october 6 – 17

out of nothing

tanz_house festival 2014

Out of nothing is notan unknown place.Out of nothing is maybea state of mind.

ImpressumVerein tanz_house, Hettwerstraße 1 / 13, 5020 Salzburg, Austria, www.tanzhouse.at, info@tanzhouse.atKuratorium: Anna Maria Müller & Tomaž Simatovic / Festivalorganisation: Barbis Ruder Redaktion: Anna Maria Müller, Roman Gerold, Joshua Korn, Tomaž Simatovic / Technische Leitung: Robert Herbe Grafik: Alexander Stürzer / Trailer: Joana Scrinzi / Beratung: Editta Braun / Danke an alle HelferInnen.

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Out of nothing.

Ausgehend von der Idee, dass Kunst als Stimulus für gesellschaftliche Bewegung und Veränderung wirkt, beginnen wir mit dem dies­jährigen tanz_house Festival als Plattform mit Zwischenräumen, die gefüllt werden müssen. In der zeitgenössischen Kunst gibt es viele zu füllende Zwischenräume: finanzielle, emotionale und kreative ... Wir laden ein, die Zwischenräume zu füllen, die Punkte zu verbinden, aktiv gemeinsam mit uns etwas entstehen zu lassen – connect the dots! Wer weiß, was daraus entstehen wird? Eingeladen sind freischaffende KünstlerInnen und Kompanien aus Österreich, Frankreich, USA, Deutschland, Slowenien, Türkei, Slowakei und Griechenland. Ziel ist ein Dialog innerhalb der choreo­grafischen Plattform tanz_house, mit eingeladenen Künst lerInnen und dem Publikum; ein Dialog, der den aktuellen ökonomisierten künstlerischen In­ und Output als „common good“ für eine besser informierte Gesellschaft reflektiert. Die ausgewählten Arbeiten repräsentieren verschiedene Profile zeitgenössischer KünstlerInnen – Entertainer, ProduzentInnen, Researcher, ErfinderInnen, Recycler, AktivistInnen, Troubleshooter, PoetInnen und doch immer auch PerformerInnen, die der Welt als soziopolitische BotschafterInnen gegenüberstehen. tanz_house Festivals sind nicht nur Plattformen, um fertige Produkte zu zeigen, viel mehr versuchen sie, die mögliche Zukunft über die gezeigten Tatsachen des Zeitgenössischen erfahrbar zu machen.

Anna Maria Müller & Tomaž Simatovic Kuratoren

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Eine Koveranstaltung mit der ARGEkultur Salzburg, in Zusammenarbeit mit Szene Salzburg.

7. 10. 20. 00 ARGE Saal CieLaroque / helene weinzierl Playtime<< <

8. 10. 20. 30 republic SEAD BODhi PROjECt /

Matija Ferlin Harmonielehre

8. 30 Site Specific Romain thibaud-Rose Garbage Embrace

13. 30 Morgens / mittags / abends in der Salzburger innenstadt

18. 00 Orte werden auf www.tanzhouse.at bekanntgegeben

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20. 00 ARGE Saal CieLaroque / helene weinzierl Playtime

20. 30 republic SEAD BODhi PROjECt /

Matija Ferlin Harmonielehre

8. 30 Site Specific Romain thibaud-Rose Garbage Embrace

13. 30 Morgens / mittags / abends in der Salzburger innenstadt

18. 00 Orte werden auf www.tanzhouse.at bekanntgegeben

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9. 10.

6. 10. 19. 00 ARGE Saal Ceren Oran & Gäste Out of nothing

Eröffnung des tanz_house Festivals 2014 Eintritt frei

20. 00 Bus Barbis Ruder Vermessen

20. 30 republic Rootlessroot /jozef Frucek &

Linda Kapetanea W Memorabilia

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tanz_house Festival 2014.October 6 – 17

13. 10. 18. 00 Leopoldskron UNDER CONStRUCtiON shellter

Bustransfer 17. 45 ab ARGEkultur

Bei jedem Wetter

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11. 10. << <

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18. 00 ARGE Studio Georg hobmeier Revolting Bodies Eintritt frei

19. 00 ARGE Saal editta braun company Paula

19. 30 ARGE Saal julian Barnett Bridge

12. 10. 19. 00 ARGE Saal editta braun company Paula

19. 30 ARGE Saal editta braun company instant, vol. 3

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16. 10. << <

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19. 00 tanz_house studio julia Schwarzbach shell (Video Screening)

Eintritt frei

20. 00 ARGE Saal tomaž Simatovic Pulse

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19. 00 tanz_house studio julia Schwarzbach shell (Video Screening)

Eintritt frei

20. 00 ARGE Saal tomaž Simatovic Pulse

PreiseVeranstaltungen im ARGE Saal(ausgenommen Eröffnung am 6. 10.):Vorverkauf: € 16 / Abendkasse: € 18Veranstaltungen im republic:Vorverkauf: € 20 / Abendkasse: € 22

Ermäßigungen50% vom Abendkassenpreis im Vorverkauf für Studen­tInnen, SchülerInnen, KollegInnen­Regiekarten.10% für Ö1 Mitglieder und SN­Clubcard Mitglieder.Diverse Ermäßigungen in der ARGEkultur im Überblick unter www.argekultur.at/service

KartenvorverkaufARGEkultur (für alle Veranstaltungen in derARGEkultur und für shellter am 13. 10. ):Ulrike­Gschwandtner­ Str. 5, 5020 Salzburg+43 (0) 662 848784, tickets@argekultur.at, www.argekultur.atMo – Fr: 10. 00 – 14. 00 (Servicebüro 2. Stock) undMo – Fr: 17. 00 – 19. 00 (Infopoint/Eingang)

ö­ticketcenter republic (für Veranstaltungen im republic): Anton­Neumayr­Platz 2, 5020 Salzburg+43 (0) 662­843711Mo – Fr 10. 00 – 19. 00Sa 10. 00 – 17. 00, www.republic.at

Ceren Oran & Gäste.Out of nothing

6. 10.19.00 ARGE Saal

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Eintritt frei

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Eine Produktion von tanz_house.

Ceren Oran und Tomaž SimatovicCeren OranJoana ScrinziRobert Herbewww.cerenoran.com

KonzeptSoundpainterVideoLichtWebsite

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Eröffnung des tanz_house Festivals 2014mit Soundpainterin Ceren Oran

„Soundpainting“ ist eine multidisziplinäre Zeichensprache für Musike ­ rInnen, TänzerInnen oder SchauspielerInnen, die 1974 von dem Komponisten Walter Thompson entwickelt wurde und stetig erweitert wird. Sie ermöglicht es, live zu choreografieren oder zu komponieren.

