Arquitectura del Quattrocento

IntroducciónSe denomina Quattocento al periodo del arte italiano correspondiente al Siglo XV. Este periodo se caracteriza por la recuperación de la Antigüedad clásica y la superación de los esquemas medievales que supeditaban el arte a la religión y a una finalidad didáctica.Durante esta época se supera el teocentrismo y se impone una cultura basada en el humanismo.El arte abandona su carácter artesanal para convertirse en una actividad intelectualLos artistas serán personas instruidas en temas como geometría, historia, cultura clásica, ciencias y naturaleza; empiezan a firmar sus obras y serán elevados a la categoría de genios.Este arte humanista captará la atención de príncipes, nobles y ricos burgueses que descubrirán el placer del arte y la cultura y que se convertirán en los mecenas de los nuevos artistas.La república de Florencia será la principal impulsora de este nuevo arte gracias al mecenazgo de grandes familias como los Medici.

Características

Se recuperan los órdenes clásicos. Se generaliza el uso del arco de medio punto, combinado con bóvedas

de cañón, cúpulas y cubiertas adinteladas. Los edificios suelen ser de planta rectangular y en ellos predomina la

horizontalidad y el retorno a las proporciones a escala humana frente a la verticalidad y monumentalidad del gótico.

Siguen teniendo gran importancia los edificios religiosos como iglesias y capillas pero también alcanzan gran desarrollo la construcción de edificios civiles, sobre todo los palacios.

Surgen nuevos elementos decorativos como las pilastras, los tondos o medallones, los grutescos, los motivos a candelieri…

Principales arquitectos y obras significativasFilippo Brunelleschi (1377-1446)Es considerado el renovador del nuevo estilo en Florencia. Escultor y platero en su juventud, cambiará su actividad por la de arquitecto al viajar a Roma y observar los monumentos clásicos. Estudioso matemático y de la arquitectura clásica será el descubridor de la perspectiva cónica.Su obra más emblemática será la Cúpula de la Catedral de Florencia, obra de grandiosas dimensiones que se alza sobre un tambor octogonal compuestas por dos cúpulas superpuestas: una semiesférica que queda incluida en otra de sección ligeramente apuntada rematada por una linterna también obra de Brunelleschi.

La cúpula se levanta sobre el crucero de la catedral gótica cubriendo un diámetro similar al del Panteón romano (42 metros) pero de un porte más esbelto convirtiéndose en la primera gran obra del llamado arte nuevo que trataba de emular al arte clásico por lo que se convirtió en el símbolo de la orgullosa república de Florencia.

Pero donde mejor mostró su lenguaje renacentista fue en la Iglesia de San Lorenzo, mandada construir por Lorenzo de Médici. Emplea una planta basilical de inspiración romana y paleocristiana con tres naves separadas por arquerías que reposan sobre columnas de capiteles clásicos, sobre los que dispone un trozo de entablamento para dar mayor esbeltez; la cubierta es plana y decorada con casetones. Todo el templo está realizado a escala humana y prestando gran atención a la proporción matemática y geométrica propia de los arquitectos renacentistas.Ese mismo gusto por la proporción y la armonía entre los distintos elementos los aplicó en la construcción de la Capilla Pazzi, de planta centralizada.También construyó edificios civiles como el Palacio Pitti que servirá de modelo a todos los palacios florentinos posteriores: planta cuadrada con las estancias dispuestas en torno a un patio central, tres plantas decoradas por muro almohadillado y los vanos formados por arcos de medio punto.Y, por último, el Hospital de los Inocentes, edificio abierto al espacio urbano a modo de claustro, edificado alrededor de un patio central, en el que dispuso un pórtico que combina arcos de medio punto y columnas romanas; destaca por su horizontalidad, remarcada por las molduras de los arquitrabes.León Bautista Alberti (1404-1472)Alberti pertenece a la segunda generación de artistas del Renacimiento. Es el segundo gran innovador de la arquitectura. Hombre muy culto, se dedicó a las más variadas disciplinas (arquitecto, matemático, poeta, filósofo, arqueólogo). Se formó en Roma y fue un humanista enamorado del arte clásico antiguo.Interesado constantemente por la búsqueda de reglas, tanto teóricas como prácticas, capaces de orientar el trabajo de los artista. Es autor de “De re aedificatoria” , tratado donde plasma todas sus teorías sobre su concepción de la Arquitectura. Proponía una estética basada en los modelos clásicos y en las relaciones matemáticas que deben regir las partes de los edificios. En el Templo Malestiano de Rimini recupera elementos arquitectónicos clásicos como el arco de medio punto, la elevación del templo sobre un podio y las columnas corintias.La obra más importante de Alberti es la Iglesia de San Andrés de Mantua. La fachada está constituida por el grandioso arco que encierra la portada, flanqueado por pilastras corintias, inspirada en los arco de triunfo romanos. La bóveda de cañón que recubre este vano está decorada con casetones clásicos. La estructura interior del edificio recuerda a las basílicas romanas de la última época.

En Florencia realizó dos obras importantes: el Palacio Rucellai con una fachada sometida a un riguroso orden geométrico; la horizontalidad de los tres pisos se rompe con pilastras verticales que combinan los órdenes clásicos: toscano, jónico y corintio. 

En la Fachada de Santa María Novella, realizada en mármol y resuelta con perfecta proporción matemática, anticipa el prototipo de fachada barroca con dos cuerpos coronados por un frontón triangular y unidos por grandes volutas o aletones. 

PILASTRAS:Dependiendo del orden arquitectónico a que pertenezca. Por lo general las pilastras se utilizan más como elemento decorativo que como soporte de alguna estructura; por este motivo, es poco frecuente la aparición de las mismas en la arquitectura clásica, ya que en esa temporada los elementos estructurales, tenían una función clave para las edificaciones.

