 MAÑANA • 17:00 h. // Cines Centro 3

Le tableauJean-François Laguionie • Francia / 2011, 76 m

HOY • 22:30 h. // Cines Centro 5

VIERNES • 17:00 h. // Cines Centro 3

LLENDEs

TowerKazik Radwanski • Canadá / 2012, 78 min.

VIERNES • 22:15 h. // Antiguo Instituto

Con una técnica visual muy personal, Tower es una película que más que contar una historia retrata a una persona. Derek es un treintañero canadiense sin ninguna aspiración en la vida, dominado por la apatía y cuyo hobby es la ani-mación por ordenador. A pesar de su edad, vive con sus padres, quienes intentan empujarle a hacer algo con su vida pero encontrándose con la indiferencia de Derek. Es un personaje en última instancia aislado, solo, obligado a ver el mundo desde fuera.

La película ahonda en la personalidad del protagonista, e intenta, por un lado, mostrar cómo es la vida de este indivi-duo, y, por otro, comprender el funcionamiento de su mente. La historia no es lo más importante, más bien el arco del personaje. Nos encontramos ante un tranche de vie en el que no hay ni un principio ni un final, sino un fragmento de existencia. Todo esto lo consigue su director, Kazik Radwanski, con una realización que aísla al personaje de su alrededor y funciona a modo de lupa, obligando al espectador a concentrar su mirada en la cara de este individuo tan especial.

Cabe destacar la interesante interpretación de Derek Bogart, al que ayuda mucho su aspecto a la hora de caracterizar al personaje. Radwanski, nominado tres años seguidos a mejor corto en el Festival de Berlín, debuta en el largometraje con una película intimista, empática y muy sincera. Sin duda, estamos ante un director que se atreve a lanzar una propuesta fuera de lo corriente, y cuya juventud puede depararnos agradables sorpresas.

Por: Marco Barada



Maravillosa construcción y deconstrucción de dos historias de amor, ambientada en un Mediterráneo barcelonés

y ateniense. Jóvenes enamorados, adultos con ilusiones o con sueños perdidos, viajeros y artistas. El realizador

griego Stathis Athanasiou presenta en esta su ópera prima dos historias que se entremezclan y recorren el tiempo

en sentido inverso. Los madrileños Héctor y Nerea se conocieron en Barcelona, al igual que los griegos Fedra e

Hipólito. Las etapas de la relación se alteran, se recorren los diferentes momentos del amor con intencionada

osadía y excelente resultado. Prometedor comienzo para un realizador diplomado en medicina, con formación

como animador y egresado de la New York Film Academy. Esta película, de factura griega, pero española de

corazón, obtuvo el premio del público en el Festival de Cine Independiente de Nueva York, entre otros galardones,

y promete una envidiable trayectoria. En el reparto, destacan las interpretaciones de los actores helenos Marina

Kalogirou y Stavros Yagoulis, así como de los españoles David Fernández “Fabu” e Inés Castaño, desconocidos

hasta el momento pero con mucho potencial. DOS es una película imprescindible en el FICXixón.

Por: Mercedes Álvarez

OTRAs sECCIONEs

Toda su filmografía tiene temática infantil y adolescente, ¿por qué tratar estos temas?

Me interesa hablar a los adolescentes y a los niños porque ellos aún no están contaminados por el mundo

de los adultos. Me han criticado por ello, pero me parece que cuando se puede establecer la diferencia es,

precisamente, cuando hablas a los niños; sobre el mundo adulto no hay mucho nuevo que decir.

¿Cómo es la situación del cine en Irán?

Tenemos, al igual que ustedes, el reto común de competir con las grandes superproducciones de Hollywood.

En Irán hay escuelas de cine de donde salen directores, pero no hay escuelas de producción, pocos ven más

allá del negocio del cine, olvidan la parte cultural. Lo más difícil en Irán es hacer películas que no tengan un

interés económico o político detrás.

¿Cómo nació su gusto por el cine?

