LIV

E

PO

RT

O 2

012www.neunow.com

12 – 15 July 2012

Organized by:

E u ro p e a n L e a g u e o f I n s t i t u t e s o f t h e A r t s

Supported by:

Catalogue

Catálogo

Conteúdo

Contents

Introdução Introduction 6

Artes VisuaisVisual Arts 14

Teatro/DançaTheatre/Dance 36

Musica/SomMusic/Sound 50

DesignDesign 60

CinemaFilm 76

AgradecimentosAcknowledgements 88

The NEU/NOW LIVE Festivals in 2011 and 2012 are realised through collaborative activities

developed in the framework of a grant from the Cultural Programme of the European Commission for

a project named NE©XT (New European Creative Talent).

The Faculty of Arts, University of Winchester is coordinator of the NE©XT project. Partners in the

coordination of the project are ELIA-European League of Institutes of the Arts, Bergen Academy of

Art and Design, ESMAE-School of Music and Performing Arts, Porto Polytechnic and the Estonian

Academy of Music and Theatre.

6 7

After Vilnius in 2009, Nantes in 2010

and Tallinn in 2011, ELIA is very

proud to present the fourth edition

of the NEU/NOW LIVE Festival 2012

in Porto!

The NEU/NOW Festival is an annual

innovative international platform for

highly talented graduating artists (or

those who have recently graduated)

coming out of Higher Arts Education

Institutions and Universities across

Europe and beyond. The Festival

features the most excellent new

artists entering the professional arts

arenas and is an international show-

case for emerging creative talent.

Through the Festival artists are given

a platform to present themselves to a

wider international audience within a

professional arts context.

This year 32 projects from 18 coun-

tries are presented in the NEU/NOW

LIVE Festival, representing all art

disciplines. The Artistic Directors

curated the NEU/NOW LIVE Festival,

advised on the selection by an inter-

national jury of experts.

NEU/NOW LIVE 2012

NEU/NOW is organised by ELIA

– European League of Institutes

of the Arts, the primary independ-

ent network of major higher arts

education institutions. With its 300

member institutions in 47 countries,

ELIA promotes dialogue, mobility

and research, shares best practice,

and advocates for the importance

of the arts and arts education in our

societies. With the NEU/NOW online

and LIVE Festival ELIA taps into the

potential of over 300,000 art students

representing all art disciplines.

Although NEU/NOW is still in its pilot

phase, it receives considerable atten-

tion from press and the public with

4500 visitors during the 4 days of the

LIVE Festival in 2011 and 25,000 hits

a day for the online Festival.

ELIA decided to combine NEU/NOW

LIVE 2012 with a Teachers’ Academy

that will bring over 100 art teachers

from all over the world together in

workshops and presentations. The

NEU/NOW LIVE Festival is interwoven

with the Teachers’ Academy pro-

gramme so as to generate critical and

informative discussions about the

Festival artworks.

The NEU/NOW 2012 edition is partly

organised in the frame of the project

NE©XT– New European Creative Tal-

ent, which is supported by the Euro-

pean Commission and coordinated

by the University of Winchester.

In the future ELIA will further develop

NEU/NOW into a trendsetting and

dynamic platform that promotes

artistic excellence – a festival where

producers and curators can see and

discuss the innovative, high quality

projects emerging from art schools

from all over Europe. The 2013 edition

of NEU/NOW LIVE will take place in

Nantes, France.

We are very proud that ESMAE

School of Music and Performing Arts,

Porto Polytechnic, is the key partner

in hosting NEU/NOW LIVE and we

are grateful to ESMAE for making

NEU/NOW LIVE Porto possible. Enjoy

NEU/NOW LIVE 2012, enjoy Porto!

Carla Delfos

Executive Director ELIA

Depois de Vilnius em 2009, Nantes

em 2010 e Tallinn em 2011, a ELIA

tem muito orgulho em apresentar a

quarta edição do Festival NEU/NOW

LIVE 2012 no Porto!

O Festival NEU/NOW é uma plata-

forma internacional inovadora, que

tem lugar anualmente para artistas

altamente talentosos a terminar a sua

licenciatura (ou para aqueles que o te-

nham feito recentemente) em Escolas

Superiores de Artes ou Universidades

por toda a Europa e mais além. O

Festival apresenta novos artistas de

excelência, que estão agora a entrar

na arena das artes profissionais, e

é um mostruário internacional para

talento criativo emergente. Através

do Festival é dado aos artistas uma

plataforma para se apresentarem a um

público internacional mais lato, dentro

do contexto profissional das artes.

No Festival NEU/NOW LIVE deste ano

são apresentados 32 projetos de 18

países, representando todas as disci-

plinas das artes. Os diretores artísticos

que fizeram a curadoria do Festival

NEU/NOW LIVE 2012

NEU/NOW aconselharam-se junto de

um painel de júris internacional para

realizar a seleção.

O NEU/NOW é organizado pela ELIA –

European League of Institutes of the

Arts (Liga Europeia dos Institutos das

Artes), a rede primária e independente

das maiores instituições de educação

para as belas artes. Contando como

membros com 300 instituições em

47 países, a ELIA promove o diálogo,

a mobilidade e a pesquisa, partilha

boas-práticas e advoga a importância

que as artes e a educação para as

artes detêm na nossa sociedade. Com

o NEU/NOW a funcionar na internet

e com o LIVE Festival, a ELIA explora

o potencial de mais de 300,000

estudantes de artes que representam

todas as disciplinas artísticas.

Apesar do NEU/NOW ainda estar na

sua fase piloto, recebe uma atenção

considerável da imprensa e do

público, tendo tido 4500 visitantes

durante os 4 dias do Live Festival em

2011 e 25,000 acessos por dia para

o Festival online.

A ELIA decidiu combinar o NEU/NOW

LIVE 2012 com uma Academia de

Professores que irá trazer mais de

100 professores de artes de todas

as partes do mundo para os juntar

em workshops e apresentações. O

Festival NEU/NOW Live está interli-

gado com o programa da Academia

de Professores para gerar discussões

críticas e informativas sobre as obras

apresentadas no Festival.

A edição de 2012 do NEU/NOW é

parcialmente organizada na estrutura

do projeto NE©XT– New European

Creative Talent (Novo Talento Criativo

Europeu), suportado pela Comissão

Europeia e coordenado pela University

of Winchester.

No futuro a ELIA irá desenvolver mais

o NEU/NOW, de forma a transformá-

-lo numa plataforma dinâmica e

criadora de tendências, que promova

a excelência artística - um festival

onde produtores e curadores possam

ver e discutir os projetos inovadores e

de alta qualidade que estejam a surgir

das escolas de artes espalhadas por

toda a Europa. A edição de 2013

do NEU/NOW LIVE irá ter lugar em

Nantes, França.

Temos também muito orgulho que a

ESMAE, Escola Superior de Música

e Artes do Espetáculo, do Instituto

Politécnico do Porto, seja o parceiro-

-chave na receção do NEU/NOW

LIVE e estamos gratos ao ESMAE

por tornar o NEU/NOW LIVE Porto

possível. Apreciem o NEU/NOW LIVE

2012, apreciem o Porto!

Carla Delfos

Diretora Executiva ELIA

8 9

Work presented in the NEU/NOW

LIVE Festival undergoes a rigor-

ous selection process. In the first

instance, the artists (those about to

graduate or who have recently gradu-

ated) are nominated by their own

institution as emergent artists capa-

ble of producing work of the highest

quality on a national level. Secondly,

each nomination is carefully scruti-

nised and placed in order of merit by

an international panel of judges (three

judges for each of the five discipline

categories). Finally, as the two Artistic

Directors of the NEU/NOW Festival,

we lead the process of both confirm-

ing the total number of works to be

included in the online festival (to be

shown on www.neunow.com) and

selecting from within this body of

work the individual projects to be

presented in the LIVE Festival.

In curating work for the LIVE Festival,

we select against a range of attrib-

utes. We look for work of the very

highest artistic quality that can also

be shown to its best advantage in the

venues and galleries that we have

available to us. Here in Porto, we are

fortunate to have access to a range

Festival in Porto demonstrates that

this emerging generation of artists

are as strongly committed to social

values as they are to artistic ones.

To foreground this we have selected

work that, in addition to exhibiting

its intrinsic aesthetic qualities, is

also concerned with issues such as

environmental sustainability, social

reform and political awareness. As

visitors and audiences, you will be

able to engage with projects that

critically explore dialogues between

artistic practices and science, as well

as with those that focus more on the

discourses of social life and relations

and on society at large.

We believe that the NEU/NOW LIVE

Festival in Porto will attract and en-

gage you with a wide range of work

of the highest quality, produced by

an emerging generation of young

international artists. We hope that –

in addition to reaching those of you

who are regular attendees at arts

exhibitions and performances – the

range of work that we have selected

will also connect with individuals

and groups who share the individual

concerns that these young artists are

exploring through their work.

of excellent established arts spaces –

which have enabled us to draw freely

from the reservoir of works already

selected for the online festival. The

attributes that we look for go much

further than simply aesthetics and

compatibility with the venues, howev-

er. We are also mindful of the specific

qualities of each work and the extent

to which it is likely to engage the

interest of the public in the host city.

Our selection is based as much on

the ideas, concepts and intentions

that shape the work as on its aes-

thetic qualities or the excellence of

the craft skills it embodies.

All the disciplines that the Festival

encompasses – visual arts, design,

performing arts, film, and music and

sound are part of the creative indus-

tries sector. In the context of austerity

measures and shrinking economies

across Europe, the creative indus-

tries remain one of the few areas of

dynamic and significant economic

growth. While it is important to con-

tinually make the economic case for

the arts, the arts also add significant

value to our society in many other

ways. Our selection for the LIVE

NEU/NOW LIVE Porto 2012NEU/NOW LIVE Porto 2012

As curators we are also concerned

with the possibilities that interdiscipli-

nary platforms encourage. The NEU/

NOW LIVE Festival in Porto offers a

diverse range of ambitious projects

and diversity can be seen as a dis-

tinctive characteristic in international

contemporary arts arenas. So it is

clear that these graduates are in

dialogue with contemporary art fields

and ably demonstrate their individual

approaches to understanding, chal-

lenging and participating in the

international contemporary arts world

here, in the city of Porto, at the NEU/

NOW LIVE Festival.

Professor Anthony Dean

Artistic Director (Dean of Faculty of

Arts, University of Winchester, UK)

Paula Crabtree

Artistic Director (Rector at Bergen

Academy of Art and Design, Norway)

O trabalho apresentado no Festi-

val NEU/NOW LIVE é submetido a

um processo de seleção rigoroso.

Em primeira instância, os artistas

(aqueles que estão quase a terminar

a licenciatura ou que a terminaram

recentemente) são nomeados pela

sua própria instituição como artistas

emergentes capazes de produzir tra-

balho da mais alta qualidade a nível

nacional. Em segundo lugar, cada

nomeação é cuidadosamente escru-

tinada por um painel de juízes inter-

nacionais (três juízes para cada uma

das cinco categorias). Finalmente,

com os dois Diretores Artísticos do

Festival NEU/NOW, lideramos os pro-

cessos de confirmação do número

total de trabalhos a ser incluídos no

festival online (para serem exibidos

em www.neunow.com) e selecionar,

deste conjunto de obras, os projetos

individuais que serão apresentados

no Festival LIVE.

Ao fazer a curadoria para o Festival

LIVE, selecionamos tendo em conta

um leque de atributos. Procuramos

trabalho da mais alta qualidade artís-

tica que possa ser exposto de uma

forma que o enobreça nos eventos

e galerias que nos foram disponibi-

lizados. Aqui no Porto somos afor-

tunados por ter acesso a uma série

de espaços artísticos excelentes e

estabelecidos - o que nos permitiu

escolher livremente do conjunto de

trabalhos já selecionados para o

festival online.

Contudo, os atributos que procura-

mos ultrapassam de longe a simples

estética e compatibilidade com os

eventos. Também temos em conta

as qualidades específicas de cada

obra, e a medida em que estas são

suscetíveis de provocar interesse no

público da cidade anfitriã. A nossa

escolha é baseada quer nas ideias,

conceitos e intenções que moldam a

obra, quer nas suas qualidades esté-

ticas ou na excelência da habilidade

técnica que incorpora.

Todas as áreas abrangidas pelo

Festival - artes visuais, design, artes

performativas, cinema e música e

som, fazem parte do setor das in-

dústrias criativas. Num contexto que

envolve medidas de austeridade e

economias em recessão por toda a

Europa, as indústrias criativas perma-

necem como uma das poucas áreas

com um crescimento económico

dinâmico e significativo. Enquanto

ainda é importante criar continua-

mente um contexto económico para

as artes, estas também acrescentam

um valor significativo à nossa so-

ciedade de muitas outras formas. A

nossa escolha para o Festival LIVE no

Porto demonstra que esta geração

emergente de artistas está tão em-

penhada nos valores sociais como

estão com os artísticos. Para enqua-

drar este fato selecionámos obras

que, para além de exibirem as suas

qualidades estéticas intrínsecas, tam-

bém demonstram preocupação com

temas como sustentabilidade am-

biental, reformas sociais e consciên-

cia política. Como visitantes e público

terão oportunidade de interagir com

projetos que exploram criticamente

os diálogos entre práticas artísticas e

ciência, bem como com aqueles que

se focam mais nos discursos da vida

social e nas relações humanas e na

sociedade em geral.

Acreditamos que o Festival NEU/

NOW no Porto irá atrair e captar a

sua atenção com a oferta variada de

obras da maior qualidade, produzi-

das por uma geração emergente de

jovens artistas internacionais. Espe-

ramos que, para além de chegarmos

aqueles entre vós que frequentam

regularmente exposições de arte e

performances, o alcance das obras

que selecionámos também estabele-

ça ligações com indivíduos e grupos

que partilhem as mesmas preocupa-

ções que estes jovens artistas explo-

ram através do seu trabalho.

Como curadores também estamos

interessados nas possibilidades que

as plataformas interdisciplinares

encorajam. O Festival NEU/NOW

LIVE no Porto oferece uma oferta di-

versificada de projetos ambiciosos, e

esta diversidade pode ser vista como

uma caraterística distinta nas arenas

internacionais de arte contemporâ-

nea. Assim, torna-se claro que estes

licenciados estão em diálogo com o

campo das artes contemporâneas

e demonstram habilmente as suas

abordagens individuais para compre-

ender, desafiar e participar no mundo

internacional das artes contempo-

râneas aqui, na cidade do Porto, no

Festival NEU/NOW LIVE.

Professor Anthony Dean

Diretor Artístico (Reitor da Faculty

of Arts, University of Winchester,

Reino Unido)

Paula Crabtree

Diretor Artístico (Reitora na Bergen

Academy of Art and Design, Noruega)

10 11

NEU/NOW LIVE Porto 2012 NEU/NOW LIVE Porto 2012

Caros amigos, artistas e convidados,

Sejam muito bem-vindos ao NEU/NOW

2012 – PORTO.

Esta pequena nota de acolhimento é

para vos dar conta do nosso conten-

tamento e orgulho em receber esta

edição do FESTIVAL. Estou certo que

o Porto e as instituições que connosco

colaboram na receção a esta 4ª Edição

do NEU/NOW vos irão receber de

braços abertos.

O Porto é uma cidade de pontes e

aberta para o Mundo, que nos últimos

tempos tem visto a sua afirmação

como destino turístico consolidar-se,

foi este ano eleita como Melhor Desti-

no Turístico Europeu.

Acreditamos que a cultura e a arte

fazem parte indispensável de uma

cidade cosmopolita, estamos

certos que esta vossa presença, a

originalidade dos vossos trabalhos, e

o vislumbrar de futuros que nos apre-

sentais, nos irão ajudar atravessar

este deserto da “Crise”, que de tão

falada,de algum modo nos atemoriza.

Em tempos difíceis, é bom estar

rodeado de amigos, em contraponto

à omnipresença dos discursos dos

“mercados”, saibamos consolidar as

nossas parcerias e cumplicidades, na

certeza que da arte virá alguma re-

denção, e alegria para estes tempos

mais negros que vivemos.

Saibamos pela nossa arte, afirmar

que o futuro é agora.

Bem-vindos,

Francisco Beja

Presidente da ESMAE Escola Supe-

rior de Música, Artes e Espetáculo,

Instituto Politécnico do Porto

Dear friends, artists and guests,

Welcome to NEU/NOW 2012 – Porto.

The purpose of this little welcoming

note is to express our pleasure and

great pride in hosting this edition of

the NEU/NOW LIVE Festival. I am

certain that Porto, and the institutions

collaborating with us in the reception

of the 4th Edition of NEU/NOW, will

receive you all with open arms.

Porto is a city of bridges, open to the

world, and has been affirming and

consolidating its position as a tourist

destination, this year being elected

Best European Destination by a jury

of consumer associations.

