Hace solo un año reconozco que empecé a separar la basura orgánica de aquella que se puede reciclar.

También en la misma época el auto de la revista fue reemplazado por la bicicleta. Y el aire acondicionado que usábamos en verano fue sepul-tado de a poco por el ventilador y la puerta abierta del pasillo y patio... No nos sentimos más pobres al cambiar nuestras conductas, somos conscientes que es más saludable ser un poco antilife-style.

Solo tenemos que tomar una decisión, es-tablecer un norte hacia donde queremos llegar, es decir un estado de las cosas que nos haga sentir satisfechos y contribuir al cambio, y a partir de allí mantener el com-promiso. Ir corrigiendo comportamien- tos que para otros son absolutamente nor-males: si uso un auto la pregunta seria qué puedo hacer para usarlo menos o volverlo mas ecológico. Si dejo luces prendidas preguntarme qué método puedo usar para que se apaguen solas cuando no estoy. Si compro cosas, buscar que sean hechas con materiales reciclables. Ser responsable es más que llenarse la boca con alguna acción aislada sino es una actitud íntegramente orientada hacia

la ecología y la preservación del medio ambiente.

Este número es un reconocimiento es- pecial a aquellos artistas y creativos que trabajan inspirados en temas de ecosiste-mas y ese antilifestyle. La genialidad de Joaquin Fargas y esa deliciosa visión cíni-ca que nos dan Articultores, Juan Miceli, Romina Orazi y Leonello Zambón. Tam-bién en este número están presentes otros grandes artistas como Bernardo Cappa, Mompox, Paula Duró, Jerónimo Saer y muchos más.

Esta es la 17va edición de la revista Wicked MAG o WKD y es la última que pro-duzco ya que me estoy retirando después de 5 años como director, tras haber cubier- to una época y presentado la actividad de muchos de los actores que a mi juicio eran relevantes en la ciudad.

Pero no es tiempo de tristeza sino de festejar. LEAMOS LA NuEvA WICKED MAG YEAR- BOOK 2012 2 / 2 Y vEAMOS POR DONDE PASA HOY POR HOY LA CuESTIóN ECOLóGICA EN LAS MENTES DE vAN- GuARDIA. FELIZ 2013!

Javier Gover.

STAFF WKD#17WICKED MAG CIOC SRLPublishing Partners & Artist BrokersParaná 264 of.10 (C1019BCH)Ciudad de Buenos Aires, ARGENTINA(00541) 4373 2713 / 4372-8173www.wickedba.cominfo@wickedba.com

PUBLISHER / DIRECTOR

Javier Goverjav@wickedba.com

EDITORA

Valeria Limonoffcontenidos@wickedba.com

COORDINACIÓN DE CONTENIDOS

Matías Schmidt

DISEÑO GRÁFICO

Maximiliano Adukiwww.artshopmardelplata.com PúBLICAS, INSTITUCIONALES y EvENTOS

Rubén Quiroga Cerdat

ÁREA COMERCIAL

comercial@wickedba.com

COLABORADORES WKD #17REDACTORES

Matías Schmidt María Pilar Gonzalez Christian AbellánDiego ValenteSabrina HaimovichSol EchevarríaEsteban LleonartElizabeth Chorubczyk Giannina Bellone Pablo LinietskyNicolás SobreroNatalia VillarmarzoJosefina ZuainDiego Massariol

FOTOGRAFÍA

PaulaLuz Mariño Maria Luz Habil Santiago Núñez Bonifacino Rudy Rojas Aneta Belena Geraldine BarónLaura Scavo

TAPAJuan Miceli

IMPRESIÓN

Galtprinting.

Los entrevistados y los autores son respon-sables de sus escritos. Se puede reproducir cualquier parte de estas notas siempre que se cite el autor, la fuente y la página web de WICKED MAG.

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12

ANTI L I F E S T Y L E

estructura funciona y la respuesta

es casi evidente: Amigos. “Somos un

grupo y la casa está a disposición de

todos, entonces, el crecimiento es

colectivo”, explica Santiago Guidi,

con una soltura que se siente: “El

perfil se generó por un espacio de y

para amigos. Isla Flotante se maneja

mucho por vínculos y afectos”. Y de

verdad, se nota.

Que el espacio funcione puertas

adentro para nada fue una decisión

que tomaron de antemano. Allí viven y

conviven los tres en armonía. Ahí está

Isla Flotante, entre los amenazan-

tes edificios de la ciudad, donde se

abre un pulmón para respirar arte

joven de mil formas.

PUERTAS ADENTROVarias realidades unen las galerías Bonjour e Isla Flotante: pasaron por ArteBA con un éxito sor-

prendente casi sin proponérselo, sus creadores desbordan en simpatía y calidez, apuestan a la au-

togestión y en sus muestras y eventos despliegan vanguardia. Las dos merecen una destacada mención

como espacios del arte joven actual y con trayectoria en la Ciudad. Y claro, ambos, puertas adentro.

Texto: Matías Schmidt / Fotos: Malu Habil y Gentileza Galerías

El ruido y el caos de la ciudad de-

saparecen cuando se atraviesa una

reja desvencijada en la avenida

Pueyrredón, a pasos de la transi-

tada Santa Fé. Un largo pasillo, a

modo de túnel del tiempo, trasporta

al corazón de Isla Flotante, un oasis

-con palmera incluida- en medio del

barrio de Recoleta.

“Nació como un espacio para mos-trar las obras de nuestros amigos sin tener implicancias comercial-es. Después surgió la idea, casi como un chiste, de presentarnos en ArteBa y quedamos. Ahí tomamos forma de galería, pero en realidad durante el año somos un espacio de arte”, define Nani Lamarque,

sobre el proyecto camaleónico que

lleva adelante junto a Dana Ferrari y

Santiago Guidi.

Un día cualquiera en Isla Flotante:

los asistentes se acomodan poco a

poco en el piso de la sala para ver

la perfo que anticipa el documental

que a continuación se va a proyectar.

Otro, conversan y beben cerveza en

una exhibición de fotografía. Otro,

suena cumbia electrónica al palo

mientras la gente baila desenfrena-

damente en el marco de una fiesta.

Otro, todos disfrutan de un ciclo de

cine. Así, el espacio muta, toma mil

formas según las necesidades y deseos.

Y claro, uno se pregunta cómo esta

I s l a F l o t a n t e

Bonjour

Hola! Bienvenidos a Bonjour, la galería más pequeña, intensa y prolífica de la Ciudad. En apenas unos escasos quince metros cuadrados asistimos a un universo genuino donde se des- pliega, con destreza y vanguardia, un espacio dedicado al arte contem-poráneo (de verdad), sin que las di-mensiones sean un impedimento ni mucho menos. Todo esto en el living de la casa de la artista, curadora y gestora del espacio, Mara Caffarone, que alberga propuestas emergentes de todo tipo, haciendo hincapié en la experimentación.

Para quien no conoce el espacio, olvídense porque no está donde habitualmente se lo podría ubicar. Bonjuor es una verdadera galería descentralizada de todo el polo palermitano y céntrico de la Ciu-dad. En el límite entre Flores y Floresta, todo sucede en el primer piso del departamento de Mara con un balcón a la calle donde el calor se siente con intensidad.

Su exitoso paso por el Barrio Joven de ArteBA el año pasado la posicionó como referente para contemplar arte actual, del más nuevo que se produce en la Ciudad y alrededores. Ahora, puertas adentro, se reinventa de la mano de la experimentación y de los nuevos y no tan nuevos artistas que desfilan por la galería. Pero fun-damentalmente Bonjour brilla por sí misma dentro de la constelación de galerías, que Mara lo define “no como un espacio de exhibición, si no como una obra total en sí misma”.

Con la trayectoria individual de mu-chos años de trabajo, Mario Scor-celli, Cotelito y Gala Berger fundaron un nuevo espacio dedicado al arte actual en la Ciudad. Como en tantas galerías mencionadas, asistimos al grupo mixto de curadores-artistas, donde la gestión se fusiona con el diálogo directo entre creadores.

¿Puertas adentro? De algún modos sí. Hay que surcar la librería Galerna en San Telmo –toda una hermosa distracción- hasta llegar a Inmi-grante. Una galería dividida en dos partes. Tras sortear amablemente la librería una espaciosa sala de exhi- bición, y al costado, casi impercep-tible, la escalera que nos conduce al subsuelo donde están la segunda sala y la trastienda.

“Somos artistas que autogestiona-mos nuestras obras en todo sen-tido, y evidentemente eso incide en la mirada y en las decisiones que tomamos, pero también es-tamos abiertos a ideas de otros artistas”, fundamenta Mario. Algo que hoy, dentro del “mundo del arte” porteño se repite como una fórmula para lograr los objetivos y superar las carencias que las instituciones no son capaces de abordar frente al constante alumbramiento y demanda que vive Buenos Aires en materia artística.

La apertura de la galería en agosto fue con la exhibición “Hola, soy yo”, de Itamar Hartavi. Instalación, óleos, algunos sobre platos, que invitan a un juego de reflexiones arqueológi-

cas sobre (¿por qué no?) el futuro. Le siguió Ángeles Ascúa con tintas, esculturas bordadas e instalación, y “Dinámica de Encaje” de Osías Yanov.

“Alentamos a todos los artistas a que hagan los mismo, tener el con-trol intelectual y de distribución de las obras”, continúa Scorcelli, alma mater de la ya desaparecida y reconocida Rayo Lazer. Seguramente el maestro Luís Felipe Noé concuer- de con los dichos de Scorcelli y con tantos otros artistas-curadores que proponen una nueva forma de desa- rrollar la práctica curatorial y la auto-administración.

Perú 1064

Galería Inmigrante

La ciudad costera recibió una vez más a este evento que reunió a profesion-ales de distintas áreas vinculadas con el diseño. A través de charlas, ta- lleres, reuniones e inter- cambios, profesionales de toda Latinoamérica pudie- ron conocer qué se hace y cuáles son las últimas ten-dencias a nivel mundial.

Por onceava vez, los diseñadores de toda la región se juntaron en el Con-greso Internacional de Diseño Gráfico, TRImarchiDG. De aquellas 400 personas reunidas en un salón de fiestas en La Feliz hasta nuestros días, toda una dé-cada de proyectos, trabajo y energía hizo que este evento se convirtiera en una búsqueda de formación colectiva e intercambio de ideas disponible para miles de personas.

DEL 12 AL 14 DE oCTuBRE, CoNFERENCIAS,

ExPoSICIoNES, WoRKSHoPS y EL CICLo

BuENAS NoCHES TRIMARCHI –uNA INI-

CIATIVA AuDIoVISuAL QuE INTEGRA A AR-

TISTAS VISuALES, MúSICoS, VJ’S y ToDA

LA DIVERSIóN EN 6 PISTAS-, FuERoN

TAN SoLo ALGuNAS DE LAS oPCIoNES

PARA ToDoS AQuELLoS INTERESADoS EN

FoRMARSE E INFoRMARSE SoBRE LAS

PRINCIPALES TENDENCIAS DEL DISEño

TANTo EN NuESTRo CoNTINENTE CoMo

EN EL MuNDo ENTERo.

Este año la apuesta vino fuerte. El Es-tadio Polideportivo de Mar del Plata tuvo la fortuna de recibir el domingo de cierre a Niklaus Troxler, diseñador y organizador de festivales y concier-tos de jazz. Profesor en la academia de arte y diseño de Stuttgart, Alemania y miembro de la Alianza Gráfica Internac-ional (AGI), este suizo brindó además un workshop basado en el concepto de Gráfica Súbita, que propone un enfoque más experimental asentado sobre reac-ciones visuales.

Por María Pilar GonzálezPh. Nicolás Santiñaque.

En cuanto al palo local, se hizo presente 2veinte, estudio porteño especializado en diseño y animación que cuenta con una disparidad de clientes que soportan su calidad y diversidad creativa.

La colombiana Catalina Estrada pasó durante la jornada de conferencias del 14. Ilustradora de publicidades, moda y diseño industrial, su trabajo de honda influencia latinoamericana demuestra que aunque vive en Barcelona desde 1999 no ha perdido la fascinación por la naturaleza, con explosiones de color y texturas detalladas.

Enfocado a mentes exitosas, el taller de los SuperProductores de PepperMelon se concentró en el proceso específico de producción de creatividad, con especial cuidado en el desarrollo y el manejo del talento. Para eso, los participantes hi- cieron ejercicios interactivos de gestión y se dieron casos de éxito, como el de la archiconocida Mamá Lucchetti.

A R T E U R B A N O

Del mundo del graffiti, la pandilla 123KLAN -fundada por los franceses Scien y la Sra. Clor en 1992- fue uno de los más esperados. La mezcla con el diseño gráfico los convirtió en toda una empresa, que hoy tiene una gran cartera de clientes, para los que crea logotipos, personajes y –por supuesto- graffitis. Los peruanos de Inderrumbable fue- ron otra de las grandes apariciones. Tal vez un poco más fundamentalis-

tas, su proyecto conjuga la voluntad de transmitir buenas vibras con la pintura de fachadas de negocios y paredes, para potenciar así un clima de intercambio entre artistas y pobladores. Con el dis-trito de El Carmen -de la provincia de Chincha, Perú- como teatro de opera-ciones, artistas como Nathan Tavel, Kyle Nielsen, Jules Bay, Jazzy Eanes pudie- ron plasmar en esta ciudad reconstrui-da tras un terremoto la alegría y el color de antaño. Según comentaron, tienen previsto extender esta iniciativa a otras ciudades del mundo. Por último, para la edición número once nada menos que once artistas fueron seleccionados para exponer once repro-ducciones de obras de su autoría, junto a galerías de arte y colectivos artísticos. LAS FIESTAS DEL VIERNES y SáBADo –CoN DJ SET DE VILLA DIAMANTE y BooM BooM KID EN CADA uNA DE ESAS FECHAS- y EL GRAN CIERRE DEL DoMINGo CoN BooM BooM KID NuEVAMENTE PoNIENDo A MoVER LA PATITA A MILES DISEñADoRES, FuERoN EL BRoCHE DE oRo PARA uN Año MáS DE TRABAJo, DIVERSIóN, NuEVAS TENDENCIAS y APRENDIZAJE QuE PRo-PuSo TRIMARCHIDG.

