Historia del cine (Fuente: curso del CNICE “El cine, un recurso didáctico”)

Antecedentes Lumière Méliès

Países Gran Bretaña EEUU Francia España

Primeros años: cine mudo

Países Francia EEUU Suecia

Posguerra

Países Francia Alemania Cine Soviético EEUU

Autores David Wark Griffith Abel Gance Vsevold Pudovkin Sergei M. Eisenstein

Cine sonoro

Países Alemania EEUU Francia URSS Gran Bretaña Italia España

Autores Charles Chaplin Jean Renoir Alfred Hitchcock Robert Flaherty

Años 40-50

Países EEUU Gran Bretaña URSS Francia Posguerra Italia EEUU Francia Gran Bretaña España Otros Paises

Autores Orson Welles Luchino Visconti Roberto Rossellini Luis García Berlanga Juan Antonio Bardem

Años 60-70

Países EEUU Francia Gran Bretaña Italia España Otros Paises

Autores François Truffaut Federico Fellini Luis Buñuel Jean-Luc Godard Ingmar Bergman Stanley Kubrick

Akira Kurosawa

Años 80-90

Países EEUU Europa Francia Italia Gran Bretaña Alemania España Otros Europeos Otros Países Latinoamérica Asia África Australia, Nueva Zelanda y Canadá

Autores Steven Spielberg Pedro Almodóvar Francis Ford Coppola

Historia >Antecedentes

El cine, como medio de captación del movimiento y forma de narración, tiene unosantecedentes lejanos en la historia. Los primeros intentos del hombre por captar elmovimiento y plasmarlo en una representación artística se remontan a las pinturasrupestres y a las sombras chinescas.

Las primeras representaciones plásticas narrativas están presentes en el arteegipcio, griego, asirio y romano, como es el caso de la "columna de Trajano" dondese narran las hazañas del emperador romano.

En 1640, el jesuita alemán Athanasius Kircher, describe, de manera muy gráfica,en su libro Ars Magna Lucis et Umbrae, el nuevo invento que acaba de idear: lalintera mágica, artilugio que permite "proyectar el movimiento".

Sin embargo,el nacimiento del cine no tendrá lugar hasta que surjan los avancestécnicos y científicos que lo posibiliten:

Las investigaciones en torno al fenómeno de la persistencia de la visión.

Y la fotografía, concretamente con las investigaciones sobre ladescomposición del movimiento en fragmentos fotográficos, lo que se conocecomo cronofotografía.

Puesto que el desarrollo de la cronofotografía permitirá descomponer el movimientoen fracciones fotográficas mínimas, ahora queda tan sólo recomponerlo a través dela proyección sucesiva de aquellas fotografías sobre una pantalla. Gracias a lapersistencia retiniana, el ojo humano percibirá esa sucesión de imágenes como unmovimiento continuado. Se trata pues de la combinación del principio de la linternamágica de Athanasius Kircher y de un dispositivo que permita el arrastreintermitente de la película. Otro invento que hace posible la aparición del cine es lapelícula de celuloide que, al ser flexible, resistente y transparente, y por admitirlas perforaciones necesarias para el arrastre, será el soporte utilizado desdeentonces. Una vez avanzadas las investigaciones, los únicos problemas ocasionadospor la película serán los derivados de su condición altamente inflamable.

El Kinetógrafo y El Kinetoscopio

Las películas más antiguas que se conservan datan de 1890 y son obra de WilliamK. Laurie Dickson, director del proyecto de la casa Edison e inventor de la cámaraque Edison patentará en 1891, con el nombre de kinetógrafo.

Ese mismo año, Edison patenta su proyector, un aparato de visión individual, al quedenominará kinetoscopio. En él, el espectador, tras introducir una moneda, aplicasu ojo a un ocular, a través del cual ve una película. La decisión de Edison de optarpor la visión individual, en lugar del espectáculo colectivo, tiene su justificación enla rentabilidad puramente económica del invento, pero también influyen en sudecisión la mala calidad de imagen que obtienen por entonces sus aparatos deproyección y la dificultad de resolver, de manera eficaz, el problema del arrastre dela película. El kinetoscopio se comercializa en Estados Unidos en 1894 con tal éxitoque, ese mismo año, llega a Europa.

De la colaboración entre Edison y Dickson nacerá el primer estudiocinematográfico.

El Cinematógrafo

Los descubrimientos de Edison serán conocidos en toda Norteamérica y llegarán aEuropa donde supondrán una valiosísima aportación a los estudios que allí serealizan. Sin embargo, las líneas de investigación que habrán de conducir aldescubrimiento del cine, irán encaminadas a inventar una cámara más ligera quepueda ser desplazada con facilidad a los lugares de filmación, y un proyector quepermita exhibir las películas en público y sobre una pantalla.

"Aparato que sirve para la obtención y visión de pruebas cronofotográficas". Estaspalabras sirven a los hermanos Louis y Auguste Lumière para definir el aparato quese disponen a patentar en 1895 y al que denominarán cinematógrafo.

La cámara es sencilla y muy práctica. El arrastre intermitente de la película seinspira en el mecanismo de una máquina de coser. Funciona mediante manivela,con película perforada de 35 mm, a 16 fotogramas por segundo. Es portátil y sirveindistitamente para filmar las imágenes y para realizar la proyección.

En estos años, otros inventores, en Inglaterra, Alemania y Estados Unidos,desarrollan aparatos con características similares al de los hermanos Lumière. Estaproliferación de investigaciones, experimentos y patentes es producto del progreso

científico y técnico que vive el final del siglo XIX, pero también del espíritumecanicista que surge, durante estos años, en todas las sociedadesindustrializadas.

En el Capítulo 1 de la Serie Amar el Cine hay comentarios eimágenes sobre los comienzos del cine, con aparatos ymuestras de películas de Lumière y de Méliès.

Historia > Lumière

Los hermanos Lumière, el 28 de diciembre de 1895, realizan la presentaciónpública del cinematógrafo, en el Salon Indien del Grand Café del Boulevard desCapucines, en París. Diversas personalidades relacionadas con el mundo de lacultura, la ciencia y el espectáculo son invitadas. Sin embargo, los asistentes a estaprimera proyección pública y de pago, serán escasos. Entre ellos se encuentraGeorges Méliès, director del Teatro Robert Houdin, que ya, en aquella primerasesión, manifiesta un interés especial por el invento. La reacción del público tambiénserá favorable, hasta el punto de que en los días sucesivos, se formarán ante elGrand Café, colas interminables. El programa incluye díez películas y tiene unaduración inferior a los quince minutos. (Podéis asistir a la primera sesióncinematográfica por Internet en www.institut-lumiere.org (se necesita el programaQuick Time) ).

El impacto que produce el cinematógrafo sobre los primeros espectadores tiene sujustificación en la extrema veracidad de las imágenes en movimiento quereproducen la realidad con una fidelidad jamás vista hasta el momento. Un realismoque convertirá al cine, ya desde sus orígenes, en el más importante testimonio de lasociedad y las costumbres de la época.

En 1895, los Lumière cuentan con un centenar de cintas y, en 1896, ponen enmarcha la producción de aparatos y contratan operadores a los que instruyen tantoen la proyección como en la filmación de vistas. Estos pioneros recorrerán lasprovincias y el extranjero. Pronto todas las capitales europeas y estadounidensesconocerán el cinematógrafo Lumière. Allí donde van, estos operadores proyectan laspelículas y además, registran nuevas vistas con las que se amplía el catálogo de laCasa Lumière, consiguiendo de este modo imágenes procedentes de todo el mundo.Pero la política comercial de los hermanos Lumière no consiste en la venta deaparatos, sino en la creación de concesionarios a los que se provee de operador,cinematógrafo y películas a cambio de un porcentaje de los ingresos.

El éxito comercial del cinematógrafo Lumière agudiza el ingenio de losinvestigadores, y pronto aparecerán nuevos fabricantes que, a diferencia de losLumière, no dudarán en vender sus aparatos a las empresas de espectáculos.

De esta manera, se inicia en estos años la competencia por los inventos y tambiénpor la producción de películas. En Francia aparecen Méliès y Pathé, en EEUU Edisony la compañía BIOGRAPH, en Londres William Paul...

Sin embargo, los Lumière, que siempre han considerado su invento como una"curiosidad científica", desconfian de su rentabilidad y antes de 1900 abandonan suexplotación. Su mente científica tampoco acepta la orientación teatral delespectáculo que el cine estaba tomando.

Filmografía

Entre las primeras películas realizadas por Louis Lumière destacan: La Salida DeLos Obreros De La Fábrica Lumière, Riña De Niños, Partida De Naipes, El RegadorRegado, primera película narrativa, una breve comedia, realmente un chiste; y unade sus obras de mayor éxito, La Llegada Del Tren, que provoca el pánico entre losespectadores sorprendidos por el tren que se les echa encima.

Capítulo 1 : Varias muestras sobre Lumière

Historia > Georges Méliès

Méliès y el Cinematógrafo

Cuando en diciembre de 1895, los Lumière organizan, en el Salón Indien del GrandCafé de París, la primera exhibición pública de cinematógrafo, no imaginan latrascendencia que alcanzaría aquella histórica proyección. Quien sí se percata delprodigio obrado por aquellos científicos es, naturalmente, un hombre delespectáculo, George Méliès, mago e ilusionista vocacional y director del teatroRobert Houdin de París que se dirigirá de inmediato a Antoine Lumière, padre de losinventores, para proponerle, aunque inútilmente, la compra de un aparato.

Tan sólo unas semanas después, se comercializa en Inglaterra un aparato similar alde los Lumière, y Méliès no dudará en adquirir uno. En un principio, incorpora laproyección de películas a los espectáculos del teatro Robert Houdin. Se trata deproducciones norteamericanas de Edison e inglesas de R.W. Paul. Pero lasimágenes del cinematógrafo producen en él un impacto tan poderoso, que elinquieto Méliès no podrá permanecer pasivo durante más tiempo. En seguida sepondrá al frente de una cámara.

Sus inicios

Descubrirá su primer trucaje fotográfico por casualidad: el paso de manivela. Enunas imágenes filmadas en la Plaza de la Ópera, súbitamente, donde había unaseñora jovencita, aparece un caballero, y un autobús cargado de personas setransforma en una carroza fúnebre. Lo que le sucede a Méliès aquella tarde es que,durante la filmación se le atasca la cámara, deteniéndose la película. En cuantoMéliès se percata de ello, corrige el desperfecto y, tras esa breve interrupción,reanuda el rodaje. Así, por pura casualidad, al ver el efecto en la proyección, elingenio de Méliès se pone en marcha.

Filmografía

Tras este acontecimiento fortuito, Méliès inicia una serie de películas en las quefilma los números de magia que se realizan en su teatro, aplicando trucos ysoluciones técnicas propias del cine. Este es el rumbo que inicia, en 1896, con lapelícula Escamoteo De Una Dama. Además de las apariciones y desapariciones,Méliès utilizará maquetas, sobreimpresiones, fundidos y encadenados, y tantosotros recursos que en sus manos se convierten en la base de la trama. Ante laspelículas de Méliès, el público, atónito, queda boquiabierto. En El Hombre Orquesta(1900), el propio Méliès, actor habitual en sus películas, se multiplica por sietemediante siete sobreimpresiones sucesivas sobre fondo negro, lo que le permiteinterpretar los siete instrumentos de la orquesta. También aplica la sobreimpresiónen El Melómano (1903), en la que la cabeza de Méliès salta, al ritmo de las notasmusicales, sobre un pentagrama formado por hilos de telégrafo. Y El Hombre De LaCabeza De Goma, es una vistosa anécdota que muestra la experiencia de uncientífico que experimenta con su propia cabeza, hinchándola como si fuera unglobo. El efecto se consigue mediante un travelling de acercamiento (sobre fondonegro) para aumentar el tamaño de la cabeza y la sobreimpresión para integrarlaen el laboratorio.

En 1897, Méliès construye en Montreuil el primer estudio de filmación de Europa yel segundo de la historia, tras el BLACK MARÍA de Edison, donde ejerció de autor,director, operador, actor y distribuidor. Allí, rodará Méliès cientos de películas,como Viaje A La Luna (1902), 20.000 Leguas Bajo El Mar (1907) y ¡A La ConquistaDel Polo! (1912). Apuestas todas ellas que dan muestra del ingenio ilimitado de sutalento, pero que suponen un esfuerzo económico demasiado grande para unareducida empresa de producción casi artesanal como la STAR FILM, que era elnombre de la productora de Méliès. Para entonces, las grandes sociedades europeasy norteamericanas, entre las que se encuentran la PATHÉ FRÉRES, la GAUMONT, laEDISON CO. y algunas otras, comienzan a consolidar sus potentes estructurasindustriales, con las cuales las pequeñas productoras independientes difícilmentepueden competir.

Su Cine

La concepción del cine que adopta Méliès es puramente teatral. Sus películasestán divididas en cuadros o escenas, los actores entran y salen por los laterales ysu gesticulación es exagerada, y por supuesto, la cámara, inmóvil, está ubicada enun único punto de vista ante el escenario. El elemento original lo aporta su autor,con esta extraña conjunción de elementos de la técnica fotográfica y de la teatral.Aunque hay que considerar que aporta al cine la continuidad narrativa, creandoa través de las escenas una relación argumental que hasta entonces no existía.

En 1906 la empresa de Méliès, la STAR FILM, entra en un proceso de decadencia

Historia > Países

El Cine va desarrollándose como exhibición en los espectáculos ambulantes, pero prontoencontrará un lugar en las ciudades, como atracción en algunos café-concierto en Francia y enlos music-hall ingleses y americanos, como forma de entretenimiento en los espectáculos devariedades.

que le llevará en 1911 a aceptar una ayuda financiera de Charles Pathé, poniendocomo garantía su estudio y el teatro Robert Houdin. Con el estallido de la guerra,Méliès, completamente arruinado, desaparecerá y no volverá a saberse nada de élhasta 1928. Es entonces cuando, tras catorce años de olvido, siendo ya un anciano,su figura es recuperada para Francia y para la Historia Universal del Cine.

Capítulo 6: Viaje a la LunaCapítulo 7: Al comienzo se habla de trucos y se puede ver una de Méliès.

Historia > Países > Cine en Gran Bretaña

La escuela de Brigthon

En los inicios del cine, destacan algunos precursores como William Friese-Greenque patentó un aparato "destinado a tomar fotografías en series rápidas", y RobertWilliam Paul que partiendo de los modelos de Edison, no patentados enInglaterra, construye en 1894 el kinetoscopio inglés, para el que creará, al añosiguiente, una cámara portátil con la que producir sus propias películas.

Una de las aportaciones más originales de este primitivo cine británico es la de lallamada Escuela de Brigthon, a la que pertenecen un grupo de profesionalesiniciados tanto en la fotografía como en la incipiente cinematografía. Sus másinsignes representantes son George Albert Smith y James Williamson, quecomienzan rodando películas según el estilo Lumière, pero que pronto abordanpequeños relatos cómicos, dramáticos o de fantasía, para los que habrán de echarmano a algunos recursos narrativos muy innovadores. El movimiento de lospersonajes se realiza tanto a lo ancho como en profundidad, interrumpen el planogeneral de la acción para intercalar un plano más corto, un primer plano, quepermita ampliar detalles. Aportaciones como éstas constituyen los pilares sobre losque habrá de construirse el montaje cinematográfico. También utilizan recursosinnovadores como la sobreimpresión, la panorámica y el travelling.

Y aún hay más. En Attack On A Chinese Mission Station (1900), en la queWilliamson reconstruye, desde una perspectiva colonialista, un episodio de larebelión de los boxers, la acción se traslada, a lo largo de sus cinco minutos deduración, a través de cuatro cuadros o escenarios distintos, dando al relato unavivacidad y un sentido expresivo sin precedentes. Esta intencionalidad en elmontaje de secuencias supone un paso hacia una narrativa propiamentecinematográfica, y un alejamiento de la vía teatral, muy presente en la obra deMéliès. Esta fragmentación del acontecimiento, narrado en varias secuencias,empleando el plano/contraplano y un boceto de acciones paralelas, la aplicaWilliamson a otro de sus hallazgos: la persecución, elemento esencial del cine deacción, de aventuras y del western. Frente a esta opción narrativa, ideada porWilliamson, el genio teatral de Méliès se habría limitado a coreografiar lapersecución sobre el escenario, en un único plano general y con la cámara inmóvil.Queda clara pues la aportación de esta escuela inglesa al nacimiento de unaverdadera narrativa fílmica.

Historia > Países > Cine Estados Unidos

Filmografía

En 1896, Edison continúa obteniendo muy buenos beneficios de la explotación desu kinetoscopio pero, ante los logros de los competidores, decide lanzar un aparatode proyección, desarrollado por un inventor llamado Thomas Armat, y le dará elnombre de Vitascopio.

En ese mismo año, se presenta en Nueva York el cinematógrafo Lumière. A partirde ese momento, el kinetoscopio, muy extendido, y el recién llegado vitascopiotendrán que competir con el invento francés y las películas de Edison con las de losLumière. Sin embargo, la ventaja adquirida por la empresa francesa es importante,y la EDISON CO. tendrá grandes dificultades para competir con ella. Pero será porpoco tiempo. En 1897, se aprueban importantes leyes proteccionistas que acabaránpor expulsar del mercado norteamericano a los representantes de Lumière.

A pesar de la difícil competencia de aquellos primeros años, la empresa de Edisontambién tendrá sus éxitos comerciales. En 1896, produce El Beso, que recoge unbreve fragmento de una escena íntima de La viuda Jones, una comedia deBroadway de esos años. El primer beso del cine será un gran escándalo y provocaráuna airada reacción moral por parte de los sectores más conservadores.

Vemos así como, en estos primeros años del cine, comienzan a prefigurarse algunosde los temas que más rentabilidad aportarán a la industria cinematográfica. Muestrade ello es la adopción del tema amoroso, que pronto derivará en el erotismo, yfrente a esta opción, otra, no menos popular, la religiosa, que convertirá el dramade Cristo en uno de los motivos más veces escenificado ante la cámara.

Las primeras Productoras y "La Guerra de las Patentes"

Desde que en 1897 se cierra en Estados Unidos el concesionario de los Lumière,tendrán lugar una serie de episodios que serán bautizados como "la guerra de laspatentes", por ser una especie de lucha entre varias empresas y pequeñoscomerciantes por hacerse con el control de explotación del monopolio del cine anivel internacional.

La EDISON CO. y otras nuevas productoras como la BIOGRAPH CO. (conducida,entre otros, por un antiguo colaborador de Edison, William K. Laurie Dickson) yla VITAGRAPH aprovecharán las imprecisiones legales para vender como propias laspelículas de la competencia, en particular las europeas, de las que sacaránduplicados, hasta que la vigilancia legal termine haciéndose más rigurosa y decidanvolver a rodar las películas, copiándolas sin demasiadas modificaciones.

En 1908 se pondrá punto y final a esta situación. LA EDISON CO. conseguirá ,después de 500 procesos judiciales, hacerse con el control de toda la industria,valiéndose de los derechos adquiridos por su patente del kinetoscopio y firmando unpacto con grandes empresas por el que se creará un trust internacional, la MOTIONPICTURES PATENTS COMPANY, que estará encabezada, cómo no, por Edison.

Otras Aportaciones

En el aspecto puramente cinematográfico, destacan, en estos años, las aportacionesde Edwin S. Porter, director artístico de la EDISON CO., que basará su laborcreativa en un detallado estudio de las películas llegadas de Francia e Inglaterra. Enellas, Porter halla las primeras manifestaciones de un cine narrativo, al que Mélièsaporta la puesta en escena, la Escuela de Brighton, la aplicación de importantesrecursos narrativos en el montaje, y Ferdinand Zecca la integración de todos estoselementos dentro del relato. Porter adoptará estos avances en la realización de dosimportantes películas: Salvamento En Un Incendio (Life Of An AmericanFireman,1902), y Asalto Y Robo De Un Tren (The Great Train Robbery, 1903).

En ellas, Porter articula el desarrollo del relato a través de la alternancia de dosacciones paralelas y hace uso del primer plano con una funcionalidad narrativaespecífica. Se trata del primer plano de una alarma de incendios y de la mano quela activa. Este plano desencadena la puesta en marcha de los bomberos, en unarelación causa efecto de continuidad entre planos. Porter mezcla escenas de ficción,en las que los bomberos son interpretados por actores, e imágenes documentalesde trabajos del cuerpo de bomberos. El público no será consciente del origendiverso de los materiales y anulará sus diferencias como producto de la lógica delsentido que impone el relato.

Aunque gran parte de la película está interpretada de cara a la cámara, como en elteatro, algunas de las escenas se desarrollan en profundidad. En Asalto Y Robo DeUn Tren, aparte de inaugurar un género típicamente americano, el western,constituye la primera película importante con argumento de ficción del cine

americano.

Las otras productoras norteamericanas, la BIOGRAPH y la VITAGRAPH, tambiénaportan una abundante producción cinematográfica pero sin la trascendencia de laobra de Porter. Destacan Escenas De La Vida Real (Scenes Of True Life), una seriede películas de la VITAGRAPH, que suponen una aproximación realista a la vidacotidiana americana, y donde se opta, de manera decidida, por un radicaldistanciamiento del teatro. Si la Escuela de Brighton, Zecca y Porter habíaninsertado un primer plano en una escena desarrollada en plano general, en estaspelículas se utilizará este recurso de manera sistemática. La cámara se acerca a losactores y, como consecuencia lógica, su interpretación tendrá que ser más sobria,menos sobreactuada. A partir de este momento, se priorizarán los rostros de estasprimeras estrellas, que rápidamente serán popularizadas por el cine. Estos recursosserán muy bien recibidos por los profesionales del cine europeo, que a partir de estemomento llamarán al encuadre que muestra a "los actores sin piernas" con elnombre de plano americano.

En 1901 se ponen en marcha los Nickel Odeons, en los que el público asistentetendrá que pagar un niquel (5 centavos) por acceder a la sesión. En estos primerosaños del nuevo siglo, aparecen los futuros grandes nombres del cine americano:Adolph Zukor, Carl Laemmle, William Fox y Marcus Loew. Todos ellosemigrantes judíos en busca de fortuna, que una vez dentro de este nuevo negocio,no dudarán en enfrentarse al trust de Edison.

Capítulo 6: (al comienzo) una muestra de Salvamento en un incendio, de Porter.

Historia > Países > Cine en Francia

Charles Pathé y Otros Realizadores

En 1896, Charles Pathé funda, en colaboración con sus hermanos, la PATHÉ FRÉRES, empresa dedicada al negocio delfonógrafo. Pero muy pronto entra a participar en la explotación del cinematógrafo, en la que se colocará a la cabeza,con la creación del primer gran imperio del celuloide, llegando a controlar la fabricación de aparatos y la producción,distribución y exhibición de películas a nivel mundial. La producción de películas de LA PATHÉ se inicia más adelante,con las típicas vistas al estilo Lumière, aunque pronto buscará nuevas fuentes de inspiración.

Si Lumière crea el invento y Méliès el espectáculo, empresas como la PATHÉ FRÉRES y la GAUMONT en Francia, y laEDISON CO. en Estados Unidos, construirán la industria. Charles Pathé pone en marcha la organización industrial desu negocio con la contratación de técnicos y realizadores, y lanza a las primeras estrellas del cine. Pronto establecerásucursales en toda Europa y América, y llegará a los rincones más alejados del planeta. También crea el primer noticierocinematográfico, que a partir de 1908 recibe el nombre de Pathé Journal, y comercializa el Pathé-baby, un pequeñoproyector para el hogar.

Charles Pathé dejará los aspectos creativos en manos de sus realizadores. Elprimero y más importante será Ferdinand Zecca, cuyas películas son producto dela influencia, y en ocasiones de la imitación, de la obra de Georges Méliès y de la dela Escuela de Brighton. La característica distintiva de la obra de Zecca será su afánrealista incluso al tratar temas fantásticos. De modo que al utilizar un determinadotruco, éste es integrado en el relato como un recurso narrativo más, y no comobase de la trama, cosa frecuente en las piezas de Méliès. Como muestra, en una desus películas ubica la acción en un vagón de tren, realmente un decorado, en cuyaventana aparece un paisaje en movimiento. Posteriormente, este truco seráperfeccionado por otros y empleado de forma sistemática.

Dentro de esta línea realista se inscriben sus escenas dramáticas, que se ajustan ala fórmula del folletín y del melodrama victoriano, aunque encubiertas bajo laapariencia naturalista de autores como Émile Zola, en cuyas obras se inspira Zeccapara realizar Las Víctimas Del Alcohol (1902) y La Huelga (1903). Temas sociales,de fuerte raigambre popular, que aborda la literatura naturalista, pero que Zeccareconduce hacia el melodrama y el folletín social con su capacidad para captar losgustos del público, incluso antes de que estos se manifiesten.

En estos años, entra en la industria del cine francés otro gran empresario que habráde convertirse en el más duro adversario de Charles Pathé, León Gaumont. Aligual que la de Pathé, su empresa se dedicará tanto a la fabricación y venta deaparatos como a la producción de películas.

Más preocupado por los aspectos técnicos, dejará a cargo de la producción depelículas a su secretaria, Alice Guy.

Alice Guy es la primera directora de la historia del cine, dirigiendo unas doscientaspelículas entre 1886 y 1906 y precedió al mismo Méliès en la concepción del cine deficción. En 1897, realiza el primer film de ficción, La Fée Aux Choux. En suspelículas hace uso de trucos y de avances técnicos y, ya en 1906, hace películasacompañadas de sonido grabado en cilindros de cera. Emigró a New York en 1907donde creó una productora y trabajó hasta 1920. Su papel ha tardado en serreconocido ya que apenas se conservan una docena de muestras de sus películas.Cuando en 1907 abandona la Gaumont, le sucederá al frente de la producciónLouis Feuillade, el cual será el realizador más importante de los próximos años enel cine francés.

Film dÁrt

El agotamiento de los temas tratados en las películas, que todas las productoras repiten copiándose unas a otras,desencadena una progresiva pérdida de interés por parte del público en el que no forman parte las élites intelectualesque consideraban al cine un entretenimiento de barraca de feria. A pesar de ello, la competencia que le hace el cine alteatro comienza a ser importante, de ahí que, entre estos dos sectores, surja una colaboración que a ambos interesa.Los actores, músicos y dramaturgos verán en el cine una vía fácil de hacer buenos ingresos, mientras que la incipienteindustria cinematográfica contará con su aportación y con su prestigio para superar la crisis de argumentos queatraviesa. Se recurre a los más reconocidos autores de la época, que escriben argumentos para el cine o adaptan losgrandes temas del teatro clásico, y a los mejores actores de la Comédie Française para que interpreten estas piezasante la cámara.

Con estos parámetros aparece en 1908 un nuevo movimiento impulsado por LosHermanos Laffite, y organizado por la productora FILM D´ÁRT, que debuta en lasala Charras de París, con un programa múltiple en el que destaca El Asesinato DelDuque De Guisa (L'assassinat Du Duc De Guise). A esta presentación asiste lo másselecto de la sociedad parisina de la época, que acoge con los brazos abiertos, estanueva fórmula, que trata de arrancar al cine de la barraca de feria y de lacervecería popular, pero que supondrá un retroceso en la evolución de la expresiónpuramente cinematográfica, ya que con estas producciones se retoma la estéticateatral, según la cual la filmación se realiza en un único plano general y noincorpora, de ninguna manera, efectos de montaje. Las más celebradas figuras dela escena parisina, entre ellas la mítica Sarah Bernhardt, actúan delante de lacámara que, sorda a sus declamaciones, tan sólo registra la expresividad del gesto,en algunos casos excesivamente enfático y teatral.

La sociedad de los hermanos Lafitte tendrá una vida breve, y sus escasasproducciones obtendrán resultados económicos mediocres. Sin embargo, a partir deesta iniciativa, Pathé y Gaumont crean su departamento de arte y en Italia,Dinamarca y Estados Unidos aparecen nuevas productoras que imitan la experienciade LA FILM D´ÁRT. Sin duda, la difusión de este modelo constituye, ante todo, unamarcha atrás en la evolución que había experimentado el cine. Sin embargo, lospasos que se vienen dando en Estados Unidos, en estos mismos años, seencaminan en sentido contrario, y la llegada de esta tendencia teatral al país nopodrá frenar los avances que allí se realizan en el desarrollo de un nuevo lenguajecinematográfico.

Historia > Países > Cine en España

El cine llega a España a través de los operadores de la Casa Lumière, con elobjetivo de proyectar sus películas y de registrar nuevas vistas que habrán de nutrirel catálogo de la Casa. El encargado de hacer llegar a nuestro país el cinematógrafoLumière será un operador llamado Eugene Promio. Él fue el primero que grabóuna imagen para el cine emplazando la cámara en una góndola, que avanzaba enun canal de Venecia, creando así un nuevo estilo de "escenas panorámicas".

En 1897, Eduardo Jimeno rueda con un aparato de la casa Lumière, Salida De LaMisa De Doce Del Pilar De Zaragoza. El barcelonés Fructuoso Gelabert fabrica supropio aparato, y, con Santiago Biosca de operador, rueda en 1897, Riña En UnCafé, Salida De Los Trabajadores De La España Industrial y Salida De La Iglesia DeSanta María De Sans.

En 1902, el operador aragonés Segundo De Chomón, uno de los técnicos másgeniales del cine mundial, descubrió un sistema para animar objetos. Tambiéninventó los dibujos y los muñecos animados, los fondos transparentes y losmovibles, y las cámara sobre ruedas. Además, ideó una proceso para películas encolor. En 1905, realiza El Hotel Eléctrico, película con trucos rodada por elprocedimiento de "paso de manivela" o "imagen por imagen" que aplica el principioen que se basará el cine de animación.

Chomón había trabajado en París desde 1895, siendo el único que podía competircon la espectacularidad de los trucos de Méliès. En Barcelona creó unos estudios yrealizó en 2 años 48 películas de diversos géneros, pero siempre con trucajes. Apartir de 1905 fue contratado por PATHÉ FRÉRES para colaborar en diversasproducciones y en la dirección de algunas películas breves.

En Italia, participará en Cabiria (1913), una de las películas del cine italiano que, enestos años, se decanta por el gran espectáculo, con grandes produccionesaparentemente muy ambiciosas, como Quo Vadis (1912) o Espartaco (1912), peroen las que, ante todo, primará la fastuosidad de la producción. Los únicos hallazgosde estas películas serán técnicos y escenográficos, en los que el operador españolrealizará sus aportaciones con la puesta en práctica del procedimiento del travellingo carrello, que Segundo de Chomón ya ha empleado en la Pathé, y con la utilizaciónde efectos de iluminación artificial mediante reflectores y pantallas. También realizótrucajes en El Negro Que Tenía El Alma Blanca (1926), y en Napoleón, de AbelGance.

Capítulo 7: al comienzo se pueden ver imágenes de Cabiriay de Le pied de mouton

Historia > Cine Mudo

La evolución de la industria cinematográfica está estrechamente ligada al desarrollode los acontecimientos económicos, sociales y políticos. Así, la irrupción de laPrimera Guerra Mundial (1914-1918) repercute sobre la situación del mercadocinematográfico mundial, alterando, de manera decisiva, la posición alcanzada por lasdiferentes cinematografías nacionales.

Los países que participan en la contienda verán disminuir su producción de películas,especialmente Francia que antes de la guerra acapara el 80 por 100 de los mercadosmundiales, pero que muy pronto será incapaz de atender su propia demanda. Estosserán los años en los que el cine norteamericano, aprovechando el receso en laproducción francesa, vivirá su gran desarrollo, tanto a nivel industrial como artístico,sentando las bases sobre las que habrá de construirse el nuevo arte.

Historia > Cine Mudo > Francia

En estos años, la casa GAUMONT compite con la PATHÉ, ampliando la producción depelículas.

En 1911, Feuillade entra como director artístico y responsable de la producción dela GAUMONT e inicia una serie que, frente a la tendencia teatral imperante, suponeun retorno al realismo, devolviendo al cine su sentido de la actualidad. En la serieLa Vida Tal Como Es (La Vie Telle Qu'elle Est), se incorporan importantes avancestécnicos, decorados más realistas, la sobriedad en la interpretación de los actores,la creación de algunos efectos a través de la iluminación artificial y la aplicación delprimer plano.

Después realiza Fantomas, un excelente policíaco por episodios, con una inspiraciónfantástica que inspirará a los surrealistas; y que incluso sugerirá ideas a Buñuelpara utilizarlas en La Edad De Oro, en 1930.Feuillade continúa durante la guerra (1914-1918) con otras dos obras porepisodios: Les Vampires y Judex.

En la serie Les Vampires actúa Musidora, que, además de actriz, novelista, poeta,y pintora, es realizadora. Sus raíces son feministas y convive con el surrealismo y elcine Avant-garde. Sólo se conserva una de sus 10 películas, Soleil Et Sombre.

También, en este período, aparecen los primeros cómicos de la pantalla, "tipos",que con sus bufonadas adquieren gran popularidad. A menudo, ruedan en la callepeleas y persecuciones a las que los cómicos incorporan caídas y acrobaciasimposibles.

El gran innovador de la escuela cómica francesa será Max Linder, que entre 1911 y1913 alcanza su etapa de mayor éxito, siendo considerado, en esos años, el actormás popular de toda Europa. Algunos rasgos de su personaje, como el sombrero, elbigote o sus andares, serían copiados por Chaplin.

Historia > Cine Mudo > Estados Unidos

Los Independientes

En 1913, se pone en marcha un proceso judicial auspiciado por los Independientes - un grupo de inmigrantes judíos deorigen centroeuropeo en su mayoría - que se dedican a la exhibición y producción de películas, y que pretendenterminar con el monopolio del comercio que desde 1908 está en poder del trust de Edison, la MOTION PICTURESPATENS COMPANY.

