PINTURA NEOCLÁSICA

BASES TEÓRICAS DEL NEOCLASICISMO EN PINTURA

• El Neoclasicismo fue un intento de someter la creación artística a reglas racionales con modelos de validez universal.

• Rechaza los efectos ilusionistas y los excesos imaginativos de la tradición barroca y rococó, que censura por ser un arte irracional y moralmente reprobable.

• Representa la segunda oleada recuperadora de la antigüedad greco-latina, en la que se inspiraron.

• Winckelmann, en Historia del Arte de la Antigüedad (1764), y Lessing, en Sobre los Límites en la Pintura y la Poesía (1766), defienden la superioridad del arte clásico (especialmente el griego), en el que se habría alcanzado la perfección. Al artista le correspondería recuperar “la nobleza de la simplicidad y la grandeza de la calma”, típicas del clasicismo.

• Las excavaciones en Pompeya y Herculano recuperaron esculturas y pinturas que sirvieron como referencia histórica, aunque la escasez inicial de modelos pictóricos dificultó la elaboración de una estética neoclásica en pintura basada en la arqueología.

Anton von Maron, Retrato de Johann Winckelmann (1768)

Anton Rafael Mengs (1728-1779) llevó por primera vez las teorías neoclásicas a la pintura en el techo de la Villa Albani de Roma. En su “Parnaso” (1761) renunció a los efectos coloristas y compositivos del Barroco, para realizar una pintura en la que sobresale la simetría y la razón, la perfección de las formas de la escultura antigua y los valores de la pintura de Rafael.

Anton Rafael Mengs, El Parnaso (1761)

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA NEOCLÁSICA

• Predilección por la temática del mundo clásico, las figuras desnudas y los contenidos ideológicos, heroicos y moralizantes.

• Predominio del dibujo frente al color, y uso de colores puros para precisar sus contornos; una luz fría da solemnidad al conjunto.

• Aplicación estricta de la perspectiva lineal, situando a los personajes en un plano único (como en los relieves clásicos).

• Pretendió trasladar la coherencia compositiva racional a la nueva situación revolucionaria y ello se refleja en sus temas: clásicos, históricos y mitológicos, con constantes referencias a la libertad y a los sentimientos, que darían paso al Romanticismo.

Anton Rafael Mengs, Perseo y Andrómeda (1774-79)

JACQUES-LOUIS DAVID (1748-1825)

Buscó la inspiración en los modelos escultóricos y mitológicos griegos, basándose en su austeridad y severidad, algo que cuadraba con el clima moral de los últimos años del antiguo régimen.

Más tarde David llegó a ser un activo participante en la Revolución francesa, siendo el líder de las artes bajo la República. Encarcelado tras la caída de Robespierre, más tarde se alineó con el régimen de Napoleón Bonaparte. Fue en esta época cuando desarrolló su 'Estilo Imperio', notable por el uso de colores cálidos al estilo veneciano.

Jacques-Louis David, El Dolor y los Lamentos de Andrómaca sobre el cuerpo de Héctor (1783)

JACQUES-LOUIS DAVID, El Juramento de los Horacios (1784)

Fondo arquitectónico clásico (toscano) sin adornospara no distraer la acción principal en primer plano(el fuerte claroscuro también contribuye a llamar

la atención sobre el primer término iluminado y relegar la zona de penumbra)

Cada arco de medio punto engloba a un grupo de personajes

Personajes femeninosdominan líneas curvas:abatimiento, desesperación, “pathos”

Unidad del cuadro fragmentada en dos escenas

para lograr una visiónsincrética: la parte heroica

(el juramento) y la parte trágica (el dolor de las mujeres)

Personajes masculinos desarrollanlíneas verticales, están erguidos,músculos tensos y están inscritosen un cuadrado (reflejan el Ethos, el sacrificio cívico)

Figuras formadascon triángulos quedan estabilidad

Belleza idealen anatomíasde inspiraciónclásica

Manto rojo del padre atraeatención sobre él

Composición clara y equilibrada(principio de simetría,compensación de masas, etc.)

Predominio del dibujo sobre elcolor, con contornos nítidos.

Las mujeres representan elámbito doméstico, la pasióndescontrolada, por eso sedejan abatir por los sentimientosde tristeza y desesperación.

Personajes concebidoscomo un friso, sin apenasdesarrollo en perspectiva

El padre, centro de la composiciónmira las espadas, para destacar queel juramento es más importanteque sus hijos

Pese a que los juramentos se hacían en lugares públicos anteel pueblo, David elige el interior de la vivienda familiar para resaltar que por la Patria hay que sacrificarlo todo.

Los hombres representan lopúblico, por eso deben dominarsus sentimientos y afrontarsu misión y trascender delespacio privado

Frente a frivolidad del Rococó se usan temas de la Antigüedadpara ensalzar valores cívicos.Cambia el papel social del artista.

