digital indalofoto nº4

Digital Indalofoto revista CUAtrimestral grupo indalo foto

NÚ

MER

O 4

/ SE

PTIE

MBR

E D

E 20

13

EDITORIAL

El amanecer me sorprende cámara en mano en las Salinas de Cabo de Gata. Poco a poco, la naciente luz lo inunda todo, y aliada con el mar y la sal es cada vez más dura.

Esta luz sin medida, es la que ha sabido cap-tar como nadie nuestro gran fotógrafo Carlos Pé-rez Siquier, y para su reconocimiento, Photoes-paña 2013 le ha concedido el prestigioso premio Bartolomé Ros. Desde nuestro grupo queremos hacer pública nuestra felicitación.

Llega la tarde, y la dura luz va suavizándose hasta volverse cálida, dando otro sentido a este mítico lugar. Cuando el sol desaparece por el ho-rizonte, una penumbra azul envuelve las barcas y los viejos tornos de las Salinas con una luz irreal y mágica.

Miguel Hidalgo Presidente Grupo Indalo Foto

REVISTA INDALOFOTO DIGITAL NÚMERO 4 Edición septiembre 2013

Redactor Jefe: Cristóbal Barea

Diseño y Maquetación: Carmen Pascual José Francisco Góngora

Equipo Redacción: Miguel Hidalgo Luis de la Poza Ángel Soler Chencho Ruíz Rafael Ramos José Miguel Martínez

Colaboraciones: Javier Pérez

DISEÑO DE PORTADA:Carmen Pascual

© Grupo Indalofoto

Índice

IndalofotoGrupo

¿Qué Actividades Hacemos?

Exposiciones:Desde su primera muestra colectiva

en el desaparecido Casino Cultural de Al-mería en 1982, el Grupo Indalofoto no ha dejado de promover la actividad exposi-tiva, tanto con carácter individual como colectivo, siendo uno de sus principales objetivos acercar a través de las mismas el trabajo de los socios al público.

Todos los años se organizan dos o tres exposiciones, en ocasiones con una determinada temática y en otras de es-tilo libre, donde cada autor presenta su trabajo de una forma más personal.

¿Quienes Somos? El Grupo Indalofoto es una asociación

formada por fotógrafos amateurs y profe-sionales, con sede en Almería, que busca la promoción y desarrollo de la fotografía en todas sus vertientes. Fundado en 1982, per-dura hasta nuestros días acogiendo a artis-tas y amantes de la fotografía de diferente índole, estilo y formación fotográfica.

Nuestra Sede Social se encuentra en:

Grupo INDALO FO C/ Padre Picazo, 31 04002-ALMERIA

950 25 52 [email protected]

Salidas y quedadas foto-gráficas:

Disfrutar de la fotografía mediante la realización de salidas fotográficas y culturales es otra de las actividades que se promueven dentro del grupo, siendo una oportunidad genial para compartir experiencias y vivir buenos momentos, tanto personales como fotográficos, ro-deado de profesionales y amantes de la fotografía.

Cursos y seminarios foto-gráficos:

La fotografía es un mundo en cons-tante evolución. El Grupo Indalofoto se encarga de la organización de cursos con la finalidad de que tanto socios como no socios desarrollen su potencial con las herramientas y conocimientos necesa-rios para ello. Cursos que van desde la composición fotográfica, el uso básico y avanzado de cámaras digitales, ilumina-ción natural y de estudio, así como las últimas técnicas de revelado y postpro-cesado, etc.

Aunque los cursos se ofertan al pú-blico en general, los socios cuentan con ventajas tales como la gratuidad en la mayoría de ellos, descuentos en otros, prioridad a la hora de la matriculación, etc.

Ayuda en el montaje de exposiciones individuales:

Objetivo del Grupo es la ayuda al so-cio que quiera realizar su propia exposi-ción fotográfica, brindando un valor aña-dido necesario para su montaje, tanto a nivel de conocimientos, como en el prés-tamo de materiales, ayuda en la con-

fección de cartelería, herramientas y mesas de corte, iluminación auxiliar, etc.

Promoción Individual de los fotógrafos:

El Grupo Indalofoto da cobertura a la promoción individual de sus socios, ayudándoles a darse a conocer y proyec-tarse. En ese sentido, se hace hincapié en el diseño y distribución de cartelería, el acceso a salas y lugares de exposi-ción, apoyo grupal en sus actividades y exposiciones individuales, difusión en las redes sociales y en los medios digi-tales y escritos, así como publicaciones en nuestra página web y nuestra revista.

Uso de equipos e instala-ciones:

Actualmente se dispone de instala-ciones y diferentes equipos para el uso y disfrute de los socios, así como sala de reuniones y una pequeña biblioteca de temática fotográfica.

El concurso “Jarapilla”: Sin duda uno de las actividades so-

ciales más importantes del Grupo. Un concurso mensual, abierto a la partici-pación de todos los socios, en el que de forma anónima se presentan copias im-presas de fotografías, siendo las mismas objeto de valoración, tanto en su face-ta técnica como artística, por el resto de asistentes. La sesión acaba después de comentar una a una todas las obras presentadas, abriendo un debate enri-quecedor y necesario para contrastar las diferentes formas de entender el medio fotográfico. Cada mes, los participantes reciben una puntuación dependiendo de

la valoración recibida por sus foto-grafías y a final de año se premia a los tres mejores fotógrafos de esa sesión.

Una manera de ponerte a prueba y lograr la motivación necesaria para de-sarrollar tu propio estilo personal. Una noche mágica sin la que no podrás pasar.

Proyecciones de Reporta-je Fotográfico:

Aprovechando la posibilidad que nos brindan las nuevas tecnologías, se rea-lizan de manera virtual exposiciones de reportaje fotográfico, donde el autor presenta a los asistentes su especial y particular visión de un tema que ha de-sarrollado fotográficamente en profundi-dad. Una serie de elementos temáticos y contextuales que, unidos en serie, in-tentan hacer llegar al observador, de una manera amplia, la realidad que quiere transmitir el fotógrafo.

Revista Indalofoto Digi-tal:

El fotógrafo es un artista que nece-sita enseñar lo que ve, una manera de transmitir lo que lleva en su interior. A veces, esta disciplina de la luz se mezcla con otras disciplinas, como por ejemplo el diseño gráfico o la creación literaria y personal. Indalofoto Digital ofrece la posibilidad de poder desarrollar esas in-quietudes mediante la colaboracion con nuestra revista.

>> ¿Que puedo hacer para apuntarme?

Siendo miembro del Grupo Indalofoto po-drás participar en todas las actividades que se

propongan, podrás hacer uso de las instalaciones y equipos, acceder a exposiciones, cursos gratuitos y diferentes actividades fotográficas.

Ponte en contacto con nosotros:

( 950 25 52 [email protected]

>> ¿Dónde puedo seguir las actividades?

Las nuevas tecnologías brindan la posi-bilidad de poder estar al tanto, de manera dinámica y a tiempo real, de cada una de las actividades que lleva a cabo la asocia-ción. Te invitamos a que nos sigas ...

Puedes encontrarnos en:

www.grupoindalofoto.com

twitter: #Grupo Indalofotohttps://twitter.com/#!/GrupoIndalo-foto

Grupo de Facebook: Grupo Inda-lofotohttp://www.facebook.com/#!/groups/GrupoIndalofoto/

Grupo de Flickr: Grupo Indalofotohttp://www.flickr.com/groups/gru-poindalofoto/

IndalofotoGrupo

Una de las actividades más importantes que realiza el Grupo Indalofoto es La Jarapilla. Un concurso fotográfico mensual abierto a la participación de todos los asociados y en el que éstos exponen su obra a la valoración y crítica, tanto en su aspecto técnico como artístico, del resto de participantes. Una dinámica que deriva en un enriquecedor debate analítico de los trabajos presentados y la fotografía en general.

