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Arquitectura neoclásica

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La arquitectura neoclásica es un estilo arquitectónico que produjo el movimientoneoclásico que comenzó a mediados del siglo XVIII, por una reacción contra el estilo barroco de ornamentación naturalista así como por el resultado de algunos rasgos clasicistas nacidos en el barroco tardío. Se prolongó durante el siglo XIX, confluyendo a partir deentonces con otras tendencias, como la arquitectura historicista y el eclecticismoarquitectónico. Algunos historiadores denominan el periodo de la arquitectura neoclásica dela primera mitad del siglo XIX como clasicismo romántico, a pesar del oxímoron(oposición de términos), dado que, además de coincidir en el tiempo con el romanticismo,estilísticamente comparte rasgos con la estética romántica, al añadir cierta expresividad yespíritu exaltado a la sencillez y claridad de las estructuras clásicas grecorromanas.1

Factores fundamentales que influyeron en la creación de la arquitectura neoclásica fueronlos determinantes en el contexto político, social y económico de la época, en que seincluyen destacadamente la revolución industrial, la crisis del Antiguo Régimen, laIlustración, el enciclopedismo, la fundación de las Academias, el despotismo ilustrado, etc.

La revolución industrial modificó profundamente el ritmo de vida, influyó en adelantostécnico constructivos, empleo de nuevos materiales. El concepto de economía relacionadocon el funcionamiento cambió algunos esquemas de organización espacial y aun de relaciónentre vanos y macizos.

El enciclopedismo, espíritu precursor de la revolución francesa, trajo consigo unaconcepción romántica de la Grecia Antigua. La Ilustración sostenía que la infelicidad delhombre, se debía a la ignorancia e irracionalidad y que por lo tanto el único camino viable para conducirlo a la felicidad era llevarle la luz de la razón por medio de la educación. Encuanto a arquitectura la educación implicaba el conocimiento y fuentes antiguas tales comoVitrubio, Palladio, Vignola; por lo que ésta hizo uso de los repertorios formales griegos yromanos.

Se buscó dar un carácter más científico a las artes, por lo que los artistas debieron ser técnicos más que inventores, e imitadores más que creadores. Este espíritu científico llevó aconsiderar al arte clásico como un arte  progresista, porque estaba desprovisto de adornos

sin sentido y buscaba la perfección de las leyes inmutables sin depender de las impresionessubjetivas e imperfectas del artista.

Las Academias para el estudio de las artes surgieron en Italia desde el siglo XVI; lasfundadas en el siglo XVIII ya estaban matizadas por la Ilustración, lo que les dio uncarácter distinto. La Academia fungió como transmisora de los conceptos en contra del barroco y a favor del neoclasicismo y los diversos tratados clásicos y renacentistas de lasTres nobles artes, así como de obras de carácter técnico y científico que racionalizaban au

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 práctica y ejecución. Entonces el arte comienza a sufrir las consecuencias de una críticalibre, fundada en los principios académicos.

Representación de la Acrópolis de Atenas por el arquitecto y pintor Leo von Klenze (detalle).

Contenido

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• 1 La crítica ilustrada• 2 Visionarios• 3 Arquitectura pintoresca• 4 "Neo-romano" y "Neo-griego"• 5 Francia• 6 Alemania• 7 Reino Unido• 8 Italia• 9 España• 10 Escandinavia• 11 América

o 11.1 Estados Unidoso 11.2 Iberoamérica

• 12 Notas

• 13 Enlaces externos

[editar] La crítica ilustrada

La arquitectura puede ser analizada como una rama de las artes social y moral; LaEnciclopedia le atribuyó la capacidad de influir en el pensamiento y en las costumbres delos hombres. Proliferan así las construcciones que pueden contribuir a mejorar la vidahumana como hospitales, bibliotecas, museos, teatros, parques, etc., pensadas con carácter monumental. Esta nueva orientación hizo que se rechazara la última arquitectura barroca yse volvieran los ojos hacia el pasado a la búsqueda de un modelo arquitectónico de validezuniversal.

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 Nacen movimientos de crítica que propugnan la necesidad de la funcionalidad y lasupresión del ornato en los edificios. Francesco Milizia (1725-1798) en Principi di Architettura Civile (1781) extendió desde Italia las concepciones rigoristas a toda Europa.Mientras, en Francia, el abate Marc-Antoine Laugier  (1713-1769) propugna en sus obras Essai sur l'Architecture (1752) y Observations sur l'Architecture (1765) la necesidad de

crear un edificio en el cual todas sus partes tuvieran una función esencial y práctica y en elque los órdenes arquitectónicos fueran elementos constructivos y no sólo decorativos, todoello para hacer una arquitectura verdadera: la construida con lógica.

Todos los arquitectos parten de unos supuestos comunes como son la racionalidad en lasconstrucciones y la vuelta al pasado. Los modelos de los edificios de Grecia y Roma eincluso de Egipto y Asia Menor se convierten en referentes que todos emplean aunquedesde puntos de vista distintos.

Proyecto de cenotafio para Isaac Newton, de Étienne-Louis Boullée.

[editar] Visionarios

 Artículo principal:  Arquitectura visionaria

Otros arquitectos, los llamados utópicos, revolucionarios o visionarios, plantearon edificios basados en las formas geométricas. No despreciaron la herencia del pasado clásico y,aunque respetaron las normas de simetría y la monumentalidad, sus edificios son a veces elresultado de la combinación caprichosa de las formas geométricas. Étienne-Louis Boullée (1728-1799) y Claude-Nicolas Ledoux (1736-1806) encabezaron esta postura; entre la grancantidad de proyectos no construidos merece la pena mencionar el Cenotafio para Isaac Newton concebido por Boullée como una esfera, representación del modelo ideal,levantada sobre una base circular que había de cobijar el sarcófago del científico. Ledouxha dejado edificios construidos, entre ellos una parte de la utópica ciudad industrial de lasSalinas de Arc-et-Senans, de planta circular en el Franco Condado o el conjunto de laVillette en París.

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Templo de la Virtud Antigua, Stowe, Buckinghamshire, de William Kent.

[editar] Arquitectura pintoresca

Entre uno y otro grupos aparece una tercera categoría, la arquitectura pintoresca, a partir dela creación de jardines ingleses en el siglo XVIII, ordenados de forma natural lejos del

geometrismo del  jardín francés. En esta arquitectura se valora la combinación de lanaturaleza con lo arquitectónico, la inclusión en el paisaje natural de edificios que remedanlas construcciones chinas, indias o medievales. Este juego de formas caprichosas y elaprovechamiento de la luz buscan suscitar sensaciones en el espectador. Horace Walpole (1717-1797) construyó en Strawberry Hill (Londres, 1753-1756) una fantasía gótica de laque su autor dijo que le había inspirado para escribir una novela gótica, una expresión delefecto inspirador de la arquitectura. También William Chambers (1723-1796) creó unconjunto pintoresco en los Jardines de Kew (Londres, 1757-1763) con la inclusión de una pagoda china que reflejaba su conocimiento de las arquitecturas orientales.

Templo a la Gloria de la Grande Armée, Pierre Alexandre Vignon, 1806.

 Altes Museum de Berlín, de Karl Friedrich Schinkel, 1825-1828.)

[editar] "Neo-romano" y "Neo-griego"

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Marcadamente historicista en su búsqueda de las fuentes clásicas, el neoclasicismoarquitectónico se encontró con dos posibles vías, que fueron exploradas alternativamente enFrancia y Alemania. En Francia, especialmente a partir del Imperio Napoleónico seencontró en el arte imperial romano el modelo idóneo para sus fines propagandísticos y deenaltecimiento personal de la figura del emperador (Templo a la Gloria de la Grande 

 Armée (hoy Iglesia de la Magdalena), de Pierre Alexandre Vignon, proyectado por el propio Napoleón. En el Reino Unido y en Alemania fueron los modelos griegos los que predominaron (Altes Museum de Berlín, de Karl Friedrich Schinkel, el primer edificio delmundo concebido como un museo desde su construcción).2

[editar] Francia

Grand Théâtre, Burdeos.

Petit Trianon, Versalles.

Palacio de Justicia, Lyon.

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Plaza de la Concordia, al fondo, iglesia de la Madeleine, París.

Interior del Panteón de París.

Iglesia de San Vicente de Paúl, París.

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Plantas sobrias como la Plaza de la Concordia de París y el Petit Trianon de Versalles, ambos de Ange-Jacques Gabriel, de mediados del siglo XVIII, se relacionan tanto con elneoclasicismo como con la tradición anterior del clasicismo francés.</ref> Las siguientesgeneraciones se dirigieron a un concepto más severo y clásico de la arquitectura. Marie-Joseph Peyre (1630-1785) ganó un concurso de la Accademia di San Luca en Roma, y de

vuelta a Francia proyectó el Hôtel de Neubourg (hoy destruido), una villa para MmeLeprêtre de Neubourg en los alrededores de París, el primer edificio francés auténticamenteneoclásico3 En 1763, Peyre se dedicó al Hôtel de Condé, una planta menos austera con unainteresante columnata.4 Junto con Charles De Wailly  proyectó el Teatro del Odeón de París(1779-1782), reconstruido tras sucesivas destrucciones por incendios.

En ese clima de renovación, se construyeron numerosos teatros por toda Francia, incluso enciudades de relativamente menor importancia, como Amiens y Besançon. En Burdeos, enlos años setenta se levantó el Grand Théâtre, considerado el más bello de la época,5 con proyecto de Victor Louis, constituido por un bloque rectangular y una fachada precedida dedos grandes columnas corintias.

Jean Chalgrin, con su Escuela de cirugía de París (considerada por Quatremère de Quincyla obra clásica de su época,6 sala semicircular con gradería y semicúpula de casetonesinspirada en el Panteón de Roma y que sirvió de modelo para posteriores salas de reunión-por ejemplo, las diseñadas por el estadounidense Benjamin Latrobe7  -) o JacquesGondouin, también se incluyen entre los principales exponentes del estilo clásico de finalesdel XVIII. Étienne-Louis Boullée y Claude-Nicolas Ledoux se caracterizarán por suvisionaria.

En edificios religiosos, una de las primeras reacciones contra el rococó fue la fachada de laIglesia de Saint Sulpice,8 del florentino Giovanni Niccolò Servandoni, muy alterada

después. El mayor ejemplo fue el Panteón de París,

9

originalmente iglesia de Ste-Genevièvey posteriormente transformado en mausoleo nacional, proyectado por Jacques-GermainSoufflot y construido entre 1757 y 1791, con cúpula inspirada en la de la Catedral de SanPablo de Londres. La ligereza de su construcción se debió a investigaciones sobre lascaracterísticas de resistencia y elasticidad. De Jean Chalgrin, la iglesia de Saint-Philippe-du-Roule (1772-1784

 

), también en París, es remarcable por su nave cubierta por bóveda decañón decorada con casetones e impostada sobre columnas jónicas. A pesar de lasmodificaciones (apertura de ventanas) en el siglo siguiente, el esquema ejerció ciertainfluencia.10

Ya en el siglo XIX, en época napoleónica, la iglesia de la Madeleine se incluye en el

denominado estilo Imperio.

9

Destinada inicialmente a iglesia de planta basilical, en 1806  Napoleón impulsó su transformación en un Templo de la Gloria, modificando radicalmenteel proyecto original para asimilarlo a un colosal templo romano. Mientras en el exterior esarelación es evidentísima, en el interior se limitó a articular el espacio mediante una serie de bóvedas inspiradas vagamente en la modularidad de las termas romanas. En 1806 secomenzó la construcción del Arco de Triunfo de París  por Jean Chalgrin; en el mismo añoFrançois-Joseph Bélanger cubría con una cúpula de hierro fundido la Bolsa de París ( Halleaux Blés, diseñada por Alexandre-Théodore Brongniart

 

). Entre ese mismo año y 1810, seerigió la Columna Vendôme. La principal intervención urbanística de la época fue el

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 planeamiento de la Rue de Rivoli (1801, Charles Percier y Pierre-François-LéonardFontaine). Consistía en un largo planteamiento rectilineo uniformado y continuo deedificios porticados, que no se llegó a terminar hasta la época del Segundo Imperio Francés,momento en el que se modificó el diseño original con la adición de grandes mansardas.11

Con la restauración borbónica, los arquitectos franceses se encontraron sin una guía segura.Las nuevas tendencias surgieron de la Académie des beaux-arts y del Conseil Génèral des Bàtiments Civils.12 Antoine Chrysostome Quatremère de Quincy (1755-1849

 

), secretario dela Académie durante veintitrés años y convencido defensor del arte clásico fue la figuradominante de esta nueva época. Los límites de su gusto, debidos a la excesiva rigidez desus ideales doctrinarios, emergieron en numerosos edificios, como el Palacio de Justicia deLyon iniciado en 1835 por Louis-Pierre Baltard y caracterizado por una severa fachada deveinticuatro columnas corintias.13 Algunas innovaciones se debieron a Jakob Ignaz Hittorff ,sustentador de la teoría según la cual la arquitectura griega debió haber sido rica en colores.Sus obras principales, todas en París, son la iglesia de San Vicente de Paúl, la ordenaciónde la Plaza de la Concordia y la Gare de Paris Nord (Estación de París Norte, 1859). En esa

iglesia, construida en la década de 1830, demostró cómo el neoclasicismo podía variar losmodelos antiguos: en el exterior, un pórtico jónico y un frontón quedan flanqueados por dostorres cuadradas; mientras en el interior, dividido en naves de dos órdenes de columnas, sedecora rica y polícromamente, de una forma más afín a la arquitectura paleocristiana que ala clásica.14

[editar] Alemania

Königsplatz de Múnich.