Incorrecciones históricas:espadas medievales, dos de loshijos levantan el brazo izquierdoen lugar del derecho para jurar

JACQUES-LOUIS DAVID, La Muerte de Sócrates (1787)

David refleja el momento en que Sócrates, encarcelado por sus ideas, elige el suicidio antes que renunciar a ellas. Con serenidad, el filósofo se dispone a beber el veneno de la copa que le trae un discípulo, mientras otros, en claro contraste, muestran su desesperación. Compuesto a manera de friso y con el color aplicado por zonas, este lienzo

refleja, tanto en la técnica como en el tema, el compromiso del artista con la sociedad.

JACQUES-LOUIS DAVID Los Lictores devuelven a Bruto los cuerpos de sus hijos (1789)

Los contrastes de luz dan dramatismo a la escena: La desesperación del grupo de mujeres entrelazadas, cuya luminosidad les da el protagonismo, indica el interés de David por la manifestación del dolor. Una vez más se opone la serenidad masculina a la sensibilidad femenina.

JACQUES-LOUIS DAVIDEl Juramento del Juego de Pelota (1792)

Dibujo en tinta marrón y negra sobre papel para hacer un grabado con el que sufragar la obra a gran escala(la suscripción popular para su realización fue un fracaso)

Características generales:predominio del dibujo, composición equilibrada, gestos teatrales, exaltación patriótica, etc.

División de la obra en dos planos: el inferior conabundancia de figuras, el superior destaca a loslados de las desnudas paredes personajes que dan vivacidad al cuadro con el movimiento de cortinajes.

Gran abundancia de retratos,sin embargo los derroteros dela revolución hizo que muchosde los protagonistasde la escena no salieran.

Ya no se utiliza un tema de la Antigüedad para ensalzar los valores cívicos, sino que seplasman temas de la época

Todos los brazos (líneas de fuerza) conducen hacia el presidente Bailly, como reflejo de la voluntad común.

Se significa en el extremo inferior derecho el rechazo de Martin d`Auch

Volumen cúbicopuro encuadra

la escena

JACQUES-LOUIS DAVIDEl asesinato de Marat (1793)

Marat fue miembro del Club de los Cordeliers durante la Revolución francesa y ayudó a consolidar el período del Terror elaborando «listas negras» hasta ser finalmente apuñalado en su bañera por la girondina Charlotte Corday en 1793. David quiso reflejar su humildad en el cajón de madera que utilizaba como escritorio. La obra está realizada a partir de un boceto y se aprecian las influencias de Miguel Ángel (Piedad del Vaticano) y Caravaggio (Entierro de Cristo). Esto se explica por el intento de identificación de la figura de Marat con la de Cristo. Esto sólo es una teoría, pero si nos fijamos en la figura de Marat, vemos como la sábana blanca podría simular el sudario de Cristo tras su muerte. Por otra parte no existe ningún motivo religioso: tras la muerte queda el vacío (vemos como en la parte superior del cuadro de la obra se refleja la nada). Y por último destacar el dibujo sobre el color.

Escasez de elementos y los que hay con una fuerte carga simbólica:

Cuchillo con el que fue asesinado cerca de su mano caída que sostiene la pluma

(oposición barbarie frente a ideales ilustrados)una simple caja vieja de pino le servía de escritorio, las sábanas con remiendos, el

tapete verde que cubría la tabla que tenía sobre la bañera (austeridad), un billete

de asignado con una nota para entregar a una viuda con cinco hijos (generosidad)

La caja, un volumen cúbico perfecto hace las funciones de lápida: “A Marat, David. L`an Deux”

Simplicidad compositiva: líneas geométricas ortogonales

estructuran la composicióny la dotan de una sensación estática de intemporalidad(verticales y horizontales)

Hay un recorrido con la sangredesde la nota, el agua enrojecida,la herida manando que llevanhasta el cuchillo ensangrentado

Fuerte claroscurola opacidad del fondocontrasta con la Iluminación intensa delpolítico

A pesar de no seragraciado físicamenteDavid lo representacon un desnudo heroico

En la mano la notacon la que su asesina pretendíallegar hasta él (nunca la leyó Marat,es una licencia que se toma David).Las manchas de sangre acentúanel dramatismo

Tintero con pluma para significar lalabor intelectual de Marat

JACQUES-LOUIS DAVID, El Rapto de las Sabinas (1799)

David concibe este cuadro tras ser encarcelado por su colaboración con el Terror. El momento elegido no es el rapto, sino el enfrentamiento posterior entre sabinos y romanos. Las sabinas se interponen entre ambos, imponiendo la paz. Su significado político promueve la idea de reconciliación entre los franceses tras los sangrientos hechos de la Revolución.