A veces La Jarapilla comienza con un pensamiento, otras con una motivación o inquietud, buscando en directorios olvidados o estrujando la inspiración para adaptarse a la temática. Pero siempre tiene el mismo final; ver, oir y sentir el calor fotográfico del ambiente en la sede. Volver a ver las caras de los grandes artistas, nerviosos por la valoración de las obras o símplemente disfrutando de un magnífico chiste de la vida. Y como siempre, y como no podría ser de otra manera, rodeado de las mejores fotografías que nos brinda nuestro ingenio.

Miguel Á. Pérez “Er Juli”Primera Clasificada

La Jarapilla mayo 2013

Jose F. GóngoraSegundo Clasificado


Carmen PascualTercera Clasificada


Javier MárquezPrimer Clasificado

La Jarapilla junio 2013

Alfredo RomeroSegundo Clasificado


Jose F. GóngoraTercer Clasificado


Miguel Pérez “Er Juli”Primer Clasificado, temática: Minimalismo

La Jarapilla julio 2013

Ángel SolerSegundo Clasificado, temática: Minimalismo


Alfredo RomeroTercer Clasificado, temática: Minimalismo


Carmen PascualTercera Clasificada

temática: MinimalismoLa Jarapilla julio 2013

“La fotografía no tiene límites” Carmen Pascual“El límite de la fotografía esta

en el alma del fotógrafo” Antonio Ciendones

“El límite de la fotografía son los de la propia imaginación, siempre que los elementos utilizados sean fotográficos y hayan sido tomados por el propio autor” Ángel Soler

“El límite de la fotografía es la imaginación” Rafael Ramos

“No existen límites, sólo la vulneracion del derecho ajeno” José Miguel Martínez

“El límite de la fotografía es cuando el ordenador supera a la lente” Maribel Martínez -Almurabi-

“El límite de la manipulación es cuando se transforma una captura en una caricatura de lo que debe ser una imagen real” Luis de la Poza

“¿Donde está el límite?. Cuando la manipulación falsee la esencia de la captura fotográfica” Miguel Hidalgo

“El límite de la fotografía es la realidad y su interpretación” Miguel Pérez -Er Juli-“El limite de la fotografía es el que

la creatividad y la imaginación nos imponga” Cristobal Barea

EN LOS LIMITESDE LA FOTOGRAFÍA

Los límites de la fotografía es un debate que se ha visto acrecentado en los últimos tiempos con motivo de la extensión masiva de las nuevas tecnologías de edición fotográfica. Los nuevos flujos de procesado son tan trascendentes, que incluso muchos autores consideran prescindible el pilar básico de la fotografía, es decir, el control de la exposición. Así pues, se encomiendan en el postprocesado para reajustar capturas básicas a las que les sobra o faltan pasos de luz.

En su momento, a mí también me dio mucho que pensar, cuando hace ya algunas semanas, el director de fotografía de la aclamada National Geographic, decía “basta” a los excesivos retoques fotográficos que alteran la realidad, palabras que se extendieron como la pólvora en la comunidad fotográfica. Dejaba para la posteridad frases como “queremos ver el mundo con vuestros ojos, no con Photoshop”.

Nadie puede negar que en esta disciplina, el uso de Photoshop o Capture One, por mencionar algunos, es una actividad muy extendida, e incluso me atrevo a decir, imprescincible para llevar a buen puerto una fotografía. Sin embargo, me parece necesario plantearnos ciertos interrogantes: ¿dónde están los límites?, ¿debe haberlos?.

Si atendemos a la definición que nos brinda el diccionario; fotografíar es el proceso de capturar imágenes duraderas por la acción de la luz y fijarlas en un medio material sensible a ella. Sin duda, para mí, esto tiene un sentido excesivamente “purista” en estos tiempos. Profundizando un poco más en el origen del término, fotografía, procede del griego φως phos (“luz”), y γραφίς grafis (“diseñar”, “escribir”) que, en conjunto, significa “diseñar/escribir/grabar con la luz”. Otra vez volvemos a un elemento imprescindible en la fotografía: “La luz”.

Sin embargo, en esta reflexión sobre los límites de la fotomanipulación, no me deja impasible pensar que muchos puristas disparan en blanco y negro sus capturas. ¿Puede haber alguna mayor manipulación de la realidad que la ausencia total del color?. Si el

analogía?. Opino que en estos casos solamente podemos acogernos a la idea anterior. La luz crea volúmenes, sombras, ambientes y reflejos. En mi opinión, la escala de grises es la forma más pura de reflejar la luz que hay. Es decir, eliminando los cromatismos, eliminas la distracción de los colores y dejas en la luz el completo protagonismo. Así que, por ahí, puristas, os vais a escapar.

Por otro lado, algunos me dirán ¿y las nuevas técnicas de edición paisajística?. Un tema también espinoso para algunos. Hdr´s, ELE´s, procesamiento por zonas ... ¿Hay alguna aproximación a la realidad más certera que intentar acercar el rango dinámico de un sensor al rango dinámico de nuestro ojo?. En este caso mi opinión es contradictoria; desde luego, no me gusta encontrarme ciertos “comics” que circulan por ahí. Sin embargo, no se trata

de una cuestión de límites, sino de gusto por la estética. Creo que en cierto modo, nos hemos acostumbrado a ver en los positivados, un rango dinámico fotográfico limitado. Se trataba de el rango que permitía la técnica del momento, de tal manera que cualquier ampliación de éste, hace evocar al observador la posibilidad de un sobreprocesamiento. Para mí, ese pensamiento es un auténtico error.

Cuando la fotografía se presentó en 1839, dejó bien claro a los profesionales de la época que es un arte “demasiado cruel”, una disciplina que no se olvida de una arruga o de cualquier verruga en el rostro de las personas. Sin embargo, los padres de la fotografía pronto encontraron soluciones analógicas, oscureciendo e iluminando retratos en los salones del París del siglo XIX. Pintaban sobre negativo con tintas chinas o coloreando los positivos. Tengo que reconocer como amante del retrato, mi pasión por los retoques en ese sentido, siempre y cuando no se desvirtúe el retrato. En ese caso, para mí, el límite está en el modelo. Muchos autores procesan hasta convertir al retratado en otra persona muy diferente, esto me hace pensar que el mejor retoque es el que no se nota.

Incluso la fotografía histórica encontró un filón en esta disciplina gracias a la autenticidad que a priori mostraba este arte. Abraham Lincoln no tenía tan buen posar como se le recuerda, ya que en su famosa fotografía , el cuerpo no era el suyo. También Stalin hizo uso de ese poder, ya que no le apetecía aparecer en las fotografías con personas que posteriormente mandaba ejecutar. Hoy día, con las herramientas de edición gráfica, quitar, clonar, está al orden del día. ¿Estaba bien lo que hacían? La fotografía histórica o el fotoperiodismo se debe, por su propia naturaleza, a la esencia de lo fotografiado, pero haciendo gala de la máxima realidad e inalteración posible, prescindiendo de la

EN LOS LÍMITES DE LA FOTOGRAFÍA

técnica creativa.

Ahora bien, parece que mis límites se imponen en función de la disciplina fotográfica. Y en cierta medida es así. En la fotografía de autor (el término fotografía artística no es de mi agrado) existen dos pensamientos comunes a todas las disciplinas: En primer lugar, la autoría; He visto paisajistas pegar un cielo bajado de internet para animar una captura. Entiendo que el “fotomontaje” es una disciplina con carácter propio dentro de la fotografía, pero creo, que como mínimo, los elementos de la fotografía deben ser de autoría del propio fotógrafo. En segundo lugar, el efectismo no debe superar la esencia de la captura. A lo largo de mi experiencia viendo fotografías, he visto usos de filtros fotográficos que simulan aguas, riachuelos, gotas, ponen la luna o el arco iris, por poner ejemplos radicales. Si duda, es la creación de una captura totalmente diferente a lo que en su génesis, es la fotografía: Capturar con luz. Dos límites mínimos que me gusta dejar claro y que en mi visionado, tengo muy presentes.