Soundpainting is a multidisciplinary sign language used by musicians, dancers, and actors, to create instant compositions. It was developed in 1974 by composer Walter Thompson and is constantly being expanded.

Ceren Oran wurde 1984 in Istanbul geboren und studierte modernen Tanz an der Salzburg Experimental Academy of Dance (SEAD), wo sie das Masters­Program ICE absolvierte. Oran arbeitet als frei ­ be rufliche Tänzerin, Choreografin und Soundpainterin. Oran hat für verschiedenste ChoreografInnen und in inter­ na tionalen Ensembles getanzt. Sie hat sowohl in Amerika als auch in Europa mit interdisziplinären KünstlerInnen eigene Projekte realisiert. Derzeit ist sie Darstellerin am Salzburger Toihaus. Neben zahlreichen Auslandsauftritten leitet sie auch Workshops für alle Altersgruppen. Orans Karriere als Soundpainterin und Soundpainting­Aus­bilderin begann vor vier Jahren. Sie unterrichtet die Bühnen­Zeichen­sprache an Konservatorien und bietet international Workshops an.

Barbis Ruder.Vermessen

6. 10.20.00 Bus

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7 In ihrer Performancereihe Art Work Out widmet sich Barbis Ruder den Verbindungslinien zwischen Körperbildern, Kunst und Marktwirt ­ schaft in den Bereichen Sport und Arbeit. In der performativen Intervention Vermessen wird die Länge dieser Verbindungslinien festgestellt und in Beziehung zu kulturellem und marktwirtschaftlichen Wert gesetzt. Ruder nimmt Maß – im Theater, auf Wegen, im Bus und in der Stadt – und berechnet Flächen: Wieviel sind so ein paar Quadratmeter wert? Um wieviel wertvoller wird ein „Standort“ durch die Kunst und wie rechnet man die Wertsteigerung in Fläche um? Vermessen möchte den aktuellen Zustand in Frage stellen und ungekannte Verbindungslinien ziehen. Das Publikum ist eingeladen, selbst Institutionen und Prozesse zu hinterfragen – und das gerne auf so vermessene Art wie möglich. In einem Parcours zwischen Bühne und Bus wird die Intervention mit einer Kombination aus Warm­Up, Laufen und Vermessungsarbeiten zu schnellen und korrekten Ergebnissen kommen und dabei auch die beiden Stücke des Eröffnungsabends verbinden.

Ruder’s performance series Art Work Out examines the connecting lines between body images and art and market economy in the sectors of sports and work. The performative intervention Vermessen, which in German means both “to measure” and “foolhardy,” measures the length of these connection lines and relates them to cultural and economic value. Ruder literally takes measurements – on the stage, on paths, on the bus, and in the city – and calculates areas: What’s the value of this square meter? How much does the value of a location increase by adding art and how do you convert this value into square meters? Vermessen questions current states and aims to discover unknown connecting lines. The audience is invited to question institutions and processes on their own as foolhardy as possible.

Barbis Ruder diplomierte in Kulturmanagement und studiert Trans ­ mediale Kunst in der Meisterklasse von Brigitte Kowanz an Uni ­ versität für angewandte Kunst Wien. 2014 erhielt sie das danceWEB Stipendium des Impulstanz Vienna International Dance Festivals sowie den Performancepreis h13, der vom Kunstraum Nieder ­ öster reich vergeben wird. Ruders Themen sind Wirtschaft, Arbeit, Rollenbilder, Romantik, Intimität. Sie ist Mitglied der Popband What’s Inside A Girl. Ruder lebt und arbeitet in Wien.

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Eine Koproduktion von WUK performing arts.Mit freundlicher Unterstützung der Kulturabteilung Wien.

Barbis Ruderwww.barbisruder.com

PerformanceWebsite

Rootlessroot /jozef Frucek & Linda Kapetanea.W Memorabilia

6. 10.20.30 republic

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Rootlessroot /Jozef Frucek & Linda Kapetanea Rootlessroot, Nikoleta Frintzila, Martha FrintzilaVassilis MantzoukisSofia Alexiadou & RootlessrootJozef Frucek, Vassilis MantzoukisIsabelle LhoasMartin KubranLinda Kapetanea

Konzept und ChoreografieProjektentwicklungMusikLicht DesignBühnenbildKostümeDramaturgiePerformerin

Koproduktion des Athens Festivals.© M

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W Memorabilia (Phaedra‘s Laboratory) erkundet Weiblichkeit anhand der archetypischen, dunklen, tragischen Heldinnen Phaedra, Medea, Pasiphae. Im Mittelpunkt stehen menschliche Emotionen und der Ausdruck geheimer Wünsche durch den mitunter leidenden Körper. Der Begriff „Labor“ wurde gewählt, weil der Prozess wich­tiger ist als das Endergebnis. Jede Aufführung zeitigt unvorhersehba­re Ergebnisse. Auf der Bühne werden rohe Materialien handwerklich gestaltet und wieder zerstört. Als Material wird dabei auch der menschliche Körper verstanden. Er bleibt allerdings bestehen und produziert, direkt oder indirekt, den Soundtrack.

W Memorabilia (Phaedra‘s Laboratory) examines femininity on the basis of the archetypical, dark and tragic heroines Phaedra, Medea, and Pasiphae. The main focus lies on human emotions and the ex­pression of secret wishes by the – sometimes suffering – body. The term “laboratory” was chosen to indicate that the process is more important than the end result. Each performance gives unpredictable results. On stage, raw materials get shaped and destroyed by handcraft. The human body is one more material on stage, although it persists. It produces the soundtrack both directly and indirectly.

Die früheren Ultima­Vez­Tänzer Linda Kapetanea (GR) und Jozef Frucek (SK) gründeten RootlessRoot 2006 als bewegungsorientierte Plattform für ihre künstlerische Arbeit. Seither haben sie über 21 Produktionen gestaltet, auch für andere, internationale Kompanien. Ihre vielseitige Ausbildung und ihren reichen Erfahrungsschatz investieren sie – vor allem durch die Forschungsplattform Fighting Monkey – in die Entwicklung neuer Trainingsmethoden, mit denen sie die Potenziale menschlicher Bewegung fördern.

CieLaroque / helene weinzierl.Playtime

Mit Unterstützung von Bundeskanzleramt-Kunst, Salzburg Stadt:Kultur, Salzburg Land:Kultur, tanzimpulse Salzburg.

Helene WeinzierlYuri Korec, Luan de Lima da Silva, Mami Izumi, Viviana EscaléOliver StotzPeter ThalhamerBarbis Ruderwww.cielaroque.at

Choreografie, Regiein Zusammenarbeit mit den TänzernSound, KompositionLicht Design, VideoDramaturgische BeratungWebsite

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7. +9. 10.