Los modelos greco-romanos dieron lugar a una arquitectura monumental que reproducefrecuentemente el templo clásico para darle un nuevo sentido en la sociedad civil. El perfilde los Propileos de Atenas le sirvió a Carl Gotthard Langhans para configurar su Puerta deBrandeburgo en Berlín (1789 a 1791),15 un tipo muy repetido como atestigua la entrada al Downing College de Cambridge (1806) obra del inglés William Wilkins o los Propyläen dela Königsplatz (que cierran el conjunto de la plaza junto con la Gliptoteca de Múnich y el

Staatliche Antikensammlungen) de Leo von Klenze.16 En Viena, Pietro Nobile construyódos complejos neogriegos: el Theseustempel (1820-1823) y el Äußeres Burgtor  (1824).17

[editar] Reino Unido

También el inglés James Stuart (1713-1788), un arquitecto arqueólogo al que se ha llamadoel ateniense, reprodujo el monumento corágico de Lisícrates de Atenas en su monumento aLisícrates en Staffordshire. Los hermanos Adam extendieron por toda Inglaterra un modelo

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decorativo para interiores con temas sacados de la arqueología; una de sus obras másrepresentativas es Osterley Park , con una notable estancia etrusca y un clásico hall deentrada (1775-80).

Iglesia de la Gran Madre de Dios (Turín).

Iglesia de San Francisco de Paula (Nápoles).

[editar] Italia

Italia prefirió recrear sus modelos antiguos ya bien avanzado el siglo XVIII y en loscomienzos del siglo XIX. El modelo del Panteón de Agripa en Roma se repite en un grannúmero de templos, como el de la Iglesia de la Gran Madre de Dios (Turín) y Iglesia de San Francisco de Paula (Nápoles), ambos terminados en 1831, que reproducen el pórticooctástilo y el volumen cilíndrico del Panteón.

Museo del Prado, Juan de Villanueva.

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Catedral de Pamplona, Ventura Rodríguez.

[editar] España

 Artículo principal:  Neoclasicismo en España#Arquitectura

En España, el barroco del siglo XVII y la primera mitad del siglo XVIII, en todas susexpresiones, dejaba una sorprendente serie de monumentos religiosos y de palacios,residencias y colegios. El contraste entre la arquitectura churrigueresca y la modalidadacadémica o neoclásica fue tan rudo, que parecían fenómenos artísticos en dos mundosopuestos. En la segunda mitad del siglo XVIII, se impuso el gusto neoclásico impulsado por la Academia de Bellas Artes de San Fernando. En Madrid se desarrollaron grandes proyectos de modificación urbana, el principal diseñado por Juan de Villanueva en torno alSalón del Prado y sus inmediaciones (el Real Observatorio Astronómico, el Hospital de SanCarlos, el Jardín Botánico, el actual Museo del Prado -para gabinete de ciencias-), y otrosimportantes, como San Francisco el Grande (Francisco Cabezas, Francesco Sabatini -autor 

también de la Puerta de Alcalá). Fuera de Madrid destaca la obra de Ventura Rodríguez(catedral de Pamplona, capilla de Nuestra Señora del Pilar 

 

), que también diseñó las fuentesmonumentales del Prado madrileño (fuente de Cibeles, fuente de Neptuno.

Catedral de Nuestra Señora de Copenhague.

[editar] Escandinavia

Con influencia alemana o francesa, los países nórdicos desarrollaron una arquitecturaneoclásica desde el último tercio del XVIII. En Dinamarca, a partir de los años 1760. 18

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 Nicolas-Henri Jardin diseñó una sala en el Palacio de Amalienborg (1755-1757) que seconsidera "la más antigua estancia decorada en estilo neoclásico por un arquitectofrancés".19 Más tarde, Caspar Frederik Harsdorff trabajó en la Catedral de Roskilde (capillafúnebre de Federico IV de Dinamarca). Seguidamente se afirmó el estilo neogriego, con lafigura de Christian Frederik Hansen (1756-1845),20 que realizó el diseño de la Catedral de

Copenhague, con la gran bóveda de cañón sostenida por una columnata dórica que recuerdaal proyecto de Boullée para el interior de una biblioteca.

A comienzos del siglo XIX se realiza la planificación de Helsinki, por entonces (1809) ungran ducado ruso. Los mayores edificios públicos de la ciudad se deben a Carl LudwigEngel (plaza del Senado, Catedral de Helsinki, Palacio del Senado -entre 1818 y 1822- y laUniversidad de Helsinki).

[editar] América

Tanto en los Estados Unidos como en Iberoamérica se desarrollaron programas

constructivos neoclásicos.

[editar] Estados Unidos

Rotonda de la Universidad de Virginia, de Benjamin Latrobe y Thomas Jefferson (1817).

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Diseño para el monumento a Washington, Robert Mills, 1836

En Estados Unidos, triunfó el palladianismo en el diseño de villas rurales. Entre losarquitectos estadounidenses de finales del XVIII y comienzos del XIX destacan BenjaminLatrobe (penitenciaría de Richmond, Banco de Pennsilvania, Capitolio de Washington -muy ampliado en la segunda mitad del XIX-) y el político Thomas Jefferson (Monticello-la casa de su propiedad-, Capitolio de Richmond, Universidad de Virginia

 

). El propioLatrobe sugirió a Jefferson la solución de la Rotonda para la Universidad de Virginia.

El estilo neoclásico estadounidense se consolidó en la primera mitad del siglo XIX conRobert Mills (iglesias de planta centralizada en Filadelfia, Columna de Washington enBaltimore, edificios de severos pórticos en la ciudad de Washington y, para la mismacapital, el diseño inicialmente escogido para el Monumento a Washington

 

) y WilliamStrickland (Second Bank of the United States, Bolsa de Filadelfia y Capitolio de Nashville).A mediados del siglo XIX trabajaron Ithiel Town (Capitolio de New Haven

 

) y ThomasWalter (Capitolio de Ohio en Columbus, 1838, y el Girard College de Filadelfia).

Ya a finales del XIX destaca la Biblioteca de la Columbia University de Nueva York  (1893), de Charles Follen McKim y asociados.

[editar] Iberoamérica

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Hospicio Cabañas.

Catedral de Arequipa.

Capitolio Nacional de Bogotá.

Palacio Imperial de Petrópolis.

A los imperios americanos de España y Portugal llegó el estilo neoclásico a través de proyectos diseñados en Europa o bien realizados localmente por arquitectos europeos ocriollos formados en las academias de las metrópolis.

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También hay ejemplos de la adaptación al lenguaje arquitectónico local, que durante lossiglos anteriores había realizado una síntesis o sincretismo de los elementos europeos y precolombinos en el denominado barroco colonial. Un ejemplo de ello es la Catedral deTulancingo, México (1788, José Damián Ortiz de Castro).

Véanse también:  Arte colonial hispanoamericano y Arte de la Edad Moderna#Arte colonial,hispanoamericano o indiano e hispanofilipino

A criterios más clásicos pertenecen el Palacio de Minería (1797-1813, Manuel Tolsá) y elHospicio Cabañas de Guadalajara (1804-1810, del mismo arquitecto), ambos en México, oel Palacio de Gobierno de Quito (también llamado de Carondelet , 1790 o 1801, AntonioGarcía).21

Ya tras la independencia de Hispanoamérica, se desarrollaron programas constructivos en para las nuevas repúblicas. En Colombia se construyó el Capitolio Nacional de Colombia en Bogotá (1847, Thomas Reed, formado en la Academia de Berlín); en Perú la Catedral de

Arequipa (1844, Lucas Poblete).Brasil, que se convirtió en la sede de la corte de la monarquía portuguesa,independizándose de su metrópoli como Imperio del Brasil, también utilizó los recursos dela arquitectura para la glorificación del poder político, y se optó por recurrir a arquitectosformados en la Real Academia de París. A esta época pertenece la portada de la Academiade Bellas Artes de Río de Janeiro o Academia Imperial (1822)22 y el Palacio Imperial dePetrópolis (década de 1840).23

Churrigueresco

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Plaza Mayor de Salamanca (1729-1755).

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Retablo Mayor del Convento de San Esteban de Salamanca (1692-1694).

El churrigueresco, es una etapa, así como un estilo arquitectónico de España que se dio enla época del  barroco y llegó hasta la Nueva España, donde se conoce como barroco

estípite, alcanzando un gran desarrollo.

El término churrigueresco proviene del apellido Churriguera. Los Churriguera fueron unclan de arquitectos barrocos cuya obra se caracterizó porque presentó una recargadadecoración. Por extensión, el término se ha utilizado para denominar el barroco español del primer tercio del siglo XVIII. Se entendían por churriguerescas todas aquellas arquitecturasque poseían un marcado en movimiento y una abigarrada ornamentación, sobre todo laretablística. Este estilo es una variante del estilo barroco que presenta más ornamentación.Fueron construcciones de retablos efímeros y también en lo arquitectónico.

El primero de los Churriguera fue José de Churriguera (1665-1725

 

), quien se formó comoensamblador de retablos, elaborando algunos muy importantes para diversos templos deSalamanca, Madrid, Valladolid y otras ciudades de España. Algunos han desaparecido yactualmente sólo se conservan algunas trazas:

• Retablo de Convento de San Esteban en Salamanca.• Población del Nuevo Baztán (Iglesia de san Francisco Javier y Palacio de

Goyeneche).• Coro de la Catedral Nueva de Salamanca.• Plaza Mayor de Salamanca.•

Ermita de la Vera Cruz, en Salamanca.• Seminario de Calatrava, en Salamanca.

En México se consideran como las obras cumbres del estilo churrigueresco la CatedralBasílica de Zacatecas, Zacatecas, capital del estado de Zacatecas, así como la parroquia deSanta Prisca, ubicada en Taxco, estado de Guerrero. Parroquia Antigua en SalamancaGuanajuato, fundada el 24 de agosto de 1603; se concluyó la construcción de la obra en elaño de 1690, y la portada de estilo churrigueresco en 1740. El retablo del templo de San

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Francisco Javier (Museo Nacional del Virreinato), en Tepotzotlán, Estado de México, esconsiderado también, junto con su fachada, una de las obras barrocas churriguerescas másimportantes llevadas a cabo por los jesuitas en la Nueva España. También sonrepresentativos el Altar de los Reyes de la Catedral Metropolitana de la Ciudad de México y las portadas del Sagrario Metropolitano, que está anexo a la misma Catedral.

[editar] Véase también

•  Joaquín Churriguera• Alberto de Churriguera• Nicolás Churriguera• Manuel de Lara Churriguera•  José de Lara Churriguera• Barroco novohispano

Obtenido de «http://es.wikipedia.org/wiki/Churrigueresco»

Categorías: Estilos arquitectónicos | Arquitectura del Barroco | Arquitectura deMéxico | Arquitectura de Guanajuato

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Arte Churrigueresco

El término churrigueresco proviene del apellidoChurriguera. Los Churriguera, eran una familia de

 

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arquitectos barrocos cuya obra se caracteriza porque presenta una recargada decoración. Por extensión, el término se ha utilizado para denominar el barroco español del primer tercio del sigloXVIII. Se entendían por churriguerescas todas aquellas arquitecturas que poseían un marcadomovimiento y una abigarrada ornamentación, sobre todo la retablística. El prototipo era el retabloque realizó José Benito Churriguera para la iglesia del convento de San Esteban, en Salamanca.

El término nació con sentido despectivo, sinónimo de extravagancia y mal gusto, por parte decríticos y teóricos de la estética academicista.

La familia de los Churriguera estaba formada por José Simón de Churriguera, que era tallista yretablista y tres de sus hijos: José Benito, Joaquín y Alberto.

José Benito Churriguera (1665-1725)

Es el creador del tipo de retablo más característico del barroco castellano, donde impone el ordenúnico y la columna salomónica.

Nació en Madrid en y se formó en el taller de su padre. En 1960 le nombraron delineante depalacio, pero los roces que tuvo con el maestro mayor Teodoro de Ardemans, hicieron queabandonara la corte y se trasladara a Salamanca.

Allí realiza el Retablo de San Esteban, que define perfectamente el estilo de la arquitecturabarroca, con una serie de gigantescas columnas salomónicas dispuestas sobre planta cóncava.Además de las doradas columnas salomónicas, el espacio se ve enriquecido por elementoscurvados que dan relieve al panel central y por imitaciones doradas de tapices ornados con borlas.

Observamos el gusto por el exceso de adornos y por los dorados, por el ritmo dinámico de lasformas curvadas y por las esculturas que se integran a modo de pintura en relieve.

Sus encargos más importantes los obtuvo del banquero del Don Juan de Goyeneche. El primer encargo fue la fachada del palacio de la calle Alcalá de Madrid, que en la actualidad es la

Academia de Bellas Artes de San Fernando.

En el basamento de la fachada se disponían rudos bloques de piedra seguidos por un primer cuerpo con almohadillado, a continuación, un segundo cuerpo articulado por pilastras de ordengigante que daban paso a una balaustrada adornada con pilastras.

Esta fachada fue reformada en 1773 y perdió su primitivo aspecto.

Entre 1709 y 1722 se dedica a edificar Nuevo Baztán, también por encargo de Juan deGoyeneche. Era una nueva población fabril situada en las inmediaciones de Madrid, donde lafamilia había adquirido grandes extensiones de terreno y querían construir allí una residencia, concasa de labor y viviendas para sus empleados.

Configura un complejo urbanístico que incluye fábrica, viviendas, palacio e iglesia y que se basa enel orden y la simetría. A diferencia de las fantasías ornamentales que utiliza en sus obras demadera, aquí plantea sobrios diseños en las superficies de las fachadas y en las portadas. Todoslos elementos arquitectónicos y decorativos están expuestos con sencillez.