We believe that culture and art are an

indispensable part of any cosmo-

politan city, and we are certain that

your presence, the originality of your

works, and the glimpses of the future

that you are now presenting, will

help us cross this desert of “Crisis”

which, being widely and strenuously

discussed, somehow frightens us.

In hard times, it’s good to be sur-

rounded by friends, so in counter-

point to the omnipresence of talk

about the “market”, let us consolidate

our artistic partnerships, being

certain that from art some redemp-

tion shall arise, and also joy for these

darker times in which we’re living.

Let us know how to assert, by our art,

that the future is now.

Welcome,

Francisco Beja

President of ESMAE School of

Music and Performing Arts, Porto

Polytechnic

12 13

Daniel Djamo

Film

My experience with the festival was totally

unique; it brought together talented artists

from all across Europe and blended their

different approaches in a challenging way.

It helped me grow as an artist, putting me

in contact with the upcoming generation of

artists, and made me want to improve my

technique and to experiment – even more

than I had before – with other means of

expression. Long story short, NEU/NOW

is one of the few festivals in Europe that

creates these incredible opportunities for

emerging art-makers and young art lovers.

Carolin Weinert

Visual Arts

I made a collaborative work with the Aus-

trian artist Richard Schwarz after we got

to know each other during the NEU/NOW

LIVE Festival 2011. What I liked particularly

about the event was the fact that there

were a bunch of European graduates at the

very beginning of their lives as artists. Even

though we were very different due to our

varied cultural and academic backgrounds,

we all shared the expectations and fears

and excitement that connects young crea-

tives. And besides, we had a great time!

Lucie Beauvert

Design

The performances that happened in the

gallery spaces at NEU/NOW were powerful

experiences for me; the relationship with

the audience, with the space, and with the

other works exhibited was unique.

The main thing I had in common with the

other artists was a sense of creativity and

dynamism, and the shared question of

where our various practices fit into the con-

temporary art field. The other participants

seemed as enthusiastic as I was.

I have learned from the festival that our

work doesn’t belong to a single artistic

discipline, but to art in general. For that

I am very thankful to the curators of the

festival, who blurred the borders between

categories. I’ve kept in contact with some

participants, sharing ideas on respective or

collaborative projects – and maybe there

will be concrete projects at some point!

Émilie Duserre

Visual Arts

Presenting in Tallinn was a tremendous

opportunity to show my work abroad, and

to thus confront it with new perspectives

and points of view. The festival was also a

moment of exchange and meeting. NEU/

NOW is dynamic!

Sarah Armstrong

Theatre/Dance

Being a part of the NEU/NOW Festival gave

me some extra credibility as a professional

performing artist. It was a great recognition

of my piece.

The jury’s written comments about my

work helped when applying to other

festivals, and the experience gave me

more confidence in my professional life as

a choreographer and performer. It was a

great stepping stone as an emerging artist

fresh out of university.

I have remained in close contact with a few

of the artists from the festival, and we’re

collaborating to curate each other’s work

across European borders as well as col-

laborating in artistic processes.

Kristi Kongi

Visual Arts

NEU/NOW was a really interesting experi-

ence for me. The whole festival was full of

new experiences and feelings. Other young

artists from the festival were very interesting

to discover. It was nice to hear how other

young artists are working and how they are

thinking. The festival was full of new energy,

and the people who participated in it were

all so positive. In that time I had a feeling that

everything was possible. I have only warm

feelings and memories from the festival.

I think I got a lot of inspiration from it. This is

very important for me. I will keep in touch with

other artists who participated in the festival as

well. So I hope that in the future we can share

ideas and that maybe there will be possibilities

for some collaborative projects.

Fernando Belfiore

Theatre/Dance

To be invited to NEU/NOW was a great

experience that still reverberates. The

exchange between the many different

and interesting artists that presented their

work was engaging and constructive. As

Daniel Djamo Cinema

A minha experiência com o festival foi total-mente única. Este reuniu artistas talentosos de toda a Europa e fundiu as suas diferen-tes abordagens de uma forma desafiadora. Ajudou-me a crescer enquanto artista, pondo-me em contacto com aquela gera-ção emergente de artistas, e fez-me querer melhorar a minha técnica e experimentar - ainda mais do que fazia antes - com outros meios de expressão. Resumidamente, o NEU/NOW é um dos poucos festivais na Europa que cria estas oportunidades incríveis para artistas emergentes e jovens apaixonados pelas artes.

Carolin WeinertArtes Visuais

Realizei uma peça em colaboração com o artista austríaco Richard Schwarz depois de nos termos conhecido durante o Festival NEU/NOW 2011. Aquilo que apreciei parti-cularmente no evento foi a presença de um grande número de licenciados europeus no começo da sua vida como artistas. Apesar de sermos diferentes, devido aos nossos enquadramentos culturais e académicos variados, todos nós partilhávamos as expectativas e receios e excitação que ligam os jovens criativos. E para além disto, divertimo-nos imenso!

Lucie BeauvertDesign

As performances que aconteceram nos espaços das galerias no NEU/NOW foram experiências muito fortes para mim; a rela-ção entre o público, com o espaço e com os outros trabalhos exibidos foi única.

O ponto principal que eu tinha em comum com os outros artistas era um sentimento de criatividade e dinamismo, e a partilha de uma questão que é a descoberta de onde é que as nossas várias práticas se encai-xam no campo das artes contemporâneas. Os outros participantes pareciam estar tão entusiasmados quanto eu estava.

Graças ao festival aprendi que o nosso trabalho não pertence a uma única discipli-na artística, mas à arte em geral. Por isso estou extremamente grato aos curadores do festival, que fizeram com que as frontei-ras entre as categorias se desvanecessem um pouco. Mantive-me em contacto com alguns dos participantes, partilhando ideias em projetos pessoais ou de colaboração - e talvez venham a existir projetos concretos em algum ponto.

Émilie DuserreArtes Visuais

A apresentação em Tallin foi uma opor-tunidade tremenda para mostrar o meu trabalho no estrangeiro e para o confrontar, desta forma, com novas perspetivas e pontos de vista. O festival também foi um momento de troca e encontro. O NEU/NOW é dinâmico.

Sarah ArmstrongTeatro/Dança

Fazer parte do Festival NEU/NOW deu-me alguma credibilidade extra como artista performativo profissional. Foi um ótimo reconhecimento da minha peça.

O comentário escrito feito pelo júri ao meu trabalho ajudou-me no processo de can-didatura a outros festivais, e a experiência deu-me uma maior confiança na minha vida profissional como coreógrafo e performer. Foi um ótimo trampolim enquanto artista emergente, acabado de sair da universi-dade.

Permaneci em contacto estreito com alguns dos artistas do festival, e estamos a colaborar para fazer a curadoria dos traba-lhos uns dos outros por todas as fronteiras europeias e também colaborando nos processos artísticos dos outros.

Kristi Kongi Artes Visuais

O NEU/NOW foi uma experiência muito in-teressante para mim. Todo o festival estava cheio de novas experiências e sentimentos. Os outros jovens artistas do festival eram muito interessantes para descobrir. Foi simpático ouvir como outros jovens artistas estão a trabalhar e como é que eles estão a pensar. O festival estava cheio de energia nova, e as pessoas que participaram eram todas tão positivas. Durante esse tempo senti-me como se tudo fosse possível. Desse festival só tenho memórias e senti-mentos bons.

Fernando BelfioreTeatro/Dança

Ser convidado para o NEU/NOW foi uma experiência fantástica cujos ecos ainda reverberam. A troca entre tantos artistas di-ferentes e interessantes que apresentaram o seu trabalho foi apelativa e construtiva. Como artista, o ponto mais importante foi observar, atuar, falar, comer, dançar, festejar com pessoas de mente forte - que

participavam nesta comunidade temporária que foi criada.

Ter conhecido artistas tão especiais é inesquecível. Ainda agora alguns de nós estão em contacto e a seguir o trabalho dos outros.

Senti-me muito bem recebido pelas pessoas na Estónia, e especialmente pelo ELIA, que criou uma atmosfera lúdica, leve e produtiva. As conferências e reuniões informais produziram uma plataforma para a troca de ideias e antecedentes. Ute Kohlmann é uma pessoa fantástica e eu senti que se tinha investido muito cuidado na produção do festival e do ambiente artístico.

Apreciei ter sido escolhido para mostrar o meu trabalho - o projeto The miserable thing - em tal contexto de partilha e curiosidade.

Giles BaileyArtes Visuais

Aquilo que foi particularmente valioso para mim na participação no NEU/NOW foi exibir o meu trabalho ao lado de uma larga va-riedade de práticas. Foi uma oportunidade raríssima de encontrar trabalhos novos, experimentais, que conduziram a imensas discussões envolventes e reflexões críticas com artistas de diferentes campos e enquadramentos.

an artist, the most import point was to

watch, perform, talk, eat, dance, party with

people that have strong minds – participat-

ing in this temporary community that was

created.

To have met such special artists was unfor-

gettable. Even now some of us are are still

in contact and following each other’s work.

I felt very well received by the people in Es-

tonia, and especially by ELIA, who created

a playful, light and productive atmosphere.

The talks and informal meetings produced

a platform for the exchange of ideas and

backgrounds. Ute Kohlmann is a fantastic

person, and I felt a lot of care had gone into

the production of the festival and the artistic

environment.

I appreciated being chosen to show my

work – the project The Miserable Thing –

in such a context of exchange and curiosity.

Giles Bailey

Visual Arts

The thing that was particularly valuable

for me about participating in NEU/NOW

was showing work alongside such a broad

range of practices. It was a really rare

opportunity to encounter new, experimen-

tal work that prompted lots of engaging

discussion and critical reflection with artists

from different fields and backgrounds.

Giles Bailey in Tom/Lutz: Two Scenes in 1983

Antonio Maia and Fernando Belfiore in The Miserable Thing

Richard Moizer and Sarah Armstrong in Integrated

Hantise, by Émilie Duserre

14 15

Artes Visuais Visual Arts

16 17

STIGMA

PROJECT DESCRIPTION: A work situated

between film, painting and photography,

Jonas Englert’s STIGMA depicts eighteen

faces, all placed an identical distance from

the camera, shown in black and white.

Originally filmed at 100 frames per second

for 72 seconds, the projection is slowed

to just four frames per second, so that not

much more than a minute of footage is

stretched to a half hour and the smallest

movements are precisely revealed.

ARTISTIC STATEMENT: The term stigma is

based on the definition that was introduced

to sociology by Erving Goffmann, where

stigma is understood as the gap between

our own and our attributed identity. A

game between stigmatisation and stigma,

conceptualisation and coexistence, my

piece is not about showing recognisable,

associative archetypes, but about creating

an authentic and subtle tension between

ascribed and personal attitudes.

DESCRIçãO: Um trabalho situado entre

o filme, a pintura e a fotografia, “STIGMA”

de Jonas Englert representa dezoito ros-

tos, todos colocados a igual distância da

câmara, apresentados a preto-e-branco.

Filmado originalmente a 100 frames por

segundo durante 72 segundos, a projeção

é abrandada para cerca de quatro frames

por segundo, de forma a que pouco mais

de um minuto de filmagem é alargada para

meia-hora e os mais ínfimos dos movimen-

tos são revelados de uma forma precisa.

DECLARAção ARTíSTICA: o termo “stig-

ma” é baseado na definição que foi intro-

duzida na sociologia por Erving Goffmann,

onde é entendido como o espaço entre

a nossa própria identidade e a que nos é

atribuída. Um jogo entre estigmatização e

estigma, concetualização e coexistência, a

minha peça não serve para mostrar arqué-

tipos associativos e reconhecíveis, mas sim

sobre a criação de uma tensão autêntica

e subtil entre atitudes atribuídas e pessoais.

Artes Visuais

Visual Arts

ARTIST / ARTISTA: Jonas Englert

INSTITUTION / NOME DO INSTITUTO: Hochschule für Gestaltung Offenbach am Main /

Offenbach University of Art and Design

COUNTRY / PAíS: Germany / Alemanha

18 19

Coal Story

DESCRIçãO: “Coal Story” de Darek Fortas

é o resultado de um extensivo projeto

fotográfico com duas das maiores compa-

nhias mineiras na União Europeia, situadas

na Silésia, a parte mais industrializada

da Polónia. O projeto combina fotografia

contemporânea e pesquisa nos arquivos,

que datam até aos anos ‘60, quando a

Polónia atravessou uma expansão eco-

nómica e industrial significativa. No início

dos anos ‘80 as minas de carvão eram um

dos principais focos de luta e resistência

contra o regime comunista, e os protestos

dos trabalhadores resultaram na criação

da Solidarność - um movimento de tra-

balhadores e cidadãos sob a liderança

de Lech Walesa. As ações dos mineiros

conduziram, eventualmente, ao colapso do

comunismo e ao fim da Guerra Fria.

Colocando questões importantes que es-

tão associadas aos valores da Solidarność,

ao legado do movimento, e à sua influência

na sociedade polaca contemporânea,

“Coal Story” exalta as capacidades sociais

e políticas dos mineiros e evoca a histó-

ria e o impacto do lendário movimento

Solidarność.

DECLARAção ARTíSTICA: “Coal Story”

destaca a capacidade social e política dos

mineiros e evoca a memória e os resultados

do lendário Movimento Solidarność. Apesar

das fortes referências ao regime Comunista

e das suas consequências, a exposição

torna-se uma metáfora apta para os tempos

presentes e acentua a importância de con-

trabalançar políticas e estéticas produzidas

pelo estado com a força e a capacidade

política única das massas. os interesses da

minha pesquisa incluem política, a estética,

a distribuição do poder no estado, e o papel

da imagem fotográfica aliada à Teoria da

Dissensão de Jacques Rancière.

PROJECT DESCRIPTION: Darek Fortas’

Coal Story is the result of an extensive pho-

tographic engagement with the two largest

coal mining companies in the European

Union, located in Silesia, the most industri-

alised part of Poland. The project combines

contemporary photography and archival

research dating back to the 1960s when

Poland experienced significant economic

and industrial expansion. In the early 1980s

coal mines were a major site of struggle

and resistance against the communist

regime, and workers’ protests resulted in

the creation of Solidarity – a workers and

citizens movement under the leadership

of Lech Wałęsa. The coalminers’ actions

eventually led to the collapse of commu-

nism and the end of the Cold War.

Posing important questions that are as-

sociated with Solidarity’s values, the move-

ment’s legacy, and its influence on contem-

porary Polish society, Coal Story highlights

the social and political capacity of the min-

ers and evokes the history and aftermath of

the legendary Solidarity movement.

ARTISTIC STATEMENT: Coal Story high-

lights the social and political capacity of

the miners and evokes the history and

aftermath of the legendary Solidarity move-

ment. Despite its strong reference to the

Communist regime and its aftermath, the

exhibition becomes an apt metaphor for

present times and accentuates the im-

portance of counterbalancing politics and

aesthetics produced by the state with the

strength and unique political capacity of the

masses. My research interests include poli-

tics, aesthetics, the distribution of power in

the state, and the role of the photographic

image allied to Jacques Rancière’s notion

of dissensus.

Artes Visuais

Visual Arts

ARTIST / ARTISTA: Darek Fortas

INSTITUTION / NOME DO INSTITUTO: Dublin Institute of Technology

COUNTRY / PAíS: Ireland / Irlanda

20 21

A4#1

DESCRIçãO: Em 2010, quando Loïc Dieul-

le concebeu a peça A4#1, uma galinha

poedeira em França tinha vivido toda a sua

vida numa gaiola com o chão da mesma

área de uma folha A4. Confrontando este

fato na peça A4#1, Dieulle dispõe folhas

de papel pelo piso da área de exibição,

com pegadas de galinhas imprimidas

e arranjadas segundo a grelha de uma

quinta de larga escala. Suspensas sobre

as folhas, a apenas 54 cm do chão, luzes

fluorescentes lançam uma iluminação fria

e flutuante sobre as dimensões da peça,

conferindo-lhe uma carga dramática e uma

intensidade que fortalece a sua mensagem

de que complexas atrocidades sócio-

-políticas se escondem sob a superfície da

vida quotidiana.

DECLARAção ARTíSTICA: os meus traba-

lhos giram em torno da ideia de especismo

e o lugar do humano no ecossistema

mundial - sendo estes conceitos ao mesmo

tempo filosóficos e políticos. Eu considero

a vida de cada ser vivo como tendo igual

importância, e no meu trabalho tento res-

ponder às difíceis questões que encontram

resistência no debate social. Não sinto a

necessidade de usar um vocabulário de-

masiado frontal, demasiado cru ou mili-

tante; procuro apenas consciencializar. Se

grande parte do meu trabalho tem raízes

em eventos aparentemente anedóticos, o

sentido do trabalho não é restrito a seres-

-vivos não-humanos e, através da interpre-

tação, eu presumo que se irá abrir a outros

tópicos sociais e históricos. Começando no

animal ou planta, eu volto sempre ao ator

consciente e racional - o ator principal sem

o qual nenhum destes conceitos existiria.

obviamente, é o humano.