20:00 ARGE Saal

8. 10., 14. 00 – 15. 30 hWorkshop mit CieLaroque undum 16. 30 Uhr Vorstellung fürSchüler Innen / StudentInnen mitanschließendem KünstlerInnen­gespräch. Infos untermanagement.cielaroque@subnet.at

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11 In Ordnung, Sie haben sich Zeit genommen, das Stück anzuschauen. Ist das für Sie viel Zeit, oder geht´s gerade so? Unterliegen Sie der Täuschung, dass Sie Zeit hätten? Sie merken die Geschwindigkeit nimmt zu, der Pulsschlag zeigt auf Raserei. Sie bewegen sich immer schneller fort, kommunizieren pausenlos, bewegen riesige Datenberge und lassen sich vom Klingeln ihres Telefons aus dem Schlaf wecken. Zugegeben, ja, ja doch wir können es uns das sehr gut vorstellen. Sie sind deswegen sogar oder vielmehr deswegen auch noch in Therapie. Oder kurz davor. Ein Vorschlag: Wir verkaufen Ihnen 60 Minuten unsere Zeit, Sie kaufen uns und unsere Zeit. Aber Vorsicht, es ist ein Geschäft und wir verstehen unser Geschäft. Wir sind Kinder der New Economy, des globalen Marktes, wir sind gut vernetzt, gut ausgebildet, jederzeit und überall einsetzbar, transhomoglobalheterokommunikativ­reaktiv, prekär, teilweise reaktionär. Wir haben keine Skrupel Sie abzuzocken. Allerdings haben Sie einen Zeitjoker auf Ihrer Seite. Für so manche/n von uns kann es ganz, ganz schnell knapp werden und ein jähes Ende droht.

Take the time to watch our piece. Is this a lot of time for you, or is it just fine? Do you seriously believe that you’d have time? The pace of earthlings has accelerated. They move faster, they communicate ceaselessly, move enormous mountains of data, and are fine with being woken up from their sleep by ringing phones. We have to admit that we can easily imagine this situation. Are you, maybe, in therapy, or are you about to be? One proposal: We sell you 60 minutes of our time, and you buy it. But be careful, it’s a commercial trade and we know what we’re doing. We are children of the new economy and the global market. We are well networked, well educated, all­purpose beings, transhomo ­ global heterocommunicativereactive, precarious, partly reactionist. We don’t hesitate to rip you off. At the same time, we offer you an extra lifeline that might help you, if time gets short on stage.

Die Salzburger Choreografin Helene Weinzierl erhielt ihre tänzeri­sche Ausbildung in Paris und München. 1995 gründete sie nach mehr als zehnjähriger Tätigkeit als Tänzerin u.a. bei Bruno Genty, Jean­Yves Ginoux, Robert Wechsler und Roxane Huilmand die Kompanie CieLaroque/helene weinzierl, mit der sie auf Festivals weltweit gas­tierte. Ihre Arbeiten wurden mit zahlreichen internationalen Preisen ausgezeichnet. 2010 erhielt Weinzierl den Förderpreis für Kunst und Kultur der Stadt Salzburg. Die Produktion democrazy wurde 2012 vom Bundesministerium für Unterricht, Kunst und Kultur prämiert.

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8. +9. 10.20:30 republic

SEAD BODhi PROjECt /Matija Ferlin.Harmonielehre

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Matija FerlinBODHI PROJECTwww.sead.at

Konzept und ChoreografiePerformanceWebsite

In seinem neuesten Stück für die Kompanie BODHI PROJECT der Salzburg Experimental Academy of Dance (SEAD) untersucht Ferlin das Phänomen Harmonie. Wie kommt Harmonie zustande? Wie lässt sie sich wiederherstellen, wenn sie verlorengegangen ist? Ferlins furioses, vierzigminütiges Werk basiert auf der Struktur klassischer Musikstücke und zeigt ein mitreißendes Arrangement aus turbu­ lenten, kantigen und rauen Bewegungsmustern, die die Grenzen des physisch­tänzerisch Machbaren ausloten.

Matija Ferlin examines the phenomenon of harmony in his latest piece for BODHI PROJECT, a company based in the Salzburg Experimental Academy of Dance (SEAD). How is harmony defined and how does it come together? How can one reestablish harmony once it has been lost? Ferlin’s furious, 40­minute­long piece is based on the structure of pieces of classical music. It offers a stirring arrangement of turbulent, angular, and rough movements that reach the limits of physical feasibility.

Matija Ferlin wurde 1982 in Kroatien geboren. Ausgebildet in Medien ­ kunst, Grafik, Schauspielerei und Tanz realisiert er interdisziplinäre Arbeiten. Neben Performances produzierte Ferlin Kurzfilme und zeigte seine Werke in Ausstellungen in Europa und Amerika. 2011 wurde er als Choreograf vom New Yorker V Magazine ausgezeichnet. Ferlin lebte in Amsterdam und Berlin, bevor er in sein Geburtsland zurückkehrte.

Die Salzburg Experimental Academy of Dance (SEAD) wurde 1993 von Susan Quinn gegründet und hat sich seither als eines der wichtigsten europäischen Ausbildungszentren für zeitgenössischen Tanz etabliert. Mehr als 100 StudentInnen aus den verschiedensten Ländern der Welt besuchen derzeit die unterschiedlichen Ausbildungs­programme der Akademie – von der vierjährigen Undergra duate­Ausbildung bis zu den beiden einjährigen Postgraduate­Programmen für professionelle ChoreografInnen und TänzerInnen. Unter dem Titel BODHI PROJECT führt das SEAD eine Kom panie für zeitgenössischen Tanz mit wechselnder Besetzung. Das BODHI PROJECT bietet jungen TänzerInnen, die ihre Grundaus bil ­ dung abgeschlossen haben, eine Brücke hin zum professionellen Berufsfeld des zeitgenössischen Tanzes. In Abschnitten von je mehreren Wochen arbeiten die TänzerInnen mit international renommierten ChoreografInnen zusammen. Die Stücke des BODHI PROJECT kommen national und international zur Aufführung.

Romain thibaud-Rose.Garbage Embrace

8. +9. 10.

Salzburgerinnenstadt

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8. 30 h, 13. 30 h, 18. 00 hOrte werden auf www.tanzhouse.at bekanntgegeben.

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In Zusammenarbeit mit: tanz_house Festival undMozarteum / Carl-Orff-Institut Salzburg.

