trabajo prÁctico nº4 -...
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TALLER DE REFLEXIÓN ARTÍSTICA I MARINO ALFREDO
"LA DANZA"
TRABAJO PRÁCTICO Nº4
BORSALINO MATÍAS
LICENCIATURA EN FOTOGRAFÍA
1554195432
9975
4
28/09/16.
LA DANZA
La danza per se es la primera expresión artística y por ende la más antigua de
la humanidad, incluso anterior al arte rupestre. El hombre primitivo utilizaba la
piel del animal cazado y tomaba actitudes similares al mismo, realizando
movimientos parecidos a la danza.
Este acto simbólico del hombre queriendo parecerse al animal salvaje,
mimetizándose con la bestia y pensando que con esa “posesión” o “rito”
tomaba las fuerzas del animal para luego poder seguir cazando, forma parte de
lo que se denomina pensamiento mágico.
Estos movimientos o expresiones pertenecían a pedidos del hombre para
sobrevivir y prosperar cuando necesitaba lluvia o viento para cosechar (danza
de la lluvia, de la cosecha y del viento).
1581 es el año en que se considera se estrena el primer espectáculo de ballet
que se llamó "Ballet Cómico de la Reina", creado por Baltazar de Beaujoyeux;
si bien se mencionó anteriormente que se bailaba en un pasado lejano, en este
caso se muestra como todo un conjunto el baile, el argumento y la
escenografía.
El Ballet Romántico.
Dentro del ballet clásico está el estilo romántico, la obra de “Giselle” es el caso
más característico de este movimiento, dicha obra consta de dos actos. Como
toda obra romántica el amor y el desamor son la base de la historia, pero
siempre acompañado de la pasión, la tragedia y la locura. Son esencialmente
narrativos.
Las escenografías son fastuosas, al igual que el vestuario de época de las
bailarinas y bailarines; los movimientos son perfectamente sincronizados,
naturales y estéticos.
Ballet “Giselle”. Giselle es un ballet en dos actos con música de Adolphe Adam, coreografía de
Jules Perrot y Jean Coralli y libreto de Théophile Gautier y Jules-Henri Vernoy, basado en la
obra De l'Allemagne (1835) de Heinrich Heine.
En este tipo de ballet en general el tronco de los bailarines se mantiene rígido, mientras que las
extremidades, especialmente las inferiores, realizan todos los movimientos posibles.
Ballets Rusos.
El ballet ruso se produce en Francia, fundado por Serguei Diahilev, que
expulsado por el Zarismo se exilia en Francia, donde entra en contacto con los
distintos artistas innovadores de otras ramas (Henry Matisse, Pablo Picasso,
etc.).
Diahilev creará un nuevo ballet con ingredientes e influencias orientales. A
diferencia del ballet clásico, este ballet centraba su atención por igual en el
bailarín y la bailarina.
Estos actos de ballet duraban menos tiempo que los clásicos que se podían
extender hasta cinco horas; los escenarios eran más despojados con telones
diseñados por artistas plásticos, como León Bakst (pintor y escenógrafo).
El vestuario deja de lado el famoso y clásico tutú y otros atuendos como la
crinolina y el corset, utilizando prendas fastuosas y extravagantes atrayendo al
público parisino. Diahilev involucrará también a otros artistas rusos tales como
Naum Gabo, Antoine Pevsner y Larionov, que aportarán con su constructivismo
y minimalismo al Art Deco.
Michel Fokine junto a Vaslav Nijinsky fueron las figuras principales de este tipo
de ballet ruso. También se hicieron notorias las apariciones de artistas
haciendo el aporte fundamental con su música como Igor Stravinsky y
Debussy, incorporando la música atonal (Stravinsky, “El pájaro de fuego”,
“Petruschka” y “La consagración de la primavera”).
Representación de la obra Sheherezade.
Puesta y vestuario de Leon Bakst (director
artístico de los Ballets Rusos).
Los bailes estaban impregnados de gran
dramatismo, especialmente con la actuación
de Nijinsky, dotado bailarín con increíble
ductilidad para realizar saltos imposibles y con
gran ductilidad y actuación en escena.
