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Europe: €25 - Niger ia : N 11 ,000 - USA: $30 – UK: £ 25

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SOMMAIRE

001 Editorial Edito

IAM NIGERIA004 Setting the pace for the future Tracer la voie pour l'avenir

006 The pioneers Les pionnières008 They did not believe women could do art Ils ne pensaient pas les femmes capables d'être artistes

014 The pillars Les piliers016 Between tension and strength, the art of Sokari Douglas Camp Entre tension et force, l'art de Sokari Douglas Camp019 Ndidi Dike, tracing the injustices of migratory displacement and marginalization Ndidi Dike, explorer les injustices des migrations et de la marginalisation022 Otobong Nkanga, mapping a world of relations Otobong Nkanga, cartographier un monde de relations026 Odun Orimolade, exploring the in-between Odun Orimolade, explorer l'entre-deux028 Adejoke Tugbiyele, toward transformation and freedom Adojoke Tugbiyele, vers la transformation et la liberté030 Collage of contrasting plural identities: Marcia Kure brings the invisible to the surface Coller pour opposer des identités plurielles : Marcia Kure fait émerger l'invisible032 Peju Alatise, the necessity of dreams Peju Alatise, la nécessité des rêves034 Nenna Okore, between fragility and potency: a world of sculptural transformation Nenna Okore, entre force et fragilité : un monde de transformation sculpturale

037 The mediators Les médiatrices038 Bisi Silva, establishing critical thinking in art practice in Nigeria Bisi Silva, introduire la pensée critique dans la pratique de l'art au Nigeria042 Peju Layiwola, beyond the boundaries of academia Peju Layiwola, au-delà des frontières académiques044 Bolanle Austen-Peters, celebrating Nigerian "Kulture" Bolanle Austen-Peters, célébrer la « kulture » nigériane

TABLE OF CONTENTSSOMMAIRE

IAM#03NIGERIA

046 Kavita Chellaram, a champion of the African art market Kavita Chellaram, une ambassadrice du marché de l'art africain048 Sandra Mbanefo Obiago, redefining spaces for art encounters Sandra Mbanefo Obiago, redéfinir les lieux de rencontre avec l'art050 Ugoma Adegoke, for the love of art Ugoma Adegoke, pour l'amour de l'art

052 The new scene La nouvelle scène054 Women in time: looking at Fadugba, Idahor and Emefiele Femmes au fil du temps : regard sur Fadugba, Idahor et Emefiele058 Nkiruka Oparah, the digital self Nkiruka Oparah, le moi numérique060 May Okafor, metaphor as mirror in a critique of unreason May Okafor, la métaphore comme miroir pour une critique de la déraison062 Nengi Omuku and Yadichinma Ukoha-Kalu, the act of becoming Nengi Omuku et Yadichinma Ukoha-Kalu, l'art de devenir064 Meet three of Nigeria's new art scene "architects" Rencontre avec trois « architectes » de la nouvelles scène artistique nigériane066 A thirst for expression Une soif de s'exprimer

076 Crossing paths Regards croisés078 Olu Amoda and the women of steel Olu Amoda et les femmes d'acier080 Victor Ehikhamenor's cardinal women Les femmes cardinales de Victor Ehikhamenor082 Ayoola Gbolahan and the blue woman Ayoola Gbolahan et la femme bleue084 Uthman Wahaab, celebration of flesh Uthman Wahaab et la chair célébrée

TABLE OF CONTENTS

086 Àsìkò, re[dress]ing the beauty balance Àsìkò, redresser l'équilibre de la beauté

088 Places of art Lieux d'art

FASHION AND DESIGN NIGERIA MODE ET DESIGN NIGERIA096 An innate sense of style Un sens inné du style098 Nigerian fashion: history in the making La mode nigériane : une histoire en cours104 Alára, Lagos’ home of design Alára, la demeure du design de Lagos106 Maki Oh and the art of fashion Maki Oh et l'art de la mode108 Grey Projects, I'm every woman Grey Projects, je suis toutes les femmes112 Lisa Folawiyo, on reinventing wax print Lisa Folawiyo ou le wax réinventé114 I.AM.ISIGO | Dear Vlisco I.AM.ISIGO | Cher Vlisco124 The Nigerian menswear renaissance La renaissance de la mode masculine nigériane128 Spotlight on three designers with distinct visions Pleins feux sur trois stylistes et trois visions de la mode130 Ada Umeofia, out of this world Ada Umeofia, d’une autre planète131 Àga Concept, less is more Àga Concept, élégance de la concision

