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NATALIA DE CARLI

63673

TP FINAL

El individuo y sus cinco siglos de fama.

Taller de Reflexión Artística III

Elsa Pesce

Diseño de interiores T.T.

2do. 04/12/2015

Trabajo Práctico Final. Diciembre 2015 Taller de Reflexión Artística III. Prof. Elsa Pesce

Natalia De Carli [1]

ÍNDICE

1 Objetivo. Pág. 2

2 Introducción. Pág. 2

3 Desarrollo teórico. Pág. 3

3.1 Descubrimiento Pág. 3

3.2 Auge Pág. 5

3.3 Caída Pág. 9

4 Desarrollo práctico. Pág. 10

4.1 Presentación del objeto Pág. 10

4.2 Imágenes del objeto Pág. 11

5 Conclusión. Pág. 12

6 Anexo. Pág. 13

7 Bibliografía. Pág. 22



El individuo y sus cinco siglos de fama.

Una reflexión sobre el hombre moderno.

1 OBJETIVO.

En el presente ensayo, abordaré una breve reflexión sobre el individuo desde

su propio descubrimiento, hacia el final de la Edad Media, hasta el siglo XIX cuando su

obra superó a su propia imagen. Serán desplegados aquellos aspectos ligados a la

relación consigo mismo, sus pares y demás actores sociales que lo rodearon a lo largo

de su progreso. La vanidad, el poder y la ambición se verán develados mediante las

características más simbólicas del arte que los representó.

En las páginas subsiguientes, autores como Fromm, Casullo y Berger, entre

otros, serán expuestos como notarios de las cuestiones emprendidas y, al final de este

estudio, una breve reseña de mi autoría buscará comparar y demostrar que la

modernidad no ha terminado realmente y que somos nosotros mismos, como

individuos, los que aún no logramos resolver dichas cuestiones.

2 INTRODUCCIÓN.

Desde la prehistoria, el hombre se ha concebido a sí mismo como un ser

diferente. Sin importar el ámbito que lo rodeara, incansablemente buscó las razones,

las excusas o las explicaciones para justificarse distinto a aquel entorno. Pero, ¿Qué

sucede cuando todo aquello se acaba, y sólo queda el hombre contra el hombre?

Surge allí la verdadera cara del ser humano.

Tras el agotamiento de la Edad Media como sistema y el inevitable desenlace

ante el cese de batallas, el hombre finalmente fue librado de los feudos –como alguna

vez abandonó la seguridad de las cavernas– en busca de un destino incierto. Pero

aquello que descubrió, fue no sólo más complejo de lo que imaginaba, sino que

representaría a un laberinto del que aún hoy no logra salir. Se redescubrió a sí mismo,



se descubrió independiente de quien se posaba a su lado, se permitió anhelar un

destino distinto al que el Clero y sus Señores alguna vez le habían asignado y ante

todo, se valoró como tal.

Dice Fromm al respecto que “el hombre se descubre a sí mismo y a los demás

como individuos, como entes separados; descubre la naturaleza como algo distinto a

él mismo en dos aspectos: como objeto de dominación teórica y práctica y, por su

belleza, como objeto de goce.” (2005). Pero no olvidemos que todo gran poder

conlleva una gran responsabilidad. En un mundo hostil, éste se encontrará solo y

deberá luchar por sus ideales y por el lugar que cree merecer dentro de la pirámide

social.

Desde el Renacimiento hasta el Cinematógrafo, el “apasionado anhelo de

fama” (2005) se ira desencadenando en una serie de movimientos pictóricos,

arquitectónicos y sociales que, como tapas de una revista de actualidades, nos

permitirán desentrañar al individuo.

3 DESARROLLO TEÓRICO.

3.1 DESCUBRIMIENTO

El antiguo sistema medieval había comenzado a caer ya en el siglo XII. Las

sociedades mudaban sus intereses desde el encierro hacia los burgos y la palabra

dinero comenzaba a cobrar fuerza y renombre.

El gran poder, fundamentado en el miedo a Dios omnipotente y omnipresente,

estaba en realidad en manos de unos pocos eclesiásticos que administraban las

comunicaciones con Él. Hasta el siglo XV, y en dicha dinámica de falta de información,

de falta de interés por cualquier otra cuestión que no refiriera a la guerra, claro está

que no quedaba lugar para planteos sociales ni mucho menos, individuales.