LA NuEvA HISTORIETA

PORTEñAE N T R E v I S T A A L G E N I O C R E A T I v O D E P A R A N á Y L A F R A N ç A I S E

PABLO TúNICA, NOS ABRE LAS PuERTAS DE Su CASA. uN LuGAR DONDE EL RuIDO DE LA CALLE DEBE TRANSFORMARSE EN MúSICA CuANDO éL TOCA ALGuNO DE SuS INSTRuMENTOS; DONDE LAS PAREDES SE CONvIERTEN EN LA BIBLIOTECA DE uN APASIONADO DE LA POESíA; Y DONDE LA CHARLA, ENTRE LA FANTASíA DE LA HISTORIETA Y LAS CERvEZAS, POCO A POCO SE vA HACIENDO ENTREvISTA.

TExTO: DIEGO MASSARIOL

¿Historietista, dibujante oartista?

Historietista, lo de Artista hay que dejárselo a los lectores. Pero está buena la diferen-ciación, porque en realidad la historieta es básicamente indus-trial; siempre se consideró como un oficio. No tiene la impronta de la intención artística. Eso en realidad lo aporta el crítico, el lector

¿Hay una diferencia entre decir comic, historieta,

ilustración?

En general los contenidos del Manga en Japón, en Francia la Bande Dessiné, o en EE.uu. el comic, son diferentes a los de la historieta en Argentina. La industria más grande de EE.uu. son los su-perhéroes.

Igualmente, la his-torieta está pen-sada más para chicos, pero son los grandes los lectores.

Muchos de los chicos que leían historietas, después crecieron. Los ado-lescentes que leían ahora siguen leyendo, se compran todas las se-ries y la siguen. Ahora hay una gran moda con la novela gráfica, que busca un desa- rrollo, en su espesura, similar a la novela de literatura. Lo que intenta, de algún modo, es le-gitimizar a la historieta en una pieza de valor artístico.

En Paraná hay un temabastante complejo que sobre-vuela la historia…

¿El aborto decís?

Claro. Sí, se alude muchas ve- ces en la historia pero está su- gerido. Es como que se arrima al aborto, pero no me interesa entrar en esa polémica. Todos los personajes son muy irres- ponsables, muy infantiles. El protagonista es un sapo.

Igual Washington es el más centrado…

Claro, pero es un borracho.

¿Hay algo de Pablo Túnica en esos personajes? Digo, en el borracho o el fumador com-pulsivo…

(Risas) No soy borracho. Pero que fumen me encanta. Existe el mito de que los sapos explotan si le das de fumar un cigarrillo. Entonces Paraná tiene que ser un fumador terrible.

Y también hay un ambiente de mitos populares. Como de leyenda, del interior del país…

Sí, siempre me gustó. Yo tenía un libro de mitos de los indios. Le tenía mucho cagaso a ese libro de chico. Creo que las experiencias más fuertes que yo tuve no fueron saludable-mente educativas, pero gener-aron una obsesión con todo ese universo oscuro y mitológico. De hecho, en Paraná hay un momento en el que cuento una leyenda guaraní muy linda. Washington es medio guaraní, y es mulato, descendiente de los

últimos negros argentinos, muertos en la guerra del Para-guay.

¿Y el futuro? ¿Proyectos?

Terminar Paraná. Es una histo-rieta improvisada, por más que tenga algunos hilos conduc-tores: la chica, el sapo, que no se sabe qué carajo es, el hechizo de Washington que no puede bajar del barco y no se sabe por qué. No sé si se va a saber tampoco. Pero el hecho es que todos esos enigmas dan pie a una historia que todavía necesi-ta desarrollo, y eso es lo que quiero hacer. Carlos Trillo, murió el año pasado a los 68 años. Reconocido por escribir historietas como Clara

de Noche, El Loco Chávez, Las Puertitas del Señor López,

Merdichesky, El último rec-reo, Tragaperras y Char-

lie Moon. Trabajó para varios diarios y revis-

tas como Patoruzú, Satiricón, Mengano, Clarín, Página/12, Humor y Fierro, en-tre otras.

EL LEGADO DEL

GRAN CARLOS

¿Cuál fue la obra que más te marcó en tu

carrera?

Me identifico mucho con Paraná, pero mi cabeza

está muy metida en La Fran-çaise, obra que hice con Carlos

Trillo. Cuando murió me dejó diez páginas del segundo tomo. Es un trabajo que da mucho placer pero por otra parte es una responsabili-dad que tengo con Carlos y con los lectores.

¿Cómo fue trabajar con él?

una locura. Fue una cosa rarísima conocerlo. un tipo que yo había leído, un hombre súper humilde. Nunca actuaba con superioridad, siempre era un trabajo en colabo-ración. Si le decías dos cosas para elogiarlo te tenías que ir de su casa, no lo aguantaba.

un tipo generoso en todos los sentidos...

¡Súper! Yo también dibujaba bien, no le estaba haciendo un favor. Pero él a mí sí, porque yo era muy chico cuando lo conocí.

S u S O B R A S

CON GuIóN DE CARLOS TRILLO“JuSEPE En Amérique”

(Editions Gallimard, 2009)“La française tome 1: Mireille”

(Editions Delcourt, 2011)“El Pequeño Nemo” y “La banda de Genios”

(Revista Genios, 2008-2011)Con Maite Alvarado

(poemario póstumo de la autora)“Resaca” Ediciones vOx 2010

Con guión de Lautaro Ortíz“Roma & Lynch”  Revista Fierro

(Página/12, 2008-2009)Solo “Paraná” Revista Fierro (Página/12) -actualmente-

En febrero del 2013 sale: “La française Tome 2: Albert”

Pamela Zarnowski:

la fotografía al Lomo.

ESTÁ EN FORMACIóN PERO MÁS vALE TENERLA EN EL RADAR. YA TIENE

INCORPORADO ESE MOvIMIENTO INQUIETO INDISPENSABLE. NO ESTÁ DEL

TODO EN NINGúN LADO, PERO EN 24 AñOS ESTUvO EN TANTOS LUGARES

QUE ASOMBRA. SU vIDA ES COMO UN PATCHWORK, IGUAL QUE COMO vISTE.

“La moda tiene el barrunto de lo actual … ella es el salto de tigre hacia el pretérito”, dice Walter Benjamin en sus Tesis sobre el concepto de historia. Ese conjunto de signos compar-tidos en juego que llamamos moda siempre se encuentra en diálogo con un tiempo presente y un tiempo pasado. La fotografía no es ajena a este movimiento y en algún momento, por tomar un ejemplo, la desprolijidad de una

instantánea doméstica se con-virtió en un puntapié legítimo para construir un discurso pro-pio. Quizás haya sido el vómito de Richard Billingham o los ex-cesos de Nan Goldin.

Ahora, con el instamatic que re-memora las viejas películas y el con-sumo hasta el hartazgo de lo retro, la moda versa sobre si misma. Pamela Zarnowski, quizás sin saberlo, hace un uso intenso de esto pero desde fuera. “Soy geek”, advierte de vez

en cuando. Su afición por el gadget está en buena medida dedicada a la fotografía. Hasta hace no mucho re-genteaba “Montañita”, su propio local de cámaras y objetos de diseño en Adrogué, de donde ella viene.

“La moda tiene el barrunto de lo actual … ella es el salto de tigre hacia el pretérito”, dice Walter Benjamin en sus Tesis sobre el concepto de historia. Ese conjunto de signos compar-tidos en juego que llamamos moda siempre se encuentra en diálogo con un tiempo presente y un tiempo pasado. La fotografía no es ajena a este movimiento y en algún momento, por tomar un ejemplo, la desprolijidad de una

Texto: Pablo Linietsky

“En el local, la góndola esta-ba ordenada de una manera muy precisa. No la llenaba de cosas. Cuando traía una camarita, una Holga, ponele, la dejaba sola hasta que se vendía. Y nunca volvía a traer la misma. Me gustaba la idea de que nadie tuviera la misma cámara”.

“Cuando era chica con los Scouts Polacos nos dejaban 21 días en un bosque en Men-doza sobreviviendo. Ahora, en mi casa, los enchufes los arre- glo yo”, cuenta la chica que toma estas fotos “vencidas” de Los Reyes del Falsete, una de las bandas amigas a las que somete.

Imaginemos que su vida está re-pleta de pequeñas camaritas de plástico y colores, Holgas, Pinholes, Lomos, etc. “yo foteo y foteo”. Así contado parece pura pose. Pero no. Por alguna razón, esa liviandad con la que Pamela transita deja en claro que no es pose, hay pasión.

No conoce a Nan Goldin y su ac-titud fotográfica es casi idéntica. No conoce a Richard Billingham y tampoco lo necesitó para sacar fo-tos con rollo vencido o revelar en el fotokiosco más barato.

Por suerte para Pamela, su virtud no reside únicamente en la técnica y los efectos (“yo tengo mi bolso lleno de luces, llego a lo de mis amigos y les cambio todos los ve-ladores”). Tiene ojo y sabe pararse. una vez más, esa despreocupación la libera de algún que otro canon represor. “¿y ese tatuaje?”

Tengo dos, este (señala dos trián- gulos equilateros superpuestos y un corazón), no tienen significado. Si lo tuvieran podrían perderlo. Me gustan y punto.

PAMELA ZARNOWSKI ES ESO, LA MUESTRA vIvA DE

QUE LAS COSAS Y LO QUE SIGNIFICAN PUEDEN

SER SIEMPRE DE OTRA MANERA.

E L ú L T I M O E M P E R A D O R

P A B L O B E R N A R D

NACIó EN LA CIUDAD DE LINCOLN, PROvINCIA DE BUENOS AIRES Y ESTUDIó

ARQUITECTURA. SU ANTOJADO FANATISMO POR LOS DISEñADORES

EUROPEOS DE LOS LEJANOS AñOS NOvENTA FORMó GRAN PARTE DE LO

QUE HOY PRESENTA BAJO EL SPOTLIGHT. UNA JUSTA MEZCLA DE DISEñA-

DOR Y ESCRITOR DE MODA. CON LA CIUDAD PORTEñA COMO SEDE

DE SU IMPERIO, PLANEA CONQUISTAR CUAL CéSAR EL AMBIENTE DE

MODA LOCAL.

¿Cómo fue el despertar inicial, el primer arranque de

Pablo Bernard diseñador?

No tengo recuerdos en los cuales

no hubiera percibido al menos una

mínima inclinación hacia el diseño.

Casi como si hubiera abierto los

ojos con ese chip incluido. También

durante mi infancia tuve flashes con

un amigo en donde delirábamos

con querer ser arqueólogos o

paleontólogos, pero me duró poco.

Como cuando de chico uno sueña

con ser astronauta o bombero.

Al ir creciendo me di cuenta que las

vocaciones a las que planeé dedi-

carme tenían un hilo conductor:

el dibujo. Todo tenía que

ver con cosas que podía

dibujar: dinosaurios,

equipos de música,

hasta árboles de

navidad o huevos de

pascua. Elementos

u objetos que tenían

un alto nivel de deco

rativismo, detalle y

un toque de “putez”.

Gran parte de los diseñado-

res/as se inclinan por la rama de la

moda femenina alegando que tienen

más libertar para crear y experimentar.

En tu caso, ¿cuál fue el impulsor determinante para ir por el camino de lo masculino?

Siempre sentí que la ropa de hom-

bre estaba años luz atrasada, que

había demasiado que decir. Se

podía nutrir al medio de las venta-

jas y los problemas con los que ya

cuenta la indumentaria femenina.

La ropa de mujer es ornamentada,

a veces simple, otras veces prác-

tica o incómoda, en cambio la de

hombre es un “ni”. El ensamble

camisa-pantalón tampoco es lo

más funcional del mundo, porque

para eso deberíamos vestirnos con

un overol. La mujer ya ha pasado

por todo.

La mayoría de tus colecciones poseen alto contenido visual y grá-

fico. ¿Es esa la manera en que resolvés incluir tu faceta de ilustra-

dor con tu trabajo en moda?

Si, con el dibujo como herramienta

puedo volcar una colección fuera

de mi cabeza. Me ayuda a estar en

sintonía cerrando los detalles. Hago

mis diseños, desarrollo las estampas,

las mezclo hasta llegar a repro-

ducir lo que busco. Soy ilustrador

de moda que no es lo mismo que

un diseñador que dibuja.

Por otra parte, los dibujos que

componen mis colecciones se con-

vierten en piezas que me interesa

guardar. Planeo algún día poder

mostrarlos, para terminar de cerrar

el círculo de las ideas que pasaron

por mi cabeza a la hora de armar

esa colección.

Muchas veces, la mayoría, sucede

que puedo llegar a dibujar cincuen-

ta o sesenta equipos de los cuales

llegan a producirse un máximo de

quince o veinte, sin contar lo con-

siderado como “prendas producto”.

¿De qué va la nueva colección

verano?

Conjuntos con una voluntad mucho

más comercial, algo que admito,

al principio, me dio miedo. En un

momento sentí que había piezas

que estaban tan bajadas que podía

calificarlas como “bolu-ropa”, pero

al estar frente a las acabadas me

tranquilizó ver que no era así. No

tengo la experiencia necesaria para

poder hacer productos puramente

comerciales, ni está en mi concien-

cia permitirme hacerlo.

El verano siempre es traicionero en

cuanto a lo que el hombre puede

ponerse. Básicamente conta-

mos con dos piezas, lo que

me empujó a generar

partes de arriba con

la suficiente fuerza e

individualidad como

para poder llevarlas

con jeans, además

de que puedan usar-

se fuera del contexto

Bernard. Con las mu-

jeres siempre es más

fácil, las monoprendas

ayudan a resolver un total

look de manera más simple. Este

tipo de prendas también estarán

presentes para hombres esta tem-

porada. Chaquetas largas, overoles

cortos, piezas que son infaltables

en una presentación de la marca.

En materia general, el rotundo

cambio de poner al color blanco

en lugar del negro como base de

las prendas es otro dato nuevo

en el mapa Bernard, siendo a su

vez una colección con mayores

volúmenes de producción y una

curva de detalles más amplia.