Via: ttp://www.arqhys.com/articulos/pilastras-arquitectura.html 

- ALMOHADILLADO: Paramento de sillería donde la cara visible de los sillares ha sido labrada a manera de almohadilla. Las juntas están biseladas o rehundidas, para dar la sensación de relieve. Es típico de la arquitectura del Renacimiento, siglos XV y XVI. En España el ejemplo más característico es el Palacio de Carlos V en la Alhambra de Granada, de Pedro Machuca, del siglo XVI.

- BALAUSTRE: Columnita de perfil compuesto por molduras cuadradas y curvas, ensanchamientos y estrechamientos sucesivos, que se emplea para ornamentar barandillas o antepechos de balcones, azoteas, corredores y escaleras. Derivado del concepto anterior sería el de BALAUSTRADA o serie u orden de balaustres, formando barandilla. Es típico de la arquitectura desde el Renacimiento, siglos XV y XVI.

- CINQUECENTO: Italianismo que designa al siglo XVI, los años mil quinientos. Correctamente sólo debe emplearse para aludir al arte del Renacimiento en Italia.

- GRUTESCO: Ornamento consistente en seres fantásticos, humanos, animales y vegetales, enlazados y combinados para formar un todo. Es un tema propio del

Renacimiento, inspirado en los hallados en algunos edificios romanos, como la Domus Aurea de Nerón y suele estar formado por una cabeza o bien un torso humano o animal en la parte superior, que termina en un juego de elementos vegetales en la inferior. Ejemplo: Fachada de la Universidad de Salamanca, de Estilo Plateresco, principios del siglo XVI.

- HERRERIANO: Este estilo arquitectónico, el Estilo Herreriano o Escurialense, ocupa el último tercio del siglo XVI, bajo el reinado de Felipe II. Se caracteriza por una gran sobriedad decorativa, conectando perfectamente con la austeridad que propugnaba la Contrarreforma. El nombre que recibe deriva de Juan de Herrera, autor de la obra clave de este período, el Monasterio de San Lorenzo de El Escorial.

- LINTERNA: Torre pequeña más alta que ancha y con ventanas, colocada sobre la parte más alta de la cúpula para iluminar el interior del edificio; tiene su origen en algunas construcciones romanas, como el Panteón de Agripa y la Sala de la Domus Aurea de Nerón. La linterna ha tenido un uso muy frecuente desde la arquitectura renacentista, siglos XV y XVI. Ejemplo: La Cúpula de San Pedro del Vaticano de Roma, de Miguel Ángel, siglo XVI.

          

- MANIERISMO: Hacia la tercera década del siglo XVI se produjo una reacción anticlásica que ponía en cuestión los ideales de belleza del Renacimiento. El origen del concepto está en la expresión italiana "alla maniera di...", es decir

siguiendo la línea de Miguel Ángel, Rafael, Leonardo, etc. y se caracteriza por crear un estilo artificial, dando importancia a los excesos, el contraste, la curiosidad y la sofisticación, tanto en arquitectura como en escultura y pintura.

- MÉNSULA: Se dice de cualquier elemento que sale de una pared o del plano en que está colocado y sirve para sostener o recibir algún elemento arquitectónico o esculturas, balcones, cornisas, etc. En el Renacimiento, siglos XV y XVI, podemos apreciar buenos ejemplos en los elementos arquitectónicos de la sala en la que se encuentra la Escalera de la Biblioteca Laurentiana de Miguel Ángel, del siglo XVI.

- PLATERESCO: Este estilo arquitectónico puramente español se desarrolla cronológicamente en la primera mitad del siglo XVI, correspondiendo con el reinado de Carlos I de España y V de Alemania. Se trata de un estilo ornamental que abarca desde las últimas obras del Gótico Flamígero hasta la consolidación de las formas  plenamente renacentistas libres de pervivencias góticas y platerescas, es decir, hasta lo que se denomina Estilo Clasicista por su clara influencia italiana. La característica fundamental que define el Estilo Plateresco es la profusión decorativa, que combina simultáneamente elementos de influencia italiana con otros hispanos, como medallones, escudos, balaustradas y figuras humanas, animales o vegetales entrelazadas, los denominados grutescos, se conjugan con habilidad y cubren las superficies de los edificios hasta desdibujar sus originarias líneas puras. Esta característica le valió la denominación de “plateresco”, al comparar su minuciosa decoración con la tarea propia de  los plateros y orfebres. Ejemplo: Fachada de la Universidad de Salamanca, de Estilo Plateresco, principios del siglo XVI. [Ver foto de “Grutesco”]

- QUATTROCENTO: Italianismo que designa al siglo XV, los años mil cuatrocientos. Correctamente sólo debe emplearse para aludir al arte del Renacimiento en Italia.

- SFUMATO: Es la gran creación de Leonardo da Vinci como pintor, se trata de un artificio pictórico que consiste en prescindir de la línea, del dibujo, de los contornos netos y precisos del Quattrocento y envolverlo todo en una especie de niebla imprecisa que difumina los perfiles y produce una impresión de inmersión total en la atmósfera, el paisaje adquiere así una misteriosa dimensión y los personajes un encanto distante y enigmático. Ejemplo: La Gioconda de Leonardo da Vinci, siglo XVI.

- TAMBOR: Elemento constructivo cilíndrico que sirve de base a una cúpula a fin de dar a ésta mayor realce; generalmente con ventanillas u otro tipo de abertura para iluminar el interior del edificio. El tambor ha tenido un uso muy frecuente desde la arquitectura renacentista, siglos XV y XVI. Ejemplo: La Cúpula de San Pedro del Vaticano de Roma, de Miguel Ángel, siglo XVI. [Ver fotos de “Linterna”]

- TONDO: Italianismo que quiere decir cuadro de forma circular. También adorno circular rehundido en un paramento. El formato circular para los cuadros fue recuperado por los artistas del Renacimiento italiano, siglos XV y XVI, que lo relacionaban con las medallas clásicas. Ejemplo: El Tondo Doni, de Miguel Ángel, siglo XVI.