IAM DANS LE MONDE | IAM IN THE WORLD132 Reflecting on an off-trend dynamic Reflets d'une dynamique hors tendance

134 William Okpo, it takes two William Okpo, à deux c'est mieux138 Tsemaye Binitie & Washington Roberts, like minds Tsemaye Binitie & Washington Roberts, frères de coeur140 Pop Caven, sister act Pop Caven, sister act142 Banke Kuku, modern traditions Banke Kuku, traditions modernes144 Yemi Awosile, textile in(ter)ventions Yemi Awosile, in(ter)ventions textiles146 Interpreting portraiture Lire le portrait146 Nadine Ijewere, the portrait as affirmation Nadine Ijewere, le portrait comme affirmation148 Charlotte Yonga, the portrait as vibration Charlotte Yonga, le portrait comme vibration150 Between the lines Entre les lignes154 Is it right to say art demands the right to freedom? Or is it a misunderstanding? L'art ordonne son droit à la liberté, est-ce un malentendu?158 Tabita Rezaire, a post-internet artist in the Afro cyber resistance Tabita Rezaire, artiste post-internet et afro cyber résistante162 Contemporary art supporting the world L'art contemporain au chevet du monde166 Truth or some other abstraction La vérité ou toute autre abstraction

170 PUBLICATIONS

172 AGENDA

176 RÉDACTION | MASTHEAD

I . A M . I S I G O , D E A R V L I S C O P R O J E C T | P R O J E T C H E R V L I S C O , 20 17. © L A K I N O G U N B A N W O

N E N G I O M U K U , I N WA N D E R , 20 1 5 . O I L O N C A N VA S | H U I L E S U R TO I L E , 1 . 4X 1 M . C O U R T E S Y T H E A R T I S T

H É L A A M M A R , O D A L I S Q U E I , 20 12 . C O U R T E S Y T H E A R T I S T

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P E J U A L A T I S E

Alatise is one of Nigeria’s leading contemporary artists. Her work was part of the inaugural Nigerian Pavilion at the 2017 Venice Biennale, the preeminent global art event. She is a Smithsonian Museum Fellow and her work is widely collected.

Peju Alatise fait partie des artistes contemporains les plus reconnus du Nigéria. En 2017, son travail a fait partie de l’exposition du premier pavillon nigérian à la Biennale de Venise, événement international majeur du monde de l’art. Boursière du Smithsonian Museum, ses œuvres sont présentes dans un grand nombre de collections.

While Alatise is renowned for her sculptures, which often employ textiles and relief, she considers herself a storyteller first, drawing inspiration from her vivid dreams. Flying Girls comprises life-size sculptures of girls with wings sprouting from their shoulder blades, surrounded by over a thousand butterflies and birds, forming “a moonlit world of escapism. Escapism from the thingification and sexualisation of little girls.” In a novel accompanying the work, staccato sentences weave philosophy through the tale of Sim, a nine-year-old housemaid who escapes daily drudgery and exploitation in her immersive dream life.

When Alatise first exhibited the piece in Nigeria, she said, “There were these men who immediately sexualised my sculptures, pinching their tiny breasts and cupping their buttocks.” It is a tragedy of apt work that investigating the layers of suffering that underlie social ills does nothing in itself to change them. Alatise spent three years making her intricate installation in response to the abuse of young girls in Nigeria, only to have her sculptures themselves molested.

Flight can be read in the sense of fleeing something—in this case quotidian abuse—but flight is also a mystical motion, a liberating action. “The first day she learned to fly Sewa had said to her to let go,” Alatise wrote, “She lifted off the ground and tumbled over. Sim laughed and said to her to learn to control her movements by knowing what to want.” The assumed dichotomy between running from and running toward is perhaps false. With luck, we begin running from something, then catch a glimpse of magic and chase it. Soon pursuit and escape are replaced by the dazzle of flight.

Alatise is no stranger to sexism, racism, and other obstructions in the art world. She has seen wide commercial success for her work, and yet never stops being labelled by her gender, and she wonders what her works would earn fetch if she were male. Curators and artists she has surveyed agree it would undoubtedly be more.

In Venice, one attendee doubted that she was the author of her work. “You are being told you are not good enough for the work you produced,” she said, “as if this could only have been done by fairy

Si Alatise est renommée pour ses sculptures, souvent réalisées à partir de textiles et de matériaux de récupération, elle se considère avant tout comme une conteuse, tirant son inspiration de la matière vivante de ses rêves. Flying Girls offre au regard plusieurs sculptures de jeunes filles à taille humaine, de grandes ailes noires dans le dos, entourées de centaines de papillons et d’oiseaux, formant « un cercle d’évasion au clair de lune. Une évasion loin de la chosification et de la sexualisation des petites filles ». Dans le roman qui accompagne son œuvre, des phrases saccadées tissent une réflexion philosophique à travers le récit du destin de Sim, une fillette de neuf ans employée comme domestique qui échappe à ses corvées et à son exploitation quotidiennes en s’immergeant dans une vie rêvée.