El elemento principal lo constituyen el palacio y la iglesia unidos frente a una amplia plazacuadrada.

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La fachada de la iglesia se levanta entre dos torres de planta cuadrada rematadas con chapiteles.El diseño del palacio aún es más sobrio, consta de dos cuerpos en altura articulados por pilastras,entre los que se disponen amplios ventanales.Detrás del palacio se dispuso un amplio patio de labor cerrado que recuerda a los cortijos y que enocasiones pudo servir como plaza de toros.

Este poblado recibió el nombre de Nuevo Baztán, en recuerdo del valle navarro de donde eranoriginarios sus propietarios.

Para la parroquia de San Sebastián en Madrid construyó un retablo y la portada que daba a la callede Atocha.

Joaquín de Churriguera (1674-1724)

A José le seguía en edad su hermano Joaquín, que también había nacido en Madrid y se trasladóa Salamanca seguramente requerido por su hermano. Allí se centrará principalmente su actividadartística, dejando tres de sus mejores obras: la Hospedería del colegio Anaya, el colegio deCalatrava y la cúpula de la catedral nueva.

La fachada de la Hospedería del Colegio de Anaya es muy simple, pero en su interior alberga unpatio plateresco que sólo puede ser considerado barroco por los elementos decorativos queincluye.

La construcción del Colegio de Calatrava comenzó en 1717. La fachada es de dos cuerpos y estáarticulada por pilastras de orden gigante y rematada con una balaustrada. Los elementosdecorativos que la adornan son en su mayoría de inspiración renacentista. Advertimos en ladecoración elementos mixtilíneos propiamente barrocos en torno a la portada principal, en laspuertas de las torres laterales y en las molduras que envuelven todos los ventanales de la fachada.

Alberto Churriguera

Nació en 1676 en Madrid y al igual que su hermano Joaquín fue a Salamanca a trabajar con suhermano José.

Su obra más importante es la construcción de la Plaza Mayor de Salamanca. Es de plantacuadrada y el alzado de los edificios se estructura en cuatro pisos. El primer piso corresponde a los

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soportales, en los tres restantes, encontramos ventanales precedidos de balconadas. Finalmente,una balaustrada rematada con pináculos cierra el espacio superior de toda la plaza.

En 1731 comienza la construcción de la Iglesia de San Sebastián de Salamanca, unida al Colegiode Anaya. Es una iglesia de una sola nave cubierta con bóveda de cañón con lunetos y con cúpulaoctogonal sobre el crucero.

Su última obra es la Iglesia parroquial de Orgaz, en Toledo.

Andrés García de Quiñones será un seguidor del Churrigueresco, aunque, el término también hasido utilizado para designar a artistas como Narciso Tomé, Pedro de Ribera o Francisco Hurtado

Izquierdo.

 

Otros libros destacados del mes

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José de Churriguera

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José Benito de Churriguera

Nacimiento1665

Madrid

Fallecimiento2 de marzo de 1725

Madrid

Ocupación arquitecto

 

, retablista, escultor 

José Benito de Churriguera (* Madrid (España

 

); 21 de marzo de 1665 – † ibíd., 2 demarzo de 1725) fue un arquitecto y retablista barroco español, miembro de una familia deartistas de la que es recordado como el principal arquitecto y escultor. Su influencia, juntocon el trabajo de sus hermanos Alberto y Joaquín, definió el llamado estilo churrigueresco, caracterizado por la abundancia y protagonismo de la decoración.

Contenido[ocultar ]

• 1 Resumen biográfico• 2 Estilo churrigueresco• 3 Principales obras

o 3.1 Retablos

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o 3.2 Arquitecturao 3.3 Urbanismo

• 4 Bibliografía• 5 Véase también

•

6 Enlaces externos

[editar] Resumen biográfico

Vista del Palacio-iglesia de Nuevo Baztán (1709-1713

 

), integrado por dos estructurascontiguas: a la izquierda, el recinto palaciego y, a la derecha, a mayor altura, la Iglesia desan Francisco Javier.

Fachada principal de la Iglesia de San Cayetano, en Madrid.

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El retablo del convento de San Esteban, en Salamanca, diseñado en 1692, obra de gran

impacto que originó el adjetivo churrigueresco. Nació en Madrid en 1665, hijo de José Simón de Churriguera, reconocido ebanista, escultor  y retablista oriundo de Barcelona.

Se formó en el taller de su padre, y a la muerte de éste en 1679, José asumió la jefatura dela familia. En 1690 el rey Carlos II lo designó como uno de los arquitectos de la corte, si bien no recibió salario hasta 1696. En 1702 el rey Felipe V nombró arquitecto jefe aTeodoro Ardemans, y poco tiempo después, Churriguera fue acusado de insubordinación y presunción, perdiendo el patrocinio real.

Una de las primeras obras que lo hicieron famoso es el retablo de la capilla del Sagrario enla Catedral de Segovia, construido en 1689, que le valió, en 1690, la designación comoarquitecto de la catedral.

Con el retablo de la iglesia del convento de San Esteban, en Salamanca, de 1692 la obra delartista se consolidó, generando admiración y también críticas.

Si bien Churriguera permaneció el resto de su vida residiendo y trabajando principalmenteen la región madrileña, el puesto en Salamanca permitió la obtención de otros muchosencargos para sus hermanos y al menos para uno de sus hijos.

Una de las obras artísticas que también le valieron la atención pública fue el catafalco parala primera esposa de Carlos II, María Luisa de Orleans, erigido temporalmente en la Iglesiade la Encarnación de Madrid.

Al fallecimiento del artista, en 1725, su hermano Alberto completó el Palacio deGoyeneche.

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El ornamentado de sus obras, criticado por los puristas, pero que se convirtió en un estilo popular, se difundió por España, México y otras capitales latinoamericanas.

El obituario de Churriguera lo reconoce como "el  Miguel Angel " español.

Tuvo dos hijos también arquitectos, Nicolás y Jerónimo Churriguera.

[editar] Estilo churrigueresco

 Artículo principal:  Estilo churrigueresco

Churrigueresco fue -en sus inicios- un término acuñado con sentido despectivo por losneoclacisistas, molestos por el desmembramiento formal, la profusión ornamental y laextravagancia académica de Churriguera, que llevó el dinamismo del barroco a susextremos formales en España.

De hecho, el churrigueresco es considerado la tercera gran etapa y culminación del barrocoespañol, luego del "período pleno" de Francisco Sánchez, Francisco Herrera el Mozo,Ventura Rodríguez, Domingo Yarza o Juan Bautista Viñes y antes de la llegada al poder delos Borbones, que importaron el barroco francés.

Rococó

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El Petit Trianon, «apartamento» que Madame de Pompadour , amante de Luis XV y promotora del Rococó, se hizo construir para alejarse del ambiente palaciego de Versalles.

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El columpio, obra maestra de Fragonard, donde se recoge el espíritu refinado, exótico ysensual propio del Rococó.

El Rococó es un movimiento artístico nacido en Francia, que se desarrolla de forma progresiva entre los años 1730 y 1770.

El Rococó se define por el gusto por los colores luminosos, suaves y claros. Predominan lasformas inspiradas en la naturaleza, en la mitología, en la belleza de los cuerpos desnudos,en el arte oriental y especialmente en los temas galantes y amorosos. Es un arte básicamente mundano, sin influencias religiosas, que trata temas de la vida diaria y de lasrelaciones humanas. Es un estilo que busca reflejar lo que es agradable, refinado, exótico ysensual.

Contenido

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• 1 Contexto histórico y social• 2 Historia

o 2.1 Del Barroco al Rococóo 2.2 Desarrollo y extensióno 2.3 Declive

• 3 El Rococó aplicado al arte

o 3.1 Mobiliario y objetos decorativos durante el periodo Rococóo 3.2 Arquitecturao 3.3 Pinturao 3.4 Esculturao 3.5 Música

• 4 El Rococó en Franciao 4.1 Mobiliarioo 4.2 Arquitectura

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o 4.3 Escultura y objetos de porcelana• 5 El Rococó en Italia

o 5.1 Arquitecturao 5.2 Pinturao 5.3 Escultura

•

6 El Rococó en Españao 6.1 Arquitectura y retabloso 6.2 Pintura

• 7 El Rococó y la Iglesia católica• 8 Bibliografía• 9 Véase también

• 10 Enlaces externos

[editar] Contexto histórico y social

Su precedente se sitúa en los inicios del siglo XVIII coincidiendo con la regencia de Felipede Orleans, cuando empezaron los tímidos cambios que anunciaban el final del estilo tardo barroco y su evolución hacia la expresión de un gusto más contemporáneo, independiente yhedonista, contrapuesto al arte oficial, inflexible y ostentoso del reinado de Luis XIV. Latransición del Rococó, también conocido como el «estilo Luis XV», a nuevas formas yexpresiones artísticas, empezó hacia el 1720.

Este estilo, llamado en su tiempo «del gusto moderno», fue despreciado por sus críticos ydetractores neoclasicistas con la palabra Rococó, que es una composición de «rocaille»(piedra) y «coquille» (concha marina), puesto que en los primeros diseños del nuevo estiloaparecían formas irregulares inspiradas en rocas marinas, algas y conchas. Otras versiones buscan el origen en rocaille, un tipo de ornamentación de los decoradores de grutas de los jardines barrocos y que se distinguía por su profuso ensortijamiento. A pesar de la intención peyorativa de esta denominación, que pocos historiadores actuales todavía apoyan, elRococó es un ejemplo de cómo el arte es la inmediata expresión de la vida social y de cómoun estilo se hace a medida del individuo, de cómo las viviendas y los objetos se diseñan para los hombres y no sólo para dioses y monarcas.

El estilo se expresa sobre todo en la pintura, la decoración, el mobiliario, la moda y en eldiseño y producción de objetos. Su presencia en la arquitectura y la escultura es menor, puesto que su ámbito fundamental son los interiores y, en menor grado, las composicionesmonumentales.

Las excavaciones entre 1738 y 1748 de Pompeya y Herculano y su divulgación despertaronuna verdadera fascinación por el «gusto a la griega», embrión del que, una vezconsolidado, conoceríamos como  Neoclasicismo y que coincide con el reinado de LuisXVI.

[editar] Historia

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[editar] Del Barroco al Rococó

La basílica de Ottobeuren (Baviera): los espacios arquitectónicos confluyen y se dispersan,como si tomasen vida.

Durante el reinado de Luis XV, la vida de la corte se mantiene en el  palacio de Versalles, 

extendiendo el cambio artístico del palacio real y permiten su difusión a toda la altasociedad francesa. La delicadeza y la alegría de los motivos Rococó han sido vistos amenudo como una reacción a los excesos del régimen de Luis XIV.

Si lo Barroco estaba al servicio del poder absolutista, el Rococó está al servicio de laaristocracia y la burguesía. El artista deja de ser un servidor del poder y trabaja con máslibertad y se inicia el mercado del arte. El Rococó se presenta como un arte al servicio de lacomodidad, el lujo y la fiesta. Las escenas de su pintura recogen este nuevo estilo de vida.

Con respecto a la vertiente social, se inicia un cambio en el papel de la mujer, que seconvierte en organizadora de reuniones para hablar de literatura, política, juegos de ingenio

o para bailar. Este entorno de alta actividad social dentro la alta burguesía es el lugar adecuado para que los artistas se promocionen y hagan clientes. Los motivos del Rococó buscan reproducir el sentimiento típico de la vida aristocrática, libre de preocupaciones, ode novela ligera, más que batallas heroicas o figuras religiosas.

[editar] Desarrollo y extensión

Interior de estilo Rococó del palacio de Gatchina, cerca de San Petersburgo, en Rusia.

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En el desarrollo y extensión del nuevo estilo dentro la sociedad francesa, jugó un papelclave la influencia de Jeanne Antoinette Poisson, marquesa de Pompadour y amante delrey. Su interés por el arte que, como aficionada, practicaba asesorada por  François Boucher  o Quentin de La Tour , se transmitió a las clases acomodadas de París. 1730 fue el periodode mayor vitalidad y desarrollo del Rococó en Francia. El estilo se inició en la arquitectura

y llegó al mobiliario, la escultura y la pintura (de entre los trabajos más significativos,encontramos los de los artistas Jean-Antoine Watteau y François Boucher ). El estiloRococó se difunde sobre todo gracias a los artistas franceses y a las publicaciones de laépoca.

Fue rápidamente acogido en la zona católica de Alemania, Bohemia y Austria, donde sefusiona con el Barroco germánico. En particular al sur, el Rococó germánico fue aplicadocon entusiasmo en la construcción de casas y palacios; los arquitectos a menudo adornanlos interiores con «nubes» de estuco blanco.

En Italia, el estilo tardobarroco de Francesco Borromini y Guarino Guarini evoluciona

hacia el Rococó en Turín, Venecia, Nápoles y Sicilia, mientras el arte en la Toscana y enRoma se mantiene todavía fuertemente ligado al barroco, pero con sus características básicas muy marcadas.

En Inglaterra, el nuevo estilo fue considerado como «el gusto francés por el arte». Losarquitectos ingleses no seguirían el ejemplo de sus colegas continentales, a pesar de que la platería, la porcelana y las sedas sí estuvieron fuertemente influenciadas por el Rococó.Thomas Chippendale transformó el diseño del mobiliario inglés mediante el estudio y laadaptación del nuevo estilo. William Hogarth contribuyó a crear una teoría sobre la bellezadel Rococó; sin referirse intencionadamente al nuevo estilo, afirmaba en su obra Análisisde la belleza (1753

 

) que la curva en S presente en el Rococó era la base de la belleza y de la

gracia presente en el arte y en la naturaleza.[editar] Declive

El fin del Rococó se inicia en torno al 1760, cuando personajes del nivel de Voltaire yJacques-François Blondel extienden la crítica sobre la superficialidad y la degeneración delarte. Blondel, en particular, se lamentó de la «increíble mezcla de conchas, dragones,cañas, palmas y plantas» del arte contemporáneo. En 1780 lo Rococó deja de estar demoda en Francia y es reemplazado por el orden y la seriedad del estilo  Neoclásico impulsado por Jacques-Louis David.