Las películas de Charles Chaplin fueron el detonante, de niño me encantaban y es por ellas que decidí

hacer cine. Después, el cine de Abbas Kiarostami (quien, por cierto, es mi amigo), así como el cine de Amir

Naderi, a quien este festival rinde homenaje.

¿De dónde surge la historia para Growing in the Wind?

La historia de Growing in the Wind está inspirada en mi propia adolescencia, así es como mis hermanos y

yo batallamos para poder ir a la escuela. Escenas como la del maestro hablándonos al aire libre mediante

un micrófono, en medio de las ovejas, son cosas que se me quedaron muy grabadas en la memoria, y por

ello decidí hacer una cinta al respecto. Y hay una anécdota triste sobre esta cinta: muchos de los niños que salen en

ella fallecieron en un terremoto reciente, sucedido en la zona donde la filmé. Muchos incluso no pudieron ver la cinta

terminada, pero al menos su memoria quedó plasmada en la película.

¿Cómo se sintió hoy en su encuentro con los adolescentes?

Fue muy emocionante, me contagiaron con su entusiasmo. Siempre he dicho que yo, antes que jurar por Dios

o por algún libro sagrado, prefiero jurar por el alma de los adolescentes, que es lo más puro que puede haber.

RELLUMEs

DOS. Una historia de amor, al revés…Stathis Athanasiou • Grecia / 2011, 96 min.



Recién llegado de Irán y después de un encuentro con adolescentes es-pañoles en el auditorio de La Universidad Laboral, conversamos con un emocionado Rahbar Ghanbari sobre el cine y su cinta Growing in the Wind.

Por : ALEJANDRO ALEMáN

7 50FICXixón

Si hay alguna película que hace honor al epígrafe de “Crueldad Francesa” que bau-tiza el ciclo del Festival, esa es sin duda À l’intérieur.

Elegir una víctima tan frágil e indefensa como puede ser una mujer embarazada y sola, y someterla sin piedad a una expe-riencia de dolor y muerte sin tregua alguna, supone un nivel de perversidad que difícil-mente se podría denominar de otra manera.

Alexandre Bustillo y Julien Maury, involucran al espectador en el vía crucis de Sarah, la protagonista (estupenda Allyson Paradis) desde la primera secuencia de la película, con ese brutal accidente visto, precisa-mente, desde el interior. Y, del sufrimiento emocional que supone para la madre haber sobrevivido, mientras su marido ha perdido la vida, pasamos rápidamente al sufrimiento

físico, con la irrupción la víspera del parto de una misteriosa mujer (inquietante Béatrice Dalle), que sabe mucho más de lo que pu-diera parecer en un principio.

Nada ni nadie puede frenar la obsesión de esta misteriosa mujer por hacerse con el bebé que Sarah lleva en su vientre. Nada ni nadie se interpondrá en su camino, aunque para ello tenga que matar de las maneras más truculentas, alcanzado un particular nivel de sadismo en las diferentes torturas que inflige a Sarah.

Porque À l’intérieur no es una película fácil, ni una película que deje indiferente. No, o la odias o la amas, no hay término medio.

Y lo consigue sin hacer ningún tipo de con-cesiones al espectador o darle un momento de respiro con una situación más o menos

cómica (que la hay, pero no produce precisamen-te relajación), que ayude a descargar la tensión. Busca y consigue que quien la vea se meta en la piel de la desconcertada Sarah, sufriendo cada segundo la angustia de no saber qué está suce-diendo, ni si logrará escapar con vida junto al bebé que espera.

Brutal, sangrienta, cruel y, sin embar-go, nunca zafia ni vulgar, es sin duda una de las experiencias cinemato-gráficas más impactantes que se han podido ver en una pantalla de cine en lo que va de nuevo siglo.

Por: Carlos Villar

À l´intérieurAlexandre Bustillo, Julien Maury Francia / 2007, 82 m.