Lorsqu’elle a exposé cette œuvre pour la première fois au Nigéria, Alatise a confié : « Il y a tout de suite eu des hommes pour sexualiser mes sculptures, pincer leur petite poitrine et poser les mains sur leurs fesses ». Il est tragique qu’un travail qui interroge précisément les souffrances qui sous-tendent les maux de la société ne puisse rien faire pour les changer. L’artiste a passé trois ans à créer son installation complexe en réponse aux abus subis par les jeunes filles au Nigéria, pour finalement voir ses sculptures elles-mêmes agressées.

Le vol peut être compris comme une fuite – dans ce cas, pour échapper aux abus quotidiens – mais le vol est également un geste mystique, une action libératrice. « Le jour où elle a commencé à apprendre à voler, Sewa lui a dit de la laisser partir » écrit Alatise, « Elle s’est élevée au-dessus du sol, avant de retomber bien vite. Sim a ri et lui a dit d’apprendre à contrôler ses mouvements en sachant bien quel était son but ». La dichotomie supposée entre fuir quelque chose et s’élancer vers quelque chose n’a peut-être pas de fondement. Avec un peu de chance, on commence par fuir quelque chose jusqu’à ce qu’on rencontre la magie et qu’on la poursuive. Alors la quête et l’évasion cèdent la place à l’éblouissement du vol.

Le sexisme, le racisme et les autres obstacles dans le monde de l’art ne sont pas étrangers à Alatise. Son travail connaît un large succès commercial, et pourtant elle n’a jamais cessé d’être d’abord étiquetée en tant que femme et elle se demande ce que ses œuvres rapporteraient

tale people.” With a catalogue of such challenges, Alatise sometimes wonders why she not only stays, but builds in Nigeria. She blames a “messiah complex” for her latest dreamscape: a seafront artist residency. A trained architect, Alatise designed and funded Nigeria’s first artist-built space for the arts. The Alter-Native Residency has spacious gallery and studio spaces, residential suites, a loft library, and soon a hammock will suspend above the pool. It is fantastical but very real: solid concrete and floor to ceiling windows. It seems Alatise, like Sim, has tapped into the secret of flight: “Whatever she wanted she had, but she must remember to want.”

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si elle était un homme. Indubitablement plus, d’après les curateurs et les artistes qu’elle a interrogés.

À Venise, l’un des participants a douté qu’elle soit l’auteur de son œuvre. « Vous vous entendez dire que vous n’êtes pas assez bien pour l’œuvre que vous avez créée » a-t-elle déclaré, « comme si elle n’avait pu être façonnée que par les personnages d’un conte de fées ». Face à autant de défis, Alatise se demande parfois non seulement pourquoi elle reste au Nigéria, mais pourquoi elle y construit. Elle s’accuse d’un « complexe messianique » en parlant de son dernier paysage de rêve : une résidence d’artistes au bord de la mer. En tant qu’architecte professionnelle, Alatise a conçu et financé le premier espace construit par un artiste et dédié aux arts au Nigéria. La Résidence Alter-Native comprend une galerie et des ateliers spacieux, des suites résidentielles, une vaste bibliothèque, et bientôt un hamac suspendu au-dessus de la piscine. Fantastique, mais très réel : béton solide et fenêtres du sol au plafond. Il semble que l’artiste, comme Sim, a compris le secret du vol : « Quoiqu’elle veuille, elle devait se souvenir de vouloir ».

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IAM N I G E R I A | T H E P I L L A R S IAM N I G E R I A | L E S P I L I E R S

P E J U A L AT I S E , F LY I N G G I R L S , 20 1 6 . G R A N I T E C A S T S , P L A S T E R C A S T S , W R O U G H T I R O N , T E X T I L E S | C O U L É E S D E G R A N I T, M O U L E S D E P L ÂT R E S , F E R F O R G É , T E X T I L E S . L I F E S I Z E | G R A N D E U R N AT U R E . C O U R T E S Y T H E A R T I S T A N D ‘ N I G E R I A I N V E N I C E ’. © B E N S O N I B E A B U C H I

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T HE NECES SI T Y O F D RE A M S | L A NÉCES SI T É D ES RÊ V ES

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N K I R U K A O P A R A H T HE D I G I TA L SEL F | L E MO I N UMÉR I Q U E

The figures in Nkiruka Oparah’s collages are always anonymous. With their eyes covered or faces painted with digital brushstrokes, we are never privy to who she depicts. While the medium of photography inherently provides a document of evidence, Oparah withholds information, creating mystery. The images shield what we attempt to see, never revealing the full story.