Texto: Christian AbellánFoto: Romina García

M o d a y o r g a n i s m o s

p o r B e r n a rd

Creo que es necesario que haya mayor comunicación entre quienes lo manejan y los que es-

tamos dentro de la industria. Falta aceitar muchas cosas. Tenemos un sitio para exponer nuestro trabajo que no está situado en una locación cómoda para los posibles compra-dores de nuestro producto, esto nos dificulta para poder mostrarlo. organizar los sectores ayudaría a quienes esta-mos comenzando. Tener archivos a donde podamos ac-

ceder cuando necesitamos trabajar con un taller que haga tal tipo de prendas o dónde acudir a buscar

tal o cual textil. Hay muchas ideas, de ambos lados, pero es necesario sentarse a

charlar.

BernardoCappa

“La actuación es en sí promiscua”

Texto: María Pilar GonzálezFoto: Maria Luz Habil 

BERNARDO CAPPA NOS RECIBIó EN SU CASA PARA CONTARNOS SOBRE SUS PROYECTOS, SUS MéTODOS DE TRABAJO Y DIBUJAR UN PANORAMA DEL TEATRO ACTUAL.

Al llegar al lugar indicado para la cita nos enteramos que la casa de Bernardo estaba en obra. El encuentro se muda entonces unos pisos más arriba, y luego de transitar con cautela para esquivar a los poco amigables gatos de la vecina, nos instalamos en un living cálido. Mate de por medio, el actor, director y dramaturgo confiesa su admiración y cariño por Ricado Bartís, su maestro. “Sabe mucho de fútbol”, advierte serio, y la afirmación nos lleva a alguna anécdota de su padre, el técnico de fútbol y escritor, Ángel Cappa. Muchos proyectos son mencionados a lo largo de la nota, pero será el recurrente tema de la mentira el que hilvane una charla por demás interesante.

En algún momento dijiste que escri-bir te resulta muy erotizante. ¿Es por eso que tu producción artística es tan amplia?

(Sonríe) Por una cuestión de años más que nada, y porque siempre es-toy produciendo. No sé si ahora diría la palabra erotizante. Puedo decir que aprendo mucho de mí escribien- do, y que me gusta mucho ensayar. Ahora estoy escribiendo menos que antes, produzco mucho durante los ensayos. Tengo por ahí varias cosas que quiero hacer al mismo tiempo, entonces en lugar de esperar a ter-minar una para empezar la otra, voy en simultáneo. Así puedo ir proban-do y no tengo demasiada exigencia sobre cómo debe tener que ser algo. Tengo una imagen, tengo ganas de trabajar con gente, se lo propongo y empezamos. Y por ahí al mismo tiempo tengo ganas de trabajar con otra gente haciendo otra cosa, se lo propongo y empezamos. Después vemos lo que sale, va evolucionando en obra. Parto de lo que sale en el momento del encuentro con los ac-tores, no hay mucho más misterio que eso. Como tengo poca paciencia para esperar a tener el texto elabo-rado, prefiero convocar e ir encon-trándonos. Y en la medida en que se va contagiando el entusiasmo es que se va produciendo. Así las cosas se van modificando, a veces totalmente.

¿Cómo se lleva a escena esta idio- sincrasia que tenemos los argenti-nos, basada un poco en el verso, en la mentira?

Creo que en Argentina hay una forma singular de mentir. La posibi-lidad de hacer verosímil la mentira en Buenos Aires tiene muchísima eficacia. Estoy pensando en eso de hacer creíble lo increíble, y de sostener una realidad aparente.

Seguramente pasa en todos lados, pero en nuestro país tiene mucha especificidad. Traducida al len-guaje, se habla mucho con doble sentido por ejemplo, pero no sólo el sexual sino en todo, y parecería ser que gusta. Ser un buen actor es poder hacerse creíble con la mayor cantidad de variaciones expresivas y de intensidades en diferentes len-guajes. El teatro es hacer creíble una mentira, y allí es donde el actor puede convertir en poética su ca-pacidad expresiva. uno está en un elenco y te das cuenta rápidamente que todos están en busca de eso. La actuación en Buenos Aires tiene un gran valor, y puedo arriesgar la teo- ría de que como se actúa mucho esa mentira miserable, de construcción del lenguaje que es necesaria para poder sobrevivir, se puede volver poética.

¿Qué problemas encontrás en el tea-tro actual?

Los lenguajes son muy estancos en el teatro independiente, por decirlo de alguna manera. Hay una deter-minada modalidad de actuación, las salas son chicas, se están usando argumentos o formas extrañadas, entonces la interpretación necesita ser lavada para poder generar una oposición a esa rareza de la cons- trucción, sobre todo de dirección o de dramaturgia. La actuación necesita entonces trabajar más so-bre la sutileza, y el actor se ve más comprimido. Por otro lado, en el teatro comercial la efectividad más que nada está en el reconocimiento que tiene el actor y en las peripe-cias del relato. Hay un vínculo me-dio trunco con las salas también, y que pasa por un tema comercial. Es difícil actuar, destacarse o encon-trar una singularidad hoy por hoy. De todas formas, uno va al teatro y sigue siendo atractivo el tema de la

gestualidad y el apasionamiento de hacerse creíble que tiene el actor. Yo trabajé en España por ejemplo y eso no existe, porque ahí les da lo mismo, o es más ingenuo en el vínculo. El actor argentino está más al tanto del vínculo con el especta-dor, está más entrenado, entonces le importa mucho que le crean. Me parece que hay que recuperar otra vez la prueba de la actuación, como pasó en su momento con el Parakul-tural en los ´80. Estamos necesitan-do otras modalidades, hay que reco-brar momentos de actuación.

¿Qué temas te apasionan a la hora de escribir?

Algo que me resulta estimulante es la voluntad de sostener la mentira como forma de hacer posible el re-lato político argentino, y cómo en lo cotidiano está el sostén de eso. La apariencia en Buenos Aires importa muchísimo, entonces ahora está de moda por ejemplo tener una prepa-ga como si fuese una prenda de ropa nueva, y mientras tanto están devas- tando los hospitales públicos. Y en ese sentido, el ridículo en la ciudad es tremendo. Creo que ese es un tema que me apasiona, eso de tratar de ser algo que uno no es ni tiene tampoco por qué serlo. Yo por ejem-plo estoy trabajando en una obra de Muscari, y la gente me pregunta por eso y me hacen sentir como si tu-viera que dar explicaciones. Eso es una locura, ¿a la gente qué le im-porta? Muchas veces, porque queda bien se defiende tal o cual lengua-je, y porque queda bien, se ataca a otro sin criterio alguno. De eso sí me corro e intento aprender. La actuación es en sí promiscua. uno tiene ganas de actuar, donde sea, y que lo dejen actuar. El actor tiene la pulsión de actuar, y eso creo que hay que recuperarlo en términos del teatro argentino.

Santiago Mitre es parte de la nueva generación de cineastas argentinos. Se formó con Pablo Trapero y Mariano Llinás, fue guionista de Leonera y Carancho, y en 2011 presentó su primer largometraje, El Estudiante. La película retrata el microcosmos de la UBA y, a través de los avatares de Roque en la militancia universitaria, refleja tensiones presentes en la forma de hacer política en esta época.

T e x t o : S a b r i n a H a i m o v i c h / F o t o : P a u l a L u z

¿QUé FUE LO PRIMERO QUE HICISTERELACIONADO AL CINE?

Tengo un recuerdo difuso, y hasta puede que lo haya exagerado un poco, pero me acuerdo que cuando estaba en el primer año del secundario, una profesora tuvo la idea de que en vez de entregar los habituales tra-bajos escritos, filmemos un cortometraje sobre el tema que estábamos trabajando: Carlos V de España. Hicimos un guión, y fuimos a una casa de campo de una com-pañera a filmarlo. No sé si en ese momento entendía la diferencia entre un actor y un director. Creo que no. Pensaba que los actores eran los que inventaban todo. y yo había escrito el guión, y era Carlos V. Ahí me di cuenta de que había un artificio, una construcción, y a la vez lo vivimos como un juego. Eso es lo que me acuerdo.

¿QUé TE INTERESó INDAGAR EN EL ESTUDIANTE?

Primero la universidad pública, como espacio arqui-tectónico y su rol en la ciudad. Tenía determinadas inda-gaciones en torno a qué era una vocación y cómo es que alguien encuentra eso que supuestamente está desti-nado a ser. El personaje principal de la película parece no tener vocación, está en una especie de adolescencia estirada en la que todavía no encuentra qué es lo que va a ser. Después empecé a trabajar y aparecieron los temas que son centrales para la película: la política en la universidad como microcosmos político, la tensión entre los ideales y la práctica o entre creer y especular.

¿QUé REPRESENTA LA UNIvERSIDAD PARA vOS?

Estudié en una escuela de cine, la FuC, que me rodeó de gente muy inteligente y me dio la posibilidad de experi-mentar y de ver mucho cine y, sobre todo, hablar y dis-cutir sobre cine casi constantemente. Era casi como un club del cine, un lugar donde uno encuentra un montón de gente que tiene un interés similar y, en el mejor de los casos, una pasión similar por el cine. Toda la gente con la que laburo son amigos de esa época. Trapero, que fue el director con quien empecé a trabajar como guionista, era docente y lo conozco de ahí. Llinás, que es otro gran referente que tengo, también había sido docente mío. o Fillipelli, que a su vez fue profesor de todos nosotros.

¿POR QUé TE ACERCASTE A LA UBA?

Es una cosa monstruosa, casi monumental, como casa de estudios y como institución. Hay un movimiento, una circulación, es casi como una ciudad. Primero había algo de lo arquitectónico que me interesaba, cierta cosa de caos, de movimiento constante, donde nadie se conoce y hay una errancia entre la gente, que está yendo de una clase a otra todo el tiempo. Mi experiencia universitaria había sido distinta y, aunque la política me interesa des-de siempre y por herencia familiar, nunca había militado formalmente. No sé, cuando escribo me gusta meterme en ámbitos que no conozco, tratar de entenderlos o rein-ventarlos desde la ficción.

T e n é s T u p r o p i a p r o d u c T o r a ,

¿ q u é h a c e n d e s d e a h í ?

Tengo una sociedad con dos amigos guionistas, Alejan-dro Fadel y Matias Mauregui, desde hace varios años, y aunque escribimos y eso nos gusta mucho, sabíamos bien que en algún momento íbamos a dirigir. Se sumó Agus-tina Llambi-Campbell, que fue compañera nuestra en la facultad, como persona que sabe ejecutar la producción. Esa alianza me permitió filmar El Estudiante mientras los chicos me cubrían con su trabajo. De la misma for-ma, yo lo hice mientras Alejandro filmó Los Salvajes. Es una alianza solidaria que se convirtió en una productora que tiene proyectos nuevos, incluso estamos ayudando a otros amigos cineastas a que hagan sus películas. Yo la considero un espacio de colaboración entre directores, guionistas y productores que tiene el espíritu de inventar sistemas de producción que hagan posible la realización de películas, más que una productora.

¿ q u é e s l o q u e T e aT r a p a d e l

c r u c e e n T r e r e a l i s m o y f i c c i ó n ?

Todavía tengo algo medio anticuado, me importan los te-mas con los que trabajo. Siempre desde una perspectiva de cine. Investigo mucho, hago entrevistas, leo, incluso voy filmando cosas o sacando fotos. Todo eso sirve, me aporta nuevas perspectivas, me da ideas y me despier- ta la creatividad. En el proceso de escritura de El Estudiante tuve entrevistas con gente de la facultad, con militantes, estudiantes, gente que trabaja en la gestión de la universidad y que estuvo en la política. Elegí el género -o abuso estético- del realismo y tuve que inves-tigar mucho para que no se percibiera como algo falso, aún siéndolo.

d o s s i e r

a r T e

y

e c o s i s T e m a s

Estoy de acuerdo, decir “una superficie pas-tosa” no suena igual a hablar de “parcela de finas y tupidas fibras de pasto”, tampoco es lo mismo murmurar acerca de plataformas, re-corridos, planos, parámetros, estaciones, ter-renos, campos, paradigmas, mundos o puntos de vista... pero de la singularidad, los semá-foros en verde, los chicles de menta, el plástico derretido, las maderas crudas, los cables rojos y negros, las raíces de esa planta y la maquina del tiempo no hay nada que decir. Veo en este momento, y a través de la obra de los artistas que forman parte de este número, la presencia de una contemporaneidad en sentido pleno. No un objeto suelto, no un estilo cerrado, sino un recorte plausible de hacerse, un recorte he-cho. un recorte que se delinea allí en donde la cantidad de escritos que salen sobre Bacon ha disminuido en una relación proporcional al cre-cimiento del uso de la palabra escrita en general. Hoy se escribe de otras cosas. Cosas que... Para mí, no valen nada. Todos esos co-mentarios me parecen una forma de dilución para uso del medio estético. ¿Qué función tienen las palabras? ¿puede cumplirse de alguna manera el deseo de la princesa de abrirse un facebook para publicar que finalmente TIENE una relación con su prínc-ipe azul tanto esperado? ¿este tipo de objetos es digno de una cultura fuerte?No vamos a la costa a pasar nues-tros fines de semana por simple divertimento, vamos por necesi-dad. Vivimos este mundo en el que las convivencias son paradojas controversias y contradicciones. Mundo tecno-pasto-top. Mundo de luchas y defensas mínianóni-mas. Mundo-hormiguero. y es que todo ha de volver a las sociedades primitivas. Tenemos necesidades y proyecciones que funcionan ar-ticuladas para nuestra mente. Allí es a donde viajamos constante-mente, pero en las culturas antropológicas no existe ningún objeto que quede fuera de un cir-cuito global, sea de uso o de desuso. Miceli dice que nadie puede escapar a su tiempo histórico, y sin embargo (él lo sabe mejor que yo y a eso se refiere): nos la pasamos viajando de hoy a ayer (o es una cuestión de interpretación...) Rodead-os estamos de tiempos que nos atraviesan y esa es la conciencia que hace singular la conciencia contemporánea. La singularidad no se propaga en términos de comunicación. Irradia en la creación de medios y canales a través de los cuales hacer efectiva dicha comunicación. So-mos seres hipercomunicados y aquí empiezan a dialogar las tecnologías que nos atraviesan con el pasto que ya no pisamos casi nunca. O bien lo hace (alguien) en un circuito tan reducido que termina siendo un fetiche. Si, fetiche tal vez. Sí excusa quizás y sí (!!) discurso ante todo.

