Fuera de la casa

Anne Pontégnie

Comisaria de Cranford Collection

La Cranford Collection es una colección particular animada por el deseo de estar en

comunicación con su época, con el arte, con las personas. En su década de

existencia, la colección no ha dejado nunca de abrirse a las miradas del exterior, sin

dejar de afirmar su dimensión privada: en efecto, se despliega en el corazón de una

casa, y forma parte del día a día de sus habitantes. De ahí que la invitación cursada

por Fundación Banco Santander haya constituido al mismo tiempo un reto y una

ocasión extraordinaria: el reto de pasar de la casa al espacio expositivo y la

oportunidad de pensar la colección con vistas a su exhibición y compartirla con un

público más amplio. La muestra se abre con una obra de Pierre Huyghe, I Do Not

Own Snow White (2006), que plantea con humor la cuestión de la propiedad. Se

trata de una forma de indicar, ya desde la entrada, que la propiedad de las obras es

una cuestión relativa, y que aunque las presentadas pertenezcan hoy a la Cranford

Collection, no dejan por ello de formar parte de un patrimonio que es de todos.

Paradójicamente, la exposición se abre y se cierra con sendas obras del artista

francés Pierre Huyghe, cuando el planteamiento adoptado ha sido el de reunir obras

creadas por artistas británicos y alemanes, dos ejes vitales de la colección. Aunque

otros puntos de vista habrían sido tan viables como legítimos, nos pareció

importante, con vistas a dotar de sentido a una muestra de estas características,

definir un marco que hiciera posible que las obras dialogaran y se enriquecieran

mutuamente, en vez de anularse en un simple muestrario. Esta decisión nos ha

permitido formar agrupaciones de obras que dan ocasión a los visitantes de

comprender el proyecto específico de cada artista, más allá del mero contexto

expositivo, y que ponen de relieve ese compromiso profundo que caracteriza a la

colección. Aunque la procedencia geográfica de los artistas pueda parecer un criterio

de selección bastante anecdótico, semejante elección remite a cuestiones más

fundamentales. Si se exceptúa a Bridget Riley y a Sigmar Polke —que podrían

perfilarse como figuras tutelares de la exposición—, los artistas cuyas obras se

exponen nacieron, en su gran mayoría, hacia mediados de los años cincuenta, en el

caso de los alemanes, y un decenio después los británicos. Efectos generacionales

y geográficos como estos atraviesan toda la historia del arte, y la Cranford Collection

comenzó sus actividades hace aproximadamente doce años, justo en el momento en

que el panorama del arte contemporáneo británico estaba en plena expansión.

Como era natural, la colección creció a partir de esa efervescencia y se construyó a

partir de ella; así lo atestiguan las obras de Damien Hirst, Sarah Lucas, Gary Hume,

Paul Noble y Rebecca Warren aquí expuestas. Entre las características propias de

los artistas británicos de esta generación figuran la de apoyarse en los códigos

tradicionales de la pintura y de la escultura y al mismo tiempo alterarlos, y la de

haber invertido el lenguaje del arte mientras toda una generación continental —a

menudo reunida bajo el estandarte de la estética relacional— se dedicaba a

redefinir las prácticas y las actitudes estéticas. Muy pronto la colección se centró en

los artistas que se dedicaban a deconstruir y a prolongar al mismo tiempo la historia

moderna del arte, y fue en Alemania, a finales de los años ochenta, donde una

generación de artistas nacidos después de la Segunda Guerra Mundial revolucionó y

reinventó los códigos de esta. Martin Kippenberger, Rosemarie Trockel, Albert

Oehlen, junto con Franz West en Austria, figuran entre los artistas europeos más

influyentes de los últimos treinta años. Con su asociación de irreverencia y maestría,

dieron nuevo impulso a unas prácticas agotadas, encajonadas entre las derivas

nostálgicas de la posmodernidad y los atolladeros doctrinarios del modernismo. En

este sentido, crearon un ambiente estético con el que sintonizó el panorama

británico de los años noventa. Entre los dos escenarios hay, desde luego, tantas

diferencias como puntos en común, y precisamente nos hemos basado también en

estos contrastes para construir la dinámica de la exposición, en la que el humor glam

rock de Jim Lambie se codea con la elegancia punk de Kippenberger, los cuerpos de

Rebecca Warren dan la réplica a la abstracción enérgica de Oehlen, y las

naturalezas muertas de Hirst entrelazan sus motivos con los hilos de las obras de

punto de Trockel. La exposición se articula en función de estos contrapuntos

múltiples: británico y alemán, femenino y masculino, pintura y escultura, abstracción

y figuración, pop y abyección, en un intento de abrir estas clasificaciones, y no de

inmovilizarlas.

Todas las obras expuestas fueron creadas desde finales de los años ochenta hasta

la actualidad. Esta coherencia es fruto del deseo de la colección de participar en la

aventura y en las experiencias de su tiempo, con todo el entusiasmo y con todos los

riesgos que ello implica. De ahí que Karla Black, Sophie von Hellerman y Spartacus

Chetwynd, que pertenecen a otra generación, participen en la muestra. Más

emancipadas del proyecto moderno que sus antecesores, estas tres artistas crean

obras que asumen sus imperfecciones y las emplean como instrumentos para

abrirse al exterior. Y es que importaba incluir en este proyecto un futuro posible.