RETROsPECTIVAs

LA CRUELDAD FRANCEsA

Por :

JEsÚs PALACIOs

Bruno Lázaro (Madrid, 1957), es uno de los cineastas independientes más personales del panorama nacional e internacional. Afincado durante años en Canadá, ha desarrollado una fascinante carrera entre dos mundos, que convierte su figura y su cine en verdadero símbolo del carácter universal del lenguaje cinematográfico, cuyo idioma re-interpreta desde una poética única e intransferible.

¿Cómo y por qué el cine?

Fue mi manera de escapar a la crisis de identidad de la juventud. Después de dejar la universidad, me

sentía desorientado, sin saber en qué dirección tirar. Así que me senté con mi madre y me puse a ver qué

era lo que realmente me gustaba. Lo que me gustaba era el arte, la tecnología, la fotografía, la música... Y solo hay

una cosa que lo reúna todo: el cine. Así que empecé a ver mucho cine, a ir a la Filmoteca. Me prestaron una cámara

de Super 8 e hice mi primer corto, One Film One, en homenaje a Godard.

¿Te resultó más fácil dedicarte al cine en Canadá de lo que hubiera sido aquí?

Nunca es fácil. Siempre cuesta mucho, pero viéndolo desde la perspectiva española, y más la actual, es

evidente que sí. En Canadá hay ayudas directas a los artistas, a través del Canada Council. Si ves, en

todas mis películas hay alguna participación del Canada Council, pueden llegar a conceder ayudas de hasta 60.000 $

directamente al artista. Gracias a eso pude hacer mi primer largo, The Traveller.

¿Qué es lo que buscas transmitir con tu cine?

Trato de comunicar emociones vitales, cosas que tengan que ver con mis sentimientos en cada momento.

Pero siempre a través de las imágenes. El cine es un lenguaje visual. Me interesa ampliar el lenguaje cine-

matográfico, me aburre la manera convencional de contar historias, la forma correcta de narrar que se enseña en las

escuelas de cine. Pero no me interesa tampoco un cine tan experimental que no llegue a conectar con el espectador.

Me gusta que mis películas sean textos abiertos, que se puedan interpretar, pero que lleguen también y no estén fuera

de la realidad a la que pertenezco.

¿Cómo te ha influido ser ciudadano de dos mundos?

Te da un marco referencial mucho más amplio. Es curioso, por-

que cuanto estoy en Canadá soy “el amigo español”, y cuando

estoy en España soy “el amigo canadiense”. Lo cierto es que mis

películas siempre tratan un poco de esto. A veces puedes llegar a sentir que

no eres de ningún país, pero en el fondo eso te da una perspectiva diferente.

También eres profesor de cine en nuestro país,

¿cómo lo combinas con tu trabajo como director?

Me mantiene despierto y alerta siempre ante lo nuevo. Nuevas

tecnologías, nuevas ideas. No se puede ser profesor sin seguir

aprendiendo. Creces y te sientes inspirado por esos jóvenes de 20 años que

re recuerdan a tí mismo.

Finalmente, ¿cómo estás viviendo este encuentro con Gijón?

Estoy encantado. Las películas han recibido muy buena acogida

del público, y es una oportunidad muy curiosa para volver a verlas

después de años. Gracias a ello he descubierto que son como

un espejo de mi mismo, he descubierto también obsesiones que no había

percibido conscientemente, como la presencia de lo onírico en todas ellas.

¿Y qué te aportó la figura de tu padre,

el poeta Jesús López Pacheco?

Algo fundamental. Me enseñó que la poesía es imagen, tanto en

la palabra escrita como en el cine. La asociación de palabras es como el

montaje en el cine, y ambas deben ser libres. Eso aprendí de mi padre: que

el cine es poesía visual.

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RETROsPECTIVAs

“Un viajero occidental atraviesa el desierto de Afganistán. Allí ve a un afgano que se encuentra mirando a través de un pequeño agujero de una piedra.