El Rococó se mantuvo popular fuera de las grandes capitales y en Italia hasta la segundafase del Neoclásico, cuando el llamado estilo Imperio se impone gracias al impulso delgobierno napoleónico.

Un renovado interés por el Rococó aparece entre 1820 y 1870. Inglaterra es la primera enrevalorar el estilo Luis XIV , que es como se denominaba erróneamente al comienzo. Conesta moda, se llegaron a pagar cifras importantes para comprar objetos Rococó de segundamano que se podían encontrar en París. En Francia, sólo artistas importantes como

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Delacroix y mecenas como la emperatriz Eugenia redescubren el valor de la gracia y de laligereza aplicada al arte y al diseño.

[editar] El Rococó aplicado al arte

[editar] Mobiliario y objetos decorativos durante el periodo Rococó

Diván de estilo Rococó.

La temática ligera pero intrincada del diseño Rococó se adecúa mejor a los objetos de tallareducida que a la arquitectura y a la escultura. No sorprende por lo tanto que el Rococófrancés fuera utilizado sobre todo en el interior de las casas. Figuras de porcelana, plateríay, ante todo, el mobiliario incorporan la estética del Rococó cuando la alta sociedadfrancesa quiere arreglar las casas con el nuevo estilo.

El Rococó aprecia el carácter exótico del arte chino y, en Francia, se imita este estilo en la producción de porcelana y vajilla de mesa.

Los diseñadores franceses, como François de Cuvilliés y Nicholas Pineau, exportan el estilo

a Múnich y San Petersburgo, mientras el alemán Juste-Aurèle Meissonier se trasladó aParís, si bien hace falta considerar a Simon-Philippe Poirier como el precursor del Rococóen París. El Rococó inglés tiende a ser más moderado. El diseñador de muebles ThomasChippendale mantiene la línea curva pero menos ampulosa que la del mueble francés. Elmayor exponente del Rococó inglés fue, probablemente, Thomas Johnson, un escultor y proyectista de muebles ubicado en Londres a mediados del 1700.

[editar] Arquitectura

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Palacio Solitude (Stuttgart), un exponente de la arquitectura Rococó en la Alemaniameridional.

Una de las características del estilo Rococó será la marca de diferencia entre exteriores einteriores. El interior será un lugar de fantasía y colorido mientras la fachada se

caracterizará por la sencillez y la simplicidad. Se abandonan los órdenes clásicos y lasfachadas de los edificios se distinguirán por ser lisas, teniendo, como mucho, unasmolduras para separar plantas o enmarcar puertas y ventanas. La forma dominante en lasedificaciones rococós era la circular. Un pabellón central, generalmente entre dos alas bajasy curvas y, siempre que era posible, rodeado de un jardín o un inmerso parque natural.Otras edificaciones podían tomar la forma de pabellones encadenados, en contra del típicoedificio «bloque», propio de la etapa anterior.

En este momento la ventana aumenta progresivamente de medida, hasta la puerta-ventana o«ventana-francesa», obteniendo una interrelación entre interior y exterior que consigue laideal fusión con la naturaleza, con el paisaje y el entorno. Se descartan los marcos en

ángulo recto, demasiado rígidos y se adoptan ventanas arqueadas. Se elimina o reduce eluso de esculturas monumentales, limitándolas a la ornamentación de los jardines.

En cualquier caso, el aspecto más destacable de los interiores rococós es la distribucióninterna. Los edificios tienen estancias especializadas para cada función y una distribuciónmuy cómoda. Las habitaciones se diseñan como un conjunto que, con una marcadafuncionalidad, combinan la ornamentación, colores y mobiliario.

Por su misma naturaleza, estas tendencias arquitectónicas tuvieron muy poco reflejo en lasconstrucciones oficiales, fueran laicas o eclesiásticas. En cambio, el nuevo estilo fue perfecto para las residencias de la nobleza y la alta burguesía, las clases más ansiosas de

cambiar según los nuevos cánones y las más dotadas de medios económicos paraconseguirlo.

Palacio de Sanssouci, Potsdam.

En Alemania, especialmente en Baviera, el Rococó entra con mucha fuerza y supera las

fórmulas barrocas. Destaca, a diferencia de Francia, la capacidad de adecuar el estilo aconstrucciones religiosas que consiguió el Rococó alemán. Entre los autores de las obrasmás destacadas encontramos a artistas franceses y alemanes como François de Cuvilliés, Johann Balthasar Neumann y Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff , que realizaron la preparación de Amalienburg cerca de Múnich, la residencia de Wurzburgo, Sanssouci enPotsdam, Charlottenburg en Berlín, los Palacios de Augustusburg y Falkenlust en Brühl,Bruchsal, el Palacio Solitude de Stuttgart y Schönbrunn en Viena.

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[editar] Pintura

 Artículo principal:  Pintura rococó

 Peregrinación a Cythera de Jean-Antoine Watteau (1721, Louvre).

A pesar de que el Rococó debe de su origen puramente a las artes decorativas, el estilomostró su influencia también en la pintura, llegando a su máximo esplendor en la década de

1730. Esta pintura debe llamarse propiamente como Pintura Galante y no como PinturaRococó, pues este término engloba el contexto estético en que se encontraba. Los pintoresusaron colores claros y delicados y las formas curvilíneas, decoran las telas con querubinesy mitos de amor. Sus paisajes con fiestas galantes y pastorales a menudo recogían comidassobre la hierba de personajes aristocráticos y aventuras amorosas y cortesanas. Serecuperaron personajes mitológicos que se entremezclan en las escenas, dotándolas desensualidad, alegría y frescura.

El retrato también fue popular entre los pintores rococós, en el que los personajes sonrepresentados con mucha elegancia, basada en la artificialidad de la vida de palacio y de losambientes cortesanos, reflejando una imagen amable de la sociedad en transformación.

Jean-Antoine Watteau (1684 – 1721

 

) es considerado el más importante pintor rococó,creador de un nuevo género pictórico: las « fêtes galantes» (fiestas galantes), con escenasimpregnadas con un erotismo lírico. Watteau, a pesar de morir a los 35 años tuvo una graninfluencia en sus sucesores, incluidos François Boucher (1703 – 1770

 

) y Jean-HonoréFragonard (1732 – 1806

 

), dos maestros del periodo tardío. También el toque delicado y lasensibilidad de Thomas Gainsborough (1727 – 1788) reflejan el espíritu rococó.

[editar] Escultura

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Cupido de Edmé Bouchardon (1750).

La escultura es otra área en la cual intervinieron los artistas rococó. Étienne-MauriceFalconet (1716 – 1791) es considerado uno de los mejores representantes del rococó francés.En general, este estilo fue expresado mejor mediante la delicada escultura de porcelana,más que con estatuas marmóreas e imponentes. El mismo Falconet era director de unafamosa fábrica de porcelana en Sèvres. Los motivos amorosos y alegres son representadosen la escultura, así como la naturaleza y la línea curva y asimétrica.

El diseñador  Edmé Bouchardon representó a Cupido tallando sus dardos de amor con elgarrote de Hércules, un símbolo excelente del estilo Rococó. El semidiós es transformado

en un niño tierno, el garrote que rompe huesos se transforma en flechas que golpean elcorazón, en el momento en que el mármol es sustituido por el estuco. En este periodo podemos mencionar a los escultores franceses Jean-Baptiste Lemoyne, Robert le Lorrain, Michel Clodion y Pigalle.

[editar] Música

El estilo galante fue el equivalente del Rococó en la historia de la música, situado entre lamúsica barroca y la música clásica, y no es fácil definir este concepto con palabras. Lamúsica rococó se desarrolló al margen de la música barroca, particularmente en Francia.Puede ser considerada como una música muy intimista realizada de forma extremadamente

refinada. Entre los máximos exponentes de esta corriente se puede citar a Jean PhilippeRameau y Carl Philipp Emanuel Bach.

[editar] El Rococó en Francia

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Francia es la cuna del estilo y desde aquí se extiende al resto de Europa, especialmente a los países de lengua germánica donde adquiere una fuerza extraordinaria, debido a las fuertesrelaciones de Federico II de Prusia con la corona de Francia.

[editar] Mobiliario

El diseño de muebles es la principal actividad de toda una dinastía de ebanistas parisienses,alguno de los cuales había nacido en Alemania, que desarrollan un estilo de línea curva entres dimensiones, donde las superficies embarnizadas se completaban con marquetería de bronce. La factura de estas obras corresponde, mayoritariamente, a Antoine Gaudreau, Charles Cressent, Jean-Pierre Latz, Françoise Oeben y Bernard van Risen Burgh.

En Francia el estilo se mantiene muy sobrio, puesto que los ornamentos, principalmente demadera, eran menos macizos y se presentaban como composiciones de motivos florales,escenas, máscaras grotescas, pinturas e incrustaciones de piedra.

La tapicería fue un capítulo importante para conseguir comodidad en el mueble. Losasientos llegaron a cotas de comodidad inimaginables pocos años antes. La tendenciageneral a favor del lujo y del confort hizo que los cortesanos y los asiduos asistentes a lossalones pudieran ahora sentarse (e incluso reclinarse y estirarse) en las reuniones, adiferencia de la época anterior, en la que había sido obligatorio permanecer de pie por cuestiones de protocolo. Este nuevo concepto de la comodidad y una actitud másdespreocupada respecto al cuerpo humano (al cual se permitía en momentos de intimidadevadirse y librarse de rígidas posturas), la inquietud por desarrollar actividades intelectualesy lúdicas en los espacios privados, propicia el desarrollo de nuevos diseños de muebles.

[editar] Arquitectura

Con el alejamiento de la cultura de los palacios de la corte, las construccionescaracterísticas de esta época fueron las casas alejadas del centro de ciudad o en medio delcampo: « folies», «bergeries», «bagatelles» o «ermitages». En residencias urbanas, el«hôtel » o mansión en la ciudad, la planta se divide en unidades espaciales relativamente pequeñas con lo cual se obtienen ámbitos especializados, de diferente medida según sufunción: salón, comedor, cuarto, antecámara, galería, gabinete.

De esta forma apareció una distribución más práctica que el anterior de «enfilade», ahoralas habitaciones serían independientes y con acceso individual. Se cortaron oblicuamentelas esquinas de las habitaciones para colocar escaleras secundarias en los espacios ganados

y estos se comunicaron entre sí mediante pasillos, corredores y galerías.

Entre los representantes más destacados encontramos a Jean Courtonne y a Robert deCotte, nombrado arquitecto de la corte, y que intervino en la casi totalidad de las obrasimportantes que se hicieron en Francia durante 30 años.

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Mesa de la factoría de Sèvres de Martin Carlin. 1772.

[editar] Escultura y objetos de porcelana

Francia ocupó un lugar importante a la producción de porcelana durante el siglo XVIII. Sefabricó en Ruan, Estrasburgo, Saint-Cloud, Mennecy, Chantilly y en la Manufactura Real

de porcelana de Sèvres.

Después de unos inicios difíciles (1741) en Vincennes, la Manufactura Real se trasladó aSèvres en 1756. La porcelana de Sèvres se caracterizaba por sus dibujos rodeados deornamentación de rocalla sobre fondo blanco, aunque este blanco pasó rápidamente acolores de tonos muy vivos como el bleu de Roi (posterior al Rococó), el amarillo vivo, elazul turquesa, y el rosa Pompadour (a partir de 1757), de moda durante diez años y que sedenominó así como reconocimiento al interés personal de Madame Pompadour en eldesarrollo de las Manufacturas.

A partir de la década de 1750 se puso de moda la colocación de placas de Sèvres como

decoración de muebles pequeños o accesorios. Bernard van Risen Burgh fue el primeroebanista conocido que decoró sus obras con placas de porcelana, una práctica querápidamente se hizo popular. Fueron muy utilizados por los ebanistas Martin Carlin yWeisweiler.

[editar] El Rococó en Italia

El palacio de Stupinigi.

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Las Guerras Italianas tuvieron como resultado la hegemonía del poder español sobre Italia.Aunque muchos estados, como por ejemplo Venecia, no pertenecieron a la coronaespañola, Italia dependió de España para recibir protección de las agresiones externas. Elcontrol de España fue reemplazado con la hegemonía austriaca en el siglo XVIII aexcepción de algunos pocos estados que permanecieron bajo el control español.

También en Italia, siguiendo el ejemplo francés, creó el Rococó una notable renovación,sobre todo en el sector de la decoración de interiores y en la pintura. Se dio sobre todo en laregión del norte (Liguria, Piamonte, Lombardía y Véneto), mientras que en la Italia central, por la influencia de la iglesia, el estilo no se desarrolla de forma sensible.

En cambio en Sicilia se desarrolló una evolución del barroco de carácter propio, de gustomás españolizante, muy similar al plateresco.

[editar] Arquitectura

Salón central de Stupinigi.

Los mayores representantes estilo rococó en la arquitectura italiana son Guarino Guarini, muy activo en el Piamonte y en Mesina, y Filippo Juvarra que trabaja mucho en Turíncomo arquitecto de la casa de Saboya.

Las obras más importantes de Guarino Guarini son: la iglesia de San Filippo, la iglesia delos Padres Somaschi y la casa de los padres teatinos, todas en Mesina, la capilla del SantoSudario de Turín y el palacio Carignano también en Turín.