CANDELIERI O A CANDELIERI, es una voz italiana con la que se describe a un tipo de ornamentación que surgió en Italia prácticamente en el renacimiento por reminiscencias del arte antiguo, y que aunque se puede apreciar en pintura es en la aplicación de relieves escultóricos en la arquitectura donde esta ornamentación, con diferentes combinaciones se prodiga más.

Concepto

la Fachada

Puerta principal en fachada de De Fabris

La fachada original, diseñada por Arnolfo di Cambio y normalmente atribuida a Giotto, fue, de hecho, comenzada veinte años después de la muerte de Giotto. Esta primera fachada se debe al esfuerzo colectivo de varios artistas, entre ellos Andrea Orcagna y Taddeo Gaddi, y fue sólo completada en su parte baja, después fue abandonada. En 1587-1588 el arquitecto de corte de los Médici Bernardo Buontalenti, la demolió por orden del Gran Duque Francisco I de Médicis, ya que parecía no estar de moda en los tiempos del Renacimiento.

El concurso para una nueva fachada terminó con un gran escándalo de corrupción. Varios diseños nuevos fueron propuestos en años posteriores, pero los modelos no fueron aceptados. La fachada se dejó, por tanto, descubierta hasta el siglo XIX.

En 1864 se abrió un concurso para diseñar una fachada nueva resultando ganador Emilio De Fabris (1808-1883) en 1871. El trabajo comenzó en 1876 y se terminó en 1887. Esta fachada neo-gótica en mármoles blancos, verdes y rosas forma una unidad en armonía con la catedral, el campanario de Giotto y el baptisterio, pero está excesivamente decorada.

La Cúpula

Tejas de terracota

Pese a que desde sus inicios la cúpula de Santa María del Fiore estaba llamada a ser una de las mayores construcciones de la historia y pese a lo trascendental que resultó en materia de construcción se quiso integrar la obra con el resto de la ciudad.

Bien se hubiese podido optar por diferenciarla claramente del resto de construcciones, algo que por otra parte no hubiese resultado complicado debido a sus dimensiones. Sin embargo se optó por recubrirla de tejas de terracota al igual que las demás construcciones de la ciudad, desde los edificios públicos hasta las casas más humildes. De este modo la catedral pasa a ser una pieza más de la ciudad, importante eso sí, pero una más al fin y al cabo.

Quizá se pueda relacionar este hecho con la situación de la sociedad de la época donde algunos mercaderes de origen humilde habían conseguido grandes riquezas y un gran poder (los mismos mercadres que habían finaciado la obra de la catedral). Pasaron a ser gente importante dentro de la sociedad al igual que la catedral lo era par ala ciudad siendo el edificio de mayor envergadura, pero no dejaban de ser un vecino más.

La Linterna

La linterna, con sus 16 metros de altura y un peso aproximado del 10% de total de la cúpula, es una pieza clave en el conjunto arquitectónico. Hasta aquel momento las linternas eran pequeñas o inexistentes. Está inspirada en los templos circulares de la Roma Imperial y abierta a los vientos. Está diseñada como el remate indispensable a una cúpula apuntada y es una especie de punto de fuga de la perspectiva de la catedral.

Se podira decir que la linterna es un resumen de todo lo que sucede debajo de ella. Es como una maqueta de la catedral completa, con sus contrafuertes, diseñada en estilo gótico, con planta octogonal y consagrada a Santa María de las flores al igual que la catedral.

Finalmente con la construcción de la linterna diseñada por Brunelleschi la cúpula pasa a tener la misma dimensión en planta que en sección, la misma altura que anchura, el mismo camino para los hombres que para Dios.

Construcción

Agujeros donde se anclaban los andamios durante la construcción

El triunfo de Brunelleschi sobre sus competidores se debió en gran parte a su plan de ejecución minuciosamente elaborado en el que se tuvo en cuenta hasta el más mínimo detalle.

Introdujo también un sistema de construcción sin cimbras: la cúpula no se podía levantar con los medios técnicos disponibles (recordemos que una cúpula en construcción tenía que ser sostenida hasta llegar a la clave de bóveda, mediante grandes estructuras de madera que no se sabían construir). Evidentemente, cuando en el Trecento se construyó el tambor había en Florencia carpinteros capaces de armar cimbras de este tamaño: pero finalizado el tiempo de las grandes construcciones y con la tendencia al refinamiento decorativo, se había perdido el oficio para realizar trabajos de esta envergadura.

Brunelleschi hubiese podido intentar recuperar la técnica olvidada, pero optó por inventar una nueva técnica, no para construir cimbras sino para auto sostener la

cúpula durante su construcción: la cúpula se iba cerrando a medida que iba subiendo.

Los andamios se anclaban al propio tramo de cúpula ya construido para ir elevándose. En un primer momento los andamios se colocaban en el lado interior mientras que a partir de un tercio de la altura total aproximadamente se empezaron a situar en la cara exterior. Los agujeros necesarios para anclar los andamios servirían más tarde para permitir la ventilación y la entrada de luz.

Estructura

Cúpula octogonal

Se trata de una cúpula apuntada y rematada por una gran linterna, con una estructura realizada con ladrillos, sobre una base octogonal y compuesta de dos cascarones paralelos. Tanto el interior como el exterior son apuntados siguiendo un arco con un radio de 6/7 del diámetro del octógono inscrito en su base. Como la capa interior, al tener un radio menor, se cierra antes, la anchura de la segunda capa aumenta con la altura. La diferencia de radios de curvatura contribuye a que las fuerzas se distribuyan siguiendo una curva llamada de pétalo de flor, con un punto de máximo tensión en el cual se colocó un anillo de refuerzo con vigas de madera para soportar las tensiones.