PROJECT DESCRIPTION: In 2010, when

Loïc Dieulle conceived the piece A4#1, an

egg-laying hen in France lived out its life

in a cage with floorspace equivalent to an

A4 sheet of paper. Confronting this fact in

the work A4#1, Dieulle arranges sheets of

paper on the exhibition floor, printed with

hens’ footprints and arranged in a battery

farm grid. Suspended above the sheets,

just 54cm from the ground, fluorescent

lights cast cold, fluctuating illumination

on the dimensions of the artwork, bring-

ing drama and intensity to the piece and

strengthening its message that complex

socio-political atrocities often lie hidden

beneath the surface of daily life.

ARTISTIC STATEMENT: My works revolve

around the idea of speciesism and the

place of the human in the world’s ecosys-

tem – these being both philosophical and

political concerns. I consider the life of

every living being of equivalent importance,

and try in my work to answer the difficult

questions that face resistance in social

debate. I do not feel the need to use a

vocabulary too frontal, too raw or militant; I

seek only to bring awareness. If most of my

work takes its roots in events which seem

anecdotal, the sense of the work is not

restricted to non-human living beings, and

through interpretation I assume it will open

up to other social and historical topics.

Starting from the animal or plant, I always

come back to the conscious and rational

actor – the main actor without which none

of these concepts exist. obviously, it is the

human.

Artes Visuais

Visual Arts

ARTIST / ARTISTA: Loïc Dieulle

INSTITUTION / NOME DO INSTITUTO: Ecole Régionale des Beaux Arts de Rouen

COUNTRY / PAíS: France / França

22 23

Artes Visuais

Visual ArtsKujutav Kunst

Visual Arts

Perhe-esitys / The Family Act

DESCRIçãO: “Perhe-esitys / The Family

Act” de Laura Rytkönen é uma animação

experimental que joga com os conceitos de

tempo, espaço, perceção e comunidade.

Os bonecos da animação são uma comuni-

dade semelhante a uma família, ocupando

um pequeno espaço com apenas duas

caraterísticas - uma mesa e um sofá. Eles

tentam relacionar-se com os outros, mas

as suas interações muitas das vezes termi-

nam em demonstrações de poder.

Filmado durante três dias numa galeria

aberta, “Perhe-esitys / The Family Act” usa

os visitantes da galeria como fundo - um

fundo confuso e em movimento que expõe

a natureza artificial e construída do tempo

na animação.

PROJECT DESCRIPTION: Laura Ryt-

könen’s Perhe-esitys / The Family Act is

an experimental animation that plays on

concepts of time, space, perception and

community. The puppets of the animation

are a family-like community, occupying a

space with only two features – a table and

a sofa. They try to connect with each other,

but their interactions often devolve into

displays of power.

Shot over three days in an open gal-

lery, Perhe-esitys / The Family Act uses

the gallery’s visitors as its backdrop – a

frantic, moving background that exposes

the artificial, constructed nature of time in

animation.

DECLARAção ARTíSTICA: Trabalho com a

imagem em movimento. Estou interessado

no movimento, na repetição, na sequência,

na narrativa e continuidade. o meu objetivo

é fazer com que os meus trabalhos fun-

cionem a um nível intuitivo - para deixar as

expressões e emoções guiar a experiência.

As minhas peças inspiram-se muitas vezes

em experiências pessoais das quais então

me distancio. Tento encontrar a história

de uma cultura por detrás da experiência.

Temas recorrentes são a procura e o atra-

vessar de limites e fronteiras, a relação de

um indivíduo com a cultura e o efeito do

interno no externo.

Nos últimos tempos ando a estudar o

medo. o medo é uma mistura interessante

de intuição primitiva e reação cultural.

Estou interessado na forma como uma ex-

periência que adormece a mente pode ser

transposto para uma escala compreensível

dentro de uma obra de arte. A sua origem

pode ser inventada e a sua relação com

os lugares, espaços e situações pode ser

estudado. Uma obra de arte pode tornar-se

um lugar de fortalecimento ou um ambiente

seguro para revisitar o incompreensível.

ARTISTIC STATEMENT: I work with the

moving image. I’m interested in movement,

repetition, sequence, narrative, and conti-

nuity. My goal is to make my pieces work

on an intuitive level – to let expressions and

emotions guide the experience. My works

often draw from personal experiences that

I then distance myself from. I try to find the

story of a culture behind the experience.

Recurring themes are the searching and

crossing of boundaries and borders, the

individual’s relationship to a culture, and the

effect of the internal on the external.

Lately I’ve been studying fear. Fear is an

interesting mix of primitive intuition and

cultural reaction. I’m interested in the way

an experience that numbs the mind can be

brought to an understandable scale inside

an art piece. Its origin can be invented

and its relationship to places, spaces and

situations can be studied. An art piece can

become an empowering place or a safe en-

vironment to revisit the incomprehensible.

ARTIST / ARTISTA: Laura Rytkönen

INSTITUTION / NOME DO INSTITUTO: Pirkanmaan ammattikorkeakoulu Oy Tampere / Tampere University of Applied Sciences

COUNTRY / PAíS: Finland / Finlândia

24 25

DESCRIçãO: Em 2008 a artista visual

Maria Brinch viveu em Burma/Myanmar

por seis meses. Enquanto fotografava a

cidade de Yangon, ela viu que as mulheres

do seu bairro penduravam a sua roupa

lavada a caminho do trabalho e que as

recolhiam, secas, quando regressavam a

casa. Observando estas rotinas diárias,

Brinch começou a ver a cidade no contexto

dos seus tecidos, começando a vê-los em

toda a parte: redes de mosquito, cortinas,

lençóis estendidos para secar. Estes eram

colocados ao acaso e temporariamente

sobre vedações, varandas, árvores e des-

troços de automóveis; dobrados por todo

o lado e sobre todas as coisas. Parecia a

Brinch que criavam uma promessa estética

de solidariedade, uma esperança por algo

sólido e visual - substancial - numa cidade

oprimida e pobre.

Nos trabalhos apresentados, Brinch dobra

pedaços de têxteis tecidos até fazer escul-

turas, imagens ou instalações de exterior.

A cor, tamanho e peso falam da água, do

sol e do pó, e a simples dobra é ao mesmo

tempo prática e poética. Atraída pelo as-

pecto dos materiais dobrados como ponto

de encontro entre duas camadas, o traba-

lho de Brinch explora o ato de dobrar como

uma prática de abraçar ou embrulhar.

DECLARAção ARTíSTICA: Estou sempre

a explorar o que me rodeia em busca de

experiências visuais que emergem do

nosso ambiente humano em constante

mutação. Estas são experiências físicas,

mas não objetos, e podem ocorrer como

I Don’t Need Like You Want

PROJECT DESCRIPTION: In 2008 the

visual artist Maria Brinch lived in Burma/

Myanmar for six months. While photo-

graphing in Yangon City she saw that the

women in her neighbourhood hung out the

washing on their way to work and collected

it, dry, on their way back home. Watching

these daily routines, Brinch began to see

the city in the context of its textiles, notic-

ing garments everywhere: mosquito nets,

curtains, bed sheets hung up to dry. They

were placed randomly and temporarily on

fences, balconies, trees and car wrecks;

folded over anything and everything they

seemed to Brinch to create an aesthetic

promise of solidarity, a hope of something

solid and visual – substantial – in a city suf-

fering under oppression and poverty.

In the presented works, Brinch folds pieces

of woven textiles into sculptures, images or

outdoor installations. The colour, size and

weight speak of water, sun and dust, and

the simple fold is both practical and poetic.

Drawn to the aspect of folded material as

the meeting point of two layers, Brinch’s

work explores the act of folding as a prac-

tice of embracing or wrapping.

Artes Visuais

Visual Arts

uma constelação visual na paisagem

citadina, numa conversa, ou durante uma

rotina diária. Estes fenómenos temporários

surgem como promessas rápidas de unida-

de social - quase como frágeis esboços de

esperança. Eles vão ocorrer e desaparecer,

mas existem para sempre sobrepostos

por novos pensamentos, novos sons e

um novo espaço. Revelada nos têxteis de

uma cidade antiga ou nos vidros partidos

de um edifício bombardeado, estas ex-

periências estéticas tornam-se arte em si

mesmas. Mas o mais importante é a forma

como reforçam a minha crença na arte e

me apoiam quando faço o que preciso de

fazer. Posso encontrar isto em qualquer

lado, tal como me podem encontrar a mim

em qualquer lugar.

Como estudante de mestrado do Depar-

tamento Têxtil estou, ao mesmo tempo,

treinado e atraído para as técnicas manuais

tradicionais, e uso estes métodos no meu

trabalho. Acredito na arte como algo que

nos faz pensar duas vezes, e considero os

têxteis ao mesmo tempo íntimos e globais.

A maior influência da minha educação é

saber e assim pensar com têxteis, e eu

favoreço o sistema democrático de tece-

lagem e o expressionismo selvagem do

tingimento. Sou atraído para o o aspecto

conceptual dos materiais, também para

aqueles usados e gastos.

ARTISTIC STATEMENT: I am always scan-

ning my surroundings for visual experiences

that emerge from our ever-changing human

environment. These are physical experi-

ences but not objects, and can occur as

visual constellations in the city landscape,

in a conversation, or during a daily routine.

These temporary phenomena appear as

quick promises of social unity – almost as

fragile sketches of hope. They will occur

and disappear, but exist forever overlapped

by new thoughts, new sounds and new

space. Revealed in the textiles of a worn-

out city or in the smashed windows in

a bombed-out building, these aesthetic

experiences become art itself. But most

importantly they strengthen my belief in art

and support me in doing what I need to do.

I can find it anywhere, just as it can find me

anywhere.

As a Masters student graduating from

the Textile Department I am both trained

in and attracted to traditional handicraft

techniques, and I use these methods in

my work. I believe in art as something that

makes us think twice, and I find textiles

both personally intimate and global. My big-

gest influence from my education is know-

ing and therefore thinking with textiles, and

I favour the democratic system of weaving

and the wild expressionism of dyeing. I am

drawn to the conceptual aspects of materi-

als, as well as to worn and used ones.

ARTIST / ARTISTA: Maria Brinch

INSTITUTION / NOME DO INSTITUTO: Kunsthøgskolen i Oslo / Oslo National Academy of the Arts

COUNTRY / PAíS: Norway / Noruega

26 27

Triad of LifeDESCRIçãO: Jogando com ideias de ico-

nografia religiosa, crença e heterogeneida-

de cultural, Triad of Life, de Ashley Peevor,

reflete sobre o estatuto de um monumento

ou estátua como sendo uma forma de

exibição pública de um objeto privado,

criando um novo ícone religioso. Tomando

como base a forma de uma criança peque-

na - um símbolo do pessoal e do íntimo - o

ícone é posicionado num plinto e suspenso

do tecto do espaço de exibição, subverten-

do a colocação e apresentação habitual da

arquitetura monumental, ao mesmo tempo

que explora o poder transformador de

espaços do monumento religioso.

DECLARAção ARTíSTICA: A minha prática

diz respeito a várias culturas, tradições

e estruturas de crença, e com a minha

própria inabilidade em ter acesso a elas

para além de um ponto de um observador

ingénuo. Com o forte declínio global da

religião no início do século XX à atuali-

dade, a religião mundial sofreu de uma

incapacidade em competir com a cultura

contemporânea e atrair um público con-

temporâneo. Ao contrário da religião, a

cultura contemporânea pode reconfigurar-

-se muito rapidamente - a uma velocidade

nunca dantes vista - retirando continua-

mente e trocando elementos do fosso que

é a cultura de massas. As estruturas de fé e

tradições são construídas através do tem-

po, fazendo com que pareçam estagnadas

quando comparadas ao público cultural e

contemporâneo que estão a tentar cativar.

outras preocupações, objetos e práticas

tornaram-se predominantes e substituíram

a necessidade humanista de adoração.

Seja moda, dinheiro ou riqueza, a cultura

está sempre a apresentar-se com novos

“ídolos”, cada qual tão temporário como

é suficiente, tão representativo como é

ficcional.

PROJECT DESCRIPTION: Playing with

ideas of religious iconography, belief and

cultural heterogeneity, Ashley Peevor’s

Triad of Life reflects on the status of a

monument or statue as a public exhibi-

tion of a private object by creating a new

religious icon. Taking as its base the form

of a small child – a symbol of the personal

and the intimate – the icon is positioned

on a plinth and hung from the ceiling of the

exhibition space, subverting the customary

placement and presentation of monumental

architecture at the same time as it draws

on the power of the religious monument to

transform space.

ARTISTIC STATEMENT: My practice is

concerned with various cultures, tradi-

tions and belief structures and with my

own inability to access them past the

point of a naive observer. With the strong

global decline of religion from the early 20th

century to the present day, world religion

has suffered from an inability to compete

with contemporary culture and attract a

contemporary audience. Unlike religion,

contemporary culture can reshape itself

very quickly – at a speed never seen before

– continually drawing and interchanging

elements from the pit that is mass culture.

Faith structures and traditions are built over

time, making them in some ways stagnant

when compared to the contemporary,

cultured audience they are trying to entice.

other concerns, objects and practices have

become more prevalent and replaced the

humanistic need to worship. Whether it’s

fashion, money or wealth, culture is always

presenting itself with new ‘idols’, each as

temporary as it is sufficient, as representa-

tive as it is fictional.

Artes Visuais

Visual Arts

ARTIST / ARTISTA: Ashley Peevor

INSTITUTION / NOME DO INSTITUTO: The Arts University College at Bournemouth

COUNTRY / PAíS: United Kingdom / Reino Unido

28 29

Tape Generations

DESCRIçãO: No filme artístico “Tape Ge-

nerations” de Johan Rijpma, vemos rolos

de fita ganharem vida. Afixadas a um tecto

em padrões assimétricos, os rolos estão,

primeiramente, ordenados; contudo, rapi-

damente os arranjos começam a fracturar-

-se, degenerando enquanto a força adesiva

da fita se perde e os rolos são arrastados

para baixo, imprevisivelmente, pelo tempo

e pela gravidade. As formas caóticas e os

movimentos que emergem parecem trans-

portar algo familiar - alguma pista de vida

reconhecível.

DECLARAção ARTíSTICA: o meu fascínio

por este trabalho não é a fita, mas o con-

ceito de tempo e a forma como o compor-

tamento imprevisível dos objetos interage

com o processo de design. A forma final

do projeto combina animação em película

e arte de instalação. A forma final deste

projeto combina animação em película e

arte de instalação. Trabalhei neste projeto

durante cerca de seis meses, tentando

muitas composições diferentes antes de

finalmente fazer uma selecção. Uma única

composição podia demorar mais de doze

horas para desenvolver/desmantelar. A ro-

tação do disco que se vê no filme foi feita à

mão: girei o disco cerca de quatro graus a

cada 30 segundos enquanto estava de pé

ao vento e à chuva durante horas a fio a ver

a fita a crescer. Enquanto via o sol nascer e

pôr-se a minha noção de tempo começou

a mudar. o calor gerado pelo sol matinal

fez com que a fita saísse da bobine mais

rapidamente. Momentos como estes des-

poletaram pensamentos acerca das grande

questão na vida e fez-me compreender que

ver rolos de fita desenvolver movimentos

é um processo tão natural como qualquer

outra coisa.

PROJECT DESCRIPTION: In Johan

Rijpma’s film artwork Tape Generations, we

see rolls of clear tape come to life. Affixed

to a ceiling in symmetrical patterns, the

rolls are at first orderly; soon, however, the

designs begin to break apart, degenerating

as the adhesive strength of the tape fails

and the rolls are drawn down unpredictably

by time and gravity. The chaotic shapes

and movements that emerge seem to

carry something familiar – some hint of

recognisable life.

ARTISTIC STATEMENT: My main fascination

in this work isn’t the tape, but the concept

of time and the way the unpredictable

behaviour of objects interacts with the

design process. The final form of the

project combines film animation and

installation art. I worked on this project for

about six months, trying many different

compositions before finally making a

selection. A single composition could take

more than twelve hours to develop / break

down. The spinning of the disc you see in

the film was done by hand: I turned the disc

about four degrees every 30 seconds while

standing in the wind and rain for hours

watching the tape grow. While watching the

sun rise and set my sense of time began

to change. The warmth generated by the

morning sun caused the tape to unspool

more rapidly. Moments like these triggered

thoughts of the Bigger Questions in life and

made me realise that watching rolls of tape

develop movements is as natural a process

as anything.

