Laboratorio de investigación pictórica I

14ª Clase

UNIDAD IIITÉCNICAS DE PINTURA CON NUEVOS

MATERIALES.TÉCNICAS COMBINADAS.

Técnicas de pintura con nuevos materiales

Pigmentos extraídos de plantas:Resina, manzanilla, ruibarbo, morera, látex, índigo, abedul, lino, aceites, ceras... Todos ellos son materiales que se utilizan para elaborar pinturas naturales al 100%. Proceden

de las plantas (fibras, flores, hojas, raíces, corteza...) y, combinados con otros elementos también biodegradables y no tóxicos, como el agua, la tierra o el talco,

ofrecen un producto con solvencia similar al de las pinturas convencionales.

Tan natural como que las hojas verdes se vuelven rojas, las pinturas elaboradas con plantas son el resultado de la aplicación de la química vegetal a esta industria. El

ejemplo de las hojas es solamente uno entre millones. Muchas de las materias primas que se utilizan proceden generalmente de cultivos ecológicos o procesos de reciclaje.

Algunas de estas sustancias se cultivan o producen en las cercanías de la fábrica reduciendo así el gasto energético del transporte. Más de 30 años de producción y

diversos reconocimientos industriales y medioambientales avalan la calidad de estas pinturas.

Pigmentos inorgánicos:La otra opción es recurrir a pigmentos inorgánicos de base mineral. Para poder aglutinar los distintos componentes utilizados se recurre, en este

caso, a silicato potásico líquido y sol de sílice. No se trata de ninguna innovadora fórmula revolucionaria: el sistema se conoce desde finales del

siglo XIX, época en la que se patentó y comenzó a popularizarse en Centroeuropa.

La calidad, luminosidad, duración y efecto protector de las pinturas hacen que todavía podamos admirar fachadas con pinturas originales del siglo

XIX. Por ejemplo, en Suiza el Mesón "Weiser Adler" en Stein am Rhein o el Ayuntamiento de Schwyz (1891), en Oslo, Noruega (1895) o Traunstein en

Alemania (1891).En la Edad Media ya se conocía el aglomerante de las pinturas minerales con el nombre de "Liquor Silicium". Johann Wolfgang von Goethe realizó

numerosos ensayos con el silicato potásico líquido e hizo concebir grandes esperanzas. Fue el rey Luis I de Baviera quien dio el primer impulso y

fomentó los trabajos intensivos de investigación de Adolf Wilheilm Keim.

Los trabajos y la experimentación se fueron sucediendo hasta dar en 2002 con una tercera generación de

pinturas que, gracias a la combinación de dos ligantes minerales -el silicato potásico líquido y el sol de sílice- ,

permite su aplicación sobre soportes minerales, orgánicos y mixtos, abriendo nuevas posibilidades para

las pinturas minerales. Asimismo, las pinturas minerales siguen las normas

procedentes de la bioconstrucción. Se fabrican a partir de materias primas minerales, abundantes en la

naturaleza, y no contienen disolventes orgánicos. No contaminan, ni en su producción, ni en su aplicación, dando como resultado pigmentos 100% ecológicos.

El plástico como material en el lenguaje pictórico

En 1944 en Italia el artista Enrico Prampolini publicaba un cuadernillo titulado “Arte

Polimatérico”, manifiesto considerado por otros artistas de “Paradojas plásticas” o de “Entrevistas

con la materia”. La materia prevalece por encima del color, las

cualidades expresivas del material, resultado de su propia constitución física y química, van a imponerse como protagonistas del cuadro.

A partir de los movimientos de vanguardia del siglo XX cuando se rompen las fronteras tradicionales entre las diversas artes,

momento en el que tuvo lugar una importante transformación ideológica y también técnica, crece constantemente el interés

por parte de los artistas sea cual sea la disciplina, por la incorporación de materiales extra-artísticos a sus obras, encontrando en los plásticos un material que enriquecía

enormemente sus posibilidades expresivas. En el campo de la pintura fueron las resinas acrílicas las que

ocuparon el lugar de la tradicional pintura al óleo, y en el campo de la escultura los primeros que experimentaron con el

plástico fueron los constructivistas rusos (1915-1925), al tiempo que se trabajaba también con este nuevo material en la

Bauhaus de Weimar (Iniciada en 1919 por Walter Gropius).