Luego del chato y deshumanizado arte Románico, el Gótico fue el puente que

los nuevos actores sociales tendieron entre el oscurantismo medieval y las nuevas

luces de la modernidad. Los temas religiosos siguieron siendo el eje pictórico y

arquitectónico pero en una decreciente medida. Su principal causa, fue que a nivel

social se había producido uno de los quiebres más importantes en la historia humana:



El descubrimiento del hombre como un ente independiente y diferente del prójimo.

(Ver imagen 1)

Provenientes de una sociedad donde todo estaba preestablecido, donde las

posibilidades de modificar el destino propio eran prácticamente nulas –tanto a nivel

social, como comercial y geográfico– el hombre estaba “encadenado a una

determinada función dentro del orden social.” (Fromm, 2005). Era esta falta de libertad,

desde una mirada meramente moderna, la que no dejaba ningún lugar a la duda, y la

misma por la cual resulta casi increíble que hoy nos refiramos al mismo hombre,

capturado en una semejante transformación.

Los nuevos conceptos como el capital, la iniciativa económica individual y la

competencia no sólo desarrollaron una diferenciación de clases, sino que generaron

una consciencia del hombre en sí mismo, quien dejó de considerarse parte de una

raza, de una familia, etc. Para definir su yo individual frente a un yo ajeno. (2005)

El primero de los movimientos artísticos consecuentes fue el Renacimiento.

(Ver imagen 2) Desarrollado en Italia gracias a que el derrumbamiento del sistema

anterior se diera primeramente allí, tanto por su ubicación geográfica y la influencia

que ésta tuviera en el comercio, como por otros tantos factores políticos y religiosos;

fue rápidamente impulsado por una creciente clase adinerada producto de “la lucha

entre el papado y el imperio de la cual resultó la existencia de un gran número de

unidades políticas independientes” (Fromm, 2005).

En principio, dice el autor que “el Renacimiento fue la cultura de una clase rica

y poderosa, colocada sobre la cresta de una ola levantada por la tormenta de nuevas

fuerzas económicas” (2005). Como arte de pocos, podemos afirmar que no solamente

las grandes masas quedaban excluidas, sino que además comenzaba a generarse

una suerte de despotismo individualista.

Las relaciones humanas fueron paulatinamente abandonando la solidaridad

para formar parte del complejo sistema de reacomodamiento económico. Los mejor

ubicados acudían a cualquier medio –físico o psicológico– para acallar su naciente

soledad y disfrazarla de un carácter dominante sin límites y un ferviente goce de la

vida.

En un mundo donde la moneda se convertía en el pasaporte al el éxito y el

poder, la casta fue siendo dejada de lado –aunque a regañadientes– y a partir de la

intervención de este elemento como condición ajena al nacimiento, es que comenzó la

verdadera lucha, la del hombre contra el hombre y la del hombre contra sí mismo. La



libertad también era poseedora de una incertidumbre indómita, que condujo a la

sociedad por un camino de egocentrismo, voracidad, ambición y soledad; y donde la

angustia por el escepticismo fue ligada al comportamiento público, creando un rasgo

particular del Renacimiento: El anhelo de fama como herramienta suficiente para

acallar a los demonios.

Aun así, no fueron los métodos Italianos los que signaron el destino universal

de la modernidad, sino más bien lo que sucedía en Europa central. A pesar de las

nuevas configuraciones económicas, sociales y políticas, y a pesar del intento de

expulsar al linaje e igualarlos ante el flamante capital, eran las monarquías quienes

darían un último golpe de gracia.

3.2 AUGE

En esta era moderna que criticará constantemente lo establecido, que se

preguntará incansablemente sobre las cuestiones más profundas y misteriosas de

nuestra existencia, y de la cual la sociedad cobrará consciencia recién a partir de los

siglos XVII y XVIII, los nuevos participantes conllevaron a la creciente fama del retrato

como símbolo de elite. Los artesanos ahora tenían la oportunidad de ser considerados

artistas y de que su firma también cobrara un valor propio, gracias a la aparición de la

figura del mecenas durante la época renacentista.

Casullo, en su teórico La modernidad como autorreflexión (2011), afirma que

esta nueva era se organiza en esferas que ocupan sus saberes en asuntos

específicos, y dentro de la esfera expresiva, responsable por el buen arte y la estética,

es indispensable destacar al mecenas. Según la definición proporcionada por la Real

Academia Española, se trata de una “persona que patrocina las letras o las artes”.

Pero la colaboración de este individuo durante los primeros siglos modernos fue

mucho más allá de estas pocas palabras.