Artes Visuais

Visual Arts

ARTIST / ARTISTA: Johan Rijpma

INSTITUTION / NOME DO INSTITUTO:

Hogeschool voor de Kunsten Utrecht / Utrecht School of the Arts

COUNTRY / PAíS: Netherlands / Holanda

30 31

Buissonnade

DESCRIçãO: Com o mesmo nome que

um termo de caça francês que descreve

a ação de movimento em direção ou de

se esconder num arbusto - como um

animal que caça ou que se esconde - a

coleção “Buissonnade”, de Marion Chérot,

é constituída por mais de 30 fotografias

que estudam a forma redonda e irregular

da vegetação. Cada uma das peças tem

40cmX60cm, e toda a coleção é composta

numa estrutura com quase cinco metros

de comprimento por três de comprimento

- uma cartografia arranjada que, apesar

de ordenada de forma diferente da paisa-

gem real que representa, documenta as

experiências de Chérot com a terra, corpo

e câmara.

DECLARAção ARTíSTICA: Como definir

uma paisagem? É uma coisa ligada à

sensibilidade, cultura visual e muitos outros

elementos que se interpõem entre nós e a

perceção do terreno propriamente dito. os

artistas já experimentaram com a represen-

tação do terreno através do seu corpo e

sentidos; eu quis ir mais longe nesta dire-

ção, mas com a minha câmera.

PROJECT DESCRIPTION: Named after

a French hunting term that describes the

action of moving or retreating into a bush

– like an animal hunting or hiding – Marion

Chérot’s collection Buissonnade is made

up of 30 photographs that study the round

and irregular shape of bush vegetation.

Each of the pieces is 40cm x 60cm, and the

whole collection is composed in a structure

almost five metres long and three wide – an

arranged cartography that, though ordered

differently from the real landscape it de-

picts, documents Chérot’s experiments

with land, body and camera.

ARTISTIC STATEMENT: How to define a

landscape? It’s a thing linked to sensibility,

visual culture and many other elements that

interfere between us and the perception of

the land itself. Artists have experimented

with representing the land through their

body and senses; I wanted to go further in

this direction, but with my camera.

I chose to photograph vegetation for the

different compositional possibilities it

has – like a living sculpture. The process

begins with a walk through nature to find

special places that have all the vegetation I

need. Then I connect with nature on a really

close scale, catching frames that have their

own individual time and rhythm. It’s like an

intimate meeting between the vegetation,

my body as it experiments with the terri-

tory, and the camera. I look for ways I can

adapt to the area. Energies collide. After,

I reconstitute the land. Each picture has

a different style – sometimes as light as a

drawing, sometimes much more heavily

condensed. My hunting brings back many

elements, full of contradicting ways, like

knots. These knots become the waves of

this tide of vegetation and give birth to a

feeling landscape.

Artes Visuais

Visual Arts

Escolhi fotografar vegetação pelas dife-

rentes possibilidades de composição que

esta possui - como uma escultura viva. o

processo começa com uma caminhada

pela natureza para encontrar espaços

especiais com toda a vegetação de que

necessito. Então ligo-me à natureza a uma

escala mesmo próxima, capturando enqua-

dramentos com a seu tempo individual e

ritmo. É como um encontro íntimo entre a

vegetação, o meu corpo enquanto este ex-

perimenta o território, e a câmera. Procuro

caminhos para me adaptar à área. Energias

colidem. Depois, reconstituo o terreno.

Cada imagem tem um estilo diferente - por

vezes tão leves como um desenho, outras

muito mais condensadas. A minha caça

traz de volta muitos elementos, cheios de

formas contraditórias, como nós. Estes nós

tornam-se nas ondas desta maré de vege-

tação e dão à luz uma paisagem que sente.

ARTIST / ARTISTA: Marion Chérot

INSTITUTION / NOME DO INSTITUTO: Ecole Nationale Supérieure de la Photographie Arles

COUNTRY / PAíS: France / França

32 33

“P”

DESCRIçãO: “P” (Personalidade/posses-

são) de Borko Vukosav apresenta uma

série de fotografias como dípticos. Em

cada par, a primeira imagem é um retrato

de estúdio a preto-e-branco de uma pes-

soa de pé e nua, sempre fotografada com

exatamente a mesma luz, enquanto a se-

gunda fotografia mostra, a cores, o espaço

em que o sujeito vive, focando-se na cama

como o sítio mais íntimo e pessoal.

As duas imagens formam um diálogo entre

duas ideias contraditórias: personalidade e

possessão. Forma-se uma ligação causal

PROJECT DESCRIPTION: Borko Vukosav’s

collection “P” (Personality / Possession)

presents a series of photographs as

diptychs. In each pair, the first image is a

black and white studio portrait of a person

standing naked, always shot with the exact

same lighting, while the second photograph

shows, in colour, the subject’s living space,

focusing on the bed as the most intimate

and personal site.

The two images form a dialogue between

two conflicting ideas: personality and pos-

session. A causal link is formed between

Artes Visuais

Visual Arts

entre a pessoa e o espaço representado - a

pessoa formando o espaço e o espaço

formando a pessoa, a personalidade deter-

minando as possessões e as possessões

determinando a personalidade. Haverá

uma conexão real entre a pessoa e o seu

espaço íntimo/pessoal e, assim sendo, até

que ponto?

DECLARAção ARTíSTICA: Sou um artista

que trabalha principalmente na fotografia.

Neste medium, uso a fotografia documental

como a base de criação para uma afirma-

ção concetualmente forte sobre um dado

tema. Normalmente, com o enfoque nas

pessoas exploro as relações pessoais,

enquanto estas se manifestam no interior

de uma sociedade.

the person and the space depicted – the

person forming the space and the space

forming the person, personality determining

possessions and possessions determin-

ing personality. Is there a real connection

between the person and their intimate/per-

sonal space, and if so to what degree?

ARTISTIC STATEMENT: I am an artist who

works mostly in the medium of photogra-

phy. Inside this medium I use documen-

tary photography as a base for creating a

conceptually strong statement on a given

theme. Usually focusing on people, I ex-

plore personal relations as they manifest

within a society.

ARTIST / ARTISTA: Borko Vukosav

INSTITUTION / NOME DO INSTITUTO: Akademija dramske umjetnosti Zagreb / Academy of Dramatic Art, University of Zagreb

COUNTRY / PAíS: Croatia / Croácia

34 35

Potemkin Village

PROJECT DESCRIPTION: Jason Dunne’s

installation Potemkin Village consists of

a large number of cut-out paper figures,

ranging in dimension from miniature to

more than life-sized. Recognisably hu-

man yet repetitive and uncanny, they are

arranged to control the movement of the

gallery’s visitors, drawing them through a

narrow entrance and into an arena where

they are forced to confront these mysteri-

ous and alienating figures.

ARTISTIC STATEMENT: I have begun to

experiment with creating images of these

collectives through collage, drawing and

sculpture. Some key questions here are:

How does the self relate to the collective?

How is the self experienced and defined by

our society? Are there alternative experi-

ences of the self in non-Western cultures?

Why do my images tend to such an extent

to replicate and multiply individuals? Why

is this specific individual being multiplied?

How can I change the dynamic of ‘frontal-

ity’ between the viewer and the collective

being portrayed? Can the viewer be includ-

ed in or excluded from the collective instead

of observing as an audience member? Can

the viewer be implicated in the work and in

the process of making the work?

DESCRIçãO: A instalação “Potemkin Villa-

ge” de Jason Dunne consiste num grande

número de figuras de papel recortadas,

com dimensões que vão desde a miniatura

a uma escala maior que o real. Reconheci-

velmente humanas, ainda que repetitivas e

fora do vulgar, estas estão dispostas para

controlar o movimento dos visitantes da

galeria, atraindo-os por uma entrada estrei-

ta, para uma arena onde eles são forçados

a confrontar estas figuras misteriosas e

alienantes.

DECLARAção ARTíSTICA: Comecei a

experimentar com a criação de imagens

destes coletivos através de colagem, dese-

nho e escultura. Algumas questões-chave

são: Como é que o “eu” se relaciona com o

coletivo? Como é que o “eu” é experimen-

tado e definido pela nossa sociedade? Há

experiências alternativas do eu na cultura

não-ocidental? Porque é que as minhas

imagens tendem a replicar e multiplicar os

indivíduos? Porque é que este indivíduo

específico está a ser multiplicado? Como

posso alterar a dinâmica da “frontalidade”

entre o observador e o coletivo que está

a ser fotografado? Pode o observador ser

incluído ou excluído do coletivo em lugar

de observar como um membro de um

público? Pode o observador ser implicado

no trabalho e no processo de criação do

trabalho?

Artes Visuais

Visual Arts

ARTIST / ARTISTA: Jason Dunne

INSTITUTION / NOME DO INSTITUTO: Kunst og designhøgskolen i Bergen /

Bergen Academy of Art and Design

COUNTRY / PAíS: Norway / Noruega

36 37

Teatro/Dança Theatre/Dance

38 39

Teatro/Dança

Theatre/Dance

SPRING and HOPE = BAHAR and OMID

DESCRIçãO: Baseado numa série de en-

trevistas conduzidas pela artista Ana Zirner

em Teerão, em 2011, “SPRING and HOPE =

BAHAR and OMID” é um trabalho invulgar

- um que oferece simultaneamente uma

visão pessoal e única sobre as realidades

sócio-políticas da vida dos jovens iranianos

contemporâneos, uma geração da idade

de Zirner, e uma nova definição do que o

“teatro político” possa ser hoje em dia.

A forma da peça foi desenvolvida através

de um confronto deliberado com as reali-

dades dos seus textos basilares e a obri-

gação moral de os representar da forma

mais honesta possível. Não começando em

formas mais tradicionais de teatro político

ou documental, em “SPRING and HOPE =

BAHAR and OMID” o artista seguiu a sua

própria resposta pessoal ao material que

reuniu.

Os atores da peça são as vias pelas quais

se propagam os textos. “SPRING and

HOPE = BAHAR and OMID” não é somente

sobre a virtuosidade dos seus atores, mas

eles também têm de trabalhar com grande

perícia e honestidade para comunicar as

entrevistas, passando-as para o público de

forma a que este consiga aproximar-se o

mais possível das vozes originais no cora-

ção da peça.

PROJECT DESCRIPTION: Based on a

series of interviews conducted by the artist

Ana Zirner in Tehran in 2011, SPRING and

HoPE = BAHAR and oMID is an unusual

work – a piece that offers both a unique

insight into the political and social realities

of life for young contemporary Iranians, a

generation Zirner’s own age, and a new

definition of what ‘political theatre’ might

be today.

The form of the piece has been developed

through a deliberate confrontation with

the realities of its foundational texts and

the moral obligation to convey them in the

most honest way possible. Rather than

begin from traditional forms of political or

documentary theatre, in SPRING and HoPE

= BAHAR and oMID the artist has followed

her own personal response to the material

she gathered.

The actors in the piece are conduits for

the texts. SPRING and HoPE = BAHAR

and oMID is not about the virtuosity of

the performers, but they must work with

great skill and honesty to communicate the

interviews, delivering them in such a way

that the audience is able to get as close as

possible to the original voices at the heart

of the piece.

Bringing clarity and transparency to the

complicated relationship that exists be-

tween the subjects and the creators of

documentary theatre, SPRING and HoPE

Trazendo claridade e transparência para

a relação complicada que existe entre

as personagens e os criadores do teatro

documental, “SPRING and HOPE = BAHAR

and OMID” revela uma visão política muito

pessoal de uma geração no Irão.

DECLARAção ARTíSTICA: Estou interes-

sado num teatro que lida com questões

políticas e sociais reais, usando material

documental, material retirado de eventos

contemporâneos. A distância que está

entre o teatro e a realidade pode funcionar

como uma lupa: se for algo bem feito, o

teatro torna mais acessível o assunto sobre

o qual fala, trazendo um novo entendimen-

to das coisas. Gostaria de evocar empatia,

mais do que piedade. Para mim, encontrar

uma maneira conveniente de fazer isto é

uma das questões artísticas mais difíceis e

interessantes.

A ideia para este projeto surgiu quando

começou a Primavera Árabe em 2011 e me

recordei do Movimento Verde que varreu

o Irão em 2009. Perguntei-me o que lhe

teria acontecido e como as pessoas no

Irão se sentem agora que o mundo à volta

deles está a mudar. Dezenas de milhar de

pessoas protestaram em Teerão depois

das eleições de 2009. Pretendia pausar e

aproximar-me das vidas de algumas das

pessoas que apareciam nas filmagens do

YouTube que dominaram as nossas impres-

sões da sublevação. Neste projeto eu uso

material de conversas que tive em Teerão

em junho de 2011. os irmãos imaginários

Bahar e omid representam muitos outros

jovens iranianos.

= BAHAR and oMID opens up a very per-

sonal, political view of a generation in Iran.

ARTISTIC STATEMENT: I am interested in a

theatre that deals with real social and politi-

cal issues by using documentary material

drawn from current events. The distance

that lies between theatre and reality can

work like a magnifying glass: if done well,

theatre makes the issues it talks about

more accessible, bringing new understand-

ing. I would like to evoke empathy rather

than pity. Finding a suitable way to do this

is one of the most difficult and interesting

artistic questions for me.

The idea for this project came when the

Arab Spring began in 2011 and I remem-

bered the Green Movement that swept Iran

in 2009. I wondered what had happened

to it and how people in Iran feel now that

the world around them is changing. Tens

of thousands protested in Tehran after the

elections of 2009. I intended to pause and

zoom in on the lives of some of the people

appearing in the YouTube footage that

dominated our impressions of the uprising.

In this project I use material from conver-

sations I had in Tehran in June 2011. The

fictional siblings Bahar and omid are repre-

sentatives for many other young Iranians.

CHOREOGRAPHER & DIRECTOR / COREÓGRAFA & ENCENADORA: Ana Zirner

ACTORS / ATORES: Veronika Bachfischer, Gabriel Rodríguez

MUSICIAN / MÚSICO: Amir Nasr

INSTITUTION / NOME DO INSTITUTO: Folkwang Universität der Künste /

Folkwang University of the Arts

COUNTRY / PAíS: Germany / Alemanha

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Kommandopiece aka Space Invaders

DESCRIçãO: “Kommandopiece aka Space

Invaders” de Jarkko Partanen é um traba-

lho de dança/movimento que investiga as

formas de autoridade e os usos do poder

nos nossos ambientes diários. Séria, ape-

sar de muitas das vezes roçar o absurdo, a

peça representa algumas cenas de segu-

rança e insegurança sob o olhar atento de

câmaras de segurança - que, dependendo

do nosso ponto de vista, monitorizam ou

restringem tanto a audiência como os

atores.

Os Kommandos tomam de assalto espaço

para eles mesmos e para a audiência, e o

exame das ações e comportamentos da

autoridade na sociedade trouxe a peça de

Partanen para fora dos teatros e para as

ruas e para os espaços públicos. O público

é bem-vindo para testemunhar a ação dos

Kommandos, mas cada cena irá definir o

observador como espectador ou vítima…

DECLARAção ARTíSTICA: Com “Kom-

mandopiece aka Space Invaders” criamos

uma atuação onde estudamos formas de

autoridade e o uso do poder nos nossos

ambientes diários. A atuação consiste

numa variedade de cenas nas quais o tema

poderia ser uma de muitas coisas– uma

situação de reféns, um assalto, uma ação

para conquistar o espaço. Apesar da

performance lidar com autoridade numa

variedade de formas, não faz nenhuma

afirmação política. A performance é re-

formulada para cada nova localização e o

nosso objetivo é chegar ao público que não

iriam necessariamente ao teatro.

PROJECT DESCRIPTION: Jarkko Par-

tanen’s Kommandopiece aka Space Invad-

ers is a dance/movement work that inves-

tigates the forms of authority and the uses

of power in our everyday surroundings.

Serious, yet often on the brink of absurdity,

the work plays out scenes of security and

insecurity under the watchful eye of security

cameras – which, depending on your point

of view, either secure or monitor both the

audience and the performers.

The Kommandos take over and seize spac-

es for themselves and the audience, and

examining the actions and the behaviour of

authority in society has brought Partanen’s

piece out of theatres and into the streets

and public spaces. The audience is wel-

comed to witness the Kommandos at work,

but each scene will define the role of the

viewer as bystander or victim...

ARTISTIC STATEMENT: With Kommandop-

iece aka Space Invaders we’ve created

a performance where we study forms of

authority and the use of power in our daily

surroundings. The performance consists

of a variety of scenes in which the theme

could be many things – a hostage situation,

an assault, an action to conquer the space.

Even though the performance deals with

authority in a variety of forms, it does not

take any political stand. The performance

is reshaped for every new location, and our

goal is to reach audiences among people

who wouldn’t necessarily go to the theatre.