Entre las realizaciones más importantes de Filippo Juvara existen: la cúpula de la Basílicade San Andrés en Mantua, la cúpula de la catedral de Como, el campanario de la catedral

de Belluno, la basílica de Superga cerca de Turín, el castillo de Rívoli, el palacete de caza aStupinigi, el Palacio Real de Venaria Reale y el palacio Madama en Turín.

[editar] Pintura

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 Plaza de San Marcos, Canaletto (1723).

En el campo de la pintura, los mayores intérpretes del Rococó se pueden considerar losartistas que trabajaron en la República de Venecia, destacando los grandes paisajesdetallistas con representaciones de los principales espacios de la ciudad: los canales, la plaza de San Marco y el Palacio Ducal, siguiendo la corriente llamada veduta.

Entre las figuras más importantes a considerar encontramos: Giovanni Battista Tiepolo dequien destaca el Retrato de Antonio Riccobono, San Rocco y Hércules sofoca a Anteo.Tiepolo pasó cuatro años en Wurzburgo antes de volver a Venecia y finalmente fue atrabajar en Madrid, a la corte de Carlos III, ciudad en la que murió finalmente. GiovanniAntonio Canal, conocido como Canaletto, que realizó obras entre otras: Plaza de SanMarcos, San Cristobal, San Miguel y Murano, Los caballos de San Marcos en la plaza, El campo de Rialto en Venecia y Paseo fluvial con columna y arco de triunfo. Canalettotambién trabajó en Inglaterra pero sin llegar al esplendor de los paisajes de su ciudad natal.Francesco Guardi, con un estilo al toque, representa con sus paisajes más difuminados yoscuros la República que se hunde, realizando cerca de ochocientos sesenta obras entre lascuales destacan Milagro de un santo dominico, Concierto en el Casino de los Filarmonici y

 La Caridad .

[editar] Escultura

En el sector de la escultura, el más pobre en este periodo, se distingue Giacomo Serpotta que, sobre todo en Palermo, realizó obras para varias iglesias de la ciudad, entre las que podemos citar los oratorios de Ciudad Santa, de San Lorenzo y del Rosario en SantoDomingo y la iglesia de San Francisco de Asís. Se puede considerar que algunos escultoresque realizaron fuentes en Roma y en el palacio de Caserta se inspiraron en el estilo Rococó.

[editar] El Rococó en España

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Interior de la basílica pontificia de San Miguel, en Madrid.

En el siglo XVIII, el barroco español camina hacia un estilo mucho más ornamentado. La

escultura, la pintura y la talla se funden con la arquitectura, en ocasiones para animar losclásicos esquemas arquitectónicos que continúan vigentes en plantas y alzados. Frente a losexteriores, por lo general austeros, se crean interiores vibrantes. Este barroco tardío -queemplea con profusión motivos ornamentales como la hoja de acanto, de raíz clásica-comienza a impregnarse en la década de 1730 de la influencia del rococó francés,ejemplarizada fundamentalmente en la difusión de un nuevo motivo ornamental: la rocalla(del francés rocaille), consistente en complicados juegos de "C" y "S" que generan formasasimétricas y que también recuerdan a formas marinas. La rocalla comenzó a conocerse enEspaña a través de tres vías fundamentales: su difusión a través de los pattern books olibros de patrones, la importación de mobiliario y otras artes decorativas de Europa y sudirecta traída de mano de arquitectos foráneos, caso del portugués Cayetano de Acosta.

De este modo, para el caso español es difícil hablar de la existencia de un rococó puro sino,más bien, de un barroco tardío que toma prestados elementos del rococó francés. Lagenérica denominación de rococó para el arte español del siglo XVIII obedece a unatrasnochada tendencia de considerar el rococó como la lógica evolución del barroco. Hayque tener en cuenta que el estilo nace en Francia, país en el que el arte del siglo precedente,conocido como el Grand Siécle, fue sustancialmente diverso al caso hispano, por sucarácter más clasicista. Por tanto, el estilo nace más como reacción que como evolución delXVII francés. Por otra parte, el rococó es un arte eminentemente burgués y profano,difícilmente conciliable el arte religioso, el más abundante del barroco español. A estatradicional confusión terminológica ha contribuido la presencia en el XVIII español de

arquitectos italianos y soluciones traídas del barroco italiano (más movido en planta),ajenas al rococó pero confundidas con éste.

Con todo, al margen de la discutible huella del rococó en el arte religioso español del sigloXVIII, es posible rastrear algunos ejemplos del rococó en España, fundamentalmente en lastipologías civiles y, sobre todo, en el ámbito cortesano, al calor de la nueva dinastía borbónica.

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[editar] Arquitectura y retablos

Fachada del Palacio del marqués de Dos Aguas, en Valencia.

En en el ambiente cortesano de Madrid encontramos los más hermosos ejemplos del rococóespañol. En el Palacio Real de Madrid, mandado construir por Felipe V en 1738, se halla elsoberbio Salón de Gasparini y el Salón de Porcelana. En el mismo palacio encontramos elSalón del Trono, un impresionante conjunto con muchos ejemplos de mobiliario rococócomo los doce espejos monumentales acompañados de sus correspondientes consolas y eltrono real. En Aranjuez, también en Madrid, encontramos una pieza única en el Salón dePorcelana del Palacio Real, verdadera joya profusamente decorada en tiempos de Carlos III con motivos chinescos muy del gusto por lo orientalizante y exótico del rococó. Tambiénen la capital de España se encuentran algunos templos que acusan la influencia del rococó,como la  basílica de San Miguel, trazada por el arquitecto italiano Santiago Bonavia en1739.

En Valencia destaca el Palacio del marqués de Dos Aguas (1740–1744), con fachadadiseñada por el pintor y grabador Hipólito Rovira y ejecutada por Ignacio Vergara y LuisDomingo, sin duda uno de los edificios claves del Rococó español.

Respecto a la arquitectura de retablos, algunos de los retablistas que se dejaron seducir por la rocalla fueron Narciso Tomé y Cayetano de Acosta, siempre trabajando bajo unatipología tan característica del barroco español como es el retablo.

[editar] Pintura

Como pintores españoles del siglo XVIII, cercanos al rococó pero de tendenciaacademicista, destacan Luis Meléndez y Luis Paret; también el italiano Giovanni BattistaTiepolo, que trabajó en España junto a Mengs.

También destacar la obra pictórica de Antoni Viladomat i Manalt y de Francesc TramullesRoig, discípulo de Viladomat y menos conocido debido al carácter efímero de su obra.Francesc Pla, conocido como «el Vigatà», mostró una leve influencia del rococó en las

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 pinturas del Palacio Moja de Barcelona, si bien el resto de su obra hay que ubicarla dentrode un lenguaje barroco.

[editar] El Rococó y la Iglesia católica

La basílica de Superga.

Una visión crítica del Rococó en el contexto eclesiástico fue sostenida en la Enciclopediacatólica. Para la iglesia, el estilo Rococó se podía asimilar a la música profana, contrapuesta a la música sacra. La carencia de simplicidad, la exterioridad y la frivolidadtenían el efecto de distraer del recogimiento y de la plegaria.

Con todo, eliminada su exterioridad más explícita, el resultado pudo ser aceptado como enconsonancia con un ambiente dedicado al culto. En el desarrollo del Rococó, encontramosuna decoración compatible con el aspecto sagrado de las iglesias.

Capitel rococó en Steinhausen.

Los artistas franceses parecen no haber considerado nunca la belleza de la composición del

objeto principal, mientras que los alemanes hacen de la potencia de las líneas sucaracterística principal. En el interior de las iglesias, el Rococó pudo ser tolerado, dado quelos objetos eran pequeños como un vaso, una mesita de un corazón, una luz, una barandillao una balaustrada y no eran demasiado evidentes a la vista. Resulta estar más enconsonancia en la sacristía y en ambientes no propiamente de culto, más que en la iglesia propiamente dicha. El estilo Rococó se adapta muy mal al oficio solemne de la funciónreligiosa, con el tabernáculo, el altar  o el púlpito.

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En el caso de grandes objetos, la escultura rococó resulta bella, pero a la vez se encuentraun parecido con el barroco. Los elementos fantasiosos de este estilo no se adaptan a lasgrandes paredes de las iglesias. En cualquier caso, todo tiene que ser según la situaciónlocal y las circunstancias. Hay piezas del Rococó auténticamente bellas, mientras quealgunas otras no responden a los cánones e intentan asimilarse a objetos sacros.

Entre los materiales utilizados en el estilo Rococó figuran la madera tallada, el hierro y el bronce, utilizado en la construcción de balaustradas y portales. Un elemento distintivo es eldorado que cubre los fríos materiales metálicos, más aceptables para la implantación enambientes no profanos.

Neoclasicismo

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 Para otros usos de este término, véase Neoclásico (desambiguación).

 El  juramento de los Horacios, obra de Jacques-Louis David.

El término Neoclasicismo surgió en el siglo XVIII para denominar de forma peyorativa almovimiento estético que venía a reflejar en las artes, los principios intelectuales de laIlustración que desde mediados del siglo XVIII, se venía produciendo en la filosofía y queconsecuentemente se había transmitido a todos los ámbitos de la cultura. Sin embargodespués de la caída de Napoleón los artistas no tardaron en cambiar sus ideas hacia elRomanticismo y el Neoclasicismo fue dejado.

Contenido

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• 1 Orígenes• 2 Desarrollo

o 2.1 Arquitecturao 2.2 Esculturao 2.3 Pinturao 2.4 Música

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o 2.5 Literatura• 3 Referencias• 4 Véase también

• 5 Enlaces externos

[editar] Orígenes

Con el deseo de recuperar las huellas del pasado se pusieron en marcha expediciones paraconocer las obras antiguas en sus lugares de origen. La que en 1749 emprendió desdeFrancia el arquitecto Jacques-Germain Soufflot, dio lugar a la publicación en 1754 de lasObservations sur les antiquités de la ville d'Herculaneum, una referencia imprescindible para la formación de los artistas neoclásicos franceses. En Inglaterra la Society of Dilettanti(Sociedad de Amateurs) subvencionó campañas arqueológicas para conocer las ruinasgriegas y romanas. De estas expediciones nacieron libros como las Antigüedades de Herculano (1757-1792) financiada por el Rey de Nápoles (luego Carlos III de España), que

sirvieron de fuente de inspiración para los artistas de esta época.

También hay que valorar el papel que desempeñó Roma como lugar de cita para viajeros yartistas de toda Europa e incluso de América. En la ciudad se visitaban las ruinas, seintercambiaban ideas y cada uno iba adquiriendo un bagaje cultural que llevaría de vuelta asu tierra de origen. Allí surgió en 1690 la llamada Academia de la Arcadia o Arcades deRoma, que con sus numerosas sucursales o coloniae por toda Italia y su apuesta por elequilibrio de los modelos clásicos y la claridad y la sencillez impulsó la estética neoclásica.

La villa romana se convirtió en un centro de peregrinaje donde viajeros, críticos, artistas yeruditos acudían con la intención de ilustrarse en su arquitectura clásica. Entre ellos estaba

el prusiano Joachim Winckelmann (1717-1768), un entusiasta admirador de la culturagriega y un detractor del rococó francés; su obra Historia del Arte en la Antigüedad (1764)es una sistematización de los conocimientos artísticos desde la antigüedad a los romanos.

En Roma también trabajaba Giovanni Battista Piranesi (1720-1778); en sus grabados, como Antichitá romana (1756) o Las cárceles inventadas (1745-1760), y transmite una visióndiferente de las ruinas con imágenes en las que las proporciones desusadas y los contrastesde luces y sombras buscan impresionar al espectador.

El trabajo está cargado de simbolismo: la figura en el centro representa la verdad rodeada por una luz brillante (el símbolo central de la iluminación). Dos otras figuras a la derecha,

la razón y la filosofía, están rasgando el velo que cubre verdad.

La Ilustración representaba el deseo de los filósofos de la época de Razón (filosofía)racionalizar todos los aspectos de la vida y del saber humanos. Vino a sustituir el papel dela religión (como organizadora de la existencia del hombre) por una ética laica queordenará desde entonces las relaciones humanas y llevará a un concepto deísta de la verdad.

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[editar] Desarrollo

[editar] Arquitectura

 Artículo principal:  Arquitectura Neoclásica

Cenotafio para Isaac Newton.

Puerta de Brandeburgo.

Fachada de la Catedral de Pamplona.

Representación de la Acrópolis de Atenas. Obra del arquitecto y pintor Leo von Klenze (detalle).

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La arquitectura puede ser analizada como una rama de las artes social y moral; LaEnciclopedia le atribuyó la capacidad de influir en el pensamiento y en las costumbres delos hombres. Proliferan así las construcciones que pueden contribuir a mejorar la vidahumana como hospitales, bibliotecas, museos, teatros, parques, etc., pensadas con carácter 

monumental. Esta nueva orientación hizo que se rechazara la última arquitectura barroca yse volvieran los ojos hacia el pasado a la búsqueda de un modelo arquitectónico de validezuniversal. Nacen movimientos de crítica que propugnan la necesidad de la funcionalidad yla supresión del ornato en los edificios. Francesco Milizia (1725-1798

 

) en Principi di Architettura Civile (1781) extendió desde Italia las concepciones rigoristas a toda Europa.Mientras, en Francia, el abate Marc-Antoine Laugier  (1713-1769) propugna en sus obras Essai sur l'Architecture (1752) y Observations sur l'Architecture (1765) la necesidad decrear un edificio en el cual todas sus partes tuvieran una función esencial y práctica y en elque los órdenes arquitectónicos fueran elementos constructivos y no sólo decorativos, todoello para hacer una arquitectura verdadera: la construida con lógica.