László Moholy-Nagy, profesor de la Bauhaus experimenta con el material plástico, del cual nos dice:

“Simultáneamente a las esculturas con metal y vidrio, me volví hacia los nuevos materiales industriales. Comencé a

pintar sobre aluminio, aleaciones no ferrosas muy pulidas y sobre termoplásticos. Si no hubiera albergado

el temor de que estos últimos materiales quizá no fueran duraderos, jamás habría vuelto a pintar sobre lienzo. Al trabajar con estos materiales -plásticos coloreados, opacos o transparentes- realicé descubrimientos que

contribuyeron a que cambiara mi técnica pictórica. Esto tuvo repercusiones inevitables en mis reflexiones acerca

de los problemas de la luz.

Aunque los plásticos son materiales nuevos, apenas ensayados, tenía la sensación de que se debería trabajar con ellos, a pesar del peligro de los efectos meramente bonitos. Quizá nos lleve décadas llegar a conocer realmente estos materiales y poder desarrollar una auténtica técnica con que manejarlos. Incluso los problemas técnicos de la pintura sobre estos nuevos materiales están todavía por resolver.”

Los plásticos evidentemente no pasaron inadvertidos, se podía incidir en ellos con los útiles propios del grabador, pero también con los del pintor y del escultor, pueden rayarse, pintarse, doblarse, o modificar su estructura por efecto de la temperatura, algunos de ellos al menos.

Las propiedades del plástico resultan atractivas desde el punto de vista pictórico, pero también aptas para entintar e imprimir empleando el soporte como matriz para ser estampado.

Para la construcción de la plancha o matriz, se ha partido en este caso, de un soporte de madera no superior a tres milímetros, al cual se le ha adicionado resina de poliuretano.

Características de la resinaUnires RU-3981 Resina diseñada específicamente para ser aplicada en el campo de los acabados sobre cuero y que en nuestros talleres de grabado, la hemos recuperado para su utilización como medio pictórico y como material plástico apto para su empleo en el campo del grabado.Descripción:Dispersión de poliuretano alifático, brillante, incoloro, usado para producir aspecto de charol.Características para uso:Promueve un brillo alto y reluciente.Buena resistencia al rascado.Forma un film muy brillante y transparente.Buena flexibilidad.Incrementa la resistencia al frote húmedo y seco.

Los primeros antecedentes históricos en el empleo del plástico (resinas de poliuretano) en el campo del grabado los encontramos en el artista ruso Boris Margo, quien en 1953 explora las posibilidades del plástico como matriz para grabar, pero también por sus cualidades físico-químicas. Margo mezcla láminas de celuloide en acetona, barniz que según el mismo explica, adquiere una consistencia adecuada para poderlo moldear o si más no, incidir sobre él con instrumentos propios del grabador o del escultor. Tipo de proceder que el artista incorpora también a su obra pictórica.

El equipo de investigación Neoartgraph, Universidad de Barcelona.

Otro artista mucho más cercano a nosotros e innovador de un nuevo estilo gráfico-pictórico es el estadounidense Robert Rauschenberg. En 1962, el

artista, trabajó con una nueva técnica que iba a convertirse en base de su trabajo en los años

siguientes: óleo y serigrafía sobre lienzo. Método que le permitió incorporar imágenes fotográficas sobre

sus lienzos superponiéndolas y mezclándolas a modo de collage. Rauschenberg por primera vez trabaja

con la transferencia de imágenes sobre papel a la vez que hace uso del plexiglás mezclado con aguarrás

para conseguir efectos de craquelado.

Express, 1963 Óleo sobre lienzo con serigrafía, 183 x 305 cm.