Teatro/Dança

Theatre/Dance

CHOREOGRAPHER & DIRECTOR / COREÓGRAFO & ENCENADOR: Jarkko Partanen

PERFORMERS / INTERPRETES: Wilhelm Grotenfelt, Anna Maria Häkkinen, Niina Koponen,

Jussi Matikainen, Jarkko Partanen, Henna-Riikka Taskinen & Tuomas Tulikorpi

LIGHTS AND LIVE VIDEO / LUZES E VíDEO AO VIVO: Ville Seppänen

INSTITUTION / NOME DO INSTITUTO: Teatterikorkeakoulu / Theatre Academy Helsinki

COUNTRY / PAíS: Finland / Finlândia

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Games without Frontiers

DESCRIçãO: A música dos anos ‘80 faz

parte da nossa memória colectiva. Mas

o que foi realmente aquela era estranha

e nostálgica? Isto é o que sete atores vão

tentar descobrir em “Games without Fron-

tiers”, uma performance altamente visual e

sem palavras de Jakop Ahlbom.

Num cenário branco, brilhante, suave, com

bolas de discoteca, um cubo de Rubik,

uma cassete e um boneco do Super Mário,

os atores brincam ao lado de heróis pop de

outros tempos. Sem limites, sem inibições,

e no entanto altamente apáticos e entedia-

dos, eles encenam uma festa de aniver-

sário que se transforma num espetáculo

bizarro. Uma atuação cheia de nostalgia e

humor. “Games without Frontiers” trata o

romantismo da juventude sem propósitos

num mundo absurdo e mágico.

Jakop Ahlbom desenvolveu “Games wi-

thout Frontiers” juntamente com sete atores

licenciados da Escola das Artes de Utrecht,

na Holanda.

DECLARAção ARTíSTICA: o meu traba-

lho explora a falta de lógica dos sonhos,

trazendo os públicos para a esfera do

inconsciente. Com ilusões, dança, palha-

çada, música e arte visual, tento criar um

mundo mágico onde as personagens se

encontram em luta consigo mesmos e com

o mundo à sua volta. o público é desafiado

para questionar a realidade e identidade

e para reconhecer a complexidade do ser

humano. Desta forma eu tento abrir os

horizontes dos meus públicos, fazendo-os

olhar o mundo com novo assombro.

PROJECT DESCRIPTION: Music from the

eighties is part of our collective memory.

But what is that strange, nostalgic era

really all about? This is what seven actors

try to discover in Jakop Ahlbom’s Games

without Frontiers, a highly visual, wordless

performance.

In a smooth shiny white set, with disco

balls, a rubik’s cube, a cassette tape and

a Super Mario puppet, the actors play

alongside the pop heroes of another time.

Unrestrained, without inhibitions, and yet

listless and dull, they enact a birthday

party that turns into a bizarre spectacle. A

performance full of nostalgia and humour,

Games without Frontiers is about the

romanticism of purposeless youth in an

absurd and magical world.

Jakop Ahlbom developed Games without

Frontiers together with seven actors

graduated from the Utrecht School of the

Arts in the Netherlands.

ARTISTIC STATEMENT: My work explores

the illogic of dreams, bringing audiences

into the realm of the unconscious. With

illusions, dance, slapstick, music and

visual art I aim to create a magical world

where characters fight with themselves and

the world around them. The audience is

challenged to question reality and identity,

and to recognise the complexity of the

human being. In this way I try to widen the

horizon of my audiences, making them gaze

at the world with new amazement.

Teatro/Dança

Theatre/Dance

CHOREOGRAPHER & DIRECTOR / COREÓGRAFO & ENCENADOR: Jakop Ahlbom

ACTORS / ATORES: Eleni Achilleos, Hiske de Goeje, Jos Nargy, Thomas van Ouwerkerk, Lotte Rischen, Hilde Segond von Banchet, Judith Sleddens

INSTITUTION / NOME DO INSTITUTO: Hogeschool voor de Kunsten Utrecht / Utrecht School of the Arts

COUNTRY / PAíS: Netherlands / Holanda

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Schijnbeweging / Feinting

DESCRIçãO: Dois maestros equilibram-se

e movem-se sobre um andaime montado

a meio metro do chão, homens no seu

próprio universo, competem entre si para

fazer os gestos mais artísticos enquanto

aguardam que chegue uma orquestra para

afirmar a sua grandeza…

Inspirados pelo grande maestro Valery

Gergiev - o seu carisma, a sua disciplina, o

seu refinamento artístico - “Schijnbeweging

/ Feinting” do MTG Botlek é uma peça de

teatro físico sobre o orgulho, a performan-

ce, e do nunca satisfeito desejo de perfei-

ção. Interpretada por Dwayne Toemere e

Yannick Greweldinger com um humor seco

e um toque de ironia, “Schijnbeweging /

Feinting” possui uma tensão electrizante do

início ao fim pelo desafio físico do design do

cenário - os dois maestros equilibrando-se

nos andaimes, saltando de tubo em tubo,

estão a competir para nunca tocar o chão...

PROJECT DESCRIPTION: Two conductors

balance on and move across a frame of

scaffolding set half a metre above the floor;

men in their own universe, they compete to

make the most artful gesture as they wait

for an orchestra to arrive and affirm their

greatness...

Inspired by the star conductor Valery

Gergiev – his charisma, his discipline, his

artistic refinement – MTG Botlek’s Schijnbe-

weging / Feinting is a physical theatre piece

about pride, performance, and the never

satisfied desire of perfection. Performed by

Dwayne Toemere and Yannick Greweld-

inger with dry humour and a touch of irony,

Schijnbeweging / Feinting is given a thrilling

tension by the physical challenge of its set

design – the two conductors balancing on

the scaffolding, jumping pipe to pipe, are

competing to never touch the ground...

ARTISTIC STATEMENT: In our performanc-

es we use dry humour, often with a touch

of irony, and search for the limits of our

physical abilities. As we’ve worked together

extensively, our timing and dynamics are

very much attuned.

The subtlety of the humour often gives the

performances of MTG Botlek a tragicomic

character. Mime (not to be mistaken for

pantomime) is a theatre form that works

with image, movement and space. With

traditional theatre a script often provides

the motive to make a piece, but with mime

the actors use the power of body language

as a source for making, and playing with,

theatre. That’s why mime is also called

physical theatre. our performances can, for

example, originate from studying the behav-

iour of people in everyday life. Text is used

in our performances, but generally in a

supporting role. This shifts the focus to the

details of the acting, and can bring about

some very tense and exciting situations.

Teatro/Dança

Theatre/Dance

GROUP / GRUPO: Mimetheatregroup (MTG) Botlek

CHOREOGRAPHERS & PERFORMERS / COREÓGRAFOS & PERFORMERS: Yannick Greweldinger and Dwayne Toemere

INSTITUTION / NOME DO INSTITUTO: ITS International Theatre School Festival

COUNTRY / PAíS: Netherlands / Holanda

DECLARAção ARTíSTICA: Nas nossas

atuações usamos humor seco com um

toque de ironia, enquanto procuramos os

limites das nossas capacidades físicas.

Como já trabalhamos juntos por várias

vezes, a nossa sincronização e dinâmicas

estão bastante afinadas.

A subtileza do humor confere, muitas vezes,

um carácter trágico-cómico às atuações do

MTG Botlek. A Mímica (não confundir com

pantomima) é uma forma de teatro que fun-

ciona com imagem, movimento e espaço.

Com o teatro tradicional um guião muitas

das vezes dá o motivo para fazer uma peça,

mas com a mímica os atores usam o poder

da linguagem corporal como uma fonte

para fazer, e brincar com, o teatro. Por isso

é que a mímica também é chamada de te-

atro físico. As nossas atuações podem, por

exemplo, originar do estudo do compor-

tamento das pessoas na vida quotidiana.

Usamos o texto nas atuações, mas geral-

mente com um papel de apoio. Isto desvia a

atenção para os pormenores da atuação e

pode trazer algumas situações muito tensas

e emocionantes.

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carry [you carrying me]

DESCRIçãO: Na performance de vídeo de

Christine Hasler, uma mulher transporta um

homem por uma floresta. Respira pesada-

mente, lutando com o peso do homem e

contra as suas opções limitadas. Com um

ambiente sonoro de respiração e esforço,

“carry [you carrying me]” define, interroga e

explora os papéis atribuídos ao corpo e voz

físicos da artista.

DECLARAção ARTíSTICA: Da respiração

à asfixia, aos curtos clicks que aparecem

quando a voz luta para ser ouvida, ao tom

de voz normal que por vezes parece cantar,

a composição da minha peça emerge

como uma sequência minimal e staccato

de respirações e sons cantados. A ques-

tão do que foi gravado ao vivo e do que

foi samplado não é importante. A relação

entre os sons e a presença do ator são

os parâmetros mais importantes da peça.

Enquanto carrego o homem no vídeo, esta-

beleço os limites para mim mesmo dentro

da atuação ao vivo, testando os limites da

voz e da presença.

PROJECT DESCRIPTION: In Christine

Hasler’s video performance, a woman

carries a man through a forest. She is

breathing heavily, struggling with the weight

of the man and against her limited options.

Underscored with the sounds of breath and

exertion, carry [you carrying me] defines, in-

terrogates and explores the roles assigned

to the artist’s physical body and voice.

ARTISTIC STATEMENT: From breathing

to wheezing to the short clicking noises

that come out when the voice struggles

to be heard to the normal speaking voice

that sometimes seems to be singing, the

composition of my piece emerges as a

sequence of minimal, staccato breaths and

sung sounds. The question of what was live

and what was sampled is not important.

The relationship between the sounds and

the presence of the performer are the most

important parameters of the piece. As I

carry the man in the video I set the limits for

myself within the live performance, testing

the limits of voice and presence.

Teatro/Dança

Theatre/Dance

ARTIST / ARTISTA: Christine Hasler

PERFORMERS / INTERPRETAS: Christine Hasler and Beni Bucher

CAMERA / CÂMERA: Amaury Berger

CAMERA ASSISTANT / ASSISTENTE DE CÂMERA: Bjørn Strømme

SOUND RECORDING / GRAVAçãO DE SOM: Rebecca Grossen

INSTITUTION / NOME DO INSTITUTO: Hochschule der Künste Bern / Bern University of the Arts

COUNTRY / PAíS: Switzerland / Suíça

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untitled

DESCRIçãO: Uma peça duracional que

analisa questões de desejo articuladas

através de explorações da relação en-

tre domínio e submissão, “untitled”, de

Clarissa Sacchelli, convida os membros

do público para o interior de um espaço

murado. Estes são livres de andar à volta

dos interpretes - que estão completamente

cobertos de branco, quase imóveis - e

é-lhes pedido que os tentem imobilizar

com tiras de fita vermelha. Evocando uma

quietude lindíssima apoiada pelas tonali-

dades obscuras do seu material, a peça de

Sachelli comunica um desejo impossível,

complexo e impossível de articular, pelo

vazio e pelo apagamento, enquanto desafia

a relação convencional entre interprete e

espectador.

DECLARAção ARTíSTICA: “untitled”

começou como uma pesquisa que ex-

plora um rito de passagem composto de

movimentos repetidos. A minha primeira

preocupação foi que os movimentos não

deveriam ser uma dança composta por

uma coreografia de passos repetidos.

Assim pesquisei por movimentos que já

estivessem inscritos no meu corpo (social)

e procurei por esses movimentos que

estavam vazios de significado, de forma a

que conseguissem adquirir esse significa-

do. Isso foi quando eu comecei a desejar a

quietude (um vazio que pudesse ser cheio)

e também a desejar ligar-me a todos os

desejos em mutação. Comecei a ver o meu

corpo como uma “máquina de desejo”,

que é simultaneamente falta e produção,

PROJECT DESCRIPTION: A durational

work examining issues of desire articulated

through explorations of the relationship

between domination and submission, Clar-

issa Sacchelli’s untitled invites its audience

members inside a walled space. There they

are free to walk around the performers –

who are clad all in white, barely moving

– and are called upon to immobilise them

using strips of red tape. Evoking a beautiful

quietude belied by the dark undertones

of its material, Sacchelli’s piece commu-

nicates a complex, unspoken, impossible

desire for emptiness and effacement while

challenging the conventional relationship

between performer and spectator.

ARTISTIC STATEMENT: untitled started

as a piece of research exploring a rite of

passage composed from repeated move-

ments. My first concern was that the move-

ments should not be a dance composed of

a choreography of repeated steps. Thus I

searched for movements that were already

inscribed in my (social) body, and looked

for those movements that were empty

of meaning so that they could become

meaningful. That is when I started to desire

stillness (an emptiness that could be full)

and also to desire to attach myself to all

my changing desires. I began to see my

body as a ‘desiring-machine’ that is both

lack and production at the same time, and

Teatro/Dança

Theatre/Dance

e compreendi que os meus desejos pode-

riam apenas... existir, juntamente com outro

desejo que o meu corpo pudesse apenas

ser em relação aos outros corpos.

Nisto encontrei um ato puro de desejo

masoquista, um ato político que permite

ao corpo apagar a organização a favor do

livre-curso do desejo. o masoquista é um

que produz desejo pelo impossível - a im-

possível possibilidade de submissão abso-

luta. o masoquista estimula a ausência de

poder e tem de ter o dominador como um

cúmplice, revelando que o masoquista/ator

e o dominador/espectador só conseguem

existir através da sua inter-relação.

Assim sendo, não é sobre a dor de estar

imóvel e ligado até que isso seja insuportá-

vel, mas é sobre o prazer que interrompe a

potência do desejo - a potência para trans-

gredir posições de domínio e subjeção, a

força de chegar à emancipação através de

um contacto entre o ator e o espectador.

realised that my desires could just... exist,

coupled with another desire that my body

just exists in relation to other bodies.

In this I found a pure act of masochistic

desire, a political act that allows the body to

erase organisation in favour of the flows of

desire. The masochist is one who produces

desire for the impossible – the impossible

possibility of absolute submission. The

masochist simulates powerlessness and

must have the dominator as an accomplice,

revealing that masochist/performer and

dominator/spectator can only exist by their

interrelation.

Therefore it is not about the pain of being

still and attached until one can no longer

stand it, but it is about the pleasure that in-

terrupts the potency of desire – the potency

to transgress positions of domination and

subjection, the potency to reach emancipa-

tion through a contract between performer

and spectator.

ARTIST / ARTISTA: Clarissa Sacchelli

PERFORMERS / INTERPRETES: Clarissa Sacchelli, Maria Sideri, Lucie Bailly, Margarita Zafrilla

INSTITUTION / NOME DO INSTITUTO: Trinity Laban Conservatoire of Music and Dance

COUNTRY / PAíS: United Kingdom / Reino Unido

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Música/Som Music/Sound

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Música/Som

Music/Sound

Body With Drawing

DESCRIçãO: Combinando os talentos do

pianista de Jazz alemão Christian Pabst,

a artista conceptual checa Blanka Pesja e

o engenheiro de som israelita Gal Aner, o

grupo DarkEnsemble experimenta com as

formas como a linguagem, o som acústico

e o som electrónico podem funcionar

juntos no contexto da improvisação. Pabst

toca piano, Pesia contribui com letras

em spoken word e Aner cria paisagens

sonoras electrónicas e texturadas para um

corpo musical imprevisível que abrange

ambientes que vão de uma tranquilidade

poética ao violento ruído urbano.

DECLARAção ARTíSTICA: Tendo trabalha-

do com um instrumento tão bem-definido

e predefinido historicamente como o piano,

tocar com o DarkEnsemble coloca-me fora

da minha zona de conforto. Fui treinado

para improvisar de acordo com certas

regras como harmonia e tempo. Ao tra-

balhar com o DarkEnsemble estas regras

desvanecem-se, deixando espaço para

as negociações desafiadoras e (re)inter-

pretações de spoken word e sonoridades

electrónicas. Cada membro do Ensemble

tem o seu próprio poder, e uma única nota,

palavra ou som podem alterar radicalmente

o significado de um momento criado co-

lectivamente.

Cada atuação é uma nova viagem porque

as possibilidades para alterar e interpretar

o material são infinitas. Espelhando a

complexa interação entre o indivíduo e um

mundo altamente interligado digitalmente e

analogicamente, o som do DarkEnsemble

é uma contribuição interdisciplinar neces-

sária para o campo da arte conceptual

contemporânea. Num futuro próximo, tanto

músicos pop como músicos clássicos, bem

como artistas visuais, vão colaborar com o

DarkEnsemble.