JACQUES-LOUIS DAVIDLa coronación de Napoleón (1807)

Cuadro de enormesproporciones (9’79 x 6’29)

David había elegido originalmente laautocoronación de Napoleón, pero alser un tema espinoso al final eligió la coronación de Josefina.

Infinidad de figuras(más de doscientas )muchas de las cualescambiaron de ubicacióndurante la elaboracióndel cuadro por indicacióndel emperador y del jefede protocolo

Predominio dela verticalidad queempequeñece las figuras(sensación de monumentalidady grandiosidad)

JACQUES-LOUIS DAVIDNapoleón cruzando los Alpes (1801)

El rostro serenocontrasta con lo agitadode las líneas curvas enque aparece envuelta

Atmósfera tormentosa(azul grisáceo) contrasta contonos cálidos de Napoleón

Gran realismoen los detalles

Contraste del lento yfatigoso avance del Ejército francés por el paso de San Bernardoy la actitud dinámica del caballo

Inscrito en las rocasel nombre de Anibal, Carlomagno yel propio Bonaparte

Crines, capa, crines y cola del caballoimpulsados por viento trasero siguendirección del brazo del emperador(símbolo del triunfo)

Caballo en corveta agitadoen contraste con dominiodel emperador

Paisaje abruptoen diagonal

ANTOINE-JEAN GROS (1771-1835) Bonaparte en el Puente de Arcole (1796)

Los discípulos de David fueron acusando cada vez más las tendencias románticas, conduciendo el rígido clasicismo del maestro hacia tendencias agitadas y coloristas inspiradas en Rubens.

Antoine-Jean Gros fue uno de sus alumnos más aventajados. Conoció a Napoleón en Milán en 1796, tras huir del Terror revolucionario. Le siguió en su campaña de Italia y se convirtió en su mayor admirador, dedicándole sus mejores obras. Su primer retrato del futuro emperador fue este lienzo, donde ya se aprecia el ímpetu y la fogosidad propias del romanticismo.

Tras la caída de Napoleón, pintó para Luis XVIII, aunque sin la grandeza heroica que le caracterizaba, lo que le hizo despreciar el romanticismo que antes había promovido, y regresar a las normas clasicistas de su maestro. Invadido por la melancolía, acabó suicidándose en 1835.

ANTOINE-JEAN GROS, Napoleon recorriendo el campo de batalla de Eylau (1808)Se trata de un cuadro ideológico. Rodeado de mariscales, Napoleón visita al amanecer el desolado llano donde el día anterior se había librado una terrible batalla. Arrodillados junto a su caballo, unos polacos y lituanos liberados acercan sus manos en actitud casi de unción. El emperador, cuyo protagonismo ayudan a enfatizar las cabezas apartadas y agrupadas de los militares a ambos lados de su figura, aparece con un dibujo más cuidado y más pálido. Compasivo ante los estragos de la guerra, se carga de un pathos casi religioso en su gesto.

ANTOINE-JEAN GROS, Bonaparte visitando a los apestados de Jaffa (1804)

La obra se realizó buscando la propaganda política: la visita de Napoleón a los apestados en 1799. La fuerza y la exaltación de numerosos fragmentos ejecutados con extraordinaria sencillez, especialmente en los rostros de los enfermos, hacen de este cuadro el primer gran triunfo del romanticismo en la pintura.

ANNE-LOUIS GIRODET-TRIOSON (1767-1824) El entierro de Atala (1808)

Pasó del taller de David a Roma, donde comenzó a usar una luz onírica y temas cada vez más apartados de la tradición clásica. La historia de Atala, que Chateaubriand publicó en 1801, le inspiró por su exotismo. El tono melancólico y tierno, así como el uso del claroscuro, corresponden a una sensibilidad prerromántica, que es con frecuencia uno de los aspectos más interesantes de la pintura neoclásica.

ELISABETH VIGEE-LE BRUN (1755-1842) Retrato del Príncipe Henry Lubomirski como cupido (1789)

Esta artista fue pintora de la reina María Antonieta desde 1779, aunque con la Revolución se refugia en Italia, Viena y San Petersburgo, hasta 1802, año en que regresa a París. Sus obras maestras son sus propios retratos, en los que se representa con un aire ingenuo, sensual y elegante. Llegó a pintar una veintena de retratos de la reina, además de otros miembros de la alta sociedad.