Such an elusive portrayal is symptomatic of our digital age, wherein identities are often stolen, manipulated and forged. Oparah’s collages address the fluidity and malleability of representation in a post-Internet world, where the self is fragmented and influenced by a variety of visual codes.

Oparah combines imagery from popular Internet search engines, microblogging and image-hosting sites, including Google, Tumblr and Flickr, with self-portraits and photographs from her personal archives. The result is a collection of bright, colourful assemblages that layer diverse references. The subjects in these collages are often black women, whose individuality Oparah conceals by overlaying their portraits with images of plants and leaves composed in manners part fashion, part still life, thus thwarting identification by the viewer while “blinding” the figures on display.

In Precursor to a New Dream, Oparah procures a black and white portrait of a woman whose features she carefully obscures by the superimposition of a replica of the photograph, this time layered and upside-down. The viewer is offered an overload of information in

Dans les collages de Nkiruka Oparah, les visages sont toujours anonymes. Les yeux couverts ou les traits masqués par des coups de pinceau numériques ne nous permettent jamais de voir qui elle représente. Alors que le support photographique constitue par nature un document de preuve, Oparah cache une partie de l’information pour créer du mystère. Les images protègent ce que nous essayons de voir, ne révélant jamais toute l’histoire.

Cette représentation insaisissable est symptoma-tique de notre époque numérique, où les identités sont souvent volées, manipulées et falsifiées. Les collages d'Oparah parlent de la fluidité et de la malléabilité de la représentation dans un monde post-Internet, où le moi est fragmenté et influencé par toute une variété de codes visuels.

Oparah combine l’imagerie populaire des moteurs de recherche et des plateformes de micro-blogging et d’hébergement de photos, parmi lesquels Google, Tumblr et Flickr, avec des autoportraits et des photos issus de ses archives personnelles. Le résultat est une série d’assemblages lumineux et colorés qui superposent des références diverses. Les sujets de ses collages sont souvent des femmes noires, dont Oparah dissimule les caractères individuels en recouvrant leur portrait d’images de plantes et de feuilles dont la composition évoque à la fois la mode et la nature morte, empêchant ainsi toute identification par le spectateur, tout en « aveuglant » les visages représentés.

Dans Precursor to a New Dream, Oparah crée un portrait en noir et blanc représentant une femme

« La photographie est un puissant outil sociologique. Elle peut dissimuler autant qu’elle révèle selon qui tient l’objectif et/ou qui

la regarde. »

IAM NIGERIA | THE NEW SCENE

the invitation to see the same image in different tones and from different perspectives. “Photography is a powerful sociological tool. It can hide as much as it reveals, depending on who’s holding the lens and/or who’s doing the gazing,” says Oparah. In recontextualizing these images, Oparah suggests an “unthinking” of photography while challenging traditional representations of the black body.

Oparah further disrupts the photographs by adding abstract graphic elements, often created using computer-generated content. In Precursor to a New Dream, the overlap of the images is broken by a colour grid of a dysfunctional electronic screen, bringing to mind a technical glitch or machine error involving lost or destroyed pixels. Oparah reminds us that our identities are intimately connected to the technologies of our digital world, and reliant on its capabilities as well as its imperfections.

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dont les traits sont soigneusement masqués par la superposition d’une réplique de la photo, partiellement recouverte et disposée à l’envers. Le spectateur reçoit un excès d’informations en même temps qu’une invitation à voir l’image dans différentes tonalités et de différents points de vue. « La photographie est un puissant outil sociologique. Elle peut dissimuler autant qu’elle révèle selon qui tient l’objectif et/ou qui la regarde » explique Oparah. En recontextualisant ces images, Oparah nous prive de penser la photographie selon les codes visuels habituels et, ce faisant, défie les représentations traditionnelles du corps noir.

Oparah trouble aussi les photographies en ajoutant des éléments graphiques abstraits, souvent créés par ordinateur. Dans Precursor to a New Dream, le chevauchement des images est rompu par les lignes floues d’un écran électronique dysfonctionnel, évoquant l’erreur technique ou la panne matérielle qui se traduit par la perte ou la destruction de pixels. Oparah nous rappelle que nos identités sont intimement liées aux technologies de notre monde numérique et dépendent de ses capacités comme de ses imperfections.