Todos los arquitectos parten de unos supuestos comunes como son la racionalidad en lasconstrucciones y la vuelta al pasado. Los modelos de los edificios de Grecia y Roma eincluso de Egipto y Asia Menor se convierten en referentes que todos emplean aunquedesde puntos de vista distintos.

Los modelos greco-romanos dieron lugar a una arquitectura monumental que reproducefrecuentemente el templo clásico para darle un nuevo sentido en la sociedad civil. El perfilde los Propileos de Atenas le sirvió al alemán Carl Gotthard Langhans para configurar suPuerta de Brandeburgo en Berlín (1789 a 1791),1 un tipo muy repetido como atestigua laentrada al Downing College de Cambridge (1806) obra del inglés William Wilkins o la posterior Gliptoteca de Múnich de Leo von Klenze.2

También el inglés James Stuart (1713-1788), un arquitecto arqueólogo al que se ha llamadoel Ateniense, en su monumento a Lisícrates en Staffordshire, reprodujo el monumentocorágico de Lisícrates en Atenas. Los hermanos Adam extendieron por toda Inglaterra unmodelo decorativo para interiores con temas sacados de la arqueología; una de sus obrasmás representativas es Osterley Park , con una notable estancia etrusca y un clásico hall deentrada (1775-80).

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Italia prefirió recrear sus modelos antiguos ya bien avanzado el siglo XVIII y en loscomienzos del siglo XIX. El modelo del Panteón de Agripa en Roma se repite en un grannúmero de templos, como el de la Gran Madre de Dio en Turín y San Francisco de Paula en Nápoles, ambos terminados en 1831, que reproducen el pórtico octástilo y el volumencilíndrico del Panteón.

Otros arquitectos, los llamados utópicos, revolucionarios o visionarios, plantearon edificios basados en las formas geométricas. No despreciaron la herencia del pasado clásico y,aunque respetaron las normas de simetría y la monumentalidad, sus edificios son a veces elresultado de la combinación caprichosa de las formas geométricas. Étienne-Louis Boullée (1728-1799) y Claude-Nicolas Ledoux (1736-1806) encabezaron esta postura; entre la grancantidad de proyectos no construidos merece la pena mencionar el Cenotafio para Isaac Newton concebido por Boullée como una esfera, representación del modelo ideal,levantada sobre una base circular que había de cobijar el sarcófago del científico. Ledouxha dejado edificios construidos, entre ellos una parte de la utópica ciudad industrial de lasSalinas de Arc-et-Senans, de planta circular en el Franco Condado o el conjunto de la

Villette en París....Entre uno y otro grupos aparece una tercera categoría, la arquitectura pintoresca, a partir de la creación de jardines ingleses en el siglo XVIII, ordenados de forma natural lejos delgeometrismo del jardín francés. En esta arquitectura se valora la combinación de lanaturaleza con lo arquitectónico, la inclusión en el paisaje natural de edificios que remedanlas construcciones chinas, indias o medievales. Este juego de formas caprichosas y elaprovechamiento de la luz buscan suscitar sensaciones en el espectador. Horace Walpole (1717-1797) construyó en Londres (Inglaterra

 

), Strawberry Hill (1753-1756) una fantasíagótica de la que su autor dijo que le había inspirado para escribir una novela gótica, unaexpresión del efecto inspirador de la arquitectura. También William Chambers (1723-1796)

creó un conjunto pintoresco en los Jardines de Kew (Londres) (1757-1763) con la inclusiónde una pagoda china que reflejaba su conocimiento de las arquitecturas orientales.

[editar] Escultura

 Artículo principal:  Escultura neoclásica

También en la escultura neoclásica pesó el recuerdo del pasado, muy presente siconsideramos el gran número de piezas que las excavaciones iban sacando a la luz, ademásde las colecciones que se habían ido formando a lo largo de los siglos.

Las esculturas neoclásicas se realizaban en la mayoría de los casos en mármol blanco, sin policromar, puesto que así se pensaba que eran las esculturas antiguas, predominando enellas la noble sencillez y la serena belleza que Winckelmann había encontrado en laestatuaria griega. En este mismo sentido habían ido las teorías de Gotthold EphraimLessing (1729-1781) que en su libro Laocoonte, o de los límites de la pintura y de la poesía(1766) había tratado de fijar una ley estética de carácter universal que pudiera guiar a losartistas; sus concepciones sobre la moderación en las expresiones y en el plasmado de lossentimientos son reglas que adoptará el modelo neoclásico.

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Así, los escultores de fines del siglo XVIII y comienzos del XIX, crearán obras en las que prevalecerá una sencillez y una pureza de líneas que los apartará del gusto curvilíneo delBarroco. En todos ellos el desnudo tiene una notable presencia, como deseo de rodear lasobras de una cierta intemporalidad. Los modelos griegos y romanos, los temas tomados dela mitología clásica y las alegorías sobre las virtudes cívicas llenaron los relieves de los

edificios, los frontones de los pórticos y los monumentos, como arcos de triunfo ocolumnas conmemorativas.

El retrato también ocupó un importante lugar en la escultura neoclásica; Antonio Canova(1757-1822) representó a Napoleón como Marte (1810, Milán) y a su hermana Paulinacomo Venus Victrix (1807, Roma

 

) tomando así los modelos de los dioses clásicos. Noobstante otros prefirieron un retrato idealizado pero al tiempo realista que captara elsentimiento del retratado, como Jean-Antoine Houdon (1741-1828) con su Voltaire anciano(Museo del Hermitage

 

) o el bello busto de la Emperatriz Josefina (1806, Castillo deMalmaison) de Joseph Chinard (1756-1813).

Antonio Canova (1757-1822) y Bertel Thorvaldsen (1770-1844) resumen las distintastendencias de la escultura neoclásica. Mientras Canova llega al Clasicismo desde unaformación barroca y configura un estilo de gran sencillez racional, el danés Thorvaldsensiguió más directamente las teorías de Winckelmann hasta conseguir un estilovoluntariamente distante y frío que debe mucho a la estatuaria griega. Su Jasón o Marte y elAmor reflejan esa fidelidad al modelo griego.

[editar] Pintura

 Artículo principal:  Pintura neoclásica

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 La fuente, obra de Ingres.

Es estética neoclásica. Obras como el Juramento de los Horacios plantean un espacio

 preciso en el que los personajes se sitúan en un primer plano; el predominio del dibujo.Jean Auguste Dominique Ingres (1839-1867) aunque no fue un pintor neoclásico, tieneobras -como La Fuente- que representan este movimiento artístico.

Los pintores, entre los que destacó Jacques-Louis David, reprodujeron los principaleshechos de la revolución y exaltaron los mitos romanos, a los que se identificó con losvalores de la revolución.

[editar] Música

 Artículo principal: Música del Clasicismo

Según la musicología actual, el término "música clásica" se refiere únicamente a la llamadamúsica del Clasicismo (1750-1827 aprox., coincidente con el período neoclásico), inspiradaen los cánones estéticos grecorromanos de equilibrio en la forma y moderación en ladinámica y la armonía.

Comúnmente se llama "música clásica" al tipo de música que se contrapone a la música popular y a la folclórica. Esto puede comprobarse en los medios de comunicación, en las

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revistas de divulgación musical y los folletos que acompañan a los CD de músicaacadémica. Para definir ese tipo de música que se relaciona con los estudios enconservatorios y universidades, los musicólogos prefieren el término "música académica" o"música culta".

Como los antiguos griegos y romanos no pudieron inventar maneras de conservar la música(mediante soportes gráficos como  partituras o soportes sonoros como grabadores), el Neoclasicismo de los siglos XVIII y XIX como resurgimiento de las artes clásicas grecorromanas (arquitectura, escultura, pintura) no alcanzó a la música. De todos modos losmúsicos de fines del siglo XVIII, influenciados sin duda por el arte y la ideología de laépoca, trataron de generar un estilo de música inspirado en los cánones estéticosgrecorromanos:

•  Notable maestría de la forma,• Moderación en el uso de los artificios técnicos (en el barroco el contrapunto y la

armonía habían llegado a un punto que el público consideraba extravagante),•

Suma reserva en la expresión emocional.Después de la Segunda Guerra Mundial varios compositores (como Igor Stravinski y PaulHindemith) realizaron composiciones donde se notaba un retorno a los cánones delClasicismo de la escuela de Viena (de Haydn y Mozart

 

), aunque con una armonía muchomás disonante y rítmicas irregulares. Ese movimiento musical se denominó "músicaneoclásica".

Véase también: Música culta

[editar] Literatura

Véanse también:  Literatura española de la Ilustración  y Neoclasicismo hispanoamericano

La Ilustración fue un movimiento intelectual que provocó que el siglo XVIII fueraconocido como el «Siglo de las Luces». El culto a la razón promovido por los filósofosilustrados conllevó un rechazo del dogma religioso, que fue considerado origen de laintolerancia, y una concepción de Dios que pasaba de regir el mundo mediante las leyesnaturales a desaparecer en concepciones ateas del universo. Los ilustrados promovieron lainvestigación de la naturaleza, el desarrollo científico-técnico, la educación y la difusióngeneral de todo tipo de conocimientos; fueron los tiempos de L'Encyclopédie. El arte sehizo así más accesible y con menos pretensiones, y la literatura se dirigió a un público más

amplio, planteándose como un instrumento social. El aumento del número de lectores,especialmente entre la burguesía, plantea la figura del escritor como un profesional, y laescritura como su fuente principal o secundaria de sustento.3

Francia fue la primera en reaccionar contra las formas barrocas, y los tres grandesilustrados, Voltaire, Montesquieu y Rousseau se cuentan entre sus principales exponentes.También destacaron Pierre Bayle, Denis Diderot, George Louis Lecler y Chamblain deMarivaux. En Inglaterra tuvo una gran cantidad de adeptos la novela de aventuras, 

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destacando Daniel Defoe, Jonathan Swift, Samuel Richardson y Henry Fielding, junto a los poetas John Dryden y Alexander Pope.4

De la novela se pasó al ensayo como género divulgador de ideas por excelencia. Laliteratura neoclásica realizó una crítica de las costumbres, incidiendo en la importancia de

la educación, el papel de la mujer y los placeres de la vida.5

Destacaron en España el fraile benedictino Benito Jerónimo Feijoo, Gaspar Melchor de Jovellanos y José Cadalso.

Cobró importancia la fábula, relatos o poesías normalmente ejemplificadas con animales,donde se exponen enseñanzas morales. La fábula se caracterizaba por ser una composiciónde carácter didáctico, por la crítica de vicios y costumbres personales o de la sociedad, y por la recurrencia a la prosopopeya o personificación. Es el subgénero que más se adaptó alas preceptivas neoclásicas: una composición sencilla en la que la naturaleza interviene, yque enseña divirtiendo. Destacaron los fabulistas Félix María de Samaniego y Tomás deIriarte en España, y el francés Jean de la Fontaine.6

En España, hubo una continuidad barroca en la poesía, con autores como Diego de Torres yVillarroel, que consideraba a Quevedo su maestro; Gabriel Álvarez de Toledo y EugenioGerardo Lobo. La segunda mitad del siglo XVII mostraba ya una poesía neoclásica,dominada por su admiración por la ciencia y los temas filosóficos, o centrada en temasanacreónticos y bucólicos, y marcada en ocasiones por el fabulismo. Destacaron NicolásFernández de Moratín, autor de Arte de las putas, prohibida por la Inquisición, que pudoinspirar los Caprichos de Goya; Juan Meléndez Valdés y José Cadalso, de la escuelasalmantina; los fabulistas Iriarte y Samaniego en Madrid; en la escuela sevillana destacaronJosé Marchena, Félix José Reinoso, José María Blanco-White y Alberto Lista.7

Se dio también una fuerte influencia barroca en el teatro español, especialmente durante la

 primera mitad del siglo XVIII, con autores como Antonio de Zamora o José de Cañizares.El teatro en España tuvo cambios como la prohibición oficial de representar autossacramentales, la reaparición del gusto popular por el sainete y la transición de los antiguoscorrales a los teatros, como locales adecuados a la nueva concepción del teatro. A finalesdel primer tercio de siglo los dramaturgos españoles comienzan a seguir los modelosfranceses, como Boileau y Racine, renovando las estéticas aristotélicas y horacianas. Laobra de teatro debe ser verosímil, cumplir con las unidades de acción, de espacio y detiempo, y tener un enfoque didáctico y moral. Destacaron en la tragedia   Nicolás Fernándezde Moratín, José Cadalso, Ignacio López de Ayala y Vicente García de la Huerta; en el más popular género del sainete, destacaron Antonio de Zamora, el prolífico Ramón de la Cruz eIgnacio González del Castillo. Destacó especialmente la figura de Leandro Fernández de

Moratín, creador de lo que se ha dado en llamar «comedia moratiniana» ( La comedia nuevao El café, El sí de las niñas

 

), en que ridiculizaba los vicios y costumbres de la época,usando el teatro como vehículo para moralizar las costumbres. Seguidores de esta línea sontambién Manuel Bretón de los Herreros y Ventura de la Vega.8

El neoclasicismo en la arquitectura

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1.2.3. Contexto del Neoclasicismo4. Clasicismo y nuevo clasicismo5. Desarrollo y Expansión delneoclásico en Europa y América6. Conclusiones7. Bibliografía

Introducción

El hombre transforma, destruye, crea y recrea,lo que desea. El hombre ha deseadopermanecer para la eternidad, sin embargo,esta consciente de su mortalidad, es por ello

que desea dejar rastro en la historia, deseaplasmar sus pensamientos, ideales y pasiones,en la materia, para que estas subsistan para laeternidad. El arte ha sido el medio por el cual elhombre ha encontrado su mayor expresión, es

donde emana, fluye y se desbordan las mayoresexpresiones del hombre. El arte se puedecomparar al corazón, el cual bombea y distribuye la sangre, al sistema arterial, esas venas que lo componen son las diversas y 

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múltiples corrientes que el arte ha tenido através de su historia. La energía que hace queese corazón siga latiendo, es que el ser humanono ha dejado de pensar, imaginar y crear.Debido a lo extensas que pueden ser esas"venas", es necesario situarnos en una de estas,en este caso será el neoclasicismo.