Finalizada la Edad Media, el Renacimiento permitió el florecimiento de un sinfín

de artistas que buscaban representar en sus cuadros aquello que el movimiento

planteaba. Los burgueses, por su parte, aspiraban a ser inmortalizados en todo su

esplendor. Entre ellos, surgió el financista capaz de transformar cualquier potencial

pictórico en una colección de refinada propaganda personal. Y como resultado de la

relación entre retratado y retratista, también podemos afirmar que es mérito de los

mecenas que hoy podamos apreciar el auge artístico de la época y aún admirar a sus

principales referentes.



Podemos destacar a la familia Medici como padrinos del Renacimiento y

dedicarles un ensayo propio (ver imagen 3), pero concierne aquí que como parte de

los nuevos acomodados, no eran ajenos a la misma acción donde los diferentes

actores sociales se oponían, dejando a la vista que sus intereses diferían aunque se

relacionaran en un ámbito de dependencia.

La caducidad del paso del hombre por este mundo, y su consciencia de

fugacidad demostraban una vez más que, descubiertos individuos, toda relación se

veía reemplazada por el permanente intercambio mercantil en pos de un objetivo

personal.

Otro factor fundamental en este análisis, resulta de la existencia y la

diferenciación perenne entre hombres y mujeres, obligándonos a preguntarnos qué rol

ocupaban estas últimas a nivel social y por qué eran frecuentemente protagonistas de

las obras de arte.

Por el 1600, y en el marco del poderío absoluto de las monarquías –

principalmente la francesa–, el barroco servía como propaganda de nobles y marcaba

el tono de la construcción de sus palacios, parques y demás aspectos ornamentales.

(Ver imagen 4) Dentro de éstos, y como las mismísimas máscaras invisibles que

cargaban sus principales ocupantes –dejando ocultas las miserias del ser humano–

existían dos tendencias estéticas. Una naturalista, que ejecutaba sus obras de un

modo más crudo y buscaba reflejar la realidad a través de efectos lumínicos

particulares (ver imagen 5); y una clasicista, que sostenía las técnicas tradicionales en

pos de plasmar la verdadera belleza. (Ver imagen 6)

Hago esta salvedad, porque creo que en cada ser humano existe una versión

naturalista y una clasicista –también llamada política o socialmente correcta– que se

acentúa en el trato que se da a sí mismo y a sus pares, en especial a los femeninos.

Dice John Berger en el tercer capítulo de su libro Modos de ver, que la

presencia de un hombre difiere a la de la mujer respecto de su actitud social. “La

presencia de un hombre depende de la promesa de poder que él encarne (…), y

sugiere lo que es capaz de hacer para ti o de hacerte a ti (…).” mientras que “la

presencia de una mujer expresa su propia actitud hacia sí misma, y define lo que se le

puede o no hacer” (2005). En efecto, la mujer se convirtió a lo largo de su existencia

en objeto de observación, ya sea para admirarla o para juzgarla.

Como individuo examinado, ha sido forzada a ser consciente de su yo externo

a fin de definir su yo interior, o al menos aparentarlo. Su aspecto ha sido el foco de las



más grandes controversias y preceptos culturales. De hecho, la cultura

contemporánea, en cualquiera de sus etapas, puede ser analizada solamente desde el

trato otorgado a la mujer y con ello proporcionarnos una imagen lo suficientemente

vasta de la sociedad que la rodeaba.

Ahora bien, relacionando el arte barroco, un arte femenino en cuanto a

propaganda personal refiere, y el eterno enjuiciamiento al que la mujer ha sido

sometida, podemos asegurar que la mirada que recibe ésta última siempre ha sido

muy lejana de la de su espectador.

Así, el mundo femenino fue siempre ligado a la esclavitud frente al espejo,

elemento que según nos dice el autor, “estaba destinado a que la mujer accediera a

tratarse a sí misma principalmente como un espectáculo” (Berger, J. 2005 p. 59) (ver

imagen 7). Para lograr el éxito personal, “su propio sentido de ser ella misma es

suplantado por el sentido de ser apreciada como tal por otro.” y “en consecuencia, el

aspecto o apariencia que tenga una mujer para un hombre puede determinar el modo

en que este la trate.” (p. 54). Por el contrario, en el mundo masculino el individuo fue

apreciado y admirado por sus hazañas, como cómplice del juicio eterno a su

compañera y determinando históricamente “no sólo la mayoría de las relaciones entre

hombre y mujeres sino también la relación de las mujeres consigo mismas.” (p. 55).