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“Photography is a powerful sociological tool. It can hide as much as it reveals, depending on who’s holding the lens and/or

who’s doing the gazing.”

IAM NIGERIA | L A NOUVELLE SCÈNE

N K I R U K A O PA R A H © N K I R U K A O PA R A H

N K I R U K A O PA R A H , T E M P O R A R Y S E L F-P O R T R A I T S T U DY N . 03 1 8 1 4 , 20 1 4 . D I M S . VA R I A B L E | D I M . VA R I A B L E S . C O U R T E S Y T H E A R T I S T

N K I R U K A O PA R A H , P R E C U R S O R TO A N E W D R E A M , 20 1 4 . D I M S . VA R I A B L E | D I M .VA R I A B L E S . C O U R T E S Y T H E A R T I S T

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IAM NIGERIA | U N E S O I F D E S 'E X P R I M E R IAM NIGERIA | A T H I R S T F O R E X P R E S S I O N

J E N E V I E V E A K E N , S E R I E S M O N A N K I M , 20 17. P R I N T O N D I B O N D | I M P R E S S I O N S U R D I B O N D, 67 X 1 0 0 C M . C O U R T E S Y T H E A R T I S T J E N E V I E V E A K E N , S E R I E S M O N A N K I M , 20 17. P R I N T O N D I B O N D | I M P R E S S I O N S U R D I B O N D, 67 X 1 0 0 C M . C O U R T E S Y T H E A R T I S T

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O L U A M O D AA ND T HE WOMEN O F S T EEL | E T L ES FE M MES D ’ACIER

Born in 1959 in Warri, Nigeria, and raised in a family with a strong female presence, Amoda would go on to earn a degree in sculpture from the Auchi School of Art and receive a Master of Fine Arts from Georgia Southern University (USA).

Olu Amoda's female subjects have appeared in various guises over the course of his illustrious career. Traces of this persistent concern also appear in his abstracted explorations and underlie his matters of discourse. The emerging iconography of the circular form in his recent work relates to ideas of existentialism as an offshoot of feminine influence, though his varied use of these images and symbols revolve around differing social narratives. The practical process of navigating the circle in the aspiration for perfection hints at his subject of engagement, a clue that reveals itself on recalling the archetypal female symbolism of the curve and circle. The question of the male gaze always arises in analyses of male artists’ repeated expressions of the female subject. An alternative approach to examining these repeated exercises would be to view them as a negotiation of, and inquiry into, the morphing perspectives on the female physionomy and other constants. In this practical view, the physical outcome could be seen as evidence of the cerebral effort to express material facts with imperfect instruments, namely the artist’s hands and his memory.

It is possible to misinterpret Amoda's ceaseless yet evolving engagement of the female subject as a form of exoticism of the feminine mystique, in which we are drawn to something elusive in the other that we do not have ourselves, and what is expressed are attempts to define the “other”; in other words, using the female body as a means to explore what might be perceived as intimidating yet essential. But Amoda's expressions of the female subject are forceful and clearly defined, and show no sign of weakness. This interpretation is affirmed by the metaphorical suggestions of strength and perseverance in his use of steel and other hard materials. The resistance to malleability of these materials are also expressions of character, and his manner of employing these materials relate to the repeated attempts to mould the female subjects.

Né en 1959 à Warri, au Nigeria, et élevé dans un cercle familial très féminin, Amoda obtient un diplôme en sculpture de l’École des Beaux-arts d’Auchi, puis une maîtrise en Beaux-arts de la Georgia Southern University, aux États-Unis.

Le sujet féminin se manifeste sous différentes formes au cours de la brillante carrière d’Olu Amoda. Des traces de cet intérêt continu sont également visibles dans son exploration de l’art abstrait et sous-tendent son discours. L’émergence de l’iconographie de la forme circulaire dans ses travaux récents renvoie à l’idée d’existentialisme comme produit de l’influence féminine, bien que son utilisation variée de ces images et symboles relèvent de récits sociaux différents. La pratique de la représentation du cercle dans une quête de perfection fait allusion à son sujet de prédilection, un indice qui rappelle l’archétype du symbole féminin de la courbe et du cercle. La question du regard masculin surgit toujours dans l’analyse de la répétition de la figure féminine chez les artistes masculins. Une autre approche serait de considérer cet exercice répété comme une négociation, une recherche autour des perspectives de transformation de la physionomie féminine et d’autres constantes. De ce point de vue, le résultat physique pourrait être considéré comme la marque de l’effort mental consistant à traduire une réalité concrète avec des instruments imparfaits, à savoir la main et la mémoire de l’artiste.