PROJECT DESCRIPTION: Combining the

talents of German jazz pianist Christian

Pabst, Czech conceptual artist Blanka

Pesja, and Israeli sound engineer Gal Aner,

the group DarkEnsemble experiment with

the ways language, acoustic sound and

electronic sound can work together in the

context of improvisation. Pabst plays piano,

Pesja contributes spoken word lyrics, and

Aner creates textured electronic sound-

scapes for an unpredictable body of music

that ranges from poetic tranquillity to violent

urban noise.

ARTISTIC STATEMENT: Coming from work-

ing with such a historically well-developed

and predefined instrument as the piano,

playing with the DarkEnsemble puts me

out of my comfort zone. I’ve been trained

to improvise according to a certain set of

rules like harmony and time. Working with

DarkEnsemble these rules fade away, mak-

ing room for the challenging negotiation

and (re-)interpretation of spoken word and

electronic sonorities. Each member of the

ensemble has their own power, and a single

note, word or sound can radially change the

meaning of a collectively created moment.

Each performance is a new voyage be-

cause the possibilities for altering and

interpreting the material are endless. Mir-

roring today’s complex interaction between

the individual and a highly interconnected

digital and analogue world, the sound of

DarkEnsemble is a necessary interdis-

ciplinary contribution to the wide field of

contemporary conceptual art. In the near

future, classical and pop musicians as

well as visual artists will collaborate with

DarEnsemble.

GROUP / GRUPO: DarkEnsemble

MEMBERS / MEMBROS: Blanka Pesja, Gal Aner and Christian Pabst

INSTITUTION / NOME DO INSTITUTO: Amsterdamse Hogeschool voor de Kunsten / Amsterdam School of the Arts

COUNTRY / PAíS: Netherlands / Holanda

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Volume

DESCRIçãO: «Volume» é uma instalação

sonora que usa o seu espaço de exibição

como um objeto acústico. 24 motores são

montados em diferentes superfícies que

fazem parte da sala de exposição - pare-

des de estuque, interruptores de luz em

plástico, soalho em madeira, janelas em

vidro - com cada motor equipado com

um pequeno espigão de metal. Quando

um motor é ativado, o espigão baixa e

bate na superfície na qual está montado

para produzir um som específico. Todos

os motores estão ligados a um pequeno

controlo principal - um teclado Arduino e

alguns componentes electrónicos - que

comanda uma partitura composta por uma

série de algoritmos variáveis e aleatórios.

Os sons produzidos são diversos a nível

de coordenação temporal e espacial, com

cada um tendo a sua própria origem. A própria partitura é adaptada para cada sala onde a instalação é exibida.

DECLARAção ARTíSTICA: o espaço é

uma parte essencial da minha instalação.

Cada espaço de exibição é uma represen-

tação única e uma interpretação das ideias

nucleares do trabalho, que são o jogo com

as propriedades acústicas das salas e da

nossa perceção sónica do espaço. Uma

grande inspiração para este projeto foi um

audio-drama com som surround chamado

“Sehen mit ohren / Ver com os ouvidos” de

Ulrich Troyer. É um documentário acerca

de pessoas com deficiências visuais, que

descrevem como compreendem o que os

rodeia e como se orientam no dia-a-dia

usando a audição. Um método crucial que

usam é escutar a forma como os sons são

refletidos pela forma da sala e pelos obje-

tos no seu interior.

“Volume” usa a sala como uma espécie de

instrumento. É a exploração do meio de

uma forma sónica, que assim tenta propor-

cionar uma perceção acústica do espaço

arquitectónico. os sons de batimento

produzidos pelos motores são muito subtis

e de volume baixo. Por vezes evocam os

sons rangentes da madeira em casas anti-

gas, por vezes soam como gotas de chuva

caindo num telhado.

PROJECT DESCRIPTION: Volume is a

sound installation which uses its exhibition

space as an acoustic object. 24 electronic

motors are mounted on different surfaces

that are part of the exhibition room – plaster

walls, plastic light switches, wooden floor-

boards, glass windowpanes – with each

motor equipped with a small metal spike.

When a motor is activated, the spike flicks

down and knocks the surface on which it’s

mounted to produce a specific sound. All

the motors are connected to a small main

control – an Arduino board and some elec-

tronics – which runs a score composed of

a series of varying random algorithms. The

sounds produced are diverse in temporal

and spatial coordination, with each having

its own unique origin. The score itself is

adapted for every room where the installa-

tion is shown.

ARTISTIC STATEMENT: The space is an

essential part of my installation. Every

exhibition space is a unique representation

and interpretation of the work’s core idea,

which is to play with the acoustic proper-

ties of rooms and our sonic perception

of space. A big inspiration for this project

was a surround-sound audio drama called

Sehen mit Ohren / Seeing with ears by

Ulrich Troyer. It’s a documentary about

visually handicapped people, who describe

how they perceive their surroundings and

how they navigate everyday life with their

sense of hearing. one crucial method

they use is to listen to the way sounds are

reflected by the shape of a room and the

objects inside it.

Volume uses the room as a kind of instru-

ment. It is scanning the surroundings in

a sonic way, and so tries to provide an

acoustic perception of architectonic space.

The knocking sounds produced by the

motors are very subtle and low in volume.

Sometimes it recalls the creaking noises of

wood in old houses, sometimes it sounds

like raindrops falling on a rooftop.

Música/Som

Music/Sound

ARTIST / ARTISTA: Robert Mathy

INSTITUTION / NOME DO INSTITUTO: Universität für angewandte Kunst Wien /

University of Applied Arts Vienna

COUNTRY / PAíS: Austria / Áustria

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DUO: Xenia Zemskaja & Talvi Hunt

DESCRIçãO: Formado no final de 2008

pelo compositora e cantora Xenia Zemskaja

e pelo pianista Talvi Hunt, “Duo” cria músi-

ca eclética que combina elementos de rock

avant-garde, folk e neo-clássico. As pró-

prias canções, compostas principalmente

enquanto Zemskaja estudava em Varsóvia,

roçam um humor negro enquanto explo-

ram os mundos emocionais internos das

suas personagens, retirando inspiração

de artistas tão diversos como Edgar Allan

Poe, Tim Burton, Patricia Petibon, Modest

Mussorgsky, Kate Bush, Björk, Merzbow,

Os Beatles e Arnold Schoenberg.

DECLARAção ARTíSTICA: Cada canção

do ciclo pode ser entendida como uma

pequena performance em e de si mesma,

com as dez canções criando dez quadros

musicais diferentes contendo persona-

gens e situações únicas. A nossa ideia de

performance está em mudança constante

e desenvolve-se, evoluindo para novas

formas, e é por isso que é impossível en-

contrar semelhanças entre uma canção e

outra. o público está a ser constantemente

surpreendido.

PROJECT DESCRIPTION: Formed at the

end of 2008 by composer and singer Xenia

Zemskaja and pianist Talvi Hunt, Duo cre-

ate eclectic music combining elements of

avant-garde rock, folk and neo-classic. The

songs themselves, composed mostly while

Zemskaja was studying in Warsaw, strike

notes of dark humour as they explore the

internal emotional worlds of their charac-

ters, drawing inspiration from such diverse

artists as Edgar Allan Poe, Tim Burton,

Patricia Petibon, Modest Mussorgsky, Kate

Bush, Björk, Merzbow, The Beatles, and

Arnold Schoenberg.

ARTISTIC STATEMENT: Every song from

the cycle can be understood as a small

performance in and of itself, with the ten

songs creating ten different musical pic-

tures containing unique characters and

situations. our idea of performance con-

stantly changes and develops, evolving into

new forms, and that’s why it’s impossible

to see similarities between one song and

another. The audience are constantly being

surprised.

Música/Som

Music/Sound

MUSICIANS / MÚSICOS: Xenia Zemskaja, Talvi Hunt

INSTITUTION / NOME DO INSTITUTO: Eesti Muusika- ja Teatriakadeemia Tallinn / Estonian Academy of Music and Theatre

COUNTRY / PAíS: Estonia / Estónia

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Muschelrauschen

DESCRIçãO: Para vento/anexar o artista

Leo Hofmann construiu uma série de aus-

cultadores modificados que são sensíveis

não só ao som, mas ao fluxo de ar. Cada

auscultador está ligado a dois cabos guia -

o cabo de audio e um pequeno tubo atra-

vés do qual o ar flui - de forma a que uma

voz gravada possa ser combinada com

pequenos fluxos de ar para criar a sensa-

ção perturbante de alguém a sussurrar no

seu ouvido.

Estes efeitos íntimos e naturalistas são

apenas uma das aplicações para o sis-

tema vento/anexar. Contudo, e Hofmann

concentrou-se na simplificação do sistema

de forma a que o fluxo de ar possa ser

operado por software como o PureData

com apenas um fader, ou de uma forma

automatizada com um sequenciador de

audio. A sua intenção é lançar o sistema

como tecnologia open source para ver que

outras combinações abstratas e conceptu-

ais de ar e som podem ser encontradas por

outros artistas.

DECLARAção ARTíSTICA: A primeira

peça que realizei com o sistema vento/

anexar foi uma composição curta, de sete

minutos para auscultadores modificados

com o nome de “Muschelraschen”. o título

é uma palavra alemã que significa “ruído

de concha”, e descreve o som que pode

ser ouvido se encostarmos uma concha

ao nosso ouvido. Na realidade, é o som do

nosso próprio sangue a ecoar na concha,

mas há uma história que é contada muitas

vezes às crianças: o som do mar está

dentro da concha, e fica no seu interior

mesmo quando se leva a concha para

longe da costa. Na minha peça é possível

ouvir e sentir o vento no interior dos ouvi-

dos. Tentei dar a sensação que o mar tinha

ganho vida de forma a contar uma história

altamente poética acerca da forma como a

nossa memória se refere aos objetos.

PROJECT DESCRIPTION: For wind /

attach, the artist Leo Hofmann has built a

set of modified headphones that are driven

not only by sound but also by air. Each

earcup is connected to two leads – the

audio cable, and a small tube through

which air flows – so that a recorded voice

can be combined with short pulses of air to

create the startling sensation that someone

is whispering in your ear.

Such intimate, naturalistic effects are just

one use for the wind / attach system,

however, and Hofmann has concentrated

on simplifying the system so that the

airflow can be operated in software

such as PureData with a single fader, or

automated with an audio sequencer. His

intention is to release the system as open

source technology to see what abstract,

conceptual combinations of sound and air

other artists might be able to achieve...

ARTISTIC STATEMENT: The first piece

I realised with the wind / attach system

was a short, seven-minute composition

for modified headphones called

Muschelraschen. The title is a German

word meaning ‘shell roar’, and describes

the sound that can be heard if you put a

bivalve to your ear. In reality it’s the sound

of your own blood echoed in the shell, but

there’s a story that’s often told to children:

the sound of the sea is inside the shell, and

it stays there even when you take it away

from the coast. In my piece it’s possible to

hear and feel the wind in your ears. I tried

to give the impression that the sea had

come alive in order to tell a highly poetic

story about the way our memory refers to

objects.

Música/Som

Music/Sound

ARTIST / ARTISTA: Leo Hofmann

INSTITUTION / NOME DO INSTITUTO: Hochschule der Künste Bern / Bern University of the Arts

COUNTRY / PAíS: Switzerland / Suíça

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Design Design

62 63

Design

Design

How to save the bluefin tuna

PROJECT DESCRIPTION: Can art save the

world? If the bluefin tuna, now a critically

endangered species, disappears from our

oceans, then it could potentially unbalance

the global ecosystem and begin a chain

reaction with severe implications for the

human race...

Michael Dilissen and Diederik Jeangout’s

How to save the bluefin tuna harnesses

the power of design to incite us to save

our common environment, at the same

time casting a critical eye on the effective-

ness of other bluefin campaigns. Seeking

to distinguish itself from those ecological

organisations that operate as businesses,

investing in banal advertisements in order

to raise money from membership fees to

reinvest into more banal advertisements,

Dilissen and Jeangout’s project mobilises

its audience with actions like Chopstick

Guerilla, a DIY campaign to turn chopsticks

into tiny placards (‘Save the bluefin tuna!’,

‘Stop eating a nearly extinct species!’) and

smuggle them into sushi restaurants.

ARTISTIC STATEMENT: Can art save the

world? This is a question that has been

raised over and over again, but as advertis-

ing students we believe we’ve acquired

certain skills that can be be truly useful and

have a real impact.

DESCRIçãO: Será que a arte pode salvar

o mundo? Se o atum rabilho, agora uma

espécie criticamente em vias de extinção,

desaparecer dos nossos oceanos, então

isso poderia potencialmente desequilibrar

o ecossistema global e iniciar uma reação

em cadeia com graves implicações para a

raça humana.

A obra de Michael Dilissen e Diederik Jean-

gout “How to save the bluefin tuna” reúne

todo o poder do design para nos incitar a

salvar o nosso ambiente comum, enquanto

lança um olhar crítico sobre a efetividade

de outras campanhas de proteção do atum

rabilho. Procurando distinguir-se daquelas

organizações ecológicas que operam em

modelos comerciais, investindo em propa-

ganda banal de forma a angariar dinheiro

com taxas de filiação para re-investir em

mais propaganda banal, o projeto de

Dilissen e Jeangout mobiliza a audiência

com ações como “Guerrilha de Pauzinhos”,

uma campanha “faça-você-mesmo” para

transformar pauzinhos em pequenos pla-

cards (“Salvem o atum rabilho!”, “Parem de

comer uma espécie praticamente extinta!”)

e contrabandeiam-nos para o interior de

restaurantes de sushi.

DECLARAção ARTíSTICA: Será que a arte

pode salvar o mundo? Esta é uma questão

que foi levantada vezes sem conta, mas

como estudantes de publicidade julgamos

ter adquirido certas competências que

podem ser verdadeiramente úteis e ter um

impacto real.

ARTISTS / ARTISTAS: Michael Dilissen & Diederik Jeangout

INSTITUTION / NOME DO INSTITUTO: Karel de Grote Hogeschool / Karel de Grote University College

COUNTRY / PAíS: Belgium / Bélgica

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The Ride of Kings

DESCRIçãO: Inspirado pelo festival folcló-

rico checo e celebração anual “The Ride

of Kings”, um evento da lista de património

mundial da UNESCO, a coleção de obras

de design de Lenka Chroboková trabalha

com três motivos retirados do evento - a

manga enrugada e as imagens bordadas

do cavalo e da rosa sobre organza de seda.

Atualizando as vestimentas folclóricas

para um estilo contemporâneo, que Lenka

considera uma forma de “pompa moder-

na”, os desenhos são abordados de uma

forma minimalista, combinando tricotado

em viscose negra, a organza preta e uma

taffetta em seda branca numa estrutura de

linhas aguçadas e formas geométricas.

DECLARAção ARTíSTICA: os elementos

básicos do meu trabalho são o volume,

contraste e o artifício. Tento sempre ver um

projeto de todos os ângulos possíveis de

forma a encontrar novas soluções e para

alcançar as formas mais fundamentais e

materiais que possam expressar as minhas

ideias. Muitas das vezes procuro inspiração

na arte folclórica e na vida. Também de-

senho figurinos para filmes e desenhei um

fato nacional.

PROJECT DESCRIPTION: Inspired by

the annual Czech folklore festival and

celebration The Ride of Kings, an event

on the UNESCO world heritage list, Lenka

Chroboková’s collection of designs works

with three motifs drawn from the event –

the wrinkled sleeve, and the embroidered

images of the horse and the rose on a silk

organza.

Updating the folkloric garments to a con-

temporary style that Lenka considers a

sort of ‘modern pomp’, the designs take a

minimalist approach, combining black vis-

cose knitwear, the black organza and white

silk taffetta in a structure of sharp lines and

geometric shapes.

ARTISTIC STATEMENT: The basic elements

of my work are volume, contrast and craft. I

always try to see a design from all possible

angles in order to find new solutions and to

reach the most fundamental shapes and

materials that can express my ideas. I often

look for inspiration in folklore art and life. I

also design costumes for film and designed

a national costume.

Design

Design

ARTIST / ARTISTA: Lenka Chroboková

INSTITUTION / NOME DO INSTITUTO: Univerzita Tomáše Bati ve Zlíně / Tomas Bata University Zlín

COUNTRY / PAíS: Czech Republic / República Checa

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Series of wooden lamps Eralux

PROJECT DESCRIPTION: Lamps play an

important dual role in the design of interior

spaces, providing effective lighting to a

given space at the same time as they carry

aesthetic value.

Satisfying both the functional and aesthetic

needs of the lamp, Jernej Orhini’s wooden

designs have been created using a new

system of modular construction where the

individual elements can be swapped out

and in without the need for glue, screws or

nails. Here the prototypes are for different

lights and shades, but Orhini’s innovative,

modular system could be adapted for a

range of products with only a few small

changes.