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Romain Thibaud­RoseAli Aldrawsha, Max Schumacher, Romain Thibaud­Rose und Studierende des Carl­Orff­Institut Salzburgwww.garbage­embrace.com

Konzept / ProjektleitungPerformerInnen

Website

Mistkübel begegnen uns in europäischen Städten ungefähr alle 50 Schritte. Die ortsspezifische Performance Garbage Embrace erforscht die verschiedenen Möglichkeiten, sie zu umarmen: Ein Akt der Liebe und Zärtlichkeit wird einem Gegenstand zuteil, den man gemeinhin mit Unbrauchbarem oder gar Ekelerregendem assoziiert. Im öffentlichen Raum richtet sich schnell Aufmerksamkeit auf eine solche Aktion. Ein gemeinhin irrelevanter Raum wird zur Bühne, auf der Passanten mit dem Ungewohnten konfrontiert werden. Den Künstler Romain Thibaud­Rose interessieren die Prozesse, die dadurch ausgelöst werden: die unlösbaren inneren Konflikte, in die so mancher Passant zu stürzen scheint, aber auch das große Rätselraten nach den Gründen, ob diese etwa ökologischer oder soziopolitischer Natur sind.

We encounter rubbish bins in European cities every 50 steps. The site­specific performance Garbage Embrace explores the various possibilities of embracing them. A gesture of love is thereby applied to an object that’s commonly associated with the useless or even the disgusting. In the public space, such an action quickly draws attention to itself. A space that’s usually irrelevant becomes a stage from which passersby get confronted with the unfamiliar. Romain Thibaud­Rose is interested in the capacity of the unknown to allow a new dialogue situation. Passersby, confronted with the unexpected begin to speculate in order to face their experience. Some of them would even interact with their surroundings to address and share their speculations for the reasons of their experience, whether they are ecological, sociopolitical, or, of another nature.

Der französische Künstler Romain Thibaud­Rose wurde 1984 geboren und lebt in der Gegend von Frankfurt am Main. Von 2007 bis 2010 studierte er an der Universität Frankfurt klassische und zeit genös sische Darstellende Kunst unter der Leitung von Prof. Dieter Heitkamp. Aktuell arbeitet Thibaud­Rose – neben seinem Masterstudium für Choreografie und Performance an der Universität Giessen – als frei­schaffender Choreograf, Performer und Videokünstler.

UNDER CONStRUCtiON.shellter

13. 10.18.00 Garten in Leopoldskron

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17 Die shellter der Künstlergruppe UNDER CONSTRUCTION sind Gebilde, die stetig wachsen, Skelette, die immer in Bewegung sind. Sie bilden Landschaften und machen innere Architektur nach außen wahrnehmbar. Auf der intuitiven Suche nach einer „Poetik des Bauens“ zieht sich die Künstlergruppe UNDER CONSTRUCTION in die Unmittel­ barkeit des Tuns zurück, in überschaubare, kleine Kreisläufe. In der idyllischen, heimelig­geschützten Heterotopie Garten reflektiert die Gruppe Vorgänge des globalen Makrokosmos. UNDER CONS TRUC­TION versucht ein „Bauen von unten“, abseits von Elitarismus und Exklusivität: Nach welchen Dimensionen verlangen die menschlichen Sinne? Welche Ausmaße kann der Mensch verkraften? Die shellter sind der Versuch einer „naiven Raumenwicklung“. Unmittelbares, kör ­ perliches Wissen ist wichtiger als kopflastiges Expertentum. Als Besucher ist man eingeladen, Teil eines Bauprozesses zu werden. Man betritt eine Umgebung, die nicht nur intuitives Erfahren, sondern auch spontanes Erzeugen und Verändern ermöglicht.

UNDER CONSTRUCTION’s shellters are structures that constantly grow, skeletons that ceaselessly move. They form landscapes and make an inner architecture visible to the outside world. During their intuitive search for a “poetry of building,” the group UNDER CONSTRUCTION moves back the immediacy of doing into small, manageable circuits. They reflect global macro ­ cosm’s phenomena in the idyllic, homelike, and protected hetero topy of the garden. UNDER CONSTRUCTION aims for “bottom up building,” avoiding elitism and exclusivity: What dimensions do the human senses ask for? To what extent is it bearable for humans? UNDER CONSTRUCTION are practicing a naive development of space. Immediate processes and the knowledge of the body are more important than expertise. As a visitor, you are invited to become part of the building process. You enter an environment that allows an intuitive experience as well as a spontaneous creation and intervention.

< Garten in Leopoldskron. Treffpunkt ARGEkultur, 17.45 Bustransfer zur Location. (Rücktransport zur ARGE, Verweilen bei uns ist möglich!) Begrenzte TeilnehmerInnenanzahl! Anmeldung erbeten (bitte bis 12. 10. 2014) unter tanzhousefestival@gmail.com

< Garden in Leopoldskron. Bus transfer 17. 45 from ARGEkultur. Limited tickets! Please register (until 12. 10. 2014) at tanzhousefestival@gmail.com

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Beate Kaulitz, Mirjam Klebel, Nic Lloyd, Julia SchwarzbachCast

Danke an alle Mitglieder von UnDER COnSTRUCTIOn und das Team der Szene Salzburg.

Georg hobmeier.Revolting Bodies

11. 10.18.00 ARGE Studio

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Eintritt frei

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Durchgeführt mit der Unterstützung von Gold Extra.

Georg HobmeierPerformance

Performance lecture mit Video Screening

Revolting Bodies ist ein Workshop, ein Laboratorium, ein Experi ment, in dem wir Choreografien entwickeln, mit denen man auf Aus­nahme zustände im öffentlichen Raum reagieren kann. Basierend auf früheren Arbeiten wenden wir dabei sowohl Strategien aus der Protestkultur als auch aus dem Performancebereich an. Durch die Einschränkung der performativen Werkzeuge sowie die Zurück­ nahme von Aktivität und Bewegung im Raum setzen wir uns von der Zielstrebigkeit der uns umgebenden Stadt ab. Revolting Bodies ist ein Projekt aller beteiligten Personen, unter anderem von Ioanna Kampylafka, Synes Elischka und Georg Hobmeier.

Revolting Bodies is a workshop, a laboratory, and an experiment in which we develop choreographies that are able to establish a state of emergency in the public space. Based on former works, we employ strategies of protest culture as well as strategies from the field of performance. By reduction of both activity and movement, we establish a difference between us and the purposefulness of the urban environment we act in. Revolting Bodies is a project of all the people involved, which are, amongst others, Ioanna Kampylafka, Synes Elischka, and Georg Hobmeier.