Es evidente que esta pregunta estimula una mi-rada pesimista de este que es nuestro mundo de viajes, de tiempos convergentes, de mucho psi-coanálisis, de pantallas y palabras que aparecen con la función específica de ser texto reconoci-ble, tiempo de menos tele y más tráfico ilegal de información... ¿Qué energía nueva despierta? ¿A qué apuesta? En el mundo conviven infinitos seres que establecen entre sí distintas estrate-gias de conexión. Conexión del mundo entero. El mundo y el ser estéticos. Somos a través del mundo. En este mundo que hacemos todos la superestructura es tan aplastante que nadie tiene ya relación directa y bruta con los objetos o los acontecimientos. Pero el ser del hombre tiene, ante todo, una capacidad de adaptación ilimitada. Es imposible hacer el vacío. y dado

que Sólo puede compartirse el valor de las cosas, no su forma. Rara vez se alcanza al objeto en su forma secreta, que lo hace ser el que es. Rara vez se alcanzan esas cosas que guardamos en la parte más alta de la mesada, tan alta que parece no ocupar espacio en el espacio, pero que siempre hace sentir que el tiempo se agotaría si uno quisiera acceder a ese objeto constantemente. Necesitamos casas más prácticas. Refugios contra la contradicción tiempo-espacio. Refugios de la forma, para la forma y con la forma. ¿y qué es la forma? ¿de quién es la forma? ¿cómo y cuándo es la forma?... Algo que está más allá del valor y que yo intento alcan-zar gracias a una suerte de vacío en el cual el objeto o el acontec-imiento tienen una posibilidad de emitir con intensidad máxima. Yo, en verdad, arremeto contra la estética, ese valor agregado ese hacer-valer cultural detrás del cual el valor propio desaparece. Ya no se sabe dónde está el ob-jeto. Pero parece brillar a lo lejos un aura que engloba todo lo dis-

perso, lo re-une. Lo reviste. No hay nada más que los discursos proferidos en torno a él o a las miradas acumuladas que acaban por crear un aura artificial. Mundo-Palabras. Mundos de artistas. El mundo pensado, re pensado, fabri-cado a mano, retocado artesanalmente, inter-venido con el cuerpo, interferido por la ciencia. Flexionado y re-flexionado. Re-ubicado mundo. Aura para el mundo y más allá de la limitada capacidad de realización que el mundo del arte aporta al mundo-mundo. El no mundo del arte: he aquí fragmentos de él.

Josefina Zuain. Casi primavera 2012. Jean Boudrilliard. Fragmento de una Entrevista. Primavera 1996.

Los artistas que reunimos en este número hablan de una cierta onda verde minianónima que tiñe a nuestra sociedad y quiero continuar aproximándome a las palabras de Boudrilliard quien viene sosteniendo este recorrido que llamamos texto gracias a afirmar, en parte, lo que nos convoca. Es a partir de su afirmación que podemos estar dialogando con nuestro pasado. También en las sociedades clásicas era restringido el circuito por el que podían circular los objetos simbólicos. Una clase se repartía el universo simbólico sin asignarle, por lo demás, demasiada importancia, pero no se aspiraba a integrar al resto del mundo en él. Integrar al mundo en el hacer del arte. Es-trategias diversas se hacen presentes: la crítica sensible en orazi , los sistemas constructivos

organizados bajo la consigna de reimaginación en el dúo Colom-Zambón, el conocimiento de la ciencia aplicado al arte en Fargas, la edifi-cación silenciosa de una nueva conciencia por Articultores y el cuerpo entendido como eje de la existencia del hombre y sus objetos en Miceli. He aquí una más de nuestras singularidades. Hoy se pretende que todo el mundo acceda a ese universo, y esa es la estrategia que asumen nuestros artistas elegidos para dialogar en el seno de este gran texto que es la revista que usted tiene en sus manos ahora mismo. No-ciones tales como cultura libre y guerrilla cul-tural, reciclado, reconstrucción y visualización (casi denuncia) de problemáticas globales, re-utilización de tecnologías obsoletas y señalami-ento de los márgenes del mundo del arte como espacio digno de ser habitado... hablan de este fenómeno, pero ¿qué cambia esto de la vida?.

nomundo

del arTe,

no.

“a v e r

q u e p a s a s i

m u c h a g e n T e

s e p o n e a i n v e n Ta r

u n m u n d o

n u e v o ”

Texto: Esteban LleonartFotos: Gentileza Leonello Zambon

El músico experimental Leonello Zambon y el poeta Roger Colom trabajan juntos desde 2011. Su más reciente creación, la Biblioteca Popular Ambulante y Radio Comunitaria Móvil (BiPA/RaCMo), es una expresión de la filosofía artística de esta dupla: cualquier cosa que estuviera a su alcance sirvió para crearla. Los libros, la radio, la estructura, y todos los encuentros musicales y artísticos que se dan a su alrededor parten de la idea de reimaginar los objetos, liberarlos de su funcionalidad y permitirles ser algo distinto. Pero este concepto no se limita a las cosas. Reimaginar las relaciones humanas y las sociedades es, en palabras de Roger Colom, “el gran aspecto de la sustentabilidad que nadie ha probado”.

En la obra de ustedes hay una perma-nente reutilización de materiales al alcance de la mano, como pueden ser partes de otros artefactos para hacer instrumentos, o el uso de propagan-das políticas encontradas en la calle para hacer un libro. ¿Este reciclaje de elementos tiene que ver con una idea de sustentabilidad?

Leonello Zambon: Yo no sé si tiene que ver con sustentabilidad, pero si con esto de potenciar la imaginación y esta idea de que podés trabajar con lo que tenés a mano, que para mí es fundamental. No necesitas esperar a que se den las condiciones para empezar a hacer algo. Lo que tengas

relaciones con las máquinas, con las ciudades… y si esto sucede a gran escala, entonces tendría efectos en cuanto a lo ecológico, en cuanto al funcionamiento de las ciudades, en cuanto a cómo nos relacionamos, en cuanto a cómo utilizamos las maqui-nas, y cómo las maquinas nos utilizan a nosotros. Todo eso sería distinto, no sé si mejor, pero distinto.

Las relaciones entre artistas y espec-tadores también se reimaginan, ¿no? En los talleres la gente participa, crea sus propios instrumentos y los toca.

Roger Colom: Claro, por eso muchas de estas ideas e iniciativas tienen

a mano es potencial material. Eso se relaciona con el concepto de que si funciona, es obsoleto. A mí me interesa mucho que ocurre con las maquinas cuando no están funcion-ando, qué tipo de diálogo tenemos con ellas, y qué hacemos con los ma-nuales cuando se rompen, porque los manuales tienen una función. Hay una industria que está yendo a una velocidad tremenda, y cuanto más uses el manual más se puede pro-gramar esa industria a futuro. Pero si empezás a usarlo por el lado equivo-cado podés autogestionarte cosas. Roger Colom: El lado de la sus-tentabilidad por el que nosotros nos

una dimensión social en el sentido de ser inclusivas. ¿Te apetece hacer ruido con Leo Zambon? ¡Súmate! ¿Te gusta lo que hacemos? ¡Súmate! Eso borra la diferencia entre productor y consumidor, y por unos minutos se crea, no exactamente una comuni-dad, pero un espacio social y humano que lanza a la persona a probar por su lado. Que haga cosas a partir de ideas salidas de ahí.

¿Qué tipo de cosas?

Leonello Zambón: Y, hay cosas que tienen implicancias concretas que pueden generar formas de relacio-narse distintas. Nosotros construímos

preocupamos no es tanto el ecológico sino el social y humano. Tiene que ver con que no haya funciones, ni de los aparatos ni de las personas, porque limitan potenciales, y limi-tan la imaginación. Esta cuestión del potencial humano es el gran aspecto de la sustentabilidad que nadie ha probado. A ver qué pasa si mucha gente se pone a inventar un mundo nuevo. En cambio hablamos de sala- rios, de bienestar, de todos estos ide-ales de la clase media. Para mí lo fundamental no es tanto la palabra imaginación como reimaginación. Hay gente en todo el mundo que está reimaginando las relaciones sociales, las relaciones entre los cuerpos, las

todo expuesto, no hay ningún truco por detrás. Al exponer la estructura hacés más fácil el copiado, y esto tiene que ver más con una economía del regalo que del mercado. Hay algo de cualquier obra, que es distinto de una publicidad, que es que te podés apropiar. Hay un regalo en la obra porque te modificó de alguna forma. Me parece que ese acto diminuto genera esta cuestión de pensar al menos economías posibles, de dis-tinta escala. Y eso ya es una trans-formación. Eso amplía el mundo en vez de achicarlo. Y tal vez es el arte que a todos nos interesa, el que hace al mundo más amplio.

a r T i c u lT o r e s _

m á s a l l á

d e l a

e c o l o g í a .

Texto: Natalia villarmarzo Foto: PaulaLuz

UN CONJUNTO ENTUSIASTA DE JóvENES QUE PROPONE INTERDISCIPLINARIEDAD CULTURAL Hay un colectivo con ganas de revolucionar pacíficamente el medio ambiente a partir de tres ejes fun-damentales: libre tránsito de personas, arte y plantas. Ellos son Articultores y estos pilares resumen la Cultura Libre que pregonan en la sociedad. Buscan contagiar las ganas de participar con las acciones de Guerrilla Huerta, un prototipo de trabajo que ofrecen para activar la conciencia de preservar y generar áreas verdes.

El trabajo es simple, lúdico y nómade: hay que ensuciarse un poco para for-mar y arrojar bombas de semillas en rincones áridos. Si bien estas uni-dades tienen los componentes sufi-cientes para que la planta germine con mínimos cuidados, el escuadrón hace su seguimiento y lo registra en un mapa donde detallan las zonas re-corridas.

Este grupo, fundado en 2009 y enca-bezado por Judith villamayor, cumple 3 años de experimentación y planifi-cación de talleres de huerta en mace-ta, hornos solares y cocina viva, entre otras tareas relacionadas con la ali-

dicionamiento alguno y queda bajo el gusto personal. Puede variar desde lo meramente contemplativo hasta la manifestación de protesta. De todas formas aclaran que “no es a través de sus obras que mandan mensajes, sino mediante el proceso de producción”.

Si bien el éxito está en la difusión y participación urbana de los talleres, una experiencia significativa para Ar-ticultores es Once Libre: “Un proyecto que propone un espacio común de residencias para artistas y eventos colectivos. En el verano 2010/2011 he-mos llevado a cabo dos periodos donde los artistas fundaron sus talleres, cre-aron fuertes vínculos entre ellos y, en numerosas oportunidades, expusie-

mentación y las energías renovables.

Daniel Leber y Clara Tomasini, son dos artistas que forman parte del movimiento fuera de cualquier ban-dera política. Declaran que se trata de un equipo con ganas de involucrar a aquellos dispuestos a experimentar y aportar desde su visión.

Pero nutrir al espacio de más zonas verdes no es su único fuerte: el arte cumple un rol fundamental en su cre-cimiento día a día; es una herramienta más, que completa el manifiesto que difunden. Proponen una figura de ar-tista que se aleja de la usual: “Lo que

ron al público los frutos de la expe- riencia. Participaron miembros de toda la Argentina y otros países: Es-tados Unidos, Brasil, Bélgica y Para-guay”, explicó Clara.

El sitio con el que cuentan actual-mente, es un amplio subsuelo de una librería en pleno centro de la Ciudad de Buenos Aires. Allí trabajan con los talleres de Guerrilla Huerta y realizan exposiciones de arte entre otras accio- nes de difusión. A pesar de que todas las actividades del espacio se publi-can, sus integrantes prefieren no hac-er mucho ruido y mantenerlo como un lugar “secreto” que llegue a conocer-se por búsqueda e interés de quienes quieran formar parte.

nos interesa es cambiar esa idea de que el artista trabaja solo, en su ate-lier y no depende de nadie”. Los talle-res contribuyen a esa diferencia ya que los hace idear en conjunto y muchas veces bajo un mismo proyecto. “Es a partir de la idea de cultura libre que alentamos el intercambio de ideas y experiencias entre artistas; eso per-mite un mejor desarrollo de la obra. La finalidad no siempre es la misma para todos, sí lo son el medio y el pro-ceso de creación artística”.

En el trabajo plástico, los tres pilares de la Cultura Libre, se integran y fun-cionan como contención del artista y su producción, la cuál no tiene con-

La galería abre todos los sábados y los primeros sábados de cada mes hay una nueva inauguración, también se incluye una muestra fija con obras del periodo de residencia de Once Libre. “Tratamos también de convertir una galería de arte en algo menos estruc-turado e incluirlo a la vida cotidiana de las personas; es nuestro lugar de muestras y reunión”.

Texto: Effýmia Chorubczyk Foto: PaulaLuz

Joaquín Fargas es un ingeniero industrial, y director del Laboratorio Argentino de Bioarte de la Univer-sidad de Maimónides. Recientemente expuso la muestra “Inferencias vitales” en el Centro Cultural San Martín. La misma contó con dos instalaciones: el claustrofóbico proyecto Bioesfera, y otro un tanto más lúdico y participativo para reflexionar sobre nuestra interacción con el ecosistema, sumado a una perfor-mance que plantea nuevas formas de pensar el futuro.

¿Qué recorrido hubo para que hoy te reconozcas como un artista-ingeniero?

Siempre tuve inquietudes multidisciplinarias. Me dediqué muchos años a la ingeniería pero siempre pensando en la parte artística. Empecé a buscar las distintas tecnologías para el arte, así es como constantemente fui incorporando conocimientos como la robótica, las artes electrónicas en general, y también apareció toda la parte de la biología. Después de trabajar con seres vivos eso me llevó a acercarme a la biotecnología, y la posibilidad de utilizar el cultivo de los tejidos, hasta que fundé el Laboratorio de Bioarte que hoy tiene vigencia y está a punto de hacer eclosión en una forma que coin-cide con esta revolución genética que se viene.

¿Tu abordaje desde el arte es tu forma de acercar a la gente esta realidad científica de una manera más conscien- te?

