trabajo práctico n° 3: molière y la comedia dell´arte...
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Trabajo Práctico N° 3: Molière y la Comedia dell´Arte
Actuación y representación
Consignas:
Leer el texto de De Marinis sobre la actuación en la Comedia dell´Arte y La improvisación
de Versalles y/o una obra de Molière a elección.
Relevar imágenes de:
- Los tipos de la Comedia dell ´Arte
- Las representaciones de Molière
Teniendo en cuenta: espacio escénico, vestuario y caracterización
Realizar un informe en donde se especifiquen similitudes y diferencias de dichos
períodos en base a:
- Estructura dramática
- Espacio escénico
- Arquitectura escénica
- Vestuario
- Caracterización de los personajes
- Tipo de actuación
Tomar una producción actual latinoamericana, realizar un relevamiento de imágenes y
explicar las proyecciones que encuentran de dicho teatro en esa representación.
Forma de presentación:
Realizar una presentación en clase (en .ppt) y entregar un informe escrito (máximo 5
hojas)
Carátula
Consignas
Desarrollo (Imágenes, descripciones y comentarios teóricos)
Conclusiones
Bibliografía
Comedia del Arte
La aportación italiana más significativa a la historia del teatro, que triunfa en los siglos
XVI y XVII, es la Comedia del Arte.
No se conocen con certeza sus orígenes, ya que se carece de documentación suficiente.
La intención fundamental en este tipo de teatro es la de provocar la risa del público
mediante un enredo amoroso. Además, es frecuente que en estas obras aparezcan
ciertas dosis de sátira social y política. Se suele decir que el rasgo más significativo de
estas representaciones es la inexistencia de diálogos escritos; sin embargo los actores
de la "commedia dell'arte" improvisaban sobre esquemas o argumentos predeterminados
en los "canovacci" o scenari que eran una especie de guiones de acciones, algunos muy
elementales, que servían de base para la puesta en escena de las obras de las
compañías de la Comedia del Arte. En ellos aparecían los temas básicos a desarrollar
en la obra, que variaban de pueblo en pueblo. Estos papeles eran colocados detrás de
la escenografía donde todos los actores podían leer el asunto de la obra, luego ellos la
desarrollaban.
Como parte de este estímulo a la acción teatral surgieron los famosos "lazzis": escenas
más o menos breves, siempre en tono humorístico y jocoso, que con o sin palabras se
improvisaban en momentos determinados; contenían recursos propios del actor: cantos,
acrobacias o determinadas expresiones corporales. Estos elementos proporcionaban un
gran dinamismo a las representaciones, con abundantes entradas y salidas, caídas,
golpes, equívocos y engaños.
ESTRUCTURA DRAMÁTICA
Las obras se dividen en escenas. No hay diálogo fijado sino notas de lo que tenían que
hacer. Vienen también señalados los posibles trucos escénicos. Solía escribirlos el
director de la compañía, que también era actor.
Como consecuencia de la importancia de la improvisación en este teatro, los personajes
responden a un código que establece su vestuario (incluyendo la máscara), maquillaje,
accesorios, tipo de lenguaje y comportamiento en escena. Se pueden clasificar en tres
grupos: los criados, los amos y los amantes o enamorados.
La comedia suele costar de un prólogo en el que se explica el argumento (personajes,
lugar de la acción, antecedentes) y de tres actos divididos en diversas escenas. La acción
se expresa en el cambio continuo de situaciones y en la multiplicación de los encuentros
los personajes: jóvenes enamorados, conflictos con los viejos, peripecias,
reconocimientos y intrigas diversas generadas por los criados, trucos y engaños,
acontecimientos extraordinarios, confusiones y malentendidos, bodas felices al final. Las
acciones cruzadas se suceden de escena a escena y la vivacidad del ritmo se acentúa
con las entradas y salidas, los equívocos y los disfraces, los golpes de teatro y los
encuentros fortuitos.
Una de las técnicas utilizadas más interesantes por su contemporaneidad es el teatro
dentro del teatro. En el interior del espacio escénico tiene lugar otra representación
teatral, de manera que los espectadores de la comedia miran otros espectadores (los
actores) que, al mismo tiempo, asisten a una representación que ofrecen otros actores.
El juego y la mascarada se convierten así en un placer intelectual y emocional complejo
en virtud del cual el público recibe como una paradoja la relación entre la comedia y la
realidad.
MÁSCARAS
El uso de una máscara determina las características psicológicas, pero no las limita: el
actor y el público reconocen el tipo y, al mismo tiempo, saben que esconde posibilidades
insospechadas. La máscara-confeccionada de cuero delgado y ligero-remarca la
teatralidad esencial de la representación.
