ALESSANDRO BRIGHETTI

DONALD SULTAN

JACOB HASHIMOTO

MASSIMO VITALI

MIKALA DWYER

ROBERTO PUGLIESE

MARCO MENEGUZZO

Antropia è la scienza dell’azione umana sulla natura. In questo senso, si può dire che gran parte dell’arte è antropica: basta considerare le tre grandi suddivisioni tradizionali del-la pittura in pittura di paesaggio, natura morta e figura per comprendere che almeno due terzi di ogni immagine, e di ogni pensiero sull’immagine riguardano il nostro rapporto con ciò che chiamiamo natura. Si potrebbe obbiettare che quelle divi-sioni tradizionali non valgono più, ma di fatto esse ritornano anche oggi sotto mentite – e più varie – spoglie: semplicemente i linguaggi dell’arte si sono ampliati, e gli strumenti di indagine e di relazione con la natura sono più numerosi.

Questa mostra ne è un esempio lampante: di cosa parlano questi sei artisti, così diversi nei loro esiti e nelle loro forma-lizzazioni, se non di questo rapporto, di questa “azione umana sulla natura”? Certo, la prima “azione umana sulla natura” è lo sguardo, e l’artista si può tranquillamente fermare alla restitu-zione di questo sguardo, cioè alla rappresentazione tradizionale della natura come mimesi. Ad esempio, le fotografie di Massimo

‘Anthropy’ may be defined as the science of human action on nature. With this premise, we might say that a large part of art is anthropic: it is enough to consider the three traditional major subdivisions of painting – landscape, still life, and figure painting – to understand that at least two-thirds of any image, and indeed of any notion about the image, has to do with the relationship of the image with what we call ‘nature’. One might object that those traditional divisions no longer apply, but in point of fact they return even today in sundry guises, quite sim-ply because the spectrum of the languages of art has broadened and the tools for investigating and relating to nature are greater in number.

This exhibition is a patent example: to what are these six art-ists speaking – six artists whose end results and formalisations differ so widely – if not this relationship, this ‘action of man on nature’? Certainly, the first ‘action of man on nature’ is his scru-tiny of it, and the artist may easily stop at restitution of what he sees; that is, at traditional representation of nature, mimesis.

Vitali fanno proprio questo: mostrano come questo rapporto uomo/natura si determini ogni momento, anche inconsciamen-te, come fanno i suoi bagnanti, sicuramente non consapevoli di mutare – con la loro mera presenza – l’aspetto e forse anche il senso della natura.

Anche Donald Sultan rientra di diritto e volutamente nel novero degli artisti che hanno dipinto la natura: lo fa attraverso la cultura dell’immagine, quella cultura sedimentata nel corso di secoli, che però consente ancora all’artista di dipingere un mazzo di fiori, forte di tutte le infinite varianti su uno stesso tema che il linguaggio dell’arte permette.

In fondo, persino Jacob Hashimoto rientra in questa linea di rappresentazione, tuttavia con l’uso di materiali infinitamente più mimetici: le sue erbe sembrano – o sono, poco importa – davvero fili d’erba inseriti nell’opera, in modo da assottigliare ancor più il confine tra realtà della realtà e realtà dell’opera, tra presentazione e rappresentazione.

Tuttavia, il concetto di mimesi della natura può anche non

For example, this is exactly what Massimo Vitali’s photographs do: they show how the relationship between man and nature is defined moment by moment, even unconsciously; for example, by his bathers, who are certainly not aware that with their mere presence they are changing the look and perhaps even the sense of nature.

Donald Sultan also appears, by rights and by his own voli-tion, in the roll of artists who have painted nature: he relies on the culture of the image, a culture which has subsided over the course of the centuries but still supports the artist as he paints a bouquet of flowers strong with all the infinite variations on a theme permitted him by the language of art.

And all things considered, Jacob Hashimoto also fits into this category of representation, even though he uses infinitely more ‘mimetic’ materials: his grasses seem to be – or are, it matters little – real blades of grass inserted into the work; as such, they further whittle away at the border area between reality and the reality of the work, between presentation and representation.