Georg Hobmeier wurde in Tirol geboren. Zwischen 1997 und 2013: zahlreiche theatrale Tätigkeiten sowie Studium von Theorie und Praxis der Choreografie. Seit 2013 befasst er sich mit Weltverbesserungs­ design und ungewöhnlichen Formen der Medienkommunikation.

revoltingbodies.tumblr.comWebsite

editta braun company.Paula

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11. +12. 10.19. 00 ARGE Saal

21 Paula ist eine Frau, die an früher denken lässt und an Heimatfilme: an nasse Erde, grobe Stiefel, wolkenverhangene Täler und in der Morgensonne leuchtende Gipfel. Aus Oberösterreich kommt schließlich auch Marlen Haushofer, deren Roman Die Wand von einer Frau erzählt, die in der Einsamkeit der Berge, mitten unter Tieren, plötzlich ganz auf sich gestellt ist, abgeschnitten vom Rest der Welt – oder zumindest von dem, was davon noch übrig ist. Haushofers Entwurf – der unlängst auch verfilmt worden ist – dient als Ausgangspunkt für die Zusammenarbeit zwischen Braun und Heitzinger. In Paula erforschen die beiden Künstlerinnen die Themen Grenzen, Beschränkung und Behinderung, Alleinsein und Ursprünglichkeit. Sie begeben sich auf die Suche nach dem, was wirklich zählt.

Paula is a woman, who makes you think of former times. She evokes memories of heimatfilme (homeland films) – wet soil, chunky boots, and valleys that are hidden beneath clouds and mountain peaks reflecting the morning sun. Austrian writer Marlen Haushofer is also from Upper Austria. Her novel Die Wand (The wall) tells the story of a woman’s solitude in the mountains, among animals. She is suddenly all on her own, isolated from the world – or at least from what is left of the world. Haushofer‘s novel, which has been recently adapted into a film, is the starting point for the collaboration between Braun and Heitzinger. In Paula, they explore the topic of constraint, loneliness, and nativeness. They set out on a search for things that really matter.

Editta Braun, gestillt in Seeberg am Attersee. Sympathisiert mit der kommunistischen Community in Vöcklabruck, studiert Germanistik und Sportwissenschaften in Salzburg. Politischer Aktivismus: weit links, Frauen. Gründet gemeinsam mit Beda Percht das Salzburger Performancekollektiv Vorgänge. Tanzausbildung: New York, Senegal, Paris. Pendelt im Orientexpress. Collision mit Jean­Yves Ginoux öffnet internationale Türen. 1989 Gründung der editta braun com pany (ebcie.). Tour­Highlights: Kairo, Lahore, Novosibirsk, Jerusalem, Marseille, El Kef, Edinburgh, Tallinn und viele andere. Verwurzelung: Thierry Zaboitzeff, der Garten in Rif, Untersberg, Seen. Katzen. Die Ägäis.

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Iris HeitzingerThierry ZaboitzeffThomas Hinterberger, Peter ThalhamerGerda Poschmann­ReichenauEditta BraunEditta Braun, Arturas Valudskis

Tanz, Kreation, PerformanceKompositionLichtdesignDramaturgieChoreografie, RegieAusstattung

Mit Unterstützung von Bundeskanzleramt-Kunst, Stadt Salzburg:Kultur, Land Salzburg:Kultur.

editta braun company.instant, vol. 3

12. 10.19.30 ARGE Saal

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23 Alles ist heute berechnet. Die Vergangenheit wird in unermesslichen Datenspeichern archiviert, die Zukunft von Algorithmen prognos tiziert. Nur wenig ist dem Zufall überlassen. Instant entwirft demgegenüber einen Ort purer Gegenwart, an dem Überraschung das Prinzip ist. Instant ist ein einmaliger Live­Dialog, der alle Beteiligten, sowohl auf der Bühne als auch im ZuschauerInnenraum einschließt. Die Zurufe der Choreografin sind ebenso wie die Musikeinspielungen ungeplant: Sie sind spontane Reaktionen auf das, was auf der Bühne geschieht. Fehler sind erlaubt, Spielen ist die Devise. Die gesteigerte Aufmerk samkeit füreinander kann dabei nicht nur zu magischen, sondern auch zu geradezu „intimen“ Momenten führen.

Nowadays, everything is calculated. The past is archived in immeasur ­ able data repositories and algorithms forecast the future. Few things are left to chance. In opposition, Instant creates a space of pure presence, where surprise is the principle. Instant is a nonrecurring live­dialogue that includes all par ­ ticipants: those on stage as well as those in the audience. The voice of the choreographer and the recorded music, which is operated live, is unplanned: Both are spontaneous reactions to what is happening on stage. Mistakes are allowed and playing is the motto. The increased concentration on each other might lead not only to magical, but also, even, to intimate moments.

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PerformerInnen(* Studierende des Institutefor Dance Arts, Bruckneruni Linz)KompositionLichtdesignInstant ChoreografieWebsite

Martyna Lorenc*, Matan Levkowich, Jerca Rožnik Novak*, Leon Maric*, Valentin Alvery Thierry Zaboitzeff Peter ThalhamerEditta Braun www.editta­braun.com

Mit Unterstützung von Bundeskanzleramt-Kunst, Stadt Salzburg:Kultur, Land Salzburg:Kultur.

julian Barnett.Bridge

11. 10.19.30 ARGE Saal

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Julian BarnettJocelyn Tobias, Julian BarnettDiego Gil www.julianbarnett.com

Konzept, ChoreographiePerformanceDramaturgieWebsite

Mit Unterstützung und Koproduktion von K3 Tanzplan Hamburg (DE), ArtEZ (nL), Dance Ireland (IE), AUnTS and Movement Research (USA).

In Bridge geht es um Kommunikation, die sich durch die Unterwan­derung und Dekonstruktion sprachlich­linguistischer Ordnungen entspinnt. Die Performance bezieht sich auf Roland Barthes’ Idee von der „Körnung der Stimme“. Diese Körnung ist auf den Körper zu ­ rückzuführen, der mit der Stimme in einer symbiotischen Beziehung steht. Bei Julian Barnett wird die Stimmgebung zur treibenden Kraft der Choreografie. Auf der Bühne entsteht aus zwei aneinander angrenzenden Solos ein Duett. In diesem werden einerseits kommunikative Barrieren deutlich, andererseits werden Anknüpfungspunkte für einen Brückenbau sichtbar. Das Publikum ist als dritter „Gesprächspartner“ miteinbezogen, wenn die beiden „Symbiosen“ aus Körper und Stimme unter vielen Mühen, aber auch mit Humor, versuchen, Verbin dungen herzustellen.

Bridge is about communication that unfolds through eroding and deconstructing linguistic order. The performance refers to the “Grain of the Voice,” a term coined by Roland Barthes. That “grain” is a sign of the symbiotic relationship between the body and the voice. In Bridge, vocalization is the driving force behind the choreography. On stage, two adjacent solos form a duet in which, firstly, communicative barriers become visible. Secondly, the conjunction points for “bridges” are explored. The audience is included as the third communication partner, while the “voice­body­symbiosis” on stage strives for connection—a lot of effort, yet with humor.