En la práctica, la máscara permite cambiar de voz, exige una gran precisión en el
movimiento y en la expresión corporal y anula la expresividad facial del actor. A pesar de
todo, este puede adoptar un aire cómico, inquietante, tráfico o monstruoso.
El personaje, además, se asigna un vestido fijo y diferenciado del resto (los enamorados
lucen la moda más elegante de la época; Pantalone, el rojo veneciano; Arlecchino, una
gama multicolor, etc.), creando una sugestiva armonía de colores.
ESPACIO ESCÉNICO
La commedia dell’arte se expone a un público variado y diversos que llena las plazas y
las calles, las cortes y los salones donde tiene lugar la representaciones.
Los primeros grupos de actores actúan sobre escenarios desmontables muy funcionales:
una plataforma elevada y dividida en dos mitades por un telón pintado que simula tres o
cuatro casas de una plaza o de una calle de la ciudad.
Sin embargo, la complejidad de las intrigas obliga a una arquitectura más elaborada. El
teatro de Palladio, a Vicenza, es una buena muestra: El escenario incorpora una tercera
dimensión y se divide en tres arcos que hacen factible acciones simultáneas y
independientes, entradas y salidas de personajes, etc.
En el siglo XVII, la commedia dell’arte se vuelve hiperbólica y sorprendente por influencia
del barroco: introduce elementos mecánicos, apariciones, trucos, y disfraza parcialmente
a los personajes sin esconder la máscara y el vestido que los define.
El escenario es estático, no cambia lo largo de la representación. Al principio, el
introductor del prólogo se encarga de situar al público en el lugar en que se desarrolla la
acción y los personajes se mueven con habilidad en un espacio dominado visualmente
por las máscaras, los colores y los vestidos.
La música es introducida inicialmente en los intermedios y, después, como un elemento
más del juego escénico: se interpretan, con finalidades cómicas, canciones improvisadas
o parodias de canciones populares conocidas por el público.
Asimismo, los bailes y la acrobacia permiten pasar de las situaciones serias a las
grotescas por finalizar un juego escénico con danzas y cabriolas. Los juegos de manos
y de prestidigitación, la acrobacia y el baile dan mucho dinamismo a la escena.
PERSONAJES
Criados (zanni): se trata de un campesino pobre que llega a la ciudad y desarrolla su
ingenio para remediar el hambre, y vive determinadas aventuras, generalmente con un
amo ocasional. Algunos de los más conocidos son:
Arlequín: astuto y necio. En su carácter domina el hambre constante y el amor por
Colombina. Su vestuario está lleno de parches y remiendos.
Brighella: tentado por el vicio, es capaz de ofrecer a su hermana al mejor postor,
burlándose al mismo tiempo sin piedad de los viejos. Va vestido de blanco, con adornos
verdes.
Polichinela: tiene una estupenda joroba y un traje blanco. Es un criado filósofo,
resignado a su suerte, que no es otra que pasar hambre y sufrir burlas.
Colombina: a la vez que compañera de Arlequín, es la chica pretendida por el amo, viejo
que cree ver en su coquetería una esperanza a sus devaneos.
Amos: suelen ser los padres de la familia y centro de la acción, ya que de ellos depende
el matrimonio de los hijos y el premio o castigo de otros personajes.
Pantaleón: rico y viejo comerciante; algo tacaño, desconfiado y libidinoso.
El Doctor: adornado por una tremenda barriga, es de Bolonia, de cuya universidad dice
proceder, aunque su supina ignorancia indique otra cosa.
El Capitán: es español, a la vez que fanfarrón y cobarde. Viste como militar y lleva
espada.
Enamorados: Este grupo está formado por una pareja de jóvenes, que suelen ser hijo o
hija de Pantalón y del Doctor o viceversa. Su principal y casi exclusivo cometido en la
comedia es amar y ser amados, a lo largo de la obra sufren a causa de los equívocos,
castigos y prohibiciones.
CARACTERÍSTICAS DE LA COMMEDIA DELL'ARTE
Tres son las características fundamentales de la commedia dell'arte:
1. TIPIFICACIÓN DIALECTAL: Los actores mostraban su personaje popular jugando
con el idioma. La vieja división regional italiana origina una rica variedad dialectal. Los
actores fueron especializándose en tipos concretos, funcionando sus rasgos localistas
como inspiradas notas de humor. Por ejemplo: Arlequín y Brighella en su tradición y
lengua marcan la procedencia bergamasca, y en Pulcinella el origen napolitano.