El neoclásico o neoclasicismo, será unacorriente que deja ver, la seducción del hombrepor el pasado, retornar a lo que ya no existe y  volverlo a revivir, un eterno retorno, seconvierte el pensamiento del hombre, elneoclasicismo dejara ver esto de manera muy 

clara.Pero antes de adentrarnos de lleno a estudiaresta corriente es necesario ver el contexto en elque se desarrolla el neoclásico y susprecedentes de este, así como delimitar la

forma que pretendemos estudiar esta corriente,debido a las múltiples formas en que se expresael neoclásico, en este caso será la arquitectura.

Contexto del Neoclasicismo

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El siglo XVIII donde da su aparición elneoclasicismo, es un etapa de grandestransformaciones y revoluciones, el sigloprecedente a este y el XVIII son los siglosdenominados como la "edad de la razón", peroes en este último siglo donde la razón debía jugar un papel mucho más crítico, es decir, "nose debía creer, sino que había que estar

seguro"; así pues, el pensamiento que sedesarrollaría en este siglo, tendría grandesrepercusiones en el aspecto social e históricodel ser humano, imperarían ideas como: elamor al ser humano, respeto al hombre,confianza en el hombre y la solidaridad de los

hombres entre sí.

Es en este siglo donde se desarrolla la corrientecultural llamada Ilustración, la cual secaracteriza por la revisión a la luz de la razón,de la experiencia, de la concepción del mundo y 

del hombre, en todos los terrenos. Elmovimiento parte de las transformacionesideológicas del Renacimiento y se vepotenciado y vivificado por las revoluciones

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políticas y económicas que se producenprimero en Inglaterra respectivamente, paraluego pasar a Francia, donde adquiere suforma, para de allí saltar al resto del mundo; endonde la tendencia más radical dentro delmovimiento ilustrado lo constituye elenciclopedismo.

El enciclopedismo, la renovación de las teorías políticas, jurídicas, filosóficas, soncaracterísticas de esta época. Por primera vez,un preso es considerado inocente hasta que sedemuestre lo contrario. Locke, Voltaire,Montesquieu y Rousseau revolucionan la teoría 

política. Se clama por la muerte delabsolutismo y la separación de poderes. Seinsinúa la necesidad de proclamar los Derechos del Hombre y del Ciudadano, y losmovimientos urbanos, sostenidosfrecuentemente por una inmensa masa obrera

femenina, tratan de establecer los Derechos dela Mujer. También se lucha por el derecho delos pueblos a ostentar su soberanía: oleadasrevolucionarias determinan la independencia 

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de los Estados Unidos de Norteamérica y laserie de emancipaciones de los estadosiberoamericanos, que culminó en el siglo XIX.Por supuesto, la culminación será laRevolución francesa.

Existe un constante cambio y transformaciónde manera acelerada en esta época y es en estadonde el neoclasicismo halla su expresión,hallando las condiciones adecuadas para que sedesarrollara esta corriente. Analizado elcontexto histórico en el cual se gesta elneoclásico, es necesario que se explique lasignificación del término neoclásico y se

analicen sus antecedentes.Clasicismo y nuevo clasicismo

La historia del término "clásico" comienza conel Renacimiento, época en la que lospensadores europeos, particularmente los

italianos, empezaron a observar su entorno deotra manera y a explicarlo con argumentos quehoy llamaríamos más científicos. Los criteriosde belleza y utilidad cambiaron y las ciudades

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comenzaron a ser vistas con otros ojos. Los valores estéticos estaban mutando. Enparticular, los artistas del Renacimiento sesintieron atraídos por los conocimientos y lasobras de la antigüedad, y fue entonces queinventaron la noción de arte clásica. "A partirdel siglo XVIII se acepta hablar de época

clásica al referirnos en especial a las culturas

griega y romana, aunque hay quienes incluyenal antiguo Egipto como parte de la tradición.Estamos hablando de una época que grosso

modo, va desde el siglo V a.C. hasta el siglo V d.C. (según la mayoría de los historiadoresespecializados) y que retrocede mucho más en

el tiempo si tomamos a Egipto como punto departida."

Entonces "el término clásico fue creado por loshumanistas del Renacimiento para designaruna forma perfecta", es decir que en esta época,

se considero que las civilizaciones antiguas deOccidente habían alcanzado un cierto grado deperfección. En el Renacimiento, entonces la

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manifestación artística pretende alcanzar esegrado de "perfección".

Esa atracción por la antigüedad, en este casoGrecia y Roma, donde el hombre sintió unagran admiración e imantación hacia su cultura,su arte, fue característico para los hombres delRenacimiento y lo sería nuevamente para los dela Ilustración. El potencial humano entonces se vio exaltado con gran magnitud en diferentesformas, sin embargo, solo nos centraremos enel aspecto arquitectónico, no es que las demásformas de expresión hallan tenido menorimportancia, sin embargo, encontramos en la

arquitectura una forma más visible y fascinantedel neoclasicismo, además de que -a nuestroparecer- la arquitectura cubre las necesidadespsíquicas y emocionales de un entorno socialtrazado por el tiempo.

Sin embargo, el que se haya dado estaadmiración y fascinación por Roma y Grecia, sedebió en gran medida, al estudio arqueológicode estos lugares, los cuales en un momento seencontraron perdidos dentro del mundo

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occidental. El tratado De Architectura de Vitruvio, contribuyo mucho a la difusión de laarquitectura grecorromana, este tratado fueredescubierto a fines de la edad Media y de estese nutrieron los pensadores del Renacimiento,con influencia que llegaría hasta el siglo XVIII.En este tratado ya se hablarían de conceptoscomo proporción, orden racional y belleza, de

los cuales estarían en boga en la Ilustración:La relación entre las partes debe poderse medir y ordenar. Ningún templo puede presentar unorden racional si no posee simetría y proporción, es decir, si sus componentes

carecen de una relación definida entre elloscomo la que guardan los miembros de uncuerpo humano correctamente formado.(Vitruvio, 1990: Libro III, Cap. I, pp.6-7)

Entonces como podemos dar cuenta de esto, en

el clásico represento un retorno a lo noexistente, con el fin de darle vida de nuevo.

En el caso del neoclasicismo, tiene variassimilitudes con el clasicismo, sin embargo hay 

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diferencias que los hacen cualitativas ha cadauno, es por ello que es importante analizarlas.

El neoclasicismo es literalmente el nuevoclasicismo, que se forja a partir de la segundamitad del siglo XVIII. Lo que caracteriza a estacorriente es que es un movimientocontestatario al Barroco, es una reacción de la burguesía contra el rococó, -la reacción de la virtud contra la decadencia- y pretendesimplificar, así como su pensamiento social quelo rodea que formara parte influyente, dondeadopta y promueve algunas de las ideas básicasde la revolución francesa: glorifica las grandes

 virtudes de la antigüedad, acepta el paganismo y agrega la ciencia a la emoción.

 Analicemos el primer aspecto, el barroco tomaen cuenta igual todos los aspectos de simetría y proporción, que de igual fueron característicos

del clásico y lo serían del neoclásico, sinembargo la diferencia no sólo radica enaspectos técnicos o estéticos, sino que esta basado en un criterio político, Bruno Zevi loexplica de esta manera: "El arte barroco es

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aquel que tiene intenciones propagandísticas,de persuasión oculta a la contrarreformacatólica. El barroco está definido por susformas, pero en el hay una clara intenciónpolítica; esta condición no puede faltar en sudefinición. Desde 1517, Martin Lutero y susseguidores críticaron la ostentación de laiglesia, crítica que implica la reprobación del

arte sacro hasta entonces existente. La reformaprotestante será más iconoclasta y, comoreacción global a dicha reforma y al inminentecisma, la iglesia de Roma convocará al conciliode Trento, piedra angular de la contrarreforma.Este concilio, entre otras cosas, desarrollar el

culto a las imágenes con el fin de contrarrestarla iconoclastia protestante, pero sobre todo conla intención de mostrar el arte de la Iglesiatriunfante." Por lo tanto, esto quiere decir queel barroco es un mensaje estético que habla del

esplendor de la que se presume como la verdadera iglesia, como la única y también, lamás hermosas.

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Es por ello que el neoclásico, significo unmovimiento que se contrapuso políticamente al barroco, que surge en contra de la aristocraciaa la cual representa. Se produce una vuelta alorden propulsada por la clase media ilustradaque tenía nuevas pautas morales. En el valor normativo, la disciplina y austeridad del arteantiguo se halla el ejemplo para combatir al

arte adoptado por la disoluta aristocracia.Esto deja muy claro, que el pensamientoartístico, no depende de un carácter técnico oestético, sino que se debe observar más allá delo que está a la vista, los sucesos, así como los

pensamientos, forman parte integrante de unmovimiento artístico, que de igual manera elneoclásico se vio afectado, el cualestudiaremos.

En lo que respecta a los pensadores y artistas

del S XVIII, de la cultura del Iluminismo,iniciaron la reflexión sobre la decadencia de sumundo contemporáneo e investigaron y trataron de de comprender la cultura de lascivilizaciones y sociedades, no sólo de otras

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épocas, sino también foráneas, en las queconfiaban poder encontrar la pureza y moral perdidas. Rousseau se refiere al estado naturalde los hombres y Montesquieu toma a Romacomo ejemplo para la modernización de lossistemas políticos.

La Revolución francesa le dará un nuevocontenido al neoclásico, reafirmándolo comomodelo estético pero por sobre todo comomodelo ético. Este planteamiento sigue aPlatón que identifica a la idea de belleza con laidea superior del bien.

Las condiciones estaban dadas para que se

desarrollara el neoclasicismo, sin embargotambién existieron otros factores para eldesarrollo de esta corriente. "A las teorías delos pensadores ilustrados, otros hechoscoincidentes en el tiempo explican la génesis y 

desarrollo del nuevo arte a partir de 1750.Entre ellos hay que destacar los progresos de laarquitectura, los grandes viajes de exploraciónarqueológica y las consiguientes publicacionesde grandes colecciones de documentos a que

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dieron lugar. Asimismo, otro relevanteacontecimiento fue el inicio de las excavacionesque se llevaron a cabo en Herculano y Pompeyaen 1738 y 1748 respectivamente, cuyosdescubrimientos alcanzaron un gran eco entrelos medios intelectuales y artísticos europeos".

Encontrado los antecedentes y factores que dandesarrollo al neoclasicismo, habría que concluirlo cualitativo de esta corriente para poderidentificarla. El neoclasicismo no sólo adoptaralos ideales antiguos, debido al desarrollo de laarqueología, intenta también reproducir lasformas griegas y romanas con una precisión

que los artistas del renacimiento no habían buscado. El resultado consiste en obras dearquitectura, escultura y pintura de unaperfección tal que a veces parecen frías,afectando a todas las artes y el mundo. Portanto examinemos como se desarrolla y en que

manera se da en Europa y  América.

Desarrollo y Expansión del neoclásico enEuropa y América

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 Antes de que se realizaran los descubrimientosde Herculano, Pompeya y Atenas, el únicopunto de referencia conocido de la arquitecturaromana era el proporcionado, por el tratado de Vitruvio ya citado y por los grabados deedificios de arquitectura clásica romanarealizados por el artista italiano GiovanniBattista Piranesi, quien "fue un arquitecto

 veneciano que realiza con sus cientos degrabados al aguafuerte la trascripción de lasobras romanas propugnando la superioridad deesta arquitectura. Sus obras como Vedutedonde aparecían imágenes de Roma antigua y moderna fueron muy famosas, y editadas aún

mucho después de su muerte, configuraron laidea de la ciudad que los extranjeros tuvieronpor mucho tiempo".

En ese retorno a la antigüedad, Winckelmann(1717-1768), jugo un gran papel fue el primer

esteta alemán que no es filósofo, pero que se vincula con el arte de la época, fue el primeroen proponer una interpretación compositivadel arte griego, logró crear una visión de tal

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modo convincente de ese momento culminantede la historia del arte. A él se debe laconcepción de que el arte tiene historia, esdecir, desarrollo y fases propias quecorresponden a los pueblos que lo producen.

Sus ideas se fundamentan en la grandiosidaddel arte Griego o el arte Antiguo, por ellomantiene la necesidad de imitarlo; para Winckelmann la belleza se encuentra en Greciapor todas partes y así el artista no le queda otraopción que imitarla. El trabajo que desarrollo Winckelmann llevo a que arquitectos comoSchinkel el Nuevo Palacio de la Guardia (Fig.