Il est possible de se tromper dans l’interprétation de l’intérêt continuel mais évolutif d’Amoda pour la figure féminine en l’assimilant à une forme d’exotisme de la mystique féminine, reflétant notre attirance pour ce que l’autre a d’insaisissable et que nous n’avons pas, et faisant de l’expression une tentative de définir l’« autre » ; en d’autres termes, utiliser le corps féminin afin d’explorer ce qui peut être perçu comme intimidant mais essentiel. Mais l’expression de la figure féminine chez Amoda est résolue et clairement définie, et ne montre aucun signe de faiblesse. Cette interprétation est confirmée par la connotation métaphorique de force et de persévérance associée à l’utilisation de l’acier et d’autres matériaux durs. La faible malléabilité de ces matériaux

To describe the soft-spoken but strong-willed Olu Amoda as merely a satirist would be to fail to grasp the range and level of enquiry inherent in the work of this acclaimed and prolific artist. The recipient of numerous awards and creative commissions, his microscopic examination of socio-political issues is inextricably intertwined with his exploration of the female subject.

Voix douce et caractère résolu, Olu Amoda est un artiste acclamé et prolifique que l’on aurait tort de décrire comme un simple satiriste. Ce serait manquer de saisir la portée et le niveau de questionnement inhérent à son travail. Récompensé par de nombreux prix et auteur de commandes créatives, son examen microscopique des questions sociopolitiques est inextricablement lié à son exploration de la figure féminine.

IAM NIGERIA | CROSSING PATHS

Amoda prefers to let the work itself articulate his interest in the female subject, and presents this work as expressions whose every mark speaks for itself. He also maintains that much of his engagement with the female subject is not driven by social commentary, in contrast with much of his other work. Rather they offer a more introspective expression of his experience of growing up among twelve women among whom he found a place while being different. This opens up a world of enquiry for the psychoanalytical interpretation of developmental influences that occur through ideological exposure and become internalized for later manifestation in artistic engagement.

est également l’expression d’une nature, et l’usage qu’en fait l’artiste renvoie à ses tentatives répétées de modeler la figure féminine.

Amoda préfère laisser parler les œuvres de son intérêt pour le sujet féminin, et présente son travail comme un support d’expression. Il affirme également que, pour une grande part, cet intérêt n’est pas motivé par l’analyse sociale, contrairement à beaucoup d’autres de ses œuvres. Il est plutôt l’expression plus introspective de son expérience d’enfant ayant grandi au milieu de douze femmes, parmi lesquelles il a trouvé sa place bien qu’étant différent. Cette perspective ouvre un champ pour l’interprétation psychanalytique des influences qui s’exercent par exposition idéologique et sont intériorisées pour resurgir ultérieurement à travers une démarche artistique.

IAM NIGERIA | REGARDS CROISÉS

O L U A M O D A , N AT I O N A L T H E AT R E , 20 07. R E P U R P O S E D S T E E L C O N D U I T P I P E , N A I L A N D W E L D E D M I L D S T E E L | C O N D U I T E N A C I E R R E C O N S T I T U É , C LO U S E T S O U D U R E S D ’A C I E R D O U X , 24X 1 9X 1 8 I N . P H OTO C R E D I T: O L U A M O D A . C O U R T E S Y N E WA R K M U S E U M

O L U A M O D A © K E L E C H I A M A D I-A B I

“Amoda's expressions of the female subject are forceful and clearly defined, and show no sign of weakness.”

« L’expression de la figure féminine chez Amoda est résolue et clairement définie, et ne montre aucun signe de faiblesse. »

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I ’M E V ERY WOM A N | J E SU IS TO U T ES L ES FE M MES

In any discussion about affordable ready-to wear in Nigeria, the first name to come up is invariably Grey Projects. The popular brand offers what its designers describe as “off-duty luxe” – functional fashion for corporate, cocktail and casual occasions. Celebrated Nigerian author Chimamanda Ngozi Adichie has been seen wearing Grey Projects separates as part of her Wear Nigeria Campaign, and the Lagos It girls are all fans too, because these are clothes that offer effortless, everyday style.

Au Nigeria, Grey Projects est synonyme de « mode abordable ». Cette marque bien connue propose un prêt-à-porter de « luxe décontracté » pour le bureau, les cocktails ou les sorties entre amis. Quand elle mène campagne en faveur de la confection locale, la célèbre écrivaine nigériane Chimamanda Ngozi Adichie porte des ensembles Grey Projects. Les it girls de Lagos sont elles aussi fans de la marque au style insouciant et faciles à porter.