Le cree loco y sigue su camino. Diez años después, atravesando el mismo desierto, encuentra de nuevo al hombre, ya con la barba y el cabello muy largos, mirando a través de la misma piedra. Entonces piensa: “Si lleva así tanto tiempo es que debe de haber algo en ella”, y le pide al hombre si le deja mirar por el agujero.

Al mirar no encuentra nada y así se lo hace saber al afgano que le contesta: “llevo diez años mirando para encontrar algo y..., ¿tú crees que lo vas a encontrar en un vistazo de unos pocos segundos ?”

Atiq Rahimi nos ha dejado esta y muchas otras historias en nuestro blog. Si quieres saber más historas visita el

blog del festival www.gijonfilmfestivalblog.com

EL BLOG DEL FICXIXÓNwww.gijonfilmfestivalblog.com

JURAJ JAKUBIsKO

Hay películas que pretenden ser como la vida misma, pero las hay que, por fortuna, son más grandes que la vida, y, quizá por ello, resultan más necesarias, hermosas y terribles.

Un pequeño pueblo perdido entre montañas, casi fuera del tiempo, es el escenario para esta superproducción -la película más cara rodada hasta la fecha de su estreno, tanto en Eslovaquia como en la República Checa-, a la que la etiqueta de “realismo mágico” se le queda pequeña. Hiperbólica historia de hombres y lobos, de profecías y catástrofes, pero también de emociones, deseos y locuras humanas, An Ambiguous Report About the End of the World supuso el retorno a las pantallas del mejor Juraj Jakubisko, cronista rabelesiano, excesivo y barroco de los sueños y pesadillas de una humanidad atribulada, en un fresco impresionante, donde los géneros se funden y confunden como en la propia vida -comedia, drama, tragedia, fantasía, crimen...-, para ofrecernos un espectáculo grotesco, maravilloso y aterrador, que se erige al tiempo en alegoría carnavalesca de la gran tragiciomedia humana.

Film apocalíptico, en el sentido literal de la palabra -como revelación-, Jaku-bisko retrata aquí personajes y pasiones tan desmedidas como los majes-tuosos paisajes donde se desarrolla su historia, acompañado todo por una envolvente banda sonora, una fotografía espléndida y, sobre todo, una sen-sibilidad surrealista, cautivadora y fascinante para el ojo y para la mente.

Para muchos, la obra maestra del llamado “Fellini” eslovaco, y, sin duda, una película que sorprende y supera toda expectativa.

Por: Jesús Palacios

An Ambiguous Report About the End

of the World

Juraj Jakubisko • República Checa / 1997, 158 m.


HOY • 12.30 // Cines Centro 3

Fe de erratas La crítica de O Som ao Redor aparecida ayer en la pág. 3 de nuestro dirario con firma de Claudia Lorenzo, debía figurar con la firma de Mercedes Álvarez, su autora real.

9 50FICXixón

ACTIVIDADEs LA FIRMA

EL PERIODISTA Y ESCRITOR JUAN SARDÁ, QUE VISITÓ ESTOS DÍAS EL

FICX, REFLEXIONA CON LUCIDEZ Y SIN ESTRIDENCIAS SOBRE UNO DE

LOS TEMAS MÁS POLÉMICOS DEL MOMENTO, QUE ALGUNOS INTENTAN

INSTRUMENTALIZAR INTERESADAMENTE, POR ENCIMA DE CUALQUIER

CONSIDERACIÓN CINEMATOGRÁFICA O CULTURAL.

l domingo, un grupo de manifestantes protestaba delante del Jovellanos contra la presencia de una película israelí en la Sección Oficial, Epilogue, dirigida por Amir Manor. No eran tampoco muchos, pero sí muy ruidosos y portaban dramáticas pancartas.

Desde luego, parece lógico, lo contrario sería quizá lo preocupante, que los ciudadanos de Gijón se preocupen por los trágicos acontecimientos en Oriente Medio. La política israelí es sin duda muy discutible, y las imágenes de los cadá-veres en Gaza producen una lógica tristeza. La protesta no solo está justificada, también es muestra de una sociedad viva y que tiene los ojos abiertos.