Entre ambas capas se encuentra la capa de aire con los nervios y anillos que forman la estructura de la cúpula. Esta capa vacía permite aligerar casi en un tercio el peso total de la cúpula, así como la existencia de dos galerías que permiten acceder a la linterna mediante una escalera en algunos tramos caracol, con peldaños estrechos y en otros vertical, sumando 636 escalones hasta alcanzar el balcón de la linterna. La combinación de las tres capas y la forma apuntada permite una reducción de peso de casi un 45 % respecto a una cúpula semiesférica. Desde el punto de vista mecánico y dinámico capas actúan como una sola.

La cúpula está formada por 24 nervios de ladrillos dispuestos en forma de espina de pez. Los ocho que recorren los vértices de la cúpula, son los nervios principales, ya que recogen el peso de la estructura. Dos nervios más por cara ayudan a repartir el peso de la cúpula. Este total de 24 nervios parten de un anillo de piedra y ladrillo en la base de la cúpula, el cual recoge sus esfuerzos y los transmite al tambor. Paralelamente al anillo de la base, hay once anillos formados por arcos de ladrillo entre nervio y nervio, que distribuyen las fuerzas tangenciales de manera uniforme y transmiten el peso de las estructuras a los nervios.

Los ocho nervios de piedra y mármol que se ven en el exterior son decorativos y no cumplen ninguna función estructural, ya que los nervios que aguantan la cúpula no se ven ni desde fuera de la catedral ni desde dentro. Sirven para definir los ocho triángulos que forman la cúpula y le confieren, rompiendo la indefinición de una cúpula monocroma, un volumen y consistencia que. de otra manera, hubieran quedado difuminados.

Materiales

Ladrillo, piedra y mármol son los materiales utilizados principalmente aunque la cúpula cuenta también con tirantes de madera y anclajes metálicos.

BASILICA SAN LORENZO

Concepto

En la iglesia de San Lorenzo, Brunelleschi perfeccionó su estilo austero y geométrico, inspirado en la antigua Roma y completamente diferente del gótico florido que prevalecía en su época.

Su característica principal consistía en el predominio de las proporciones matemáticas, marcado por un orden espacial modular, basado en las formas cúbicas, con nervios ortogonales, líneas rectas y planos lisos. Esta arquitectura austera se convirtió con su rigor geométrico en un paradigma para la mayoría de los edificios posteriores del renacimiento florentino.

Descripción

Las estructuras de apoyo verticales y horizontales, columnas, pilastras y arcos se diferencian cromática y materialmente de las estructuras complementarias, paredes y ventanas. La legibilidad del espacio arquitectónico, centrada en la dicromía gris-blanco, la relación de proporción matemática y geométrica entre las diferentes partes del edificio, junto con la luz difuminada que no crea zonas de sombra, otorgan al espacio arquitectónico de San Lorenzo una excepcional belleza armónica.

La capilla principal se abre al transepto, y tiene la misma altura y anchura que la nave principal.

La nave es de cruz latina, tiene diez capillas de bóveda de cuatro puntos, que se abren a la zona del crucero y a la del transepto.

Las capillas laterales tienen la misma proporción que los arcos de las naves, y están cubiertas por bóveda de cañón.

Exterior

Fachada desnuda y plana de ladrillos

La iglesia con la gran cúpula de la Cappella dei Principi y la más pequeña de la Sagrestia Nuova cuya esfera de bronce en la linterna fue diseñada por Miguel Ángel, se eleva por encima de los puestos de mercado de la plaza de San Lorenzo.

Fachada externa

El frente oeste permanece en el mismo estado desde 1480, mostrando una fachada desnuda y plana de toscos ladrillos de terracota cada vez mas horadados por el tiempo.

Leo X convocó un concurso para una fachada en el que participaron artistas como Rafael, Giuliano y Antonio da Sangallo, Jacopo Sansovino y Baccio d´Agnolo, pero en 1516 la empresa fue encomendada a Miguel Ángel quien dedicó mucho tiempo al diseño de una fachada grandiosa, pero sólo pudo llevarse a buen término la fachada interior. Los modelos diseñados por el artista pueden verse en la exposición de la Casa Buonarroti

El Campanario es de 1740.

Interior

Tanto en San Lorenzo, como en la otra iglesia de planta basilical, el Santo Spirito, utiliza el bicromatismo para enfatizar esa perfección geométrica del diseño que tanto debe a la perspectiva.

En San Lorenzo volvemos a encontrar las pequeñas ménsulas que marcan el módulo, un módulo que en ambas iglesias está basado sobre el círculo inscrito en un cuadrado. En ambas iglesias la columna, al modo clásico, adquiere una importancia de primer orden y, a la vez que se respetan sus proporciones, su altura resulta aumentada mediante la inclusión de un fragmento de entablamento sobre el capitel. Este elemento probablemente lo tomara Brunelleschi de la Basílica romana de Constantino, aunque allí no aparece sobre columnas exentas, y es un elemento que tendrá su proyección en el Renacimiento español.

Las paredes de la nave central tienen ventanas pequeñas y las laterales óculos, ventanas pequeñas y redondas, las que dan iluminación natural al interior. Como elementos decorativos existen numerosas pinturas y frescos

Fachada interna

La fachada interna está compuesta por tres puertas encuadradas entre dos pilastras adornadas con madera de roble y laurel y resguardadas por un balcón sostenido por dos columnas corintias.

Suelo

En San Lorenzo el suelo de la nave esta dividido en cuadrados que corresponden al tamaño de las crujías y la línea oscura del eje central invita al visitante a

moverse a lo largo de ella con lo que ambos muros de la nave parecen disminuir al mismo ritmo en dirección al punto de fuga.