Yo hace muchos años que me dedico a la popularización ya sea de la cien-cia o del arte, me parece que tener relación con el público es primordial. Por ejemplo, vino una escuela de chicos especiales e hicimos un taller donde cada uno construyó su propia bioesfera, trabajamos con sistemas naturales, estuvimos viendo cómo funcionan los organismos dentro de un sistema cerrado.

El proyecto Bioesfera se presenta como una instalación para ser obser-vada, mientras que la otra instalación depende absolutamente de la interac-ción del público para activarse. ¿Qué los une?

Al parecer el vertiginoso avance de la ciencia y la tecnología resultó negativo y contraproducente, pero el mismo ve-neno podría ser el salvador…

Todo adelanto científico tiene su lado bueno y malo. El hombre aumentó su capacidad de hacer cosas, pero toda esa capacidad aumentó su capacidad de daño, el tema es dónde está el equilibrio que nosotros debemos en-contrar. No me gusta ser fundamen-talista, me gusta plantear alternati-vas. Tal vez la respuesta pueda estar en cosas muy alocadas, tal vez la bio-tecnología nos permita que el tamaño de las personas se reduzca para que la alimentación sea mayor, o que con menos comida podamos alimentar más gente, o simplemente nos de la capacidad de viajar a otra galaxia porque acá no entramos. Algunas cosas hoy pueden ser posibles, otras

Biosfera tiene como objetivo que tomemos consciencia de que el planeta es absolutamente cerrado y limitado. Cuando nosotros salimos a la calle y vemos todo el espacio y el cielo, pensamos que somos insig-nificantes con respecto a eso y que no podemos producir ningún tipo de efecto. Cuando uno ve un ecosistema natural, las plantas y los animales que por ahí no están a la vista porque son microscopios pero que están, los vemos encerrados, la pregunta que uno se hace es ¿cómo hacen para vi-vir? ¿De dónde sale el oxigeno que necesitan? La misma pregunta nos podemos hacer sobre la Tierra. No-sotros estamos obligados a controlar y dejar que se sigan produciendo ciertos ciclos para garantizar la su-

tienen cierta verosimilitud científica y otras parecen totalmente alocadas, pero uno tiene que seguir pensando cómo son los escenarios futuros. El corto plazo que está en todos nosotros y que nos permite vivir el día a día, lamentablemente no nos deja pensar cómo vamos a dejar el planeta para generaciones futuras.

La muestra contó también con una performance. ¿De qué trató?

Bio-wear/Metadermis es un proyecto donde me imagino la piel como una posibilidad de extensión de nuestro cuerpo. Somos el único animal que necesita vestirse, consideré que tal vez la biotecnología nos permita de-sarrollar nuestra propia ropa. En la performance yo dono parte de mis células de mi tejido epitelial para empezar a construir o cultivar un

pervivencia de la especie humana. La otra instalación es totalmente interactiva. Salvo unos piecitos que están marcados en unos vidrios no hay ninguna explicación más, y todo el mundo camina y enseguida se da cuenta cuál es el efecto que está teniendo sobre esa obra. Después de 4 mil millones de años que tiene la Tierra es recién en los últimos 200 años donde el hombre empieza a producir un impacto que pueda ser notado. Se dice que hemos llegado a la época del antropoceno, donde el hombre realmente está afectando el planeta en toda su escala. Esta obra que se llama “Homo Energicus” tiene que ver con esa energía del hombre que hoy la ciencia hace que se haya magnificado.

tejido con un formato de prenda. Las células después de extraídas hay que separarlas, digerirlas con una serie de enzimas y luego se centrifugan, finalmente se utiliza una pistola que dispara estas células y las expande sobre un formato de mano.

¿Qué tema te interesa seguir desar-rollando en tus siguientes trabajos?

Me interesa tratar el tema del cre- cimiento de la población, que hace que este impacto que se hace notar sea mayor. Es un tema que no se habla, un problema no políticamente correcto. ¿Cómo hacer para que esa población de una forma ética y razo- nable no siga creciendo? Lo primero que tenemos que hacer es plantear el tema.

n u e v o e s p e c i m e n

Texto: Matías SchmidtFotos: Gentileza Romina Orazi

Incategorizable, coquetea con la arquitectura, la tecnología, el desarrollo sustentable y los sucesos natu-rales. Romina Orazi es una artista que siempre se enamora de lo nuevo y lo combina todo en un cóctel donde la reflexión del mundo contemporáneo emerge en sus obras de forma única. Además, da su versión sobre la problemática ocurrida con el premio Haroldo Conti.

¿Cómo es el proceso de creación de tus obras?

La lectura es una de mis principales fuentes. Fundamentalmente mucha poesía y mucha estética filosófica. Tomo notas en tres o cuatro cuadernitos divididos por categorías donde voy filtrando y pasando información de uno a otro, haciendo y copiando dibujos hasta que una idea se hace presente. Brota sola. uno es un medio que está buscando algo y de pronto, naturalmente, se da cuenta que es por ahí. Algo se hace presente.

Como decía Heidegger, en la obra de arte la verdad acontece, o lo que lo griegos llamaban alétheia, el desocultamiento de la verdad.

En esa búsqueda hay algo que acontece, que se hace y simplemente es. Pura magia que uno agradece porque la ganadora es la intuición. Es una energía muy poderosa que me lleva a no tener nostalgia por las obras. Sucede algo muy sano que ojalá me pasara con todas las relaciones humanas. Es liberador. El arte tiene ese el poder de la curación y de la enseñanza.

Licenciada en Artes visuales por el IUNA, combina su carrera artística trabajando como jardinera en contacto directo y cotidiano con la naturaleza. Ahí es donde todo se fusiona. Arte y biología se dan la mano para producir obras tan significativas como ESPECI-MEN UNO. Una obra conceptual, viva, donde participan tres mecanismos: el económico, el electromecánico y el biológico, a merced de la intervención humana.

Yo lo pensé así: si las plantas no empiezan a ganar plata van a de-saparecer, así fue que me propuse hacer algo para que esto suceda, para que ellas mismas se pueden susten-tar económicamente. De esa manera me quedo tranquila, van a sobrevivir.

¿Cómo fue la recepción de la obra y a qué conclusiones llegaste?

Durante una exhibición en la que había mucha gente la planta terminó aho-gada. Fue bueno ver cómo fun-ciona el equilibrio. Si se le pone mu-chas monedas se ahoga, en cambio si se deja de colocárselas, se seca. Así me di cuenta que el ser humano como consumidor del mundo del espec-táculo a veces lo hace compulsiva-mente. Y eso pasó, la gente no para-ba de poner moneditas y moneditas. ¡Hay que comprar, hay que comprar! Esa fue la reflexión a la que arribé posteriormente con la obra. Todos quieren ver cómo funciona el sistema que acciona la canilla y al final la planta se ahoga. Y si nadie va, se muere. Entonces, empezar a buscar un equilibrio natural por parte del hombre es parte de la experiencia que esta obra tiene.

Alejada de los esnobismos y la figu-ración que el arte contemporáneo muchas veces acarrea, sus obras lle-gan a los museos y recorren el país, manteniéndose como una verdadera artista independiente.

Creo que las instituciones son peligro- sas. Recurro a ellas cuando necesito algo específico que involucre el sen-tido de la obra o su producción. Me presento a premios en pocas opor-tunidades, cuando me interesa el espacio o necesito dinero para pro-ducir. Tengo más afinidad con unas que con otras. Pero al fin y al cabo es una transacción nomás. No hay mu-cho más ahí. Todo ese universo poco tiene que ver con el sentido de las obras.

Recurro sí, a espacios independi-entes como Radio La Tribu, donde el trabajo adquiere sentido en el intercambio y resulta maravilloso. Lo mismo me sucedió, en otro plano de construcción de sentidos, cuando pude trabajar dentro Centro Cultural Haroldo Conti (ex ESMA). Ahí re-alicé dos obras antes del escándalo.

Unos meses después de ganar el primer premio a las artes visuales, compartido con Esteban Álvarez, las autoridades del centro cultural infor-maron a través de su página web que le quitaban la mención. El revuelo se dio cuando se conoció que el proyecto “vivienda Móvil” era un apropiación de una obra de Kevin Cyr, según la artista, o que se trataba de un plagio, según otros actores del arte.¿En qué consiste el proyecto?

Se trata de una casa rodante-bici-cleta, pero es una casa en si misma. Tiene capacidad para que duerman dos personas, un baño, una cocina y una mesa para comer o trabajar. Los materiales son de bajo costo. La energía proviene de paneles solares ubicados en el techo para alimentar las baterías de la casa y para alivia-nar el pedaleo de toda la estructura tiene un motor eléctrico. Además de la autonomía de la energía solar se podrá conectar a la red eléctrica para cargar las baterías en cualqui-er conexión hogareña de 220v. Es importante aclarar que el proyecto también tiene una página web y un manual de instrucciones, donde la idea es compartir el conocimiento adquirido para ser usado, apropiado, copiado, multiplicado por quien qui-era sin la necesidad de pedir per-miso.

Entiendo que la problemática se de-sató cuando el Haroldo Conti publicó los dibujos de Kevin Cyr.

usó un dibujo realizado por el artista canadiense Kevin Cyr para ilustrar mi proyecto de intervención especí-fica “vivienda Móvil”. Está ligera-mente modificado para adaptarlo a mis necesidades. Las imágenes de Cyr están protegidas bajo el estatuto de copy right. . El dibujo fue clara-mente citado durante la exposición de proyectos.La problemática de “vivienda móvil” tiene q ver con el de la vivienda en Latinoamérica. Intenta repensar cómo habitamos este mundo. Mi proyecto nada tienen nada que ver con el de él, la falta habitacional y la desigualdad en Latinoamérica poco tiene en común con la idea de camping canadiense. Hay un abismo entre ambos. Por otro lado, ni yo ni

él inventamos la bicicleta ni la casa rodante. Todo esto me parece una discusión fuera de tiempo.

Por el momento los interrogantes so- bre el arte contemporáneo que abri-eron los ready made de Marcel Du-champ, o las brillo box de Andy War-hol, se renuevan y siguen abiertos.

El próximo año se cumple un siglo de los ready made. Las vanguardias de principio de siglo xx han redefinido la idea de “obra” y de “autor”. Con-fundir plagio con un procedimiento habitual como la apropiación, me resulta, a esta altura, una discusión ridícula. Creo que todos nacemos artistas. Transmutar energías lo hacemos to-dos. No creo que el “arte” sea para unas pocas personas “iluminadas” y “originales”, nada de eso. Cada uno en lo suyo, una costurera cose, un cocinero cocina; somos todos transmutadores. Solo que algunos elegimos trabajar y ser parte de este medio.

e l

h o m b r e

r i T u a l

Texto: Matías Schmidt Fotos: Gentileza Walter Torres.

PaulaLuz. Mónica Rojas

Todos sabemos que en la zona porteña de Warnes encontramos cualquier repuesto para el automóvil, que las parrillitas de

los mecánicos, aunque agrestes, ofrecen comida abundante y a buen precio y que por las noches se convierte en un barrio

fantasma. Entre el sigilo de esas calles vacías habita el ritual, el hombre que con los desechos y la incorporación de su cuerpo

en la obra, inventa un universo verdadero, dejando una huella detrás de sí. Juan Miceli.

¿Cómo es tu proceso creativo?

Hay una parte fundamental que está ligada con lo ritual donde se mani-fiesta algo puramente intuitivo. Se trata de hacer un intercambio con equis potencias que siempre surgen de la acción corporal. No se trata de ponerme a pensar de qué va a tratar la próxima muestra, si no que hay cosas en las que entiendo que inter-viene algún elemento mágico, que no domino, azaroso. No sé si es exac-tamente mágico, pero sin dudas so-bre el cual no tengo control. Siempre parte de la relación con la naturaleza, pero no como una manera nostálgica de decir volvamos a la naturaleza, si no de decir nunca nos fuimos de ella.

¿En qué consisten esos rituales?

Son cosas que hago en diferentes lu-gares, cosas que hago desde chico, con lo que me encuentro. Por ejemp-lo, armo una construcción con made-ras y ramas y la prendo fuego, me pongo en el humo, después me tiro al agua, me embarro el cuerpo, salgo y me trepo a un árbol. Pero no es con la solemnidad de un ritual donde me pongo una túnica y digo “ahora voy a hacer un ritual”. Tienen que darse algunas cosas para que pase, por lo menos estar en un lugar al aire libre y básicamente que haya algo del es-pacio que me inspire hacerlo.

El contacto con la naturaleza es en-tonces fundamental.

Sí, la naturaleza me desprende de todo mi costado racional y por eso me parece que es el lugar más propicio para encarar ese intercambio. Para mí lo ritual tiene que ver con eso, con un intercambio con potencias de otro orden. A través del intercambio di-recto con los elementos. Por ejemplo, cada vez que voy a la playa construyo una civilización y me quedo espera-ndo hasta que el agua se la lleve. Yo no te puedo decir de qué está com-puesta la arena de esa playa, pero me voy sabiendo algo que antes no sabía.

No quiere decir que aparte de eso no pueda leer un libro, ¿no?

Sus esculturas colgantes hechas con diversos materiales reciclados como plásticos y juguetes, con la incorpo-ración de elementos orgánicos como dientes y huesos llevaron a Miceli a prescindir de la obra material para convertirse en su propia obra. La Sus-

pensión, obra performática donde el artista permanece colgado boca abajo, supone la idea de que obra y cuerpo son exactamente lo mismo.

De alguna manera siempre metí el cuerpo en mis trabajos, hice per-formance en vivo, pero nunca había sentido lo que sentí en la Suspensión. Se me reveló que estaba haciendo

algo mucho más verdadero y que no tiene que ver con mi voluntad. Había algo de poner en escena el cuerpo, de poner en escena todo, el cuerpo del artista y hacer de esa mezcla en-tre la obra y el que la opera, una sola cuestión.

Ahora estoy experimentando la Sus-pensión en distintos lugares. Si el suelo gravita sobre el pensamiento, también debería gravitar sobre el cuerpo de distintas maneras. Y la verdad es que sí, gravita sobre el cuerpo. No es lo mismo colgarte en Jujuy con unas cabritas que vienen a tomar agua que colgarte en Australia, en Buenos Aires en una galería o en el Tigre. El cuerpo reacciona y tam-bién la experiencia va más allá del pensamiento.