Nevertheless, the concept of mimesis of nature may not refer only to imitation of the visible form or to representation of a ‘fixed’ moment, a precise developmental instant of a natural phenomenon, but may go beyond in search of possibilities ex-tending to the concept of ‘becoming’, an essential for any living thing (and the nature we imagine is never the inorganic, which may act at most as background, but always the organic): just as the concept of ‘nature’ – so deeply-rooted in the traditional art forms – has been transformed in the recent languages of art, the concept of mimesis has also changed and reminds us – as did Theodor Adorno in his university lessons – that the mean-ing of a definition or a term can change over time, and change radically.

With Mikala Dwyer and Alessandro Brighetti, despite the fact that they make use of very different tools, we enter into that branch of expression in which art is still understood as mimesis but in which mimesis concerns not so much the forms of nature – but it does, also, concern them – as its processes. Both, each

riferirsi soltanto all’imitazione della forma visibile, o alla rap-presentazione di un determinato momento fissato una volta per tutte, di uno stadio di sviluppo preciso di un fenomeno naturale, ma può andare oltre, cercare possibilità che coinvolgano anche il concetto di “divenire”, così essenziale per ogni essere vivente (e la natura che immaginiamo non è mai quella inorganica, che al massimo fa da sfondo, ma sempre quella organica…): come il concetto di natura – pur così radicato nelle sue forme tradizio-nali – si è trasformato nei linguaggi recenti dell’arte, così anche il concetto di mimesi è cambiato, facendoci ricordare sempre – come faceva Theodor Adorno nelle sue lezioni universitarie sulla terminologia filosofica - che una stessa definizione, un me-desimo termine nel corso del tempo mutano anche radicalmente il loro significato.

Con Mikala Dwyer e Alessandro Brighetti, che pure usano strumenti diversissimi, si tocca proprio quella branca espressi-va che intende ancora l’arte come mimesi, ma dove la mimesi non è tanto nelle forme della natura – anche in quelle, per

altro – quanto nei suoi processi: entrambi in maniera differen-te, infatti, inseriscono nelle loro opere il fattore tempo, sotto forma visibile, per quanto riguarda i video di Brighetti, e sotto forma concettuale, ma reale, per Dwyer, che mette in scena delle piantine sospese, veri organismi viventi che nascono, crescono, muoiono. Entrambi tuttavia riproducono il processo naturale, lo imitano (Brighetti) o lo forzano, evidenziandolo (Dwyer).

Roberto Pugliese, infine, scava la natura alla ricerca di segreti che possano spiegare gli atteggiamenti e le attitudini umane. Se è il suono il filo rosso che lo guida, l’artista lo cerca dove nessuno pensa di poterlo trovare, o dove nessuno, per la sua semplice disattenzione, lo sente. Egli sembra piegare la natura alla sua ossessione, che è tanto forte da riuscire a farsi rispondere.

in a different manner, insert the time factor into their works: in visible form, in Brighetti’s videos, and in conceptual – but real – form in Dwyer, who stages suspended plants, true living organisms which are born, live, die. Both reproduce the natural process, imitating it (Brighetti) or forcing it, highlighting it (Dwyer).

Roberto Pugliese, finally, digs into nature in search of secrets capable of explaining man’s stances and attitudes. Sound is his fil rouge and the artist looks for it where no one would think of finding it – or where no one, through sheer inattentiveness, hears it. Pugliese seems to bend nature to his obsession, an obses-sion so strong that it succeeds in eliciting a response.

ALESSANDRO BRIGHETTI

(Bologna, 1978)

vive e lavora a Bologna.

Il macrocosmo di Brighetti gravita attorno

alla sinergia fra Arte e Scienza, ricerca e

formalizzazione della stessa. Dopo aver

conseguito il diploma presso l’Accademia di Belle

Arti di Bologna, la carriera artistica di Brighetti

scorre velocemente, partecipando a molti

concorsi, mostre ed eventi. Nel 2007 è finalista al

premio S.A.M.P. presso la Pinacoteca di Bologna

e poi al Premio Morlotti ad Imbersago (CO). Nel

2008 presso lo spazio 2bo presenta un originale

progetto espositivo intitolato Order without

Border: un suggestivo scenario archeologico

industriale. Nel 2012 presso il M.A.R., Museo

Arte Città di Ravenna viene organizzata la sua

prima personale, mentre il 2013 segna la data

della sua prima personale oltreoceano con la

ALESSANDRO BRIGHETTI

(Bologna, 1978)

lives and works in Bologna.