Los cuadrados del suelo junto con los artesones del techo suministran unas coordenadas espaciales cuya función de vías métricas es comparable a la que en los cuadrados del renacimiento se reserva al escorzado suelo de mármol. Los artesanos están integrados en el sistema modular de todo el edificio. El diámetro de cada uno, medido entre centro y centro del marco, es de 4,5 módulos (si contamos como modulo medio diámetro de columna), y esta medida corresponde exactamente a la altura de las ventanas del triforio. Además el diámetro del relleno de cada artesón es de dos módulos, o sea, igual al diámetro de la columna En San Lorenzo se evidencia esta maravillosa concepción perspectiva y la suprema claridad lineal de los perfiles de piedra.

Materiales

Los materiales utilizados son: la piedra para los elementos constructivos y el mármol y otros materiales para revestimientos.

La piedra en algunos casos es “piedra fuerte” y en otros conglomerados de arenisca "piedra serena", como es el caso de las columnas sobre las que se apoya el pequeño balcón de la fachada interna o la escalera de la biblioteca, obra de Miguel Angel.

Resaltan los elementos estructurales, tales como las columnas o acabados de mármol, o los dorados que decoran el techo de la iglesia.

Púlpitos de bronce : estos son el último trabajo de Donatello, hechos en paneles labrados y terminados por sus pupilos Bertoldo y Bartolomeo Bellano.

FLORENCIA, RENACIMIENTO

Filippo Brunelleschi y La Capilla Pazzi

En Arquitectura, Mundo Clásico el  julio 12, 2013 a las 4:01 pm

Capilla Pazzi, Claustro de la Basílica de la Santa Croce, Florencia

Construida durante el Quattrocento, fue un regalo de la familia Pazzi a la

iglesia florentina de la Santa Croce. Tenía pues función religiosa, pero

además de servir como recinto funerario para la familia, también se edificó

como lugar de reunión para los monjes franciscanos.

Capilla Pazzi, 1858, Carl Georg Anton Graeb

Obra de Filippo Brunelleschi, el templo, de pequeñas dimensiones, se

encuentra situada al este del primer claustro de la Santa Croce. Lo que

convierte en una obra maestra de la arquitectura renacentista a la capilla

Pazzi es su elegancia en las proporciones y espacios, su luminosidad y su

sencillez en el esquema. Es una capilla de pequeñas proporciones pensada

para el ser humano, no para Dios.

Capilla Pazzi, Brunelleschi, Florencia

De planta de cruz griega con una cúpula central y pórtico exterior, la

fachada presenta un pórtico de cinco tramos entre seis columnas de orden

compuesto y fuste liso. Los cuatro extremos se encuentran adintelados, el

central de más altura en forma de arco del triunfo semicircular. La cúpula

presenta doce vigas, y doce son también sus ‘ojos’, pareciendo que “esté

colgando”, pues la cornisa, sutilmente decorada, y de menor altura que el

tambor, no toca los arcos que la sostiene. La Capilla Pazzi fue la última obra

de Brunelleschi, quien no la vio terminada, ocupándose tras su muerte los

arquitectos Michelozzo y Giuliano da Maiano.

PALACIO PITTI

ORIGENES

La construcción de este severo e imponente edificio fue encargado en 1458 por el banquero florentino Luca Pitti, amigo y aliado de Cosme de Médicis, apodado "el Viejo" (1389-1464). La historia temprana de este palacio es una mezcla de mito y realidad. Se dice que Luca Pitti quería construir un gran palacio que desbancase al Palacio Medici Riccardi, dando precisas instrucciones sobre el tamaño de las ventanas (éstas debían ser mayores que el pórtico del Palacio Medici Riccardi). Ilustradas personalidades como Vasari mantuvieron que Brunelleschi fue el verdadero arquitecto del palacio y que su aprendiz Luca Fancelli realizó simplemente la tarea de ayudante. Actualmente, se atribuye el diseño del palacio a Fancelli.

Aparte de las obvias diferencias estilísticas entre ambos arquitectos, Brunelleschi murió doce años antes de que comenzasen las obras del palacio. El diseño y la posición de los vanos sugieren que Fancelli tenía más experiencia en arquitectura utilitaria doméstica que en las reglas humanistas definidas por Alberti en su manual De Re Aedificatoria.

El palacio original, aunque impresionante, no logró rivalizar en términos de tamaño y contenido con la magnificencia de las residencias de la familia Médicis. El arquitecto iba contracorriente a la moda de la época, pues la mampostería almohadillada de la piedra reforzada por la repetición de vanos y arcadas dan al edificio una apariencia severa y dura, que recuerda a un acueducto del Imperio romano (arte all'antica). Este diseño original ha superado el paso del tiempo, pues la fórmula de su fachada se mantuvo durante las sucesivas ampliaciones del palacio, extendiéndose su influencia en numerosas imitaciones durante su época y en las recreaciones del siglo XVIII.

Los trabajos del palacio se pararon tras los incidentes financieros que sufrió Luca Pitti a raíz de la muerte de Cosme de Médicis, en 1464, quedando el palacio inconcluso a la muerte de éste en 1472.

Galerías del Palacio[editar · editar código]

El palazzo es en la actualidad el complejo museístico más grande de Florencia. El principal edificio palatino, habitualmente denominado corps de logis tiene una superficie de 32.000 metros cuadrados, y está dividido en las secciones citadas aquí.

Galería Palatina[editar · editar código]

La Donna Velata de Rafael, de las colecciones Médicis de la Galería Palatina.

La Galería Palatina, situada en el piano nobile del palacio, es probablemente el más famoso conjunto que en su día formase parte de las famosas colecciones Médicis. Este museo, que atraviesa los apartamentos reales, contiene obras de Rafael, Tiziano, Correggio, Rubens y Pietro da Cortona, entre otros. Sigue manteniendo la apariencia de una colección privada, pues las obras de arte están dispuestas a la manera de un palacio, en vez de la colocación típica de los museos.