1).Sin embargo, la pregunta que hace que estospersonajes se interesaran por la antigüedad,Erika Bornay se haria la misma pregunta: "Peroporqué Winckelmann se inclinó por el arte

 Antiguo. Esa es una materia que tieneramificaciones mucho más allá del pequeñomundo de los que a mediados del siglo XVIIItuvieron interés en el arte Antiguo. Modosconscientes de pensamiento historicamente

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más nuevo estaban siendo explorados por unaamplia variedad de pensadores;particularmente hacia el fin del siglo;interesantemente fueron los alemanes, ajenos alos cambios sociales y económicos másperceptibles, los primeros en elaborar elhistoricismo nuevo (postura filosófica queacentúa la importancia de la historia para

explicarlo y comprenderlo)."Para Winckelmann "la imitación de losantiguos puede enseñarnos a llegarrápidamente a la inteligencia, porque seencuentra en ellos la esencia de aquello que

está repartido por toda la naturaleza, y porquepermiten apreciar hasta que punto lanaturaleza más bella se puede elevar audazpero sabiamente por encima de sí misma. Nosenseñará a pensar y a proyectar con seguridad,al señalarnos los últimos límites de lo

humanamente y al mismo tiempo de lodivinamente bello. Cuando el artista construyesobre semejante terreno y permite que la reglagriega de la belleza guie su mano y sus

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sentidos, está en el camino que lo llevará conseguridad a la imitación de la naturaleza. Losconceptos de lo total, de lo perfecto en lanaturaleza de la edad antigua, purificarán en éllos conceptos de lo fragmentario de nuestranaturaleza. Cuando descubra las bellezas deésta última, estará en condiciones de unirlascon lo perfectamente bello, y con ayuda de las

formas sublimes que siempre ha de tenerpresentes podrá formarse una regla propia"mientras que Winckelmann "sentía por elcontrario un profundo desprecio por losartistas modernos, que buscaban en sus obrasefectos violentos y contrastes".

Fig. 1. Nuevo Palacio de GuardiaBerlin, 1816-1818, K.F. Schinkel. Este

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arquitecto es uno de los más poderososcreadores alemanes, soñó con diseñar Berlin

como la Atenas de la antigüedad. En general y en los primeros años del siglo XIX, el renacergriego fue más acusado de las naciones de la

coalición antinapoleónica, especialmenteInglaterra y  Alemania, mientras que el retorno

a lo romano estuvo más identificado con el

Imperio NapoleónicoPasando ahora a la belleza que se enlazadirectamente con la proporción o la relaciónentre las partes, notamos que para Winckelmann la belleza se capta con los

sentidos, pero se conoce y comprende por laintervención del entendimiento. Es posiblereducir la belleza a ciertos conceptosfundamentales, comúnmente se define en queconsiste en la armonía recíproca del ser conrespecto a sus intenciones, y de las partes entre

sí con respecto al todo.

Sin duda, que los nuevos hallazgosarqueológicos encontrados proporcionaron el vocabulario de la arquitectura formal clásica y 

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los arquitectos empezaron a inclinarse por unestilo basado en modelos grecorromanos.

Otros de los arquitectos que tuvo unaimportancia en el desarrollo del neoclásico fueel escocés Robert Adam, que en la década de1750 y 1760 diseñó varias casas de campoinglesas (entre las cuales destacan la casa Sion,1762-1769 y Osterley Park 1761-1780), leconvierten en el introductor del estiloneoclásico en Gran Bretaña. El estilo Adam, tal y como se le conoce, evoca el rococó por suénfasis en la ornamentación de fachadas y unrefinamiento a gran escala, incluso al adoptar

los motivos de la antigüedad.En Francia, Claude Nicholas Ledoux diseñó unpabellón (1771) para la condesa du Barry enLouveciennes y una serie de puertas para laciudad de París (1785-1789). Ambos casos

ejemplifican la fase inicial de la arquitecturaneoclásica francesa; sin embargo, sus obrasmás tardías comprendían proyectos (que nuncase llegaron a ejecutar) para una ciudad ideal enla cual los edificios quedaban reducidos, con

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frecuencia, a formas geométricasdesornamentadas. Después de que Napoleón fuese nombrado emperador en el año 1804, susarquitectos oficiales, Charles Percier y PierreFrançois Fontaine, trabajaron para llevar acabo su deseo de transformar París en la capital más importante de Europa imitando el estiloopulento de la arquitectura imperial romana.

La arquitectura de estilo imperio se ejemplificaen construcciones como el arco de triunfo delCarrousel del Louvre, diseñado por Percier y por Fontaine (Fig. 2), y los campos Elíseos,diseñados por Fontaine; ambos trabajos,iniciados en el año 1806 se encontraban lejos

del espíritu de la obra visionaria de Ledoux.

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Fig. 2. Arco del Triunfo del Carrousel.Realizado según un proyecto de C. Percier y L

Fontaine, este monumento pertenece a la épocadel imperio, en el desarrollo de cuyo estilotuvieron un protagonismo principal estos

arquitectos y decoradores. Ya no era lasobriedad de la antigua Grecia. Sino los fastosde la Roma imperial lo que ahora se impone.

Ejemplos de arquitectura inglesa inspirada enlos modelos griegos son el Banco de Inglaterrade John Soane así como el pórtico del MuseoBritánico por Robert Smirke. El neogriego fuesustituido por el estilo regencia, cuyos ejemplos

arquitectónicos más notables son las fachadasde Regent Street en Londres, diseñadas porJohn Nash y comenzadas en el año 1812, y elRoyal Pavilion en Brighton (1815-1823). Laarquitectura neoclásica de Edimburgo, Escocia,representa la vertiente más pura, por lo que la

ciudad se ganó el nombre de la Atenas delNorte. De otra parte, la arquitectura neoclásicaen Berlín está representada por el Teatro Real

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obra del alemán Karl Friedrich Schinkel (1819-1821).

En Estados Unidos se desarrolló una variantedel neoclasicismo, el estilo federal, que surgióentre 1780 y 1820. Inspirada en la obra deRobert Adam, el arquitecto Charles Bulfinchrealiza la Massachusetts State House en Bostonterminada en el año 1798. El modelo para eledificio del Capitolio (Fig. 3) de ThomasJefferson en Richmond, Virginia (1785-1789),fue el templo romano del siglo I la Maison-Carrée en Nimes, Francia. Por medio delecturas y de viajes, Jefferson realizó un

profundo estudio de la arquitectura romana,aplicó sus conocimientos a los diseños de supropia casa en Monticello, a los del campus dela Universidad de Virginia y contribuyó en losproyectos preliminares de la nueva capital Washington D.C. Sus obras ejemplifican el

estilo neoclásico en Estados Unidos.

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Fig. 3 El Capitolio, Washington.

El arquitectura del Capitolio transmite unmensaje tal como lo describe el analista político Abelardo Rodríguez: Sin darse cuenta loscaminantes de todas las razas y naciones

rendirán culto al capitolio. Del lado opuesto, siel espectador, en este caso un representante opresidente, o cualquier miembro de sugabinete, divisa de adentro hacia fuera, verá enel horizonte en un cuadro perfecto flanqueadopor estructuras con un carácter propio y unsignificado interior que provee de unidad, eldiseño del imperio proyectado en el más puroestilo neoclásico y construido en mármol blanco, salvo la fachada oeste, construida con

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piedra arenisca Virginia y pintada del mismocolor.

Thomas Jefferson,. Consideró que el neoclásicoera el estilo perfecto para las construcciones dela nueva Unión con sus ideales republicanos.Supervisó la planificación de Washington,donde se construyeron gran cantidad deedificio gubernamentales. Algunos son de grantamaño como el del Tesoro, de Robert Mills.Estas influencias llegaron a las construccionesseñoriales del sur y del este de, granrefinamiento. Aún en el S. XX se construyeronmonumentos neoclásicos. En 1917 el de Lincoln 

por Henry Bacon con un gran énfasis en lamasa cúbica y en 1934 se construyó el JeffersonMemorial . Se tomó como modelo el Panteónde Roma, pero se cambió el orden corintio por jónico en las columnas que sostienen el frontón y rodean como columnata a la rotonda.

El estilo neogriego, basado en los templos delsiglo V e inspirado en los mármoles de Elgin,floreció durante la primera mitad del siglo XIXen Estados Unidos. Ambos estilos, el federal y 

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el neogriego, ayudaron a definir el estilo propiode la arquitectura estadounidense.

Para ver el gráfico seleccione la opción"Descargar" del menú superior

Hoy en día Washington DC es una ciudad decontrastes. El área central está bellamentediseñada con amplias avenidas y magníficos

edificios y monumentos, sin embargo algunosde los vecindarios que la rodean son pobres y dilapidados. Las comunidades suburbanas en Virginia y Maryland son el hogar de muchospolíticos, diplomáticos extranjeros, empleadosde gobierno y hombres de negocios 

internacionales que fueron atraídos a estecentro de gobierno de fama mundial. La ciudaden sí, alberga una gran variedad de nativos einmigrantes de muchos paises de clase pobre y mediana, es una de las ciudades mas

cosmopolitas de los Estados Unidos, conmuchos barrios y restaurantes étnicos en dondeofrecen una variedad de platillos exóticos.

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 Aquí cabría hacer una observación, quetambién el estilo neoclásico como resulto paraNapoleón y otras potencias occidentales comode mermar la moral de sus vecinos y reafirmarse como potencia a través de suestructura, así mismo lo hace EU.

En lo que refiere a España, las figuras másrepresentativas de la arquitectura neoclásicaespañola fueron, entre otros, VenturaRodríguez (palacio de los duques de Liria), elitaliano Sabatini, autor de la Puerta de Alcaláen Madrid, y Juan de Villanueva, que hizo elMuseo del Prado de Madrid.

 Al igual que en España, el neoclasicismo enHispanoamérica también estuvo dirigido porlas Academias. Entre los edificios másrepresentativos destacan la Casa de la Monedaen Santiago de Chile, el palacio de la Minería y 

la fábrica de cigarros en México, y la iglesia deSan Francisco en Cali, Colombia.

Se puede ahondar un poco más en el desarrollodel neoclásico en México, este empezó a dar sus

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primeros con la creación del paseo de Bucarelli y otras como el castillo de Chapultepec, sinembargo, hay que tomar en cuenta que la épocamás representativa del neoclasicismo se da enel período de Porfirio Díaz, donde sedesarrollan obras de gran contenidoNeoclásico.

Para esto sólo basta recorrer las calles deReforma, la columna de la independencia (Fig.4), es un ejemplo de esto, esta constituye lasatisfacción de un viejo capricho de las elitesmexicanas europeizadas. Otros monumentosanteriores a este habían sido colocados en la

ciudad de México pero no habían prosperado,sin embargo el ángel fructifico. "El carácterneoclásico del monumento a la independenciaestá fuera de toda duda. Sus antecedentes es lacolumna Vendome de París donde Napoleónalarde de sus triunfos."

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Fig. 4 El Ángel de Independencia

Otro ejemplo de este es el monumento deCuhautémoc (Fig.5) , el cual representa otraparte del esculturismo y arquitectura del

neoclasicismo. "En escultura, arquitectura y urbanismo, el Cuhautémoc no tiene par: nosólo el porte y la vestimenta del personaje noshacen pensar en la antigüedad europeadescubierta por los humanistas delrenacimiento, sino también su pedestal en

forma de pirámide que a la vez es torre, concolumnas de un extraño orden, e incluso conocho esfinges aladas recostadas ala maneraegipcia escoltan los accesos a la pirámide.

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Nuevamente, el mensaje es: Egipto, Grecia y Roma están en el linaje de México, o más bienestán a la par con las culturas del Méxicoantiguo."

Fig. 5 Monumento a Cuahutémoc

Podemos notar entonces hasta donde tuvo susinfluencias el neoclasicismo, sin embargo hay que aclarar que el neoclasicismo en México fueuna imitación de la imitación, ya que México se

 vio influenciado desde Europa y nodirectamente desde Roma y Grecia como habíasido con estas ciudades.

Conclusiones

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Sin duda que el neoclasicismo deja una huellamarcada en la historicidad del pensamientosocial y del arte, fue un el último movimientouniversal y que influyo en gran medida en lamayor parte del mundo.

El neoclasicismo que surgió en la segundamitad del siglo XVIII, vio su decadencia afinales del siglo, XIX, con Napoleón es laúltima etapa de esplendor que se vive, lasfuerzas imaginativas y coercitivas del serhumano, seguirían luchando entre si para crearnuevas formas de pensar y formas deexpresión, un nuevo estilo artístico más

emocional, el Romanticismo, empezó amanifestarse, dejando atrás a la sobriedadneoclásica.

 Y así continuaría y seguirá el ir y el devenir delproceso histórico que se desarrolla en el

hombre y en su expresión, el arte.Podemos ver claramente como elneoclasicismo, llevo a que se condujeran a otradesviaciones e interpretaciones tal como fue el

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caso de Napoleón y EU, quienes pretendieronconstruir una ciudad eterna, que se quedaráplasmada en la historia y la materia, lospensamientos y pasiones que lo dominan através de su vida.

 Aquellas opulentas y majestuosas ciudades, quealgún día existieron de nuevo son recreadas, escomo si se viviera de nuevo en una Roma, unaRoma industrializada y más secularizada.Siempre sentimos que podemos perfeccionar,cierto pensamiento o suceso, que lo podemoshacer mejor aún.

 Aquellas ideas de libertad, de igualdad, de

retornar a algo que fue mejor que lo actual,impero en este pensamiento, quisimos retornara través de la arquitectura, esos antiguosmundos, si no podemos cambiar nuestrascondiciones o estructuras sociales, al menos

imaginar que nos encontramos ahí.Es por ello que el neoclásico es y seguirá siendouna muestra del eterno retorno, mientras noexista una máquina del tiempo que nos haga ir

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a cierta época, seguiremos recreando mundosantiguos. Es por eso que –a nuestro parecer- elneoclasicismo fue una de las mejores formas deexpresión del arte humano.

Sin duda, que esta corriente ha dejado unahuella imborrable que físicamente difícilmenteserá borrada, ya sea por el propio hombre,destruye crea y recrea, o por algún fenómenonatural, sin embargo en el pensamientopermanecerá eternamente.

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