En 1917, el Tribunal Supremo de Washington pronuncia una sentencia favorable a los Independientes, dando porfinalizado el sistema monopolista de Edison. A partir de este momento, las firmas primitivas, incluida la EDISON CO.,irán desapareciendo y serán los Independientes quienes tomen el relevo.

El Western

Antes de que se disuelva el monopolio de Edison, algunos de los Independientesabandonan las ciudades, desplazándose a las lejanas regiones del Oeste, con el finde esquivar las frecuentes disputas legales. Allí hallarán una gran variedad depaisajes, una brillante iluminación natural y un clima constante duranteprácticamente todo el año, condiciones muy propicias para el rodaje en exteriores.Y será en esas regiones donde habrá de nacer el género americano por excelencia,el western.

Aunque el western ya contaba con algunas obras como Asalto Y Robo De Un Tren,de Edwin S. Porter, es en este entorno privilegiado donde comenzará a tomarforma cinematográfica la epopeya del Oeste, adoptando la mitología propia de laconquista y la colonización del territorio, aún recientes en la historia.

Los westerns provocarán una verdadera conmoción formal y temática. Tambiénaparecen las primeras figuras con enorme popularidad, como Broncho Billy y TomMix.

Uno de los directores que más aportará a este nuevo género es Thomas H. Ince.Él creará en 1913 un nuevo cow-boy, Río Jim, interpretado magistralmente porWilliam Shakespeare Hart y conocido como "el hombre de los ojos claros". Peroademás, Ince empieza a dar protagonismo a la naturaleza, y sus westerns sondinámicos y visuales.

La labor realizada por Ince es ingente; entre las películas que produce,dirige,supervisa o monta personalmente, y aquellas cuyo guión es obra suya, ronda los800 títulos. Además, aporta al cine una teoría de la división del trabajo, segúnesquemas muy férreos, a partir de un guión muy rígido, que ha de ser respetado entodas las fases de la realización del film, para asegurarse de que todas las películasllevarán su estilo. Es por ello, el primero en incorporar un guión escrito a larealización, ya que anteriormente la dinámica habitual consistía en improvisar sobreun argumento desarrollado en unas breves notas.

Nuevas Productoras

Los Independientes acabarán estableciéndose a la cabeza de la industriacinematográfica en Norteamérica.

Adolph Zukor, tras el éxito alcanzado con la importación de Elizabeth,Reina De Inglaterra (La Reine Elisabeth), protagonizada, en 1912, por SarahBernhardt, pone en marcha su empresa ACTORES FAMOSOS EN OBRASFAMOSAS (FAMOUS PLAYERS IN FAMOUS PLAYS). Pero no tardará endespojar al incipiente STAR-SYSTEM de la carga teatral del FILM D'ART.Durante estos años surgirán estrellas de la talla de Mary Pickford, lashermanas Lillian y Dorothy Gish, Douglas Fairbanks, el cómico Mack Sennetty nuevos nombres como Rodolfo Valentino y Theda Bara. Las estrellasfacilitarán el éxito a Hollywood en todos los mercados del mundo.

Además, Zukor crea en colaboración con otros empresarios, la PARAMOUNT, unacorporación que controla una red de más de cinco mil salas por todo el país, yproduce películas de alto costo y larga duración, al ritmo de un lanzamiento de grancalidad a la semana.

Carl Laemmle, otro independiente, fundará la UNIVERSAL.

Los Hermanos Warner, la WARNER BROS.

Wilhelm Fuchs, que pronto adoptará el nombre de William Fox, será elpadre de la FOX.

Samuel Goldfish, que también cambiará su nombre pasando a llamarse

Samuel Goldwyn, creará con Marcus Loew la METRO-GOLDWYN-MAYER.

Zukor seguido por los demás Independientes establece los primeros modelosefectivos de organización industrial, algunos de los cuales aún se aplican enla actualidad. Sin embargo, en la conformación del relato cinematográfico,quedan aún caminos por trazar. Será David Wark Griffith quien, utilizandosistemáticamente recursos cinematográficos diversos, inaugure unaverdadera narrativa fílmica.

La Comedia

En estos años, la escuela cómica norteamericana toma el relevo de la francesa y, dela mano del director Mack Sennett, inaugura la "edad de oro" de la comedia.

Es la época de los cortometrajes cómicos, de uno o dos rollos, que se pasan dentrode un programa múltiple, junto con el noticiario de actualidad y antes de la películacentral. Pero aumenta su demanda, lo cual favorecerá el desarrollo del género.

En 1912, Mack Sennett participa en la fundación de la productora KEYSTONE, y conlas Keystone Comedies conquista a todos los públicos. Sennett lanzará a losmayores talentos cómicos del momento. Charles Chaplin, Roscoe "Fatty" Arbuckle,Buster Keaton, Harold Lloyd y Gloria Swanson, entre otros, actuarán en lasKeystone Comedies. Sennett desarrollará, en una absoluta libertad, un estilo quetiene su motor en la vocación destructiva del artista. Las persecuciones frenéticas,las carreras y las caídas, las batallas con tartas de crema o a porrazo limpio, formanparte de un mundo de destrucción del que no escapa nadie. Sennett muestraespecial pasión por la ridiculización del orden establecido, eligiendo como blanco aaquellos que detentan la autoridad. Han pasado a la historia sus ridículos policías,los Keystone Cops, y sus atractivas bañistas, las "bathing beauties". Este modelocómico propuesto por Sennett recibe el nombre de "slapstick", y cada una de lasunidades cómicas que lo componen, se llaman gags.

En 1915, tres firmas independientes se unen para formar la TRIANGLE PICTURESCORP. Cada una de ellas aportará su respectivo director artístico: Thomas H. Ince,D. W. Griffith y Mack Sennett. Quedan así ligados los tres creadores que másaportaciones han hecho al cine norteamericano en unos años decisivos para elnacimiento del séptimo arte.

Capítulo 6: imágenes de Intolerancia (6´50").Capítulo 7: idem (hacia la mitad).Capítulo 10: "Los géneros". (8´53") Mack Sennet El romance de Charlot.

Historia > Cine Mudo > Suecia

Suecia se incorpora a la producción cinematográfica a partir de 1907, con laproductora A. B. SVENSKA BIOGRAF-TEATERN. En ella debutarán, en 1912, dosartistas procedentes del teatro, Mauritz Stiller y Victor Sjöström. Ellosconducirán a la cinematografía sueca a un lugar de excepción en el panoramainternacional.

En los primeros años, reciben influencias de los melodramas mundanos del cinedanés. Pronto se inspirarán en la tradición literaria nórdica, con su carga poética.Una influencia temática que podría conducir a una estética teatral similar a la delFILM D'ART francés. No será así, estos directores buscarán nuevas formas deexpresión para poder profundizar en la psicología de los personajes. Además ven enlos westerns de la TRIANGLE que la naturaleza toma protagonismo dentro de laépica del relato, y ellos la incorporarán como recurso dramático de la narración. Lanaturaleza, expuesta en toda su grandeza, participa del drama íntimo de lospersonajes y juega un papel esencial en el desenlace dramático de losacontecimientos. Un recurso de evidente raíz expresionista que posteriormente seráempleado por Friedrich Wilhelm Murnau.

Sjöström, con su crudo realismo, es uno de los grandes del cine. Además derealizar importantes películas, potenció a Ingmar Bergman. Las obras de la escuelasueca provocarán en todo el mundo una verdadera conmoción estética. También,Stiller descubre a una joven actriz llamada Greta Lovisa Gustavsson, más conocidacomo Greta Garbo. Stiller, Sjöström y Garbo, acabarán marchando a Hollywood enlos años veinte.

Historia > Cine de Posguerra

En el tiempo de la Primera Guerra Mundial (1914-1918), el cine hasuperado ya sus primeros veinte años de vida. Han quedado atrás losesfuerzos que condujeron a la invención del cinematógrafo, las luchas porsu patente, el nacimiento del espectáculo y la puesta en marcha de laindustria. Muchos habrán de incorporarse, a partir de ahora, a la búsquedade una nueva expresión puramente cinematográfica, ante la que se abrenmúltiples caminos a explorar. Las primeras escuelas han brillado demanera fugaz, para luego desaparecer. Otras lo harán a partir de ahora.

Historia > Cine de Posguerra > Francia

La Escuela Impresionista

Tras la guerra y frente a la hegemonía alcanzada por el cine americano, se hacenecesario volver a levantar la industria cinematográfica francesa. En este sentidodestaca la labor realizada por un grupo de artistas con una profunda formaciónintelectual, encabezados por Louis Delluc, teórico, crítico y fundador de variasrevistas que, a partir de 1920, se pasa a la dirección. Influido por el cinenorteamericano y más por el sueco, opta por un cine psicológico, que intenta librara la imagen de la materia, mostrando visualmente el pensamiento, el alma de lospersonajes.

En torno a Delluc, surge un grupo de artistas, próximos en su afán innovador yvanguardista, que rechaza el cine como una mercancía para las masas. Es laEscuela Impresionista en la que destacan: Marcel L'Herbier (cuya aportaciónmás destacable es la estilización que imprime a los decorados de fuerte influenciacubista y expresionista), Abel Gance y Jean Epstein que sorprende con la sutilezade su inteligencia en la captación de la realidad social

La Escuela impresionista cuenta con un nutrido grupo de estudiosos y teóricos,habituales de los Cine-Clubs, término creado por Louis Delluc, fundador ademásdel primero de la historia, en 1920.

A la organización e impulso de los cine-clubs contribuye Germaine Dulac, teóricaformada en varias artes, que comienza en 1915 con películas convencionales, peroque será la iniciadora del cine Avant-garde (lo que hará Maya Deren 30 añosdespués en EEUU) con películas que aspiran a la abstracción y que dan más espacioa los sentimientos y a los sueños. En 1927 hace la primera película surrealista de laHistoria del cine.

Otro teórico, el italiano afincado en París Riccioto Canudo, empleará por primeravez la expresión "Séptimo Arte", en 1914, en su Manifiesto de las siete artes.

Movimientos Vanguardistas

En el seno de este ambiente inquieto e intelectual, surgirán a partir de 1920, lasprimeras vanguardias cinematográficas que, dentro de la senda abierta por losimpresionistas, buscarán formas de expresión más osadas y provocativas. Primeroadoptarán la forma de la abstracción y el geometrismo pero, a partir del manifiestode André Bretón, el cine experimental francés incorpora la revolución estética delmovimiento surrealista. Una de las aportacionaciones más brillantes al movimientoes la realizada por el español Luis Buñuel, que en 1925 llega a París, y tan sólo 3años después dirige su primer film, Un Perro Andaluz (Un Chien Andalou), una obrafiel al ideario surrealista, producida en colaboración con Salvador Dalí. En 1930,Buñuel dirige La Edad De Oro (Láge D´or), otro hito surrealista.

Junto a Buñuel, son muchos los artistas extranjeros que irán a París. Destaca eldanés Carl Theodor Dreyer que realiza en 1928 La Pasión De Juana De Arco (LaPassion De Jeanne D´Arc), una obra clásica del cine mudo, construida con primerosplanos dramáticos, y modelo por la sobriedad en el tratamiento de los hechos. Lasversiones a las que podemos acceder son variaciones de la original que se destruyó.

También en estos años, el cineasta brasileño Alberto Calvacanti realiza una obraimportante, en la que ya se vislumbra la vocación documentalista del autor que, apartir de 1934, habrá de integrarse en la célebre escuela documentalista inglesa.

Además, destacan durante los años 20 Jean Renoir y René Clair . Si bien Renoirrealiza sus mejores trabajos con la llegada del cine sonoro, la obra muda de Clair síque resulta muy representativa del cine francés de estos años. Sus primeraspelículas se inscriben dentro del vanguardismo cinematográfico, pero a partir de1927, con la adaptación al cine del vodevil Un Sombreo De Paja De Italia (UnChapeau De Paille D´Italie) la obra de Clair adopta un inofensivo carácter satírico,con el que retrata a la sociedad burguesa de su tiempo. A partir de este momento,Clair desarrolla un talento especial para el tratamieno de la farsa, a través de lacaricatura, fría y calculada, de una época y de sus tipos.

Capítulo 11: "Movimientos" (10´) Un perro andaluz.

Historia > Cine de Posguerra > Alemania

Durante la guerra, el gobierno alemán pone en marcha la creación de una empresa de producción cinematográfica, conla que abastecer de películas propias a las salas del país. De esta iniciativa surge en 1917, la U.F.A. (UNIVERSUM FILMA.G.), con espectaculares reconstrucciones históricas de alto costo. Alguna dirigidas por Ernst Lubitsch, que mástarde, en 1923, marcha a Hollywood donde dará al cine algunas de las comedias más perspicaces de la historia.

La espectacularidad en la reconstrucción de los acontecimientos es deudora de las grandes puestas en escena de MaxReinhardt, renovador del teatro alemán de la anteguerra, en cuya escuela se formarán los más importantes artistasdel nuevo cine alemán.

La Escuela Expresionista

La cinematografía alemana se verá pronto enriquecida con la incorporación de ununiverso temático y formal procedente de la Escuela expresionista, que nace comomovimiento pictórico de vanguardia, en Munich, hacia 1910. El expresionismopropone una interpretación subjetiva de la realidad que, desde la óptica del artista,se presenta totalmente distorsionada.

En 1919 El Gabinete Del Doctor Caligari (Das Kabinett Des Dr. Caligari) produce unaruptura estética, que en el cine dará forma a un universo de fantasía, poblado porpersonajes de pesadilla. En esta obra aparecen ya, claramente definidas, todas laspropuestas formales y temáticas del movimiento expresionista. Los decorados sonrealizados por el grupo Der Sturm y la historia muestra a Cesare, un médium que,bajo la influencia hipnótica del macabro doctor Caligari, comete una serie decrímenes espeluznantes.

Con esta obra, sus guionistas, Carl Mayer y Hans Janowitz, plantean unametáfora de difícil interpretación, en la que Caligari sería el Estado alemán y Cesarerepresantaría al pueblo, arrastrado por sus gobernantes a la guerra. Esta denunciapolítica desaparecerá del guión definitivo con la incorporación al proyecto delrealizador Robert Wiene. Éste añade dos escenas nuevas, una al principio y otra alfinal, con las que altera de manera decisiva la historia, que pasa a ser el relato deun loco. Pero, estos cambios temáticos no limitarán en manera alguna lasinnovadoras contribuciones plásticas de esta obra:

Creando una atmósfera inquietante, con decorados de líneas oblícuas,inestable y de proporciones deformadas.Los actores, con maquillajes y vestuario sorprendentes, estilizan susmovimientos y la interpretación para integrarse en esa escenografíaalucinante.Falsos efectos de iluminación, pintando luces y sombras sobre los decorados.

Paul Wegener y Stellan Ray dirigen la hermosa película El Estudiante De Praga(Der Studen Von Prag, 1913). Paul Wegener y Henrik Galeen recuperan, con ElGolem (Der Golem, 1920), una antigua leyenda judía-checa; Paul Leni narra, en ElHombre De Las Figuras De Cera (Wachsfigurenkabinett, 1924), las macabrasvisiones de un joven poeta en un museo de cera; Friedrich Wilhelm Murnaualcanza las más altas cotas artísticas dentro de este estilo con Nosferatu, ElVampiro (Nosferatu, Eine Symphonie Des Grauens, 1922), adaptación libre de lanovela Drácula de Bram Stoker. Murnau sustituye el rodaje en estudio y losdecorados expresionistas por la filmación en exteriores naturales, escogiendominuciosamente los rincones urbanos y los paisajes. Con este cambio de elementosfantásticos en un entorno real, Murnau confiere al relato una inquietante veracidad.

La Escuela expresionista muestra predilecciónpor los temas fantásticos de antiguasleyendas o de oscuros escenarios de terror. Una tendencia que muchos estudiososreconocen como claro reflejo de la inestable situación política y social que atraviesala recién inaugurada República de Weimar.

Otra figura importante de esta escuela es Fritz Lang que, habiendo estudiadoarquitectura y Bellas Artes, aportará al expresionismo una nueva concepciónarquitectónica y monumental que encuentra su pleno desarrollo en Los Nibelungos(Die Nibelungen, 1923-24), colosal epopeya germánica en la que se anuncia elrenacimiento de un misticismo racial que abrirá camino al nazismo. Metrópolis(Metropolis, 1926), su siguiente película, es un endeble relato futurista, quepresenta una sociedad dividida según su raza en dos estamentos fundamentales: elde los señores y el de los infrahombres, esclavos que viven bajo tierra, sometidos alpoder de las máquinas. Se trata de una narración panfletaria en la que el señor,que representa al capitalismo, libera a sus obreros de la tiranía de una maquina,una mujer-robot. El film finaliza con la reconciliación entre capitalismo y trabajo. Laautora de este guión y del de Los Nibelungos es Thea Von Harbou, esposa deLang y luego militante nazi, a quien se ha considerado responsable última de lainclinación ideológica en ambas obras. A la escasamente estimulante narración deMetrópolis, Lang incorpora su dominio en la articulación de espacios, volúmenes y

claroscuros, aportando a la historia del cine algunas de las imágenes másrevolucionarias y llevando al expresionismo arquitectónico a su más alto nivelartístico.

Capítulo 1: (al final) Homenaje de Ettore Scola a Metropolis.Capítulos 7: Metropolis y Capítulo 11 Metropolis y Nosferatu.

La Kammerspislfilm

Mientras el expresionismo evoluciona rápidamente con nuevos efectos deiluminación, decorados mas perfectos y, en algunos casos, escenarios naturales,surge otra corriente dentro de la escuela alemana: una reacción realista que seinspira en las experiencias escénicas desarrolladas por Max Reinhardt en elKammerspiel o Teatro de cámara. Se trata del Kammerspielfilm, que abandona lostemas fantásticos y los decorados expresionistas, para intentar una aproximación aldrama cotidiano de unos personajes sencillos, inmersos en un espacio reducido, lamodesta vivienda, que, sin más atributos, adquiere aquí un carácter claustrofóbico.

Una propuesta impulsada, en gran medida, por la labor del guionista Carl Mayer,cuyos dramas resultan excesivamente simplistas y aún algo teatrales. Directoresimportantes se sentirán atraídos por esta corriente del expresionismo, en la queaportarán al cine alemán algunas de sus más grandes obras cinematográficas.

Tal es el caso de Murnau, que con El Último (Der LetzteMann, 1924), conduce alcine alemán, con éxito, del expresionismo al más puro realismo social. Peroademás, no deja de innovar en el lenguaje plástico aportando a la narración ladinámica de una cámara en constante movimiento, ya sea a través de travellingssubjetivos (atando la cámara al pecho del operador), travellings circulares ymovimientos de grúa (ubicando la cámara en el extremo de una escalera deincendios). De este modo, con Murnau, la cámara queda definitivamente liberada desu estatismo. Tras Tartufo (Tartüff, 1925), adaptación libre de la obra de Molière, yFausto (Faust, 1926), Murnau, que se encuentra en el momento más alto de sucarrera, abandona su país y, como tantos otros, marcha a Hollywood.

La Corriente Realista

La reacción realista iniciada por el Kammerspielfilm será ampliamente rebasada porun grupo de cineastas alemanes, de los cuales destacará George Wilhelm Pabstque, en 1925, realiza Bajo La Máscara Del Placer (Die Freudlose Gasse).

Con esta película, el cine alemán inaugura una tendencia profundamente realista ypolémica, de marcado carácter social, que además abandona definitivamente lasúltimas reminiscencias de la estética teatral presentes en el expresionismo. Unacorriente realista que refleja las miserias de una sociedad en decadencia, sometidaal desequilibrio económico que atraviesa el país. Así se convierte el cine en vehículode transmisión de la realidad social de un momento histórico concreto, primer pasoen la configuración de un cine comprometido social y políticamente.

Historia > Cine de Posguerra > Cine Soviético

El Cine Prerrevolucionario

La producción de la Rusia prerrevolucionaria es poco valiosa. En 1896, Moisson y Doublier, operadores de LA CASALUMIÈRE, ruedan La Coronación Del Zar Nicolás II (Le Couronnement Du Tsar Nicolas II).

Pronto llegan hasta allí las sucursales de LA CASA PATHÉ y no será hasta 1907 cuando se abran las primerasproductoras nacionales de importancia.

En 1917 estalla la revolución que llevará a los bolcheviques al poder, constituyéndose un gobierno presidido por Lenin,que proclamará la dictadura del proletariado. Se hace necesaria, entonces, la aplicación de un instrunento que puedallegar, de forma masiva, a todo el pueblo, en su mayoría analfabeto. De ahí que el cine, junto con la radio, se conviertaen el medio más poderoso de comunicación social, y su industria pase a depender del comisariado de Educación delPueblo, a través de un decreto de nacionalización, que tendrá como primera consecuencia la inminente creación de laESCUELA CINEMATOGRÁFICA DEL ESTADO (G.I.K.).

El Cine Postrevolucionario

En los años que siguen a la revolución, la escuela soviética dará muestras de una gran autonomía en su personalidaddebido en parte a que las influencias exteriores llegan allí con retraso. Inmersos en una atmósfera vanguardista,producto del clima posrevolucionario, un grupo de jóvenes creadores aportará una nueva y revolucionaria dimensión ala expresión cinematográfica.

Lev Vladimirovic Kulechov, joven cineasta y profesor del Instituto de Cine, inaugura en 1921, el LaboratorioExperimental. Allí realizará diversos experimentos encaminados a demostrar el poder del montaje en el cine. Algunos deellos serán incorporados, con el paso de los años, a todos los manuales de técnica cinematográfica.

Kulechov realiza importantes películas entre las que destaca una simpática sátiratitulada Las Aventuras Extraordinarias De Mr. West En El País De Los Bolcheviques(Neobycaynye Prikljucenija Mistera Vesta V Strane Bolseviok, 1924).

También, en esta línea vanguardista, se enmarcan los trabajos experimentales deLA FEKS (FABRIKA EKSTENTRICESKOVO AKTJORA) o FÁBRICA DEL ACTOREXCÉNTRICO fundada en 1922, que inspirada en los movimentos escénicos másinnovadores y en los recursos del circo y del Music-hall, propone un cine de carácterburlesco emparentado con la Commedia Dell'art Italiana.

En estos años, también sobresale la obra del polaco Dziga Vertov que se trasladamuy joven a Moscú y se convierte en uno de los grandes documentalistas de lahistoria del cine. Vertov está muy unido a los movimientos artísticos de vanguardia,como el constructivismo y el suprematismo de Malevich. Sus propuestas en el cineson revolucionarias, eliminando los recursos artificiosos, el guión, los actores, lailuminación artificial y los decorados. Él se propone captar la realidad y se hacefamoso con el movimiento "El cine-ojo" y con el noticiario "El cine-verdad"(KINO-PRAVDA), en los que aplica sus teorías, y con los que influye en la teoría y lapráctica del cine documental.

Etapa de Madurez

A estas interesantes propuestas teóricas y experimentales, se une pronto la ingentelabor de un grupo de jóvenes artistas que conducirán al cine soviético a su etapa demadurez, imponiéndose como una de las cinematografías más avanzadas delmundo. El más importante es Sergei Mijailovich Eisenstein. También esrelevante la figura de Vsevolod Iliarionovic Pudovkin.

Tanto en las películas de Pudovkin, como en las más intelectuales de Eisenstein, seimpone una revolución común, la del montaje, aplicado hasta sus últimasconsecuencias, y la de sus imágenes, llevadas al límite del realismo. A partir de estemomento, se puede decir que el cine ha alcanzado la madurez.

En 1930 Alexander Dovjenko realiza La Tierra, una lírica y hermosa obramaestra, una visión conmovedora de la vida campesinas que supera la propagandapolítica. Ésta película, con elementos como la conexión de imágenes sin relacióndirecta con el argumento y su lenguaje poético, ha influido en muchos directores.

Capítulo 6: "El Montaje" (7´46") La Madre, (8´ 00") Elefecto Kulechov, (8´46") Octubre.Capítulo 3: "Dirección" (30´0") Potemkin.Capítulo 11: "Los Movimientos".

Historia > Cine de Posguerra > Estados Unidos

El Star-System

Durante los años de la Primera Guerra Mundial, la producción cinematográfica norteamericana alcanza su plenodesarrollo, convirtiéndose en una de las industrias más prósperas del país; por ello, cuando el conflicto alcanza su fin,en 1918, Estados Unidos se encuentra a la cabeza del mercado cinematográfico mundial. En esta situación, lospresupuestos de las películas aumentan de manera considerable y, con el fin de minimizar los riesgos, se generaliza laaplicación de los modelos organizativos desarrollados por Adolph Zukor. Sin embargo, el éxito de una produccióndependerá de la popularidad de los actores y actrices que participan en ella, y uno de los trabajos más importantes serásu promoción. Así aparece la nueva industria: el Star-System.

En 1922, las principales empresas se agrupan en torno a LA MOTION PICTURE PRODUCERS & DISTRIBUTORS OFAMERICA INC., organismo encargado de establecer una normativa que articule el funcionamiento interno de lasempresas y sus relaciones. Pero el presidente de esta asociación, el ex-ministro republicano Will Hays, irá más allá enel desarrollo de sus funciones y redactará un célebre código moral, el Código Hays, al que se verá sometida la industriade Hollywood a partir de 1930.

Capítulo 4: "Las estrellas de la pantalla".

Las Superproducciones

En los años 20, la joven industria norteamericana vive su mejor momento, lo que le permitirá hacerse con algunos delos más reputados profesionales europeos, sobre todo alemanes. Antes de que esto ocurra, la influencia del cine alemány de las grandiosas reconstrucciones históricas de Ernst Lubitsch, alcanzará a Estados Unidos, donde comienzan aproducirse películas espectaculares de alto costo como El Ladrón De Bagdad (The Thief Of Bagdad, 1924) o Ben Hur(1926).

Cecil B. De Mille es el cineasta quie lleva este género grandilocuente al límite desus posibilidades con la producción de una serie de obras adaptadas de la Biblia. Laprimera es Los Diez Mandamientos (The Ten Commandments, 1923), pieza quevolverá a versionar con gran éxito en 1956. También son los años del western,género en el que comienza su carrera el director John Ford, y sobre todo de laescuela cómica norteamericana, que inaugurara Mack Sennett antes de la guerra,y que, en el momento actual, se encuentra en plena madurez, con figuras de la tallade Buster Keaton, Harold Lloyd, Stan Laurel Y Oliver Hardy, más conocidoscomo "El Gordo y el Flaco", y por supuesto, Charles Chaplin.

El genial Buster Keaton trasciende lo cómico con sus extraordinarios Gags departicular poética. Se trata de un realizador y actor magnífico que muestra suinocencia perpleja ante la grotesca crueldad del entorno, en obras maestras como ElMaquinista De La General (The General, 1927), The Cameraman (1928), TheNavigator (1924), y muchas otras.

Por otro lado, surge en estos años un cine americano que, al igual que la literaturadel momento, adopta un estilo directo, tomado de la crónica periodística. Muestrade ello es la obra del estadounidense King Vidor, en la que destaca la película Y ElMundo Marcha (The Crowd, 1928), retrato de la realidad social norteamericana delmomento, en el que un modesto empleado trata de ascender, inútilmente, en laescala social.

Lois Weber es la única directora en la época muda y además es la directora másimportante del cine americano, ya que sus obras eran iguales o mejores que las desus colegas. Sin embargo, se ve obligada a hacer cine independiente. Too WiseWives y The Blot, de 1921, son muestras de su calidad, con caracterizaciones y unapreocupación por los detalles en el estilo que destacará más tarde a directores comoBergman o Altman.

Capítulo 10: (7´45") Lloyd, Keaton, Sennet y Chaplin.Capítulo 8: (Comienzo) Keaton

Europeos en Hollywood

El cine romántico también alcanza relevancia, sobre todo con la figura de GretaGarbo que llega a Hollywood procedente de Suecia, junto con los más importantesdirectores de aquella cinematografía: Mauritz Stiller y Victor Sjöström. Sjöströmrealizará, entre otras películas importantes, una obra maestra, El Viento (The Wind,1920).

Pero frente al éxito de la Garbo, tanto Stiller como Sjöström, al igual que muchosotros cineastas llegados de Europa, hallarán gran dificultad a la hora de abordar unaproducción de calidad en el seno de una industria que prioriza la rentabilidadeconómica y que se rige por un sistema de producción en cadena.

Otros europeos, como los alemanes Ernst Lubitsch y F.W. Murnau y losaustríacos Josef Von Sternberg y Erich Von Stroheim, realizarán algunas de lasobras más importantes del cine americano de estos años.

A Lubitsch se debe el comienzo de la alta comedia americana, que basa su acciónen ligeros enredos resueltos con genialidad. Lubitsch marcará un estilo propio decomedia fina, humor discreto, sabia ironía y excelente puesta en escena.

Por su parte, Murnau llega a Hollywood precedido por el prestigio de su obraalemana, lo cual le permitirá afrontar sus proyectos con total libertad. En su películaamericana más reconocida, Amanecer (Sunrise, 1927), Murnau incorpora, de formacoherente, dentro de un universo plástico dotado de fuertes connotacionespictóricas, tanto elementos procedentes de su experiencia artística previa en laEscuela expresionista alemana, como del más puro realismo americano. Murnaumorirá prematuramente, aunque antes logrará finalizar una última obra maestrarealizada en los archipiélagos de Polinesia y que se inscribe dentro del génerodocumental: Tabú (1930).

Capítulo 11: (10´0") Amanecer, y al final del Capítulo 12.

El austríaco Josef Von Sternberg, inaugura el género de cine de gansters con LaLey Del Hampa (Underworld, 1927). Sternberg aporta, al tratamiento de la historiay de los personajes, un preciso análisis de tipos y del entorno social en el que semueven, y una visión romántica de la rebeldía, próxima al anarquismo, que noabandonará a lo largo de toda su filmografía.

En esta misma línea realista, destaca la obra de Erich Von Stroheim, quemuestra, desde una óptica personal, un universo decadente y perverso, y analizalos aspectos más bajos de la condición humana. Esta actitud moral de Stroheimante los acontecimientos narrados está presente de forma manifiesta en toda suobra, especialmente en Esposas Frívolas (Foolish Wives, 1921), en Avaricia (Greed,1923) y en La Reina Kelly (Queen Kelly), que no llega a finalizar y que supone,además, el fin de su carrera como realizador. Y es este posicionamiento moral elque habrá de depararle el rechazo de parte de la profesión, de la crítica y, porsupuesto, de los censores.

Historia > Autores > David Wark Griffith

Cuando Griffith comienza su producción de películas, el cine se encuentra dandoaún sus primeros pasos. Apenas habían transcurrido veinte años desde que loshermanos Lumière estrenaran su Tren Llegando A La Estación en el salón Indien deParís. Y aunque las salas de exhibición ya podían nutrirse de un elevado número depequeñas producciones, el cine no pasaba de ser considerado como una atracciónmenor, como un divertimento sin más valor en sí mismo. El reto entonces eraproporcionarle una dimensión artística y comercial que pudiese ponerle al mismonivel que otros espectáculos de la época. Griffith es el artífice en la consecución deestos objetivos.

Comenzó como actor en compañías de teatro e hizo sus pinitos como escritor antesde llegar al cine. Conoce bien el melodrama teatral y las novelas victorianas(Dickens) y naturalistas (Zola, Tolstoi) así como los recursos y trucos del teatroitinerante. Entre 1908 y 1912 rodó casi quinientas películas para la Biograph.

En sus primeras obras se aprecian parte de estas innovaciones narrativas:

Los argumentos repiten el esquema de una familia burguesa amenazada porun peligro que acaba superándose para restablecer el orden.

Hace uso ya con cierto criterio de recursos como el Flashback y elacercamiento del punto de vista de la cámara a la acción (planos medios yprimeros planos).

Utiliza la iluminación con fines dramáticos, panorámicas, Travellings,decorados naturales, fundidos, apertura y cierre de objetivo, Flou,sobreimpresiones, variadas formas de Raccord a través de objetos, miradasy gestos, con la colaboración inestimable de su operador de cámara BillyBitzer.

Los Catchs (recortes en negro dentro del plano) y los desenfoques creativos.

El uso intencional de la profundidad de campo.

Y la técnica del montaje paralelo, con la que hace coincidir dos acciones enpantalla, alternando a través del montaje de planos de cada una de ellas,hasta que finalmente ambas acciones confluyan en una acción única(generalmente el rescate de alguna víctima inocente). Consiguió talperfeccionamiento en esta técnica que a partir de entoncés este tipo demontajes pasaron a conocerse como salvamento en el último instante deGriffith (Griffith´s Last Minute Rescue).

En 1915 dirige El Nacimiento De Una Nación. Considerada como el despegue delcine con relación al teatro filmado, debido fundamentalmente a que:

En ella Griffith consigue sistematizar y dar coherencia a todos los elementosnarrativos que antes se habían utilizado de forma más o menos ocasional.

Construye un lenguaje propio, sólido y eficaz.

Fija unas convenciones que la gramática fílmica no perderá ya nunca.

Además, la película - que trata de la relación entre dos familias rivales en la Guerrade Secesión americana - sitúa al cine dentro del aparato industrial, por el altopresupuesto con el que contó el film (115.000 dólares que sirvieron entre otrascosas para poner en movimiento a más de 15.000 personas), por la insólitaduración del film (2 horas y 45 minutos) y porque su estreno llevó aparejados unespectacular éxito de público, aunque también fue causa de escándalos y críticaspor sus sesgos racistas.

Un año más tarde dirige Intolerancia (en la que colaboran Stroheim, Browning,Fleming...) donde tira la casa por la ventana elevando el presupuesto a laimpensable cantidad de dos millones de dólares, que invierte en colosales decoradosy en la contratación de miles de extras. El argumento, basado en la intolerancia dela que ha hecho gala la Humanidad a lo largo de los tiempos, se estructuró encuatro episodios que recreaban distintas épocas y geografías. Para aglutinar ladisparidad histórica de los cuatro episodios, Griffith introdujo un motivo poético queevocaba unos versos de Walt Whitman, "Endlessly rocks the Cradle/Uniter of hereand hereafter".