Casi para terminar, en mi propia jerga fotográfica, suelo hacer distinción entre fotografías y lo que denomino “arte digital”. Una disciplina nueva y tan digna como la anterior, que se encarga de recoger todas esas imágenes que para mí, quedan fuera de los “límites de mi concepto de fotografía”. Muchos de nosotros, alguna vez hemos clonado nuestro cuerpo junto al de una famosa modelo, o en una playa de un paraíso perdido en las islas Azores.

Por último quiero dejar una idea que creo que es lo más importante; No todas las opiniones son dogmas, ni inamovibles. Si algo me ha enseñado la pertenencia al Grupo Indalo Foto, es a ver y respetar la pluralidad de opiniones en todos los temas. Esto te enriquece y consigue que plantees a veces tus propios pilares fotográficos. Lo interesante será ver pasar los años y volver a preguntarme ¿Cuáles son los límites de la fotografía?.

Jose Francisco Góngora

EN LOS LÍMITES DE LA FOTOGRAFÍA

Fotos: Miguel Perez “Er Juli”

Mojacar, 1992

CARLOS PÉREZ SIQUIER

UNA MIRADA INTERIOR

“por su papel como dinamizador de la fotografía españo-la a través de AFAL y su obra en color que abrió las puertas para la ampliación de la fotografía española en los años 60 y 70” el Festival Internacional de Fotografía PhotoEspa-ña 2013 concede el premio Bartolomé Ros a la mejor tra-yectoria profesional española en fotografía, en su edición 2013, a Carlos Pérez Siquier.

CRISTÓBAL BAREAJAVIER PÉREZ

Cabo de Gata, 1991

Preparando este número especial de la revista Indalofoto dedicado a este excepcional fotógrafo, fuimos testigos de excepción de la concesión del premio Bartolome Ros, uno de los de más recono-cido prestigio, mientras manteníamos con él, más que una entrevista, una larga conversación sobre su vida y obra, y sobre la fotografía en general. Desde aquí y en primer lugar, no podemos más que felicitar nuevamente a este almeriense universal que con paciencia, tesón y fidelidad a un estilo y un ideario fotográfico, ha llegado a instalarse en un lugar preeminente en la historia de la fotografía española.

Comenzamos este largo coloquio recordando la figura del que fue, según sus propias palabras, el mejor amigo que jamás tuvo y una de las persona-lidades más destacadas de la cultura almeriense de la segunda mitad del S. XX, José María Artero, con quien inició el camino de renovación que supuso AFAL y del que humildemente destaca su calidad humana y su figura, un tanto olvidada, de mecenas un tanto utópico que con su iniciativa promocionó el trabajo de muchos artistas almerienses. Ese ca-mino nos lleva indefectiblemente a AFAL, mucho

“Las revoluciones tienen que morir jóvenes”

se ha hablado de todo lo que esa inicativa cultural supuso para el desarrollo de la cultura fotográfica en España, pero a veces no se le da la importancia debida al hecho que de forma deliberada y como el mismo dice, para evitar que la misma fuera mu-riéndose poco a poco, como si fuera un enfermo terminal, decidieran aplicarle una “eutanasia” que propició que todo lo que significaba ese movimien-to no se diluyera con el tiempo.

Pero Carlos Pérez Siquier, paralelamente a AFAL, y tras el “ase-sinato” de esta, se fue configurando con un fotógrafo con un estilo personal y visionario respecto de la fotografía que se hacía en su momento. Una obra basada en un ideario que el mismo nos defi-ne: “muy pocos elementos, muy bien ordenados, con una percepción muy directa a lo que yo quiero dar más impor-tancia, más énfasis, para comunicarme o que la fotografía se comunique con el espectador; yo transmito mi idea y la imagen tiene que transmitir la idea directa al observador sin que este se distraiga con cosas y elementos que hay alrededor que impidan que con una sola mirada encuen-tre el impacto visual, además del equilibrio en la formas y la sintonía de los colores”.

Una teoría fotográfica que fue evolucionando desde sus prime-ras imágenes en blanco y negro hasta afianzarse en su fotografía en

“En fotografía lo importante es crearte un estilo, un lenguaje y que ese lenguaje sea inteligible para otras personas”

color, tal como fue evolucionando aquella España negra de la pos-guerra hasta la actual. Un estilo fotográfico al que se ha manteni-do fiel a lo largo del tiempo, por encima de corrientes y modas que posteriormente fueron sobreviniendo, y que quizá de manera tardía ha sido reconocido por los grandes de la fotografía y de la crítica en general, hecho este ante el que Pérez Siquier nos comenta: “a veces me pongo a pensar filosóficamente y me digo si habrá sido bueno o malo, si hubiera tenido eso más joven, quizá me hubiera estropeado, cuando tienes esa riqueza, en el sentido intelectual muy pronto, te ensoberbeces, muchas veces te es-tropeas, en cambio he ido progresivamente consiguiendo las cosas, lo cual ha mantenido mi vida en un deseo constante de conseguir, porque en la vida, que al fin y al cabo es un engaño todo, todos nos proponemos unas metas que poco a poco se consiguen o no, pero eso nos distrae de lo que nos viene des-pués, yo he llegado con esa apetencia de llegar poco a poco”. Y podemos decir que ha llegado, junto al Premio Nacional de Fotogra-

La Chanca. Almería 1957

La Chanca. Almería.

Una obra fotográfica que está representada en las colecciones permanentes de centros culturales de reconocido prestigo como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, las fundaciones Tele-fónica, La Caixa y Foto Colectania, las colecciones Cualladó y Or-dóñez-Falcó, así como en el Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas, Centro Andaluz de la Fotografía, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo y la Real Academia de Bellas Artes de Granada.

fía en el año 2003, recibió la Medalla de Oro de Andalucía, institución que lo premió además en 2005 con el Premio “Pablo Ruiz Picasso” de Artes Plásticas, entre otros muchos reconocimientos, siendo el último el prestigioso Premio Bartolome Ros a su trayectoría por el Festival PhotoEspaña.

Un reconocimiento que a diferencia de muchos otros, sin ser buscado, ha ido llegando lamando a su obra y a su autor y sin que este abandonara su querida ciudad de Almería ni su manera tan per-sonal de entender la fotografía: “En fotografía lo importante es crearte un estilo, un lenguaje y que ese lenguaje sea inte-ligible para otras personas, como estamos bombardeados constantemente por imágenes, eso cada vez se hace más difícil, pero en mi caso, si eso lo puedo decir, yo tenía una idea determinada de cómo tenía que hacer fotografía”.

“estas últimas fotos mias, que son quie-tas, son objetos que salen a mi encuentro, objetos que pasas por delante de ellos y no te dicen nada y un día de pronto te saludan, te dicen aquí estoy, hazme una foto, porque hay unas circustancias de luz, que se pueden dar en una u otra es-tación… y ese objeto coge una segunda vida, un nuevo significado y es cuando yo lo veo y si no llevo la cámara miro el día y la hora y vuelvo y la mayoría de las veces la recupero”

La Chanca. Almería, 1963

La Chanca. Almería, 1965

Roquetas de Mar, 1975

Marbella, 1974

Almería, 1981

Continuamos nuestra charla por los derroteros del mundo digital, del que Pérez Siquier valora las facilidades que ofrece tanto en el aspecto económico como técnico, aunque destaca la pérdida de en-canto que quizá representa. Para él, la importancia siempre la tendrá el fotógrafo, como bien dice:” a pesar de lo que avanza la técnica, un gran fotógrafo detrás, que tiene una visión muy buena, que sabe lo que quiere, es capaz de vencer, con dificultades, al avance de la técnica”.