Brighetti’s microcosm gravitates around the

synergies between Art and Science, research

and its formalisation. After having earned his

diploma from the Accademia di Belle Arti of

Bologna, Brighetti’s artistic career proceeded

quickly as he participated in many contests,

exhibitions and events. In 2007, he was a SAMP

Award finalist at the Pinacoteca di Bologna and

then a Morlotti Award finalist in Imbersago

(CO). In 2008, in the suggestive former industrial

scenario of Spazio 2bo, he presented an original

exhibition project entitled Order without Border.

2012 was the year of his first solo show, at the

M.A.R. Museo Arte Città di Ravenna; 2013

instead marked his first solo experience abroad

with the exhibition entitled Narchitecture at

mostra intitolata Narchitecture (Scaramouche

Gallery, New York). In quest’ultimo anno la sua

personalità artistica ha potuto spiccare sia in

mostre nazionali, come Smoother delight presso

la Primae Noctis Gallery a Lugano, che in fiere

internazionali.

DONALD SULTAN

(Asheville, North Carolina, 1951)

vive e lavora a New York.

È conosciuto a livello internazionale per le sue

opere raffiguranti nature morte e paesaggi,

caratterizzate dall’emergere di forme astratte

nere su sfondi dai colori brillanti. Nei dipinti

realizzati negli anni ’70 e ’80 è evidente invece

la contrapposizione dei soggetti tradizionali

eseguiti con inusuali materiali industriali, come

linoleum o masonite. Nel 1975 Sultan ha ottenuto

il suo MFA (Master of Fine Arts) alla School of

New York’s Scaramouche Gallery. In the year

just past, his artistic personality has shone at

national exhibitions, such as Smoother Delight

at the Primae Noctis Gallery in Lugano, and at

international art fairs.

DONALD SULTAN

(Asheville, North Carolina, 1951)

lives and works in New York.

Sultan is known internationally for his still lifes

and landscapes characterised by black abstract

forms emerging from brilliantly-coloured

backgrounds. His paintings from the Seventies

and Eighties instead juxtapose traditional

subjects and unusual industrial materials, such

as linoleum and masonite. In 1975, Sultan earned

his Master of Fine Arts at the School of the Art

Institute of Chicago and has since been awarded

two honorary degrees: in 2002, by the New

the Art Institute di Chicago. E’ stato premiato con

una doppia laurea ad honorem: nel 2002 presso la

New York Academy of Art (NY) e nel 2007 presso

l’University of North Carolina (Asheville). Fra i

musei in cui ha esposto le sue opere si ricordano:

Tate Gallery (UK), Modern Art Museum of

Forth Worth (TX), National Gallery of Australia

(Camberra), Museum of Fine Arts (Boston,

MA), Hirshorn Museum and Sculpture Garden

(Washington D.C.).

JACOB HASHIMOTO

(Greeley, U.S.A, 1973)

vive e lavora a New York.

Dopo aver conseguito nel 1996 la laurea presso

la School of the Art Institute di Chicago, ha

partecipato a numerose mostre, sia collettive

che personali. Le sue doti artistiche sono state

apprezzate al livello internazionale, tra le mostre

York Academy of Art (NYC) and, in 2007, by

the University of North Carolina (Asheville).

The museums which have shown his works

include the Tate Gallery (London), the Modern

Art Museum of Forth Worth (TX), the National

Gallery of Australia (Canberra), the Boston

Museum of Fine Arts and the Hirshorn Museum

and Sculpture Garden (Washington, D.C.).

JACOB HASHIMOTO

(Greeley, Colorado, 1973)

lives and works in New York.

Since graduating from the School of the Art

Institute of Chicago in 1996, Hashimoto has

shown his work at numerous exhibitions, both

collective and solo. His talent is internationally

recognised; among his most recent group

exhibition appearances are NOW-ISM:

Abstraction Today (2014) at The Pizzutti

più recenti si ricordano: NOW-ISM: Abstraction

Today (2014) presso The Pizzutti Collection,

Columbus; ma anche De rerum Natura (2013),

curata da Angela Madesani presso Studio la Città

a Verona. Delle mostre personali dove hanno

spiccato le sue opere ricordiamo Gas Giant (2014),

presso il MOCA Pacific Design Center di Los

Angels, a cura di Alma Ruiz; Armada (2013),

presso la Galerie Forsblom di Helsinki e la grande

installazione site specific Silence Still Governs

Our Consciousness (2010), presso il Macro- Museo

d’arte Contemporanea di Roma, Roma.