En contra de los pronósticos, Intolerancia resultó un fracaso comercial. Ni el públiconi la crítica (salvo los directores rusos, a los que la película influyó notablementealgún tiempo después) se mostraron dispuestos a asumir con naturalidad losentresijos simbólicos de la nueva propuesta de Griffith. Visto desde hoy, sin

embargo, el film reúne de nuevo lo mejor de su repertorio narrativo, con unaeficacia tan contundente, sino más, que la mostrada en El Nacimiento De UnaNación.

Griffith, como muchos otros directores, se lanzará a la aventura de crear suspropias productoras. Así, en 1915, funda junto a Ince y Sennett la TRIANGLEPICTURES, que tendrá una vida muy corta.

Poco despues, en 1919, Griffith funda junto a Douglas Fairbanks, Mary Pickford yCharles Chaplin, la productora UNITED ARTISTS.

Sus siguientes largometrajes -entre los que destaca Lirios rotos (1919)- tendráncada vez menos éxito. En 1930 rueda su primer film sonoro, Abraham Lincoln.Totalmente arruinado, sus bienes fueron subastados en 1935 y sólo él mismo pujópor los derechos de sus películas.

Historia > Autores > Abel Gance

De Abel Gance, el más inquieto del grupo francés de la Escuela Impresionista,destaca su obra tremendamente ambiciosa y visionaria. Aunque muchos le calificande grandilocuente, pedante y melodramático, son innegables sus aportaciones en labúsqueda de nuevos recursos con los que construir un lenguaje cinematográfico.

En La Rueda (La Roue, 1921-1923), tragedia del ferroviario Sísifo, Gance renueva,en un fragmento antológico, los recursos del ritmo y del montaje corto, utilizadoantes por Griffith en Intolerancia, para componer una autentica sinfonía visual,compuesta por breves imágenes que acompañan a la locomotora en el recorridointerminable de su trayecto.

Con Napoleón (Napoléon Vu Par Abel Gance 1923- 1927), Gance va más allá aún en su exploración del universo de lasimágenes, utilizando recursos experimentales tremendamente innovadores, como la asociación de ideas a través de lasobreimpresión de varias imágenes en la pantalla, el tríptico o pantalla triple que, por su mayor superficie horizontal, lepermite desplegar sus escenas más grandiosas en una inmensa panorámica. También emplea cámaras muy ligerasubicadas en lugares insospechados, como en un caballo al galope o en un proyectil disparado al aire. Los encuadresobtenidos resultan espectaculares.

Capítulo 1 (al final) Napoleon.Capítulo 11 (10´10") Napoleon.

Historia > Autores > Vsevold Pudovkin

Procedente del Laboratorio experimental de Kulechov, Pudovkin iniciará en 1926su trilogía revolucionaria compuesta por La Madre (Mat´, 1926), versión libre de lanovela de Máximo Gorki, El fin de San Petersburgo (Kniets Sankt-Petersburga,1927) y Tempestad Sobre Asia (Potomok Chingis Khana, 1928). El tema recurrentede las tres es la toma de conciencia revolucionaria por parte de una personacoriente que, ante los acontecimientos, acaba teniendo un comportamiento heróico.

El tema recurrente de las tres es la toma de conciencia revolucionaria por parte deuna persona corriente que, ante los acontecimientos, acaba teniendo uncomportamiento heróico.

Pudovkin expresa un drama mas íntimo de los personajes, frente al cine de masasde Eisenstein. Utiliza magistralmente el montaje, pasando de lo coral a lo íntimocomo una concepción sinfónica. A diferencia de Eisenstein, sus metáforas son masrealistas, en este sentido se acerca más a Griffith. En sus películas sonorasdesarrolla el valor del sonido como contrapunto.

Historia > Autores > Sergei Mikhailovich Eisenstein

Valor Social y Político de su obra

Es imposible concebir la obra de Eisenstein sin remitirnos a los diferentes conflictosbélicos y revolucionarios que han marcado su vida y su pasado. Así se define todasu obra, enmarcada entre el resurgimiento obrero narrado en La Huelga (1924), suprimera obra, y La Agitada Vida Del Zar Iván IV, narrada en las dos partes de IvánEl Terrible (1943-1945).

Entre ambas obras Eisenstein realiza El Acorazado Potemkin (1925), Octubre(1927), las dos sobre los conflictos revolucionarios surgidos en 1905 y en 1917; LaLínea General (1929) - rebautizada como Lo Viejo Y Lo Nuevo -, sobre las ventajassurgidas de la socialización de la agricultura; ¡Que Viva México! (1931), obrainacabada sobre la revolución mexicana; y Alexander Nevski (1938), una epopeyasobre el príncipe ruso que supo oponer resistencia a la invasión de las tropasmongolas y teutonas en el siglo XIII.

El esencial componente revolucionario y político de sus películas, realizadas siemprepor encargo del gobierno, vienen a demostrar como nunca hasta entonces laimportancia concedida al cine por parte de los mandatarios. En una época en la quela mayor parte de la población es analfabeta, las autoridades se esfuerzan engenerar filmografías que generen una conciencia colectiva de acuerdo a susplanteamientos. Una circunstancia inherente al cine desde sus inicios y que jamásabandonaría ya.

Valor Cinematográfico de su obra

La obra de Eisenstein nos interesa por sus inimitables aportaciones al lenguaje,especialmente las derivadas de sus peculiares usos del montaje. Eisenstein, planteólas combinaciones de planos como conflictos que generasen respuestas emocionalesen el espectador. Una vez conseguido el choque emocional, se producía lasensibilización acerca del problema tratado. Es lo que bautizó con el nombre de"montaje de atracciones", y que pudo poner en práctica en su primera obra, LaHuelga. Al final de la película, en la que los manifestantes huelguistas son aplacadospor las fuerzas zaristas, Eisenstein introduce los planos de unas reses que sonsacrificadas en el matadero. Con este motivo visual, que no guarda ninguna relacióncon el universo ficcional de la película, Eisenstein rompe la narración paraestablecer una comparación entre los huelguistas y las vacas: todos son víctimasinocentes de una sangría.

Al año siguiente, en El Acorazado Potemkin, Eisenstein vuelve a retratar unarebelión obrera, en este caso la llevada a cabo por los marineros del acorazadoPotemkin contra su tripulación. En su escena más famosa, la de la escalinata deOdesa, el director soviético vuelve a hacer gala de una maestría inimitable en elempleo del montaje. La secuencia narra de nuevo el abatimiento a tiros de loshabitantes de Odesa, en su intento de subir las escaleras que dan acceso al palaciogubernamental. Los 170 planos de la secuencia la alargan hasta seis minutos,dilatando el tiempo real de la escena, y demostrando hábilmente la capacidad delmontaje para crear el tiempo cinematográfico.

A pesar de que esta película contiene también empleos muy sutiles en lacombinación de planos, no es de las más radicales obras de este director.

Es en Octubre, donde vuelve a emplear lo más experimental de su repertorionarrativo: montaje de atracciones, inversiones del tiempo, angulaciones forzadas....

La película, basada en el relato Los Diez Días Que Conmovieron Al Mundo de JohnReed, rememora los acontecimientos revolucionarios de 1917. En una secuencia dela película, que narra el ascenso de Kerensky al poder, Eisenstein vuelve a romperla narración, comparando al gobernante con Napoleón y con un pavo real, ysugiere, a base de sutilísimas combinaciones de planos, la incapacidad paragobernar del dirigente revolucionario.

A partir de estas películas, Eisenstein recupera un pulso narrativo másconvencional, aunque todas sus obras siguen mostrando una excelente capacidadnarrativa en el empleo del montaje. Capacidad que se hace extensible al empleo dela composición en el plano, de los encuadres, la iluminación, e incluso en lautilización del color y del sonido, con el que pudo experimentar sus teorías decontrapunto sonoro en sus últimos filmes.

Verdaderamente, Eisenstein es uno de los pocos directores en la historia del cineque, partiendo de la influencia que recibió de las películas de Griffith, fue capaz deplantear un lenguaje alternativo al del director americano. Que dicho lenguaje nollegase a arraigar de pleno en el resto de directores quizá se deba a lo complejo y

extremista de sus propuestas. Definió cinco tipos diferentes de montaje (métrico,rítmico, tonal, sobretonal e intelectual) y propuso combinaciones de planos basadasen los ideogramas chinos.

Toda su complejidad de planteamiento se traducía en secuencias crípticas decomplicada comprensión para el espectador, que difícilmente podía asumir toda lariqueza narrativa de sus propuestas. Se puede observar un ejemplo acudiendo a laspropias explicaciones de Eisenstein, sobre la secuencia citada anteriormente deOctubre:

Vamos a examinar la ascensión de Kerensky al poder y la dictadura tras lasublevación de julio de 1917. Los subtítulos indicando sus sucesivosnombramientos ("Dictador", "Generalísimo", "Ministro del ejército y de lamarina", etc...), dan una nota cómica, intercalados con los cinco o seisplanos de Kerensky subiendo las escaleras del Palacio de Invierno, todosexactamente de la misma duración. Aquí se plantea un conflicto entre lahueca adulación de las denominaciones y el paso monótono con que elpersonaje sube por unas escaleras siempre iguales. Consecuenciaintelectual: ridículo de la absoluta nulidad de Kerensky. Se crea uncontrapunto entre la expresión literal y casi estadística de una idea, y larepresentación visual de una determinada persona, incapaz de cumplirobligaciones que aumentan sin cesar. La incongruencia de estos dos factoresda lugar a una decisión puramente intelectual por parte del espectador, aexpensas de esa persona determinada.

Como puede comprobarse al ver la secuencia, son planteamientos difíciles deasumir en su totalidad, especialmente si se compara con la intuitiva naturalidad delas propuestas de Griffith. Aun así, no conviene olvidar que Eisenstein ha sido ysigue siendo uno de los directores más influyentes de la historia del cine, y quemuchas de sus propuestas, si bien no han sido asimiladas de forma íntegra, sí quehan sido reabsorbidas y adaptadas por el lenguaje.

Historia > Cine Sonoro

El sonido se incorpora al cine en Estados Unidos a finales de los años 20, desencadenando un proceso de transformaciónindustrial que acabará extendiéndose a todas las cinematografías del mundo. Entre 1926 y 1930, se resuelven losinnumerables problemas técnicos que plantea la sincronización de imagen y sonido, y tambiénla amplificación delvolumen a los niveles requeridos por las salas de grandes dimensiones. Pero aunque estas innovaciones prometen seruna inversión segura, todo el mundo parece estar de acuerdo en que el cine sonoro es un completo disparate.

Al principio, sólo una productora menor, la WARNER BROS, mostrará interés por elcambio en su intento de competir con las grandes compañías de Hollywood,estableciendo un acuerdo comercial con la AT&T-WESTERN ELECTRIC, por el queadquiere el derecho de explotación del sistema de grabación y reproducciónelectrónica a través de discos fonográficos, al que denominarán Vitaphone.

Los primeros ensayos realizados en 1925, van encaminados a la grabación debreves números de variedades, cómicos o musicales que la productora ofrece,como novedad, junto con su producción de largometrajes mudos. El estrenodefinitivo del Vitaphone se realiza al año siguiente con la producción Don Juan(1926),con la música orquestada de la ópera de Mozart; pero será El Cantor DeJazz (The Jazz Singer, 1927) el primer largometraje con música y palabras.

En 1928 la FOX FILM CORPORATION adopta un sistema óptico de grabación desonido en la cinta de celuloide, paralelo a los fotogramas. El sonido óptico acabaráimponiéndose al sistema magnético. Todas la productoras se irán sumando alinvento. Algunas desarrollarán sus propias patentes como la RKO en EstadosUnidos y la TOBIS KLAUGFILM en Alemania.

La guerra comercial volverá a producirse durante los años 1928 a 1931 pararepartirse el mercado mundial de los equipos para estudios y salas.

La implantación del cine sonoro en España no será fácil. En 1930 tan sólo se ruedauna película con sonido. Durante estos años, para sonorizar las películas serecurrirá a otros países, principalmente a Francia. Curiosamente, uno de losclásicos mudos del cine español, La Aldea Maldita, rodada en 1929 por FloriánRey, será posteriormente sonorizada en Francia.

Con el paso de los años, la implantación del cine sonoro tendrá consecuencias beneficiosas, tanto a nivel industrial comoartístico. La incorporación del sonido aportará a la narrativa cinematográfica muchos cambios revolucionarios, tantotécnicos como formales. Al principio se vuelve al "teatro filmado", en el que el ritmo de los planos, fijos y teatrales, seven supeditados a los interminables diálogos y canciones. Aparece el género del Music-hall y de la comedia musical.Pero la utilización del sonido permitirá descubrir elementos expresivos de gran eficacia y demostrará definitivamente lacapacidad del cine para abordar conflictos y personajes de gran complejidad.

La diversidad idiomática dificulta la distribución internacional de las películas. Para salvar este obstáculo, las productorasfilman la misma película en varios idiomas, sustituyendo a los actores y actrices, pero utilizando los mismos decorados yel mismo equipo técnico. Entonces, se le abre a la industria cinematográfica española una oportunidad de expansión atodos los países hispanohablantes, pero serán las productoras de Hollywood las que toman esta iniciativa y, a partir deeste momento, comienzan a importar también, artistas y técnicos españoles con los que producirán la versión castellanade sus películas.

Capítulo 11: "Movimientos". 50´ La aldea maldita.

Historia > Países > Alemania

En 1930, Josef Von Sternberg, produce la primera película del cine sonoroalemán, El Ángel Azul (Der Blaue Engel). Su éxito será fulminante y conducirá aSternberg y a Marlene Dietrich directos a Hollywood.

En 1931, aparece una obra maestra hecha por mujeres y dirigida por LeontineSagan, Mädchen In Uniform (Mujeres De Uniforme), un clásico del cine alemán. Lapelícula es una denuncia del incipiente nacismo y es también una muestrarompedora, libre y clara del erotismo entre mujeres. En ella, se habla de disciplina,de ideas revolucionarias, de amor entre mujeres y de suicidio para expresarliberación. La intimidad y el calor humano triunfa ante la autoridad ciega y larepresión. Además, la película continúa siendo una extraordinaria experiencia deimágenes y sonido.

Otras figuras clave del cine sonoro alemán, anterior al Tercer Reich, son G.W.Pabst y Fritz Lang, que con obras personales de muy distinto carácter, darántestimonio de la angustiosa realidad social y política de la Alemania del momento.

Pabst continúa su trayectoria dentro del cine realista, y a esta corriente se uniránnuevos cineastas, cuyas obras serán, en algunos casos, prohibidas.

Por su parte, Fritz Lang realiza dos importantes películas. M, El Vampiro DeDüsseldorf (M, 1931) es un profundo análisis de la personalidad criminal de unasesino de niños y de la reacción en cadena que provocan los acontecimientos en sucomunidad. Una sencilla trama policíaca, con la que Lang, por un lado, penetra enla tragedia del obseso sexual, y por otro, hace una dura crítica a la sociedad. Susiguiente film, El Testamento Del Doctor Mabuse (Das Testament Des Dr. Mabuse,1932), que acabará siendo prohibido, narra las acciones de un grupo criminaldirigido por el diabólico Dr. Mabuse, dotado de poderes hipnóticos. Lang declararáposteriormente haber intentado representar con esta obra a Hitler y a su partido.

Aparecen en estos años corrientes de cine épico, romántico y más intimista, que engeneral darán obras banales. Sin embargo, aquí destacará uno de los más grandesexponentes del género, el virtuoso Max Ophuls, aunque su consagración definitivasólo llegará después de varias películas alemanas y francesas, en las próximasdécadas, y eso será en América.

En 1933, con la subida de Hitler al poder, serán muchos los que abandonenAlemania: Fritz Lang, G.W. Pabst, Max Reinhardt, Max Ophüls, Billy Wilder, FredZinnemann y Robert Siodmak, entre otros. Tras la marcha de sus grandesmaestros, el vacío artístico y humano de la producción cinematográfica alemanaevidenciará el desolado panorama en que se sume el país a partir de este momento.

En cualquier caso, hay que citar los trabajos realizados por Leni Riefenstahl,asesora cinematográfica del Partido Nacionalsocialista. El Triunfo De La Voluntad(Triumph Des Willens, 1936), es un estremecedor monumento a la gloria del TercerReich, y Olimpiada (Olympia, 1938), es un testimonio de excepcional calidad de losIX Juegos Olímpicos celebrados en Berlín, en 1936. Ambos filmes, rodados conenorme riqueza de medios (más de sesenta cámaras, teleobjetivos, escenasrodadas en estudio con puesta en escena, presupuesto casi ilimitado) llevaron eldocumental de propaganda a su cima pero sin olvidar que Olympia fue incluida en1940 en EE.UU. entre las diez mejores películas sonoras de la historia.

Capítulo IV: El ángel azul.

Historia > Países > Estados Unidos

Contexto Social

El nacimiento del cine sonoro coincide en Norteamérica con la crisis de la bolsa deWall Street de 1929, que hunde al país en la más profunda depresión económica.Un acontecimiento inesperado que desencadena un brusco cambio en la mentalidaddel pueblo americano, con la consiguiente pérdida de confianza en el sistemacapitalista. Durante los años de pobreza y desempleo, el cine será el instrumento alque recurrirá el ciudadano americano como mecanismo de evasión de su realidadmás inmediata, y la administración lo utilizará para recuperar el concepto deamericanismo y la estabilidad social.

En el terreno ideológico, se favorecerá en cierto grado una actitud autocrítica conobras como Tiempos Modernos (Modern Times, 1936), en la que Chaplin critica laexplotación del hombre; The Black Legion (1937) de Archie Mayo, que denuncia auna organización secreta dedicada a atacar a inmigrantes; o Las Uvas De La Ira(The Grapes Of Wrath, 1940), en la que John Ford expone con vigor la gravesituación de los campesinos norteamericanos.

En el género de la comedia surge una nueva corriente encabezada por el directorFrank Capra, que expone, a través de la crítica constructiva, los valores positivospresentes en el sistema democrático estadounidense. La obra de Capra representa,como ninguna otra, la lucha por alcanzar "el sueño americano".

Cercana a la línea propuesta por Capra, se inscribe la labor que conduce a laimplantación del célebre Código Hays de autocensura, que no sólo abarca elterreno de la moral sexual, sino también la social, la política y la racial. A través deeste reglamento de autocensura, Hollywood asume su ideología y se convierte envehículo de transmisión del "american way of life".

Géneros Cinematográficos

La llegada del cine sonoro favorecerá el desarrollo de un género nuevo en laspantallas, la comedia musical, que contará con las preferencias del público. Sinser su aportación excesivamente original, sí que destacan las películas queprotagonizan, entre 1933 y 1939, la pareja de baile formada por Fred Astaire yGinger Rogers.

En estos años, algunas películas se centran en temas profundamente humanos y enpersonajes cercanos a la realidad social. Así surge un nuevo modelo femenino, demujeres que se incorporan a la vida laboral y se comportan de modo diferente,buscando su emancipación. De este modo coexisten películas más populares yrománticas, como las interpretadas por Marlene Dietrich, como Morocco, 1930, yShangay Express, 1932, de Sternberg, con otras películas que apuntan hacia uncierto feminismo, como las interpretadas por Joan Crawford.Con este ambiente realiza su obra Dorothy Arzner, que trabajó en diversas áreasdel cine hasta ser la única directora del momento, rodeada por la ideologíapatriarcal. Sus películas no son rompedoras, pero aportan una mirada diferente,desde el punto de vista femenino, y al menos cuestionan el orden dominante. Suspersonajes son mujeres fuertes, aunque suelen terminar de modo trágico.

Algunos grandes Cómicos del cine mudo abandonarán el cine, y otros se adaptaránal sonoro, como Charles Chaplin. También se incorporan los Hermanos Marx,procedentes del music-hall, aportando algunas obras maestras del género. Su mejorpelícula, Sopa De Ganso (Duck Soup, 1933), es dirigida por Leo McCarey.

A la escuela cómica americana sucede la comedia ligera, iniciada por ErnstLubitsch, con obras como Ninotchka (1939) O El Bazar De Las Sorpresas (1940), ytambién Howard Hawks con La Fiera De Mi Niña (Bringing Up Baby, 1938). Estaspelículas forman un estilo de comedia fina, de sabia ironía, y con una excelentepuesta en escena.

El cine de gansters, que inaugurará Sternberg en 1927 con sus obras La Ley DelHampa (Underworld) y Los Muelles De New York (1928), se convertirá en uno de losgéneros más representativos de la cinematografía norteamericana: cine negro conuna América realista y sórdida.

La película clave del género es Scarface, El Terror Del Hampa (Scarface, 1932)donde Howard Hawks retrata la figura del gangster italoamericano Al Capone. En1936, la película El Bosque Petrificado (The Petrified Forest) de Archie Mayo,revela al actor Humphrey Bogart, cuya personalidad dará lugar a uno de losarquetipos románticos más sólidos del cine clásico americano.

Otro de los géneros más fecundos de la década será el género de terror que

recuperará algunos hallazgos estilísticos del expresionismo alemán, de la mano deverdaderos autores como:

Tod Browning que dirige películas míticas y de culto, como Drácula(Drácula, 1931), basada en la novela de Bram Stoker, y sobre todo LaParada De Los Monstruos (Freaks, 1932) película transgresora de normas yapariencias, inclasificable, maldita, impactante y poética.

El inglés James Whale, que dirige Frankenstein, El Autor Del Monstruo(Frankenstein, The Man Who Made A Monster, 1931), versión libre de lanovela de Mary W. Shelley , El Hombre Invisible (The Invisible Man, (1933)y La Novia De Frankenstein (1935), según un relato de H.G. Wells.

Y el operador alemán Karl Freund, con La Momia (The Mummy, 1932).

Schoedsack y Cooper dirigen en 1933 la grandiosa King Kong,espectacularmente realizada y con efectos deslumbrantes para la época.Todo un clásico.

Por su parte el cine de aventuras presentará una gran diversidad temática en laque destacarán las epopeyas colonialistas y los dramas escenificados en el mar y enel aire. Se trata de películas de barcos y de aviones, de las que la más célebre esRebelión A Bordo (Mutiny On The Bounty, 1935), del escocés Frank Lloyd.

También alcanza gran popularidad la serie de películas sobre el personaje deTarzán, según las novelas de Edgar Rice Borroughs, que, a partir de 1932,protagoniza el nadador olímpico Johnny Weissmuller.

Otros Creadores

El cine norteamericano cuenta con una cantera de artistas superdotados y de fuertepersonalidad. Pero hay que destacar a algunos creadores cuya obra no se aviene auna simple clasificación por géneros. Aparte del genio de Charles Chaplin, hayotros grandes directores, como:

King Vidor, con obras de fuerte compromiso social, que incluso servirán deinspiración a los neorrealistas, como El Pan Nuestro De Cada Día (1934).

Frank Capra, con bonitas y amables películas llenas de reflexiones sobre la vida, yque marcan un estilo de comedias de buenas intenciones, como Sucedió Una Noche(1934), El Secreto De Vivir (1936), Horizontes Perdidos (1937) y Vive ComoQuieras (1938).

John Ford, con influencias de la estilización pictórica y la organización del espaciode Murnau, y también de algunos de los hallazgos del Kammerspielfilm, como laopresión de los ambientes y la concentración dramática que se aprecia en El Delator(The Informer, 1935) y en La Diligencia (Stagecoach, 1939). Con esta obra, puntode partida del western moderno, Ford incorpora la psicología como elementodeterminante del desarrollo dramático del relato, saliéndose de la ajustada fórmulaimpuesta por la estructura del género. En Las Uvas De La Ira (The Grapes Of Wrath,1940), Ford hace un retrato preciso de la angustiosa situación de una familiacampesina norteamericana, impregnando la historia de un patetismo pocas vecesalcanzado. La extrema veracidad de esta obra, al igual que La Diligencia, debe nopoco al rodaje de la mayor parte de sus secuencias en escenarios naturales.

El francés William Wyler adapta al cine novelas y obras dramáticas en películascomo Jezabel (1938), según una novela sureña de Owen Davis, CumbresBorrascosas (Wuthering Heights, 1939), a partir de la novela de Emily Brönte, LaCarta (The Letter, 1940), de una novela de Somerset Maugham, y La Loba (TheLittle Foxes, 1941), de Lillian Hellman.

En su obra, Wyler hace gala de precisión en el estudio psicológico de los personajes,priorizando el trabajo de los actores y actrices. En la medida de lo posible, Wylerprescinde del montaje o lo hace "invisible", y propone la realización en profundidad,mostrando varios planos dentro de una toma larga. En sus películas la puesta enescena tiene mucha importancia, así como el trabajo de cámara y la continuidadespacial y temporal. Este tipo de realización será llevado hasta sus últimasconsecuencias en la obra cinematográfica de Orson Welles.

Un director con amplia filmografía en esta época es Víctor Fleming, con algunasnotables películas como La Isla Del Tesoro (1934) y El Mago De Oz (1939), peroque es recordado por una película mítica, Lo Que El Viento Se Llevó (1939).

Mervin LeRoy dirige They Wont Forget (1937), excitante drama que sigue siendoimpresionante, y el soberbio melodrama Niebla En El Pasado (1942).

William Dieterle dirige en 1939 Esmeralda La Zíngara (The Hunchback Of NotreDame), la mejor versión de la obra de Víctor Hugo.

Hay más creadores, con obras notables y hasta maestras, injustamente olvidadoshoy, como Frank Borzage o Robert Mamoulian.

Capítulo IV: Ninotchka, La fiera de mi niña, Lo que el vientose llevó.Capítulo V: El delator.Capítulo VIII: King Kong.Capítulo X: "Los géneros".

Sombrero de copa de Mark Sanddrich, La calle 42 de B. Berkeley, Los Hermanos Marx en el Oeste, Centauros del desierto, La diligencia, El mago de Oz y Drácula.

Historia > Países > Francia

En los años 30, las compañías PATHÉ Y GAUMONT entran en decadencia. Este esuno de los factores que determina que Francia no participe en la guerra de laspatentes del sonido. Serán la industria americana y la alemana las que intentenhacerse con el mercado.

La filial alemana TOBIS-FRANCE, contratará a uno de los grandes cineastasfranceses del momento, René Clair. Suya es la primera gran obra del cine sonorofrancés, Bajo Los Techos De París (Sous Les Toits De Paris, 1930), película musicalque entonces supera a todas las obras de este género. Bajo los techos de París esun retrato poético e irónico del barrio parisino de Montmartre, con el que Clairinicia una tendencia de vocación romántica y compone un universo satírico pobladode caricaturas. Un estilo brillante e inofensivo que no tardará en ser superado por lapersonalidad artística de Jean Renoir, cuya obra se inscribe dentro de la nuevacorriente realista que domina al mejor cine francés de estos años.

Esta corriente realista será denominada como Naturalismo poético y en elladestacan: Jacques Feyder, Marcel Carné y Julien Duvivier. En sus obras semuestran personajes sacados de las más bajas capas sociales, que se mueven enambientes sórdidos, marginales y decadentes y que están abocados a un destinofatal. Sin embargo, esta dura realidad se muestra como un retrato poético.

Jacques Feyder aportará una obra excepcional, La Kermesse Heróica (LaKermesse Héröique, 1935), una reconstrucción histórica llena de vitalidad y humor,con la estética de las imágenes de la pintura flamenca.

Además, en esta década sucede uno de esos auténticos fenómenoscinematográficos, la obra del artista Jean Vigo que trabaja en condicioneseconómicas muy desfavorables y muere a los 24 años, con una producción muyreducida - dos cortos, un mediometraje y un largometraje - pero llena de libertadcrítica y de sensibilidad. Con sólo los 45 minutos de Zero De Conduite (1933), yL'Atalante (1934) crea un mundo sensual y mágico, mezcla de poesía y de realidadque cautivará la imaginación de futuras generaciones.

Fue abanderado de la Nouvelle Vague y sigue influyendo en cómo hacer cine.Muchos de los grandes le han copiado y homeajeado en sus obras.

Capítulo 11: La regla del juego.

Historia > Países > URSS

El cine sonoro tarda en llegar a la Unión Soviética debido a que su industria se niegaa comprar patentes extranjeras. Los maestros de la escuela soviética reconocen que el sonido aporta grandesposibilidades al cine, pero temen que el diálogo pueda limitar la libertad creadoradel montaje. Por ello, en 1928, Eisenstein, Pudovkin y Alexandrov publican uncélebre Manifiesto llamado "Del Contrapunto orquestal de la imagen-visión y de laimagen-sonido", en el que proclaman el empleo antinaturalista y asincrónico delsonido.

El gobierno soviético limita la importación de películas extranjeras e incorpora elsonido al cine como nueva arma ideológica para reforzar los mensajespropagandísticos y didácticos de las reformas y la revolución. En esta situación,Eisenstein y Pudovkin, se dedicarán principalmente a la enseñanza en el Institutode Cine. Serán los años en los que Eisenstein desarrollará su valiosa obra teórica.

Historia > Países > Gran Bretaña

A partir de 1927, se promulga en el Reino Unido una legislación proteccionista, la"Cinematograph Film Act", con el fin de contrarrestar la fuerte competenciaextranjera, especialmente norteamericana. Esta ley fijará una producción anualmínima de cincuenta films e impondrá a exhibidores y distribuidores una cuotamínima del cinco por ciento de películas inglesas. Los resultados de su aplicaciónserán inmediatos, y pronto la industria inglesa tendrá que recurrir a profesionalesextranjeros que, con su labor, contribuirán a colocar al cine inglés en uno de losprimeros puestos a nivel mundial.

Los húngaros Alexander Y Zoltan Korda aportarán algunas de las obras máscomerciales y de mayor calidad de estos años. El primero hará una crónica históricamemorable en La Vida Privada De Enrique VIII (The Private Life Of Henry VIII,1933); y Zoltan Korda rodará películas exóticas en diferentes continentes, como LasCuatro Plumas (The Four Feathers, 1939), una gran aventura rodada en color.

Pero no todos los artífices del cine inglés serán extranjeros. Una de las figuras clavede estos años será Alfred Hitchcock, que en 1929 rueda su primera películasonora, La Muchacha De Londres (Blackmail).

También será importante el movimiento documental. En 1929, el sociólogoescocés John Grierson con la puesta en marcha de la célebre Escuela DocumentalBritánica, influído por el polaco/soviético Dziga Vertov, explorará el campo deldocumental desde una rigurosa concepción sociológica, con un estilo casifuncionarial. Sin embargo en este movimiento hubo otros más estetas, y con otraactitud, que serían precedente e influencia para el Free Cinema.

En este período surge otra de esas rarezas indispensables y maravillosas del cine,Robert J. Flaherty (EEUU, 1884), con su obra llena de lirismo y realismo, Man OfAran (1934), producción británica rodada en las islas Aran (Irlanda). Flaherty habíadirigido Nanook en 1922, otra de sus obras maestras. Después, codirige con MurnauTabú en 1931, que aún mantiene su aire moderno.

Historia > Países > Italia

En la Italia de Mussolini también se intenta promover la industria cinematográfica. En 1935, se crea el CentroSperimentale di Cinematografia y en 1937 se construyen los estudios de Cinecittà. A la vez se promueve unaproducción de espectaculares reconstrucciones históricas y de ligeras comedias sentimentales. Los detractores deeste cine oficial se agrupan en torno a revistas, a círculos intelectuales y en el propio Centro Sperimentale diCinematografia desde donde se proclama la necesidad de un cine realista, y en sus aulas o en cine-clubs seproyectan las películas prohibidas de los maestros de la escuela soviética y del realismo francés.

Historia > Países > España

En España brilló con luz propia la estrella Imperio Argentina que protagonizó, congran éxito, una serie de películas dirigidas por Florián Rey, entre las que destacan:La Aldea Maldita (1929) y Nobleza Baturra (1935).

Más interesante resulta la labor documental realizada en nuestro país, que con elestallido de la guerra civil adquiere trágica relevancia. Destacan los documentalesrealizados por André Malraux y Joris Ivens, este último perteneciente a lallamada Escuela de Nueva York. Malraux llegó a combatir en las filas republicanas yde su experiencia escribió L´espoir. De la novela hizo en 1939 la película Sierra DeTeruel (L´espoir), la mejor sobre la guerra civil, una obra maestra, pero deproduccción francesa.

Luis Buñuel rueda documentales y entre ellos está Las Hurdes/Tierra Sin Pan de1932

Capítulo 11: La aldea maldita (minuto 50´00").

Historia > Autores > Charles Chaplin

Sus Inicios

Miembro de una humilde familia de actores, su infancia transcurre en losescenarios londinenses, a los que se incorpora como actor infantil con tan sólocinco años de edad. Esta primera etapa de su vida está marcada por la penosasituación económica, a la que pone fin su entrada en la importante compañía depantomima de Fred Karno, en la que perfecciona sus conocimientos artísticos,alcanzando gran prestigio como actor. Las giras que realiza la compañía por EstadosUnidos le permiten entrar en contacto, en 1913, con el productor y director de laKEYSTONE, Mack Sennett, con quien firma su primer contrato en Hollywood.

Su Incorporación en Hollywood

En esta nueva etapa, Chaplin añade a su vocación de intérprete la de escritor ydirector, labor que ya realiza en la gran mayoría de las películas de estos primerosaños, en los que comienza a tomar forma su célebre Charlot, el vagabundoromántico, de buenos modales y cierta picaresca, cuya mayor trascendencia radicaen la dimensión humana que Chaplin incorpora al personaje, ausente en la mayoríade los tipos cómicos de las Keystone comedies.

Su Filmografía

Entre los cortometrajes que realiza durante estos años, destacan Vida De Perro (ADog's Life, 1918), ¡Armas Al Hombro! (Shoulder Arm's!, 1918), Día De Paga (PayDay, 1922) y El Peregrino (The Pilgrim, 1922).

