DEUX POINTS IMPORTANTS A RETENIR A PROPOS DE LA RENAISSANCE :

- La Renaissance marque une inversion du regard entre l’humain et le divin. Auparavant, c’est le point de vue de Dieu qui prédomine, il écrase les hommes se son autorité. A la Renaissance, on attache beaucoup plus d’importance à l’humain, c’est lui qui regarde Dieu, son point de vue prend une grande importance. La représentation de l’espace en est le témoin : la perspective s’appuie sur le point de vue de l’homme. Dieu est désormais en chaque être humain, donc s’intéresser à l’humain, à son corps et à sa représentation, est aussi une façon de vénérer le divin.

la création de l’homme, Michel-Ange, détail de la chapelle-Sixtine

- Une autre des grandes caractéristiques à retenir est la référence à l’Antiquité gréco-romaine (qui précède le Moyen-Âge) avec une volonté de Beau Idéal. C’est pourquoi cette période s’appelle « re-naissance », il s’agit de faire renaître les grands principes de l’Antiquité. L’un de ces grands principes, par exemple, est : « le Beau = le Bon ». Les corps sont traités comme des statues grecques, avec une recherche d’harmonie, d’équilibre du poids du corps (contrapposto).

l’homme de Vitruve, 1492 (étude des proportions du corps humain selon Vitruve)

La Bataille de San Romano, Uccello : REPRESENTATION DE L’ESPACE

Paolo Uccello peint trois panneaux sur le thème de la bataille de San Romano qui a opposé en 1432 les Florentins aux Siennois.

MOUVEMENT ET DECOMPOSITION Dans le panneau du Louvre, la recherche sur l'expression du mouvement est essentielle. Les lances indiquent le sens du combat, de droite à gauche ; les quatre chevaux du premier plan décomposent le mouvement par le positionnement de leurs jambes, et par le traitement de leurs corps qui va en se dilatant ; les étendards claquent au vent ; les pastilles d'or et les armures autrefois recouvertes d'une feuille d'argent accrochent la lumière.

RACCOURCIS ET VOLUMESUccello était obsédé par le problème de la perspective, ce qui se traduit par des formes réduites à leur volume, des raccourcis et par la représentation des volumes « en 3D », véritable exercice de virtuosité pour les peintres. Cette recherche sur les formes géométrisées et presque abstraites ont séduit les surréalistes et les cubistes.

Saint Sébastien, Mantegna : LA REFERENCE A LA GRECE ANTIQUE

Au XVe siècle, sont fréquentes les représentations du martyre de saint Sébastien, ce saint légendaire protecteur de la peste.

LE CORPS COMME UNE STATUELe traitement sculptural du corps du saint, l'adoption d'un système de proportions, et d'une attitude déhanchée évoquent la statuaire grecque de l'époque classique.

LE BEAU IDEALLe corps idéalement beau de celui qui connaît Dieu s'oppose aux visages particulièrement laids des bourreaux qui apparaissent dans le coin inférieur droit, comme coupés par le cadre. Saint Sébastien est attaché à une colonne aux cannelures soigneusement décrites et au chapiteau composite.

La ville qui apparaît au loin est composée de constructions antiques sur un fond de paysage métaphorique. Le saint transpercé de flèches a pris la place de l'idole brisée dont il ne reste que le pied, et auprès du socle pousse un figuier, symbole de l'Église d'après saint Grégoire.

Saint Jean-Baptiste, Léonard : LA LUMIERE

Saint Jean-Baptiste, l'Annonciateur, le Précurseur est aussi " Celui qui vient à la Lumière" . Chez Léonard de Vinci, la trouvaille du geste, l'index pointé vers le ciel, le corps en spirale et l'émergence dans la lumière traduisent parfaitement le thème. C'est la " juste répartition des lumières " qui permet de donner à la figure son volume sculptural et qui exprime les passages insensibles entre le fond et la forme.

Le modelé : LA LUMIERE DESSINE LES VOLUMESLe sfumato "qui noie les contours dans une vapeur légère" est ici illustré magistralement, c’est une technique inventée par Léonard de Vinci. Le corps "tourne" grâce à l'utilisation de la lumière. Le fait qu’il y ait très peu de couleurs appuie les effets lumineux. Le visage de saint Jean-Baptiste, au doux sourire, oscille entre féminin et masculin, conformément à l'identification du Précurseur et du Nouvel Adam qui, au jour de la Création, portait en lui la double nature.

LUMIERE DIVINE, LUMIERE HUMANISTELa quête de beauté idéale de Léonard passe également par l'utilisation de la lumière. Depuis Platon, et reprise dans les Écrits de Saint Augustin, la lumière est au service du Beau et du Bien. Marsile Ficin reprend à la fois les idées de Platon et de Saint Augustin, et Léonard de Vinci s'attachera à les traduire dans ses oeuvres.

Léonard de Vinci incarne l’humanisme : chez lui « la lumière » signifie « la spiritualité » (le divin), mais aussi la lumière du savoir, de la connaissance universelle (dans tous les domaines !). C’est tout un nouveau rapport au divin qui s’installe : la lumière ne vient plus seulement d’en haut, elle vient de l’homme aussi.

Les Noces de Cana, Véronèse : LA PERSPECTIVE, LE POINT DE VUE

Cette toile immense exécutée par Véronèse entre 1562 et 1563 devait orner le mur du fond du réfectoire du couvent bénédictin de l'église de San Giorgio Maggiore de Venise. Le thème des Noces de Cana, tiré de l'Évangile de Jean, se prête admirablement au lieu.

PERSPECTIVE ET LIGNES DE FUITELe point central de l’œuvre est la figure du Christ, en rouge et bleu, parfaitement situé en plein cœur de la composition. Ce point central est en même temps le point de fuite de toutes les lignes qui constituent la perspective.

LE RELIGIEUX ET LE TERRESTREPlutôt que de reprendre fidèlement le texte évangélique, Véronèse transforme la scène en un festin somptueux évoquant le faste de Venise.

Le tableau est profondément religieux. La composition en est la démonstration. La médiane verticale traverse le corps du Christ ; la médiane horizontale se situe sur la balustrade : au-dessus du Christ, le thème de l'Eucharistie à travers l'agneau et au-dessous du Christ, le destin de l'homme à travers le sablier posé sur la table et le chien qui ronge l'os, symbole de mort. Cet épisode de la bible raconte transformation de l’eau en vin.

Malgré la dimension religieuse du tableau, Véronèse choisit de mépriser l’aspect miraculeux de la scène. Il représente le banquet, et même si c’est une scène religieuse, c’est avant tout une scène humanisée, dont la dimension physique est appuyée. Les femmes sont superbement vêtues et parées de bijoux, il y a un exotisme de certains personnages enturbannés.