La imagen fotográfica se traspasa al lienzo mediante una técnica llamada serigrafía. Sobre una tela fina montada en

un bastidor rectangular (se llama pantalla) cubierta con una gelatina sensible a la luz, se proyecta una

transparencia fotográfica. Las partes de ésta que contienen la imagen no dejan pasar la luz, de modo que la

gelatina no se ve afectada. Las partes vacías de la fotografía sí dejan pasar la luz y ésta, al llegar a la

gelatina, la endurece. La gelatina no endurecida –no afectada por la luz– se elimina fácilmente con agua, pero

la otra permanece en la pantalla con la imagen fotográfica que, una vez entintada, se trasfiere al lienzo. Para ello se coloca la pantalla con las imágenes sobre éste, se añade

tinta especial y se distribuye de extremo a extremo.

Nuevos materiales para un arte nuevoEl pintor Fran J. Muca muestra su obra

vanguardista en la galería de Yolanda Rojas

Su obra es innovadora y vanguardista. Metacrilato, pvc, vinilo o estaño son los materiales que el artista Fran J. Muca (www.fjmuca.com) utiliza para romper con lo establecido. «Me gusta jugar con el espacio. Al principio comencé con tela, como en un bastidor,

pero más tarde necesité introducir materiales diferentes, que me permitieran expresar todo lo

que llevo en la cabeza», explica el pintor granadino.

Amparo Galbis Universidad Politécnica de Valencia

Experimentación pictórica vinculada con los aspectos procedimentales, materiales y técnicos.

Valencia 1973. Pintora. Doctora en Bellas Artes por la Facultad de Bellas Artes de San Carlos. Ha participado desde 2001 en

distintos proyectos de investigación sobre nuevos materiales en la pintura, con dos patentes de invención registradas (Pintura al

temple óleo-resinoso estable, Nº PAT. ES2192987; Emulsión ligante, Nº DE SOLICITUD: 200802234) presentadas en ferias y congresos, así como en diversas publicaciones especializadas.Su obra está representada en distintas colecciones, públicas y

privadas.

Lucio Fontana, un artista italoargentino, era hijo y nieto de escultores. También él se dedicó a este arte, pero desechando las piedras, metales y barros convencionales para emplear materiales de su tiempo: luces de neón, plásticos, la televisión, el sonido, el espacio… Incluso cuando elige un elemento tradicional como el lienzo y la pintura, lo

transforma en algo nuevo. Fontana presenta Venecia era toda de oro como una escultura, de formato cuadrado y pintada de oro, como alusión simbólica a la ciudad de Venecia…Pero este dorado no es

el pan de oro medieval de las tablas medievales. En su lugar ha elegido la purpurina, una imitación a dorado que se usa para decorar marcos y muebles. Pero ¿cómo ha

creado ese torbellino de pinceladas con purpurina? El artista ha aplicado primero una capa de una emulsión acrílica mezclada con rojo, de pintura sintética, que permite realizar gruesos empastes. A continuación, cubre con una fina capa de purpurina la

obra. Una vez pintada toda la superficie, Fontana se coloca delante del lienzo y, empuñando

un cutter, rasga la tela con decisión, sin titubear, con un corte muy bien pensado en cuanto a su dimensión, sentido y lugar. Este gesto es la culminación del acto creativo: es arte de acción. Pero todavía queda un último paso; en el reverso de la obra, pega

una tela negra cubriendo el corte, como una venda en una herida. La finalidad es crear ese efecto de claroscuro que consigue subrayar el movimiento barroco de la pieza.

Venecia era toda de oro, 1961 Acrílico sobre lienzo, 150 x 150 cm.

Esta obra es un monocromo con relieves en forma de círculos enfáticos que rompen la uniformidad del dorado. La espesura de la materia produce unos surcos y resaltes

que nos invitan a tocarla y añaden un carácter constructivo a la obra. A medida que nuestra mirada sigue el movimiento rítmico de las pinceladas hacia el centro del

lienzo, nos encontramos con un corte vertical neto que produce un poderoso claroscuro frente a la luminosidad

circundante. El gesto radical del artista al rajar el lienzo en ese lugar preciso es un acto de destrucción, pero también una forma novedosa de introducir el «espacio detrás» de la obra. La tela abandona su función de soporte de la obra pictórica para convertirse en un elemento de proyección

para la luz y el espacio real.