Julian Barnett wurde 1980 in Tokyo geboren. Er studierte an der Tisch School of the Arts in New York und absolvierte ein Master ­ programm am ArtEZ in den Niederlanden. 2012 erhielt Barnett ein Impulstanz­Stipendium. Seine jüngsten Arbeiten (u.a. Blue Marble) realisierte er als Artist in Residence bei K3 Tanzplan in Hamburg (2013­2014). Barnett unterrichtet, konzipiert und performt vor dem Hintergrund eines Choreografieverständnisses, das auch etwa Sprache, Gesang, Musik oder Aktivismus einbezieht.

julia Schwarzbach.shell

16. +17. 10.

19:00 tanz_house studio

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Julia SchwarzbachBarbara Bess, Rosalind Crisp, Renate Graziadei /LaborGrasJulia Schwarzbach, SensoReye Production

TanzCoaching, ChoreografieCredits

Video Screening

Ein Körper, der auf sich allein gestellt ist. Ein Atmen, ein Ausei nan ­ derlegen von Schichten. Innere Räume, die nach außen sichtbar werden, die stützen, halten, umschließen, beschützen, aber auch bloßlegen und mitunter einstürzen; die Gewicht und Gegen ge­ wicht schaffen und den Sinnen dabei ungewohnte Verbindungen ertastbar machen. In dem 20­minütigen Solo shell setzt sich die Tänzerin Julia Schwarzbach mit den Bauweisen ihrer „inneren Architektur“ auseinander. In den endlosen Artikulationen des Körpers sucht sie nach Verbindungsmöglichkeiten zwischen dem ureigenen und dem äußeren Raum.

A situation alone with the body. A breathing. Inner spaces that emerge, become visible on the outside. Layers that are being spread ... they hold, enclose, protect, lay things bare and occasionally collapse. A constant realigning of inner and outer spaces. In the 20­minute­long solo shell, dancer Julia Schwarzbach examines the construction of her „inner architecture“. During an endless stream of articulation of the body, she searches for possible connections between the utterly private space and the environment.

Julia Schwarzbach wurde 1980 in München geboren und lebt als Tänzerin und Performerin in Salzburg. Schwarzbach schloss an der Roehampton University London mit einem Master of Performance and Creative Research ab und studierte zeitgenössischen Tanz an der Salzburg Experimental Academy of Dance (SEAD). Erste Engage­ ments erfolgten u.a. bei Sasha Waltz, Zoe Knights und Markus Gerber. Schwarzbach arbeitet als Teil der Gruppe UNDER CONSTRUCTION nicht nur in konventionellen, sondern auch in „Ad­hoc­Freiluft­Studios“. UNDER CONSTRUCTION ist eine in Salzburg arbeitende Gruppe von KünstlerInnen aus unterschiedlichen Disziplinen, die sich seit Februar 2014 mit Fragen der Raum­Körper­Relation und des „einfachen Bauens“ auseinandersetzt. In Laborsituationen schafft UNDER CONSTRUCTION Orte sozialer Nähe, die sinnlich erfahrbar sind.

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tomaž Simatovic.Pulse

16. +17. 10.20:00 ARGE Saal

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Konzept, ChoreographiePerformanceLichtOriginelle MusikkompositionLyrics und TextWebsite

Tomaž SimatovicGudrun Raber­Plaichinger, Ceren OranAlex Breitner und Robert Schmidjell Gudrun Raber­Plaichinger mit Ceren OranGudrun Raber­Plaichinger, Ceren Oran, Tomaž Simatovicwww.tomazsimatovic.com, www.toihaus.at

Eine Produktion von Toihaus Theater Salzburg.

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Pulse ist eine Ballade über unmögliche Liebesgeschichten, die sich als musikalische Performance tarnt. Beim Singen, Rezitieren und Tanzen zu Livemusik treiben zwei Performerinnen ihre emotionalen Äußerungen auf die Spitze. Bestimmend für die besondere Stimmung des Stücks ist der Soundtrack: Die geschmeidigen, sinnlichen, manchmal aber auch provokanten Songs von Marvin Gaye treffen auf die schnei den den und rachsüchtig anmutenden Klänge der irischen Band The Cran berries. Ergänzt wird der Cocktail aus Popmusikzitaten von Kompositionen, die die Violinistin Gudrun Raber­Plaichinger eigens für Pulse geschrieben hat.

Pulse is a ballad about impossible love stories, hidden in a musical performance. Through singing, reciting, and dancing, two performers take their emotional utterances to extremes. Pulse’s specific atmosphere originates in its soundtrack: The smooth, sensual, yet sometimes provoking songs of Marvin Gaye meet the sharp and vengeful tone of the Irish band The Cranberries. Song and music that violinist Gudrun Raber­Plaichinger wrote espe ­ cially for Pulse add to this cocktail of pop music quotes.

Tomaž Simatovic wurde in Slowenien geboren. Er absolvierte die Salzburg Experimental Academy of Dance (SEAD) und schloss die ArtEZ in Arnhem mit einem Master in Choreografie ab. Simatovic hat mit verschiedensten KünstlerInnen zusammengearbeitet und war viele Jahre lang Mitglied der editta braun company. Seit 2009 realisiert er eigene Arbeiten, unter anderem unter dem Schirm des tanz_house Salzburg. Simatovics Forschungsinteresse gilt der „cross­disciplinary performance“. Er untersucht die Beziehungs­ geflechte innerhalb von Aufführungssituationen, indem er sowohl bei seinen Akteuren als auch beim Publikum physische und emotionale Prozesse anregt. Seine Inspiration zieht Simatovic derzeit aus Musik und Cinema tografie. Neben der Bühnenarbeit unterrichtet Simatovic Tanz und Anverwandtes.

Do you start out of nothing?

31 jozef Frucek.

You are asked to explainAsked for purpose, statement ofintention and conceptBut there is nothingAll comes out of nothingAnd there is nothing to explain

Except for acceptance that What we doWhat isAnd who we areIs flux, constant change.

What we do is not usIt comes to usOut of somewhere, nowhereNo one knows what it is What is this.