Tamara Karsavina y Anna Pavlova fueron sus
dos parejas con las cuales llevó al éxito el
nombre de los Ballets Rusos.
Diversos diseños de vestuarios de diversas obras de los Ballets Rusos (Leon Bakst). Todas
caracterizadas por sus extravagancias y extremado diseño detallado, con dibujos con
reminiscencias orientales en sus telas y gran voluptuosidad. Toda una nueva mirada en el
campo de la moda también.
Con la música se produce un quiebre con la aparición de piezas vanguardistas
de Igor Stravinsky., separándose totalmente de los antecesores de la música
clásica como Mozart, Haydn o Beethoven. Su música se la considera
provocativa y encaja a la perfección con las revolucionarias ideas de Diahilev.
Al igual que el ballet tradicional, esta clase de ballet sigue contando una
historia, aunque con más abstracción. Se lo sigue considerando narrativo.
Danza Expresionista.
Los cuatro aspectos básicos de la danza de M. Wigman son: expresionismo,
espacio, la danza sin música y el principio de tensión-relajación. Poseía un alto
sentido de la introspección, su mundo interno reflejaba el caos que le tocó vivir.
Estuvo estrechamente vinculada a las ideas expresionistas de la plástica y la
literatura alemana. (Ana Deutsch)
Esta danza sucede en 1911, en Alemania como todo el expresionismo en
general. Mary Wigman será la cara visible y más reconocida, una bailarina
formada en el ballet clásico.
En este tipo de danza se trata de exteriorizar la realidad interior, por lo general
atormentada por conflictos y guerras que marcaron este movimiento. Los
sentimientos tomarán el poder en estos bailes, no se narrarán historias. Se
utilizará el baile para mostrar emociones y la simple necesidad de bailar para
expresarse.
Es en este momento que se concreta lo que inició el Ballet Ruso. La teatralidad
y despojarse de lo clásico para volver a lo primitivo en cuanto a movimientos
que puedan demostrar humanidad y autenticidad.
A la inversa que en la danza clásica, donde el tronco permanece inmóvil, en
este baile el cuerpo y las extremidades superiores toman protagonismo. Se
llega a bailar en posiciones incómodas como sentado.
Como indica (Ana Deutsch) sobre la bailarina Wigman, “Gustaba de los
movimientos en los niveles bajo y medio: arrodillada, agachada, gateando,
arrastrándose, deslizando, cayéndose en ocasiones completamente acostada
en el suelo. Se podría decir también que tiene características histriónicas.
En ocasiones utilizaba instrumentos de percusión de procedencia oriental o de
cuerdas arcaicas. Su técnica está vinculada al principio de tensión-relajación
basado en el ritmo respiratorio. La fuerza o energía del cuerpo que se opone a
la ley de gravedad o coopera con ella, que dirige su energía hacia el centro o la
periferia del cuerpo son las cuestiones que el bailarín debe abordar y controlar.
(Ana Deutsch)
“El icosaedro de Laban de Rudolf Laban,
uno de los grandes propulsores de la
danza expresionista”. Rudolf Laban,
nacido en el Imperio Austro- Húngaro
crea un sistema que permite la
exploración y el análisis del movimiento,
que incluye el estudio del espacio en
relación al cuerpo.
Rudolf Laban.
Ballets Triádicos (La Danza en la Bauhaus).
Las características escénicas de este ballet se manejan con dos bailarinas y un
bailarín, utilizan por lo general los tres colores primarios y realizan movimientos
con trayectorias horizontales, verticales y diagonales. El vestuario está
pensado y diseñado para complejizar el movimiento, luego se incluye la música
y al final el movimiento.
Como todo movimiento vanguardista anticipó lo que sería el minimalismo
respecto al escenario. Es experimental y no narrativo. Conceptos como la
arquitectura del espacio toman gran dimensión en estos ballets.
Otro importante factor en este peculiar baile es el papel que juega el espacio
abierto y el espacio arquitectónico que los mismos bailarines dan forma y
perspectiva. Las formas geométricas son gran referencia en la austera
escenografía: la esfera, la pirámide y el cubo funcionan como fondo dando una
perspectiva de tamaño al espectador.