2. CARACTERIZACIÓN DEL PERSONAJE: Cada tipo de la commedia dell'arte tiene su
máscara. Tales máscaras definen nítidamente en su elemento carnavalesco la entidad
de cada personaje. Habría que añadir en este punto también la propia identidad del
vestuario, los rasgos dialectales, y el rasgo de carácter de cada uno: glotonería,
desconfianza...
3. IMPROVISACIÓN: Los actores de la comedia dell´arte las hacían sobre esquemas o
argumentos predeterminados en los canovacci: muchos de ellos procedían de textos
antiguos. Al fondo del escenario, tras el foro, se colocaba un libreto en donde los actores
cotejaban las entradas y salidas que debían efectuar, aunque los diálogos podían variar
o evolucionar según la habilidad o inspiración de los cómicos.
Además de estos, hay otros elementos que definen el género y surgen de de la propia
vitalidad del teatro de la época. Uno de los rasgos fundamentales es el hecho de que los
actores empezaran a agruparse en torno a compañías, haciendo de su trabajo una
profesión estable.
El trabajo dentro de una compañía no anulaba la individualidad del actor, aunque sí
obligaba a una cierta especialización en su personaje-máscara. Tal vez por eso, era
frecuente que el actor modificara su actuación, añadiendo recursos propios e
inconfundibles. Eran los lazzi, especie de escenas breves de tono humorístico que se
improvisaban. También se denominaron “pasajes de bravura” y contenían recursos
propios del actor: el canto, la acrobacia o la expresión corporal. Se han llegado a delimitar
algunos muy celebrados por el público: la mosca o pulga atrapada, la merienda de
cerezas cuyos huesos se tiran a otro personaje, el atranque repetido de un personaje en
determinada palabra... Estos proporcionaban un gran dinamismo a las representaciones,
con abundantes entradas y salidas, caídas, golpes, equívocos y engaños. La necesidad
de realizar giras y que en cada lugar el público deseara ver distintos espectáculos
obligaba a memorizar más los argumentos que los diálogos, los cuales irían surgiendo
del ingenio del actor.
CARACTERÍSTICA DEL ACTOR:
Debe ser un acróbata, un excelente bailarín, tiene que saber música. Las
representaciones suelen terminar con un pequeño ballet. Algunos conocimientos de
música. Nociones de pintura (diseñaban trajes y decorados). Improvisación y en verso.
Habilidad mímica, hay mucha gesticulación.
TEATRO FRANCÉS
A finales del siglo XVI, era popular en Francia un tipo de comedia similar a la farsa, y
esto dificultó el establecimiento total del drama renacentista.
En aquel tiempo no existían en París edificios expresamente dedicados al teatro; se
utilizaron con ese propósito canchas de tenis cubiertas y fueron convertidas en teatros.
La fuerte influencia italiana en Francia llevó a popularizar representaciones parecidas al
intermezzo, que fueron denominados ballets.
EL TEATRO DE MOLIERE
Molière es considerado como el gran dramaturgo francés.
Sus farsas y comedias de costumbres reciben en su mayoría
una influencia directa de la comedia, pero generalmente van
más allá de su objetivo específico y podrían considerarse
como observaciones sobre las limitaciones y errores del
género humano.
Considerado “el padre de la comedia francesa”. Despiadado
con la pedantería de los falsos sabios, la mentira de los
médicos ignorantes, la pretenciosidad de los burgueses
enriquecidos, Molière exalta la juventud, a la que quiere liberar
de restricciones absurdas.
Aunque tuvo gran éxito con sus producciones, el estilo grandioso sobrevivió en Francia
hasta principios del siglo XIX.
El objetivo de Molière es criticar cualquier comportamiento que se aleje de los cánones
sociales y estéticos establecidos. Pero su mayor logro es la creación no de “tipos”, sino
de personajes únicos, irrepetibles y desmesurados. Esto responde a una doble
necesidad: agradar al público y conseguir su lucimiento como actor.
Para Moliere `'la gran regla de todas las reglas' 'fue gustar al público, satisfacer a la vez
al patio de butacas y a los entendidos. Para ello utilizo todos los recursos cómicos, desde
los más groseros a los más originales:
• Comicidad de gestos: golpes de bastón, suspiros, muecas...
• Comicidad de palabras: juegos de palabras, réplicas ocurrentes...
• Comicidad de situaciones: situaciones divertidas, personajes escondidos en lugar
ridículos...
• Comicidad de caracteres: deformaciones que llevan consigo la extravagancia.
• Utilización de temas tradicionalmente cómicos: la alumna joven y el viejo verde, la
sustitución de un personaje por otro
• Utilización de tipos tradicionales: el avaro, el aturdido, la coqueta, la pedante. Lo
más curioso es que Moliere combina a veces estos tipos. El personaje molieresco es a
menudo complejo y de muchos matices.