This time it is about Woman’s MemorabiliaStructureObjectsSculptureEntitySocial structureObject of desire.Journey to discover the mysticinfrastructure of womanSearch for strong female characters, powerful antic and classic figures as Phaerda, and Medea.To express archetypical imagery of a woman,Away from racial, premeditated andconceptual impotency Into the memory of the soul, into the so calledlow art­ sensuality, pleasure, decadence,chaos, eroticism and most of all to the lostbeauty of athleticism. Strength and bodily action are thrown to the unpredictable and emotional expression of falling women, burned in desire to build their own world.”

add nothing, leave nothingwith no artist body

with no artist mindwith no mind out of control, out of order woman lover, motherwild and burning lost and madmad womanfemale cult,Goddess, chaos and disorderobject of love, sex, reason of warwar, warriors, athletes, and weapons, and bombs female bodypurified structurepotent body

I am making choice, I am making life, Existence of me only certain is movementnot concept, ideas, believesthey all disintegratebut change of movementflux, will stay static, silentI’ll break it

Performance form performance as sculptural eventas a form of carvingcarving removing until nothing remainsor adding until nothing can be added morematerial/transforming workdestructive artreduction, reaction, earthquakepredictable, unpredictablethrough random activity

no conceptsno theoriesno morecause I do not knowI don’t know no more no moreno words now <

helene Weinzierl.33

Der leere Raum bildet für mich als Choreografin die carte blanche für meine Arbeiten. Sobald Menschen diesen Raum mit ihrer Präsenz erfüllen, fängt der Raum an, zu leben, wird mit Motiven durch ­drungen, eine Verbindung mit dem Mensch entsteht und damit eine Verbindung mit allem, was Menschsein ausmacht. Während ich versuche, Bilder, die nahe am architektonischen Gestalten und im Abstrakten beheimatet sind, zu entwerfen, rückt in den meisten Arbeiten dann doch immer der Mensch, konkret und in seinem Zusammentun mit anderen, in den Vordergrund. Daher sind für mich gesellschaftspolitische Themen immer interessant. Ich denke auch, dass es Aufgabe der Kunst ist, in diesem Zusammenhang Missstände sichtbar zu machen, wobei ich es vorziehe, den ZuseherInnen zu zeigen, was aus meiner Sicht ist. Über das Warum nachzudenken, überlasse ich den ZuseherInnen und wenn das dann auch tatsächlich geschieht, habe ich den Raum, meine Bewegungssprache, die in erster Linie ein Substrat aus ganz alltäglichen Handlungen ist, in der für mich optimalen Weise genutzt.

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35 Susan Quinn-Eckart.

Mein künstlerischer Ansatz ist geprägt von meiner siebenjährigen Arbeit mit Merce Cunningham. Als Tänzerin seiner Kompanie durfte ich aktiv miterleben, wie Merce Meilensteine der Tanzgeschichte schuf, die unser heutiges Verständnis von Zeitgenössischem Tanz entscheidend geformt haben. Auch in meiner Arbeit als Direktorin, als Kuratorin und als Choreografin sind die vielfältigen Spuren, die Merce hinterlassen hat, sicht­ und spürbar. Mein gegenwärtiges Sein und Schaffen passiert vor dem Hintergrund dieser meiner persönlichen Geschichte, die mit der Geschichte dieses großartigen Menschen und Künstlers, mit dem ich arbeiten durfte, verknüpft ist und bleibt. Ich, meine Arbeit und mein künstlerischer Ansatz resultieren „out of something“. Und dieses gewichtige „something“ wiederum basiert auf einer buddhistischen Philosphie des „Nichts“, dem Fehlen eines konstanten Seins. Im steten Wandel der Existenz gibt es kein beständiges Ich. Merces Welt und meine Welt war und ist in diesem Sinne keine Welt des Seins, sondern eine Welt des ständigen Werdens, in der es keine unumstößlichen Realitäten gibt. „Out of nothing“ also.

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37 Romainthibaud-Rose.

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In the essay “The poetics of the open work” Umberto Eco talks about the role of the audience, addressing more precisely their inter ­ pretation skills. He claims that while making use of their capacity for interpretation the spectator concretely participates in the making of the artwork. This statement detaches the artist from the absolute authorial gesture, and considers the audience to be an active con ­ tributor of the artwork. This makes art a form of dialogue, a privileged moment in order to enter in a conversation with oneself and with the artist. Considering this year tanz_house festival’s motto brings me to question this situation of communication differently. What happens when the dialogue aspect of the art form is reaching us on an unexpected manner or, so to say, when it comes to us “out of nothing”. What would then be the quality of this conversation when the piece of art suddenly pulls one out of our daily routine? When we are not protected by the intimate dark space of the theatre but rather expose in the public space? Are we ready to converse with ourselves and deal with our thoughts of the moment? The performance Garbage Embrace is an attempt to open a frame for such conversation.

39 Georg hobmeier.

The world is in turmoil. The struggle between citizens and authorities has reached a new level of emotionality and polarisation. The dissappearing middle and working classes can and will not longer suffer for the failures made by the financial oligarchia and their political allies. The struggles have reached the streets and protests are yet again a common way of articulating protest and discontent with the political systems. However, most protests are well within civil rules. Apart from the usual deviant groups, the struggle is peaceful and even the protesters that ressort to violence do that in restricted ways and without ressorting to actual militant strategies as implied in armed civil war conflicts. This is not a strategical conflict (yet), not a communal uprising as we have experiences it with Euromaidan, but a public ritual of emotional discontent directed against the authorities. Sometimes these events tend to be repeated in periodical ways or become permanent protest camps. But the idea remains: the citizens protest and these protest are meant to be at least acknowledged. Despite the fact that this is a deviation from the regular everyday life, the codification of communication and behaviour is clear. However over the recent years artists and anarchists have started to use techniques of confusion and performativity in public protests for various reasons. Art as activism is not a new invention. The dadaists riding their horses through the communists’ uprising in Berlin, the lettrists declaring the death of god in heart of the Catholic Church during High Easter mess and lately the Yes Men infiltrating corporate meetings, the borders between art and protest are blurred. In Revolting Bodies, we aim to research the possibilities of public physical action in civil unrest and the traditional forms of protest. It’s an ongoing research process in public space, both in peace­ful and restless conditions, involves interested participants without any sort of „professional restrictions“ and facilitates discussions, exchange of information and experimentation. We are interested to use own strategies to expand the standards of protests, to infiltrate this ritualt of discontent and to interfere with the existing codes. Whoever joins us, becomes part of this „we“ and can continue this trajectory on their own. Our tools remain undetermined, but we vaguely call them performative. That may well be adding nonlinear and nonlogical forms of narration to the protest ritual or the semiotic subversion of ongoing events, adding distortion that is being brought fourth through the body and it possibilities. We focus on a magic that creates more with less, therefore embracing minimal means. We did use scores, tasks, commands, tracks, costumes, props, animals, choreographies, text, improvisation and whatever suited us and came to us. We might continue with that. We might focus on building barricades next time. Or build air ships. Whereever we go, we shall enjoy what we are doing and shall restrain ourselves from falling into ongoing ideological trapdoors and sandpits.