En 1921, realiza su primer largometraje, El Chico (The Kid), que evoca la pobrezade sus años de infancia en Londres, pero que supone ante todo una evolución deluniverso del autor, con la incorporación del elemento trágico a sus comedias.

Gracias al éxito de El Chico, Chaplin funda, en 1923, con el actor DouglasFairbanks, la actriz Mary Pickford y el director David Wark Griffith, máximasfiguras artísticas del Hollywood de aquellos años, la productora UNITED ARTISTS,para la que realizará sus siguientes películas. Una Mujer De París (A Woman OfParis, 1923), en la que Chaplin no participará como actor. Se trata de una obracapital de la historia del cine, considerada por muchos críticos como la primeramuestra de cine psicológico y primer estudio realista de costumbres. Debido al vigorque imprime a la narración y a sus hallazgos visuales, Una Mujer De París colocará aChaplin entre los más grandes realizadores del momento, sin embargo, la películaserá un completo fracaso comercial.

Debido precisamente a este fracaso, en sus siguientes películas, La Quimera DelOro (The Golden Rush, 1925) y El Circo (The Circus, 1928), Chaplin volverá aencarnar a su célebre vagabundo.

El éxito de estas producciones le permitirá abordar sus siguientes obras desde lamás absoluta libertad temática y creativa. En Luces De La Ciudad (City Lights,1931), realiza un amargo retrato de las injusticias sociales; en Tiempos Modernos(Modern Times, 1936), última película muda del autor, con banda musical y efectossonoros, en la que propone una sátira tragicómica en torno a la deshumanizacióndel sistema capitalista y de la mecanización del trabajo; y El Gran Dictador (TheGreat Dictator, 1940), nueva sátira en la que Chaplin se enfrenta a las dictadurasnazi y fascista. La actitud valiente y combativa que adopta el autor en estas obrasseguirá presente en Monsieur Verdoux (1946), una lúcida farsa sobre la frágilidadde la moral, inspirada en un argumento de Orson Welles.

Su postura crítica no será bien vista desde el Comité de Actividades Antiamericanas,que no dudará en llamarle a testificar. En esta situación, Chaplin abandonarádefinitivamente los Estados Unidos, en 1952, para realizar en Inglaterra sussiguientes películas: Candilejas (Limelights, 1952), melodrama sentimental concierto carácter autobiográfico; Un Rey En Nueva York (A King In New York, 1957),en la que arremete contra el Comité de Actividades Antiamericanas; y, su últimapelícula, en la que además interpreta un pequeño papel de camarero, La CondesaDe Hong Kong (The Countess From Hong Kong).

Historia > Autores > Jean Renoir

Hijo del pintor impresionista Auguste Renoir, Jean Renoir entra en el cine en elperíodo mudo, con películas como Nana (1926), adaptación de la novela de EmileZola, Charleston (1927) y La Cerillerita (La Petite Marchande D'allumettes, 1928),inspirada en un cuento de Andersen. Con estas obras, el autor se inscribe, ya desdelos comienzos, dentro de la gran tradición del realismo francés, aunque en estaprimera etapa se deja entrever una cierta influencia vanguardista.

Renoir rueda a los actores en su ambiente, sin trucos ni técnicas de estudio, conuna maravillosa sensibilidad para la realidad física de los objetos y su medio. Suestilo, de apariencia neutral, es como una energía interna en la narración que actúay organiza todos los elementos sin alterarlos. Su mirada selecciona y compone larealidad sin transformarla.

Renoir utiliza antes que Welles lentes que mantienen en foco a los objetos enprofundidad, y utiliza la puesta en escena para seguir a los personajes con tomaslargas, cambiando el cuadro, consiguiendo una unidad de espacio y de acción ytambién una ambigüedad rica en significados.

Etapa de Plenitud

Con la llegada del sonoro, la obra de Renoir alcanza su plenitud expresiva: a travésde sus rigurosos retratos sociales, de tipos y de ambientes sórdidos, en La Golfa (LaChienne, 1931); de las zonas rurales francesas, en Toni (1934); del universonostálgico y hedonista de la burguesía francesa, en Une Partie De Campagne(1936), pieza en la que, además, rinde homenaje a la obra pictórica de su padre.

Dentro de la filosofía del recientemente formado Frente Popular se inscriben susobras El Crimen De Monsieur Lange (Le Crime De Monsieur Lange, 1935) y eldocumental de propaganda del Partido Comunista La Vie Est À Nous (1936). Estalínea de compromiso social, aunque desde una perspectiva más idealista, destacaen el alegato pacifista La Gran Ilusión (La Grande Illusion, 1937).

Antes de iniciar su exilio estadounidense, realiza la más original de sus películas, LaRegla Del Juego (La Règle Du Jeu, 1939), que retrata, en clave de vodevil, elmundo de las apariencias que rige las más altas capas de la sociedad francesa. Lapelícula no será comprendida en su momento y supondrá un completo fracasocomercial.

Etapa Americana

En Hollywood realizará, durante los años 40, cinco películas, tres de ellas para losgrandes estudios. Sin embargo, las obras de este período que reflejan lapersonalidad del autor de manera más viva son sus producciones independientes:ElHombre Del Sur (The Southerner, 1945), retrato de la miseria de los trabajadoresagrícolas, cuya exhibición será prohibida en todos los Estados sureños, y MemoriasDe Una Doncella (Diary Of A Chambermaid, 1946).

Etapa Final

De vuelta en Europa, su siguiente película, El Río (The River, 1950), será un relatopausado y reflexivo, rodado en la India, con el que el autor abandonarádefinitivamente el carácter combativo de su obra anterior. A esta última etapacorresponden obras románticas y hedonistas, como French-Cancan (1954) y Elena YLos Hombres (Eléna Et Les Hommes, 1956), y ejercicios de experimentación, comoLa Carroza De Oro (La Carrozza D'oro, 1952) y Comida Sobre La Hierba (LeDéjeneur Sur L'herbe, 1959).

Historia > Autores > Alfred Hitchcock

De 1920 a 1925, Alfred Hitchcock desarrolla actividades diversas relacionadas conel cine mudo. En 1925 debuta en la dirección con El Jardín De La Alegría (ThePleasure Garden). Con sus primeras nueve películas demuestra una clara habilidadpara narrar en imágenes, por lo que se le confía la realización de la primera películasonora del cine inglés: La Muchacha De Londres (Blackmail, 1929).

Hitchcock hace con su cine constantes experimentos de narración y también innovacon técnicas y maneras de crear suspense. Sus películas son cerradas, mantienenen vilo al espectador y lo dirigen hasta el final que el autor desea.

A lo largo de los años 30, desarrolla en Inglaterra una obra brillante, en la quedefine su predilección por los temas policíacos y de intriga, pero en los que no eludelos elementos de orden psicológico, social y moral a los que aporta una personaldosis de ironía. Entre sus obras más relevantes de esta etapa destacan Asesinato(Murder, 1930), El Hombre Que Sabía Demasiado (The Man Who Knew Too Much,1934), Treinta Y Nueve Escalones (The Thrity-Nine Steps, 1935), El Agente Secreto(The Secret Agent, 1936) y Alarma En El Expreso (The Lady Vanishes, 1938).

En 1940, Hitchcock marcha a Estados Unidos contratado por el productor David O.Selznick para dirigir Rebeca (Rebecca, 1940), su primer film norteamericano quealcanzará un rotundo éxito. Pero con la irrupción de la II Guerra Mundial, Hollywoodse pone al servicio de la contienda, y Hitchcock aprovechará la situación políticapara realizar importantes películas de intriga y espionaje, Enviado Especial (ForeignCorrespondent, 1940), Sabotaje (Saboteur, 1942), Náufragos (Lifeboat, 1944),cuya acción transcurre íntegramente en una balsa, y la genial Encadenados(Notorious, 1946).

En su cine, Hitchcock, muestra con frecuencia una especial predilección por losambientes cotidianos, en los que habita gente sencilla, pero cuya vida se vesúbitamente sacudida por un acontecimiento excepcional. Una muestra de ello, esLa Sombra De Una Duda (The Shadow Of A Doubt, 1943), en la que unaparentemente simpático "asesino de viudas" acaba siendo descubierto por susobrina. Otro caso similar es el de Extraños En Un Tren (Strangers On A Train,1951), según la novela de Patricia Highsmith, en la que un encuentro casualdesencadena una serie de asesinatos imprevistos. Pero también en estos años seinicia la moda de los films psicoanalíticos, a la que Hitchcock se incorpora con LaSoga (The Rope, 1948), estudio de la mente psicópata criminal, y con Recuerda...(Spellbound, 1945), exposición de un caso médico sometido a tratamiento depsicoanálisis. Esta clave psicoanalítica estará presente en gran parte de su obraposterior, especialmente en Psicosis (Psyco, 1960) y en Marnie, La Ladrona (Marnie,1964).

En los años 50, Hitchcock continúa añadiendo grandes obras a su ya dilatadafilmografía, ahondando en sus obsesiones habituales. Uno de sus temas predilectosserá el del hombre inocente perseguido por un delito que no ha cometido. Esta es lapremisa de la que parten el drama Yo Confieso (I Confess, 1952), el relato trágicoFalso Culpable (The Wrong Man, 1957) y la célebre comedia Con La Muerte En LosTalones (North By Northwest, 1959), donde toda la película es como un MacGuffin,una pista falsa que aparece de vez en cuando a lo largo del guión (o historia) sinmás objeto que tirar de la narración o de aportarle continuidad. Pero a estainterminable lista de obras maestras, es necesario añadir otras películas, aúnsuperiores si cabe, como De Entre Los Muertos (Vertigo, 1958), sobre el tema de laculpabilidad, La Ventana Indiscreta (Rear Window, 1954), que constituye unaverdadera lección de narrativa cinematográfica, y Los Pájaros (The Birds, 1963),obra brillante dotada de cierto tono apocalíptico.

Historia > Autores > Flaherty

Cuando los hermanos Lumière descubrieron al mundo su gran invento y decidieronproyectar su primera película, El Tren Llegando A La Estación, pusieron sin darsecuenta la primera piedra de uno de los grandes edificios que el cine iba a levantar alo largo de su historia: el cine documental.

A diferencia de Méliès, al que su aguda mirada permitió rastrear las sendas de laficción, hubo directores que siguieron explotando el poder del cine para ofrecer unareproducción de las cosas y de los acontenicmientos reales. Tras los primerosnoticiarios de LA FACTORÍA PATHÉ, con sus realidades reconstruidas, vinieron otrasopciones, como la planteada por Dziga Vertov en su Cine-ojo: el director debefilmar la realidad tal cual la encuentra y debe posteriormente organizarla en la fasede montaje.

Antes que Vertov, Robert Flaherty, aporta al cine documental el sentido dramáticodel que tradicionalmente había carecido. Con Flaherty, tal y como describe RománGubern el documental alcanza la mayoría de edad. Una de las películasdocumentales que mejor refleja este hecho es Nanook El Esquimal, rodada entre1920-22.

Flaherty hizo de explorador en sus trabajos de geólogo y cartógrafo y trató de dejarconstancia visual de sus descubrimientos y sus relaciones con otras culturas.Perfeccionó su modo de rodar en muchas expediciones y llevaba consigo unlaboratorio para revelar y proyectar según avanzaba el trabajo. Investigó gruposhumanos e hizo descubrimientos técnicos sobre la utilización de objetivos y de tiposde películas que otros adaptarían después.

Nanook El Esquimal

La película de apenas una hora de duración, describe la vida del esquimal Nanook yde su familia en inhóspitas tierras de hielo. Aparte del interés evidente de sutemática, la lucha humana por la supervivencia, el principal atractivo de estedocumental es la fuerza dramática que cobran los acontecimientos una vez queFlaherty los adecúa en montaje a una narración perfectamente planificada. Mientraslos tradicionales noticiarios se limitaban a reproducir la realidad en unos pocosplanos, Flaherty aporta a cada mínimo acontecimiento un plus de emovitividad,mediante recursos expresivos surgidos de la planificación, tanto en la filmacióncomo en el montaje. De esta forma, hechos tan cotidianos como la pesca, laalimentación de los prerros del trineo. o la construcción de un iglú, se conviertenante los ojos del espectador en auténticos acontenicimientos. A base de estospequeños incidentes, Flaherty termina por recrear un guión cuasi-dramático, contodo el realismo del documental, y con todo el interés emocional de los films deficción.

Tras el éxito de Nanook El Esquimal, Flaherty tuvo la oportunidad de afrontar otrosretos, entre los que destacan Moana (1925), Sombras Blancas En Los Mares Del Sur(1928) y Tabú (1931), codirigida con Murnau; y El Hombre De Aran (Man Of Aran,1934), aunque la dificultad de su carácter y la rigidez de sus concepciones de autorle condujeron a no querer firmar casi ninguno de sus trabajos. Flaherty ha pasado ala historia como uno de los grandes fundadores del género documental, con untratamiento creativo de la realidad y con una finalidad tan sencilla de definir comoutópica de conseguir, el conocimiento y la conservación de la identidad humana.

Las películas de Flaherty están hechas en el lugar de acción, y son crudas yespontáneas. Su rodaje no era un plan cerrado sino un proceso de investigación delque surgía el estilo en el que Flaherty era un maestro, logrando dar respuestaslibres y directas al mundo. Man Of Aran es un semi-documental de 77 minutos, quemuestra una familia y su lucha contra la violencia de la naturaleza. El director y sumujer, Frances Hubbard, proporcionaron los datos al guionista. Las imágenes lasregistraron ellos mismos con otros asistentes y son auténticas pinturas cuyacomposición ha sido pocas veces conseguida. También reflejaron como nunca laviolencia del mar. Esta obra les costó dos años en rodarla.

Tras Flaherty, que abandonó el cine por problemas con los productores, el cinedocumental experimentaría un desarrollo continuo: Grierson y la EscuelaDocumentalista Británica; el Non-fiction film de New York; la EscuelaDocumentalista de Cuba... Todas ellas han enriquecido el género, aportando otrasvisiones y temáticas. Los avances tecnológicos, como la popularización del vídeo yde las cámaras ligeras en los años 60, que permitieron la grabación deacontecimientos en prácticamente cualquier momento y situación. Incluso hoy, conlas nuevas tecnologías basadas en la digitalización y la interactividad, se abrennuevos retos ante el tratamiento creativo de la realidad.

Historia>Años 40

La década de los 40 está marcada por la II Guerra Mundial, que altera elnormal desarrollo económico y cultural de los pueblos. La economía de pazse transforma en economía de guerra, y la industria del cine se vesometida a los imperativos derivados de la contienda.

Historia > Años 40 > EEUU

Antes de la guerra, en 1940, George Cukor realiza una comedia sublime, ThePhiladelphia Story. Pero el panorama cinematográfico cambia con el ataque de laaviación japonesa al puerto de Pearl Harbour, en 1941, que determina la entrada deEstados Unidos en el conflicto. Los estudios de Hollywood también se suman a lacontienda y su producción cinematográfica se orienta hacia la propaganda bélica deemergencia, y sus más importantes creadores entran a formar parte de las fuerzasarmadas. Frank Capra, John Ford y William Wyler explican al país, a través de susdocumentales, las razones de la lucha y los métodos estratégicos que habrán deconducir a la victoria.

Pero el grueso de la producción de Hollywood articula esta propaganda a través dehistorias de ficción, como en La Señora Miniver realizada por William Wyler en1942. También, la creciente influencia de la minoría católica cristaliza con laaparición de películas consideradas "edificantes" o de inspiración religiosa, de lascuales, la más célebre es Qué Verde Era Mi Valle (1941), de John Ford.

La guerra, el espionaje y la resistencia serán utilizados como pretextos en películasde intriga y aventuras. Es el caso de Casablanca dirigida en 1943 por MichaelCurtiz , o el de algunas de las películas de la primera etapa americana de AlfredHitchcock. Otro extranjero afincado en Hollywood, el alemán Ernst Lubitsch, aportará a lacausa antinazi una comedia magistral, Ser O No Ser (1942).

Por otra parte, la invasión alemana de Francia provoca la huída a América de unimportante grupo de artistas e intelectuales franceses. Entre ellos destacan RenéClair, Jean Renoir y Julien Duvivier. René Clair dirige en 1942, Me Casé Con UnaBruja, película que lanza a la fama a la estrella Veronika Lake. Las obrasamericanas de Jean Renoir y Julien Duvivier no brillarán a la altura de sus trabajosanteriores.

El ambiente artístico del cine americano de estos años no es muy bueno. Los añosde la guerra cierran el período de esplendor de algunos de los más grandesrealizadores de Hollywood: Wyler, Ford y Capra. También en estos años comienza aextinguirse la comicidad de los hermanos Marx. Un balance negativo del que sesalva el genio excepcional de Orson Welles, una joven promesa procedente delteatro y de la radio, que llega a Hollywood cuando la guerra está a punto deestallar.

También existe un cine independiente y experimental, durante y después de laguerra, y su figura más relevante es Maya Deren. Sus películas son provocativas yde indiscutible contribución al lenguaje cinematográfico. Algunas son como poemasvisuales, y otras como mágicos trances oníricos. La primera que dirige es una de laspelículas más famosas avant-garde, Meshes Of The Afternoon, 1943, con la queanticipa los nuevos cines de los 60s.

Capítulo 2: Ciudadano Kane.Capítulo 4: Casablanca.Capítulo 6: Casablanca y Ciudadano Kane.

Historia > Años 40 > G. Bretaña

El cine británico se muestra muy activo durante la guerra, especialmente elmovimiento documental , al frente del cual se encuentra Alberto Cavalcanti, quesucede en estos años a John Grierson.

También, la industria británica del cine da lugar a grandes producciones parasatisfacer la necesidad de evasión de un público que vive en una situaciónangustiosa.

El multimillonario Arthur Rank produce costosas películas de prestigio, como Cesar YCleopatra (1944), de Gabriel Pascal y Enrique V (1944), de Laurence Olivier.

En estos años aparecen varias películas de calidad como son: Luz De Gas (1940),de Thorold Dickinson, la juvenil y estupenda de aventuras El Ladrón De Bagdad(1940), de Michael Powell, Ludwig Berger y Tim Whelan, y Breve Encuentro(1945), de David Lean.

Historia>Años 40 >URSS

La invasión alemana del territorio de la Unión Soviética trae consigo la ocupación yla destrucción de sus estudios de cine. En estas condiciones, el cine soviético vuelvea centrarse, como ya lo hiciera durante su guerra civil, en la producción de películasdocumentales.

Entre 1943 y 1945, rueda Sergei Eisenstein su testamento artístico: Ivan ElTerrible. Se trata de una biografía del zar, que el cineasta, en plena madurezcreadora, proyecta como una amplia trilogía, pero no la completará. En 1946, lasegunda parte es prohibida y el proyecto de la tercera es cancelado.

Historia > Años 40 > Francia

Entre 1940 y 1944, Francia vivirá las consecuencias de la ocupación alemana. Elestrecho control de los medios de información, la muestra de producciones deAlemania o de la Italia fascista y la creación de una importante productora LACONTINENTAL, dirigida por funcionarios alemanes, tiene por objetivo la nazificacióndel país.

Los grandes nombres del cine francés de anteguerra, Jean Renoir, René Claire,Julien Duvivier, se han visto obligados a abandonar Francia.

Aparece un nuevo director con una extensa formación, Henri Georges Clouzot,que también escribe los guiones de sus películas. Clouzot rueda algunas películaspara la CONTINENTAL, como El Asesino Vive En El 21 (L´assasin Avite Au 21,1942)y Le Corbeau, 1943, donde muestra la sordidez y el pesimismo de una sociedadbajo un prisma muy negro.

Marcel Carné dirige en 1944 Les Enfants Du Paradis, una obra maestra entre lavida y el teatro, llena de sabiduría irónica y romanticismo amargo. Toda unaleyenda que se considera en Francia como la mejor película producida por este país.

René Clément realiza en 1945, inmediatamente después de la Liberación deFrancia, La Bataille Du Rail, la única película francesa seria e importante sobre eltema de la Resistencia.

En 1946 codirige con Jean Cocteau La Bella Y La Bestia. En esta película y en otrascomo Orfeo, Cocteau, que además de dirigir es poeta, novelista, pintor y ensayista,utiliza técnicas para crear imágenes poéticas. Sus metáforas visuales y su estiloecléctico serán admirados por Godard, y de hecho es uno de los padres de laNouvelle Vague.

Historia >Cine de Postguerra > Italia

Con la caída del fascismo, el cine italiano inicia una nueva era libre de la censuraoficial a la que había estado sometido. Entre los autores rebeldes y personales,destaca Luchino Visconti que inicia su obra con Ossessione (1942), una películaque va contra la corriente retórica e insustancial del cine oficial. Se trata de unaadaptación libre de la novela negra de James Cain El cartero llamó dos veces, de laque Hollywood hará su propia versión en el 46 con Lana Turner como protagonista yen los años ochenta con Jack Nicholson y Jessica Lange. El retrato que hace Viscontide ambientes vulgares habitados por gentes comunes, rodados en los propiosescenarios naturales, dota a esta obra de una veracidad que choca con todos lostabúes establecidos, por lo que será prohibida por la censura.

En 1943, el director Vittorio De Sica, realiza I Bambini Ci Guardano, retrato de undrama familiar visto a través de la sensibilidad de un niño y que se suma a lacorriente realista que va en contra del cine oficial.

El Neorealismo

El neorrealismo se incia en 1945, cuando Roberto Rossellini realiza Roma, CittàAperta, en la que narra los últimos días de la ocupación alemana en Roma y de lalucha de la Resistencia, acontecimientos tremendamente recientes retratados con elvigor y la intensidad de un autor revolucionario que inaugura un movimiento queaportará a la historia del cine algunas de sus más grandes obras.

Este movimiento será el resultado de la necesidad, reprimida durante tantos años,de retratar la realidad de manera clara y directa. Será decisiva la influencia delrealimo ruso, del documental británico y de la obra realista de Jean Renoir.

El neorrealismo es una búsqueda de la objetividad documental y del retrato verazde una temática específica, la del individuo inserto en la colectividad, para lo cualaplicará unos recursos estilísticos apropiados: actores y escenarios naturales,ausencia de maquillajes, sobriedad técnica, iluminación naturalista, abandono deestudios, decorados y toda clase de artificios.

A su vez, dentro del neorrealismo se dan diversas tendencias: el ala idealista que veen el cine un testimonio de la realidad, a la que se asocian nombres como RobertoRossellini y Vittorio De Sica, y tiene, como órgano de expresión, a la Revista de CineItaliano; y un ala marxista que postula el realismo crítico, más allá del merotestimonio, a la que pertenecen Luchino Visconti y la revista Cinema Nuovo.

En estos años surge una de esas colaboraciones tan importantes en la historia delcine, la del director De Sica y el guionista Cesare Zavattini. Juntos componen laya citada I Bambini Ci Guardano (1943), y después, la trilogía sobre el drama de lavida diaria en Italia, Limpiabotas (1946), Ladrón De Bicicletas (1948) y Umberto D(1951), y la farsa en clave poética Milagro En Milán (1951) .

Según los estudiosos, Rossellini busca provocar a través de su cine la indignacióndel público; Visconti, pretende despertar su intelecto; y las obras de De Sica yZavattini, tienden a provocar sentimientos de compasión y ternura en elespectador.

El impacto internacional del neorrealimo será tal, que su influencia se hará sentir enlas cinematografías de todo el mundo. Provocará también cambios en los procesosde producción y en los rodajes, que comienzan a abandonar los estudios parainstalarse en exteriores e interiores naturales.

El cine neorrealista no da una imagen radiante ni optimista de Italia, por ello, unavez superada la euforia antifascista de los años de postguerra, el gobierno refuerzala censura. Así aparece la comedieta neorrealista, también llamada "neorrealismorosa", que utilizando elementos formales del movimiento, compone una serie depiezas que reflejan la alegría del pueblo italiano.

Con todo, la industria de cine se consolida en Italia. Aparecen las primeras grandes productoras, como la PONTI-DELAURENTIS, y surgen grandes estrellas italianas de la talla de Sofía Loren, Gina Lollobrigida y Vittorio De Sica.

En este momento de transición, en que se hace necesario explorar otros caminos, surgen dos nuevos talentos queabrirán nuevos horizontes al cine italiano: Michelangelo Antonioni y Federico Fellini.

Capítulo 3: 17´00" versiones de El cartero llama dos veces, de Tay Garnett y de BobRaffelson.Capítulo 5: Roma ciudad abierta.Capítulo 11: Neorrealismo: Roma città aperta, Paisà y Terra trema.

Historia > Cine de Postguerra > EEUU

Tras la guerra, Estados Unidos se perfila como la primera potencia económicamundial y la situación de su industria cinematográfica es excelente. Sin embargo,algunos acontecimientos inminentes vendrán a desestabilizar la prosperidad de estaetapa.

El Tribunal Supremo del Departamento de Justicia da su fallo definitivo en elproceso iniciado años atrás por la Asociación de Productores Independientes de Cinecontra el monopolio de las grandes compañías. Las grandes productoras tienen quedesligar, entre 1949 y 1953, el sector de la producción del de la exhibición.

Además, las empresas de cine tienen que vérselas con otro adversario que tan sólocomienza a definirse, pero que a partir de ahora dará a la industria del cine más deun quebradero de cabeza: la televisión.

Cine Bélico

El cine de esta primera etapa de la postguerra continúa reflejando el drama bélico,ahora solidarizándose con sus víctimas. Una muestra de ello es Los Mejores AñosDe Nuestra Vida, obra dirigida, en 1946, por William Wyler, en la que se narra lavuelta a casa de veteranos de la guerra.

Cine Crítico

Comienza a destacar un nuevo grupo de jóvenes realizadores que van a definir unalínea de cine crítico, tratando temas sociales y polémicos como la corrupción delsistema, la emigración, la falta de igualdad de oportunidades, el antisemitismo o elracismo. Algunos de los nombres más sobresalientes son: Edward Dmytryk, EliaKazan, John Huston, Robert Rossen y Fred Zinnemann.

La "Caza de Brujas"

En estos años, concretamente en 1947, la Comisión de Actividades Antiamericanaspone en marcha una campaña destinada a perseguir todas aquellas manifestacionessubversivas en el seno de la sociedad. Una "caza de brujas", dirigida por elsenador Joseph McCarthy, que alcanza amplios sectores de la intelectualidadnorteamericana, especialmente el de los profesionales del cine. Todos ellos soninvestigados e interrogados por la Comisión, que pone especial énfasis en susideologías y en su filiación política. Diez hombres, invocando la primera enmiendade la Constitución, que garantiza la libertad religiosa, de palabra y de prensa, senegarán a responder en relación a aquellos temas, y serán condenados pordesacato al Congreso. Otros, como Chaplin, abandonarán el país ante la amenazade ser sometidos a los interrogatorios de la Comisión.

Cine Negro

En este ambiente de neurosis colectiva comienza a definirse una de las corrientescinematográficas más típicamente americanas, el cine negro, que tiene sus orígenesen la novela negra de los años treinta y que en cine seinicia con El Halcón Maltésdirigida por John Huston en 1941.

El cine negro refleja un mundo en descomposición, poblado por seres amorales,sujetos a intrigas y conflictos en los que entran en juego los instintos másprimarios. El cine negro enfatiza lo oscuro y lo claustrofóbico, rompiendo con elestilo visual luminoso y equilibrado de Hollywood. Otra característica es larepresentación de la mujer como femme fatale. Además, el cine negro tambiéninnova la técnica narrativa: empleo de tiempo real y tiempo recordado; uso de lavoz interior del personaje; no se da toda la información e incluso trata de equivocaral espectador; los relatos se construyen con flashbacks; los personajes buscan suidentidad perdida enfrentándose a la hostilidad de los acontecimientos; y a veceslos malos escapan.En esta corriente, hay algunas obras importantes: Laura (1944)de Otto Preminger, Detour (1945) de Edgard G. Ulmer, Gilda (1946) deCharlesVidor, El Sueño Eterno (1946) de Howard Hawks, La Dama De Shangai(1947) de Orson Welles, y Gun Crazy (1950) de Joseph H. Lewis.

Otra obra del género es The Hitch-Hiker (1953), dirigida por la que también fuefamosa actriz Ida Lupino, que descubrió varias de las técnicas y temas quecaracterizan el cine negro.

Un Western Psicológico

y un Melodrama sobre Hollywood

Otras obras que hay que destacar entre lo mejor del cine americano de postguerra,son; Solo Ante El Peligro (High Noon), obra maestra del western psicológico,dirigida en 1952 por Fred Zinnemann, y El Crepúsculo De Los Dioses (SunsetBoulevart, 1950), visión ácida del mundo del cine deHollywood, donde la gloria sepierde en un solo día, una joya imperdurable de Billy Wilder.

Género Musical

El género musical experimenta una regeneración con un estilo libre que permite quelas secuencias musicales se sucedan dentro de la lógica de la acción. Es el caso deUn Día En Nueva York (On The Town , 1949) y la maravillosa Cantando Bajo LaLluvia (Singin´ In The Rain, 1952), con momentos inolvidables en una visión delpaso del cine mudo al cine sonoro, del dúo Stanley Donen y Gene Kelly. Éstos,junto con Vincent Minnelli, serán las máximas figuras del género musical depostguerra.

Otras Obras

Willian Dieterle dirige Jennie (Portrait Of Jennie, 1948)

George Cukor vuelve a dirigir otra comedia sublime Adam´s Rib, 1949

Leo McCarey dirige Going My Way en 1944, y hace otra versión de la película Tú YYo (Love Affair) de 1939, retitulada An Affair To Remember, 1957, inteligente yhermosa historia de amor con un final emocionante. Una gran obra maestra.

El alemán-francés Max Ophuls continúa con su estilo transparente y refinado en laromántica, original y deliciosa Carta A Una Desconocida (1948), en La Ronde (1950)y en Madame De... (1953).

Capítulos 2 y 3: Cautivos del mal, de Minelli.Capítulo 5: Ser o no ser.Capítulo 5 y 7: Sed de mal.Capítulo 7 y 10: Cantando bajo la lluvia.Capítulo 10: Los géneros. El Halcón Maltés, El sueño eterno,Solo ante el peligro.Capítulo 12: Carta a una desconocida y Qué bello es vivir.

Historia >Cine de Postguerra > Francia

Para competir con la industria norteamericana, el cine francés recuperará a sus más prestigiosos cineastas queabordarán una producción de calidad, el llamado cinéma de qualité, cuyo academicismo acabará siendo duramenterechazado por los sectores más jóvenes de la intelectualidad francesa.

El estilo realista de directores como Marcel Carné y Jean Renoir, que dió lugar en losaños 30 al llamado naturalismo poético, queda desfasado con la aparición de laspelículas italianas del movimiento neorrealista. René Clair vuelve a Francia ycontinúa cultivando la sátira y las fantasías oníricas.

Un director que destaca en estos años, es René Clément que, en 1952, fiel a suobra anterior, realiza un valioso alegato contra los horrores de la guerra, a travésde un poético retrato de infancia, Juegos Prohibidos (Jeux Interdits). Tambiéndestaca la obra de suspense y fatalismo de Henri Georges Clouzot, El Salario DelMiedo (Le Salaire De La Peur, 1952).

Jacques Becker aporta una de las obras más contundentes y vigorosas de ladécada de los 50, París Bajos Fondos (Casque D'or, 1952), en la que reconstruyemeticulosamente un suceso auténtico ocurrido en el París de principios de siglo.También dirige La Evasión (Le Trou, 1959).

Otra gran revelación del cine francés de los años cincuenta es el cómico JacquesTati que interpreta y dirige seis obras maestras, como Las Vacaciones De M. Hulot(Les Vacances De M. Hulot, 1953) y Mi Tío (Mon Oncle, 1958). En ellas da riendasuelta a su visión satírica de las costumbres burguesas de la moderna civilizaciónurbana y define un estilo cómico elaborado e intelectual, que recupera el clásico gagvisual, al que incorpora el elemento sonoro.

En 1954, la directora belga Agnès Varda realiza su primera película La PointeCourte, considerada el antecedente de la nouvelle vague. Varda escribe, produce ydirige sus películas con total libertad, siguiendo modelos de trabajo de le nouveauroman y proponiendo innovaciones en los temas, en la narrativa y en las solucionescinematográficas.

Un autor con una idea muy personal de su arte y de su oficio es Robert Bresson,que con Diario De Un Cura De Campo (Le Journal D´un Curé De Campagne, 1951)avisa de su originalidad con nuevas formas de hacer un cine diferente de lo que sehabía visto. En este tiempo también dirige Un Condenado A Muerte Se Ha Escapado(1956), y después, Pickpoket (1960) y El Proceso De Juana De Arco (1962).

Historia >Cine de Postguerra > Gran Bretaña

Tras la guerra, el colosal imperio cinematográfico del multimillonario Arthur Rank,consolidado definitivamente, continúa su producción de costosas películas deprestigio, entre las que destacan Cadenas Rotas (Great Expectations, 1946) y OliverTwist (1947), ambas a partir de textos de Charles Dickens, dirigidas por DavidLean, y sobre todo, las adaptaciones cinematográficas de obras de Shakespeare,Hamlet (1948) y Ricardo III (1955), realizadas por Laurence Olivier.

Michael Powell sigue con películas extraordinarias, algunas codirigidas con EmericPressburger, Black Narcisus (1946), A Matter Of Life And Death (1946), I KnowWhere I´m Going (1947), The Red Shoes (1948), y Peeping Tom (1959).

Pero las películas que alcanzarán mayor éxito de público, en estos años, serán laspolicíacas. Uno de sus más destacados exponentes, el realizador Carol Reed,alcanzará las cotas más altas del género con El Tercer Hombre (The Third Man,1949), con guión del novelista Graham Greene y la interpretación de Orson Welles.