Su nombre “triádico” refiere a las tres partes en que se divide la obra, y a los
tres bailarines que la desarrollan. Además, presenta una fusión entre la danza,
el vestuario y la música.
El creador de estos Ballets Triádicos fue el pintor, escultor y diseñador Oskar
Schlemmer. Entró en la Escuela de la Bauhaus en 1920. Su obra más famosa
es Triadisches Ballett (1922), performance en la que las actrices y actores
aparecen disfrazados con formas geométricas.
Vestuario del ballet triádico en la revista teatral “De nuevo Metropol” (Teatro Metropol de
Berlín), diseñado por Oskar Schlemmer.
Con estos figurines o trajes a medida colocados sobre los bailarines parece
crearse una despersonalización del sujeto, dotándolo de características
mecánicas similares a robots. Se puede entender un mensaje sobre lo que
expresa Schlemmer en sus cartas respecto del avance de la industrialización y
la tecnología alienando a las personas.
Schlemmer se sentía influenciado por los pensamientos de Nietzsche, así que
por último me resultó muy interesante transcribir una frase muy particular y
totalizadora sobre la danza en general que Schlemmer citaba de este filósofo.
“Schlemmer cita a menudo a Nietzsche, para quien la danza tenía, entre todas
las artes, un valor especial y cuyo simbolismo le permitía glorificar el valor del
cuerpo y a la vez ejemplificar la transformación del hombre, que a través de la
danza puede transgredir los límites impuestos por la cultura y trascenderse”.
Danza Teatro.
Se caracteriza por romper con lo anterior, uniendo danza y teatro mediante la
sensación de expresividad. En escena se produce una interacción entre los
diversos bailarines y personajes. No hay un relato literal, sino tomando rasgos
desde un ángulo expresionista. Por todo esto es innovador y se considera
como la última expresión en danza espectáculo.
Su fundadora fue Pina Bausch, nacida en 1940 en Solingen (Alemania).
En palabras de Adolfo Vásquez Rocca sobre la proximidad del trabajo de Pina
Bausch con lo posmoderno:
El concepto de ‘ballet postmoderno’, que apareció en los círculos
especializados a fines de los años setenta, refiere a un conjunto de
rupturas estético-expresivas, entre las que se cuentan –entre otras– la
eliminación de la perspectiva unidimensional en provecho de un espacio
abierto, ampliado, que responde en cierto modo a los descubrimientos
de la física moderna; la revalorización de la dimensión cotidiana, el
continuo de lo humano, en sus manifestaciones aparentemente triviales
y pedestres, incluyendo en esta apertura la palabra, el ruido ambiente,
en lo que constituye la irrupción de la música concreta al servicio de la
danza; el abandono del entablado clásico por superficies naturales como
el césped, la tierra, hojas secas, flores, e incluso el agua, son parte del
estilo que alcanza su más plena expresión en las obras de Pina Bausch.
Entonces, se puede decir que la danza-teatro de Pina Bausch está
estrechamente ligada a la estética del movimiento posmoderno, se juntan
varias disciplinas como el ballet, el teatro, la plástica, la literatura y la filosofía.
Todo queda difuminado para no poder distinguir claramente un patrón. Se vale
de varias disciplinas artísticas, depurándolas para sólo utilizar lo que le es
conveniente, lo que es rupturista y complementa lo que se quiere expresar.
A raíz de las controversias y los rechazos de la obra de Pina Bausch, esta cita
de Adolfo Vásquez Rocca describe porque fue natural el fanatismo, tanto en
contra como a favor, que despierta el arte cuando es visceral.
Pina Bausch ha explorado el lado más despiadado y desesperado del
ser humano, por ello no es casualidad que Pina Bausch y sus obras
hayan provocado reacciones tan extremas y tan antitéticas; tampoco es
casual que reclamen tomas de posiciones inequívocas. Todas sus
piezas tratan sobre cuestiones fundamentales de la condición humana
y obligan al público a confrontarse con estos problemas: el amor y la
angustia, la nostalgia y la tristeza, la soledad, la frustración y el terror,
la infancia y la vejez, la muerte, la explotación del hombre por el
hombre, la memoria y el olvido.