Entrado el siglo XVIII, el mando fue paulatinamente trasladado desde la

nobleza a la burguesía, desencadenando la caída monárquica y la disolución de las

cortes. Las ciudades, principalmente París, ahora poseían todo el poder social, político

y económico y sus habitantes centraron el foco en el mercado y ante todo, la razón.

Pero a pesar de todo ello, y ante una inevitable cadena de revoluciones, los

burgueses continuaban siendo un tema de conversación despectiva. Las medidas

tomadas incluyeron el comercio de títulos nobiliarios y la erradicación de los privilegios

que se adjudicaba la sangre azul. Los castillos también fueron víctimas de la

migración, siendo abandonados y posteriormente ocupados como propiedades de

veraneo y descanso.

En lo que concierne al arte, los temas relacionados con el sentimiento humano,

el cortejo y las escenas galantes emplazadas en grandes escenarios desconocidos

para la mayoría, iban ganando terreno mientras se acentuaba –y resurgía– un notorio

miedo al vacío. No obstante, la preocupación por la espiritualidad había desaparecido

y era reemplazada por una alevosa hipocresía comunitaria. (Ver imagen 8)



Mientras en el siglo anterior era preocupación exclusiva de la mujer ser

hipócrita en público para alcanzar un éxito personal digno de una dama, es evidente

que esta situación fue generalizada aumentando la disputa por el poder y la autoridad,

separando a su vez a las diversas clases y provocando una insatisfacción general que

pronto estallaría.

Y como nada es absoluto, lejos de la falsa trinidad conformada por aquellos

agitadores de la bandera de la inducción como método de dominio social, William

Blake y William Hogarth planteaban, dentro del disgusto general, una mirada crítica

tanto a las teorías lógicas de los grandes pensadores contemporáneos, como a la

falsedad a la que se veían forzados a adherir. (Ver imagen 9)

Estos magníficos escritores y artistas, fueron autores de obras provenientes de

un mundo interior, imaginario e intangible el cual creían necesario y fundamental para

la creación de cualquier acto humano. Blake, de hecho, creo su propio mundo

simbólico donde una parte era represora y la otra rebelde, metaforizando las corrientes

ideológicas que eran propagadas desde la realeza.

Finalmente, y así como el centro se había trasladado a las ciudades, hubo una

forma de esparcimiento que selló este monopolio. El circo, creado por Philip Astley,

marca el paso del entretenimiento rural, en el cual los espectáculos se dirigían hacia

su público; al espectáculo burgués, que obligaba al público a desplazarse hacia él.

(Ver imagen 10) Reuniendo actividades como la acrobacia a caballo y la presentación

de payasos y arlequines, allí la sociedad se distendía y se permitía un descanso del

permanente protocolo.

Como en una paradoja, el individuo se encontraba encerrado entre el mundo

que aparentaba y el mundo que pretendía. Mientras el show estuviera en marcha, el

viejo conocido miedo al vacío y la incertidumbre provocada por su libertad –y su

soledad– sería ineludiblemente oculto. Pero es acaso el mundo de la luz interior, de la

razón y la producción mental la que deseaba siempre demostrar. El rococó y el

romanticismo fueron fieles retratistas de esta lucha. Entonces, ¿Era el hombre quién

controlaba a la imagen, o era la imagen quién controlaba al hombre?



3.3 CAÍDA

Si bien Hogarth y Blake buscaron oponerse a los preceptos establecidos por la

burguesía y desenmascarar la hipocresía refugiada en el romanticismo; el iluminismo,

el enciclopedismo y todo lo que pudiera ser relacionado a la razón finalmente triunfó.

La revolución industrial fue sin dudas la cereza del postre, la concreción de una

tendencia imparable a la que la nuevamente agotada sociedad no pudo frenar. El

hombre occidental se volvía cada vez más opuesto al oriental, y su necesidad de

acción y pasión desencadenarían una serie de hechos que conducirían al fin de la

modernidad y al inicio de la contemporaneidad.

Con ella, se destacó la aparición de una nueva clase dirigente, los cuellos

blancos o burgueses industriales, que lejos de buscar un ámbito de calma y estabilidad

social –aquel que pudiera evitar una nueva reorganización piramidal–, se mostraban

sedientos del caos y la maquinaria que acompañaba a la nueva conformación del

mundo, y la cual aún es vigente.