A partir de 1949, se inicia el período de apogeo de la comedia británica. A ellocontribuye la empresa independiente ESTUDIOS EALING, que produce un ciclo depelículas cómicas de gran popularidad, entre las que destaca El Quinteto De LaMuerte (The Lady Killers, 1955) de Alexander Mackendrick, y cuyo éxito se debeen gran medida al talento del actor Alec Guiness. Pero en 1955, los ESTUDIOSEALING son vendidos a la televisión.

Capítulo 7: El tercer hombre y El quinteto de la muerte.

Historia >Cine de Postguerra > España

La década de los 40 está marcada por el control admistrativo del Estado. Sóloalgunos directores como Benito Perojo y Florián Rey producen algo. Son los años dela creación del Departamento Nacional de Cinematografía (órgano encargado develar por las cuotas de doblaje y de la censura) y del NO-DO.

Con este panorama, Edgar Neville consigue hacer películas aceptables, como ElCrimen De La Calle Bordadores (1946).

Y en 1948, una excepción, Llorenc Llobet Gracia realiza Vida En Sombras, unaauténtica joya, una obra maestra aunque también maldita.

La década de los 50 aporta alguna esperanza de renovación, aparece Surcos(1951), de Nieves Conde, un drama con influencia del neorrealismo italiano, queda paso a dos nuevos talentos: Juan Antonio Bardem y Luis García Berlanga.Formados en la primera promoción del nuevo IIEC (Instituto de Investigaciones yExperiencias Cinematográficas, fundado en 1947), ambos codirigen su primerapelícula Esa Pareja Feliz (1951) y escriben juntos el guión de Bienvenido Mr Marshal(1953) que dirigirá Berlanga.

Bardem fue fundador de la revista Objetivo y uno de los principales promotores,junto a Basilio Martín Patino, de Las conversaciones de Salamanca, jornadas decine celebradas para revisar el lamentable estado del cine español y para renovar sugris panorama.

Capítulo 9 y 10 : Plácido y La escopeta nacional.Capítulo 11: Muerte de un ciclista, Surcos, Calle Mayor, Bienvenido Mister Marshal, El verdugo y La comedia realistaespañola.

Historia >Cine de Postguerra > Otras Cinematográficas

En estos años, se desarrolla el cine en otros países y surgen algunos de los másbrillantes creadores del Séptimo Arte.

Países Nórdicos

Tras la guerra, se inicia en Suecia la recuperación de laindustria del cine. Ellofavorecerá la aparición a principios de los años 50, de uno de los grandes genios delcine, Ingmar Bergman, que ya, en 1956, realiza una de sus primeras obrasmaestras, El Séptimo Sello (Det Sjunde Inseglet). Bergman es autor de reflexionese interrogaciones sobre la incomunicación, las debilidades humanas y la muerte.

Capítulo 11: El séptimo sello.

Japón

El cine japonés vive un desarrollo muy importante tras la guerra, continuando con elmétodo iniciado en los años 30, a base de mezclar los hallazgos de otrascinematografías con las innovaciones propias. Los japoneses fueron pioneros enciertos usos y movimientos de cámara, de la creación de espacios en profundidad,de las tomas largas, etc.

Los directores más significativos, con un tratamiento personal único en su estliocinematográfico son Kenji Mizoguchi y Yasuhiro Ozu. Ellos utilizan tomas largascomo alternativa al montaje, la profundidad de campo, ángulos y movimientos decámara diferentes, como la altura de cámara más baja de lo habitual, en Ozu,creando una mirada completamente nueva de la composición del plano. Estasinnovaciones son utilizadas luego por Orson Welles en Ciudadano Kane.

De Mizoguchi son, entre un buen número de obras imprescindibles, Cuentos De LaLuna Pálida (Ugetsu Monogatari, 1953) y El Intendente Sansho (Sansho Dayu,1954) . Entre las obras maestras de Ozu, está Historias De Tokio (TokioMonogatari, 1953)

Pero occidente se identifica más con otro director, Akira Kurosawa. En 1950 supelícula Rashomon provoca un honda conmoción en el panorama internacional.

En los 50 la convencional y rígida sociedad japonesa no hace fácil que una mujerdirija, pero esto lo logra la actriz más famosa y respetada, Kinuyo Tanaka. Ella noinnova formas pero aporta sensibilidad femenina en las relaciones de suspersonajes, que a veces se oponen a las normas de comportamiento establecidas.Ante la hostilidad e indiferencia de su país, y tras realizar Chibusa Yo Eien Nare,1955, y otras cinco películas más, decide abandonar la dirección. Pasarán añoshasta que otra directora le suceda.

Capítulo 11: Rashomon y Cuentos de la luna pálida.

India

A diferencia de Japón, la diversidad idiómatica y el bajo nivel cultural de la Indiadificultan la consolidación de un cine de calidad, a pesar de ser el país que mayornúmero de películas produce.

Aún así, hay una figura de gran relevancia internacional, Satyajit Ray, otro de losgrandes de la historia del cine, autor de una robusta, maravillosa y conmovedoratrilogía realista, compuesta por El Lamento Del Sendero (Pather Panchali, 1952-55),El Invencible (Apajarito, 1957) y El Mundo De Apu (Apur Sansar, 1959).

Capítulo 11: El mundo de Apu.

Latinoamérica

El cine en América Latina se desarrolló bajo el control, en muchos casos, de lascompañías de Hollywood. Con la llegada del sonoro se ruedan durante algunos añosen EE.UU. versiones "hispanas" de muchas películas (más baratas y peor rodadas).En los años 40 se consolidan tres grandes industrias nacionales en México,Argentina y Brasil.

En México, tras un ciclo de cine revolucionario e indigenista, se consagrará unaversión nacionalista del melodrama, con tintes pasionales y una estéticatremendista en la que no faltan corridos y canciones. El modelo fue Allá en elrancho grande de Fernando de Fuentes (1936). Del cine mexicano procedenalgunos de los actores más populares del momento, como Mario Moreno Cantinflas,María Félix, Pedro Armendáriz y Dolores del Río. México cuenta con importantes operadores y cineastas, entre los que destacaEmilio "el indio" Fernández y su operador Gabriel Figueroa , muy influidos porla visita de Eisenstein que rodó en 1931 la mítica ¡Viva México!, autores depelículas como María Candelaria (1943), La perla (1946) o Maclovia (1948). Otrosnombres que deben mencionarse son los de Alejandro Galindo , influido porWelles , y autor de Espaldas mojadas (1953) y Roberto Gavaldón . A ellos seunió desde 1950 el español Luis Buñuel , con Los olvidados (1950) y Nazarín(1958).

En Argentina, además del cine de tango (con el cantante Carlos Gardel, que llegó arodar en Hollywood) y otros esterotipos, hay que citar al pionero José AgustínFerreyra . Pero los dos cineastas más sólidos fueron Leopoldo Torres Ríos (cuyohijo Leopoldo Torres Nilsson sería asimismo destacado realizador) y LucasDemare famoso por su epopeya La guerra gaucha (1942).

El cine de Brasil se inició con dos géneros propios: la chanchada , un género deescasa calidad que divertía con el habla de los tipos populares, y la comedia concanciones de carnaval que lanzó a Carmen Miranda como estrella internacional. Eldirector más importante fue Alberto Cavalcanti , un realizador que rodó mucho enEuropa antes de volver a su país. Antes de la irrupción del Cinema Novo hay quemencionar el film O Cangaceiro (1953), de Víctor Lima Barreto . Se trata de unainteresante película de aventuras y bandoleros, con música brasileña.

Historia > Autores >Orson Welles

Poco antes de que estalle la II Guerra Mundial, el 30 de octubre de 1938, OrsonWelles lleva a cabo una interesante experiencia, de consecuencias impensables,consistente en la adaptación radiofónica de La guerra de los mundos, de H. G.Welles. La emisión provocó tal impacto que O. Welles fue fichado por la R.K.O. conun contrato sin precedentes para un actor y director teatral sin experiencia en cine.

A partir de ahí, este insigne director, que es uno de los grandes del cine, viomarcada su vida por el éxito de sus obras y por la polémica que suscitaban susenfrentamientos con la industria de Hollywood.

Welles contribuye considerablemente, con sus películas de hondo calado psicológico,a la renovación y consolidación del lenguaje cinematográfico.

Su Filmografía

En 1941, y con tan sólo 25 años, culmina su primera película, Ciudadano Kane,auténtico mito cinematográfico por lo atrevido de su argumento, pero sobre todopor su lucidez narrativa. La película está marcada desde el punto de vista de larealización por una impronta cuasi revolucionaria, nunca vista desde que en 1914D. W. Griffith sacara a la luz El Nacimiento De Una Nación.

En 1942 rueda El Cuarto Mandamiento, retrato social de una América con profundosarraigos clasistas. Esta nueva incursión en la polémica, sumada a los proyectosinacabados de It's All True (1942) y Estambul (1942), le enfrenta con la industriacinematográfica y le obliga a abandonar Estados Unidos, no sin antes rodar Macbeth(1948).

En Macbeth y luego en Otelo (1951), explota con sabiduría las posibilidades de lailuminación expresionista puesta al servicio de las inquietudes íntimas de lospersonajes. Su etapa shakesperiana se cerraría con Campanadas A Medianoche,rodada en España en 1966.

Del mismo período destacan películas como Mr. Arkadin (1955), también rodada enEspaña, y Sed De Mal, 1958, nuevo alarde de cinematografía, cuyo arranque, conun brillante plano secuencia, marca el tono de calidad del resto del film.

En Fraude (1973), una de sus últimas creaciones, este mago del cine, invita alpúblico a preguntarse sobre la autenticidad de las imágenes. Uno de los mejoreslegados que puede dejar un gran manipulador de imágenes de la historia del cine.

Historia > Autores > Luchino Visconti

Crítico Cronista de lo Humano

Visconti estuvo marcado de principio por su origen aristocrático y por haber sidoayudante de dirección de Jean Renoir en cuatro películas. A lo largo de toda suproducción, Visconti ejerció de voraz analista de la condición humana, tratandoaquellos temas que más le preocupaban, como la soledad, la incomunidación y ladecandecia del hombre y de la sociedad.

Ya en Ossesione (1942), personal adaptación de El Cartero Siempre Llama DosVeces, de J. M. Cain, pudo demostrar que su cine se destacaba del tono acomodadocaracterístico de la época. Definida por algunos críticos como la antesala delneorrealismo, esta película se sirve de un triángulo amoroso para articular unatrágica historia de hombres y mujeres en situaciones reales y en escenariosnaturales.

La gran particularidad del cine de Visconti fue la de llevar impreso una estética y unrefinado gusto muy bien integrado con la realidad que trataba de representar. En LaTierra Tiembla (La Terra Trema, 1948), una de sus mejores obras, pudo haceralarde de este interesante sentido estético, además de inscribir en su argumentotoda la carga ideológica del progresismo que abanderaba. En el film trasciende,mediante la tragedia de un pescador rebelde que pierde sus pocos bienes, la ideade fondo de la necesidad de revolución colectiva para abanderar los cambiossociales. En él, Visconti dirige férreamente a auténticos pescadores sicilianos.

Crítico Cronista de la Sociedad

En El Gatopardo (1963) y Senso (1954), películas de reflexión sobre la belleza y debúsqueda de la estética, Visconti aplica su poder analítico a las revisiones históricasy a la descomposición de la aristocracia, otro de sus grandes motivos temáticos,también impreso en La Caída De Los Dioses (1969).

En ocasiones, el tono culto de sus planteamientos revisionistas terminaba porofrecer resultados ambiguos o crípticos para el gran público, por lo que Visconti nodejó nunca de cultivar asuntos más populares. Así nacieron películas como Rocco YSus Hermanos (1960), emotiva película sobre las dificultades de adaptación de unafamilia campesina al ritmo industrial de la gran ciudad. Con un tono melodramáticomuy acusado, el film ahonda con tono amargo en la descomposición del núcleofamiliar. Sus crudas escenas, como la pelea entre los dos hermanos (Rocco ySimone) o el asesinato de la prostituta, provocaron que su estreno fueseacompañado de polémica.

Últimas Producciones

Su etapa final estuvo marcada por la afinidad con la literatura alemana del sigloXIX, con títulos como La Caída De Los Dioses (1969), Muerte En Venecia (1970),película sobre la creación artística y la atracción física, llena de símbolos sobre lacontemplación de la belleza y la muerte, y Ludwig (1973). En ellas siguióimprimiendo Visconti los temas que más le afectaban, pero siempre con el mismosentido crítico y comprometido que en el resto de su obra.

Historia > Autores > Roberto Rossellini

Es el máximo representante del Neorrealismo y otro de los grandes del cine.

Roma, Ciudad Abierta (Roma, Cittá Aperta, 1945), cuyo argumento transcurre enplena ocupación nazi en Italia, es una de las películas que más literatura crítica haengendrado, especialmente por lo que supone de renovación dentro del panoramade cine italiano, anclado por entonces en sentimentales e insípidos melodramas.

Pronto esta renovación se haría extensible a otros países y directores, y abriría elpaso definitivo a la consolidación del neorrealismo. Su éxito radica en la utilizaciónde decorados naturales y de actores no profesionales, circunstancias provocadas enparte por la falta de medios económicos y técnicos, pero que significa finalmente laaparición de un nuevo estilo de hacer cine, completamente apegado a la realidad, yque Rossellini plasmó igualmente en Paisà (1946) y en Germania, Anno Zero(1947), ambas sobre el mismo fondo bélico.

Curiosamente, esta nueva tendencia estilística no respondía a una radical rebeliónestética, sino a una profunda convicción de creador. Y es que para Rossellini, elrealismo es la forma artística de la verdad. Una forma de acercarse a héroesanónimos, extraídos del día a día, encausados en la lucha por una vida digna.

De su relación con la actriz Ingrid Bergman, con la que se casó, surgieron títulosinolvidables como Stromboli (Stromboli, Terra Di Dio, 1949), Europa 1951 ( 1952) yTe Querré Siempre (Viaggio In Italia, 1953), si bien no todas tuvieron en su día eléxito esperado. Estos fracasos de taquilla supusieron la vuelta a Hollywood deIngrid Bergmann. Rossellini, sin embargo, renunció desde un principio a los cantosde sirena de la gran industria americana y se mantuvo firme en su personal reto deenfrentarse a la realidad tal como es, buscando en el hombre cotidiano respuestassobre su propia humanidad, a través de una curiosa mirada teñida muchas veces deuna notable espiritualidad cristiana.

Producción Televisiva

Finalmente, su vocación de cineasta comprometido le deriva hacia la televisióneducativa, donde realiza films y documentales de naturaleza didáctica, como laacertada reconstrucción histórica de La Toma Del Poder Por Luis XIV (La Prise DePouvoir Par Louis XIV, 1967).

Historia> Autores> Luis García Berlanga

Comparado con Bardem, Luis García Berlanga apostó por un cine más entroncadocon en el humor de sainete, aunque con buena carga de acidez, como dejódemostrado en Bienvenido, Mr. Marshall (1952), Calabuch (1956), Los Jueves,Milagro (1957), y Vivan Los Novios (1969). Mención especial merecen Plácido(1961), en la que carga contra la hipocresía de ciertas prácticas caritativas y ElVerdugo (1963), en la que denuncia la pena de muerte.

Pero sin duda alguna, la gran obra de esta primera época es Bienvenido, Mr.Marshall. Esta genial comedia plantea como fondo la visita de una delegaciónestadounidense a un pueblo castellano, con motivo de los acuerdos planteados porel histórico plan Marshall. Berlanga se sirve de este hecho anecdótico para satirizaracerca del Plan y sobre todo acerca de una sociedad española aún en subdesarrollo.

Posteriormente, Berlanga va incrementando la carga crítica de sus argumentos,hasta convertirlos en auténticos retratos esperpénticos de la sociedad en que le tocóvivir. En esta época, en la que colaboró principalmente con el guionista RafaelAzcona, vieron la luz filmes como La Escopeta Nacional (1977), Patrimonio Nacional(1980) y Nacional III (1982), las tres basadas en la vida de la familia del Marquésde Leguineche, inserta en pleno proceso de transición de la dictadura a lademocracia.

Sus posteriores entregas han mantenido el tono satírico, destacando por su éxitocomercial La Vaquilla (1985), en la que parodia sobre la contienda civil española.Tras Moros Y Cristianos (1987), llegaron Todos A La Cárcel (1993) y París-Tombuctú(1999), que puede considerarse como su testamento fílmico.

Historia > Autores > Juan Antonio Bardem

Bardem y Berlanga son dos de las figuras que mejor representan los intentos derenovación que surge en el panorama cinematográfico español tras décadas de cinemenor. Anteriormente, Juan Antonio Nieves Conde les había abierto el paso con larealización de Surcos (1951), película que por primera vez se acercaba a la realidadsocial española desde una perspectiva cruda, sin edulcorantes, propia de unamirada influenciada por el cine neorrealista italiano.

En la década de los 50, Bardem funda con otros la revista cinematográfica Objetivo,que tendrá entre otras prioridades la de revisar críticamente el panorama del cineespañol. Los resultados los expone en las Conversaciones de Salamanca, celebradasen 1955, con la intención de revisar e impulsar el cine. Es famoso su dictamen:"políticamente ineficaz, socialmente falso, intelectualmente ínfimo, estéticamentenulo e industrialmente raquítico".

Fruto de estas convicciones, y con vocación renovadora, dirige Bardem en 1955Muerte De Un Ciclista. La película, que mantiene influencias de Cronica De UnAmore (1950), de Antonioni, profundiza en aspectos sociales con fuerte cargacrítica. El atropello y posterior muerte de un ciclista le sirven a Bardem paradenunciar el egoísmo insolidario de la burguesía.

Un año después, durante el rodaje de Calle Mayor (1956), fue detenido, alconsiderarse que la historia atentaba contra la moral de los espectadores. En ella,de nuevo con toques neorrealistas, Bardem refleja con pesimismo una sociedadenclaustrada en el pasado. La misma mirada aplicó, con resultados diversos, aCómicos (1953), Nunca Pasa Nada (1963), y Variétes (1970), las tres enmarcadasen el mundo del teatro.

El éxito conseguido por Muerte De Un Ciclista y por Calle Mayor (ambas premiadasinternacionalmente) le permitieron realizar varias coproducciones internacionales,que no alcanzaron la calidad y resonancia de sus primeras obras. Posteriormente,reforzaría el carácter político de su cine en Siete Días De Enero (1977), LaAdvertencia (1982) y Resultado Final (1997), con resultados más que discretos si secomparan con la repercusión obtenida por sus mejores títulos.

Historia>Años 60 y 70

Ante la creciente popularidad del fenómeno televisivo, los estudios de Hollywoodinician una etapa de espectacularidad y de novedosos procedimientos técnicos.Aparece el cine en relieve o en 3-D, el Cinerama, con un sistema de tres películascontiguas proyectadas en una enorme pantalla cóncava, la pantalla circular delCircarama, y el cine oloroso u Odorama.

Éstas son tan sólo algunas de las estrambóticas propuestas que desarrolla laindustria de Hollywood, en un intento de atraer a las grandes masas de público.Pero de esta fiebre técnica surgen las películas de 70 milímetros y el cinemascope ycon ello la pantalla panorámica, de proporciones en torno a 1/2, que se impone alformato tradicional de 3/4.

Para abaratar, en la medida de lo posible, los gastos de producción, los estudiosamericanos comenzarán a rodar sus películas en países europeos. En Italia se ruedaBen Hur (1959), de William Wyler, y Cleopatra (1961-63) de J.L. Mankiewicz. AEspaña llegará en 1959, el célebre productor Samuel Bronston que producirá,entre otras, El Cid (1961), dirigida por Anthony Mann.

Pero, frente a este cine encabezado por Hollywood, surgen en varios países nuevascorrientes , con producciones menos costosas y mayor independencia creativa. Setrata de cine alternativo, experimental, avant-garde, underground..., que enocasiones es cine de calidad, comprometido, feminista, intimista, y explorador detécnicas.

Así, aparecen los nuevos cines y el cine de autor. Aunque estos cines no se venfavorecidos por los medios de distribución.

Este capítulo, aunque lleva el título " los años 60 y 70", se inicia con obraspertenecientes a los últimos años de la década de los 50.

Historia > Años 60 y 70 > EEUU

La Influencia de la Televisión

Las pequeñas compañías producen películas "menores" que abordan temas de lavida cotidiana norteamericana, tratados de manera sobria y directa. Los escenariosson las calles de las ciudades, y los personajes, las gentes que deambulan por ellas.Los artífices de esta corriente son algunos directores que proceden de la nuevaindustria televisiva. Delbert Mann muestra en Marty (1955), el reverso de lapelícula romántica, al narrar la historia de amor entre un carnicero y una apocadainstitutriz; Sidney Lumet, con Doce Hombres Sin Piedad (Twelve Angry Men,1957) hace un profundo diagnóstico de la sociedad norteamericana, a través delretrato de doce hombres encerrados en la sala de deliberaciones de un jurado; yMartin Ritt con obras magistrales sobre la decadencia moral de occidente, comoDonde La Ciudad Termina (Edge Of The City, 1957) y Hud (1963). Sin embargo,una vez absorbidos por la industria de Hollywood, estos jóvenes directores ceden ala presión del mercado y su obra posterior pierde el vigor mostrado en sus primeraspelículas.

En busca de Fuentes de Inspiración

También en estos años, comienza a tener un cierto grado de aceptación el cineeuropeo que produce algunas películas más intelectuales, como las de Fellini o lasde Bergman. Como respuesta, Hollywood produce adaptaciones de obras de oTennessee Williams, William Faulkner y Arthur Miller.

De este modo, surgen películas como Baby Doll (1956) de Elia Kazan, La GataSobre El Tejado De Zinc (Cat Over A Hot Tin Roof, 1958) de Richard Brooks, y LaNoche De La Iguana (Night Of The Iguana, 1964) de John Huston, basadas lastres en piezas teatrales de Tennessee Williams; y El Largo Y Cálido Verano (TheLong Hot Summer, 1957) de Martin Ritt, a partir de una novela de Faulkner.

Nueva Dimensión de los Géneros

Si en la edad de oro de Hollywood la producción se articulaba en torno a una férreaestructuración por géneros, a partir de este momento, algunos directores creanimportantes obras que superan y renuevan estas categorías. Tal es el caso deJohnny Guitar (1953), un western "intelectual" y de Rebelde Sin Causa (RebelWithout A Cause, 1955) de Nicholas Ray; de El Apartamento (The Apartment,1960), una de las más agrias comedias, y quizás la mejor, de Billy Wilder; o el delas nuevas aportaciones al género policíaco, encabezadas por Sed De Mal (Touch OfEvil, 1958) de Orson Welles, y por Atraco Perfecto (The Killing, 1956) de StanleyKubrick en .

Otro de los grandes creadores del momento es Arthur Penn, cuya obra refleja demanera crítica y precisa la hostilidad del medio y la violencia del ser humano. Suestilo profundo y contenido está presente en La Jauría Humana (The Chase, 1966) yen Bonnie And Clyde (1967). En 1970, realiza Pequeño Gran Hombre (Little BigMan), una visión crítica y desmitificadora de la conquista del Oeste .

Con la aparición en 1961 de West Side Story de Robert Wise y Jerome Robbins,se recupera el género de la comedia musical, al que en 1963 se une My Fair Ladyde George Cukor, Camelot, 1967 de Joshua Logan y Cabaret en 1972, de BobFosse.

En otro orden, Blake Edwards realiza la desgarradora y bella, Days Of Wine AndRoses, 1962. Samuel Fuller dirige una película dura, Corredor Sin Retorno (Shockcorridor, 1963). Y Robert Mulligan El Hombre Clave (The Nickel Ride, 1974), decine negro, sobre la soledad y la pérdida del poder.

También se recupera el género cómico con algunas películas notables de JerryLewis, con un sentido del humor inteligente y extravagante.

Nuevas Corrientes

Con la irrupción de la nueva moral hippy a finales de los 60, la industria deHollywood se somete a una reconversión ideológica. Así, el alemán Mike Nicholscon ¿Quién Teme A Virginia Woolf? (Who´s Afraid Of Virginia Woolf, 1966), y con ElGraduado (The Graduate, 1967) da claras muestras del discurrir de las nuevasgeneraciones. El actor y director Dennis Hopper irá un paso más allá con su visiónautocrítica en Easy Rider (1969), un ataque frontal al estilo de vida americano. En

esta línea también se inscriben Cowboy De Medianoche (Midnight Cowboy, 1969)del inglés John Schlesinger y Alguien Voló Sobre El Nido Del Cuco (One Flew OverThe Cuckoo's Nest, 1975) del checo Milos Forman.

En los años 70 Hollywood incorpora fuertes dosis de erotismo y de violencia. En estalínea se enmarca la obra sincera, desgarradora y siempre al límite de SamPeckinpah, que con Perros De Paja (Straw Dogs, 1971) y La Huida (The Getaway,1972), se convierte en el mayor especialista en cine con violencia. También, elpolaco Roman Polanski, con La Semilla Del Diablo (Rosemary's Baby, 1968) yChinatown (1974), y William Friedkin, con El Exorcista (The Exorcist, 1973).

También hay películas bonitas y de aventuras como Robin And Marian (1976), lamejor película sobre Robin Hood, de Richard Lester, y el inicio en 1977 de la sagade George Lucas, The War Star.

En estos años aprece Francis Ford Coppola, una de las grandes promesas del cineamericano que, en 1972 triunfa con una de las mejores películas de la historia, elretrato de la mafia italoamericana en El Padrino (The Godfather), y en 1974 con laexcelente La Conversación (The Conversation), sobre la vida privada y laresponsabilidad personal mezcladas con intrigas por el poder.

Independientes y Otros

Al margen de la gran industria, destaca la obra independiente del actor y realizadorJohn Cassavetes , que comienza a dirigir, dentro de la Escuela de Nueva York ydel new american cinema, con la película Shadows (1960), y sigue con Faces(1968), Husbands (1970) y Una Mujer Bajo La Influencia (A Woman Under TheInfluence, 1974), películas de estilo muy personal y gran libertad expresiva, y quedan gran importancia a los diálogos y a la improvisación.

El independiente, rebelde e innovador Robert Altman dirige en 1970 MASH y en1975 Nashville. El también rebelde e inconformista Richard Brooks dirige TheProfessionals (1966), In Cold Blood (1967) y Looking For Mr. Goodbar (1977). Deltambién independiente Monte Hellman es, entre otras, Two Lane Blacktop (1971).

La rabiosamente independiente y artística Carolee Schneemann intentaexpresarse utilizando el mismo medio cinematográfico, manipulando el cuerpohumano y diversidad de materiales y soportes, incluso interviniendo manualmenteen el celuloide, como otros artistas hacen con otros medios. Fuses (1967), es unejemplo de sus films polémicos, de imaginería sexual, rompedor de tabúes y detécnicas de hacer cine.

La más importante representante de los directores del movimiento independienteamericano es Shirley Clarke, sin menospreciar a Maya Deren, Stan Brakhage,Jonas Mekas, Michael Snow, Kenneth Anger y Andy Warhol. En 1959, Clarkerealiza Bridges-go-round, un poema de expresionismo abstracto. Después se hacemás realista, sigue las propuestas del cinema verité y contribuye al surgimiento delnew american cinema y de las distribuidoras no comerciales, como con TheConnection (1961).

Capítulo 1: El hombre que pudo reinar, 1975, de Huston. El guateque, 1968, de Edwards.

Capítulo 3: Dos semanas en otra ciudad, 1962 de Minelli.

Capítulo 5: Johnny Guitar.

Capítulo 7: Johnny Guitar; Sed de mal; La semilla del diablo.

Capítulo 8 y capítulo 4: La guerra de las Galaxias.

Capítulo 10: "Los géneros"; West Side Story; Cabaret;Grupo salvaje; All that jazz, 1979 de Fosse; El bueno, el feo y el malo, 1966 de Leone; Dias de vino y rosas; Con faldas y a lo loco, 1959 de Wilder; Imitación de la vida, 1959 de Sirk.

Capítulo 12: La guerra de las galaxias; El apartamento.

Historia > Años 60 y 70 > Francia

Agrupados en torno a la revista Cahiers du Cinéma, un grupo de jóvenesintelectuales, impetuosos y con un gran amor por el cine, se enfrenta al cine francésimperante de fuerte carga literaria. Desde esta revista, critican la sumisión del cinefrancés a la literatura, rechazan la dominación ejercida por los productores sobre laobra cinematográfica y reivindican la figura del autor como primera y másimportante entidad creadora del film. Fieles admiradores de Hitchcock, de Ford y detantos otros directores, estos jóvenes proclaman la grandeza del cine americano,del que destacan el carácter "anti-intelectual" de sus westerns y de sus musicales.Pero frente a la rígida organización de los estudios de Hollywood, estos jóvenesplantean nuevos métodos de producción, con presupuestos muy reducidos, que lespermiten acceder a la industria por sus propios medios.

Al nuevo grupo de jóvenes pertenecientes al círculo intelectual de la revista Cahiersdu Cinema, se les conocerá como la Nouvelle Vague y éstas son algunas de lascaracterísticas de sus películas:

- bajo presupuesto- rodaje en exteriores en París y con pocos medios técnicos- uso de cámaras ligeras para rodar en mano y con libertad- cambio en la fotografía con movimientos novedosos- tomas largas al estilo de Preminger o Mizoguchi- personajes sin rumbo ni expectativas- momentos de improvisación de rodaje y de los actores- montaje discontinuo- planos-homenaje a otros autores

Los directores de este movimiento son:

- Jacques Rivette, con una primera película hermosa, París Nous Appartient(1960). Luego será un director minoritario y marginado por los circuitos dedistribución, a pesar de sus películas muy buenas.

- Claude Chabrol, Los Primos (Les Cousins, 1959).

- FranÇois Truffaut, que con Los Cuatrocientos Golpes (Les Quatre Cents Coups)gana el Gran Premio del Festival de Cannes en 1959.

- Jean Luc Godard, el más subversivo y antiacadémico del grupo, que en 1959hace Al Final De La Escapada (A Bout De Souffle) rompiendo todos los moldes einiciando un nuevo lenguaje.

- Eric Rohmer, comienza como uno de los más cualificados del grupo, pero haráuna obra muy personal y coherente, fiel a un estilo propio admirable y maravilloso.Ma Nuit Chez Maud 1969, y Le Genou De Claire (1970), serán seguidas de peliculasmodernas y con vigencia todavía hoy.

-y Alain Resnais, Hiroshima, Mon Amour (1959). Después de esta extraordinariapelícula, seguirá con un estilo hermético e insólito pero de gran impacto: L´annéeDerniére À Marienbad (1961), La Guerre Est Finie (1966), Je T´aime, Je T´aime(1968), etc.

El guión de Hiroshima, Mon Amour lo escribe Marguerite Duràs, que tambiéndirige películas basadas en sus propias novelas. En ellas reta el modo convencionalde narrar y busca nuevos caminos de comunicación desde la idea de que esto lolograrán las mujeres, frente a la clásica dominación de los hombres. En la líricaIndia Song (1975), la banda de sonido cobra tanto interés como la de las imágenesal experimentar con el contrapunto, separándolas por completo.

Los directores de la nueva ola llevan a cabo una verdadera renovación del lenguajecinematográfico. A ellos se debe el concepto de cine de autor.

Pero en su evolución, los directores de la nueva ola francesa adoptan rumbosdistintos, sobre todo a raíz de la crisis política de mayo de 1968. Frente a Jean LucGodard, el más radical del grupo, que pasa una época de cine combativo demilitancia marxista-leninista de muy escasa difusión, otros optan por integrarsedentro de las estructuras tradicionales de la industria del cine. Es el caso de ClaudeChabrol y de François Truffaut. Chabrol inicia con La Mujer Infiel (Le FemmeInfidèle, 1968) una etapa de películas policíacas como El Carnicero (Le Boucher,1969), Relaciones Sangrientas (Les Nouces Rouges,1972), e Inocentes Con LasManos Sucias (Les Innocents Aux Mains Sales, 1975).

Desde planteamientos menos radicales que los de Godard, una serie de cineastas,bajo el impacto de la crisis de mayo del 68, inician un ciclo de películas de cargapolítica en las que se recuperan episodios históricos recientes. Tal es el caso de Z (Z

Ou L`anatomic D`un Assassinat,1968), cuyo guión de Jorge Semprún, se inspira enel asesinato del político griego Gregorios Lambrakis, en 1963, por elementos de laextrema derecha, y Estado De Sitio (État De Siège,1972), sobre la guerrilla enMontevideo, ambas dirigidas por el director de origen griego ConstantinCosta-Gavras. También Louis Malle refiere acontecimientos históricos enLacombe Lucien (1973), y causa polémica en Francia al presentar la cara opuestade las versiones heróicas del pueblo durante la ocupación alemana.

Al margen de la Nueva Ola, hay también otros buenos directores:

-Jean Rouch es uno de los más importantes documentalistas de la historia delcine, Cronique D´un Étè (1961).

-También Chris Marker comienza como documentalista pero después se vuelveexperimentador en películas como Lettre De Sibérie (1958) y La Jetée (1964).

-Jacques Demy, con el maravilloso y melancólico cuento de hadas musical LesParapluies De Cherbourg (1964), y con una de las mejores películas musicales, LesDemoiselles De Rochefort (1969).

En Les Parapluies De Cherbourg es actriz Agnès Varda que se había adelantado ala nueva ola con La Pointe Courte (1956). En 1962 realiza Cléo De 5 À 7, en la quela acción se desarrolla en el tiempo de la proyección. Cineasta que mantendrápropuestas feministas en obras como Una Canta, La Otra No (1976), y Sin Techo NiLey (1985).

-Louis Malle, con Les Amants (1958) y Le Feu Follet (1963). Mas tarde realizaráobras maestras como Au Revoir Les Enfants (1987).

-Jean Eustache, es renovador y personal en el importante drama sicológico ysocial La Maman Et La Putain, 1973.