En su aproximación a la fotografía digital mantiene esa metodo-logía analógica, tirando pocas fotos que no visiona al instante, sino que en un momento posterior, tranquilamente, ve como si fueran reveladas, porque para él esa es una recreación mágica de la foto-grafía, al igual que cuando en un cuarto oscuro la imagen aparece, “satisfacciones que se están perdiendo”. Desde su punto de vista la fotografía digital exige una imaginación y una transformación que convierte al fotógrafo en un creador de imágenes y que quizá por ahí deba avanzar, saliéndose del soporte fotográfico tradicional. Todo lo cual cree que finalmente redundará a favor de aquéllos que como él fueron pioneros en una época que será, debido a ello, más apreciada.

Sin tiempo para más aprovechamos para ver sus últimas imá-genes y rememorar algunas antiguas, atentos a los comentarios de este gran artista que accedió a darnos una lección de fotografía inol-vidable. Desde aquí agradecer a Carlos Pérez Siquier su colaboración desinteresada para que este reportaje se hiciera realidad, gracias maestro y enhorabuena.

La mirada

“Mientras que físicamente el tiempo está trabajando en contra mía, fotográficamente va a mi favor”

Fotografías obra de Carlos Pérez Siquier. Todos los derechos reservados.

Roquetas de Mar, 1973

Otro año más asistimos a la muestra fotográfica más importante de España ce-lebrada desde al 5 junio hasta el 28 de ju-lio pasado, 74 exposiciones con la obra de 328 artistas de 42 países que se ha desa-rrollado en Madrid, Cuenca, Alcalá de He-nares, Alcobendas, Zaragoza, Lanzarote, París, Berlín y Praga, lo que le confiere un carácter cada vez más internacional.

La XVI edición de este festival inter-nacional de fotografía y artes visuales, presenta un conjunto de exposiciones que bajo el título “CUERPO, EROS Y POLÍTICA” aborda la diversidad con que la fotografía ha tratado uno de sus grandes temas EL DESNUDO.

CARMEN PASCUALCRISTÓBAL BAREAImágenes cortesía de PhotoEspaña2013

Harry Callahan y Barbara, Chicago, 1953.Colección Center for Creative Photography, The University o Arizona.

Cortesía Pace/Macgill Gallery, New York © The Estate of harry Callahan

Emmet Gowin. Nancy, Danville, Virginia, 1969© Emmet Gowin Cortesía Galería Pace/MacGill, Nueva York

Destacar que el prestigioso Premio Bartolome Ros, a la mejor trayectoria fo-tográfica española de este año, ha recaído en el maestro almeriense Carlos Pérez Si-guier.

La programación del 2013 se ha com-pletado con los talleres del campus PHE, con la visualización y descubrimiento de nuevos valores en Descubrimientos PHE, donde podemos destacar la participación de Rubén García, fotógrafo almeriense y buen amigo, además de los Encuentros PHE, programas educativos en colegios,

visitas guiadas, talleres, etc.

Mediante una selección de fotografías os invitamos a que descubrais por voso-tros mismos lo que PhotoEspaña ofrece, sus autores, obras y los centros expositi-vos (que por si solos representan un recla-mo), de uno de los encuentros fotográficos más importantes a nivel mundial.

Si quereís saber más sobre Photoespaña 2013 visitad la web oficial www.PHE.es

Zbiniew Dlubak. De la serie Gesticulaciones 1970-1978© Archeology of Photography Foundation/A.Dlubak

Untitled (Self with little Fur) 1974-19777Birgit Jürgenssen©Estate of Birgit Jürgenssen/VBK, Vienna,

2012SAMLUNG VERBUND Vienna

Froutisek DrtKol. Sin Título, 1925Colección privada.

Violeta Bubelyte. Desnudo 57, 1993© Violeta Bubelyte, cortesía Lithuanian Photographers Association

Edith en Panama: Predation of the leaf .2005 © Emmet Gowin. Cortesía Galería Pace/MacGill, Nueva York

Si te quise V, 1995, © Laura Torrado, VEGAP

FO

TÓ

GR

AF

OS

DE

L

NU

EV

O M

UN

DO

GIL

BE

RT

GA

RC

IN

Fotógrafo francés nacido en 1929 en La Ciotat, cerca de Marsella.

Vendedor de lámparas hasta los 65 años, en su jubilación empezó con la foto-grafía. Amante del cine y de la historia del arte, el mismo cuenta como entró en este medio artístico: “Me sumergí en el arte de la fotografía como cuando te zam-bulles en el mar, de cabeza y al fondo, y enseguida descubrí que en mi eta-pa anterior yo había sido una espon-ja que había retenido un montón de cosas interesantes. Todas esas ideas e imágenes que yo había apilado a lo largo de mi vida, terminaron, al final, por resurgir”.

Inspira sus imágenes en el cine pri-mitivo basándose en la construcción de pequeñas escenografías. Se pueden defi-nir sus imágenes como poético-simbolis-tas. Garcin afirma: “Realizo apuntes y

dibujos de lo que quiero hacer, pero como soy mal dibujante, termino pre-parando una fotografía. Una vez que tengo la idea, creo el escenario, los elementos mínimos. Después, en la terraza de nuestra casa, donde nadie nos ve, nos fotografiamos (Garcin y su mujer, convertida en espejo de su perso-naje). Recorto las siluetas de esas fo-tografías, sustituyo mi cabeza por la del personaje, y la pego sobre la foto del decorado“.

En sus fotos siempre aparece él (a ve-ces acompañado de su mujer) con una pose escogida, con aire entre ingenuo y escép-tico, divertido y despistado . Se fotografió a los 66 años con distintas expresiones y posturas creando una base de datos de la que se ha servido desde entonces, man-teniendo así un rostro intemporal pese al transcurso de los años. Según el fotógrafo francés: “Podría haber contratado a un actor pero entonces no lo tendría dis-ponible las 24 horas del día“.

Fotógrafo capaz de sorprender tanto al

que mira casi de soslayo como al que in-vestiga, por su manera de jugar con recur-sos fotográficos casi primarios y prescindir de la retórica, utilizando el blanco y negro con lo que consigue que sus imágenes se detengan en el tiempo. “Yo no focalizo la atención del espectador sobre mí sino sobre el vacío en el que vivimos”, considera Gilbert.

Para finalizar y a título personal, un sabio consejo de este gran fotógrafo: “mi consejo a los jóvenes artistas es que practiquen seriamente a partir de los 65 años“.

CARMEN PASCUALhttp://www.carmenpascualsoler.com

Fotografías obra de Gilbert Garcin. Todos los derechos reservados.

Una de las actividades más importantes que realiza el Grupo Indalofoto es La Jarapilla. Un concurso fotográfico mensual abierto a la participación de todos los asociados y en el que éstos exponen su obra a la valoración y crítica, tanto en su aspecto técnico como artístico, del resto de participantes. Una dinámica que deriva en un enriquecedor debate analítico de los trabajos presentados y la fotografía en general.

A veces La Jarapilla comienza con un pensamiento, otras con una motivación e inquietud, buscando en directorios olvidados o estrujando la inspiración para adaptarse a la temática. Pero siempre tiene el mismo final; ver, oir y sentir el calor fotográfico del ambiente en la sede. Volver a ver las caras de los grandes artistas, nerviosos por la valoración de las obras o símplemente disfrutando de un magnífico chiste de la vida. Y como siempre, y como no podría ser de otra manera, rodeado de las mejores fotografías que nos brinda nuestro ingenio.

Alemania, año 1913. La empresa Leitz se dedicaba a la fabricación de ópticas. El ingeniero Oskar Barnack, que trabajaba en su departamento

técnico, empleó todo su ingenio en reducir el tamaño y peso de las cámaras fotográficas de la época. Barnack diseñó una pequeña joya óptica que denominó Leica (anagrama de Leitz camera, nombre de la empresa). El nuevo diseño era una cámara de pequeño formato que utilizaría una película de 35 mm, la misma que la industria del cine utilizaba en sus Films. Por otra parte, con estos carretes se podían hacer un mayor número de fotos (36).