En las salinas fue impresionante, el piso blanco quedó como cielo y la luna llena como piso. Obviamente esto te modifica. Te cambia la con-cepción euclidiana del espacio. Ya no existe un arriba- abajo, un ade-lante-atrás determinado. Entonces, para mí, esta obra es la práctica. La cuestión es que me suspenda en relación con un espacio natural y que entable una relación con el saber el-emental. En definitiva, lo que queda de la obra es una huella.

El año próximo Miceli exhibirá en la Galería Nacional de Berlín una retros- pectiva de su obra con nuevos elemen-tos, lo que supone un verdadero de-safío: una sala gigante, la decisión de vender su obra y un presupuesto casi ilimitado que le da una verdadera liber- tad frente a los arcaicos esquemas que muchas veces el arte actual aca-rrea.

Me parece que toda la teoría del arte funciona como una trampa mortal. El otro día leía, no importa de quién, un texto sobre la cuestión de lo con-temporáneo. Decía algo así como “me gusta esta obra porque es muy contemporánea”. No sé man, te tenés que comprar la máquina del tiempo para no ser contemporáneo.

una mirada transparente, desafiante por natu-raleza, define a una de las mejores artistas ar-gentinas sub-30 y pico. A punto de empezar una nueva serie de pinturas, luego de volver de Ham-burgo, Alemania, donde expuso en un Museo de Etnografía junto al colectivo chileno-argentino No Definitivo. Iluminada por la luz de la tarde, sentada en uno de los tantos bancos del Patio del Liceo, se impone la voz alegre de Paula Duró.

“Estuvimos en un museo similar al de ciencias

naturales de La Plata, muy antiguo, no de los más

populares, clásico, estructurado y conservador

pero, por suerte, siempre seden una sala donde

hacen muestras más experimentales ”.

Toma el último sorbo de su taza de café y con-vida con una segunda ronda. Su rubio carré flota por el aire y vuela hasta El Sendero Luminoso, el taller-galería que comparte con otros artistas.

“Estuvimos una semana montando.

La muestra fue una súper sor-

presa ¡vinieron 1300 personas!...

Fuimos cinco artistas de No De-

finitivo, que es un grupo de 25:

Julián Puyal, Mauro Balzarotti,

Elías Santis, Nico Novali y yo. Todo

fue pura autogestión: las obras las

llevamos enrolladlas bajo el brazo,

aunque sacamos el permiso…fue

caótico por momentos y mucho tra-

bajo pero a la larga así es como se

siembra”. Justamente el año pasado hiciste una muestra llamada “Memoria de la Semilla”, hablando de sem-brar.

Si, la semilla la veo como una metá-

fora del potencial que hay en cada

persona, la posibilidad de dar todo

de sí; y por otro lado era y sigue

siendo alusivo a la manipulación

de la semilla y por ende, el poder

a través de los alimentos y toda la

manipulación que se viene hacien-

do de la semilla a través de los

años.

¿La intención de tus pinturas es generarconciencia?

Claramente, me parece que como yo tengo la herra-

mienta de la pintura, otro puede tener la

de la música, otro de la medicina. Lo que sea que

toque tu fibra para subvertir la vorágine diaria

y reaccionar. Me gusta pensar el arte como una

herramienta - como Internet o la televisión - son

medios poderosos que pueden disparar hacia

cualquier lado…una pintura puede ser un bien

de consumo snob pero también puede ser una

lamparita que alumbra donde se necesita luz.

¿Esa es tu premisa al trabajar?

La única que tengo es ser genuina, y fiel en cuan-

to a si uno se está repitiendo…siempre existe la

aparece en el viaje, ¿entendés? La gente que vio

la primera serie de pinturas con colores flúo me

decían ́ vos estuviste en la selva, en Perú, tomaste

Ayahuasca y yo decía no, no, no´. Todo eso lo hice

después, era alucinante, la gente, los rasgos…

cuando lo vi en vivo y en directo todo se parecía

mucho a lo que había pintado antes.

¿Le encontrás alguna explicación?

Es que todos esos símbolos están, y en algún mo-

mento sintonice con eso y “lo bajé”...a veces ni

siquiera uno sabe de lo que está hablando.

¿A qué te referís?

A ser una artista planetaria.

¿Cómo es eso?

No me interesa, sino que es parte

de mí. Yo me siento habitante de

este mundo pero también de “ese

de arriba” y mantengo conexión

diaria con la luna, las estrellas,

los fenómenos y siempre me tomo

el tiempo para ver el cielo y siento

que un poco de ahí es de donde

vengo. Cada vez voy tomando más

conciencia de eso y lo voy inter-

pretando y a la vez materializando

con mi obra.

y a la vez lo contrastás con tu visión concientizadora.

Es verdad, en cierto punto sospe-

cho que estoy medio al servicio de

“algo” aunque no quiera, ¿enten-

dés?

¿Cómo ves la escena de arte local?

Hay cosas alucinantes, pero hay muchos que hacen cosas sabiendo que ya va a pegar…yo soy muy naif en eso, pero después me cuen-tan que tal obra es la copia exacta de este otro escultor que vive en Berlín, ponele. Yo no manejo tanta

data a veces, y de repente me sorprende cuando

me dicen eso.

¿Crees entonces que el arte puede llegar a apor-tar a un cambio?

Si y no, a veces me cuestiono hasta qué punto

sirve… por ahí no y en cambio hay que tomar un

camino más explícito. Pero sin duda el arte ayuda

y es un medio a través del cual llegan mensajes

de una manera que no se ven, pero que modifi-

can. Quizás no como una bomba pero al menos

deja una pregunta.

opción de pegar el volantazo y seguir buscando.

Pero justamente tu estilo es muy marcado y reconocible, ¿te gusta eso?

Si, no sé, no me preocupa.

¿Cómo llegaste a encontrar tu “sello”?

Fui mucho a Chile por No Definitivo y me gusta

muchísimo. Me conecto con las montañas y sus

artistas. De hecho mis principales referentes son

de allá. Como Nicolás Manning, que es un pibe de mi edad que tiene obra geométrica y pinta

gigante. De repente llegue a Santiago y estaba

Nicolás pintando un mega mural y me pidió que

lo ayudara y estaban esos colores que utiliza,

flúo, y después me regaló un par y acá empecé a

meterlos en mis obras. Y así empezó todo.

¿Cómo era tu obra antes?

Era mucho más mutante, cambiaba de estilo todo

el tiempo. Chile sin duda es re importante: es de

donde volví pintando distinto. Con un estilo

mucho más sencillo y directo. Antes iba por una

dirección más del hiperrealismo o algo parecido,

era más conservadora y no me divertía tanto al

pintar.

¿Cuál es tu manera de encarar un bastidor?

Los viajes me inspiran mucho. Para mí preparar

una serie de pinturas es “iniciar un viaje”. Me

pasa con los viajes que hago y no pinto lo que

veo sino que al revés, pinto el paisaje y después

. . .

LO QUE SEA

QUE TOQUE

TU FIBRA PARA

SUBVERTIR

LA VORáGINE

DIARIA Y

REACCIONAR

.. .

P o r N i c o l á s S o b r e r oF o t o : M a r í a L u z H a b i l

Tres dúos audiovisuales demuestran que en el siglo xxI la música es mucho más que un estímulo para los oídos, y que a través de las imágenes se pueden construir ricos universos sonoros, que invitan a viajar por nuevos mundos sensoriales.

Texto: María Pilar González / Fotos: PaulaLuz

c a n c i o n e s p a r a m i r a r

Este dúo audiovisual es un verdadero matrimonio de sonidos. Con formación de cineastas, y mezclando sonidos analógi-cos y digitales con patrones geométricos e imágenes de la vida cotidiana, Los Automártin irrumpen en la escena porteña para hacer bailar y sacudir las neuronas con proyecciones y música a todo color. Sonsoles Romero y Martín Duarte se abrazan y sonríen para las fotos. No parecen tan habituados a posar, pero sí a ese contacto tan cercano que los delata. ¿Son pareja? pregunta la fotógrafa y ellos admiten un status raro para los tiempos que corren: casados. Aprovechando un ámbito artístico que no es propio ni nuestro, terminamos sentados en una insta-lación, y una cama termina sirviendo como espacio improvisado para desarrollar la entrevista. Más tímida, Sonsoles cede la palabra a Martín, y deja espacio para algunos comentarios que confirman lo dicho.

Con un estilo básicamente electrónico en donde además tiene cabida algún atisbo de rock –Martín puede cantar o tocar instru-mentos en vivo, dependiendo del tema- los infinitos loops de esas imágenes proyecta-das sobre la pared detrás de este dúo los vuelven parte de la música, creando un hipnótico efecto envolvente muy atractivo.

ESTuVIERoN DE GIRA PoR EuRoPA EL Año PASADo.

¿CóMo VEN EL AMBIENTE LoCAL, Qué ESPACIo TIENE Lo QuE HACEN ACá?

Fue algo loco, porque lo que iba a ser tan solo dos semanas terminó siendo una gira por Berlín, Leipzig, Ginebra y Madrid. Acá el espacio que tenemos es principalmente en galerías y centros culturales, pero en comparación con afuera es algo que to-davía está empezando a generarse. Igual hemos logrado muy buena aceptación y

¿CóMo LLEGARoN A FoRMAR ESTE PRoyECTo?

Todo comenzó en 2009. En realidad venimos del ámbito del cine, ahí fue donde nos conocimos. Estábamos un poco cansa-dos, decepcionados podría decirse, y con ganas de buscar algo nuevo, y esto surgió como una suerte de experimento visual en donde cada uno aportó su parte. Ella está a cargo de las imágenes y yo de la música y –como en toda sociedad- muchas veces nos cuesta ponernos de acuerdo sobre la evolu-ción de un tema (risas), pero a lo largo de este tiempo fuimos aceitando este engrana-je. Por ejemplo, una de las proyecciones que pasamos es una serie de imágenes que hice yo con una camarita en la cabeza via-jando en subte. Luego de eso está el tema de la edición, y ver cómo hacemos para que eso funcione con lo que queremos con-tar a través de la música.

siempre tenemos fechas por delante, lo que demuestra la buena onda de quienes están dentro de este pequeño circuito en el que nos movemos.

Cuando termina la presentación que dio

marco a la nota, se nota en el aire la sen-

sación de una atmósfera que se desvanece.

Rápidamente los chicos se ponen a desar-

mar, mientras que reverbera en los oídos

del público los últimos beats, y las retinas

procesan la fiesta de colores de la cual

acaban de participar. Los Automátin pasan,

pero la experiencia deja su huella.

Los Automartin

Con el objetivo de hacer que lo raro se vuelva pop, los chicos de Telescuela Técnica buscan romper fronteras y crear una experiencia audiovisual que se amolde a diferentes espacios de lectura. Si Hernán Baldi fuera el Gepetto del siglo xxI, el taller en donde desde hace años se dedica a arreglar syntes analógicos y pianos eléctricos vendría a ser un lugar en donde –como Pinocho- los instrumentos cobran una nueva vida. y es que a partir de la propuesta de uno de sus clientes –Roger Delahaye- este ingeniero pudo descubrir un universo musical en algo que antes pensaba como apenas el ruido de una máquina descompuesta.

Hernán: Está buenísimo porque desde ningún planteo preparado se genera todo, incluso hasta cómo nos organizamos para trabajar.

uN CAPíTuLo APARTE Lo MERECEN LoS INSTRuMENToS

ARMADoS A PARTIR DE HERRAMIENTAS -TALES CoMo uN TALADRo-

o INCLuSo uTENSILIoS DoMéSTICoS, CoMo uNA SARTéN.

A TRAVéS DE LA CREATIVIDAD y EL INGENIo,

TELESCuELA LoGRA ASí SoNIDoS NuEVoS, QuE LE APoRTAN FRESCuRA

y oRIGINALIDAD A LAS CoMPoSICIoNES.

¿SE SIENTEN MáS AFINES A Lo MuSICAL o A Lo AuDIoVISuAL?

Roger: Creo que en el fondo estamos más cerca de lo audiovisual, que es una corr- iente que engloba las dos cosas. Obvia-mente, este perfil medio inclasificable es lo que nos permite estar más en la galería de arte, o en la instalación, que compartiendo una fecha con Babasónicos. La conjun-ción ingeniero-músico se da mucho en la música electroacústica y contemporánea, y me parece que nuestro resultado es mucho más lúdico en términos visuales.

¿CóMo EMPEZARoN A PENSAR TELESCuELA TéCNICA?

Hernán: En la relación cliente-ingeniero, él ya me pedía que le guardara archivos de sonido de aparatos que no funcionaban.

Roger: Así, un día él me mandó unos au-dios que había grabado y estaban buenísi-mos. Y pensé que con ese audio de un synte andando mal o siendo reparado se podía loopear y armar como una base. Lo hice, se la mostré y le propuse tocar jun-tos. Le dije que él podía aportar el ruido, el trabajo con el sonido puro, y yo, que soy músico, meterme más en el tema de acordes, melodía y ritmo.

¿CóMo SE ESTRuCTuRAN LoS TEMAS QuE ARMAN?

Roger: Trabajamos en tres partes: una son los sonidos que él captura con los syntes rotos, los que toco yo, que son más con-vencionales, y después están los instru-mentos que Hernán arma, principalmente con elementos domésticos. Lo que hace- mos es una base con esos ruidos, yo le pongo una estructura armónica y melódica y arriba agregamos cosas improvisadas. Yo estudié en algún momento piano, pero lo que destacamos es el tema de la impro- visación. Nosotros tocamos temas que son siempre parecidos, pero en eso es como el jazz, nunca vas a escuchar dos versiones iguales de un mismo tema tocada por la misma banda.

Hernán: Siempre nos pareció importante el hecho de no necesitar de un curador, porque si la gente no entiende lo que ha- cemos no nos sirve.

Las visuales de la banda están a cargo de VJ Rox, una chica que captó muy bien la estética del grupo y que –al igual que ellos- improvisa en vivo a través de un sen-sor que sigue la sincronía de los sonidos. De esta manera se completa el circuito para que cada presentación de Telescuela se convierta en una experiencia única.

¿Qué REGLAS SIGuEN A LA HoRA DE ToCAR EN VIVo?