- Robert Bresson, gran creador de obras geniales, independiente, de estilodepurado y conciso, trabajando al margen de las modas. Ya había realizado obrasmaestras como Un Condamné À Mort C´est Échappé (1956), y en este período harápor ejemplo Au Hasard Balthazar (1966), y más tarde Quatre Nuits D´un Rêveur(1971), o Lancelot Du Lac (1974).

Paralelamente, y como consecuencia de la nouvelle vague surge en Suiza "el grupode los cinco", cuyos representantes más importantes son Alain Tanner y ClaudeGoretta, con las características de la nueva ola y del free cinema.

Capítulo 5: Lenguaje; La noche americana (y Capítulos 9 y12).

Capítulo 11: "Los movimientos"; Al final de la escapada; Jules et Jim.

Historia > Años 60 y 70 > Gran Bretaña

Free Cinema

En 1956, nace el movimiento independiente Free Cinema con películas que tratande recuperar la tradición del cine documental. A este grupo se unirán unos cineastasdescontentos con el conformismo y la hipocresía de la sociedad en que viven,conocidos como los jóvenes airados (angry young men).

A partir de 1958, el Free Cinema incorpora largometrajes de ficción, destacandoestos autores: Karel Reisz, John Schlesinger, Jack Clayton y sobre todo TonyRichardson, que aporta obras como Mirando Hacia Atrás Con Ira (Look Back InAnger, 1959) y La Soledad Del Corredor De Fondo (The Loneliness Of The LongDistance Runner, 1962).

Todos ellos comparten una visión sombría de la sociedad y un lenguaje amargo ypesimista. Se reúnen en torno al crítico y director Lindsay Anderson, autor de If(1968), y de O Lucky Man! (1973), dos obras maestras, alegóricas y surrealistas.

Impacto de la TV

El cine británico no es ajeno a la explosión del fenómeno televisivo. En estos años,buscará alternativas que le permitan recuperar a los sectores del público queabandonan las salas de cine y para ello recurre a la espectacularidad, con grandessuperproducciones. Las más importantes son dirigidas magistralmente y sinrenunciar a una dimensión intelectual, por David Lean, que con Lawrence DeArabia (Lawrence Of Arabia, 1962) realiza un apasionante retrato del arqueólogo,agente político y escritor Thomas Edward Lawrence.

Mayor éxito de público tendrán las aventuras del agente 007, interpretadoinicialmente por Sean Connery, que darán lugar a una interminable serie depelículas. Y en un nuevo intento de atraer a las masas de jóvenes, la compañíaHAMMER FILMS inicia la producción de una larga lista de películas de terrorprotagonizadas por Peter Cushing y Christopher Lee.

Nuevas Revelaciones

Ken Russell con su sensible adaptación de la obra de D.H. Lawrence MujeresEnamoradas (Woman In Love, 1969), inicia una serie de películas deespectacularidad formal, inspiradas en obras literarias.

Riddley Scott dirige The Duellits 1977, Alien 1979 y más tarde Blade Runner,1982.

Y en el terreno del cine intimista, aparece la obra, de fuerte carga crítica, del jovenKen Loach que, en Vida De Familia (Family Life, 1972), muestra la anulación deuna joven, víctima de su medio familiar.

El americano Joseph Losey, huído de "la caza de brujas", aunque irregular, dirigeestas excelentes obras: The Servant, 1963; Accident, 1967; The Go-between (ElMensajero, 1971).

Peter Brooks dirige magníficas películas como El Señor De Las Moscas ( The LordOf The Flies, 1963) una película de niños, pero no para niños, y Marat/Sade, 1967.

Capítulo 1: Alien; Lawrence de Arabia ( y en el 5).

Capítulo 11: "Los movimientos"; La soledad del corredor de fondo; Sábado noche, domingo mañana (de Reisz).

Historia > Años 60 y 70 > Italia

Algunos directores del movimiento neorrealista como Roberto Rossellini yLuchino Visconti continúan con obras menos realistas, mientras que otros comoFederico Fellini, Michelangelo Antonioni y Pier Paolo Pasolini, parten de losprincipios y estilos del neorrealismo antes de encontrar su voz personal.

Así, Antonioni se convierte en uno de los directores más discutidos de su tiempo.Realiza la impresionante Il Grido (1957), con temas relacionados con la vida obrera.En sus siguientes polémicas películas parece preocuparse más por la composición yla fotografía que por sus personajes burgueses, sumidos en la incomunicación, elaislamiento y el tedio: L´aventura (1960), La Notte (1961) y L´eclisse (1962). Suenorme prestigio le lleva al Reino Unido, donde dirige Blow Up (1967), y después aHollywood, donde realiza, en 1970, Zabriskie Point, retrato de la comunidad hippynorteamericana, que plantea una crítica penetrante a la sociedad de consumo.

Frente a estos retratos de la burguesía, Pier Paolo Pasolini sigue la líneapostneorrealista, mostrando la falta de oportunidades para el subproletariado y parala mujer en particular. Después, su obra es más polémica, de cine-poesía, comoUccellachi Uccellini (1996) y la personal, lírica, freudiana y cargada de erotismo y desímbolos religiosos, Teorema (1969). Otras obras de Pasolini son: Mamma Roma(1963), sobre ambientes y tipos del subproletariado italiano, El Evangelio SegúnSan Mateo (1964), Edipo Re (1967), y Medea (1970), y la adaptación de cuentosclásicos El Decamerón (1971), Los Cuentos De Canterbury (1972), y Las 1001Noches (1973).

Entre los jóvenes realizadores destaca la figura de Bernardo Bertolucci con lavirtuosa Antes De La Revolución (Prima Della Revoluzione, 1964), la interesante LaEstrategia De La Araña (1970), y la polémica El Último Tango En Paris (1972).También polémica es la película del veterano Marco Ferreri, La Gran Comilona (LaGrande Bouffe, 1972), una desenfrenada sátira de la sociedad de consumo.

En este período hay en Italia otros directores con excelentes obras como:

Dino Risi con La Escapada (Il Sorpaso, 1962) y Perfumo Di Donna, 1974. AlbertoLattuada con La Mandrágola, 1965. Ermanno Olmi con películas contemplativasde la realidad, El Empleo (Il Posto, 1961) y El Árbol De Los Zuecos, 1978. Y LinaWertmuller con películas comprometidas y críticas, Mimi Metallúrgico FeritoNell´onore, 1971 y Film D´amore E D´anarchía, 1972.

Capítulo 2: Salvatore Giuliano, 1961 de Francesco Rosi.

Capítulo 4: El último tango en París.

Historia > Años 60 y 70 > España

Antecedentes y Contexto Social

Del Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas (I.I.E.C.), creadoen 1947, proceden Juan Antonio Bardem y Luis G. Berlanga, las dos figurasmás importantes del cine español de la década de los 50.

En 1962, a partir del I.I.E.C. se crea la Escuela Oficial de Cinematografía (E.O.C.),de donde saldrá toda una nueva generación, encabezada por Carlos Saura, que en1959 se da a conocer con Los Golfos, una película producida por Elías Querejeta, ala que muchos atribuirán influencias extranjeras, especialmente del Free Cinema.Pero la enérgica inquietud de esta nueva generación con sus propuestas másrenovadoras, se verá atenuada por la presión económica que impone laadministración a través de la concesión de subvenciones a películas, de acuerdo consu categoría artística estimada por una Junta de Clasificación.

A principios de los 60, se pone en marcha una intervención aún más activa delEstado con políticas proteccionistas y de desarrollo, que hace crecer la producción.En 1967 se establece una mejora de la cuota de pantalla, en la proporción de tres auno.

Entonces, en 1961, Luis Buñuel rueda en España Viridiana, la cual será prohibidadurante 16 años.

Comedia Realista

Fernando Fernán-Gómez realiza películas negrísimas que para algunos puedenser de culto dentro del cine español: La Vida Por Delante (1958),La Vida Alrededor(1959), El Mundo Sigue (1963), y El Extraño Viaje (1964).

El Nuevo Cine Español

Carlos Saura se obsesiona con el tema de la guerra civil y hace películas conhermetismo y llenas de símbolos. En 1966 dirige La Caza, fuertemente influida porla obra de Buñuel, a quien dedica su siguiente película Peppermint Frappé (1967).La obra de Saura, en su evolución, va adquiriendo una mayor carga sociopolítica yuna visión claustrofóbica de la burguesía, como en Ana Y Los Lobos (1972), LaPrima Angélica (1973) y Cría Cuervos (1975).

También destacan otros nuevos realizadores como Miguel Picazo, FranciscoRegueiro y Basilio M. Patino.

La Escuela de Barcelona

Por su parte, Barcelona cuenta con una industria escasamente desarrollada en laque, a partir del experimento vanguardista de Fata Morgana, dirigida, en 1966, porVicente Aranda, se pone en marcha un movimiento de vocación experimental entorno al cual se agrupa la Escuela de Barcelona. En este movimiento se inscribeDitirambo, película realizada en 1967 por el novelista y director Gonzalo Suárez,cuyo cine estará siempre dominado por una fuerte carga literaria.

Los Años 70

En la crisis artística de los 70, mantienen el nivel de calidad el director Víctor Ericey el productor Elías Querejeta. Erice aporta al cine español una pieza excepcional,El Espíritu De La Colmena (1973), retrato, a través de las experiencias de dosniñas, de la España rural tras la Guerra Civil.

En 1979, Iván Zulueta realiza una de las mejores obras de este país, Arrebato,película de culto, obra maestra y maldita, en la que el cine es el protagonista.

Capítulo 3: Entrevista a Carlos Saura; Los golfos y La primaAngélica, 1973.

Capítulo 5: La tía Tula (1964) con un plano secuenciaexplicado por Picazo, y El espíritu de la colmena (y encapítulo 2 y 10)

Capítulo 11: Los golfos; La caza; Nueve cartas a Berta ; Viridiana; Simón del Desierto (Buñuel, 1965); La vida pordelante; El extraño viaje; Atraco a las tres (Forqué, 1962); Elinquilino (Nieves Conde, 1958); Pim Pam Pum Fuego (Olea, 1975); Tigres de papel (Colomo, 1977) y La Regenta (Suárez,1975).

Alemania

A partir de 1966 surge un intento de introducir en el cine alemán innovaciones almodo de la Nouvelle Vague, cambios en los métodos de producción y realización, enocasiones con actores aficionados, sonido directo, escenas y diálogos improvisados,relatos fragmentados, etc.

Se inicia el movimiento en 1966 con películas como Una Muchacha Sin Historia(Abschied Von Gestern) de Alexander Kluge, y El Joven Törless (Der JungeTörless), adaptación de la novela de Robert Musil, de Volker Schlöndorff. Ésteseguirá con películas como Vivir A Cualquier Precio (Mord Und Totscholag, 1967), yotra adaptación, ésta vez de Günter Grass, El Tambor De Hojalata (DieBlechtrommel, 1979).

Tras un momento de euforia, las películas no logran ser distribuídas, por elloalgunos directores crean sus distribuidoras independientes. También son ayudados,a veces, por la financiación de la televisión. Aunque el movimiento sigue unasformas y un estilo, no se trata de un grupo unificado. Estos son algunos de susdirectores:

- Rainer Werner Fassbinder autor de magistrales y conmovedores melodramascomo El Mercader De Las Cuatro Estaciones (Händler Der Vier Jahreszeiten, 1971),Todos Nos Llamamos Alí (Angst Essen Seele Auf, 1974) y Fontane Effi Briest, 1974. - Werner Herzog, con Aguirre, La Cólera De Dios (Aguirre, Der Zorn Gottes,1971), El Enigma De Gaspar Hauser (Jeder Für Sich Und Gottgegen Alle, 1974). - Win Wender, con El Miedo Del Portero Ante El Penalty (Die Angst Des TormannsBeim Elfmeter, 1971), Alicia En Las Ciudades (Alice In Den Städten, 1973), y En ElCurso Del Tiempo (Im Lauf Der Zeit, 1976) en la que sigue estilos de autores comoOzu o Godard, y con la que pretende que el espectador aprenda a mirar. Tras hacerEl Amigo Americano (Der Amerikanische Freund, 1977), Coppola le ofrece rodar enEEUU.

Otros directores son muy experimentales y a pesar de tener obras maestras, sonmuy minoritarios y no distribuidos: Wermer Schoeter, Hans-Jürgen Syberberg,Jean-Marie Straub y Danièle Huillet.

También es muy importante el auge feminista de los 70, con una presenciarelevante en festivales y salas de cine hasta el punto de que se llama "milagroalemán del cine femenino", con directoras significativas, como la ya nombradaDanièle Huillet, Jutta Bruckner, Helke Sander, Ulrike Ottinger, con Madame X(1977), y Orlando Furioso (Freak Orlando, 1981), Margarethe Von Trotta, con ElHonor Perdido De Katherina Blum (Die Verlorene Ehre Der Katharina Blum, 1975), yHelma Sanders-Brahms, con Alemania Pálida Madre (Deutschland Bleiche Mutter(1979).

Bélgica

Chantal Akerman, es una directora de películas experimentales y personales, contomas largas, en las que cada plano está cuidadosamente compuesto, y cada gestoes el resultado de una precisa dirección. Los argumentos son minimalistas oinexistentes y el espacio es un personaje más. En Jeanne Dielman, 1975 y NewsFrom Home, 1977, Akerman explora el medio con temas no convecionales, conpoco diálogo, muchos sonidos, cámara fija, imágenes atractivas, y como en algunasotras películas suyas, con un punto de vista feminista. Después, en Toute Une Nuit,1982 y Moving In, 1993, sigue explorando nuevos medios de expresión.

Países Nórdicos

La cinematografía sueca que, en los años 20, había conocido un periodo de granvitalidad, florece ahora de la mano de una serie de directores atentos a los grandesproblemas de la condición humana. La enorme libertad expresiva con que seenfrentan a cuestiones tradicionalmente consideradas tabú, como la temáticasexual, convertirá a la cinematografía sueca en una de las más polémicas einteresantes del cine moderno. Destaca entre todos sus componentes la figura deIngmar Bergman.

Bo Widerberg dirige en 1971 Joe Hill, una obra maestra amarga, de denunciasobre las desigualdades sociales.

Y en otro de los países nórdicos, en Dinamarca, continúa su labor el autor de LaPasión De Juana De Arco (1927), el imprescindible Carl Th. Dreyer, cuya fidelidad

Historia > Años 60 y 70 > Otros Paises

a una concepción artística propia y a un espíritu crítico riguroso convierten LaPalabra (Ordet, 1955) y Gertrud (1964) en verdaderas cumbres del cine universal.

Países del este

El armenio Sergey Paradzhanov dirige Teni Zabatykh Predkov (1964), SombrasDe Olvidados Antepasados, también conocida como Caballos De Fuego Salvajes, untributo a las posibilidades del cine y a las tradiciones del pueblo, película conelementos folclóricos, costumbres, ritos y canciones. La narrativa no es lo másimportante , sino los impresionantes logros de estilo, es un tour de force visual, concolores simbólicos, virados, cámara lenta, planos subjetivos, manipulación de labanda sonora, exposiciones múltiples, cámara-en-mano en continuo movimiento yrápidas panorámicas de 360º para enfatizar la continuidad de los temas. A pesar delas trabas de las autoridades, hace El Color De Las Granadas ( Sayat Nova, 1969)en la misma línea.

En la Unión Soviética destaca la obra de Andrei Tarkovsky, cuyo reconocimientointernacional será unánime. Es uno de los grandes del cine, radical, polémico peroimaginativo y apasionante, con un lenguaje personal que expresa su visión poéticade la realidad y con un estilo inconfundible que por sí solo es como una teoría delcine. Andrei Rublev (1966), El Espejo (1974), Stalker (1979) y Sacrificio (1986),son algunas de sus intensas obras.

Andrei Konchalovski, hermano de Nikita Mijalkov, colabora en el guión de AndreiRubliev y dirige Siberiada (1979)

En Polonia destacan: Jerzy Kawalerowicz, que aborda la superproducción enFaraón (Faraon, 1966), en la que trata el problema, presente en su país, delconflicto de poder entre Estado e Iglesia, ubicándolo en el antiguo Egipto; yAndrzej Wajda, cuya figura se da a conocer con Kanal (1957), retrato de laresistencia polaca a través de los canales del alcantarillado de Varsovia, durante ellevantamiento de 1944. Wajda, preocupado por el hombre en sus dramassociopolíticos, pudo seguir dirigiendo obras magistrales, a pesar de la censura,como Cenizas Y Diamantes (Propiol Y Diament, 1958) que aún es mejor yreconstruye las 24 horas tras la liberación; Paisaje Después De La Batalla(Krajobraz Po Bitwie, 1970), La Tierra De La Gran Promesa (Ziemia Obiecana,1975), El Hombre De Mármol (Czlowiek Z Marmonu, 1977) y Panny Y Wilka (PannyZ Wilka, 1979), un mundo de emociones y nostalgia, una película lírica con suavesenfoques.

Wojciech Has logra una hermosa película basada en la obra de Jan Potocki ElManuscrito Encontrado En Zaragoza (1964).

Y en Polonia realizará su primera película Roman Polanski, El Cuchillo En El Agua(Noz W Wodzie, 1962), muy sombría y magistral, un análisis terrible del espíritu.Después abandona el país para hacer películas en Francia, Gran Bretaña y EstadosUnidos, como Rosemary´s Baby, 1968, un magnífico thriller de terror y lasorprendente y extraña policíaca Chinatown (1974).

En Checoslovaquia surge la nueva ola checa con realizadores como MilosForman, Ivan Passer y Jiri Menzel que dirige Trenes Rigurosamente Vigilados(1966). Las películas de estos directores focalizan pequeños incidentes cotidianos,en lugar de ensalzar los logros del realismo socialista en el que estaban inmersos.Vera Chytilová es la más famosa directora checa, innovadora y polémica,continuadora de la labor de otras mujeres pioneras y también del feminismo. En suspelículas, siguiendo la filosofía de Eisenstein, experimenta con el montaje e intenta"formar" al espectador. Las Margaritas (Sedmikrásky, 1966) es la más audaz, demontaje brillante, con procesados de color, un tour de force y un tributo a losclásicos como Lumière, Chaplin y Gance. Después se hace menos formalista y dirigepelículas más realistas.

En Hungría también surge un movimiento similar. Marta Meszaros con películasintimistas y de suma delicadeza sobre la mujer, Adopción (1975) y NueveMeses(1976). Miklós Jancsó dirige películas nada convencionales en suconstrucción, con largos planos secuencia y constantes movimientos de cámara,como en Salmo Rojo (1972).

Asia

El representante de Japón más conocido en Europa sigue siendo Akira Kurosawa,que se encuentra ahora en su etapa de plena madurez. Pero en Japón aparece unanueva generación, la nueva ola japonesa, que muestra los motivos de susociedad con problemas y conflictos. Pertenecen a este movimiento: Shohei

Imamura, Evaporación del hombre (Ningen johatsu,1967), Masahiro Shinoda,Masaki Kobayashi, Harakiri (Seppuku , 1963) y El Más Allá ( Kwaidan, 1965) yNagisa Oshima, El Imperio De Los Sentidos, 1975 y El Imperio De La Pasión,1977.

En la India , el país que por su población y variedad lingüística se sitúa en cabezade la producción mundial desde los años 50, sigue su grandiosa obra Satyajit Ray,tocando todos los géneros (dramas históricos, documentales, films para niños,musicales) pero siempre muy crítico con las tradiciones de su país: Kanchenjhunga(1962) o Trueno lejano ( Ashani Sanket , 19739) son algunos jalones de unacarrera de más de 40 películas. Otros autores interesantes son Ritwik Ghatak y elbengalí Mrinal Sen , muy influido por la Nouvelle Vague .

Australia

Gillian Armstrong recuerda en sus películas el mejor hacer del estilo deHollywood, como en My Brilliant Career, 1978, con guiones que apuntan temassexuales y tensiones familiares.

Latinoamérica

En México continúa su obra Luis Buñuel, que realiza en estos años algunas de susobras capitales.

En este período surge en Latinoamérica un importante impulso cinematográficoinfluenciado por las nuevas teorías y por las situaciones políticas y sociales-como laRevolución cubana- que crea las bases del Nuevo Cine Latinoamericano (NCL).Es un cine de compromiso y militante, tanto desde posiciones izquierdistas comocatólicas progresistas, de autores que quieren ayudar a transformar el estado de lascosas con sus películas.

Tras la revolución de 1959 Cuba se convierte en uno de los focos de referencia conla fundación del ICAIC y las visitas de numerosos cineastas europeos que impartencursos (Joris Ivens, Wajda, Zavattini, Agnés Varda,...). Se presta atención a todoslos géneros y, como en muchos países del bloque socialista, a la animación y eldocumental. Con La muerte de un burócrata (1966) y Memorias del subdesarrollo(1968) Tomás Gutiérrez Alea se convierte en el cineasta de referencia. Con laextraordinaria Lucía (1968) Humberto Solás muestra su inclinación por un cineépico que da protagonismo a personajes femeninos. Otros nombres importantes sonJulio García Espinosa , que filmó la primera película de la Revolución ( Cuba baila, 1960), Manuel Octavio Gómez , formado en España y autor de un cinerevolucionario, nacionalista y didáctico y Sara Gómez con la maravillosa De ciertamanera (1977).

En Argentina, La hora de los hornos (1968), un singular documental de más decuatro horas, es el símbolo del nuevo cine ya que su director Fernando Solanas ysu guinosta Octavio Getino son los autores del manifiesto "Hacia un tercer cine".Dentro de la industria destaca Leopoldo Torres Nilsson , especialista enadaptaciones literarias desde Carmen Laforet a Manuel Puig o Bioy Casares pasandopor la épica Martin Fierro (1968) y la aparición de los jóvenes Luis Puenzo yAdolfo Aristaraín .

En Bolivia, Jorge Sanginés creó el colectivo Ukamau orientado a plasmar ladiscriminación de los indígenas. Es autor de las míticas Ukamau (1966), YawarMallku (La sangre del Cóndor, 1969) o El coraje del pueblo (1971).

En Chile hay una eclosión del cine hasta el golpe el golpe militar en 1973: MiguelLittin con las emblemáticas El chacal de Nahueltoro (1969) y La tierra prometida(1973) y Patricio Guzmán que rodaría ya en el exilio la trilogía La batalla de Chile(1975-78)

En Brasil el cine cobra más importancia que en otros países latinoamericanos, conel cinema novo brasileño y con Glauber Rocha liderando el NCL. Es un cine quetiene una gran fuerza expresiva y que aborda los conflictos sociales del país, enpelículas como Deus E O Diablo Na Terra Do Sol (1964), y Antonio Das Mortes(1968) de Glaubert Rocha; Vidas Secas (1963), de Nelson Pereira dos Santos;y Os Fuzis (1964), Los Cazadores (1969) y Os Deuses E Os Mortos (1970) de RuyGuerra .

Capítulo 11: Vidas secas, Antonio das Mortes, Paisajedespués de la batalla de Wajda, Rapsodia Magiar de MiklosJancsó y Ran de Kurosawa.

Historia > Autores > François Truffaut

Sus Inicios

Uno de los miembros más destacados de la denominada Nouvelle Vague, FrançoisTruffaut inicia su carrera en el cine desde las páginas de la revista Cahiers ducinéma. En 1959, realiza su primera película, la obra maestra Los CuatrocientosGolpes (Les Quattre Cents Coups), retrato autobiográfico de la infancia sometida ala dureza del entorno. La tierna sensibilidad presente en esta primera película seráuna constante en prácticamente toda su filmografía, especialmente en aquellasobras en las que aborda el tema de la adolescencia perdida, como en El Amor A LosVeinte Años (L'amour À Vingt-ans, 1962), Besos Robados (Baisers Volés, 1969),Domicilio Conyugal (Domicile Conjugal, 1970) y El Niño Salvaje (L'enfant Sauvage,1969). Una mirada sensible a la que incorpora, en su evolución artística, unarefinada concepción estética y una cierta dosis de ironía. La suya es una obra muyheterogénea, cuya popularidad le permite mantenerse en los circuitos dedistribución.

Su Obra

Truffaut es productor o coproductor de la gran mayoría de sus obras, alternandopelículas comerciales con proyectos más personales, pero de difícil amortización.

Truffaut hace obras originales, colaborando en los guiones, como La NocheAmericana (La Nuit Américaine, 1973), retrato entrañable de un rodaje de cine;Diario Íntimo De Adele H. (L'histoire D'Adèle H. 1975), trágico relato sobre la pasiónamorosa padecida por una hija desconocida de Victor Hugo; El Amante Del Amor(L'homme Qui Aimait Les Femmes, 1977), reflexión en torno al amor quedespiertan las mujeres; y El Último Metro (Le Dernier Métro, 1980), reconstruccióndel París de los años de la ocupación alemana, visto desde el mundo del teatro.

Entre sus mejores obras también se encuentran algunas adaptaciones literarias, tales el caso de Jules Y Jim (Jules Et Jim, 1961) y de Las Dos Inglesas Y El Amor (LesDeux Anglaises Et Le Continent, 1971), en las que muestra dos triángulos amorososcon momentos felices y melancólicos, con un ritmo rápido de imágenes y dondeconsigue su estilo más depurado. También adapta novelas policíacas, como TiradSobre El Pianista (Tirez Sur Le Pianiste, 1960), La Novia Vestía De Negro (La MariéeÉtait En Noir, 1967) y La Sirena Del Mississippi (La Sirène Du Mississippi, 1969), eincluso una novela de ciencia-ficción de Ray Bradbury, Farenheit 451 (1966).

A truffaut le apasiona cierto cine americano y en especial el de Alfred Hitchcock, loque le llevará a escribir el libro de entrevistas El cine según Hitchcock (1966),que es como un magnífico manual de cine.

Historia > Autores> Federico Fellini

Sus primeros pasos profesionales los da como caricaturista, en una revistahumorística, pero pronto entra en el cine como guionista y ya, en los orígenes delneorrealismo, colabora con algunos de los más grandes cineastas del momento,entre ellos Roberto Rossellini.

Aunque sus primeras películas guardan poca relación con el universo quedesarrollará en su obra posterior, ya en ellas, el cineasta adopta un cierto sentidosuntuoso del espectáculo y de la caricatura, y trata, aunque tímidamente, uno desus temas predilectos: la soledad del hombre.

En Luci Del Varietà (1950), su primera película, retrata el mundo de losespectáculos ambulantes de music-hall; en El Jeque Blanco (Lo Sceicco Bianco,1952), presenta a una joven recién casada que, en pleno viaje de bodas a Roma,abandona a su marido para conocer a su verdadero amor, el héroe de sufoto-novela favorita; y en Los Inútiles (I Vetelloni, 1953), realiza una crónica sobrelos jóvenes holgazanes e irresponsables de una ciudad costera, durante el tediosoperiodo invernal.

Aunque en estas obras predomina el carácter testimonial neorrealista, ya empieza aconfigurarse la personalidad del autor, que no puede evitar una cierta distorsión enel tratamiento de personajes y situaciones.

Etapa de Madurez

Su siguiente película, La Strada (1954), es la fábula de un forzudo titiritero quemaltrata a su inocente mujer. En esta obra, ya está presente el universo poético delautor que continúa evolucionando en Almas Sin Conciencia (Il Bidone, 1955), sobreun grupo de estafadores, y en Las Noches De Cabiria (Le Notti Di Cabiria, 1956),historia de una prostituta de buen corazón que ha perdido la fe en la vida.

Los personajes de Fellini sufren en su interior un conflicto entre el bien y el mal,pero al final aflora su bondad innata que logra finalmente purificar sus espíritus.Esta etapa se cierra con el gran éxito de La Dolce Vita (1959), en la que expone,con todo lujo de detalles, el despilfarro y la disipación moral de la alta burguesía yde la aristocracia romana.

La fascinación que provoca el universo retratado, tanto en el público como en elpropio cineasta, hará de la película un éxito rotundo a nivel internacional. Ellopermitirá a Fellini abordar su film más ambicioso y personal, Fellini, Ocho Y Medio(Otto E Mezzo, 1963), en el que el autor reflexiona sobre sí mismo y su cine.También girarán en torno a su figura los recuerdos y sueños plasmados enFellini-Roma (Roma, 1972) y en Amarcord (1973).

Etapa Final

De sus últimas películas destacan: Y La Nave Va (E La Nave Va, 1983), obrabellísima que transcurre íntegramente en un trasatlántico de lujo, construido en losestudios Cineccità; y Ginger Y Fred (Ginger E Fred, 1986), con la que realiza unhomenaje sentimental a los grandes mitos del cine norteamericano y dirige unacrítica feroz al universo contemporáneo de la televisión.

Historia> Autores> Luis Buñuel

El cine del prolífico y genial Luis Buñuel puede dividirse en tres etapas: sus iniciosen España y Francia, su estancia en México, y su regreso a Francia.

Etapa Surrealista

A la primera de estas etapas corresponde su cine más surrealista, aunque lospreceptos de este movimiento no le abandonan nunca. Un Perro Andaluz (Un ChienAndalou, 1928), es un cortometraje insólito, provocativo y en contra de toda lógica.Se trata de una obra maestra de la rareza y la fantasía, en cuyo guión colaboraDalí. La Edad De Oro (L´age D´or, 1930) es una sátira surrealista y poética, unataque metafórico a la fe y al orden. También incluye alguna escena surrealista enLas Hurdes/Tierra Sin Pan (1932), una de sus pocas producciones españolas, undocumental de autor en el que muestra el panorama terrible del pueblo y susgentes.

Etapa Mexicana

Con películas como Nazarín (1958) y Simón Del Desierto (1965), Buñuel siguesiendo surrealista y onírico y flagela la moral burguesa con escenas que impactan ycon humor corrosivo.

En cada película Buñuel trata de diseccionar la personalidad humana, cuyanaturaleza le fascina y le aterra, forzando a los personajes a vivir situaciones límite:¿por qué no se ayudan entre sí los burgueses para salir de la casa en El ÁngelExterminador (1962)?; ¿qué puede llegar a hacer un hombre condenado a lasoledad como en Robinson Crusoe (1952)?; ¿de dónde proceden las conexionesentre erotismo y muerte de Archibaldo en Ensayo De Un Crimen (1955)?; ¿quéclase de celos llevan a Francisco (Él, 1952) a asistir a su propia degradaciónsentimental?. Quizá la misma imposibilidad de realización personal que lleva a losmuchachos de Los Olvidados (1950) a cometer sus golferías, condenados a una vidamiserable por la fatalidad del destino y por la incapacidad de la sociedad pararehabilitarlos. Esta mirada es la misma que aplica a los personajes de Viridiana,rodada en España en 1961.

Etapa de Madurez

Su última etapa de creación está protagonizada por su colaboración con el guionistaJean-Claude Carrière, de donde surgieron títulos como Tristana (1970), Ese OscuroObjeto De Deseo (Cet Obscur Objet Du Desir, 1977), Belle De Jour (1966) y ElDiscreto Encanto De La Burguesía (Le Charme Discret De La Bourgeoise, 1972),sátiras tremendas en las que se invierten las normas y los valores establecidos, deforma libre y liberadora, que superan en modernidad a sus coetáneos más jóvenes.

En ellas Buñuel sigue experimentando y creando su imaginario poético, siempredesde su mirada irónica, con sus temas más recurrentes: la imposibilidad derealización de los deseos ocultos, origen de una frustación sólo superable con laimaginación y los mundos soñados; el absurdo y la casualidad como motores de larealidad; y la lucha, en definitiva, contra los órdenes establecidos(tradición-religión-sexualidad...), como culpables de la infelicidad humana.

En España se prohibió la exhibición de varias de sus películas. Para esquivar lacensura a veces cambiaba algunas propuestas que inteligentemente lograban sermás provocadoras, como el final de Viridiana.

Buñuel es un director único en su estilo, con películas admiradas por todos suscolegas, y que difuminan las fronteras entre el sueño y la realidad, entre losanhelos conscientes e inconscientes. Él es a la vez inquietante y conmovedor.

Historia > Autores > Jean-Luc Godard

Las películas de Godard van más allá de la Nouvelle Vage y conforman una obraparticular y diferente dentro de la historia del cine. Son películas con la impronta delos noticiarios, están relacionadas con el momento de su producción, soninmediatas, actuales en cuanto a los hechos y cambios sociales, y a la vez soninnovadoras con el medio cinematográfico, mostrando una reflexión continua sobreel cine y el arte.

Godard introduce elementos como:

cortes en discontinuidad, mientras que en sus películas el tiempo fluyetranquilamente como en un día de la vida

negativo de película, imágenes coloreadas, carteles publicitarios, rótulos

comentarios dirigidos al espectador, sonido ambiente, diferentes tipos devoice-over, reflexiones y uso de arte, cómic, signos, textos y citas deliteratura

escenas-paréntesis y fragmentos discontinuos que rompen con las formastradicionales de narrativa

en definitiva, experimenta con elementos cinematográficos, estéticos,técnicos e ideológicos, construyendo un análisis del proceso de formación delas películas y de su consumo.

La fascinación por el cine y cómo se hacen las películas forman parte del propioguión, con continuas referencias sobre la técnica y el lenguaje. Godard presenta ensus películas a otros autores de cine y a representantes de la cultura que exponensus propios pensamientos. Godard distancia al espectador de la historia, para quese sienta partícipe del hecho de estar viendo una película.

En un primer momento frenético realiza películas como A Bout De Souffle (1959),Vivre Sa Vie (1962), Les Carabiniers (1963), Le Mépris (1963), Bande À Part(1964), Alphaville (1965) y Pierrot Le Fou (1965).

Tras los sucesos de mayo del 68, en sus películas intervienen creencias políticas ysociales, y a partir de los 70 se distancia del cine comercial experimentando tantoen vídeo como en cine. También se dedica a la teoría y realiza una Historia del Cinecon imágenes en vídeo y dvd.

Sus innovaciones están totalmente asumidas en el cine actual, pero su voz siguesiendo particularmente suya. Godard continúa creando un ámbito poético deespaldas a la mayoría del cine.