El lanzamiento de la nueva cámara se produjo en la feria de Leipzig. Por aquel entonces Oskar llevo a cabo un reportaje fotográfico de la crecida del río Lahn, el cual se considera como el primero realizado con una cámara de 35 mm.

Pronto se enamoraron de la cámara Leica grandes fotógrafos. Es muy conocido el maridaje de Leica y Henry Cartier-Bresson o Eugene Smith. Aun en la actualidad, uno de los mejores fotógrafos, Sebastián Salgado, utiliza su Leica analógica para ilustrar en B/N sus magníficos libros.

En el año 2005, la empresa pasó por momento delicados, pero surgió en su rescate el fotógrafo Andreas Kaufman, quien ha logrado poner de nuevo en valor la leyenda Leica para que siga siendo objeto de culto por parte de infinidad de fotógrafos y celebridades que han dado a esta mítica cámara aun más glamour.

La Leica es de las pocas máquinas fotográficas que se han revalorizado con el tiempo, pues los primeros modelos son hoy preciadas piezas de colección. En 2012 se pagaron más de dos millones de euros por una del año 1923, una de las cifras más altas alcanzadas hasta ahora.

Desde esta modesta revista nos congratulamos de su cien aniversario.

Nota: Este verano tuve la suerte de ver una magnífica colección de cámaras Leica en el Centro Portugués de la fotografía, en Oporto.

Leica100 Añosde un mito

Cámaras de ColeCCión

Diferentes Prototipos de Leica

EVA AMARAL

QUÍMICOS

Eva Amaral mantiene una pasión paralela a su faceta musical conocida por todos y que ínti-mamente se interrelaciona con la misma, la fo-tografía. Bajo el nombre de Evantartida mues-tra su trabajo visual en la red social Instagram, además de gestionar la faceta visual que rodea al grupo musical AMARAL. Desde aquí queremos mostraros una pequeña muestra de su trabajo fotográfico.

CRISTÓBAL BAREA

Y DECIBELIOS

Hablamos con Laura Terré en una cafetería - Jaime, Inma y yo - del centro, por la mañana, entre el ruido de la máquina del café y los vasos, de las cucharillas y las toses. Oyendo la cinta, algún tiempo después , aparecieron algunas frases y las voces de Carlos Pérez Siquier y Xavier Miseralchs. No es magia, claro: ellos estaban también allí. Inmerso ahora en la lectura de una de las páginas escritas por Laura, dedicadas a AFAL, no puedo evitar recordar aquel día con cierta tristeza. Gracias a Laura sabemos un poco mas de ellos, pero ya no todos están con nosotros. Por eso en esta entrevista, el entrevistador se ausenta y sólo van a aparecer Laura y ellos.

La EntrevistaArtículo original de Francisco Ortiz y Jaime García Zaragoza

LAURA TERRÉ

No soy fotógrafa. Lo de escribir se me da desde pequeña. Siempre quise escribir una novela y empecé como cuatrocientas, pero no acabé ninguna. Lo único que empecé a acabar fueron los escritos fotográficos, las presentaciones de autores para la galería de un amigo. Y vi que la gente, cuando leía lo que yo escribía, despues miraba las fotos de manera diferente. Los propios fotógrafos se sorprendían muchísimo. “¿De verdad que has visto eso en mis fotos?.” Y me pareció que lo que hacía era eficaz.

La fotografía es incatalogable. No es como la pintura. En fotografía habría que catalogar al autor si éste se quiere catalogar y se quiere comprometer dentro de un grupo. Afal, por ejemplo, no se catalogó de ninguna manera. Los autores, conociendo el neorrealismo, sabiendo además que su fotografía era cercana a los manifiestos neorrealistas, no se autodenominaron así. Buscaban una diferencia. Y esta diferencia no tiene una formulación en bloque, sino que van diciendo nombres todos estaban de acuerdo en ciertas definiciones como “salonismo”-, pero añadiendo que “lo nuestro no tiene forma ni nombre”. A los estudiosos esto les puede resultar incómodo, porque es más fácil poner epígrafes. Pero los protagonistas, a los que se le puede consultar, no quisieron un nombre, porque eran muchos y diferentes entre sí.

Me interesa toda la fotografía. Toda

la buena fotografía. Me da igual que esté hecha anteayer o hace un siglo. Me interesan mucho los fotógrafos de los cincuenta, claro. Tenían una forma de ser muy generosa, muy sincera, nada sofisticado. No pretendían hacerse un nombre, una imagen frente a los demás para que valoraran su obra. Dejaban a un lado todo ese tópico del “artista”. Y en sus fotos se ve. Esa forma directa de trabajar

En este cuarto número de la revista Indalofoto Digital volvemos a querer rendir homenaje a nuestra anterior publicación, rescatando una entrevista que por su valor y su interés monográfico, merece la pena volver a publicar, continuando así una serie documental en nuestras publicaciones.

“Las agrupaciones fo-tográficas siempre son interesantes”

la foto me interesa mucho. La fotografía es siempre política. Pero

no en el sentido actual de compraventa de intereses para obtener el poder, sino en cuanto a social, en cuanto a compromiso, en cuanto a posición frente al mundo. Un fotógrafo no puede eludir esto. Si tu trabajo es recoger instantes de lo que ocurre a tu alrededor, no te puedes zafar de las consecuencias de esos instantes y del resumen que tú vas a hacer mediante tu serie de fotos.

Las agrupaciones fotográficas

siempre son interesantes. Agruparse para realizar cosas distintas a lo oficial, a lo que nos viene de fuera, a lo que nos dejan hacer, a lo que las instituciones

pagan es importantísimo. Yo imitaría al Movimiento Okupa. No quieren nuestras fotos, pues vamos y las colgamos en la calle, hacemos fanzines... En este sentido es muy importante la agrupación. Caemos en el error de esperar de que nos traigan el dinero para hacer algo. No todo tiene que pasar por el dinero, el diseño el papel couché. Como si luego fuera a parar a una biblioteca de lujo.

Algunos fotógrafos de Afal:

Pérez Siquier: Ha sido un enamorado de la fotografía. Es un rompehielos. Tiene claro lo que quiere y va a contracorriente. Lo que hace no está de moda en los años 50. Lo mismo en los años 70. Lo mismo en los años 80. Y lo sabe dolorosamente. Pero sabe que tiene que dar esos saltos. Son como saltos entre ruinas que se van cayendo. Y después valora y ve que tenía que dar esos saltos y que han servido. Respondía con ellos a su propia creatividad, a su persona.

LAURA TERRÉ

LAURA TERRÉFrancisco Gómez: Tiene una lírica y una dedicación fotográficas que te hacen ver que no habría podido ser de otra cosa que fotógrafo. Y eso es lo que gusta. Ves a uno y te dices: este podría haber sido pintor. O ese otro podría haber sido escritor. Gómez es fotógrafo-fotógrafo. Los detalles que va encontrando son detalles que se encuen-tran en la realidad. Y tiene fotos que son magistrales, como la del Cristo en la pa-red. Aunque él dice que es debida al azar y a las condiciones de la vida. Pero es una aparición para él. Buscaba en la naturale-za ese grado de perfección que hace pa-recer que está hecho como a propósito: “Esto parece que está hecho para mi, para mi forma de ver, para mi sensibilidad”.

Ricard Terré: Lo que más me sorprende es la seguridad que tiene al elegir las fo-tos. Tanta que, entre 50, desprecia 49 y se queda con una porque es la que respon-de a lo que él quiere. Y tú ves que las 49 restantes serían perfectas para construir una serie, un libro o una exposición Por eso, su producción es muy limitada y tan coherente.