En lo que al dominio de la imagen respecta –tan concreta y abstracta a la vez–,

los hermanos Lumière supieron leer el juego iniciado años atrás y aprovechar las

fichas desplazadas por su adversario –el otro– para dar el salto que incluso a nosotros

nos sigue deslumbrando. En el marco de la invención de diversos y complejos

artefactos cuyo fin era embaucar al ojo sobre la falsa movilidad de cada cuadro, fue

una noche de insomnio la que permitió superar el kinetoscopio de Edison (ver imagen

11), creando el cinematógrafo (ver imagen 12) y colocándose como el último eslabon

de una cadena que iniciaría el fisionotrazo en 1786. (ver imagen 13)

Pero volviendo al hilo que me condujo a lo largo de todas estas reflexiones,

debo repreguntarme qué es de un ilustre ciudadano si no deja una huella permanente

en la historia de la que fue participe. Concluyo que esta nueva revolución también

supo alcanzar a la vanidad humana y es por eso que cabe destacar que los hermanos

de luz no sólo inmortalizaron sus rostros, sino su obra, el más poderoso de todos los

bastiones del hombre moderno. Ya no necesitar un retrato por solicitud propia, sino ser

digno de que aquel adversario quiera retratarlo, como un primer autógrafo y, ante todo,

como el gran logro de la tan anhelada fama. (Fromm, 2005).

Queda destacar una vez más, que el hombre no ha dejado ni dejará de ser

efímero. Que su obra es la única capaz de transgredir esta regla y que aun así, su

autoría no es fácilmente reconocible. Si encuestáramos a la población actual,



probablemente encontraríamos que un porcentaje considerable desconoce la historia y

a los creadores de la revolución dentro de la revolución; a aquellos que consiguieron

manipular la imagen y plasmar su progreso, que culminaron con el quiebre definitivo

hacia el presente, siendo capaces de participar en todas las imágenes que provinieran

en un futuro. Hoy, este inquieto individuo se alza invicto a pesar de los avances

posteriores. El lienzo, el soporte o la pantalla continúan simbolizando su presencia y

representando a los receptores eternos del gran espectáculo del arte.

4 DESARROLLO PRÁCTICO

4.1 PRESENTACIÓN DEL OBJETO

¿Qué vemos cuando vemos? ¿Qué interpretamos cuando creamos? Fueron

algunas de las preguntas que me hice cuando decidí qué objeto sellaría la

investigación iniciada tiempo atrás. Ese capaz de resumir a este individuo tan complejo

que fue el hombre moderno y que somos todos nosotros.

Creí que debí enfocarme en su mismísima individualidad, en la subjetividad que

nos vuelve tan humanos y tan únicos. El espejo fue frecuentemente aliado del juicio

social, pero no hay que olvidar que es un eterno reproductor de nuestra mirada, hacia

nosotros mismos, y que ofrece una pequeña muestra de esa mirada sobre el mundo.

El ángulo en el cual se posicionen los ojos es tan singular y tan subjetivo como

nuestras intenciones.

Las grandes obras de arte, en cualquiera de sus disciplinas o soportes son una

mera imitación de aquello que vieron sus ejecutores, de aquello que interpretamos sus

espectadores y es por eso que hoy, libro a quien tome este espejo en sus manos a

apuntar hacia donde desee compartiendo su punto de vista visual, a jugar con las

luces y las sombras que proyecte, a intentar imitar cualquier retrato burgués y a hacer

de esa imagen algo efímero, exclusivo, genuino.

Finalmente, y como ninguna de nuestras obras es perfecta, este espejo se

conforma de partes ensambladas, de defectos y de un marco inexistente, como la

inexistencia del límite que pudiera determinar su fin. Es nuestra vida la que se

conforma de experiencias y enseñanzas, de historias y de progresos que iniciaron



otros. Somos el espejo que se niega a declararse terminado, que ansía a unir más

fragmentos y a seguir ambicionando, la codiciada perfección.

4.2 IMÁGENES DEL OBJETO



5 CONCLUSIÓN.

A lo largo de estas hojas, de estos meses que tanto me enseñaron sobre

nuestro antecesor más cercano, descubrí que la ambición humana, lejos de cesar a

medida que nuestras herramientas se amontonan, aumenta enviciándonos en lo que

creemos que alguna vez podremos alcanzar, el absolutismo.

El conocimiento, la razón, el dominio sobre nuestros pares y sobre el entorno

que nos rodea no es más que nuestra firma, nuestra huella sobre el mundo. Creer que

esto es posible habla de una fe ciega, la misma que alimenta a las religiones y a las

creencias en cualquiera de sus formas; y de una virtud irremplazable y exclusiva de

nuestra especie.