Historia> Autores> Ingmar Bergman

Hijo de un pastor protestante, tras finalizar sus estudios de Letras e Historia, seincorpora al teatro profesional, por el que siente la más profunda devoción. En estosprimeros años se inicia en la escritura dramática y en la dirección escénica. A pesarde su total dedicación al teatro, su obra cinematográfica será de una fecundidadabrumadora.

Primera Etapa

Su primera etapa cinematografica se inicia en 1945 y está compuesta por películasde encargo cercanas a sus intereses, pero en las que su personalidad no siempre semanifiesta con total libertad. Es un período de aprendizaje que empieza a dar susfrutos con Juegos De Verano (Sommarlek, 1950). A ella hay que añadir Un VeranoCon Monica (Sommaren Med Monika, 1952) y, sobre todo, Noche De Circo(Gycklarnas Afton, 1953), obras en las que las inquietudes existenciales del autorse manifiestan en torno a la imposibilidad de la felicidad a través del amor y de larelación erótica. De este pesimismo habrá de brotar, en su obra posterior, elinterrogante religioso, del que se deriva el conflicto místico de Bergman, productode su profundo agnosticismo.

Las preocupaciones religiosas, el papel del intelectual en la sociedad y la muerte sonlos temas desarrollados en las obras más trascendentales de esta segunda etapa,en la que el autor, gracias al dominio de la técnica cinematográfica, expresa contotal precisión su complejo universo personal, a través de un virtuoso lenguajedeudor del expresionismo alemán. De esta época son algunas de sus más popularespelículas, como El Séptimo Sello (Det Sjunde Inseglet, 1956), Fresas Salvajes(Smultronstället, 1957), El Manantial De La Doncella (Junfrukällan, 1958) y latrilogía sobre el silencio de Dios, con la que concluye este proceso de búsquedafrustrada y que le reafirma en su desesperado agnosticismo: Como En Un Espejo(Sasom I En Spegel, 1961), Los Comulgantes (Nattvardsgästerna, 1962) y ElSilencio (Tystnaden, 1963).

Segunda Etapa

Bergman se enfrenta al estudio de las servidumbres de la condición humana, enespecial su cobardía, su ferocidad y su soledad. El rigor ético que adopta el autor,unido a la depuración formal alcanzada por su estilo, hacen de algunas de laspelículas de esta etapa verdaderas obras maestras de la historia del cine. Persona(1966), La Vergüenza (Skammen, 1968), Pasión (En Passion, 1969). La Carcoma(The Touch, 1971) y Gritos Y Susurros (Viskningar Och Rop, 1972), entre otras,constituyen el punto álgido en la evolución personal y artística de Ingmar Bergman.

De su última etapa, destaca sobre todo el ejercicio de nuevas experiencias en elcampo del audiovisual, con la producción y realización de algunas películas y seriespara televisión, entre las que destaca una obra maestra, de carácter autobiográfico,titulada Fanny Y Alexander (Fanny Och Alexander, 1982).

Historia > Autores > Stanley Kubrick

Comenzó siendo reportero de la revista Look, llegando a ser uno de los fotográfosmás prestigiosos. Cuando se pasa al cine en 1950, posee profundos conocimientostécnicos y una marcada personalidad creativa que hacen de él un director muyseguro en sí mismo y uno de los más exigentes de la historia del cine.

Kubrick es un autor auténtico, que controla todo el proceso de producción desde lautilización de recursos técnicos hasta todos los elementos del lenguaje de suspelículas.

Sus mejores películas las consigue con presupuestos bajos y con menospretensiones: Atraco Perfecto (The Killing, 1956), el alegato antimilitarista deSenderos De Gloria (Paths Of Glory, 1958) y Lolita (1961), basada en la novela deVladimir Nabokov.

Luego, con muchos más medios, hace superproducciones que a pesar de aportargrandes logros cinematográficos, son obras más pedantes: la película de culto deciencia ficción 2001, A Space Odyssey (1968), La Naranja Mecánica (A ClockworkOrange, 1972), Barry Lyndon (1975), El Resplandor (The Shining, 1980), Full MetalJacket (1986) y Eyes Wide Shut (1996).

Historia > Autores> Akira Kurosawa

La carrera cinematográfica de Akira Kurosawa se inicia en 1936, pero no debuta enla dirección hasta 1943. A partir de este momento, escribe y dirige todas suspelículas, además de escribir para otros realizadores. Su obra no será conocida anivel internacional hasta 1950, a raíz del éxito cosechado por su película Rashomon(1950), que causa un fuerte impacto en occidente debido a su perfección técnica ya su intensa carga psicológica. En Rashomon, Kurosawa plantea el concepto delsubjetivismo, a través de la historia de un crimen narrado desde diferentes ycontradictorios puntos de vista.

Dentro del panorama de su país, Kurosawa es, en los años 50, uno de los cineastasmás abiertos a la cultura occidental, como muestra la magnífica película Vivir (Ikiru,1952). También hace muy buenas adaptaciones libres de las obras de WilliamShakespeare, Trono De Sangre (Kumonsom-Djo, 1957), a partir de Macbeth, y Ran(1985), versión de Rey Lear. También adapta a Fedor Dostoiewsky en El Idiota(Hakuchi, 1951); y a Máximo Gorki, en Los Bajos Fondos (Donzoko, 1957). Durantemuchos años, Kurosawa será uno de los pocos directores japoneses distribuido yconocido en Occidente, y algunas de sus obras, como la aventura titulada Los SieteSamurais (Shichinin No Samurai, 1954) alcanzará tal éxito, que será versionada enHollywood, en clave de western, dando lugar al famoso remake de John Sturges:Los Siete Magníficos (The Magnificent Seven, 1960).

Sin embargo, en su obra, la explosión de violencia que emana de sus imágenes y elpoderoso vigor de su narración está a expensas del insobornable aliento humanistade su autor. Es el caso de Dersu Uzala (1975), una película bonita de espíritupacifista, en contacto con la naturaleza. Rodada en la estepa de Siberia, encoproducción con la Unión Soviética, la película sufrirá las consecuencias de lacensura de ese país, pero alcanzará un gran éxito a nivel internacional. Otras obrasimportantes son Dodes-ka-den (1971), Kagemusha (1980) y Los Sueños (KonnaYume Wo Mita, 1990).

Historia > Años 80 y 90

La televisión por cable y por satélite, el vídeo, el dvd y otras tecnologías digitaleshacen que el público acuda menos a las salas de cine. Por ello, la industriacinematográfica reestructura su organización y sus estrategias comerciales, y paraatraer al público se recurre a los efectos especiales, a la violencia y al sexo.

Las técnicas digitales dan lugar a películas como Terminator 2: Judgement Day(1991), y Toy Story (1995).Junto a las películas para todas las edades, se produce cine de violencia, erótico,policíaco y de terror, sacando ventaja al conservadurismo de la oferta televisiva.

Las propuestas de más calidad de los años anteriores se orientan sólo a sectoresintelectuales, universitarios y a las salas especiales. Así continúan las tendenciasalternativas de producción independiente, con puntos de vista no ortodoxos y estilosno convencionales. Pero tienen una distribución muy restringida y sólo algunasllegan un poco más al público, como los trabajos del grupo Dogma 95.

También hay un cine que sigue las propuestas feministas de los 70s, y en ocasioneslas revitaliza con puntos de vista diferentes.

La cultura cambia y se hace menos crítica, pero también hay más oportunidadespara un cine de vanguardia o independiente; incluso, las tecnologías digitales van ahacer posible producir películas muy baratas.

Además, la utilización de las tecnologías digitales (en teléfonos, cámaras,ordenadores, internet, GPS...) da origen al expanded cinema, un cine fuera de lassalas, con vídeos, películas, entornos interactivos ( en los que el espectador puedeser cámara, editor o protagonista) y aplicaciones on line.

Capítulo 8: Los trucos. Terminator 2.Capitulo 9: Cómo se hace una película.

Historia > Años 80 y 90 > EEUU

Musicales

Hollywood, en un intento de sacar provecho a la discomanía, como entretenimientode los jóvenes, inicia la producción de una serie de películas musicales menores conFiebre Del Sábado Noche (Saturday Night´s Fever, 1978). En la antípodas haycosas mucho mejores, como Stop Making Sense (1984), una película impresionantesobre rock, de Jonathan Demme, con el grupo Talking Heads, liderado por DavidByrne; o como el precioso documental sobre el cuarteto de folk The Weavers:Want´s That A Time (1982), de Jim Brown; o como el excelente y preciosodocumento sobre música gospel Say Amen, Somebody (1982), de George T.Nierenberg.

Superproducciones

También proliferan las películas de catástrofes y de ciencia-ficción, algunas notablescomo Tiburón (Jaws, 1975), Encuentros En La Tercera Fase (Close Encounters OfThe Third Kind, 1977) y E.T. (1982), de Steven Spielberg; La trilogía galácticainiciada en 1977 La Guerra De Las Galaxias (Star War) de George Lucas; o eluniverso de terror y futurismo de Alien (1979), y Blade Runner, 1982, de RidleyScott.William Friedkin inicia con El Exorcista (The Exorcist, 1973) un cine de terror degran crudeza. Stanley Kubrick se basa en la novela de Stephen King para realizarEl Resplandor (The Shining, 1980), donde muestra el proceso hacia la locura y laautodestrucción de un hombre en una situación de soledad y aislamiento.

Violencia

La violencia también resurge en el cine de gansters: El Precio Del Poder (Scarface,1983) y Los Intocables De Eliot Ness (The Untouchables, 1987) de BrianDePalma; El Honor De Los Prizzi (Prizzi´s Honor, (1985), de John Huston; yManhatan Sur (The Year Of The Dragon, 1985) de Michael Cimino.Oliver Stone dirige una parodia sobre la fascinación por las armas y los asesinos,Asesinos Natos (Natural Born Killer´s, 1994).

Autocrítica

En los 80, Hollywood también produce algunas películas de carácter autocrítico conel sistema americano, como Desaparecido (Missing, 1982), de Costa Gavras, Rojos(Red, 1982) de Warren Beatty, y la desconcertante The Times Of Harvey Milk(1984), de Robert Epstein, que es uno de los más importantes documentalessobre los 80s.Otras Películas abordan el conflicto vietnamita, aunque algunas trascienden elpropio tema o género, como Apocalypse Now (1979), de Francis Ford Coppola, ElCazador (The Deer Hunter, 1978) de Michael Cimino, Taxi Driver (1975), deMartín Scorsese, Platoon (1986), de Oliver Stone, y La Chaqueta Metálica (FullMetal Jacket, 1987) de Stanley Kubrick.

Cine de Autor

En 1980, Martín Scorsese realiza con Toro Salvaje (Raging Bull) uno de losmejores relatos cinematográficos de todos los tiempos, con un montaje maravillosode Thelma Schoonmaker. En 1985 dirige virtuosamente la divertida comedia negraAfter Hours.

Coppola crea su productora AMERICAN ZOETROPE para sus propios proyectos ypara producir los de otros directores, como Win Wenders, que dirige París, Texas(1982). Coppola pretende hacer algunas películas comerciales para invertir loganado en otras más personales, pero las pérdidas contraídas con la películaCorazonada (One From The Heart, 1981), le obligan a abandonar la empresa.Un año antes, La UNITED ARTIST también se da el batacazo con La Puerta Del Cielo

(Heaven´s Gate) de Cimino.

En la comedia destaca el actor, escritor y director Woody Allen con una fecundaobra original que, influenciado por grandes creadores como Bergman, abordaobsesivamente temas de su mundo interno, de relación de pareja, el sexo, lamuerte y dios, desde una óptica muy personal. Su universo se muestra en películascomo Annie Hall, 1977, Interiors, 1978, y Another Woman, 1988.

El independiente Robert Altman continúa con sus obras corales, iniciadas en 1975con Nashville, con estudios en profundidad de muchos personajes, como El JuegoDe Hollywood (The Player, 1991) y Vidas Cruzadas (Short Cuts, 1993), basada entextos de Raymond Carver, y que refleja la pérdida de valores de la sociedad. EnGosford Park (2001), otra película coral, Altman realiza un minucioso examen de larígida organización social en la Inglaterra de principios del siglo XX.David Lynch, que había iniciado un estilo vanguardista con Cabeza Borradora(Erasehead, 1976), dirige en 1980, The Elephant Man, una producción perfecta.Después, tras dirigir las inclasificables Terciopelo Azul (Blue Velvet, 1985) yCorazón Salvaje (Wild At Heart, 1990), hace la serie de televisión Twin Peaks.Clint Eastwood consigue un logrado retrato del brillante músico de jazz CharleyParker con Bird (1988) y en 1992 consigue otra joya con Sin Perdón (Unforgiven),un western revisionista, lírico, violento y amargo.En 1984 aparece una película impresionante e imprescindible, Sangre Fácil (BloodSimple) de Joel y Ethan Coen, con la que inician una de las propuestas másoriginales del momento, que sigue con Muerte Entre Las Flores (Miller´s Crossing,1990), Barton Fink (1991), Fargo (1996) y El Hombre Que Nunca Estuvo Allí(2002). Tim Burton desmuestra ser un autor de extraordinaria sensibilidad y deimaginación desbordante en películas como Eduardo Manostijeras (EdwardScissorhands, 1990) y Ed Wood (1994).Otro independiente es Quentin Tarantino, que causa bastante revuelo conReservoir Dogs (1991) y Pulp Fiction (1994), películas de gansters con muchaviolencia y humor negro, muy personales y de dirección agresiva y desenvuelta,deudora de Scorsese y de Kubrick. Wayne Wang y Paul Auster dirigen la admirable Smoke (1994), sobre los buenossentimientos y el placer de compartir.

Comerciales con Calidad

Milos Forman dirige Ragtime (1981), una obra coral sublime sobre la época de lamúsica ragtime.La nada convencional ni predecible La Fuerza Del Cariño (Terms Of Endearment,1983), de James L. Brook, es una bella combinación de humor y emoción.Érase Una Vez En América (Once Upon A Time In America, 1984), de SergioLeone, una película-río épica, de gansters, con una cámara sublime, con preciososdecorados y una interpretación impresionante.Proveniente del cine independiente, Susan Seidelman, tiene éxito en el cinecomercial con Buscando A Susan Desesperadamente (Seeking Susan Desperately,1985) y la introduce en la industria.Curtis Hanson es el director de la exuberante película de detectives y crímenesL.A. Confidential (1997).Peter y Bobby Farelly recuperan la comedia de humor con la inteligente, emotivay divertida There´s Something About Mary (1998).Terrence Malick realiza una película atípica de guerra, The Thin Red Line (1998),que destaca la naturaleza en relación con los personajes y sus sentimientos, junto ala destrucción que la guerra produce en ambos.

Independientes

Im Jarmusch hace un cine raro, excéntrico, tierno y encantador que actúa comouna bocanada de aire fresco: Stranger Than Paradise (1984), Down By Low (1986),Mystery Trains (1989), Night On Earth (1991).Martha Coolidge se mueve bien entre el cine comercial y el documento feminista,así, en El Precio De La Ambición (Rambling Rose, 1991) muestra la sexualidadfemenina en los nada favorecedores años 30.John Sayles en Pasión Fish (1992) hace una reflexión sobre la amargura, laamistad, el amor y la pasión por las pequeños detalles que hacen grande la vida.

En los 90s también continúan los movimientos por un cine experimental, ahoraapoyado por nuevas tecnologías, pero que sólo es facil seguirlo en los circuitosrelacionados al arte en general.

También gana en importancia el new queer cinema con propuestas que cambian elconcepto de identidad sexual, con temas sobre nuevos comportamientos, drogas y

modos de vida en las grandes ciudades, pero que inciden más en la novedad de losargumentos que en la búsqueda de un lenguaje cinematográfico.

Capítulo 2: Missing, El juego de Hollywood ( y capítulo 4).

Capítulo 3: El cartero siempre llama dos veces de Rafelson. Dulce libertad de Alda

Capítulo 4: Toro salvaje.Pretty Woman, El silencio de los corderos, Forrest Gump, Primer caballero.

Capítulo 5: Uno de los nuestros

Capítulo 6: Apocalypse Now, Dune.

Capítulo 7: Alien.

Capítulo 8: E.T., La guerra de las galaxia.

Capítulo 10: Toma el dinero y corre, Pesadilla en Palm Street, Sin perdón.

Historia > Años 80 y 90 > Europa

Las cinematografías europeas tienen que competir con la industria televisiva y con las superproduccionesde Hollywood. Se sobrevive gracias a las políticas proteccionistas y de subvenciones desarrolladas desdelos Estados y a la puesta en marcha de proyectos en régimen de producción y coproducción con lastelevisiones oficiales.

Pero en los años 90, algunas empresas europeas importantes, como CYBY 2000, Berlusconi o STUDIOCANAL +, se proponen una nueva línea de acción más internacional que permita una competencia enigualdad de condiciones con las grandes producciones norteamericanas.

A pesar de su vocación comercial, estas producciones apuestan por un cine de autor o, como dice ManuelVidal Estévez en su artículo Cines europeos versus cine europeo. Instantánea (Historia General del Cine,Volumen XII, VV.AA., Ediciones Cátedra, S.A., 1995), "por un cine lo más mayoritario posible,perfectamente exportable, pero "con una imagen de marca autoral".

Historia > Años 80 y 90 > Francia

En Francia se mantienen con vitalidad los directores veteranos (incluido Truffauthasta 1989), los cuales se preocupan por hacer cine de autor, referenciado a supropio ambiente más que en asuntos globales.

Jean Luc Godard sigue siendo el más innovador, experimentando con vídeo y cineminoritario y marginal, siendo fiel y coherente consigo mismo, con películas comoDetective (1986), Nouvelle Vague (1990) y Elogio Del Amor (2001). Durante los 90ha realizado una Historia del Cine muy personal que se puede obtener en vídeo ydvd.

Alain Resnais dirige Mon Oncle D´Amérique (1980) y la estupenda y atrevidaL´amour A Mort (1984), una historia simple y una producción sobria para untestamento espiritual insólito.

Eric Rohmer continúa sus Seis Cuentos Morales (1962-1972) con dos nuevos ciclosde películas, Comedias Y Proverbios y Cuentos De Las Cuatro Estaciones. Rohmertrabaja con presupuestos bajos, manteniendo una fidelidad y un estilo claro yelegante admirables. Sus películas no envejecen: Le Rayon Vert (1986), L´ami DeMon Amie (1987), Conte D´hiver (1992) y La Inglesa Y El Duque, 2001.

Louis Malle realiza en CanadáAtlantic City (1980) y en Francia la humanista AuRevoir , Les Enfants (1987), sobre su infancia, la amistad y el horror de la guerra.

Chris Marker, que ya había hecho una obra documental maestra con Lettre DeSibérie (1957), con una mirada totalmente nueva y bella sobre la subjetividad de loque se muestra en cine, dirige en 1982 Sans Soleil, una película inteligente ysensible, que reflexiona sobre la imagen y cuestiona sobre la humanidad y el poder.

Agnès Varda continúa con brillantes y perdurables películas, como el dramaVagabonde/Sans Toit Ni Loi (1985), una alegoría de la lucha de la mujer que quiereliberarse de las trabas sociales.

El georgiano Otar Iosseliani se parece con su obra a Vigo, Rossellini, Tati,McCarey, Renoir y a la nouvelle vague. Sus películas están llenas de pasión por lavida, el amor y la amistad. Películas como Les Favoris De La Lune (1984), LaChasse Aux Papillons (1993), o Lundi Matin (2002), son diferentes y únicas.

Bertrand Tavernier, que tiene éxito con Round Midnight (1985), interpretada porel saxofonista Dexter Gordon, dirige la película de cinema-verité puro L-627 (1991)y Hoy Empieza Todo (2000).

Jean-Jacques Beineix logra con 37º2 Le Matin (1986) hacer una película muybuena sobre una abrasadora relación amorosa y un reflejo pesimista de lageneración perdida de los 80, rodada con el estilo de los vídeo clips y la publicidad.

Junto a los veteranos, hay OTROS DIRECTORES que, sin crear una línea degrupo o de movimiento, hacen buenas películas que interesan por varios motivos.Algunos como Jean Jacques Annaud y Luc Besson son muy comerciales. Otrosson más impresionantes, controvertidos o innovadores con sus temas y sus estilos,siendo merecedores de que se sigan sus pasos: Raúl Ruiz, Leos Carax, ClaireDenis, Bruno Dumont, Olivier Assayas, Agnès Jaovi Y Eric Zonca.

Capítulo 5 y 10: Adiós muchachos.

Historia > Años 80 y 90 > Italia

La producción y la importancia de las películas decae y el cine italiano pierde surelevancia y la proyección internacional. Ya desaparecidos Rossellini, Visconti yPasolini, Federico Fellini hace obras más minoritarias, aunque sigue creando suuniverso particular, como en la memorable Ginger Y Fred (1985), una caricaturagrotesca de la explotación del individuo por los medios de comunicación y consumo.Michelangelo Antonioni regresa , después de 13 años de inactividad y de unalarga enfermedad, con Más Allá De Las Nubes (Al Di Là Delle Nuvole, 1995),codirigida con Win Wenders.

Bernardo Bertolucci se enrola en grandes producciones que, a pesar de contarcon muchos medios, son inferiores a las películas más personales de su etapaanterior. Paolo Y Vittorio Taviani se superan a sí mismos en Kaos (1984), cuatrohistorias narradas por Pirandello, con brillantes imágenes de la dureza de la vida yla belleza de la naturaleza sicilianas. Ettore Scola sigue con sus films sencillos yhermosos, como Macarroni (1985), La Familia (1987), Splendor (1989) y ¿Qué HoraEs? (1989).

Algunos directores más jóvenes consiguen bastante resonancia fuera de su país,como Giuseppe Tornatore, que obtiene un gran éxito de crítica y público en 1989con Cinema Paradiso, o el actor cómico y director Roberto Benigni que tambiéntiene éxito con la sentimental fábula La Vitta È Bella (1997).

Hay también directores menos previsibles, como Gianni Amelio que en 1992 dirigeuna película neorrealista, Il Ladro Di Bambini, y en 1994 la excelente L´america; ocomo el escritor, actor y director Nanni Moretti con el agudo e inteligente film deno-ficción Caro Diario (1994).El director indio-inglés Michael Radford dirige en Italia una obra maravillosa, ElCartero Y Pablo Neruda (Il Postino, 1995), emotiva, muy bonita y llena de buenossentimientos.

Capítulo 1: SplendorCapítulo 5: El cielo protector. Capítulo 7: El último emperador. Capítulo 9: Buenos días Babilonia. Capítulo 11: Cinema Paradiso.

Historia > Años 80 y 90 > Reino Unido

El Toque Británico versus Hollywood

La industria británica sufre las consecuencias de la crisis del sector, tal vez enmayor medida que el resto de las cinematografías europeas, debido a la afinidadidiomática y cultural existente con EEUU. A ello se debe también que losrealizadores británicos encuentren una mayor facilidad para integrarse en laindustria de Hollywood. De hecho, muchos de los miembros del Free Cinema, comoTony Richardson, Karel Reisz o John Schlesinger, abandonan el país, a finales de losaños 60 y durante los 70, para probar fortuna en Hollywood. A ellos se une KenRussell, el más controvertido cineasta británico del momento, que realiza para laindustria norteamericana numerosas películas, entre ellas, un polémico retrato delas obsesiones sexuales del americano medio en La Pasión De China Blue (CrimesOf Passion, 1984).

Sin embargo, el cine británico se recupera mejor que el de otros países.Curiosamente, el californiano James Ivory desarrolla aquí su obra de inspiraciónliteraria. Una Habitación Con Vistas (A Room With A View, 1986) y Lo Que QuedaDel Día (The Remains Of The Day, 1993) son películas de autor con un cuidadosotratamiento de la psicología de los personajes y de la descripción de ambientes deépoca.

El escritor y director Neil Jordan muestra su talento en la extraordinariamenteintensa e inteligente Mona Lisa (1986) y en la emocionante El Juego De Lágrimas(The Crying Game, 1992).

Stephen Frears dirige con gran talento la enigmática y cínica Las AmistadesPeligrosas (Dangerous Liaisons, 1988), una versión subversiva de la obra de teatrode Christopher Hampton basada en la novela de Choderlos de Laclos.Otras reconstrucciones de época son A Passage To India (1984) de David Lean , yGhandi (1982) de Richard Attenboroug, pero son de una categoría máscomercial.

El director que más éxito y premios consigue es Mike Newell con Enchanted April(1993) y Cuatro Bodas Y Un Funeral (Four Weddings And A Funeral, 1994).

Tradición Realista

Roland Joffé hace un drama de guerra, emocionante y excepcional, con Los GritosDel Silencio (The Killing Fields, 1984) lleno de violencia y fuerza en sus imágenes,con la cámara y el montaje buenísimos. El responsable de la cámara es ChrisMenges, uno de los directores de fotografía mejores del mundo, que a su vez dirigeA World Appart (1988), sobre el racismo en África del Sur, y Second Best (1993).

Terence Davies dirige en 1988 la magnífica Distant Voices, Still Lives, una películaautobiográfica, críptica y envolvente.

Peter Medak con la magistral biografía de gansteres The Krays (1990) hace unretrato sagaz e inteligente del mundo violento de los criminales Kemp en Londres.Es memorable el uso creativo de los actores más famosos en los papelessecundarios.

En estos años aparece un cine-social crítico con el sistema socio-político británico.Eneste ámbito, Stephen Frears realiza películas importantes, como Mi HermosaLavandería (My Beautiful Launderette, 1985), retrato de la comunidad pakistaní enLondres, y la encantadora Café Irlandés (The Snapper, 1993), que analiza lasituación de la mujer en el seno de la clase media-baja en Irlanda.

Más comprometido es el independiente Ken Loach que hace un cine-denunciasobre el mundo de la marginación con Agenda Oculta (Hidden Agenda, 1990),Riff-Raff (1991), Raining Stones, (1993) y Lady Bird, Lady Bird (1994). En 1995realiza una coproducción con España, Tierra Y Libertad, una aproximación a laguerra civil española.

Mike Leight consigue en sus películas, como Naked (1993) y Secrets And Lies(1996), un fuerte sentido de intimidad, indagando en las relaciones privadas de lospersonajes que viven unas situaciones sociales muy actuales. Es un maestro enconseguir hitos cinematográficos, trabajando estrechamente con los actores desdela preproducción.

Alternativas

Derek Jarman es un director raro y alternativo, con películas sobre temas clásicosdel pasado o de la Historia de la Pintura, con un toque homosexual, como TheTempest (1979), Caravaggio (1985) y Edward II (1991). Su última película Blue(1993) es profundamente experimental, abstracta e inusual.

Sally Potter dirige un film ambicioso, casi experimental, pero muy pretencioso,Orlando (1993), una visión particular de la obra de Wirginia Woolf.

El pintor, matemático y filósofo Peter Greenaway se convierte en un cineasta deculto, elitista y minoritario con películas como El Contrato Del Dibujante (TheDraughtman´s Contract, 1982), El Vientre Del Arquitecto (The Belly Of AnArquitect, 1987), El Cocinero, El Ladrón, Su Mujer Y Su Amante (The Cook, TheThief, His Wife And Her Lover, 1989) y The Pillow Book (1995). En el 2002 inicia untrabajo multimedia ambicioso, The Tulse Luper Suitcases, con el que pretenderenovar el medio, combinando los nuevos lenguajes mediáticos, cine, tv, internet,dvd, cd-rom y libro.

Capítulo 6: Tierra y Libertad.Capítulo 10: La Misión.

Historia > Años 80 y 90 > Alemania

El cine alemán también goza del apoyo de la televisión estatal. En este entorno,Rainer Werner Fassbinder continúa con sus magistrales melodramas, como elproducto kicht Lili Marleen (1980), y los dramas sobre la Historia (negra) deAlemania, como Lola (1981), que es de lo mejor del autor, con dirección de cámaraperfecta, un reparto grandioso y una dramatización impresionante; o como laapasionante La Ansiedad De Veronika Voss (Die Sehnsucht Der Veronika Voss,1982). Justo antes de morir, en medio de la polémica, a los 36 años, dirige Querelle(1982), sobre la frustración de la homosexualidad en una sociedad burguesa.

Wim Wenders hace algunas películas en EEUU, Relámpago Sobre Agua (LighteningOver Water, 1980), codirigida con Nicolas Ray, y Paris, Texas (1984). Después sededica a un cine introspectivo y alejado del espectador. En 1987 realiza la fábulapoética Cielo Sobre Berlín (Der Himmel Ubre Berlin), y en 1991 Hasta El Fin DelMundo (Jusqu´au Bout Du Monde), de aventuras-ciencia-ficción, que es como unrelato filosófico y de amor por el cine.

El austriaco Peter Handke, que es escritor y colaborador de Wenders, basa suspelículas La Mujer Zurda (1977) y La Ausencia (1992) en sus novelas y, como enéstas, muestra una rara capacidad para transmitir sentimientos, con relatosdescriptivos y fríos.

Doris Dörrie alcanza un notable éxito con Hombres, Hombres (Männer..., 1986)una cortante sátira feminista y un agudo retrato de los pomposos hombres de clasemedia, con sus reacciones ante el engaño de sus mujeres al liberarse de losestereotipos, la sexualidad y el aburrimiento a los que ellos las someten.

La Historia Reciente

En 1977 se suprime la censura dando lugar a películas sobre el pasado reciente deEspaña. La Guerra Civil es recuperada en Las Largas Vacaciones Del 36 (1976) yDragon Rapide (1986) de Jaime Camino, en Las Bicicletas Son Para El Verano(1983) de Jaime Chávarri, a partir de una pieza teatral de Fernando FernánGómez, en La Vaquilla (1984) de Luis G. Berlanga, primera obra satírica sobre eltema, y en Libertarias (1996) de Vicente Aranda.

También la posguerra y el franquismo son objeto de análisis en películas como LaMuchacha De Las Bragas De Oro (1980) y Si Te Dicen Que Caí (1988) de Aranda,ambas basadas en sendas novelas de Juan Marsé, El Año De Las Luces (1986) deFernando Trueba, La Escopeta Nacional (1978) de Berlanga y Madregilda (1991)de Francisco Regueiro.

Las Primeras Productoras

Una figura clave en el cine español es Elías Querejeta, productor de muchas de lasmejores películas del período anterior y del actual, como las de Saura, hasta quesus intereses se contraponen en 1981, y las de Erice, hasta que surgendesavenencias durante el rodaje de El Sur.Carlos Saura abandona su obsesión por la guerra civil, el hermetismo y lossímbolos de sus películas, y rueda en 1980 Deprisa , Deprisa. A partir de aquí, sutemática cambia completamente. Josefina Molina dirige la sincera y desgarrada Función De Noche (1981).En 1982, una película española logra por primera vez el Oscar a "la mejor de hablano inglesa", Volver A Empezar de Jose Luis Garci. Éste trata de superarse conCanción De Cuna (1994).Una figura carismática de estos años es Víctor Erice, autor de sólo 3 largometrajespero de gran calidad, El Espíritu De La Colmena, El Sur (1983) Y El Sol DelMembrillo (1992). Erice, es un director de gran talento para el cine, un caso únicoen este panorama, por lo insólito de su rigurosidad y perfección, quizás sugerida enel modo de trabajo de Antonio López, otro fuera de las modas, en su excelentepelícula de no ficción El Sol Del Membrillo. En la actualidad prefiere trabajar enpublicidad para no doblegar su libertad de creación ante las productoras.

Comedia

En este período surge una serie de películas en torno a la llamada "comediamadrileña", que retratan los usos y costumbres de las nuevas generaciones.Tendencia que se inicia de la mano de Fernando Colomo con Tigres De Papel(1977) y que culmina con Opera Prima de Fernando Trueba.

También aparecen en estos años dos de los autores más subversivos: Bigas Luna,cuya obra disecciona la conducta humana desde la perspectiva de la sexualidad, ysobre todo, Pedro Almodóvar que, procedente del movimiento contracultural delMadrid de los años 80, despliega un universo humano tremendamente actual,retratado de manera fresca y directa, como en la comedia de pasiones: Mujeres AlBorde De Un Ataque De Nervios (1988). La de Almodóvar es una carrera fulguranteque, a través de títulos como ¿Qué He Hecho Yo Para Merecer Esto? (1984), La LeyDel Deseo (1986), Átame (1989) y Todo Sobre Mi Madre (1999), acabaráconduciendo al director manchego a uno de los primeros puestos dentro de laindustria cinematográfica europea.

El Modelo Proteccionista

El cine español logra salir de la crisis económica gracias a la política de colaboraciónde Televisión española y la Dirección de Cinematografía, con su directora Pilar Miróque es la responsable del Decreto de proteccionismo, dando lugar a un buennúmero de películas.

Muchos son los beneficiados por las ayudas, como: Mario Camus, La Colmena(1982), Los Santos Inocentes (1984) y Sombras De Una Batalla (1993); FernandoFernán-Gómez, El Viaje A Ninguna Parte (1987); y Manuel Gutiérrez Aragón,La Mitad Del Cielo (1986). Y la misma Pilar Miró, como directora de cine, que ensu último período es intimista y personal, logrando películas notables, comoBeltenebros (1991) y la escéptica El Pájaro De La Felicidad (1992).

En este ámbito, el independiente Gonzalo Suárez se convierte en un autor insólito,con películas como Remando Al Viento (1987).

También, Alejandro Amenábar tiene un despegue extraordinario como director depelículas de suspense muy bien calculadas, Tesis (1996), Abre Los Ojos (1997) y

Historia > Años 80 y 90 > España

Los Otros (2001).

En 1999, el director Benito Zambrano consigue con Solas hacer un cine sencillo yperfecto, lleno de buenos sentimientos y valores. En esta misma línea FernandoLeón dirige en 1998 Barrio y ya en el 2002 Los Lunes Al Sol, una gran película llenade gracia y de verdad.