Ramon Masats: Es un fotógrafo luchador. Tuvo claro desde el principio que quería ser fotógrafo y no otra cosa. La fotografía es para él algo instintivo y natural. Mien-tras Pérez Siquier y Terré tenían toda una voluntad de estilo y daban vueltas a razo-nes en la cabeza, Masats no. Él presenta-

Laura Terré Alonso (Vigo, 1959) reside en Bar-celona desde 1979. Es doctora en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, en la espe-cialidad de Teoría e Historia de la Fotografía, con una tesis sobre el Grupo AFAL (Asociación Fotográfica de Almería). Su trabajo creativo se centra en el ámbito de las bellas artes. Escribe sobre fotografía desde 1982. Comisaria de ex-posiciones, ha publicado artículos y libros sobre diversos autores, en especial en torno a la obra de Carlos Pérez Siquier, para el que diseñó su primera exposición antológica en la Fundació La Caixa en 1996 Actualmente es la presidenta del Centro de Fotografía Documental de Bar-celona, para el que diseña proyectos de expo-siciones y proyecciones. Su carrera docente se inicia en 1986 en la enseñanza secundaria. Du-rante los últimos años participa como ponente en congresos y jornadas de estudio sobre teoría e historia de la fotografía e imparte cursos espe-cializados.

Laura Terré sabe mucho de fotografía. Conoce el medio, conoce la historia y sus apuestas por el futuro son certeras. Domina como nadie lo que ocurrió en/con Afal, sabe de los fotógrafos más que de sí mismos- y en un libro de referencia ha plasma-

do todo su conocimiento recientemente.

Laura no es sino la hija de la buena fotografía.

ba imágenes que eran cómo bombas, con un sentido iconoclasta, cargándose todas las presuntas ambiciones artísticas de la fotografía.

Oriol Maspons: Es de las personas a las que la historia nunca les puede hacer jus-ticia, porque es muy temperamental y arremete contra todo. Se ha confundido lo que es su puesta en escena con el conte-nido y sentido de lo que estaba diciendo. Afal le debe muchísimo de sus conquistas. Él trajo el aire de fuera: introdujo autores franceses, americanos, cuestionó muchas cosas, reivindicó al fotógrafo como comu-nicador. Como Penn o Avedon, dedicó con igual intensidad su tiempo a la fotografía personal que a la de encargo.

Uno de los grandes trabajos de Laura Terré, una publicación que recoge de manera historiográfica las andaduras del grupo AFAL desde 1956 hasta 1963

“Me interesa toda la fo-tografía. Toda la buena fotografia,. Me da igual que esté hecha antes-deayer o hace un siglo”

BIBLIOTECA INDALO foto

obras maestras chema madoz

Editorial La Fábrica, 2011Tapa dura con sobrecubierta,

450 págs.

cristóbal barea

A todos aquellos que conozcaís y ad-mireis la obra de Chema Madoz, este libro os resultará no sólo imprescindible, sino que llegareis a tenerlo consagrado en el altar de vuestra biblioteca fotográfica.

Esta joya constituye el primer volumen de la colección Obras Maestras de la edito-rial La Fábrica, en el que mediante obras de gran formato se ofrece un análisis pro-fundo y exhaustivo de la vida y obra de los autores contemporáneos más importantes del panorama artístico español. El libro in-cluye más de 300 fotografías de Chema Madoz realizadas desde los años 90, todas ellas de una descarnada y a la vez tierna poesía visual.

En el se presenta la evolución de su trabajo como fotógrafo y artista, centra-do en su interés por el objeto al que ha ido incorporando otras imágenes hasta crear piezas “cercanas a la instalación”. Pero siempre ha prevalecido una inten-ción de “jugar” con los objetos y de buscar un “distanciamiento” de la realidad hasta conseguir crear imágenes con una “cierta sensación de extrañamiento”.

“La mirada va madurando con el tiem-po”, reconoce el artista, quien nunca se ha sentido “cercano” al ámbito de los repor-tajes porque siempre ha buscado obtener “imágenes más gráficas”, relacionadas con los libros antiguos y la “escritura”.

El libro también muestra aspectos re-lacionados con el trabajo diario del artis-ta, como la música y los ilustradores que le inspiraban, cómo es su estudio, repleto de objetos de todos los tipos y tamaños o la importancia del nacimiento de su hijo. En su taller se acumulan miles de objetos esperando a ser transformados por este mago.

Completan el volumen los textos del fotógrafo Duane Michals, la historiadora y crítica del arte Estrella Diego, el crítico Christian Caujolle y la comisaria de expo-siciones Oliva María Rubio. Además de una extensa y detallada cronología, ilustrada con fotografías del albúm personal del fo-tógrafo cerrando la edición.

Para Chema Madoz, según él mismo ha manifestado, este repaso de su obra en formato papel, ha servido no sólo para “organizar” su cabeza, y encontrarse “con agrado” frente a alguna de sus primeras fotografías, sino también para “preservar y conservar las ideas, que es el papel de la fotografía”. Otra obra única.

pARÍS

CARMEN PASCUALCRISTÓBAL BAREA

pARÍSLa ciudad,

Un entorno urbano que a lo largo de los siglos se ha ido puliendo como un perfecto diamante de una belleza singular. Una de las ciudades más hermosas del mundo, que dejará una huella inde-leble a todo aquel que, aunque sea por un breve periodo de tiempo, tenga el placer de habitarla.

Para el amante de la fotografía, París no sola-mente es una ciudad de referencia históricamente vinculada a esta rama artística, en ella resuenan los ecos de nombres como Cartier-Bresson, Man Ray, Doisneau y tantos otros maestros, sino que ofrece todo un universo visual, en el que inde-pendientemente del tipo de fotografía que prac-tiquemos, encontraremos mucho más de aquello que pensamos hallar.

No os preocupéis por el equipo que llevareis con vosotros, todo os servirá, llevadlo. Podremos recrearnos en la fotografía de paisaje y de arqui-tectura, muchos de los edificios más simbólicos del mundo se erigen en esta ciudad. Como Notre Dame, la inmensa y hermosa catedral gótica se levanta en el corazón y origen de la gran urbe, desde cualquier lugar de la île de la Cité podre-mos captar su inigualable perfil, un detalle arqui-tectónico, un reflejo en las aguas del rio que cap-te nuestra atención. Mil veces fotografiada, no dejará nunca de sorprender, id a cualquier hora, siempre ofrecerá un motivo, una razón.

Dejaos arrastrar por el Sena, la arteria vital de esta ciudad, sus puentes, los bateaux que lo surcan incansables, los edificios y muelles que lo enmarcan, todo es en si una fuente de inspira-ción, recorredlo, a su alrededor iréis encontrando los grandes monumentos del París histórico, que se confunden con un entorno urbano que en si mismo conforma un gran museo, el Louvre, el museo d´Orsay , Los Inválidos, el Grand Palais y el Petit Palais, la torre Eiffel, el Arco del Triunfo…y el París del futuro erigido en La Defense, el distrito comercial, y su edificio más singular el Grand Arche.

Si queréis captar la vibrante vida de la ciu-dad, dejaos llevad por el ajetreo de los campos Eliseos, los Grandes Boulevares, el Barrio Latino, el bullicio y la actividad cultural al aire libre en el Beaubourg, o Montmartre a los pies del Sacre Coeur con su famosa plaza de los pintores, os sorprenderá una ciudad que late llena de ener-gía.

Si amáis la naturaleza visitad los jardines de las Tullerías, los Campos de Marte, el Jardin Des Plantes y multitud de parques dispersos por toda la ciudad como el Bois de Boulogne o el de Vincennes o los parques Buttes-Chaumont y Montsouris. O bien, perdeos por sus cemente-rios, verdaderos parques urbanos, en el cemen-terio de Père Lachaise, una de las zonas verdes más grandes de París, el de Montparnasse o el de Montmartre encontrareis los restos de muchos de los miembros de la élite intelectual y artística de Francia junto con una profusión de fascinante arte funerario.