Sin embargo, creo que censurar una película israelí por el simple hecho de serlo habría sido un grave error que, por fortuna, no se ha cometido, del mismo modo que los manifestantes erraban la ocasión, por mucho que entendamos su rabia y consternación. Uno no nace donde escoge sino donde le toca, y consi-derar a todos los israelíes sin excepción culpables de lo que haga su gobierno, tiene la misma lógica que condenar a todos los artistas españoles que trabajaron durante el franquismo porque vivían en un régimen fascista.

Nos parece irracional, como es poco justo, condenar de entrada a una persona por el país que figura en su pasaporte. El Festival de Cine de Gijón, en sus 50 años, precisamente ha servido para tender puentes entre naciones y culturas di-ferentes, reivindicando así el lenguaje universal del cine. Existen, además, otras circunstancias, como el que Epilogue sea una película sumamente crítica con la deriva de la sociedad israelí. Retrato de la vejez de dos pioneros del Estado sio-nista, el filme refleja la traición a los nobles ideales sobre los que se fundó este estado, influidos por las ideas izquierdistas de la mayoría de los judíos de la épo-ca. A la hora de formarnos una opinión sobre un asunto tan complejo como el de Israel y Palestina, el cine de ambos bandos es precisamente una herramienta sensacional para madurar nuestras opiniones y poder enriquecer el debate.

Sin duda, la presencia de la película de la maravillosa actriz palestina Hiam Abbas, quien ha trabajado con directores judíos y árabes y presenta su debut como directora, Inheritance, estos días en Sección Oficial, servirá para poder continuar profundizando en un conflicto que marca hondamente el mundo contemporáneo.

Por :

JUAN sARDáPeriodista, escritor y crítico de cine, colaborador habitual de El Cultural del diario El Mundo y Screen International, entre otras publicaciones, y autor también de las novelas Dinámica de los cuerpos eléctricos y Taksim.

EL LUNES, EL FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE GIJÓN Y EL SINDICA-

TO DE GUIONISTAS ALMA ESTRENARON SUS JORNADAS “LAS ESCRITU-

RAS DE GUIÓN”, DEDICADAS A ENTENDER LOS ENTRESIJOS DEL GUIÓN,

EN UN LUGAR TAN ESPECIAL COMO EL ACUARIO.

En una sala de conferencias incomparable, con una enorme pecera de fondo, Lola Salvador, ganadora de un Goya y jurado del FICX 2012, presentó estas jornadas en presencia del director del festival Nacho Carballo y del invitado del día, Adolfo Valor. Éste último, guionista de programas como Homo Zapping o El Intermedio, entró rápidamente en materia con los sketches como tema. De forma dinámica y animando a la participación del público (muy activo), Valor fue desgranando los mecanismos del funcionamiento de la comedia, género miste-rioso donde los haya. Ejemplos de programas como Saturday Night Live o Monty Phyton’s Flying Circus sirvieron para ilustrar distintas técnicas y recursos para el guionista.

El martes, el protagonista fue Ignacio López Muro, guionista de la serie 7 vidas, que abordó el tema de las sitcoms en una sala completamente abarrotada con alrededor de 90 personas. Muro introdujo el tema con un breve recorrido histó-rico, empezando por I love Lucy, precursora del género en los años 50. Al igual que con Adolfo Valor, los ejemplos han sido clave para entender las explicaciones de Muro, que también ha arrojado luz sobre el funcionamiento de las series de humor en la televisión española, analizando sus características. En tan solo dos días el público ha demostrado su afán de conocimiento y su interés por un mun-do tan complejo y fascinante como es el del guión.

Por: Marco Barada


24 VIÑETAs POR sEGUNDO

11 50FICXixón

Directores del periódico: Nacho Carballo Jorge Iván Argiz

Redacción: Jesús Palacios Mercedes álvarez

Han colaborado en este número: Marco Barada, Mercedes álvarez, Claudia Lorenzo, Jesús Palacios, Alejandro Alemán, Amaya Murga, Carlos Villar.