MASSIMO VITALI

(Como, 1944)

vive e lavora tra Lucca e Berlino.

Dopo il liceo si trasferisce a Londra dove studia

Fotografia al London College of Printing.

All’inizio degli anni Sessanta inizia a lavorare

Collection in Columbus, Ohio, and De rerum

Natura (2013), curated by Angela Madesani,

at Studio la Città in Verona. Solo shows of his

works include Gas Giant (2014), curated by Alma

Ruiz, at the MoCA Pacific Design Center in Los

Angeles, Armada (2013) at Galerie Forsblom in

Helsinki and the huge site-specific installation

Silence Still Governs Our Consciousness (2010) at

MACRO-Museo d’arte Contemporanea di Roma

in Rome.

MASSIMO VITALI

(Como, 1944)

lives and works in Lucca and Berlin.

After completing high school, Vitali moved to

London where he studied photography at the

London College of Printing. In the early 1960s

he began working as a photojournalist and

collaborated with many magazines and agencies

in Italy and in other European countries.

Following changes on the Italian political

panorama, he started work on his series of Italian

beach panoramas in 1995 as a reflection on Italian

daily life, so-called ‘normality’ and conformism.

During the last twelve years he has developed a

new approach to portraying reality, shedding

light on the apotheosis of the masses, expressing

himself and commentating, using the most

intriguing and palpable form of contemporary

art: photography. He has just closed a large-

scale exhibition, curated by Angela Madesani,

at Verona’s Studio la Città and is currently

showing at the Palazzo della Ragione in Milan

at the sweeping group photographic exhibition

Italia Inside Out. Inside: I fotografi italiani. He has

collaborated with important museums and art

collections, among which the Museo Reina Sofia

in Madrid, the Guggenheim Museum in New

York, the Fondazione Sandretto Rebaudengo in

Turin and, in Paris, the Centre Pompidou Musée

National d’Art Moderne and the Fondation

Cartier.

MIKALA DWYER

(Sydney, Australia 1959)

lives and works in Sidney.

The artist is known for her fantastic ‘playful’

installations, her explorations of matter. She

completed a degree in Visual Arts (Sculpture/

Sound) at the Sidney College of the Arts inIn

1983 and, after having studied in 1986 at London’s

Middlesex Polytechnic, concluded her studies

in 1993 with an MFA in Figurative Arts from

the University of New South Wales. Mikala

Dwyer’s works have starred at a great number

of exhibitions and events; of particular note

are the itinerant exhibition Panto Collapsar

come fotogiornalista e collabora con diverse

riviste e agenzie in Italia e in Europa. La serie

di fotografie che ritraggono le spiagge italiane,

iniziata nel 1995, nasce a seguito dei cambiamenti

politici avvenuti in Italia, che lo spingono

a riflettere sulla quotidianità italiana, sulla

cosiddetta normalità e sul conformismo. Negli

ultimi 12 anni sviluppa un nuovo approccio

nel ritrarre la realtà, spiegando l’apoteosi della

massa, esprimendosi e commentando mediante

la forma più intrigante e tangibile dell’arte

contemporanea, la fotografia. E’ reduce da una

grande mostra presso Studio la Città di Verona

a cura di Angela Madesani, ed è attualmente

presente in mostra a Palazzo della Ragione di

Milano con la grande collettiva fotografica

Italia Inside Out. Inside I fotografi italiani. Tra

le collaborazioni con importanti Istituzioni

museali e collezioni d’arte di tutto il mondo si

ricordano; Museo Reina Sofia di Madrid, Museo

Guggenheim di New York, Fondazione Sandretto

Rebaudengo di Torino, Centre Pompidou Musée

National d’Art Moderne di Parigi, Fondation

Cartier di Parigi.

MIKALA DWYER

(Sydney, 1959)

vive e lavora a Sidney.