Las principales estancias fueron decoradas por Pietro da Cortona en puro estilo barroco, que pintó frescos en siete salas del palacio. De hecho, se considera uno de sus mejores trabajos la inmensa serie de frescos de la Sala della Stuffa (1637- 1642), que representan la Edad del Oro, la Edad de la Plata, la Edad del Cobre y la Edad del Hierro, y las Salas de Marte, Júpiter y Venere (1647), que sirvieron de modelos para los Salons des Planétes de Le Brun en el Palacio de Versalles. El resto de los cuartos fueron completados a los largo del siglo XVII por Ciro Ferri.

La colección se abrió al público por primera vez al final del XVIII por el Gran Duque Pietro Leopoldo, que quería obtener la popularidad tras el fin de la dinastía Médicis.

Apartamentos Reales[editar · editar código]

Éstos son un conjunto de catorce estancias, usadas formalmente por la familia Médicis y sus descendientes. Estos cuartos han sido notablemente alterados desde la era Médicis, principalmente durante el siglo XIX y contienen una colección de retratos de los Médicis, muchos de ellos por Justus Sustermans.

En contraste con los grandes salones de la galería palatina, muchos de estos cuartos son pequeños e íntimos que, aunque lujosos y formales, están más acordes con las necesidades cotidianas. Los Reyes de Italia usaron como residencia real el Palacio Pitti hasta 1920, pues aunque ya se había convertido en museo, se reservaron unas estancias para sus visitas a Florencia.

Galería de Arte Moderno[editar · editar código]

María Estuardo en Crookstone, de Giovanni Fattori, en la Galería de Arte moderno del Palacio Pitti.

Esta enorme colección, que se extiende a lo largo de cuarenta cuartos, incluye obras de los artistas del movimiento Macchiaioli y otras escuelas modernas italianas. Las pinturas de este movimiento, junto con la escuela de Toscana del siglo XIX (dirigida por Giovanni Fattori) fueron precursores del Impresionismo. El periodo comprendido en esta galería va de 1800 a 1939, pues el arte posterior a la II Guerra Mundial (arte contemporánea), se exhibe en el Centro per l'arte contemporanea Luigi Pecci en la ciudad de Prato.

Museo de la Plata[editar · editar código]

El Museo de la Plata, a veces llamado "El Tesoro Médicis", contiene una colección de valiosa plata, camafeos, trabajos en gemas semipreciosas y orfebrería de la antigüedad, ambos pertenecientes a la colección de Lorenzo de Médicis. Estas salas formaban parte de los apartamentos privados, decoradas en frescos por pintores del siglo XVII como Giovanni di San Giovanni. El Museo de la Plata también posee un magnífico conjunto de plata alemana, donada por el Gran Duque Fernando cuando tras la derrota napoleónica en 1815.

Museo de la Porcelana[editar · editar código]

Esta colección se abrió al público por primera vez en 1973, instalándose en el "Casino del Cavaliere" de los Jardines del Bóboli, y está compuesta por piezas de las más famosas factorías europeas (Sèvres, Meissen, Capodimonte). Muchas piezas son regalos diplomáticos de cortes extranjeras, y otros fueron encargados por la corte del Gran Duque. Las joyas de la colección son los servicios de cena de la fábrica de Vincennes, y las figuras biscuit de Capodimonte.

Los jardines del anfiteatro, en los Jardines de Boboli, Palacio Pitti.

Galería de Trajes[editar · editar código]

Esta galería, situada en una ala del palacio conocida como "Palazzina della Meridiana", consta de un conjunto de vestuario teatral que abarca del siglo XVI al siglo XXI y las vestiduras funerarias de Cosme I de Médicis, su mujer, Leonor Álvarez de Toledo y su hijo García. Esta colección fue abierta en 1983 por Kristen Aschengreen Piacenti.

Museo de Carruajes[editar · editar código]

Situado en el planta baja del palacio, el Museo de Carruajes muestra carrozas y otros enganches que se usaban en la corte gran ducal en los siglos XVIII y XIX. Hay una gran variedad de coches de caballos, desde los más sencillos a los más ostentosos, como la "Carrozza d'Oro", decorada con pan de oro y paisajes. Otros

puntos de interés son las calesas del Rey de las Dos Sicilias y de los arzobispos de Florencia.

El Palacio hoy

El Palacio Pitti, un centro de exhibiciones y atracción turística de Florencia.

Comparado con muchos de los grandes palacios de Italia, el Palacio Pitti no destaca, a primera vista, en especial; no tiene la imponente e impresionante presencia del Palacio Real de Caserta, ni la apariencia de fortaleza del Turín, ni la elegancia del Palacio Real de Nápoles o del Palacio del Quirinal. La relevancia arquitectónica del Palacio Pitti es su severidad y simplicidad, una estructura que ha sido copiada repetidas veces a los largo de la historia. Llama la atención por la magnificencia del tamaño, la fuerza y el reflejo de la luz en la repetitiva estructura de piedra de la fachada, en la que el vasto y sólido almohadillado quita importancia a la ornamentación y la elegancia del diseño. Como en muchos otros palacios italianos, se debe entrar en el edificio para apreciar plenamente su arquitectura.

El control del palacio y los museos está en manos del estado italiano a través del "Polo Museale Fiorentino", una institución que administra numerosos museos de la ciudad, como la Galería Uffizi. A pesar su metamorfosis de residencia real a edificio público, el palacio sigue manteniendo su atmósfera de colección privada, gracias en gran parte a la asociación "Amici di Palazzo Pitti" (Amigos del Palacio Pitti), integrada por voluntarios y patronos (fundada en 1996) que recogen fondos y hacen sugerencias para el continuo mantenimiento del palacio y las colecciones.

En su sexto siglo de existencia, el Palacio Pitti, está mejor mantenido y más espléndido que nunca, siendo visita turística obligada de los cinco millones de visitantes que recibe Florencia cada año. El edificio sigue impactando enormemente a todos los que la visitan, exactamente para lo que fue construido.