Firma invitada: Juan sardá

Traducciones al asturiano: Oficina de normalización llingüística Ayto. Gijón

Página de cómic: Albert Monteys

Fotografía: Pensar Audiovisual

Foto del día: Pipo Fernández

Diseño y maquetación: SIGNUM (www.signum.es)

Impresión: El Comercio

Departamento comercial: 985 18 29 [email protected] www.gijonfilmfestival.com

STAFF

www.gijonfilmfestival.com

D.L

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33-2

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FESTIVAl INTERNAcIONAl DE cINE DE GIjóN

C/ Cabrales, 82. 33201, Gijón (España)

Tlf. (+34) 985 18 29 40Fax. (+34) 985 18 29 44

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HOY (16/11/2012)HOY • 21/11/2012 MAÑANA • 22/11/2012

SALA ACAPULCO • 00:00 Lorena álvarez y No Band For Lluvia

TEATRO JOVELLANOS11:30 AnimaFICX/Enfants Terri-bles (Voice over en castellano)PINOCChIO 78’20:00 Esbilla AsturianaEL BRUJO FRENTE AL ESPEJO 80’22:30 Oficial largos88 84’

• • • • • • • • • • • •LABORAL09:30 Enfants TerriblesARCADIA 90’12:00 Enfants TerriblesGAAMER 92’

• • • • • • • • • • • •ANTIGUO INSTITUTO17:00 Amir NaderiSOUND BARRIER 83’19:45 Bruno LázaroThERE ARE NO OUTDOOR ICE RINKS IN MADRID 75’22:15 Géneros MutantesThE WhISPERER IN DARKNESS 102’

• • • • • • • • • • • •CINES CENTRO SALA 117:00 Cortos oficialMUESTRA III19:45 Llendes (Tertulia feminista Les Comadres)FAMILY MEALS 50’22:15 Oficial largos (Encuentro)CALIFORNIA SOLO 93’

• • • • • • • • • • • •CINES CENTRO SALA 211:00 Enfants TerriblesLE FILS DE L’AUTRE 105’17 :00 Oficial largosMEJOR NO hABLAR DE CIERTAS COSAS (Porcelain horse) 100’20:00 Rellumes (Encuentro)VILLEGAS 98’22 :30 EsbillaOUR ChILDREN (À perdre laraison) 111’

• • • • • • • • • • • •CINES CENTRO SALA 3 12:30 RellumesPOLLUTING PARADISE 98’17:00 AnimaFICXChILDREN WhO ChASE LOST VOICES 116’19:45 Amir NaderiVEGAS: BASED ON A TRUE STORY 101’

TEATRO JOVELLANOS11:30 Enfants Terribles (Único pase)IGOR AND ThE CRANE’S JOURNEY 90’20:00 Oficial largosCALIFORNIA SOLO 93’22:30 Oficial largosMEJOR NO hABLAR DE CIERTAS COSAS (Porcelain horse) 100’

• • • • • • • • • • • •

LABORAL09:30 Enfants TerriblesARCADIA 90’12:00 Enfants TerriblesOFF WhITE LIES 86’

• • • • • • • • • • • •

YELMO11 :30 AnimaFICX/Enfants Terri-bles (Encuentro sólo escolares)PINOCChIO 78’

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ANTIGUO INSTITUTO17:00 Amir NaderiMARAThON 74’19:45 Esbilla asturianaMUSEO DE OJOS EN SILENCIO 102’22:15 Bruno LázaroThERE ARE NO OUTDOOR ICE RINKS IN MADRID 75’

• • • • • • • • • • • •

CINES CENTRO SALA 117:00 Cortos OficialMUESTRA II19:45 Cortos OficialMUESTRA III22:15 Oficial largosVIAJE A SURTSEY 98’