Y finalmente no dejéis de admirar la be-lleza en su conjunto que desde los miradores, situados en zonas estratégicas como el Arco del Triunfo, la Torre Eiffel, el Sacre Coeur, el Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou o la terraza de las Galerías Lafa-yette frente a la Ópera Garnier, os mostra-ran diferentes perspectivas visuales de esta maravillosa ciudad, bella, cautivadora y llena de vida, porque a pesar del paso del tiempo París sigue siendo una fiesta, id con vuestras cármaras y sed testigos.

Fotografías obra de Carmen Pascual y Cristóbal Barea. Todos los derechos reservados.

Bert Stern era un fotógrafo con nombre propio dentro de los retratistas comerciales de élite estadounidenses que ayudo a configurar la publicidad y el arte de la moda en la década de 1950 y 60. Retrató a grandes personalidades, actores y gentes influyentes durante esos años. Muchos fueron sus trabajos, pero quizás el mejor y más conocido fue el de sus fotos dolorosamente crudas y conmovedoras de Marilyn Monroe, tomadas para la revista Vogue seis semanas antes de su muerte.

Este apartado de “La fotografía destacada” va dirigido hacia su obra. Bert murió en su residencia de Manhattan, el 26 de junio de 2013, a la edad de 83 años sin que las causas de su muerte hayan sido aclaradas.

Bert, el fotógrafo que desnudó a Marilyn, la había sometido a una sesión maratoniana de 12 horas en una suite del hotel Bel-Air de Los Ángeles, durante tres días en junio de 1962 fotografiándola en más de 2.000 ocasiones con poco maquillaje, despeinada y sin ropa.

Como “Vogue” decidió que eran un tanto fuertes para la época, se realizó una sesión que vio la luz al día siguiente de la muerte de la estrella, mientras que los retratos de la primera tanda han permanecido inéditos hasta el momento y tan sólo eran conocidos por coleccionistas y aficionados a la fotografía.

“Fue una experiencia de solo una vez en la vida, tener a Marilyn Monroe en una habitación de hotel”, dijo Stern en el documental de 2010 ‘Bert Stern: Original Madman’, “a pesar de que se convirtió en un estudio, donde yo podía hacer lo que quería.”

Marilyn se muestra natural, radiante, desnuda o tras un pañuelo semitransparente. “Era tan hermosa en aquel momento,” dijo Stern a Newsday. “Yo no dije ‘posa desnuda’. Fue más como si una cosa lleva a otra: Te quitas y te quitas y te quitas y te quitas la ropa. Ella pensó por un momento. Yo diría algo y la pose vino sola por sí misma.”

la FotograFía destaCada

Junto con Richard Avedon, Irving Penn, y Mark Shaw, Stern conforma una generación de autores que reordenan el lenguaje de la publicidad de revistas de moda, que hasta entonces había utilizado principalmente fotografías para ilustrar el texto.

Audrey Hepburn, Gary Cooper, Truman Capote, Twiggy, Elizabeth Taylor, y por supuesto,

Marilyn Monroe fueron algunos de los nombres propios que pasaron por sus químicos.

Dejo lo que para mí es una de las mejores frases dentro del mundo del retrato:. “Lo que hace a una modelo grande es su necesidad, el deseo, y es emocionante fotografiar el deseo.”

Jose Francisco Góngora

Ángel SolerPo

rfol

io

El Grupo Indalo Foto siempre se ha caracterizado por albergar en sus filas ojos fotográficos singulares. Personas con una visión compositiva, sentimental y decisiva de la vida, muy diferente a lo que pueden proponernos los demás. Fotógrafos que transforman la realidad y nos la presentan de manera ejemplar a través de los químicos antes y de pixels ahora.

Ángel Francisco Soler Cano, o Ángel Soler, como le gusta que le conozcamos, es un claro ejemplo de ello. Formado durante los últimos años de la fotografía analógica, ha desarrollado gran parte de su última obra fotográfica en el mundo Digital. Un fiel seguidor de los grandes clásicos y

Ángel Soler

de los fotógrafos contemporáneos, durante su trayectoria fotográfica ha realizado múltiples exposiciones tanto colectivas como individuales entre las que destacarían la colectiva “Fotored, encuentro entre dos mundos”, expuesta en México D.F., New York, Valencia, Canarias, Asturias, Buenos Aires y Perú, y las individuales “Instantes”, expuesta en el Auditorio Maestro Padilla, de Almería, y “La realidad huidiza”, expuesta en Las Negras, Parque Natural de Cabo de Gata.

Entre otras publicaciones, ha publicado un porfolio en la revista “La Fotografía Actual”, y ha sido premiado, entre otros concursos,en dos ediciones del Concurso “Comarca del Bajo Andarax”, y en otras dos ocasiones en “El Ojo del Ciudadano”, de la Asociación “Posidonia”. Asimismo, ha actuado en múltiples ocasiones como jurado de concursos fotográficos.

Ganador del “Concurso La Jarapilla” en varias ediciones, la última en su edición de 2011, hoy queremos acercar su persona hasta nuestros lectores.

Hola Ángel. Podrías contarnos, ¿Desde cuándo llevas detrás de un sensor, o mejor, detrás de una película fotográfica? Llevo haciendo fotografía desde los 15 o 16 años, en los que comencé con una cámara Yashica MG1 de mi padre. Durante varios años me dediqué a hacer fotos en plan autodidacta y adquirí las primeras nociones de fotografía a través de libros que fui comprando. Posteriormente me he formado en la Escuela de Artes de Almería y a través de talleres del Centro Andaluz de la Fotografía y, como no, del Grupo Indalofoto.

¿Cómo recuerdas tus comienzos en la fotografía?

Los recuerdo con mucho cariño, sobre todo por la ilusión que supuso para mi descubrir un mundo totalmente nuevo. Recuerdo en especial los dos años en los que estuve aprendiendo fotografía

en los cursos monográficos de la Escuela de Artes de Almería. Allí fue donde tuve la oportunidad de aprender revelado y positivado en blanco y negro, y ese contacto con el laboratorio me descubrió la auténtica magia de la fotografía. Me parecía fascinante el proceso de revelar los carretes y luego examinar los negativos al trasluz, y después, una vez positivadas las fotos en la ampliadora, ver aparecer la imagen poco a poco en la cubeta de revelado.

¿Ha cambiado mucho la fotografía en estos años?¿Las motivaciones son las mismas?

Ha cambiado mucho, porque la fotografía es un arte en continua evolución, y sobre todo en los últimos años, con la aparición del digital, ese salto ha sido impresionante. Cuando yo comencé, la fotografía era algo minoritario, al menos en lo artístico, y para la gran mayoría de gente esta se limitaba a una camarita compacta con la que hacían las fotos de vacaciones y cumpleaños, y que en muchos casos el propio vendedor tenía que montarles el carrete en la cámara. Tras la irrupción del digital se ha producido un fenómeno masificador en el que mucha gente ha descubierto el gusto por la fotografía. Solo hay que ver el aumento de venta de cámaras réflex, que se ha disparado de una forma impresionante. Esto no es malo, al contrario, ha supuesto una especie de democratización de la fotografía. Esto, como todo, tiene sus aspectos positivos y sus aspectos negativos, pero eso sería muy extenso de analizar.

Sabemos que has sido ganador del concurso La Jarapilla durante varios años, ¿Que se siente al ser ganador?¿los retos son los mismos desde que ganaste por primera vez?

A mi la Jarapilla sobre todo me divierte, me encanta preparar la foto, llevarla, ver las que han presentado los demás compañeros, y comentarlas entre todos. Ese es el verdadero espíritu de la Jarapilla, o al menos el que debería ser. Yo soy una persona muy autocrítica, y con mucho afán de superación personal, pero realmente no soy muy competitivo, al contrario. Para mi, y eso me ha pasado bastantes veces, es mas importante la valoración positiva de personas cuyo criterio me merece respeto, que el resultado de la votación. Que duda cabe que a todos nos gusta ser ganadores y es muy bonito

recibir el trofeo en nuestra comida anual, pero yo sigo participando en la Jarapilla porque me divierto, porque me gusta, y porque supone un rato genial cada mes compartiendo esta afición que nos une.