ARTISTIC STATEMENT: The way I see it a

lamp is not just an object that casts light; it

is a part of the design of an interior space

and needs to offer a unique experience. For

my project I wanted to create an innova-

tive series of wooden lights that would be

easy to use and to modify, and I wanted to

create a sophisticated product that would

be ready for mass production. Due to the

properties of the material, it was necessary

to develop a system that would be both

lightweight and structurally solid.

DESCRIçãO: Os candeeiros ocupam um

papel dualista no design de espaços inte-

riores, proporcionando iluminação efetiva

para um dado espaço enquanto, simulta-

neamente, carregam um valor estético.

Satisfazendo tanto as necessidades funcio-

nais e estéticas do candeeiro, os projetos

em madeira de Jernej Orhini foram criados

usando um novo sistema de construções

modulares, onde os elementos individuais

podem ser trocados sem a necessidade de

cola, parafusos ou pregos. Aqui os protó-

tipos são para diferentes luzes e sombras,

mas o sistema modular e inovador de

Orhini pode ser adaptados para uma gama

de produtos com apenas umas pequenas

mudanças.

DECLARAção ARTíSTICA: Para a minha

forma de ver, um candeeiro não é apenas

um objeto que lança luz; é parte integrante

do desenho de um espaço interior e tem

de oferecer uma experiência única. Para o

meu projeto quis criar uma série inovadora

de candeeiros em madeira que fossem fá-

ceis de usar e de modificar, e quis também

criar um produto sofisticado que estivesse

pronto para produção em massa. Devido

às propriedades do material, foi necessário

desenvolver um sistema que fosse simulta-

neamente leve e estruturalmente sólido.

Design

Design

ARTIST / ARTISTA: Jernej Orhini

INSTITUTION / NOME DO INSTITUTO: Visoka šola za dizajn / Academy of Design, Ljubljana

COUNTRY / PAíS: Slovenia / Eslovénia

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Sustainable Packagings

PROJECT DESCRIPTION: Working with

naturally occurring organic waste materi-

als that would otherwise be discarded, the

project Sustainable Packaging recycles

fallen leaves, pine needles and cut grass to

create biodegradable packaging for plant

bulbs and seeds. The packaging is light-

weight and can be produced in any size,

with bulbs held in egg-shaped containers

(which can be planted as well, breaking

down into mulch), and seeds contained in

hollow sticks – nature’s own packaging.

The design of the packaging is inspired by

a minimalist graphic approach and by the

materials themselves, with hand-drawn

labels illustrating leaves, grass, needles and

sticks. The simplicity of these drawings, the

clean, spacious graphic style, and the care-

ful use of colour contrast with the glossy

photographs more usually seen in garden

centres and return the buyer’s attention to

the packaging itself.

ARTISTIC STATEMENT: Sustainability is a

very important, world-changing concept in

the modern world – particularly in packag-

ing design. I was also very interested in

sustainability and eco-design because it’s

characterised by a vibrant creative ability to

search for alternative, innovative solutions;

it encourages people to get creative and

experiment. As well, I was fascinated and

inspired by ancient packaging solutions that

were made from organic, locally sourced

raw materials. So my goal was to use an-

cient solutions for the modern world, focus-

ing attention on ecology and sustainability

by combining ancient tradition and modern

aesthetics to create environmentally friendly

packaging.

DESCRIçãO: Trabalhando com desperdí-cios orgânicos que ocorrem naturalmente e que, de outra forma, seriam descartados, o projeto “Sustainable Packaging” recicla folhas caídas, agulhas de pinheiro e relva cortada para criar embalagens biodegradá-veis para bolbos de plantas e sementes. A embalagem pesa pouco e pode ser produ-zida em qualquer tamanho, com os bolbos mantidos em recipientes (que também podem ser plantados, decompondo-se depois em adubo), e sementes contidas em paus ocos - a própria embalagem da natureza.

O projeto da embalagem é inspirada por uma abordagem gráfica minimalista e pelos próprios materiais, com uma rotulagem desenhada à mão ilustrando folhas, erva, agulhas de pinheiro e pequenos paus. A simplicidade destes desenhos, o estilo grá-fico amplo e limpo, e o cuidadoso uso do contraste de cor com as fotografias brilhan-tes, vistas habitualmente em centros de jardinagem, devolvem a atenção do com-prador à embalagem propriamente dita.

DECLARAção ARTíSTICA: A sustenta-bilidade é um conceito muito importante, capaz de mutações mundiais no mundo moderno - particularmente nos projetos de embalagens. Também estive muito inte-ressada na sustentabilidade e em design ecológico porque este é caracterizado por uma vibrante capacidade criativa para procurar alternativas, soluções inovado-ras; encoraja as pessoas a tornarem-se criativos e a experimentar. Também estava fascinada e inspirada por antigas soluções de embalamento que eram feitas de mate-riais orgânicos encontrados localmente e em bruto. Assim, o meu objetivo era usar soluções antigas para o mundo moderno, focalizando a atenção na ecologia e susten-tabilidade ao combinar antigas tradições e a estética moderna para criar embalagens amigas do ambiente.

Design

Design

ARTIST / ARTISTA: Roberta Mizgeraitė

INSTITUTION / NOME DO INSTITUTO: Vilniaus Dailės Akademija, Kauno Dailės Fakultetas / Vilnius Academy of the Arts, Kaunas Faculty of Arts

COUNTRY / PAíS: Lithuania / Lituânia

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Is there a Crisis!?

DESCRIçãO: Um monólogo cáustico

representado como uma curta animação

tipográfica. A obra “Is there a Crisis!?”,

de Hugo Edgar Mesquita, adopta a pers-

pectiva de uma personagem nihilista para

explorar a crise financeira atual como mais

uma de muitas crises financeiras - vendo

a falência do sistema como o mais impor-

tante dos acontecimentos recorrentes na

nossa sociedade capitalista.

Aproximando-se das qualidades frias e

analíticas do design tipográfico, Mesquita

aponta o argumento do seu personagem

na direção da teoria das “ondas” de longo-

-prazo de Nikolai Kondratiev - ciclos de

negócios que se deslocam da expansão à

depressão num período de 50 ou 60 ano

- de forma a sugerir que é a nossa ignorân-

cia da natureza cíclica do sistema econó-

mico que conduziu à nossa situação atual,

mas também, talvez, que a “crise” é menos

severa do que nos possamos pensar...

DECLARAção ARTíSTICA: Em busca da

verdade encontramos o abismo de todas

as coisas. Dada a situação atual da crise

das finanças globais, a psique das massas

torna-se cada vez mais um movimento

em busca de princípios e valores que

possam intervir globalmente para romper a

estrutura social estratificada da civilização

humana. A teoria de Nikolai Kondratiev

acerca das ondas longas, ou ciclos, dá-nos

uma análise compreensiva da história das

crises financeiras e da sua relação com os

avanços tecnológicos do Homem. Segun-

do esta teoria, podemos aproximar-nos da

ideia que é a ignorância do ciclo do eterno

retorno que nos encerra na preocupação

da crise atual.

PROJECT DESCRIPTION: A caustic mono-

logue depicted as a short typographic

animation, Hugo Edgar Mesquita’s Is

there a Crisis!? adopts the perspective of

a nihilistic character to explore the current

financial crisis as just one of many financial

crises – seeing the bust as one of the most

important (re)current events of our capital-

ist society.

Drawing on the cold, analytical qualities

of typographic design, Mesquita draws

his character’s argument toward Nikolai

Kondratiev’s theory of long-term ‘waves’

– business cycles that move from boom to

depression over a period of 50 or 60 years

– to suggest that it is our ignorance of the

cyclical nature of the economic system that

has lead to our current circumstances, but

also, perhaps, that the ‘crisis’ is less severe

than we might think...

ARTISTIC STATEMENT: In search of the

truth, we find the abyss of all things. Given

the current situation of the global financial

crisis, the psyche of the masses becomes

more and more a movement in search of

principles and values that can universally

intervene to disrupt the stratified social

structure of human civilization. Nikolai

Kondratiev’s theory of long waves, or cy-

cles, gives us a statistically comprehensive

analysis of history’s financial crises and

their relationship with the technological

advances of man. By this theory we can

approach the idea that it is ignorance of the

cycle of eternal return that traps us in the

distress of the current crisis.

Design

Design

ARTIST / ARTISTA: Hugo Edgar Mesquita

INSTITUTION / NOME DO INSTITUTO: ESMAE Escola Superior de Música, Artes e Espetáculo, Instituto Politécnico do Porto /

ESMAE School of Music and Performing Arts, Porto Polytechnic

COUNTRY / PAíS: Portugal

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Boon: Editorial Design

PROJECT DESCRIPTION: BooN is a

journal primarily aimed at students of the

creative arts. Aiming to raise the bar for

the standard of student publications, it

offers readers information that’s engaging,

relevant and never patronising, basing each

issue around a central concept that also

inspires the publication’s design.

The central concept behind the first issue of

BooN is that of searching, and particularly

the idea of the continuous search in relation

to the Internet – a place where our experi-

ence is defined by ‘the search’, and one

where we can build idiosyncratic narratives

as we navigate through what we read.

The articles in BooN’s first edition have

been taken from a number of web and print

sources to suggest the idea that, for all

the Internet has democratised information,

there is still a sense of exclusivity to the

content of some print publications.

DESCRIçãO: BOON é um jornal princi-

palmente orientado para estudantes das

áreas criativas. Tentando elevar a fasquia

do padrão das publicações de estudantes,

oferece aos seus leitores informação que é

envolvente, relevante e nunca condescen-

dente, baseando cada edição em torno de

um conceito central que também inspira o

design da publicação.

O conceito central por detrás da primeira

edição da BOON é o da procura, e particu-

larmente a ideia da pesquisa contínua em

relação à Internet - um lugar onde a nossa

experiência é definida “pela pesquisa”, uma

onde podemos construir narrativas idios-

sincraticamente enquanto navegamos por

aquilo que lemos.

Os artigos na primeira edição da BOON

foram retirados de um sem número de

fontes impressas e da web que sugerem

a ideia que, por muito que a internet tenha

democratizado a informação, ainda há um

sentido de exclusividade quanto ao conteú-

do de algumas publicações impressas.

Design

Design

DECLARAção ARTíSTICA: BooN (bene-

fício) [nome, singular]: coisa que é útil ou

benéfica.

Se pensarmos sobre isto, estamos sempre

em busca de algo - aquelas chaves, aquela

ideia para iniciar um projeto, ou até de um

kebab decente. Ao consumir avidamente

livros, revistas e páginas da web para ali-

mentar a fome de informação, procuramos

fatos sólidos, procurando receber retorno

na forma de ideias grandes e pequenas.

Em última análise, é o conhecimento que

procuramos que, por sua vez, enforma o

nosso trabalho.

Na internet, onde nos encontramos a

gastar cada vez mais tempo, a ideia de

uma pesquisa contínua é ainda mais re-

levante. Na Internet podemos encontrar

entrevistas com a estrela do espetáculo do

qual acabamos de ver consecutivamente

quatro séries, informação sobre o plano de

fundo sociológico de uma peça de design

particular, ou fatos mais fortuitos que

possam ser provocantes. Isto presumindo,

claro, que não somos facilmente distraídos

por ligações para artigos relacionados (e

igualmente relevantes), ou até por algumas

das fotos que um dos seus 500 amigos

acabou de colocar online. Pondo as distra-

ções de lado, a capacidade de encontrar

algo de interessante em quase tudo é uma

competência prática a ter quando se cria:

nunca se sabe de onde poderá chegar o

próximo (BooN) benefício ou onde este te

poderá levar.

ARTISTIC STATEMENT: BooN [noun, sin-

gular]: a thing that is helpful or beneficial.

If you think about it we are constantly

searching for something – those damn

keys, that idea to kickstart a project, or

even a decent kebab. In trawling through

books, magazines and web pages to feed

a hunger for information we search for solid

facts, looking to receive a payoff in the form

of ideas big and small. Ultimately it is the

knowledge that we have searched for which

in turn informs our work.

on the Internet, where we find ourselves

spending increasingly more time, the idea

of continuous searching is even more

relevant. on the Internet you can find in-

terviews with the star of the show that you

just watched four consecutive series of,

information on the sociological background

of a particular piece of design, or more

random facts than you can shake a stick at.

This is assuming of course that you’re not

easily lead off on tangents by links to re-

lated (and just as relevant) articles, or even

by some of the photos which one of your

500 friends has just posted. Distractions

aside, the ability to find something interest-

ing in almost anything is a practical skill to

have when creating: you never know where

your next BooN will come from or where it

might take you.

ARTIST / ARTISTA: John Hearne

INSTITUTION / NOME DO INSTITUTO: Dublin Institute of Technology

COUNTRY / PAíS: Ireland / Irlanda

74 75

Bak murene i Vik / Behind Bars in VikPROJECT DESCRIPTION: Future detention

policy in Norway intends to provide reha-

bilitation for inmates. Currently detention is

foremost a punishment, but can also be an

opportunity for inmates to develop the skills

and values necessary to seek employment

and become law-abiding citizens once

they’re released. All Norwegian inmates

have mandatory work duties during deten-

tion, but these tasks – which may vary from

scrubbing floors to making candles, bath-

tubs, or toys – have remained unchanged

since the 1960s.

If the duties of detained prisoners are

intended to play a role in developing their

skills and learning capacity, how can design

benefit these inmates? Can the production

of furniture in prisons stimulate dignity,

perspective and pride among inmates? For

the project Bak murene i Vik / Behind Bars

in Vik the artist Morten Skjærpe Knarrum

designed furniture intended for production

in prisons after holding a workshop with

six inmates from Vik prison in Sogn. Using

traditional techniques from cabinet-making,

Knarrum’s dining-room furniture designs

are meant for an outside market. By recon-

necting mandatory duties with real ap-

plication, real use, his project aims to teach

a profession and useful skills to inmates,

improving their self-confidence and future

prospects.

ARTISTIC STATEMENT: How can design

change people? In my project I’ve worked

with design not only as a visual tool, but as

an aid to stimulate and encourage greater

pride, resilience and positive thinking

among inmates.

I want my project to be a contribution

toward shaping a future justice system

where the goal is to introduce rehabilitative

measures within the sentence.

DESCRIçãO: As políticas de detenção a

aplicar futuramente na Noruega tencionam

providenciar reabilitação para os reclusos.

Atualmente a detenção é, em primeiro

lugar, uma forma de castigo, mas pode

também ser uma oportunidade para os

reclusos desenvolverem competências

e valores necessários para a procura de

emprego e se tornarem cidadãos cumpri-

dores da lei assim que forem soltos. Todos

os prisioneiros noruegueses têm uma série

de trabalhos obrigatórios durante o tempo

de detenção, mas estas tarefas - que po-

dem variar de limpar chãos, a fazer velas,

banheiras ou brinquedos - permaneceram

inalteradas desde os anos ‘60.

Se os deveres dos prisioneiros pretendem

desempenhar um papel no desenvolvimen-

to das suas capacidades e capacidades

de aprendizagem, como pode o projeto

beneficiar estes reclusos? Poderá a pro-

dução de mobiliário nas prisões estimular

a dignidade, perspectiva e orgulho entre

a população prisional? Para o projeto

“Bak murene i Vik / Behind Bars in Vik” o

artista Morten Skjærpe Knarrum desenhou

mobiliário para ser produzido em prisões

após a realização de um workshop com

seis prisioneiros da prisão de Vik em Sogn.

Usando técnicas tradicionais de manufac-

tura de armários, o design de Knarrum para

mobiliário de sala-de-jantar é orientado

para o mercado exterior. Ao reconectar

deveres mandatórios com aplicações reais,

uso real, o seu projeto pretende ensinar

uma profissão e competências úteis à

população prisional, melhorando a sua

auto-confiança e perspectivas.

DECLARAção ARTíSTICA: Como pode o

design mudar as pessoas? No meu projeto

trabalhei com o design, não só como uma

ferramenta visual, mas como uma ajuda

para estimular e encorajar um maior or-

gulho, resistência e pensamento positivo

entre os detidos.

Quero que o meu projeto seja uma contri-

buição para moldar um sistema de justiça

futuro, onde o objetivo é a introdução de

medidas de reabilitação na própria sen-

tença.

Design

Design

ARTIST / ARTISTA: Morten Skjærpe Knarrum

INSTITUTION / NOME DO INSTITUTO: Kunst og designhøgskolen i Bergen /

Bergen Academy of Art and Design

COUNTRY / PAíS: Norway / Noruega

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Cinema Film

78 79

Cinema

Film

828 Million Moments of Time

DESCRIçãO: Se, como é costume dizer,

um momento dura três segundos, então

quantos momentos fazem uma vida, e que

momentos iremos lembrar? Na delicada

curta-metragem de Julia Tyrolt, um velho

relembra-se de cenas da sua infância e de

mais tarde na sua vida - uma roda-gigante,

os velhos baloiços, um caminho florestal;

uma imagem dissolve-se na seguinte.