Roger: Nos vamos guiando a través de la mirada, de lo que pasa con el público. Podemos hasta cambiar en el momento el orden de los temas, es muy dinámico todo.

Hernán: Por más que la estética pueda parecer la de dos tipos que están muy con-centrados haciendo algo fijo, la cuestión robot no corre adentro, sino que hacemos una versión bastante humana y artística, todo se va estructurando en el momento.

Roger: Estamos súper influenciados por Kraftwerk pero somos todo lo contrario, porque vos ves un show de ellos y es exacto lo que hacen al milímetro, suenan igual al disco.

Hernán: Nosotros somos al revés, salvo ex-cepciones no se sabe lo que va a pasar.

Telescuela Técnica

Con un nombre tomado de un parador rutero y pensando a Buenos Aires desde una mirada onírica, estos dos artistas audiovisuales crean un nuevo paisaje en la ciudad. La tarde está cayendo sobre el barrio de La Boca. La luz anaranjada del sol se posa sobre las enormes masas de edificios, dándoles una coloración especial, que durará tan solo unos minu-tos. Por la avenida Almirante Brown, autos y colectivos aportan su cuota de ruido y smog, sin saber que a unos metros del suelo dos personas encuentran en estas características un guiño para llevar a cabo su arte. Se trata de Diego Gentile y Daniel Selén, dos vecinos y amigos de toda la vida que decidieron aportar un poco de belleza y música a la urbanidad que los rodea.

Al ver verás

¿CuáNDo EMPEZó EL PRoyECTo y Qué ERA Lo QuE VENíAN

HACIENDo ANTES?

Diego: Hace mucho que veníamos gra-bando y probando distintos formatos, hasta que a principios del 2000 empezamos a pensar en este proyecto, que se materia- lizó recién siete años después. Daniel: Anteriormente tuvimos bandas, de rock, de pop, con un formato más con-vencional, pero con Al ver verás, la cosa cambió.

En el cálido departamento y con Bowie de fondo, un proyector y un synte esperan en el balcón. Es que al caer la noche los chicos tienen proyectado motorizar una in-tervención, en donde las tareas están bien divididas.

¿CóMo SE DISTRIBuyEN LoS RoLES DENTRo DEL GRuPo?

Daniel: Yo soy cantante, y eso es lo que me liga a tener un oído para escuchar y afinar. Pero creo también que el trabajo audiovi- sual demanda tener cierta relación con la música, porque lo audiovisual acá funcio-na en conjunto. Diego: él puntualmente desarrolla lo visual e interpreta lo musical, y yo com-pongo e interpreto a veces, pero colabora-

mos. También dependiendo del lugar en el que estemos el sonido puede ser estéreo, autofónico o cuadrafónico. Nos gusta in-vadir desde lo sonoro, rodeando a la gente.Daniel: Dentro de Al ver verás tenemos varios formatos: intervenciones urbanas, canciones, instalaciones. El formato can-ción es lo que por ahí se acercaría un poco más a una banda, pero en realidad no so-mos una banda en sí, aunque nos cruza-mos e involucramos con otros artistas que se vinculan al proyecto, tales como Mar-tina Fraguela, Mariana Savaso, Maxi Di Monte o Rémi Constans.

o SEA QuE AL VER VERáS CoNTIENE EN Sí A ARTISTAS DE ToDo TIPo…

Diego: Sí. Pueden ser artistas plásticos, visuales, o escultores como Juan Miceli, por ejemplo, hay una diversidad de gente que vamos incorporando. Daniel: Se va dando un vínculo, y a veces ni siquiera tienen que estar ellos pre-sentes, sino que está su obra, un instru-mento o una voz. Y pasa algo interesante, que es que todas esas personas sienten que se resignifican sus obras. En Al ver verás eso que hicieron se transforma siem-pre en otra cosa.

Las imágenes tiemblan, se mueven, se ex-panden y se contraen en la vieja estructura

del edificio de enfrente. Los colores cam-biantes transforman a esa mole de ce-mento en una fiesta para la vista.

¿PoR Qué INTERVENIR LA CIuDAD?

Daniel: uno lo que busca cuando intervie- ne es modificar un espacio determinado momentáneamente, y que quienes transi-tan por ahí se encuentren con algo que les interrumpe por un rato su rutina diaria, y poder ver a partir de ahí ese espacio de otra manera. Diego: Nosotros trabajamos desde facha-das de edificios fantásticos por su arqui-tectura hasta simples medianeras o un baldío. A mí me parece que lo que nos da la ciudad es eso, desde lo mediocre hasta las cosas más enormes y geniales. Daniel: Lo que me gusta de Buenos Aires es la forma cambiante, poco monótona, con edificios que no son iguales entre sí. Hay quienes lo ven como un caos, pero hay quienes le vemos algo que nos gusta dentro de eso. Otro concepto tiene que ver también con el acceso al arte, qué pasa cuando vas caminando y ves lo nuestro. Está bueno salir del museo, y después en-tender que eso tiene que ver con qué te pasa cuando ves una obra de arte, y que no hay que entender sino dejar que te trans-mita algo. Y en la intervención urbana buscamos eso, sin líneas, sin marcas.

Detrás de una puerta de San Telmo, negra e insípida, hay un pasillo interminable y profundo que se extiende hacia espacios intervenidos, llenos de colores y hacia una músi-ca transportadora que abandona la ciudad mundana y adentra los sentidos hacia una tercera dimensión. Esa música proviene de Mompox, un colectivo de artistas jóvenes, innovador y de melodías incansables que elevan el cuerpo hacia un mundo alternativo.

Tex t o : G i a n n i n a B e l lo n e / Fo t o : G e r a l d i n e B a ró n

¿ c ó m o f u e l a m u T a c i ó n d e l

p r i m e r d i s c o a c Ú s T i c o

” m o m p o X & T h e b i g u m b r e l l a ”

a l r e c i e n T e e l e c T r ó n i c o

“ d i s c o d e l T r i á n g u l o ” ?

Ambos en proceso fueron diferentes. uno tomó dos años hacerlo y se fue cons- truyendo cada día con una idea nueva. En el segundo disco ya teníamos una concreción de lo que queríamos antes de empezar a grabarlo, y lo hicimos en cuatro meses. Ya éramos una banda y estábamos más consolidados.La mutación del género fue una necesi-dad. Tuvimos que reorganizarnos porque se fue el integrante más musical de todos. Algunos hicieron un viaje por Europa don-de se nutrieron de la música de synthes, otros acá al mismo tiempo nos empezamos a obsesionar con la misma idea y cuando volvieron ya había una banda electrónica.

En 10 días estábamos todos revoluciona-dos. Fue muy rotundo, como un impulso. Queríamos lo mismo desde lugares dife- rentes, lo que cada uno quería hacer se nos ordenó.

¿ c u á l e s e l m e n s a J e q u e

m o m p o X T r a n s p o r T a d e s d e

s u c o m b o a u d i o v i s u a l ?

El mensaje es que cada uno que escuche entienda lo que quiera. Hacemos todo esto para no salir a la calle y levantar un panfle-to. La música es abrir tu imaginación hacia todas las gamas de la percepción. Tratamos de hacer psicodelia, fantasía. Nos gusta la música que es una ametralladora de imá- genes y de estímulos para los sentidos.

¿ c ó m o g e n e r a n u n m i c r o c l i m a

T a n p a r T i c u l a r d e s d e l o s o n o r o

y l o v i s u a l ?

un componente fundamental es la fantasía. Intentamos salir a otra realidad y crear una paralela. Hacemos música dentro de las posibilidades del arte y nos interesa generar un microclima para llegar con la mayor cantidad de elementos a la gente. El públi-co nos ayuda crear un concepto más allá de una propuesta musical. Nos dimos cuenta que captar la atención de mucha gente du-rante al menos una hora es un compromiso que tiene que asumir el artista de forma responsable. Queremos generar la idea en el espectador de que está entrando en otro mundo, no simplemente que está viendo una banda. Buscamos crear ese mundo pa-ralelo para poder vivir en él y no en el otro.

Trabajamos para hacer crecer y creemos en la gestión independi-ente. Si generamos una estructura con gente independiente haciendo cada uno lo que quiere, podemos tener más fuerza para crecer y lle-gar más lejos. Nos gusta conocer bandas nuevas y tocar con ellas. Formamos parte de lo más activo del under.

¿ q u é a p o r t a m o m p o X

a l u n d e r n a c i o n a l ?

El feedback viene siendo positivo y es una sorpresa. Fue empezar de vuelta. Cuando terminamos de grabar dijimos que a los que le gustó el primer disco no le iba a gus-tar el segundo disco y viceversa. Con el tiempo la gente se fue amigando con este segundo estilo. Habíamos decidido hacer un acústico con este segundo disco y vol-ver al momento anterior, pero el público estaba tan agitado que tuvimos que tocar con instrumentos acústicos un show movi-do: la gente quería bailar. El baile es parte del lenguaje de nuestra generación y de lo que queremos transmitir y lograr. Nos parece una acción súper linda.

¿ q u é r e p e r c u s i o n e s

T u v i e r o n d e s u ú l T i m o d i s c o

T e n i e n d oe n c u e n T a e l

c a m b i o d e g é n e r o ?

¿ T i e n e n a l g u n a l i m i t a c i ó n p o r c a n t a r e n i n g l é s ?

¿ c u a n d o l l e g a m o m p o X

c o m o b a n d a a e s T e

n u e v o m u n d o ?

Fue casual. Cuando empezamos en 2008 éramos un grupo de amantes de la música que como objetivo teníamos hacer un dis-co. Ni siquiera queríamos tener una banda o salir de gira o ganar plata, estaba más allá del imaginario. Empezamos con la idea de hacer un disco plasmando todo lo que nos gustaba, como un universo de música de la cual éramos fanáticos. Después de hacer el disco apareció la idea de organizarse como una banda formal. El principio fue una fantasía total.

La única limitación es el prejuicio, no hay una limitación real. El idioma es una elección estética. Cuando empezamos fue como realizar una fantasía musical, no una decisión consciente. Nos parece inte-resante que en Argentina pregunten tanto “¿por qué cantan en inglés?”.

Hay un odio encarnado y a la vez un fa-natismo por lo anglo de todos los tiempos. Ahora estamos traduciendo las letras con una máquina subtituladora, así la gente puede acercarse de otro modo. También es un guiño a la pregunta del por qué canta-mos en ingles y respondemos de una forma literal que agrega un costado diferente al show. Es un componente de lectura que nos salió casi sin querer.

Desde su nombre, Los Coming Soon se presentan como lo nuevo, lo urgente, lo que está por suceder. Y esa urgencia también aparece de alguna forma en “We are Family”, su disco debut. Allí, la banda nos embriaga con sus canciones breves y pegadizas donde el pulso funk y las melodías agridulces de sello europeo forman una extraña pero irresistible combinación.

Tex t o : D i e g o va le n t e / Fo t o : S a n t i a g o N ú ñ e z B o n i fa c i n o

Mientras el sol de la mañana se filtra por las ventanas de un café de Plaza Italia, Patricio Hirsch (cantante, guitarrista y compositor) y Javier otero (bajista) piden dos tés, acomo- dan sus instrumentos a un costado de la mesa y se disponen a responder estas preguntas. Sucede que están en un alto en los ensayos de su próximo disco, que entrarán a grabar en los legendarios estudios IoN un puñado de días después de terminada esta nota. Se los ve ansiosos, algo cansados pero con la tranquilidad de quien hace las cosas a su manera, sin recibir presiones ni imposiciones de ninguna clase.

Sin embargo, es notorio en su música el contraste entre

el sonido negro y las melodías de cosecha inglesa que

remiten a bandas como The Smiths

¿Cómo surge esta oposición sonora?

Desde chicos tenemos influencias de The

Smiths, Johnny Marr me encanta, es un guitar-rista increíble pero re negro por su forma de

tocar. Aunque sean una banda post punk, más allá de la etiqueta para mi tienen ese

flavor Marvin Gaye por algún lado meti-do, no sé por donde. Tal vez porque

los temas son en modo menor, mel-ancólicos, algo que también está

en nuestras canciones. Además, escapar a una influencia es

imposible, está en tu natu-raleza. Yo canto una melodía

con reminiscencias ingle-sas pero la banda esta

grooveando. Otra de las influencias de la que no puedo huir es

Cerati, aunque con-scientemente no haga

vibrato en las colitas de las vocales para no

parecerme.

En “We are family” las letras

son todas en inglés ¿Cambió

eso ahora?

El disco fue compuesto en inglés

desde el primer acorde y cantar en

español nos sonaba raro, como un chi-

cano extraño. En un momento intenta-

mos traducir las letras y era muy cómico,

estábamos acostumbrados a escucharlo

en inglés. Ahora, con los temas nuevos nos

dimos cuenta que la música está buena en el

idioma que sea aunque la cantemos en esloveno.

Es una forma de reafirmar que vivimos en Buenos

Aires y no en Chicago. Estamos queriendo redefinir

la banda, consolidar nuestra identidad y lo que que-

remos hacer.

¿Cómo se conocieron y decidieron formar el grupo?Nos conocimos porque somos familia. Javi es pareja de

mi hermana que es la tecladista y también cantante

del grupo. A su vez, los otros dos chicos son cuñados

entre sí. El contacto fue muy espontáneo, no pusi-

mos un aviso buscando músicos sino que pintó,

nos veíamos en los asados.

Hablemos del concepto sonoro de la banda…

El sonido es orgánico, desde los teclados hasta el concepto de la banda es que sea todo “tocado”. Con las nuevas composi-ciones estamos yendo más hacia un lu-gar groovero setentoso; hacer una gran zapada y luego tomar lo mejor de eso y recortar de ahí una canción, esta-mos más cerca de un audio real y viejo. De hecho, el primer disco lo hicimos en mi casa y este lo gra-baremos en ION que es un es-tudio donde pasaron muchas bandas que amamos desde que éramos chicos.

¿Es decir que para el nuevo dis-

co están profundizando el costa-

do funk de Los Coming Soon?