FASHION A N D D E S I G N N I G E R I A M O D E E T D E S I G N N I G E R I A

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Fascinated by the faces she has observed and drawn since her childhood, Charlotte Yonga naturally decided to photograph them in the course of her work and her meetings. ‘Shaping’ the models in her portraits like sculptures in order to reveal their volume and texture has become her challenge. Through the minute precision of her composition in analog medium format - a flat surface medium that is by definition fixed - this artist gives a bodily shape to the portraits she creates.

Fascinée par les visages qu’elle observe et dessine depuis son enfance, Charlotte Yonga a naturellement décidé de les photographier au gré de son travail et de ses rencontres. « Tailler » les modèles de ses portraits comme des sculptures pour en révéler le volume et la texture, voilà son défi. Par la composition minutieuse de ses photographies au moyen format argentique – un médium de surface, plat et figé par définition –, cette artiste donne corps aux portraits qu’elle réalise.

Yonga is amused by paradoxes. Her practice, shaped by dramaturgy, comes from a photographic heritage that is formal and detached, bordering on the documentary, which skirts the surface of more humanist popular photography. Even if some spectators see her images as reportage, her shots are staged: in her portraits, the models pose in context, and her landscapes are never far from being still life. The artist pays a great deal of attention to colours and how they bring vibrancy to individuals and atmospheres – by turn bucolic, nervous or magnetic. Through an alchemy between reality and fragility, the photographer presents above all physical personalities whose facial lines, looks and positions refer to statuary and its hieratic character. While she is centred on the exterior in a neutral and direct way, nothing can prevent the surreptitious moment in which the model manages to ‘filter’ through. In this way her subjects avoid making real contact with the public, and are more focused on their interior life. Into this tiny chink of space come the micro-fictions that are unique to each ‘character’ and are perceptible to others. Yonga offers a chance to these unknown people from ordinary environments to be incarnated in portraits that are certainly immobile, but noble and vibrant.

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Yonga s’amuse des paradoxes. Sa pratique, imprégnée de dramaturgie, s’inscrit dans l’héritage d’une photographie formelle et détachée, voire documentaire, à la lisière d’une photographie populaire, plus humaniste. Quand bien même certains spectateurs croient au reportage, ses prises de vue relèvent de la mise en scène : dans ses portraits, les modèles posent dans leur contexte, et ses paysages ne sont jamais loin de la nature morte. L’artiste porte une grande attention aux couleurs, à la façon dont elles font vibrer les individus et les atmosphères – tour à tour bucoliques, nerveuses ou magnétiques. Dans une alchimie qui convoque la réalité et la fragilité, la photographe donne surtout à voir des personnalités physiques, dont les lignes de visage, les regards et postures font référence à la statuaire et à son caractère hiératique. Si, de manière neutre et frontale, elle se centre sur l’extérieur, rien ne peut pour autant empêcher cet instant subreptice où le modèle se laisse « filtrer ». En cela, ses sujets n’établissent pas vraiment de contact direct avec le public et sont davantage tournés vers leur intériorité. Dans cet interstice se glissent des micro-fictions propres à chaque « personnage » et perceptibles par autrui. Yonga offre à ces inconnus, issus d’environnements ordinaires, de s’incarner dans des portraits certes immobiles, mais nobles et vibrants. → www.charlotteyonga.com