Como se observa en las imágenes aparecen instrumentos musicales directamente en posesión
de los bailarines, la escenografía adquiere un cuidado estético ya que evoca cuestiones
simbólicas respecto de la obra. Demás elementos como el agua, las flores serán objetos
primordiales en la escenificación.
Video Danza.
Algunos referentes son el bailarín y coreógrafo Merce Cunningham, los
realizadores de videoarte Nam June Paik, Wolf Vostell (considerado el
precursor del videoarte), Jean Louis Le Tacon, Jean-Claude Gallotta, Rafael
Montánez Ortiz, Daniel Larrieu y Robert Cahen, aprovechando los beneficios
del montaje logrando distintos collages a la filmación.
Trabajos como los del coreógrafo francés Philippe Decouflé, Codex (1986),
Shazam y Abracadabra (1998); reflejan una exploración del espacio, juegos de
perspectiva, representaciones de bidimensionalidad, pero acotados a cerrados
encuadres.
Luego, con los videos de Sue Healey se sumarán a los movimientos de los
sujetos, los objetos y figuras animadas.
Confluyen muchas visiones en la realización de un video danza ya que se
coordinan cuestiones cinematográficas, cuestiones coreográficas, de baile, de
actuación y de montaje final.
La edición hace que se pueda repetir cuestiones que crean un movimiento-
baile per se; los detalles cobran importancia y no es necesario mostrar todo un
conjunto. Por lo tanto el espectador debe adaptarse a un lenguaje más ágil e
interactuar al observar el video
Esta disciplina se inscribe en la video-forma, que es la particularidad con la que
grabo una danza.
Esta última danza no aparece como renovadora de las anteriores formas de
baile y expresión, sino que toma de todas ellas y las muestra valiéndose de la
tecnología imperante en la época (el video). Así aparecerá el video-arte que
tendrá muchos rasgos en común con los realizadores del video danza.
El video danza tomará de la danza moderna y de la danza contemporánea lo
más significativo para resignificarla, fragmentarla (cosa que la ductilidad de
diversos planos, acercamientos y alejamientos de la cámara le ofrece) para
también registrarla.
Una de la características intrínsecas del video danza es que documenta y
registra el acto para poder reproducirlo en cualquier momento y lugar. Al mismo
tiempo que se crean las escenas, se estudia y se corrige cada movimiento
obteniendo un mayor beneficio.
La persona que mejor define el video danza es Laisvie Andrea Ochoa Gaevska
que es psicóloga, artista escénica y realizadora de video danzas:
Es decir, un video danza requiere de un pensamiento en torno a planos,
secuencias, movimientos de cámara, reglas de edición, etc. También, su
proceso de creación, de una manera menos estricta tal vez, sigue los
pasos de la realización de cine, es un ejercicio colectivo en donde se
especifican roles de dirección, producción, guión, fotografía, arte, sonido,
edición, etc.
Aprovechando los recursos tecnológicos de la digitalización se observan efectos que ayudan a
expresar lo que el director intenta decir o provocar.
Es en esta disciplina que se utilizan todos los recursos que puede ofrecer la cámara portátil de
video para acercarse, aumentar o distorsionar cuerpos intensificando expresiones o por la mera
experimentación visual.
El video danza se deshace de la subjetividad del cuerpo, para que éste pueda explorar otros
límites y encontrar nuevas expresiones.
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Imágenes Video Danza “efectos digitales” y “recursos de la cámara”.
Disponible en: https://tackk.com/er24dy
Imagen y memoria descriptiva: “Diversos diseños de vestuarios…”.
Disponible en: https://triangulomag.com/2014/03/20/sergei-diaghilev-y-los-
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Imagen y memoria descriptiva: "El Icosaedro de Laban de Rudolf Laban".
Disponible en: https://es.pinterest.com/pin/463378249131795818/
Imagen y memoria descriptiva: “Representación de la obra Sheherezade”.
Disponible en: http://gestioninformacion.idec.upf.edu/~i76360/ballets.html
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dialecto-multimedia