A linguagem visual desta peça é a Polaroid

- uma fotografia instantânea, desfocada

e desvanecida, de uma velha memória -

como, numa pungente síntese de forma

e conteúdo, o projeto de Tyrolt converte

as imagens de um filme digital num total

de 7592 Polaroids artificiais. Filmado

novamente fotograma a fotograma com

uma câmera, eles criam um efeito de stop-

-motion ou de lapso temporal - de momen-

tos no tempo.

DECLARAção ARTíSTICA: Era minha

intenção fazer um filme acerca da perceção

do tempo e como percebemos o momento.

Uma vida é uma coleção de momentos;

assumindo a esperança média de vida de

um cidadão da europa ocidental, existirão

cerca de 828 milhões deles numa vida.

Alguns parecem mais importantes, outros

menos. outros estarão na nossa memória

para sempre, outros desvanecem-se quase

imediatamente – e à medida que envelhe-

cemos tudo acontece mais rapidamente e

menos memórias se tem. Com este filme

tentava criar um estado de espírito no qual

o espectador conseguisse contemplar os

momentos de uma vida.

PROJECT DESCRIPTION: If, as is some-

times said, a moment lasts three seconds,

then how many moments make up a life,

and which moments will we remember?

In Julia Tyrolt’s delicate short film an old

man recalls scenes from his childhood and

later in life – a Ferris wheel, the old swings,

a woodland path; one image merges into

the next.

The visual language of the piece is the

Polaroid – a snapshot, blurry and fading, of

an old memory – as, in a striking synthesis

of form and content, Tyrolt’s project con-

verts the images of a digital film into a total

of 7592 artificial Polaroids. Re-shot in single

frame mode with a still camera, they create

an effect of stop-motion, or of time lapse –

of moments in time.

ARTISTIC STATEMENT: It was my intention

to make a film about the perception of time

and how we perceive the moment. A life-

time is a collection of moments; assuming

the average life expectancy of a Western

European, there will be about 828 million of

them in a life. Some seem more important,

some less. Some will be in our memory

forever, some fade straight away – and

the older one gets the faster everything

happens and the less memories one has.

With this film I was trying to create a mood

in which the viewer could contemplate the

moments of a lifetime.

ARTISTIC DIRECTOR / DIRETORA ARTíSTICA: Julia Tyrolt

PRODUCER / PRODUTOR: Julia Tyrolt

INSTITUTION / NOME DO INSTITUTO: Fachhochschule Würzburg / University of Applied Sciences Würzburg

COUNTRY / PAíS: Germany / Alemanha

80 81

A few millimetres under the root

DESCRIçãO: Passado nos Estados Unidos

durante os anos ‘30 e ‘40, a animação “A

few millimetres under the root”, de Michal

Harustiak, usa uma história simples - um

homem velho está a tentar encontrar um

local tranquilo para ler o seu livro - para

refletir ironicamente sobre a teimosia,

hábito e inevitabilidade. Afastado da sua

casa pelo barulho incrível da sua mulher a

aspirar incessantemente, do parque local

pelo lamento das sirenes das ambulâncias,

e da igreja por uma procissão de enlutados

vestidos de preto, a busca da paz por

parte do velho leva-o através dos portões

do cemitério cheio de névoa, etéreo. Quão

longe está ele disposto a ir?

DECLARAção ARTíSTICA: o velho de

“A few millimetres under the root” está a

procurar paz num tempo de guerra e de

crise, e o meu filme é acerca da sua adesão

ao ritual e ao familiar. No filme trabalhava a

ideia que, lutando contra o problema que

no final nos tocará a todos, poderemos

atingir resultados mais fatais do que o

conseguíamos imaginar.

Este tema era de grande importância na

história. o esforço do velho em procurar

por um espaço tranquilo está espelhado

na pergunta: o que é a tranquilidade e a

paz? Tranquilidade absoluta ou ruído abso-

luto? A solução poderá ser encontrada na

adaptação. Não nos deveríamos agarrar a

velhos hábitos e a antigos princípios.

A ação do filme é propositadamente rá-

pida, com a busca do velho por um local

tranquilo interrompida por coincidências

inesperadas que prendem a curiosidade do

público. A música do filme combina com as

imagens, com o swing escolhido como o

melhor género para se adaptar à narrativa

cómica.

PROJECT DESCRIPTION: Set in the United

States during the 1930s and 40s, Michal

Harustiak’s animation A few millimetres un-

der the root uses a simple story – that of an

old man trying to find a quiet place to read

his book – to reflect wryly on stubbornness,

habit and inevitably. Driven from his home

by the incredible noise of his wife’s inces-

sant vacuuming, from the local park by

wailing ambulance sirens, and from church

by a procession of black-clad mourners,

the old man’s search for peace takes him

through the gates of the misty, ethereal

graveyard. How far is he willing to go?

ARTISTIC STATEMENT: The old man in A

few millimetres under the root is looking for

peace in an age of war and crisis, and my

film is about his adherence to the ritual and

the familiar. In the film I am working with

the idea that by fighting the problems that

will, in the end, reach all of us, we might

bring about results more fatal that we can

imagine.

This theme has huge importance in the

story. The old man’s effort in searching for a

quiet place reflects on the question: What is

quietness and peace? Absolute quietness

or absolute noise? The solution is to be

found in adaptation. We shouldn’t cling to

old habits and old principles.

The action in the film is fast on purpose,

with the old man’s search for a quiet spot

interrupted by unexpected coincidences

that hold the audience’s curiosity. The

music in the film matches the imagery, with

swing chosen as the best genre to fit the

funny storytelling.

Cinema

Film

ARTISTIC DIRECTOR / DIRETOR ARTíSTICO: Michal Haruštiak

INSTITUTION / NOME DO INSTITUTO: Vysoká škola múzických umení, Filmová a televízna fakulta (FTF VSMU) / Academy of Performing Arts Bratislava, Film and TV Faculty

COUNTRY / PAíS: Slovakia / Eslováquia

82 83

fEATHERFISH

DESCRIçãO: Uma animação cubista sur-

real sobre o orgulho, derrota e fragilidade

emocional. “fEATHERFISH”, a curta-me-

tragem de animação de Katharina Nieder-

meier, adopta uma técnica de stop-motion

memorável que usa dois materiais: papel,

do qual as figuras e estranhas paisagens

são recortadas; e carne crua, cortada em

pedaços, rodando húmidas sobre as su-

perfícies das coisas. Quando os dois mate-

riais se tocam, alteram-se mutuamente.

Seguindo um protagonista chamado “Me”

(Eu) enquanto ele exulta e sofre na prisão e

finalmente recupera do seu orgulho com o

seu próprio poder e independência, “fEA-

THERFISH” é uma animação única, intensa

e angular, acompanhada pela narração de

um texto poético e lúdico.

DECLARAção ARTíSTICA: Para o meu

filme de graduação “fEATHERFISH”, desen-

volvi uma técnica de animação que é uma

combinação de pixelização de recorte e de

stop-motion, num cenário de assistência

que mostra diversas profundidades de

campo ao mesmo tempo. De forma a re-

presentar a deslocação de identidades no

filme experimentei com profundidade “real”

e “falsa” e espaço positivo e negativo – por

exemplo usando estruturas contrastantes

de uma forma influenciada por Jan Svank-

majer e Richard Sweeney.

PROJECT DESCRIPTION: A surreal cub-

ist animation about hubris, defeat and

emotional fragility, Katharina Niedermeier’s

short animation fEATHERFISH adopts a

striking stop-motion technique that uses

two materials: paper, from which the figures

and strange landscapes are cut; and raw

meat, cut in chunks, rolling wetly over the

surfaces of things. When the two materials

touch, they change each other.

Following a protagonist named ‘Me’ as

he exults in, suffers in the prison of, and

finally recovers from his pride in his own

power and independence, fEATHERFISH

is an unusual, intense, angular animation

piece accompanied by a poetic and ludic

narrated text.

ARTISTIC STATEMENT: For my graduate

film fEATHERFISH I developed an animation

technique that’s a combination of cut-out

pixilation and stop-motion, in a relief set-

ting that shows several depths of field at

the same time. In order to represent the

shift of identities in the film I experimented

with ‘real’ and ‘fake’ depth and negative

and positive space – for example by using

contrasting textures in a way influenced by

Jan Svankmajer and Richard Sweeney.

Cinema

Film

ARTISTIC DIRECTOR / DIRETORA ARTíSTICA: Katharina Niedermeier

PRODUCER / PRODUTOR : Holger Lochau

INSTITUTION / NOME DO INSTITUTO: Hochschule für Film und Fernsehen (HFF) “Konrad Wolf” / “Konrad Wolf” University of Film and Television

COUNTRY / PAíS: Germany / Alemanha

84 85

Viagem Até Casa

DESCRIçãO: Filmado em 2010 no coração

do Porto, a segunda maior cidade de Por-

tugal, o filme documental de Bárbara Veiga

“Viagem até Casa”, revisita as localizações

exatas do filme de 1942 “Aniki-Bóbó” (o

primeiro trabalho não-documental) do

famoso realizador português Manoel de

Oliveira. Viajando para Miragaia, Ribeira,

Sé e Sobreiras, “Viagem até Casa” reúne

testemunhos de pessoas locais que teste-

munharam as filmagens do filme de Oliveira

nos anos ‘40, e filma crianças de Miragaia

e S. Nicolau a encenar novamente cenas

originais do “Aniki-bóbó”.

DECLARAção ARTíSTICA: o objetivo des-

te documentário foi preservar a memória

de um local e de um grupo de pessoas de

uma dada época, tal como Aniki-Bóbó fez

com as memórias de um Porto esquecido.

Por isso é que eu tenho projetado este filme

em diversos locais do Porto – para que as

pessoas se consigam lembrar e partilhar

histórias do seu passado e da cidade.

PROJECT DESCRIPTION: Shot in 2010 in

the heart of Porto, Portugal’s second larg-

est city, Bárbara Veiga’s documentary film

Viagem Até Casa(Travelling Home) revisits

the exact locations of Aniki-Bóbó, the 1942

film (and first non-documentary work) by

the famous Portuguese director Manoel

de Oliveira. Travelling to Miragaia, Ribeira,

Sé and Sobreiras, Viagem Até Casa gath-

ers testimonies from local people who

witnessed the shooting of Oliveira’s movie

back in the 40s, and films children from Mi-

ragaia e S.Nicolau re-enacting Aniki-Bóbó’s

original scenes.

ARTISTIC STATEMENT: The objective of this

documentary was to preserve the memory

of a place and a group of people from a

certain time, just as Aniki-Bóbó has done

with memories of a forgotten Porto. That’s

why I’ve been showing this movie in several

places in Porto – so that people can re-

member and share histories from their past

and their city.

Cinema

Film

ARTISTIC DIRECTOR / DIRETORA ARTíSTICA: Bárbara Veiga

INSTITUTION / NOME DO INSTITUTO: ESMAE Escola Superior de Música, Artes e Espetáculo, Instituto Politécnico do Porto /

ESMAE School of Music and Performing Arts, Porto Polytechnic

COUNTRY / PAíS: Portugal

86 87

Henry Waltz

DESCRIçãO: Passado num mundo de

fantasia detalhadamente ilustrado com

a imagética de uma Hollywood clássica,

ficção científica steampunk e uma América

dos anos ‘30 e ‘40 re-imaginada, “Henry

Waltz” de Emil Goodman é uma longa-me-

tragem transmédia que combina filmagens

reais com animação em papel para dar à

vida uma visão rica e provocante.

O trailer do projeto dá-nos um pequeno

vislumbre do mundo de Henry Waltz - um

homem que lida com substâncias orgâni-

cas ilegais no planeta Terangi, construído

pelo homem e cada vez mais mecanizado.

Quando Waltz se involve com um projeto

experimental secreto é forçado a aban-

donar a sua vida confortável e torna-se

num homem procurado - perseguido pela

sinistra Gerência, bem como por figuras

do sub-mundo do planeta. Na busca de

uma substância orgânica que o mantenha

vivo, Waltz encontra uma conspiração em

grande-escala dirigida pela elite, desven-

dando um esquema que drena energia do

planeta...

DECLARAção ARTíSTICA: “Henry Waltz”

é um filme sobre a personagem que lhe

dá o título e as suas viagens aventurosas

num mundo peculiar. Como um cineasta,

realizador e designer, o meu projeto de

graduação foi desenhar um estilo visual

para o “Henry Waltz” e para encontrar uma

técnica de animação. Agora gostaria de

acabar o filme.

PROJECT DESCRIPTION: Set in a fantasy

world detailed with the rich imagery of clas-

sic Hollywood, steampunk science fiction,

and a reimagined 1930s and 40s America,

Emil Goodman’s Henry Waltz is a transme-

dia and feature film project that combines

live-action footage with paper animation to

bring to life a unique and engaging vision.

The project’s trailer gives us a glimpse

into the world of Henry Waltz – a man who

deals in illegal organic substances on the

increasingly mechanised, man-made planet

of Terangi. When Waltz gets involved in a

secret experimental project he’s forced to

give up his comfortable life and becomes a

wanted man – chased by the sinister Man-

agement as well as figures from the planet’s

underworld. In search of an organic sub-

stance that will keep him alive, Waltz hap-

pens upon a large-scale conspiracy run by

the planet’s elite, unravelling a scam that

drains energy from the planet...

ARTISTIC STATEMENT: Henry Waltz is

a film about the titular character and his

adventurous travels in a peculiar world. As

an animation filmmaker, director and de-

signer, my graduation project was to design

the visual style for Henry Waltz and to find

a technique for the animation. Now I would

like to finish the film.

Cinema

Film

ARTISTIC DIRECTOR / DIRETOR ARTíSTICO: Emil Goodman

PRODUCER / PRODUTOR: Daniel Kresmery

INSTITUTION / NOME DO INSTITUTO: Moholy-Nagy Művészeti Egyetem /

Moholy-Nagy University of Art and Design

COUNTRY / PAíS: Hungary / Hungria

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Agradecemos o generoso apoio de:

Grupo de Direção:

Paula Crabtree, Reitora da Bergen Academy of Art and Design

Anthony Dean, Reitor da Faculty of Arts, University of Winchester, Presidente da Direção

Francisco Beja, Presidente da ESMAE Escola Superior de Música, Artes e Espetáculo, Instituto Politécnico do Porto

Carla Delfos, ELIA, Diretora Executiva

Ute Kohlmann, ELIA, Gestora de Projeto

Organização:

Ute Kohlmann, ELIA, Gestora de Projeto

Rui Couto, Diretor de Produção

Adina Ochea, ELIA, Assistente de Projeto

Antonio Maia, ELIA, Estagiário

À “Gopublic” pelo desenvolvimento do website www.neunow.com

Agradecimento especial à ESMAE - Escola Supeior de Música, Artes e Espetáculo do Porto, Francisco Beja e Rui Couto.

Agradecimentos

We are grateful for the generous support of:

The Steering Group:

Paula Crabtree, Rector Bergen Academy of Art and Design

Anthony Dean, Dean of Faculty of Arts, University of Winchester, Chair of Steering Group

Francisco Beja, President of ESMAE School of Music and Performing Arts, Porto Polytechnic

Carla Delfos, ELIA Executive Director

Ute Kohlmann, ELIA Project Manager

Organisation:

Ute Kohlmann, ELIA Project Manager

Rui Couto, Production Manager

Adina Ochea, ELIA Project Assistant

Antonio Maia, ELIA Intern

Gopublic for the development of the www.neunow.com website

Extra thanks to ESMAE, Porto Politecnico, School of Music and Performing Arts, Francisco Beja and Rui Couto.

Acknowledgements

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Para mais informações contactar:

ELIA – European League of Institutes of the Arts

Ute Kohlmann

Project Manager

Beulingstraat 8

1017BA Amsterdam,

Holanda

Design:

AD dizainas, Vilnius

Design do catálogo

Gopublic

Design e desenvolvimento do website

Editor:

John Ellingsworth

Fotógrafo da foto de capa:

Igor Corbeau

Traduções:

José Ferreira

Impresso no Vilnius, 2012

For more information please contact:

ELIA – European League of Institutes of the Arts

Ute Kohlmann

Project Manager

Beulingstraat 8

1017BA Amsterdam,

The Netherlands

Design:

AD dizainas, Vilnius

Catalogue design

Gopublic

Design and development of the website

Editor:

John Ellingsworth

Photographer cover photo:

Igor Corbeau

Translation:

José Ferreira

Printed in Vilnius, 2012

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The festival could not have taken place without the generous support of:

This work programme has been funded with support from the European Commission. This publication reflects only the views of the author, and the Commission cannot be held responsible for any use which may be made of

the information contained therein.