L’artista è conosciuta per le sue fantastiche e

giocose installazioni che esplorano la materia.

Dopo aver conseguito nel 1983 la laurea in

Visual Arts (Sculpture/Sound) presso il Sidney

College of the Arts, e dopo aver studiato nel 1986

alla Middlesex Polytechnic di Londra, Mikala

Dwyer ha concluso nel 1993 un Master in Arti

Figurative presso l’Università di New South

Wales. Numerose mostre ed eventi hanno avuto

come protagonista alcune sue opere. Si ricordano

la mostra itinerante Panto Collapsar (2013-

2014), a partire dal Project Arts Centre di Dublin,

Goldene Bend’er (2013), presso Australian Centre

for Contemporary Art di Melbourne, Drawing

Down the Moon (2012), Institute of Modern Art

di Brisbane, e Divinations for the real things

(2012), Roslyn Oxley9 Gallery di Sydney.

ROBERTO PUGLIESE

(Napoli, 1982) vive e lavora a Bologna.

Si diploma nel 2008 in Musica Elettronica al

Conservatorio di San Pietro a Majella (NA). La

sua ricerca artistica parte dal suono e si muove

tra la sound art e l’arte cinetica e programmata.

A partire dal 2007 Pugliese dà inizio alla sua

carriera espositiva, partecipando al Videoart

yearbook di Bologna. Già nel 2009 viene curata

una sua personale alla Città della Scienza di

Napoli intitolata Entanglement 2, le decisioni delle

(2013-2014), which set out from the Project

Arts Centre of Dublin, Goldene Bend’er (2013)

at the Australian Centre for Contemporary

Art in Melbourne, Drawing Down the Moon

(2012) at Brisbane’s Institute of Modern Art

and Divinations for the Real Things (2012) at

the Roslyn Oxley9 Gallery in Sydney.

ROBERTO PUGLIESE

(Naples, 1982) lives and works in Bologna.

Pugliese earned his diploma in Electronic Music

at the Conservatorio di San Pietro a Majella

(NA) in 2008. His artistic research began with

sound and now moves between sound art and

kinetic and programmed art. He launched his

exhibition career in 2007, when he exhibited

at Videoart Yearbook in Bologna. In 2009, he

held a solo exhibition entitled Entanglement 2,

le decisioni delle particelle at Naples’ Città della

particelle. A partire dal 2010 la sua arte inizia ad

essere conosciuta ed apprezzata anche all’estero.

Pugliese è stato protagonista di diverse mostre

personali italiane ed internazionali, tra cui

Unexpected Machines (2011) alla Galerie Mario

Mazzoli di Berlino, Ivy noise (2010) allo IED di

Madrid; Emergenze acustiche (2013) presso la

Tenuta dello Scompiglio di Lucca e il Concerto

per Natura Morta (2014) a cura di Valerio Dehò

e Olimpio Eberspacher al MUSE-Museo delle

Scienze di Trento.

Scienza. In 2010, his art began to attract attention

and mention abroad and since then, Pugliese has

held various solo exhibitions in Italy in other

countries, including Unexpected Machines (2011)

at the Galerie Mario Mazzoli in Berlin, Ivy

Noise (2010) at IED Madrid, Emergenze Acustiche

(2013) at the Tenuta dello Scompiglio in Lucca

and Concerto per Natura Morta (2014), curated by

Valerio Dehò and Olimpio Eberspacher, at MUSE

- Museo delle Scienze in Trento.

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JACOB HASHIMOTOUNTITLED, 2007BAMBOO, PAPER, DACRON, ACRYLIC AND PIGMENTS 230X15X15 CM

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ANTROPIAA CURA DIMARCO MENEGUZZO

25 APRILE10 GIUGNO2015PIETRASANTAEDUARDO SECCICONTEMPORARY

IN COLLABORAZIONE CON

Graphic designRovaiWeber design

PhotographyMichele Alberto SereniGiovanni Romboni

Press officeOttavia Sartini

TranslationLexis

PrintBandecchi e Vivaldi

First publishedin Italy in 2015Eduardo Secci Contemporarys.r.l. soc. unipVia Maggio 51/R50125, FirenzeT. 055283506www.eduardosecci.com

© 2015 The authorsfor there texts

© 2015 Eduardo Secci Contemporary

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