El País Vasco también concede subvenciones a los proyectos de su comunidad:Imanol Uribe, La Muerte De Mikel (1983); Montxo Armendáriz, Tasio (1984) y27 Horas (1986); Juanma Bajo Ulloa, Alas De Mariposa (1991) y La Madre Muerta(1993); Julio Meden, Vacas (1992), Tierra (1995) y Lucía Y El Sexo (2000); AlexDe La Iglesia, El Día De La Bestia (1995) y La Comunidad (2000).

En Cataluña también se apoya al cine, como es el caso de Agustí Villaronga conTras El Cristal (1986), con un tema de gran dureza y en la que como directormuestra un vigoroso pulso narrativo; Jose Luis Guerín, con un cine personal einteligente como en el documental nostálgico Innisfree (1990), bello homenaje aThe Quiet Man de John Ford, y con la película de casi no-ficción En Construcción(2001); e Isabel Coixet empeñada en encontrar temas y estilo propios, Things INever Told You (1995) y A Los Que Aman (1998)

Capítulo 2 y 3: Sesión continuaCapítulo 4: Todo por la pasta, Ay Carmela, Al otro lado del tunel, Historias del Kronen, El viaje a ninguna parte (ycapítulo 12), El bosque animado (y capítulo 9).Capítulo 7: Los Santos Inocentes, Tierra.Capítulo 9: La escopeta nacional Capítulo 10: Tacones lejanos.Capítulo 11: Mujeres al borde de un ataque de nervios, Nadie hablará de nosotras cuando estemos muertas, Volver aempezar, Beltenebros y un plano secuencia de El Sur.Capítulo 12: Las cartas de Alou, Madre Gilda

Historia > Años 80 y 90 > Europa > Otras Europeos

Dinamarca

En contra de un cine dominante, de ficción, tendencioso y engañoso, surge en elpaís de Carl Theodor Dreyer, un nuevo movimiento cinematográfico, el colectivoDogma 95, que se da a conocer con la proclama de un manifiesto de 10 puntos. En defensa de la realidad, de la verdad y de los sentimientos auténticos, proponenlocalizaciones y acciones reales, no simuladas ni buscadas, sonido diegéticoproveniente del lugar y de los personajes, cámara en mano, no trastocar el color nila iluminación, no trucos fotográficos, no películas de género, no apoyoseconómicos, etc.

La proclama tiene lugar con La Celebración (1998), de Thomas Vinterberg. Peroel máximo representante es Lars Von Triers, que ya se había dado a conocer conEl Elemento Del Crimen (1984) y con Europa (1991), una visión terrible del nazismoy las consecuencias de la guerra. Triers dirige películas como Rompiendo Las Olas(1996), en la que narra con un estilo vertiginoso una maravillosa historia de amortrágica y milagrosa (¿Ordet?); Los Idiotas (1998) al estilo dogma95; y en el 2000,el musical Bailando En La Oscuridad, basado en otra historia trágica de amor yesperanza.

Otras películas dogma 95 son: Mifune (1999) de Soren Kragh-Jacobsen, El ReyEstá Vivo (2000) de Kristian Leuring, Loves (2001) de Jeanc-Marc Bar, y JulienDonkey Boy (1999) de Harmony Korine, una directora independiente de EEUU quese adhiere al movimiento con esta película rara pero original, grabada en vídeodigital y pasada a 35mm. También es autora de Gummo (1997).

Portugal

El veterano Manoel Oliveira es uno de los más importantes directores de cine,como lo son Buñuel y Dreyer, con obras como Les Soulier De Satin (1985), El ValleDe Abraham (1993), El Convento (1995), la autobiográfica Viaje Al Principio DelMundo (1997), La Carta (1999) y La Princesa De Cleves (2000).

Grecia

Theo Angelopoulos, autor de la fascinante metáfora del poder y la posesiónAlejandro Magno (O Megalexandros, 1980), es un director genial, continuador deBergman y de Fellini. Su cine es una búsqueda moral y espiritual continua : El ViajeDe Los Comediantes (O Thiassos, 1975) es una deslumbrante epopeya, una visiónde la Historia de la Grecia moderna, con recursos narrativos sorprendentes; PaisajeEn La Niebla (1988); La Eternidad Y Un Día (1989), profundo y ambicioso film en elque se unen los intereses privados con los sociales en una historia particular; LaMirada De Ulises (1995) es una reflexión sobre las ruinas de la guerra de losBalcanes y sobre la memoria de la cultura

Finlandia

Lauri Torhonen realiza una película crítica, personal y asombrosa con PalavaEnkeli (1984), una de las mejores de este país.Raumi Mollberg logra una película impresionante y bien hecha, de guerra peroantimilitarista, El Soldado Desconocido (1986).Aki Kaurismäki dirige La Chica De La Fábrica De Cerillas (1990) al estilo deBresson; Contraté Un Asesino A Sueldo (1990); La Vida De Bohemia (1996) sobreel desempleo en su país; y Juha (1998) al estilo de Amanecer de Murnau.

Bélgica

Jean-Jacques Andrien dirige el drama psicológico-social Grand Paisaje D´AlexisDroeven (1981) una película paisajista con estilo contemplativo y lírico.Jean-Pierre Y Luc Dardenne, con La Promesa (1996), una película sobreinmigrantes y compromisos éticos; Rosetta (1999), en la que una joven se haceirreflexiva y cruel y su carácter se amarga ante la lucha con extremas condicionesde vida; y El Hijo (2002).

Holanda

Istvàn Szabo, Mephisto (1981), una película fascinante sobre la relación del arte yla política.Annette Apon, Cocodrilos En Ámsterdam (1990), una extraña y divertida comedia.Marlene Gorris, Antonia (1995), una película subversiva y bella.

Suecia

Hans Alfredson realiza una excelente película de suspense al estilo de Hitchcock,Falso Como El Agua (Falsk Som Vatten, 1985), sobre la naturaleza de los celos y lasdesviaciones a las que conducen. La importante actriz Liv Ullman escribe losguiones y dirige sus películas al estilo del maestro Bergman, con la preocupaciónpuesta en mostrar el interior de los personajes a través del gesto, como en Sofía(1992). Bille August dirige algunas películas notable, como la despiadada Pelle, ElConquistador (1987) y Las Mejores Intenciones (1991).

Post-Unión Soviética

El georgiano Tenghiz Abuladze dirige la controvertida Monanieba (1984).A partir de 1985, la política reformista y de aperturismo favorece la recuperación dela obra de Tarkovsky, que muere en el exilio en 1986, y permite la vuelta de losautores inhabilitados por el poder anterior y la censura.Elem Klimov preside en 1985 la Asociación de Cineastas y rueda la magistral deanti-guerra Masacre/Ven Y Mira (Idi I Smotri, 1985), sobre la destrucción y elhorror de la guerra. La ruso-ukraniana Kira Muratova dirige una de las películasclave de este período, una obra de construcción compleja, de película dentro de unapelícula, la apocalíptica Asthenischeskii Sindrom (1989), un retrato mordaz deldecaimiento moral de la sociedad, en la que la gente vive entre conductas deenérgica agresión y profunda apatía. A pesar del aperturismo, poco le falta a lapelícula para ser prohibida. Muratova continúa su trabajo con actores pococonocidos y usando mucho el montaje, haciendo cine no comercial, sólo para unaminoría de adeptos. Nikita Mijalkov realiza la preciosa Ojos Negros (Oci Ciornie,1987) y la excelente Quemado Por El Sol (1994), películas influenciadas por la obrade Antón Chejov.Vadim Abdrasjitov hace una película fascinante, llena de simbolismo y surrealismocon Parad Planet (1985).El armenio Serguey Paradonov, autor de Sombras De Olvidados Antepasados,realiza la insólita y magnífica Legenda Suramskoikreposti (1985).Vasily Pichul muestra las relaciones sexuales abiertamente en La Pequeña Vera(1988)Aleksandr Sokurov, al modo de Tarkovsky y de Kieslowski, está más interesadoen la estética visual que en los temas controvertidos. Así dirige con simplicidad ybelleza Madre E Hijo (Mat´I Syn, 1997), en la que la naturaleza se muestra conestilo pictórico.Aleksei Balabanov dirige dos crudos dramas contemporáneos de crímenes ygansteres en Hermano (Brat, 1997) y Hermao II (Brat II, 2000), y la inolvidablehistoria sobre los primeros años del siglo y del cine De Monstruos Y Hombres (ProOurodov I Lioudiei, 1998).

Polonia

Andrzej Wajda continúa las líneas argumentales de su período anterior y con susepopeyas sobre el hombre, siempre de gran calidad y plagadas de premios, como ElDirector De Orquesta (1980), o El Hombre De Hierro (1981).Kristof Kieslowski hace un cine estético, de gran belleza visual. Sus obras sonmagistrales dramas psicológicos, sociales y personales sobre la conducta humana, ycon los que se plantea la función del arte y del artista, y la responsabilidad, el valory la sensibilidad del cineasta. Se da a conocer con Amator (1979), y después haceestas películas: Przypadez (1982) se compone de tres relatos sobre un personaje yes una imagen irónica de la situación polaca; No Matarás (1987); No Amarás(1988); Decálogo (1989), que es una serie de 10 capítulos, de una hora cada uno,para la televisión; La Doble Vida De Verónica (1991), espiritual y esquiva, se ruedaen Francia e inicia la propuesta de que hay que acordar la unión de culturas en lospróximos acontecimientos políticos; y en 1993-1994 dirige las tres películas llenasde símbolos Tres Colores, la hermosa, triste y nostálgica Azul, la frívola y deliranteBlanco, y la oportunista Rojo, en correlación con las ideas de Libertad, Igualdad yFraternidad. En ellas se muestran tragedias de personas con sus conflictos y susrelaciones, pero con la esperanza de reconciliación con ellas mismas y con suentorno.Agnieszka Holland es colaboradora, ayudante de dirección y autora de guiones enalgunas películas de Wajda y de Kieslowsky y de los de sus propias películas, BittereEnte (1985) y Europa, Europa (1990), una polémica confrontación del alma humanacon sus arraigadas convicciones dentro de lo absurdo de los sistemas totalitarios.

Roman Polansky, al ganar en Cannes 2002, con la coproducción europea ElPianista, expresa que intenta filmar lo más cerca de la realidad y no a la manera deHollywood que necesita que el espectador no sea libre ni crítico. Con esta obraquiere ser documento de lo smuf, ese abismo contemporáneo de la filmación deldolor y de la profanación de la intimidad.

Capítulos 6 y 7: Azul

Ex-Yugoslavia

El bosnio-herzegovino Emir Kusturica es autor de películas, todas ellas premiadas,en torno a la división de pueblos, los conflictos sociales y la brutalidad de las luchas,tomando partido por ciertos grupos, como en ¿Recuerdas A Dolly Bell? (1981), PapáEstá En Viaje De Negocios (1985) y Tiempo De Gitanos (1989). Luego hace algunarareza en EEUU, y vuelve con la farragosa, grotesca y cotrovertida, aunque tambiénartística Underground (1995), una fantasiosa visión histórica. En el mismo estiloestá Gato Negro, Gato Blanco (1998).

Rumanía

Lucien Pintilie dirige El Roble (1992), una tragicomedia sobre el derrumbamientode su país.

Turquía

Yilmaz Güney da a conocer al mundo el cine turco con películas de activismopolítico, como Yol (1982) y El Muro (1983).

Historia > Años 80 y 90 > Otras cinematografías

En este período hay países con sistemas políticos sin conflictos y con cinematografías con un desarrolloestable, y hay países con dificultades y convulsiones, pero con cinematografías emergentes. En general,en todos ellos se incorporan las innovaciones de estilo y narrativa anteriores, y se abandonan las pautasde las instituciones para tratar en los relatos temas y personajes extraídos de la realidad cotidiana, enlucha con las condiciones de vida derivadas de las transiciones sociales y políticas en unos países, o conlas consecuencias de los sistemas industrializados y tecnificados en otros.

Debido a la poca distribución, no es un cine fácil de ver, pero en todo caso, igual que ocurre con todo elbuen cine, merece la pena seguirle la pista.

Historia > Años 80 y 90 > Otras cinematografías >Latinoamérica

Argentina

El autor de Tiempo De Revancha, Adolfo Aristaraín, dirige, con éxito popular, UnLugar En El Mundo (1991), Martín Hache (1996) y Lugares comunes (2003). Luis Puenzo también logra reconocimiento con La Historia Oficial (1986), unareflexión sobre la brutal opresión de la dictadura militar argentina, y con GringoViejo (1988) , adaptación de la novela de Carlos Fuentes.También Sergio Renán, que ya había adaptado la obra de Mario Benedetti LaTregua (1974), dirige una versión de El Sueño De Los Héroes (1992) de Adolfo BioyCasares.Con El hijo de la novia (2001) Juan José Campanella ha dado su mayor éxitointernacional al cine argentino.En 2002, Carlos Sorín realiza con recursos mínimos Historias Mínimas, una películapreciosa, frágil y delicada pieza de orfebrería.

Uruguay

Uruguay no tiene una producción regular pero destacan Diego Arsuaga , autor delas premiadas Otario (1997) y El último tren (2002), y Guillermo Casanova ( El viajehacia el mar, 2003).

México

Algunas películas de este país consiguen un éxito internacional, tal es el caso de lasobras de directores como Arturo Ripstein con La Mujer Del Puerto (1991),Profundo Carmesí (1996) y El Coronel No Tiene Quién Le Escriba (1999), y deAlfonso Arau con Como Agua Para Chocolate (1992) y Un Paseo Por Las Nubes(1995). María Novaro también consigue notables película con Danzón (1991),sobre la lucha de una mujer por vivir, y El Jardín Del Edén (1995), sobre losmexicanos que pasan la frontera hacia los EEUU.Los últimos éxitos internacionales del cine azteca los han protagonizado AlejandroGonzález Iñarritu con Amores perros (2000) y 21 gramos (2003) y Alfonso Cuaróncon Y tu mamá también (2000), que le abrió las puertas de Hollywood donde dirigiódos entregas de la saga juvenil sobre Harry Potter.

Brasil

Existe cierto paralelismo entre el cine brasileño y argentino de estos años, encuanto a temas y modos de hacer. Así, Nelson Pereira Dos Santos realizaMemorias De La Cárcel (1984) sobre la represión militar. Cuando el aperturismo seinicia, Héctor Babenco hace un retrato de la delincuencia juvenil con Pixote (1980)y El Beso De La Mujer Araña (1984). Susana Amaral dirige otra película sobre laopresión que sufren ciertas clases, y en concreto las mujeres, La Hora De LaEstrella (1985), basada en la obra de Clarice Lispector, mostrando las condicionesde vida y el destino de una joven en una sociedad industrializada.Las últimas revelaciones del cine brasileño son Estación central de Brasil de WalterSalles (1998) y Ciudad de Dios (2002) de Fernando Meirelles.

Cuba

Tomás Gutiérrez Alea logra el reconocimiento del público, y premiosinternacionales, después de su etapa crítica al totalitarismo político, con Fresa YChocolate (1993) y con Guantanamera (1995), codirigidas con Juan Carlos Tabío.

Colombia, Perú, Venezuela, Bolivia, Ecuador, Chile

Entre los autores de países sin demasiada base industrial hay que citar a loscolombianos Sergio Cabrera , autor de uno de los mayores éxitos del cinelatinoamericano con La estrategia del caracol (1993), y Víctor Gaviria con suconmovedora La vendedora de rosas (1998) y al maestro peruano FranciscoLombardi ( La ciudad y los perros, La boca del lobo ). Otros nombres son los de losvenezolanos Román Chalbod ( La oveja negra , 1987) y Mauricio Wallerstein (Cuando quiero llorar no lloro, 1973), el boliviano Paolo Agazzi ( Tres cruces ) y laecuatoriana Viviana Cordero ( Un titán en el ring ).

Chile, tras la recuperación de la democracia, experimenta una cierta bonanzaindustrial y creativa: Ricardo Larraín obtuvo reconocimiento internacional con Lafrontera (1991), y ya descollan jóvenes realizadores como Boris Quercia ( Sexo conamor ) y Marcelo Ferrari ( Sub Terra ).

Otra línea ascendente es la del cine hecho en EE.UU. por hispanos. En el ámbitocomercial destaca Robert Rodríguez que se reveló con El mariachi. El último éxito deeste cine ha sido Las mujeres de verdad tienen curvas de Patricia Cardoso (2002).

Historia > Años 80 y 90 > Otras cinematografías > Asia

China

Tras la muerte de Mao se reabre la Academia de Cinematografía y los primerosdiplomados forman la llamada Quinta Generación que abordan con cierta toleranciaobras realistas o de reflexión sobre la historia reciente en un contexto de desarrolloindustrial y urbano. Los más destacados son:

Chen Kaige: El Rey De Los Niños (1987), Adiós A Mi Concubina (1993), ElEmperador Y El Asesino (1999).

Zhang Yimou es el más representativo y conocido del grupo: Sorgo Rojo (1987),Semilla De Crisantemo (1990), La Linterna Roja ( 1991), Ni Uno Menos (1998),Camino A Casa (1999).

Wu Tianming: El Rey De Las Máscaras (1996), The Old Web (Lao Jing, 1986).

Tian Zhuangzhuang: Ladrones De Caballos (1986), La Cometa Azul (1993)He Yi: Xuan Lian (1994).

Zhan Yuan: Benjing Bastards (1993), El Cartero (1995).

Más recientemente , aparece una Sexta Generación que mira más a problemasurbanos, con drogas, homosexualidad, trabajadores ilegales y conflictos actuales.

Taiwán

Ang Lee: tras estudiar en EEUU realizó en su país El banquete de bodas (Hsi yen ,1993) y Comer, beber, amar (Yin shi nan nu , 1994) en las que aborda el choqueentre la mentalidad tradicional y las nuevas generaciones occidentalizadas.Posteriormente trabaja en EEUU y rueda Tigre y dragón (Grouching Tigre, HidenDragon, 2000), un fantástico film de artes marciales.

Hou Hsiao-hsien: Ciudad De Tristeza (Beijing Chengshi, 1989), The Puppetmaster(1993), Adios Sur, Adios (1996), y Flores De Shangay, que es la mejor, de intrigasy sexo, un hito artístico, un intenso estudio de las relaciones de los individuos y elpoder.

Edward Yang: El Terrorista (1986), Yi Yi (2000).

Tsai Ming-Liang: Viva El Amor (1994).

Hong Kong

Mable Cheung Yueng-ting dirige una excepcional tragicomedia romántica dotadade humor sutil, Un Cuento De Otoño (1987).Chan Friend logra una encantadora y simpática comedia con El Bígamo Feliz(1987).Silvia Chang hace una película rara, bergmaniana, una joya de gran belleza ysimplicidad con Pasión (1987).Wong Kar-wai es un director con un nuevo y estimulante estilo visual de granbelleza formal, todo ello con la colaboración del director de fotografía australianoChristopher Doyle, a base de vivos colores, rápidos cortes y suaves movimientosde cámara: Chungkin Express (1994), Ángeles Caídos (1995), y Deseando Amar(2000).

Vietnan

Tran Auh Hung elige temas de la vida cotidiana, de importancia social o intimista,y además, en sus películas, da gran importancia a los detalles, al tratamiento delcolor, a la textura de las imágenes y a la banda sonora. Todas son ganadoras depremios: La Esencia De La Papaya Verde (1993), Ciclo (1995) y The Vertical Ray OfThe Sun (2000).

Japón

Ayudado por las productoras extranjeras, Akira Kurosawa dirige sus, todavíaalgunas magistrales, últimas películas: Kagemusha (1980), Ran (1985), Los Sueños

(1990), Rapsodia En Agosto (1991), Madadayo (1994).Shohei Imamura dirige la romántica y bella La Leyenda De Narayama (1983) y laimpresionante y bella Lluvia Negra (1984).Yoichi Takabayashy realiza una película de amor excéntrico y tatuajes con unhermoso colorido, Sekka Tomurai Zashi (1982).Juzo Itami: El Funeral (1984), Tampopo (1986).Takeshi Kitano: Fireworks (1997), Kikujiro (1999), Brother (2000).Hirokazu Kore-Eda es uno de los autores más originales de la actualidad:Maborosi (1995), Afterlife (1998).

India

El clásico y veterano Satyajit Ray dirige en 1984 El Hogar Y El Mundo(Ghare-Baire), una confrontación entre dos tipos de nacionalismo, lo local y locosmopolita, y de las dos formas de hacer cine en la India. Casi todos los demáshacen melodramas musicales populares.Mira Nair se conoce internacionalmente por Salaam Bombay (1988), el peregrinajede un niño por los submundos de Bombay, la subsistencia, la venta de una jovenvirgen, el amor y la necesidad de cariño. Tras varias películas, en el 2001 recuperala fuerza de Salaam... con un hermoso trabajo, La Boda Del Monzón.

Irán

Tras la revolución islámica de 1979 se cuestiona el cine comercial y se propicia uncierto cine de calidad siempre que no ataque los valores islámicos.

Abbas Kiarostami es, en palabras de Akira Kurosawa, como el nuevo Satyajit Ray.Su cine es una relación entre documental y ficción, realizado con un proceso defilmación complejo, imbricando acontecimientos reales con momentos creados, ysimulando un resultado simple: Y La Vida Sigue (1992), A Través De Los Olivos(1994), Close-up (1989), El Sabor De Las Cerezas (1997), El Viento Nos Llevará(1999).Mohsen Makhmalbaf trata asuntos de actualidad de su país a la vez quereflexiona sobre el medio de expresión, como en Gabbeh (1996), una película degran belleza sobre dos amantes de diferentes tribus tejedoras de alfombras"gabbeh", y en la conmovedora Kandahar (2001), sobre la situación de las mujeresen el Afganistán de los talibanes. Samira Makhmalbaf en Pizarras (2000), Marzieh Mshkini en El Día Que Me HiceMujer (2000) y Jafar Panahi en El Círculo (2000) versan sobre las condiciones enlas que viven las mujeres en Irán.

Otro director interesante es Majid Majidi, con películas como Niños Del Paraíso(1996), Y El Color Del Cielo (1999).

.

Historia > Años 80 y 90 > Otras cinematografías > Africa

Los cineastas africanos trabajan con características similares a las de otros paísescon dificultades, convulsiones y cinematografías emergentes, pero muestran uninterés especial en la búsqueda de recursos y estilos propios para no ser una copiade los europeos o americanos.

Egipto

Desde los años 40 este país ha desarrollado una potente industria que produce paratodo el mundo árabe géneros populares pero también ha propiciado autores decalidad.Yussef Chahine : el director más conocido del mundo árabe estudió en EE.UU. yempezó haciendo películas costumbristas en los 50 pero en su filmografía abundanlas obras de reflexión histórica como El gorrión (1973) sobre la derrota ante Israel,La alternativa (1976) o El destino (1998) sobre el filósofo andalusí Averroes.

Senegal

Ousmane Sembebe está considerado como el padre del cine africano. Camp DeThiaroye (1988), Faat Kiné (2000). Djibril Diop Mambéty: Hyenas(1992), La Niña Que Vendió El Sol (1999).

Mali

Souleymane Cissé: El Viento (1982), Hielen (1987).

Burkina Faso

Idrisa Ovedraogo: Yaaba (1989), Tilai (1990).

Historia > Años 80 y 90 > Otras cinematografías > Australia, NuevaZelanda y Canadá

Australia

Bruce Beresford dirige Breaker Morant (1980) sobre el sacrificio de los individuosante los poderes establecidos y los estados. Clara Law es una directora quedomina géneros y estilos diferentes y en Floating Life (1996) habla de emigración,amor y familia.Más comerciales son George Miller con los apocalípticos Mad Max y Mad Max II(1981) y Peter Weir con Picnic En Hanging Rock (1975), Gallipoli (1981) y El AñoQue Vivimos Peligrosamente (1983). Weir marcha a EEUU y hace Único Testigo, LaCosta De Los Mosquitos, y El Club De Los Poetas Muertos.

Nueva Zelanda

Jane Campion realiza la intensa y bella El Piano (1993). Peter Jackson dirigecomo independiente en 16mm el film de culto Bad Taste (1988). Más tarde tambiéndirige la escalofriante Criaturas Celestiales (Heavenly Creatures, 1991).

Canadá

Denys Arcand, con la notable El Declive Del Imperio Americano (1985), quecuestiona las relaciones sociales a través del sexo.

Atom Egoyan es un director que hace cine independiente y alternativo de grancalidad, mostrando la pérdida de las relaciones humanas en una sociedad que sólose comunica por medios electrónicos. Exotica (1994) es una fascinante película devoyeurismo, fantasías sexuales y secretos de familia. En El Dulce Futuro (1997),muestra más tensiones y secretos familiares, y en El Viaje De Felicia (1999) másrelaciones fatales.

David Cronenberg es un dotado director para películas de terror y también paralas adaptaciones literarias: La Mosca (1986), Crash (1996).

Jean-Claude Lauzon con la original y entretenida Léolo (1992).

Historia > Autores > Steven Spielberg

El Director

Steven Spielberg puede presumir de tener una de las filmografías más exitosas,sino la que más, de todos los tiempos. Varios de sus títulos se cuentan entre laspelículas más taquilleras de la historia del cine. Este interesante registro procede dela combinación de un talento casi innato para el cine (empezó a dirigir desde niño,con su propia familia) con una intuición proverbial a la hora de detectar (o másbien, provocar) las apetencias en el público. Si a esto se le suma su considerablesaptitudes como narrador fílmico y el respaldo de la industria hollywoodiense, seobtiene como resultado un auténtico hombre de cine, capaz de poner de moda entodo el mundo dinosaurios o extraterrestres, al tiempo que sensibilizar a la opiniónpública sobre las consecuencias del racismo a través de películas de hondo calado,más propias del cine de autor que del cine estrictamente comercial.

Su Filmografía

Pero ni siquiera Spielberg ha escapado al sabor del fracaso. Entre sus numerososéxitos hay algunos títulos que no alcanzan una nota aceptable en un cineasta de sucalado: Loca Evasión (The Sugarland Express, 1974), El Imperio Del Sol (Empire OfThe Sun, 1987), Always (1989) o Amistad (1997), bien por una mala concepción,bien por no tener el respaldo del público, figuran entre sus obras de menorprestigio. Una vez detectadas estas excepciones, sólo cabe hablar de éxitos yreconocimientos.

Su primer gran acierto, una vez finalizada la intrigante road movie El Diablo SobreRuedas (Duel, 1971), fue Tiburón (Jaws, 1975), una película bien narrada y conbuen ritmo, que le prepara el terreno para la realización de Encuentros En LaTercera Fase (Close Encounters Of The Third Kind, 1977), película deextraterrestres que fue nominada al Oscar a la Mejor Dirección.

En 1981 comenzó la saga de aventuras de Indiana Jones, con En Busca Del ArcaPerdida (Raiders Of The Lost Ark, 1981) , a la que seguirían Indiana Jones Y ElTemplo Maldito (Indiana Jones And The Temple Of Doom, 1984) e Indiana Jones YLa Última Cruzada (Indiana Jones And The Last Crusade, 1989), todas con HarrisonFord como explorador infatigable, un personaje compuesto de dureza y ternura.

Entre una entrega y otra de Indiana Jones, Spielberg aún tuvo tiempo de rodar E.T.,El Extraterrestre (E.T. The Extraterrestial, 1982), inolvidable cuento en el que uncurioso extraterrestre trata de entender el mudo de los humanos utilizando comocicerone a un niño, El Color Púrpura (The Color Purple, 1985), drama que ahondaen la trágica existencia de una mujer negra, y El Imperio Del Sol (Empire Of TheSun, 1987), historia sobre los campos de concentración japoneses de la II GuerraMundial.

Tras Always y Hook (1991), de éxito relativo, Spielberg quiso darse garantíasdefinitivas de que su nombre pasaría por derecho a una de las primeras páginas dela Historia del cine, y hace Parque Jurásico (Jurassic Park, 1993).

Quizá su mejor nivel se lo estaba reservando para La Lista De Schlinder (Schlinder'sList, 1993), con la que Spielberg consiguió convencer incluso a los más escépticossobre la calidad artística de su cine. La película, planteada como reconstrucciónhistórica de dramáticos episodios de exterminio nazi, contiene todo tipo de recursos, y obtuvo por fin la consideración de la Academia, que la galardonó con 7 Oscars(entre ellos Mejor Director y Mejor película).

De su última etapa, pasando por encima de Amistad (1997) y de A.I. (2001),incomprensibles tropiezos en su carrera sólo explicables por haber prestado másatención a su nueva faceta de productor (creó la productora DREAMWORKS enestos años), cabe destacar Salvad Al Soldado Ryan (Saving Private Ryan, 1998),irregular pero impactante película sobre la II Guerra Mundial, cuyas primerassecuencias ofrecen un tratamiento de las escenas bélicas tan realista comodesconocido hasta entonces.

Historia > Autores > Pedro Almodóvar

Sus Inicios

La primera etapa de Almodóvar se define por el frenesí y la desinhibición de susargumentos. Pepi, Lucy, Bom, Y Otras Chicas Del Montón (1980), Laberinto DePasiones (1982), Entre Tinieblas (1983) y la brillante ¿Qué He Hecho Yo ParaMerecer Esto? (1984) están repletas de extravagancias y de disparatesllamativamente provocativos, exhibiendo sin tapujos contenidos (especialmente lossexuales) que lindan con lo prohibitivo, al menos según los moldes estéticos de losprimeros años ochenta.

Como todo talento creador que disfruta provocando, Almodóvar consiguió ser desdeel inicio objeto de encendidas y controvertidas críticas. Desde aquéllas que leotorgaron el acierto de haber encontrado un nuevo e insólito cauce de comunicacióncon el espectador, hasta las que le tildaron de oportunista, cuyo único méritoradicaba en saber haber adaptado el esperpento, en su versión más grosera, a lacultura posmoderna.

Su Universo

En cualquier caso, lo que es indudable es que poco a poco Almodóvar ha idoconformando una particular forma de hacer cine. En ¿Qué He Hecho Yo ParaMerecer Esto? y sobre todo en Mujeres Al Borde De Un Ataque De Nervios (1988)hace gala de un refinado gusto satírico, a la vez que sigue conformando su especialuniverso femenino, tan presente en toda su carrera, y causante de que el mundodel celuloide haya generado la etiqueta "chica Almodóvar" para aquéllas actricesque tienen el privilegio de ser fetiches para el director manchego: Carmen Maura,Marisa Paredes, Cecilia Roth... Con ¿Qué He Hecho Yo Para Merecer Esto?, tras lascontrovertidas críticas que generó Entre Tinieblas, consiguió Almodóvar ganar algomás de respeto entre la crítica más reacia a su obra, aunque todavía llegarían corosapocalípticos, aprovechando la desigual acogida de sus siguientes películas: Matador(1986), Átame (1989), Tacones Lejanos (1991) o Kika (1993) .

Por fin, y tras la irregular Carne Trémula (1999), llegó Todo Sobre Mi Madre (2000),con la que parece aclararse definitivamente el negro panorama en la relacióncríticos-cineasta. Siguen existiendo los rechazos, pero enfocados ya desde unrespeto que nadie se atrevería a romper a estas alturas. Un respeto ganado a pulso,y refrendado posteriormente con la consecución del Oscar a la mejor película dehabla no inglesa.

Aunque no sea fácilmente perceptible, su evolución como cineasta es indiscutible.Almodóvar sigue siendo fiel a sí mismo, y eso no le permite alejarse de lospersonajes extravagantes que deambulan por situaciones límite. Sin embargo, eldisparate y las situaciones alocadas de sus primeros filmes han ido progresivamenteconvirtiéndose en situaciones más reposadas, y sobre todo, más reales. Desde sutalento y experiencia, Almodóvar ha conquistado el don de hacer creíbles yverdaderas las tragedias, incluso las más forzadas.

Ciertamente, costaría creer en la efectividad de sus filmes si se repasara en frío eluniverso dramático de Almodóvar (actores porno, rateros, violadores, homosexualesy travestís de diversa clase y condición, monjas con sida...), pero lo cierto es quecon sus comedias y melodramas, Almodóvar ha sabido configurar un universofílmico propio. Sus personajes transitan por el melodrama y la tragedia, perosiempre sobre un fondo desplegado con enérgico optimismo. Incluso en suscoqueteos con el dolor transmite la esperanza de que hay recuperación después dela tragedia. Su mirada e ímpetus excesivos no son más que los de alguien querenueva en cada película sus deseos de vivir.

Historia > Autores > Francis Ford Coppola

Comenzó en el cine trabajando con el productor independiente de películas deserie-B, Roger Corman, desempeñando varios oficios. En 1970 obtiene el premiopor el argumento y el guión de Patton.

En 1969, funda en San Francisco la productora Zoetrope, produciendo películas deotros como George Lucas y las suyas propias con un espíritu independiente, versátily ambicioso por el éxito. Corre un gran riesgo con El Padrino (1972), pero alcanzaun éxito inimaginable y se convierte en un clásico. La película combina violencia,valores y lealtad dentro de un grupo y de la familia. El Padrino, con su historia, elestudio de caracteres y el retrato de la sociedad conserva el estilo tradicional delgénero de gansters y, a la vez, renueva el modo de hacer estas películas.

En 1974, escribe, dirige y produce La Conversación, con objetivos más artísticos,siguiendo el estilo de los autores europeos. A pesar de su calidad es un desastreeconómico y para salir del fracaso Coppola dirige ese mismo año El Padrino II, queno alcanza el éxito de la primera pero que es aún mejor, más penetrante e intensa.Se trata de una de las mejores películas de la historia del cine.

En 1979 dirige Apocalypse Now, la novela El corazón de las tinieblas de Conradtrasladada al conflicto de Vietnam.

Tras otro fracaso económico obtenido con Corazonada (1982) vende su productora.

Otras películas suyas son La Ley De La Calle (Rumbling Fish, 1983), The CottonClub (1984) y El Padrino III (1990).