El Body Art y el TatooBody Art

Se trabaja con el cuerpo como material plástico, se pinta, se calca, se ensucia, se cubre, se retuerce; el cuerpo es el lienzo o el molde del trabajo artístico. Suele realizarse a modo

de acción o performance, con una documentación fotográfica o videográfica posterior.El Body Art (arte del cuerpo) se considera procedente del campo de la pintura y la escultura, pero también del happening.Yves Klein (Niza,1928-París, 1962), utilizó el cuerpo como receptor de energía espiritual.Piero Manzoni (Soncino, 1934-Milán, 1963), uno de los primeros artistas plásticos en presentar y utilizar el cuerpo como obra de arte. Se utiliza el cuerpo como lugar y medio de expresión artística, como útil material de soporte y como objeto, como eje fundamental de toda creación artística.En 1965 (“las derivaciones del happening”) , se recuperaba a aquellos artistas que como Kaprow, Brecht, Klein y Manzoni incorporaron el cuerpo humano a distintas modalidades.En 1970 (“La acción corporal”) algunos artistas europeos y norteamericanos utilizaban el cuerpo como material artístico.

Como una reacción a la excesiva comercialización del mundo del arte en los años sesentas surge el Arte conceptual. Esta tendencia

desarrollada inicialmente en Estados Unidos y Gran Bretaña, aunque con una rápida proyección internacional desde finales de los sesenta

hasta mediados de los setenta, culminó el proceso de desmaterialización y de autorreferencialidad de la obra de arte iniciado tiempo atrás con un claro enfrentamiento con la estética formalista del arte de post-guerra que había dominado en la Escuela de Nueva York,

principalmente del Minimalismo. Rompiendo con los límites estrechos del arte, los artistas conceptuales usaban aspectos de la semiótica, del

feminismo y de la cultura popular para crear obras que dificilmente parecían objetos artísticos tradicionales.

Del arte conceptual derivó el Body Art, desarrollado durante el final de los años sesentas y en los setentas; precursores del Performance, sus

representantes utilizaban su propio cuerpo como material para realizar la obra en una concepción que ellos denominaban escultórica o

pictórica, más que teatral.

Tatoo: Tatuaje, decoración del cuerpo con un objeto punzante que va fijando los colores sobre la piel.

Técnicas combinadas

Las técnicas combinadas en la pintura, no es más que la aplicación práctica combinada de las distintas

técnicas pictóricas, cuidando la compatibilidad de materiales y el uso adecuado de los mismos, con la

intención de complementar y enriquecer la expresión plástica en el desarrollo de una obra. Por ejemplo,

uso de tintas y lápices de color con acuarelas, o también, uso de acrílicos en el manchado base de la

obra y una terminación en colores al óleo.

Bibliografíahttp://bricolaje.facilisimo.com/reportajes/pintura/tipos-

de-pintura/pinturas-vegetales-y-minerales-ecologicas-100_183377.html#

http://www.educathyssen.org/captulo__los_nuevos_materiales

http://www.ideal.es/granada/20071005/cultura/nuevos-materiales-para-arte-20071005.html

http://pintura.webpublica.net/profesorado/profesorado-ficha.aspx?id=21

http://abu-barras.blogspot.com/2012/02/la-pintura-y-los-nuevos-materiales.html

Equipo Neartgraph, Universidad de Barcelona.

ENLACESPintura ecológica para bellas artes en la Universidad Politécnica de

Valencia. Reportaje de una productora de programas ecológicos y

medioambientales de Puçol, para distintas cadenas de TV. 12/02/09 EMTV.

http://www.youtube.com/watch?v=laeIiKeTlxI&feature=plcphttp://www.youtube.com/watch?v=lpsH_b0-f8E&feature=plcp

http://www.youtube.com/watch?v=WCZ4XjKMz8o&feature=plcphttp://www.youtube.com/watch?v=51_y-bAtRUM&feature=plcp

Body Arthttp://www.youtube.com/watch?v=g9IdONdriSQ&feature=related