Un escenario de índole medieval es prácticamente impensable e inimaginable

para nosotros, los individuos modernos y contemporáneos. Pero creo que en éste

largo trayecto de progresos, aciertos y errores cometidos, hay cuestiones perdidas que

no sólo serían útiles para aliviar nuestra mente acelerada, sino que nos permitiría

recuperar una parte de lo que realmente somos, seres sociales. En la vorágine de la

individualidad, hemos olvidado el sentido de solidaridad y el carácter necesario de las

relaciones entre hombres, tan distintivo del medioevo. (Fromm, 2015)

Y con ello no quiero apuntar a que el sistema medieval era absolutamente

perfecto, pues ninguna de nuestras creaciones lo es, pero sí creo en un equilibrio que

nos permita preguntarnos, y a la vez permitirnos la duda, el desconocimiento y la

tranquilidad que ello pudiera brindarnos, en vez del miedo al desconcierto y la eterna

búsqueda de respuestas que –en su mayoría– nos exceden.



6 ANEXO

Imagen 1: Crucifixión de Cristo, Misal de Wiergarten. Las figuras religiosas

comenzaron a representarse más humanizadas que divinas, y con rasgos de

sentimiento como el dolor.



Imagen 2: Fresco de la trinidad, Masaccio. Con una mirada plenamente

antropocentrista, los renacentistas apuntaron a recuperar el arte grecorromano y el

estudio del hombre, como creación más perfecta de Dios.



Imagen 3: Retrato de Giovanni di Bicci de’Medici. Considerado el creador de la fortuna

familiar y el patrón de las artes, Giovanni fue un hombre ambicioso y un

despreocupado de la política. Tras su muerte fue reemplazado por su hijo, Cosimo.



Imagen 4: El palacio de Versalles. Ejecutado por Luis XIV esta dominante residencia

resulta uno de los emblemas constructivos de la época.

Imagen 5:

Baco, Caravaggio.

Dentro de la línea naturalista

del Barroco, Caravaggio fue

evidentemente uno de los

artistas más destacados.

Con una impronta realista, sus

representaciones fueron

destacadas por los efectos

lumínicos y la complejidad de

sus composiciones, atrapando

al espectador y llevándolo por

diversas escenas de igual

impacto visual.

Fue reiteradamente repudiado

por la utilización de mendigos o

prostitutas para la encarnación

de figuras mitológicas o

religiosas.



Imagen 6: Triunfo de Baco y Ariadna, fresco de la cúpula del Palacio Farnesio. A

diferencia del Barroco naturalista, al cual culpaban de haberse descarrilado del camino

correcto, principalmente por culpa de Caravaggio, los clasicistas utilizaron colores más

claros, y temáticas cortesanas, con escenas más banales, festivas y mitológicas.

Imagen 7:

La venus

del espejo,

Velázquez.



Imagen 8: El palacio real de Madrid, España. Salón Gasparini. El Rococó con sus

recargados ornamentos no permite distinguir prácticamente ningún detalle a simple

vista, conformando una gran masa de información homogénea.



Imagen 9: Marriage à-la-mode, William Hogarth. El segundo cuadro de una serie de

seis, titulado El tête a tête, donde el artista apuntó a relatar diversos escenarios de la

vida cotidiana. Acentuando el tono burlesco de la situación, deja entrever las perlitas

de los matrimonios de la alta sociedad inglesa del siglo XVIII.



Imagen 10: Una litografía que promociona la lucha del alma en el anfiteatro real de

Philip Astley.

Imagen 11:

El kinetoscopio de Edison.

Basado en el concepto del

fonógrafo, Edison y su ayudante

Dickson desarrollaron un

artefacto capaz de reproducir

películas de 18mm y 35mm.

Fue presentado en su versión

definitiva el 9 de Mayo de 1983.

Imagen 12:

El cinematógrafo de los

hermanos Lumière.

Gracias al descubrimiento de la

persistencia retiniana, y

basándose en artefactos como

el kinetoscopio, crearon lo que

sería una cámara y un

proyector a la vez. Además de

poder extenderse a películas

más prolongadas que las de

Edison, también convirtieron

sus proyecciones en un evento

social comparable al del Circo.



Imagen 13: Fisionotrazo. En una época donde el tiempo era oro, los grabados

obtenidos mediante la utilización de este artefacto permitían a la sociedad portar

retratos de pequeñas dimensiones con una asombrosa claridad de imagen y en cortos

períodos de elaboración, principalmente para el modelo.



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