PALACIO RUCELLI

Historia[editar · editar código]

El palacio fue construido entre 1446 y 1451 por Bernardo Rossellino, siguiendo un diseño de León

Battista Alberti. La fachada se terminó cuando ya estaba terminado todo el interior hacia 1455. Fue

encargado por Giovanni Rucellai, miembro destacado de la familia Rucellai, ricostintoreros de

tejidos. Este palacio está hecho de piedra

León Battista Alberti realizó una obra maestra de estilo y sobriedad, y se dice que proyectó este

palacio casi como ilustración de su manual De Re Aedificatoria (Sobre la Arquitectura) de 1452, en

donde se explica que la arquitectura debe imponerse más por el prestigio de las proporciones que

por la demostración de belleza y lujo. Rossellino no se limitó a ejecutar los planos, sino que aportó

un aumento de las dimensiones originales.

El palacio sigue perteneciendo a la familia Rucellai. En los años 1990 ha sido sede del Museo de

Historia de la Fotografía Fratelli Alinari.

Arquitectura[editar · editar código]

El orden arquitectónico del piano nobile y escudo.

La fachada con mampostería de arenisca uniforme y plana, está subdividida horizontalmente de

modo progresivamente más complejo y está finamente decorada, los motivos decorativos formales

de un correcto orden clásico están sustituidos por las armas de los Rucellai. En la planta

baja lesenas de orden toscano dividen la superficie en espacios en los que se abren las dos

portadas (originalmente sólo había uno, pero se duplicó simétricamente cuando se duplicó el

palacio y la fachada). Los arcos de los vanos que se alinean en vertical con las puertas son

ligeramente más amplios que los otros y están además rematados por los escudos elegantemente

esculpidos sobre las ventanas del primer piso. Hay delante un banco de calle, un elemento que

además de resultar útil para los viandantes, creaba una especie de base para el palacio, como si

se tratara de un estilóbato. El respaldo del banco reproduce el motivo del opus reticulatum romano.

En el primer piso (piano nobile) lesenas de tipo jónico con rica decoración, y en el último piso,

lesenas de tipo corintio más sencillas y más correctas, se alternan con ventanas de medio punto,

modeladas por arcos y columnas biforas. Los tres órdenes hacen pensar de modo bastante claro

en la estructura del Coliseo de Roma. También la mampostería con conchas se inspira de la

arquitectura romana, como en el motivo de la basa imitando el opus reticulatum. Las lesenas

decrecen progresivamente hacia los pisos más altos, proporcionando un efecto perspectívico más

lanzado del palacio respecto a su altura real.

Como se ha dicho la fachada del palacio está organizada en tres cuerpos, construido en piedra y

dividido por cornisas y a su vez organizados por pilastras, que se han utilizado para la

superposición de órdenes. También hay que mencionar el almohadillado, que apenas sobresale de

la pared lo que remarca su elegancísa. Las ventanas están geminadas y separadas por columnas,

por lo que se hace una alternancia entre pilastra y columna.

La parte superior del palacio está rematada por una cornisa que sobresale poco, sostenida por

ménsulas, detrás de las cuales se halla oculta una logetta adornada por pinturas monocromas

del Siglo XV, según algunos obra de Paolo Uccello. El friso de la planta baja contiene las armas de

la familia Rucellai: tres plumas en un anillo, las velas infladas por el vento y el escudo familiar, que

aparece también sobre los blasones encima de las puertas.

Sigue al Palacio Medici Riccardi hecho por Michelozzo di Bartolomeo en el año 1444, siempre

introduciendo innovaciones.

Interior[editar · editar código]

En el interior del palacio hay que señalar el patio renacentista, a pesar de que hoy en día las

arcadas de dos de los lados se han tapiado. Unos amplios arcos de medio punto están sujetos por

capiteles corintios muy elaborados, que recuerdan los de las columnas superiores de la puerta

del Baptisterio de San Giovanni.

Algunas habitaciones se decoraron con frescos de Gian Domenico Ferretti, de Lorenzo del Moro y

de Pietro Anderlini.

Monumentos relacionados[editar · editar código]

Detrás del palacio se ecuentra la antigua iglesia de San Pancrazio en la que hay otra obra maestra

de Alberti, el templete del Santo Sepulcro, en el interior de la antigua nave izquierda, el único

espacio aún consagrado de esa estructura, que hoy alberga el Museo Marino Marini. Delante del

palacio León Battista Alberti también edificó la Logia Rucellai. También la fachada de la

vecina basílica de Santa Maria Novella fue diseñada por Alberti por encargo de Giovanni Rucellai.

Historia[editar · editar código]

La nave central de la iglesia, de estilo gótico.

Detalle del arco de medio punto central.

En el siglo IX existía un pequeño oratorio dedicado a Santa María de la Viña, y sobre él se levantó,

en 1049, la iglesia de Santa María Novella, concedida, en 1221, a doce frailes dominicos, quienes,

guiados por Fray Giovanni da Salerno habían llegado a la ciudad provenientes de Bolonia dos años

antes. La ampliación de la iglesia comenzó en 1279, y fue proyectada por Fray Sisto de

Florencia,Fra Jacopo Pasavanti y Fray Ristoro de Campi. Se terminó a mediados del siglo XIII y fue

consagrada por el Papa Eugenio IV en 1420.

La fachada[editar · editar código]

La fachada de mármol se encuentra entre las obras más importantes del Renacimiento florentino.

Se finalizó en 1480. La primera intervención se realizó en 1350, cuando la zona fue recubierta de

mármol blanco y verde gracias al mecenazgo de una tal Torino Del fu Baldese, muerto un año

antes. De esa época datan los seis nichos de las dos portadas laterales, de estilo gótico, así como

la ornamentación de mármol a recuadros. En uno de esos nichos Giovanni Boccaccio ambientó

uno de sus relatos del Decamerón (VIII 9). Los nichos continuaron a lo largo de la pared oriental

externa de la iglesia y alrededor del recinto del cementerio. En uno de ellos está enterrado el

pintor Domenico Ghirlandaio.