Compatibilizas tu trabajo profesional con tus trabajos fotográficos, ¿a qué te dedicas?

Soy técnico en audiovisuales en la Plataforma Solar de Almería, y entre otras labores, como la de webmaster o el diseño gráfico, realizo la de fotógrafo. Esto me ha dado la oportunidad de adquirir lo que yo llamo “oficio”, al tener que hacer fotografías de distintos tipos: fotos para publicaciones científicas, seguimiento de proyectos, cubrir eventos, visitas institucionales, inauguraciones, etc. Gracias a mi trabajo también he podido tomar contacto con grandes profesionales que han venido a realizar reportajes tanto de fotografía como de vídeo a la Plataforma Solar. He podido compartir ratos con equipos de grabación de NationalGeographic ocanal Odissea, y fotógrafos de la talla de Tino Soriano.Án

gel S

oler

¿Qué porcentaje de ti ocupa la fotografía?

La fotografía es parte de mi, está presente en muchísimos aspectos de mi vida, y es algo que, después de mas de 30 años, mantengo con la misma ilusión que al principio, o incluso mas.Una de las grandes ventajas de la fotografía es que se puede compatibilizar con muchas cosas de nuestra vida cotidiana. Yo llevo mi cámara conmigo siempre que puedo, leo libros sobre fotografía, es el destino de la mayor parte de mi actividad en internet, y es también mi principal actividad cuando uso el ordenador, clasificando y procesando fotos. Si paso unos cuantos días sin hacer fotos siento que me falta algo. Un amigo del Grupo Indalofoto decía que la fotografía comienza siendo una afición y termina siendo una pasión, la fotografía ya tan importante para mi que forma parte de lo que me define como persona.

Si tuvieses que definirte como fotógrafo, ¿cómo lo harías?

Esa es una pregunta difícil. Desde que comencé he intentado aprender todo lo que

pudiera de fotografía, tocando todas las modalidades que he podido, pero es cierto que al final tus pasos son los que van haciendo tu camino y te definen. Creo que me definen dos tipos de fotografía, en primer lugar la foto “de calle”, o documental. Siempre me ha fascinado el poder de la fotografía para “detener” un instante, y por eso

primera exposición individual importante se llamó precisamente así, “instantes”. Cuando veo fotografía me gusta que me cuente algo, imaginar lo que pasaba ahí, que ocurría antes y después de esa toma, que pensaban o sentían los personajes. La mayor parte de mi obra fotográfica es foto “de calle”, disfruto simplemente paseando con la cámara y observando la vida a través del visor. Y el otro tipo de fotografía que mas me define es el retrato. Creo que en el fondo son dos tipos de fotografía que van ligadas una a la otra, ya que las dos captan la vida. El retrato es una disciplina muy difícil, en la que para mi, el fin es conseguir que la foto capte algo de esa persona, de modo que quien la vea pueda intuir algo sobre ella. Con que distancia focal te identificarías más?¿Eres más de tele o de angular?

Cuando tuve mi primera cámara “decente”, la compré con un 50mm, y estuve durante seis años con ese único objetivo, de hecho ese objetivo todavía va en mi bolsa.Por el tipo de fotografía que hago soy

mas de angular, ya que cuando fotografías en la calle, el uso de un teleobjetivo produce una imagen lejana, de un espectador alejado de la escena, como una especie de mirón, sin embargo con un angular, yo tengo un 28mm, o con un 50mm, la sensación que transmites es la de que estás ahí, en medio de lo que pasa, y el espectador tiene la sensación de ser partícipe de lo que ve. Para retrato me gusta usar un 85mm, que da una proporción y una calidad excepcionales. Actualmente utilizo solamente objetivos de distancia focal fija, y no tengo ningún teleobjetivo.

Sabemos que te gustan los clásicos y que disfrutas de la fotografía de autor muchísimo. ¿Podrías hablarnos de algún referente fotográfico tuyo?.

Mis referentes son muchos, me encanta ver la obra de fotógrafos y tengo una buena colección de libros, además de la oportunidad que te brinda internet de descubrir auténticos talentos. Por nombrar algunos de los mas clásicos, siempre me han gustado Robert Diosneau, Cartier-Bresson, Sebastiao Salgado, Alberto GarciaAlix, Cristina García Rodero, Isabel Muñoz, Ramón Massats, y muchos mas que sería demasiado extenso enumerar.

Para ti, la cita perfecta sobre fotografía sería ...

Una de Cartier-Bresson que me encanta:“El fotógrafo no hace sino parar las agujas del reloj, pero elige el instante…yo estuve allí, y así era la vida en ese momento, tal y como yo la vi”

Todos los que nos consideramos fotógrafos tenemos un sueño, ¿Cuál sería el tuyo?

Siempre he tenido el sueño de poder dedicarme plenamente a la fotografía, sin prisas ni ataduras, recorrer el mundo haciendo fotos, pero siendo viajero, no turista.Para mi, la diferencia entre viajero y turista es que el turista va con fecha y billete de ida y vuelta, mientras que el viajero es libre para dejar que le vayan guiando sus propios pasos. Me gustaría poder disfrutar de esta maravillosa afición toda mi vida.

Con que se aprende mas, ¿con el tutorial o con el obturador?¿Con la calle o con el procesado?

Esta claro que a andar se aprende andando…, hay que salir y hacer fotos, no podemos pretender coger la cámara una vez cada tres meses y hacer fotos sensacionales, eso está reservado para unos pocos elegidos que tienen un don innato.

Pero no hay que olvidar la técnica, si no estudias la técnica, si no intentas aprender cada día mas, estarás siempre limitando lo que podrías hacer con tu ojo y tu creatividad. Yo llevo mas de 30 años en fotografía y sigo estudiando todo lo que cae en mis manos, sigo intentando avanzar, aprender técnicas nuevas, tanto de toma como de procesado, para conseguir que cada día mis fotos sean mejores a nivel técnico, y para poder hacer “esa foto” que tengo en ese momento en mi mente o un mi pupila y que sin esa técnica no podría realizar.

Aquí me gustaría puntualizar algo, es algo en lo que creo que mucha gente está equivocada. Un buen procesado en el ordenador, igual que antes en laboratorio, mejora nuestra fotografía, pero por muchas técnicas informáticas que apliquemos, una foto mala es una foto mala, y no dejará de serlo porque le apliquemos filtros y montajes. Primero debemos conseguir una buena foto en la toma, y después darle

un procesado digno que le aporte calidad, pero la foto se hace cuando se dispara, no cuando nos sentamos delante del ordenador.

Y por ultimo ¿Qué esperas de La fotografía en los próximos años y cuáles son tus próximos proyectos fotográficos?

La fotografía se encuentra en un proceso de evolución imparable y que a nivel técnico avanza a mucha velocidad. Cada día hay mas gente que se anima a aficionarse a este arte y eso, unido a las redes sociales e internet, genera una auténtica sobrecarga de imágenes que nos inunda cada día. Pero no olvidemos

una cosa, cuando una persona se compra una cámara de fotos, eso no la convierte en fotógrafo, la convierte en una persona con una cámara de fotos.

En los próximos años creo que seguiremos disfrutando de mucha buena fotografía, solo hay que ser selectivo, igual que en música, pintura, o cualquier otro arte. A nivel personal tengo varios proyectos en mente, pero sobre todo quiero seguir evolucionando y mejorando. Quiero centrarme en proyectos mas complejos, a mas largo plazo, que me permitan desarrollarme fotográficamente con trabajos mucho mas completos, quizá incluso que terminen por convertirse en una publicación fotográfica impresa.

Puedes encontrar a el trabajo de Ángel Soler en los siguientes enlaces:

http://500px.com/angelsolerhttp://www.angelsoler.com

GRUPOINDALOFOTO

PUEDES SEGUIRNOSEN NUESTRA WEB

www.grupoindalofoto.com

digital indalofoto nº4

Documents