Autorretrato con su hija (1786)

MARIE GUILLEMINE BENOIST (1768-1826)Retrato de mujer negra (1800)

Inició su formación con Élisabeth Vigée-Le Brun en 1781, pasando al taller de Jacques-Louis David en 1786. Expuso por primera vez en 1791 en el Salón de París, donde presentó un cuadro de asunto mitológico, Psique despidiéndose de su familia. De la misma época es La Inocencia entre el vicio y la virtud, también inspirado en la mitología, adaptando el tema de Hércules en la encrucijada y reflejando sus inquietudes feministas, pues en él aparece el vicio en forma de varón, papel tradicionalmente ligado a un personaje femenino. A partir de 1793 comenzó a desprenderse de la influencia de David, abandonando los sujetos clásicos por la pintura de género. Su carrera como pintora de éxito continuó en el Salón de 1800, en el que presentó su Retrato de una negra. Este retrato de una criada de su cuñado, pintado sólo seis años después de la abolición de la esclavitud, se convertirá en un manifiesto a favor de la emancipación de la mujer y las personas de raza negra. El cuadro será adquirido por Luis XVIII para el estado francés en 1818. En 1803 Napoleón, en aquél momento Primer Cónsul, le encargó su retrato con destino a la ciudad de Gante, recientemente entregada a Francia por el Tratado de Lunéville. Un año más tarde recibió una medalla de oro del Salón y obtuvo una pensión gubernamental. También por entonces abrió un taller exclusivamente para mujeres a las que enseñaba pintura. Con la Restauración, su marido el conde Benoist, monárquico convencido, fue nombrado miembro del Consejo de Estado y ella, al parecer, hubo de abandonar la pintura en la cumbre de su carrera.

JEAN-AUGUSTE-DOMINIQUE INGRES(1780-1867)

La Bañista de Valpinçon (1808)

Ingres encarna el nuevo clasicismo resultante de la absorción de elementos románticos, que cambia el ideal de la antigüedad romana por el del Alto Renacimiento de Rafael. Él representará la corriente clasicista racional frente a la irracional romántico-rubensiana de Delacroix, agitada y colorista.

Hacia 1800 se distanció de su maestro David, debido a su simpatía por los Primitifs, pintores que proclamaban una vuelta al arte anterior a Fidias, teniendo como ideal la pintura de los vasos griegos, por lo que reivindicaron una línea abstracta, alejada del claroscuro, que tuvo sus representantes en Blake o Flaxman. Su estilo desarrolló así un clasicismo romántico muy personal.

De su larga estancia en Roma nos han quedado una serie de desnudos femeninos en los que el artista experimenta su manera de ver la naturaleza. En esta ocasión, la mujer, sentada de espaldas, gira la cabeza, y parece observar algo, ausente del espacio visual, con claras referencias a Chardin. Una tenue luz, que Ingres pronto abandonará, modela suavemente la espalda femenina y nos ofrece una desproporcionada anatomía, a través de un preciso dibujo.

JEAN-AUGUSTE-DOMINIQUE INGRES, La Gran Odalisca (1814)

De sus desnudos femeninos realizados durante su estancia en Roma destaca éste, de inspiración tizianesca y complicada torsión del alargado cuerpo, concebido en un solo plano, cargado de fría sensualidad, la cabeza con recuerdos de Rafael. Fue encargado en 1813 por Carolina Murat, hermana de Napoleón y reina de Nápoles, como compañero de otro desnudo femenino, destruido a raíz de la Restauración por supuesto ultraje a la moral.

INGRES Monsieur Riviere (1805)

Mademoiselle Riviere (1805)

Cuando se exhibió este cuadro en el Salón de 1806 recibió críticas negativas por la clara precisión del dibujo y de la ejecución pictórica, casi exenta de claroscuro. Junto a los libros, sobre la mesa, aparece un grabado de la Virgen de la Silla, claro homenaje a Rafael.

Para hacer sus retratos, Ingres se basaba en el dibujo, del que extraía posibilidades para captar la psicología del personaje. Asimismo, sigue las premisas de Holbein el Joven y la fluida y pura línea de John Flaxman.

JEAN-AUGUSTE-DOMINIQUE INGRES Monsieur Bertin (1832)

El dominio de Ingres para lograr la captación psicológica del personaje se aprecia en los numerosos dibujos preparatorios, donde hay dudas antes de la elección de la postura.

Louis-François Bertin, hombre de negocios y fundador del Journal de Debats, uno de los periódicos más conservadores de Francia, aparece como símbolo de la burguesía triunfante.

INGRES, Apoteosis de Homero (1827)A partir de 1825, Ingres se empecinó en convertirse en la encarnación de los ideales que representaban a Rafael y el Renacimiento romano. Regresó a Italia, donde pintó esta obra, que pretendió emular la Escuela de Atenas de Rafael, pero resulta rígida, afectada y académica.

JOSE DE MADRAZO, La Muerte de Viriato (1818)

Considerado como la mayor figura del neoclasicismo español, Madrazo comenzó su carrera en Madrid con Gregorio Ferro, a través del cual recibió la influencia de Mengs. Posteriormente se trasladó a París, donde fue discípulo de David, y a Roma, donde tuvo contactos con el escultor Canova. Su pintura, de acendrado espíritu “davidiano”, tocó todos los géneros, siendo un excepcional retratista, sobrio y elegante.