Por encargo de la familia Rucellai Leon Battista Alberti, diseñó la gran puerta central, los frisos y el

complemento superior de la fachada, en mármol blanco y verde oscuro (se terminó en 1470).

Alberti armonizó los elementos previos góticos con los nuevos, puramente renacentistas. Las

incrustaciones bicolores se inspiran en el románico florentino, en concreto en la basílica de San

Miniato al Monte. Alberti también ideó las dos volutas que permiten salvar la distancia existente

entre la nave central y las laterales. La voluta de la derecha fue recubierta de mármol en 1920

Elementos[editar · editar código]

La fachada consta de dos volutas que unen el cuerpo central con los laterales, dando así

proporción y armonía a la obra, que al fin y al cabo, es la característica principal del renacimiento.

El empleo de un frontón clásico es otro elemento tomado del repertorio ofrecido por la antigüedad,

repertorio que Alberti reelaboró siempre con gran libertad. La relación armónica entre el ancho

cuerpo inferior y el mucho más estrecho cuerpo superior de esta fachada, la resolvió el arquitecto

con las dos volutas ya mencionadas, motivo de gran repercusión en la arquitectura religiosa del

siglo XVI.

Para Alberti, las formas geométricas simples, impulsan a meditar sobre las verdades de la fe, idea

que participa de las corrientes estéticas neoplatónicas dominantes en la cultura florentina, ya que

demuestra cómo las formas visibles son portadores de significaciones ideológicas precisas y

porque la incrustación geométrica realiza el ideal de la reducción de la forma al puro "diseño". La

fachada tiene un arco de medio punto característico de la arquitectura clásica. En el semicírculo

delimitado por los capiteles de las pilastras y el arco de medio punto, hay representada

una moldura con una escena religiosa, como se aprecia en la foto adjunta.

Al mismo tiempo, la combinación de rectángulos y los materiales empleados, de acuerdo con la

tradición medieval florentina, prestan particular belleza al conjunto. Se recuperan las superficies

con incrustaciones geométricas del románico florentino, de San Miniato por ejemplo, pensando

quizás que el románico florentino era la última expresión o la primera joya renacida de lo "clásico".

Pero elabora el tema románico a partir de los principios, deducidos de Vitruvio, de la composición

modular, asumiendo como módulo compositivo el cuadrado. Se puede apreciar la intención de

resaltar la portada de la iglesia por la colocación de múltiples elementos decorativos:

Pilastras  que dan estética y proporción al espacio ocupado por el portón.

El arco de medio punto que le da estabilidad y lo dota de armonía y belleza.

La colocación de molduras de color marrón oscuro con formas irregulares alrededor

del portón consigue contrastarlo con las otras formas ya mencionadas.

La colocación final de dos grandes pilastras de mármol verde y capitel

corintio encuadra todo los recursos decorativos de la portada al conjunto de la

fachada.

Cerca de la base de la fachada se encuentran diversos arcos apuntados adornados

con mármol blanco y rojo alternativamente. Esto hace a la obra más proporcionada, ya

que si no existieran dichos arcos, la obra quedaría similar a un bloque gigantesco de

mármol, de esta forma, se consigue hacer a la obra más proporcionada, más humana.

En la cumbre tenemos una cruz latina hecha de un núcleo de hierro y recubierta de oro

puro.

Elementos de la fachada.

Leon Battista Alberti[editar · editar código]

Artículo principal: Leon Battista Alberti

Nacido en Génova hacia 1404, se formó en Humanidades en Padua y Derecho en Bolonia. En

1435 redactó un "Tratado de la pintura", donde teoriza sobre los gustos estéticos de los

pintores florentinos y su deseo de superar las realizaciones de griegos y romanos. En 1452

escribe su "Tratado de arquitectura", un ensayo sobre el arte edificatorio incluyendo aspectos

técnicos y que influirá en la tradición arquitectónica renacentista. Realizó la iglesia de San

Andrés, en Mantua (1470), cuyo modelo será adoptado más tarde por los jesuitas; también

construyó el palacio Rucellai (1453) y la fachada de la Santa María Novella (1458), ambas en

Florencia. La figura de Alberti será tomada como modelo de erudición humanística en la

primera mitad del siglo XV, al modo en que lo hará Leonardo algo más tarde. Murió en Roma

en el año 1472.

Interior de la iglesia[editar · editar código]

La iglesia presenta una planta de cruz latina, con características típicas de la arquitectura

gótica cisterciense, dividida en tres naves. Contiene numerosas obras de arte, destacando

el fresco de La Trinidad, obra de Masaccio, obra experimental en el uso de la perspectiva. Es

de reseñar así mismo la Capilla Tornabuoni, que contiene los frescos de Domenico

Ghirlandaio (entre ellos, su Natividad de María), y la capilla Gondi, que alberga la única obra

en madera de Brunelleschi, el famoso Crucifijo. Giorgio Vasari fue el arquitecto que llevó a

cabo la reforma entre 1565 y 1571, renovó el recinto del coro y reconstruyó los altares

laterales, lo que propició la construcción de la ventana gótica. De nuevo se reformó entre 1858

y 1960 bajo las órdenes de Enrico Romoli. Dentro podemos ver la farmacia más antigua de

Europa que data de 1221 y una actividad continuada de más de 4 siglos.

El convento[editar · editar código]

Anexos a la iglesia se encuentran los edificios conventuales, que contienen tres claustros, que

forman parte del Museo de Santa María Novella.

Es de destacar la sala capitular, conocida también como capilla de los españoles, pintada al

fresco por Andrea de Bonaiuto en torno a 1365. Esta capilla fue destinada por el Gran

Duque Cosimo I a las funciones religiosas de los españoles que pertenecían al séquito de su

esposa Leonor de Toledo.