CARACTERÍSTICAS DE LA ESCRITURA DRAMÁTICA DE MOLIERE
La escritura dramática de Molière presenta las siguientes características:
- Aceptación de las reglas clásicas, sobre todo la regla de las tres unidades
- Reflejo de la sociedad de su tiempo, cuyos vicios y caracteres refleja y critica en su
obra.
- Uso de la literatura como instrumento moralizador.
- Maestría en la creación de personajes que deben estar caracterizados por la
verosimilitud , su profundidad psicológica y su caracterización.
- Uso de múltiples recursos de comicidad (juegos de palabras, recursos gestuales,
situacionesengañosas, etc.).
- Lenguaje rico y expresivo que, siguiendo las reglas clásicas del decoro, adapta a
lascaracterísticas de sus personajes.
Un elemento muy importante es la propia lengua de los personajes. Para Moliére, la
palabra, en la comedia, está hecha para explicar y hacer reír por sus contenidos y
mensajes; pero también debe ser usada, en sus aspectos formales, para caricaturizar,
tipificar a los personajes y, por supuesto, divertir. De ahí la abundancia en su obra de
lenguajes y jergas dialectales alternando con el francés más correcto o con el latín
macarrónico. También construye artificialmente lenguajes hipercultos para burlarse de
forma despiadada de las preciosas de su época (véase Las preciosas ridículas).
ESPACIO ESCÉNICO
Inicialmente en la comedia francesa utilizaban el decorado múltiple, pero evidentemente,
estos decorados debían ser de proporciones tan reducidas que daban al traste con las
exigencias de los puristas. Se pensó entonces, en la conveniencia de un decorado único,
pero esto provocó confusión en los espectadores, que no sabían dónde situar a la acción
cuando los personajes accedían de diversas puertas. Apoyados por su propia tradición
teatral y la influencia del teatro italiano, incorporaron maquinarias, tramoyas y fastuosidad
en sus representaciones.
A fines del siglo XVI, las representaciones teatrales podían realizarse tanto en locales
improvisados, lugares en los que normalmente actuaban las compañías ambulantes, o
en teatros fijos como el Hôtel de Bourgogne. También existían los teatros reales como el
Petit-Bourbon o el Palais Royal.
Petit-
Bourbon The Palais Cardinal in 1641
VESTUARIO
El vestuario es suntuoso, acompaña la escenografía en su forma barroca y cumple con
su función de mostrar el medio social, la época y el estilo. Con una caracterización
notable, podemos distinguir clases sociales y la diferencia que existe entre ellas. Se
utilizan telas de color llamativo y texturas diversas.
Los vestidos femeninos eran de gran formato, con faldas estructuradas a través de
armazones en pro de un mayor volumen; capas de largos prominentes; mangas tipo
globo; telas satinadas o brillantes con estampados recargados, bordeadas por arreglos
florales o detalles en cintas de seda; grandes sombreros, tocados o cintos de seda y
perlas coronando verticalmente el atuendo.
El burgués gentilhombre de Molière - Teatro San Martín
COMPARACION ENTRE LA COMEDIA DEL ARTE Y EL TEATRO DE MOLIERE
Similitud entre ambos
-Comedias de situación.
-Presencia de mujeres en la escena.
-Tipificación de los personajes.
-Manejo de la caricaturización.
-Vestuarios coloridos y ambientadores.
Diferencias
Comedia del Arte
- Se estructura en base a los lazzi.
- Su representación es de un teatro de actor y se representaba al aire libre en plazas
públicas.
- Su base actoral es pre-expresiva
- Los actores usan máscaras.
- Mezcla de corrientes actorales: los actores burlescos y las poetisas actrices.
- Energías corporales diferenciadas en los diferentes personajes.
Teatro de Moliere
- Comedias-ballet.
- Las representaciones se hacían en lugares adaptados para tal fin.
- Utilización de múltiples decorados.
- Influencia del teatro a la italiana.
- Utilización de maquinarias escénicas.
- Las actuaciones se dan de manera similar entre los enamorados y los demás.
Bibliografía
DE MARINIS, Marco (1997) Comprender el teatro Buenos Aires: Galerna
http://www.ies-galileo.com/wp-content/uploads/2014/05/Personajes-de-la-Comedia-
del-Arte.pdf
http://www.trampitan.es/historia-de-las-artes-escenicas/la-commedia-dellarte/
http://lengua.laguia2000.com/literatura/el-teatro-barroco-frances
https://www.google.com.ar/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja
&uact=8&ved=&url=http%3A%2F%2Fwww.operaworld.es%2Fjean-baptiste-
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