• • • • • • • • • • • •CINES CENTRO SALA 217:00 Oficial largos (Prensa y acreditados)MEJOR NO hABLAR DE CIERTAS COSAS (Porcelain horse) 100’20:00 LlendesThe Pirogue 87’22:30 Rellumes (Encuentro)DOS. UNA hISTORIA DE AMOR, AL REVÉS… 96’

22:15 Juraj Jakubisko (Entrada libre – encuentro)BAThORY 138’

• • • • • • • • • • • •CINES CENTRO SALA 417:00 EsbillaSNOWTOWN 120’19:45 AnimaFICXLE MAGASIN DES SUICIDES 79’22:15 AnimaFICX (Encuentro)CRULIC. ThE PATh TO BEYOND 73’

• • • • • • • • • • • •Cines Centro Sala 509:30 Oficial largos (Prensa y acreditados)ABOUT ThE PINK SKY 113’13:00 Esbilla Asturiana (Prensa y acreditados)EL BRUJO FRENTE AL ESPEJO 80’17:00 Oficial largos (Prensa y acreditados)88 84’20:00 Oficial largosABOUT ThE PINK SKY 113’22:30 Día d’AsturiesCortos a competición

• • • • • • • • • • • •GIJÓN SUR20:00 Juraj JakubiskoWILD FLOWERS 78’

• • • • • • • • • • • •PRENSA Y ACREDITADOS (ABIERTO AL PÚBLICO)ANTIGUO INSTITUTO12:00 Photocall y rueda de prensa de MEJOR NO hABLAR DE CIERTAS COSAS, con la asistencia del director Javier Andrade14:30 Photocall y rueda de prensa del equipo de la película EL BRUJO FRENTE AL ESPEJO, con la asistencia de, entre otros, el director Rai García y de Enrique Castro “Quini”.

• • • • • • • • • • • •PRENSA Y ACREDITADOS (ABIERTO AL PÚBLICO)TEATRO JOVELLANOS19:30 Citación prensa para el photocall de EL BRUJO FRENTE AL ESPEJO

• • • • • • • • • • • •ABIERTO AL PÚBLICOPatio del Antiguo Instituto19:30 Conversaciones cinéfilas con Fernando Marías: Memoria emocional y psicoanálisis creador, con la asistencia de Vanesa Montfort y Agustín Díaz Yanes

CINES CENTRO SALA 312:30 Juraj JakubiskoAN AMBIGUOUS REPORT ABOUT ThE END OF ThE WORLD 158’17:00 Juraj JakubiskoWILD FLOWERS 78’19:45 Llendes (Entrada libre-Encuentro)TOWER 78’22:15 La crueldad francesaRATAS 17’A L’INTERIEUR 82’

• • • • • • • • • • • •CINES CENTRO SALA 417:00 AnimaFICXLE ChAT DU RABBIN 89’19:45 Oficial largosChILDREN OF SARAJEVO (Djeca) 90’22:15 Oficial largosShADOW DANCER 100’

• • • • • • • • • • • •

Cines Centro Sala 509:30 Oficial largos (Prensa y acredi-tados)CALIFORNIA SOLO 93’17:00 Oficial largosLA VENTA DEL PARAíSO 102’20:00 AnimaFICXChILDREN WhO ChASE LOST VOICES 116’22:30 AnimaFICXLE TABLEAU 76’

• • • • • • • • • • • •

GIJÓN SUR20:00 Bruno LázaroIT’S FOR YOU! 94’

• • • • • • • • • • • •PRENSA Y ACREDITADOS (ABIERTO AL PÚBLICO)

ANTIGUO INSTITUTO

11:30 Photocall y rueda de prensa de Marshall Lewy, director de California Solo

ABIERTO AL PÚBLICO

PATIO DEL ANTIGUO INSTITUTO

19:30 Conversaciones cinéfilas con Fernando Marías: Nueva era, con la asistencia de Paco Plaza y David Torres.

SALA ACAPULCO • 00:00 Estereotypo y Drumlazers

GAlA DE clAUSURA: El jueves 22 de noviembre salen a la venta las entradas.

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el50 diario nº6

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