IAM IN THE WORLD | C H A R LOT T E YO N G A

C H A R LOT T E YO N G A , A H M A D O U , A U L N AY S O U S B O I S , 2012 © C H A R LOT T E YO N G A

C H A R L O T T E Y O N G AT H E P O R T R A I T A S V I B R A T I O N | L E P O R T R A I T C O M M E V I B R A T I O N

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WORDS | TEXTSOris Aigbokhaevbolo, writer and critic | écrivain et critiqueFareeda Alithnayn Abdulkareem, journalist and writer | journaliste et écrivainPaula de Almeida, writer and art projects consultant | écrivain et consultante en projets artistiquesBlessing Asubike, journalist and writer | journaliste et écrivainYves Chatap, curator and art critic | commissaire d’expositions et critique d’artClelia Coussonnet, curator and art critic | commissaire d’expositions et critique d’artVirginie Ehonian, writer and founder of Nooru Box and AfricanLinks.net | écrivain, fondatrice de Nooru Box et AfricanLinks.netGiulia Franceschini, writer and art projects consultant | écrivain et consultante en projets artistiquesAllyn Gaestel, writer and photographer | écrivain et photographeJoseph Gergel, art critic, writer and curator | critique d’art, écrivain et commissaire d’expositionsOulimata Gueye, curator and art critic | commissaire d’expositions et critique d’artElsa Guily, art critic and writer | critique d’art et écrivainDaniel Hewson, art critic | critique d’art Arman Koushyar, writer and art projects consultant | écrivain et consultant en projets artistiquesHauwa Mukan, writer, radio & TV producer | écrivain, productrice radio et TVErika Nimis, art historian, photographer and associate professor | historienne de l’art, photographe et professeure associéeNana Ocran, writer and editor | écrivain et éditriceMazzi Odu, journalist and writer | journaliste et écrivainAfopefoluwa Ojo, writer | écrivainObidike Okafor, writer | écrivainEnuma Okoro, writer, speaker and communications consultant | écrivain,Odun Orimolade, artist, art critic and professor | artiste, critique d’art et professeureintervenante et consultante en communicationKovie Anna Parker, journalist and writer | journaliste et écrivaineLadi’ Sasha Jones, writer and art critic | écrivain et critique d’art

PHOTOGRAPHERS | PHOTOGRAPHESKadara EnyeasiLakin Ogunbanwo

FRONT COVER Àsíkò, Styling: Henry Uduku, Dress: Lanre Da Silva Ajayi, Model: Dami Oni, Makeup: Eyesome beauty, Photography assistant: Femi Awobokum

CONTACTinfo@iam-africa.com – www.intenseartmagazine.com

MASTHEAD | RÉDACTION

M A S T H E A DRÉDAC T IO N

MAGAZINE DIRECTOR | DIRECTRICE DE PUBLICATION Céline Seror

ARTISTIC DIRECTOR | DIRECTRICE ARTISTIQUE Angèle Etoundi Essamba

COMMUNICATION & DEVELOPMENT | COMMUNICATION & DÉVELOPPEMENT Nadine Hounkpatin

GRAPHIC DESIGN | CONCEPTION GRAPHIQUE Nina-Oana Constantinescu

EDITORIAL CONTENT COORDINATOR | COORDINATRICE DU CONTENU ÉDITORIALSolveig Pigearias

IAM #03 - NIGERIA

GUEST EDITORS | RÉDACTRICES INVITÉES IAM NIGERIA Bukola Oyebode, writer and founder of the platform The Sole Adventurer | écrivain et fondatrice de la plateforme artistique The Sole Adventurer

FASHION AND DESIGN NIGERIA | MODE ET DESIGN NIGERIA Helen Jennings, fashion editor and co-founder of the artistic platformNataal.com | rédactrice mode et co-fondatrice de la plateforme artistique Nataal.com

IAM IN THE WORLD | IAM DANS LE MONDE Hafida Jemni di Folco, art critic and curator | critique d’art et commissaire d’expositions

EDITING | RELECTUREEnglish | anglais : Siji JabbarFrench | français : Florence Morel

TRANSLATION | TRADUCTIONKarin Barlet, John Morrison, Marie-Christine Guyon, Gauthier Lesturgie, Louise Jablonowska

PRINTING | IMPRESSION WILCO ART BOOKS

This edition is dedicated to John Morrison with all our affection.

Bisi Silva, Tokini Peterside, Ingo & Inge Herbert, Aurélien Sennacherib, Aude Urcun-Brunel, Laurent Polonceaux, Reni Folawiyo, Oroma Itegboje, Kavita Chellaram, Alexander Wyse, Salomey Gyamfi, Sanne Huijsman, Margaux Huille, Claire Yverneau, Olivier Legrand, Noëlle Camilleri, Cyrielle Gbadja, Sophie Lalonde, Jean-Luc Chatignol, Naïa Sore, Claude Agnel, Claudia De Bonis, Thierry Samson, Richard Seror, Jacqueline Seror, Fay Jackson, Cindy Olohu, Marynet J. Kwork.

ACKNOWLEDGEMENTS | REMERCIEMENTS

Copyright images : the artists and the photographers.All rights reserved. No part of this publication may be reprinted or reproduced or utilized in any form or by any electronic, mechanical, or other means, now known or hereafter invented, including photocopying and recording, or in any information storage or retrieval system without permission in writing from the publishers. | Tous droits réservés. Toute re-production ou transmission, par quelque moyen électronique (électronique ou mécanique, incluant la photocopie, l’introduction dans tout système informatique ou de recherche documentaire), de toute ou partie de la présente publication, est strictement interdite sans l’autorisation de l’éditeur. © 2017, IAM – INTENSE ART MAGAZINE