Estamos explorando la faceta de la improvisación, queremos hab-lar el lenguaje de la música negra sin perder de vista que las canciones sean redondas. Hoy casi todo lo que escuchamos es bossa nova, jazz o música africana. Bob Marley, James Brown, Fela Kuti. Y el origen negro de la música tiene esa cosa de swing, improvisación y groove. Terminamos pensando todos los instrumentos como si fuesen percusión, ya que vamos hacia el ritmo que es el alma de la melodía. Para mí la voz es un instrumento rítmico si bien trabajamos mucho las melodías.

Estamos con otro concepto de cual va a ser el so-nido final, eso abre mucho más la exploración. Hoy laburamos la producción del disco con toda la banda y eso genera otra dinámica. El primer disco fue más de laboratorio, este nuevo álbum está más pensado desde lo que queremos ofrecer en el show en vivo: un areglo de batería dispara un arreglo vocal. Por eso lo va-mos a grabar tocando en vivo.

Jerónimo Saer es un parisino trotamundos que sobrevuela las fronteras de Latinoamérica para expandir las culturas, mezclarlas y generar sonidos con su combinación. Es un contrabandista de ruidos cotidianos y urbanos. Inclusión social e intercambio cultural son las banderas de este activista de la música. Con una herencia argentina de alto peso artístico, por su padre Juan José, Jerónimo aterriza y se instala en Buenos Aires para trazar su propio camino y expandirlo por el interior. Bajo el brazo trae instrumentos caseros, su familia, la preparación de su segundo disco y a Globomusic: una entidad de raíz francesa destinada a la educación musi-cal con la que ya recorrió gran parte de Latinoamérica.

¿QUé PAPEL jUEGA EL INTERCAMBIO CULTURAL EN TU MúSICA?

El cruce intercultural está en todo lo que hago.

Tanto mi trabajo artístico como el de la aso-

ciación Globomusic, pasan por el intercambio

que es parte de mi identidad y de la manera

que veo el mundo. Cuando hacemos giras con

la asociación, como París toca Córdoba, vamos

con músicos, artistas plásticos y visuales e in-

vitamos a artistas locales. La idea es mezclar

la música de ambos lados en el escenario y

que se intercambie lo que se hace.

¿EL IMPULSO DE GLOBOMUSIC FUE CASUAL

O HUBO UNA PREPARACIóN

PREVIA?

Nos gustaba viajar y ver escue-

las de música locales. Impulsa-

mos la asociación en Francia y

dimos el primer paso en 2009

cuando montamos una gira con

la Alianza Francesa. Trabajamos

en escuelas por América Central

y en Argentina por Córdoba y

Rosario desarrollando talleres

de música con niños. Ser parte

de todo eso es mi manera de ver,

hacer y fusionar la música.

¿CUáL ES LA CLAVE PARA QUE TU MúSICA

SUENE ORIGINAL?

Desde que empecé a hacer

música me gustaron los objetos

y el ruido, tenía un dictaphone y

grababa cosas en el camino. En

cada lugar al que viajo hago una

colecta informal de voces y cosas

que pasan en la calle. Con eso

creo mi propio banco de soni-

dos y mezclo ambientes. Es una

forma de personalizar la música. Me gustan

los accidentes sonoros y deformar los ruidos.

La canción es un arte menor, no quiero poner-

la a un nivel estético. Recuperar desechos,

complicarme la vida y ensuciar hacen parte de

mi manera de ser y para mi tiene un sentido

detrás. Me gusta que la vida se sienta y se oiga

en la música.

AHORA QUé ESTáS VIVIENDO ACá, ¿QUé IMPLICA SER HIjO DE jUAN jOSé?

Yo quería mucho a mi padre y teníamos una

muy buena relación. Mi venida a Argen-

tina está relacionada con mi historia familiar

completa. Eso me dio ganas de volver, junto

con lo artístico. Al comienzo no quería que

se mezclaran las cosas, busqué hacer lo mío

y no comparar lo incomparable, menos mi

música con la literatura de mi padre. Presté

mucha atención a no utilizar su nombre. Con

el tiempo logré asentarme con mi música y fi-

nalmente en 2009, con Malosetti y Tremor en

La Trastienda, utilicé una poesía de mi padre

en un tema que ahora está en el álbum, esto

fue un primer paso.

Al venir no podía pedir que no me hablen de

mi padre. Ahora tengo el sentimiento de haber

hecho las cosas bien como para que no pien-

sen que usé su nombre. Me da placer haber

dado vuelta las cosas. Le digo a

los que creen que vinieron a ver

la continuación del trabajo de mi

padre, que todavía están a tiem-

po de salir. Hoy por ese camino

personal y por haber logrado

separar las cosas, acepto usar a

mi padre.

¿QUé PROYECCIóN TENéS PARA TU ESTADíA EN

ARGENTINA?

Me gustaría producir proyectos

para otros, desarrollar mi parte

de dj set e impulsar Globo-

music con los talleres. Quiero

traer el concepto de importar

París a Buenos Aires. Y tengo

un proyecto que reúne lo artís-

tico con lo personal: hacer algo

con la gente de pocos recursos

que mezcle el arte con lo social.

También voy a continuar descu-

briendo músicos con quienes trabajar.

venir a Argentina le dio más elementos a mi

música. Quiero abrir un nuevo capítulo pro-

ductivo.

Texto: Giannina Bellone / Foto: Aneta Belena

¿CóMO SENTíS LA MúSICAEN ARGENTINA?

Hay una cultura de arreglarse con lo que se

puede. En Francia si no hay alternativas al al-

cance no se puede hacer nada. Acá hay una

manera particular de combinar y encontrar

ideas para poder salir adelante. En la crisis vi

cosas que se hacían con lo que se podía, eso

me impactó mucho. Hay ideas más originales

de lo que puede haber en Europa. Mucha ex-

perimentación de gente que trata de hacer algo

personal y original sin importar si gusta o no.

Vestido_ Grupo 134 Zapatos_ Céntrico para VicentiniPulseras_ María Vazquez

Camisa Rayada_ Felix Pantalón_ Grupo 134 Sandalia_ Céntrico Cinturón_ Grupo 134

Remera, Pantalón & Botas_ AdidasCampera_ Nike Blazer_ Grupo 134

Calza & Chomba_ Adidas

Short_ NikeCamisa_ Grupo 134

Campera & Zapatillas_ Adidas

Pantalón Rayado_ Lupe Top_ Nike Campera_ Adidas Zapatos_ Mishka

Blazer & Camisa_ Lupe Calzas_ Adidas

El disco debut de este sexteto del norte de Buenos Aires puede ser el Soundtrack de tus pensamientos oscuros. Los Poroto tienen la habilidad de cantar sensualmente al oído “sos una mierda”. Su fórmula mágica agita desde la risa hasta los pies, en una imperdible combinación de clasicismo, ironía y vulgaridad. Synths, melancolía, tango, baile, cumbia y sincericidio brutal: una receta original para deleitar los oídos.

The debut album of this band from the north of Bue-nos Aires can perfectly be the Soundtrack of the dark thoughts. The Poroto have the skill of singing sensually “you are a shit”. Their magic formula shakes from the laugh to the feet, an original combination of classicism, irony and vulgarity. Synthesizers, melancholy, tango, dance, cumbia and honesty: an original receipt to de-light the ears.

p o r o T o s u p r e m o T r o p i c a l s o s p e c h o s o

Sutileza. Mundos acuáticos y estelares chocan en el segundo disco de Paula García que sumerge las sensa-ciones hacia las profundidades del placer sonoro. Sin-tetizadores, voces suaves, guitarras acústicas y pianos de fondo convergen en melodías espaciales que incitan a la relajación. Dream Pop, Chilwave, Ambient e inter-galáctico. La compositora chaqueña invita con 1859 a una escucha incansable y sideral.

Subtly. Aquatics and stellar worlds crashed in the sec-ond album of Paula García that immerses the sensations to the deep of the pleasure sound. Synthesizers, softly voices, acoustic guitars and pianos in the background converge in space melodies that incite to relax. Dream Pop, Chilwave, Ambient and intergalactic. The song-writer invites with 1859 to a tireless and sidereal lis-tening.

s o b r e n a d a r 1 8 5 9

Treinta y dos minutos, y una bocanada de melodías fres-cas del sur viajan hasta los oídos para convertirse en dulces canciones. Entre guitarras sutiles, los aires de la ciudad se asoman con sonidos distorsionados que ensu-cian la quietud. De Neuquén a Buenos Aires, ATH of-rece un puñado de canciones misteriosas pero no menos encantadoras.

Thirty two minutes and a breath of fresh melodies from the south travel right to the ears to turn into sweet songs. Between soft guitars, the air from the city appears with distorted sounds that break the calm. From Neuquén to Buenos Aires, Atrás Hay Truenos offers a little bit of mysterious and charming songs.

a T r á s h a y T r u e n o s

r o m a n z a

Humano. Así es el quinto disco de Diego Billordo. Luego de una década de canciones temperamentales, el líder de la autogestión reaparece para ofrecer un disco desenfadado y translúcido. Fiel al estilo del músico platense, las diez canciones adhesivas de #BuENO atraviesan desde la ironía hasta la urbanidad. una etapa más madura y fresca, digna de escuchar.

The fifth album of Diego Billordo is tenderer. After a decade of temperamental songs, the leader of the indie music reappears to offer a smooth and translucent al-bum. Like they used to, the ten catchy songs of #BuE-NO cross from the irony to the urban topics. A mature and fresh phase from the musician of La Plata, worthy to be listen.

d i e g o b i l l o r d o# b u e n o

Cabalgante. La reserva de los lieros es un play hacia ambientes abiertos, naranjas y empolvados, sacudidos por una música mística. El tercer disco de esta banda de Buenos Aires desconcierta por su creatividad e invita a un paseo por un western psicodélico y vibrante. Sinteti-zadores y percusiones hipnóticas, canciones himno. un disco experimental que abre sonidos y sentidos.

An album to be ride. La reserva de los lieros it’s push-ing play to open, oranges and dusty landscapes, shook by a mystic music. The third album of this band from Buenos Aires disconcert for it creativity and invites to a ride for a psychedelic and vibrant western. Synthesizers and percussion that generates hypnosis; anthem songs. An experimental album that open sounds and senses. 

e l f e s T i v a l d e l o s v i a J e s

l a r e s e r v a d e l o s l i e r o s

Gentil. Todos los sábados del mundo puede ser un disco de ruta o un disco melancolía. valentín y los volcanes contraataca desde La Plata con su segundo álbum, re-ciclando la conveniente fórmula indie folk. Como en un fin de semana, la alegría por las cosas simples se corea en melodías pegadizas, evocando días felices y juven-tud. Música fresca y agradable para disfrutar bajo el sol.

Gentle. Todos los sábados del mundo can be an album to listen on a road tripp or a melancholy album. valentín y Los volcanes strikes again from La Plata recycling the convenient indie folk formule. Like in a weekend the joy for the simple things is singed in contagious melodies, evoking happy days and the youth. Fresh and nice mu-sic to enjoy under the sun.

v a l e n T í n y l o s v o l c a n e s

T o d o s l o s s á b a d o s d e l m u n d o

Texto: Giannina Bellone

Excursiones es una editorial independiente dedicada al ensayo latinoamericano contem-poráneo. Con una fuerte apuesta estética, los libros están acompañados por la obra de un artista plástico, también contemporáneo. No leer es su primer libro que, con arte de Hernán Salamanco, reúne crónicas y ensa- yos literarios breves publicados por el escri-tor chileno Alejandro Zambra en diferentes diarios, suplementos y revistas a lo largo de diez años. Sus experiencias de lectura se mezclan con la de una generación que nació durante o después de la dictadura militar, que empezó leyendo en fotocopias a autores consagrados para luego ir descubriendo una voz y tradición propias. una generación sin

manifiestos que construye su historia, como dice el autor, desde la falla: “Quizás narra-mos para confirmar esa derrota de la ficción. Para demostrar que la ficción no basta, no alcanza. Que sólo sirve para interrumpir la vida durante el tiempo de la lectura”.

www.editorialexcursiones.com

n o l e e r . e d i T o r i a l

e X c u r s i o n e sEntre lo real y lo imaginario, lo individual y lo colectivo, lo lúdico y lo formal. Siete per-sonajes construyen sus relatos personales en el intercambio de la terapia de grupo. una narrativa abierta en la que el público puede elaborar su propio relato o confundirse con el ajeno. Los encuentros no son guionados. Personajes y público se mezclan en la en-trada sentándose todos juntos en la ronda que conforma el espacio escénico de la obra. Mediante el juego, el absurdo y la práctica teatral Proyecto Híbridos consiguió encon-trar un modo original de abarcar temáticas sociales y elaborar reflexiones de manera colectiva. un espacio híbrido donde realidad y representación son habitualmente confun-didos creando momentos que acarician lo surreal. Idea y dirección: Bárbara Echeva- rría. Coordinación de actores: Diana Darú. Coordinación de escritores: Sol Echevarría.

www.proyectohibridos.com

p r o y e c T o h í b r i d o s

Nació del profundo deseo de contemplar el arte con el objetivo de preservar esas obras que anhelamos atesorar cerca, aquellas en-contradas en una pequeña galería o en un callejón anónimo. La intención es clara: di-vulgar las nuevas expresiones artísticas de los jóvenes talentos que aún permanecen a un costado de las corrientes principales del arte. Para su primer producción Jellyfish presentó al trio de artistas brasileros Bici-cleta Sem Freio (Bicicleta Sin Freno), con el afán de derribar los límites geográficos y culturales. una edición de 72 páginas a todo color con poster de regalo. Imperdible.

www.jellyfish-books.com

J e l l y f i s h e d i t o r i a l

El propósito de este espacio de taller es ana- lizar la obra utilizando las palabras como herramientas de acceso y comunicabilidad. Se trabaja con ejercicios de entrenamiento para agilizar-aflojar-desenmarañar la es-critura. Todos los ejercicios se ajustan a las búsquedas y líneas estéticas de cada artista.  La propuesta es que el espacio funcione como un Menú a la carta, donde cada uno de los asistentes va señalando los pasos a seguir y sus intereses y/o necesidades personales respecto de la escritura y la obra con la que trabaja. Dictado por Josefina Zuain.

+ info: blankjosefinazuain@gmail.com

T a l l e r d e a n á l i s i s

d e o b r a a t r a v é s d e l a

e s c r i t u r a