Revolting Bodies:Insubordinance and Unreadability for public spaces

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41 Editta Braun.

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Not macht erfinderisch – und großzügig. Leute mit wenig Geld sind eher spendabel. Dagobert Duck sitzt auf seinem Geldsack. Die, die nur mehr ein Brot vor sich hatte, teilte es trotzdem mit mir. Verdienst du mehr als 5000 Euro im Monat, ist es verdammt schwierig, gücklich zu sein. 5000? Das ist doch ohnehin schon viel zu viel. 3000 vielleicht? 3000 für jede und jeden müssten genügen. So viel ist leicht da. Die Verteilung ist das Problem. Bruttosozialprodukt versus Bruttosozialglück. Ja, stimmt schon, du hast ja recht, irgendwie. Und mein Paradeiserspruch gilt immer noch für mich ­ habe ich sie immer zur Verfügung, dann verlieren sie ihren Wert. Warte ich auf sie mit Ungeduld, ist der Genuss unvergleichlich. Also Mangel als Chance, zur Steigerung der Lebensqualität. Ja, genau. Aber! Natürlich in einem bestimmtem Rahmen, in Balance. Unendlich obszön ist die Schieflage der Verteilung der Dukaten auch in Österreich. Nonaned, da sagst du bestimmt nichts Neues. Eh klar, aber gerade in diesem Moment dann zu sagen, Mangel und Einschränkung können inspirierend wirken, selbst auf finanzieller Ebene, das ist schon heiß, weil es von denen aufgegriffen wird, die meinen, Kunst solle ohne öffentliche Mittel auskommen, out of nothing halt. Nun, Grundsicherung für alle, sage ich. Dann kann ich angstfrei auf meine Paradeiser im Frühsommer warten und schöpfe meine Inspirationen aus den Gegebenheiten, die Einschränkung bedeuten, aber auch Kreativität erzeugen. In Balance also.

43 julian Barnett.

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As an American artist, I have strived to expand my work beyond national borders, a choice motivated by an interest in international choreographic practices and structures, as well as aesthetical implications, but also driven by a deeper necessity. In the US, where government subsidies for the performing arts are nearly non­existent and where cultural and economic frames prioritize art that is either deemed profitable, or perhaps traditional (thus having more societal importance), many US artists are accustomed to working with little to no financial support at all. This has birthed an era of crowd­sourcing and ‚populist‘ philanthropy as a response to the financial climate. In any given place, time or context, when resources are limited and finite, there will be competition within all aspects of soci ety, shaping a new perception of economy and value. The psy­ chol ogy of ‘nothingness’ breaks down solidarity and new definitions of success, status, and income emerge. For me, the normative of having little to no financial support, compounded by constant competition, yielded a choreo ­graphic ethos, a DIY attitude, and perhaps even an aesthetical preference, that helped shape many of the works I’ve created over the last few years. This environment is what instigated my search for more supportive structures in Europe; and in 2012 Bridge, which was my first work supported and created in Europe, represents a testament to this ethos. In fact Bridge was the result of this psychology of ‘nothing‘ colliding with the very real context of having ‘something‘ (institutional support). Aside from the financial logistics, I had always been drawn to creating ‘simpler’ works that are unadorned and working towards something, seemingly out of nothing. In Bridge, there is an empty space, a static solo body, silence, an open gaze. Anything could be possible because it hasn‘t decided what thing it could or should be. This point of potentiality yields a tension that can be stretched and function as dramaturgical elasticity over space and time. Yet even as Bridge transforms and builds meaning of a deeper sort, this nothingness transcends throughout. For me, it is this sparse lens that opens a perception to see what something actually is. The nothing informs the something, what it is and what it can be. Bridge is a prime example of how I was grappling with the question of ‚what‘ by fully analyzing and optimizing the means of ‚how‘. Perhaps without nothing, I couldn’t have created something.

45 julia Schwarzbach.

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Weirdly it feels like there is almost too much to say about nothing, a superfluity of a something that can be complete emptiness and complete richness at the same time, something that rattles at the door of our existence with a ‘creatio ex nihilo’ sticker on its forehead, only to whoosh past us once we’ve opened the door, disappearing through the future­backdoor, leaving us numb and happy, confused and peaceful. Nothing is enough, we should leave this word alone with itself and just become a silent observer, following secretly and soft­ footed what it does, what it’s up to these days. Nothing used to be and still is my favourite answer when beeing asked what I was up for, what I was doing, what was going through my mind. I like nothing as my spacehold friend for something that is not there yet, that is hanging around somewhere in a loop and does not want to be shared or being phrased into words. Nothing can be boldly honest and mysterious. It can put and keep me in this dreamlike state of flux, where the wildest images begin to unfold and the world makes sense, just out of nothing. Recently nothing tipped on my shoulder and whispered into my ear: hey listen, I keep on being put into that box, but I am not a lack, I’m a necessity! When it had left, nothing made me think of what it was that we carry so heavily with us but could maybe easily strip off if only we tried… accumulated layers around us that have nothing to say, too much of expectations that nothing can fullfill, strategies of dis trac­ tion that keep us from being nothing but ourselves... Nothing became an exercise of letting go, of working from scratch, of worshipping simplicity and dematerialisation, of finding beauty in the smallest moments and gestures. And nothing returned and whispered: that’s working all well, but don’t forget… nothing loves going big!

47 tomaž Simatovic.

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This is an ode to nothingness. When there is no thing, there is some­ thing that we call nothing. You still have something – the nothingness. Ideas come “out of nothing”. This is what we normally hear, don’t we? I am a choreographer. So when Ideas come out of ‘me’ for example, does this make me ‘nothing’ too? What an odd feeling this must be – to be nothing. Yet, at times I do feel like that, indeed. However, occasionally it’s got to be a wonderful feeling. It feels like I’m about to explode. So if ideas come out of nothing, and I am nothing, all might be nothing too? If something comes out of nothing then it as well is that anything, or everything comes out of nothing. So this festival comes out of nothing, the organizers come out of nothing, the venues come out of nothing, the participants, artists, and spectators come out of nothing too. The pieces that perform come out of nothing. Wait … if the pieces come out of nothing, they come out of the artists. This means that the artists are nothing too? Just like me. This festival is full of nothings then. If so, we are all nothing – choreographers, dancers, musicians, performers, technicians, curators, producers, audience and venues. We are all people in the first place. Ideas come out of nothing, and ideas come from what we are – nothing and people. All comes out of people and the spirit to survive, dance, comunicate, and create nothingness over and over again, so that these natural mechanisms of creation, relation and difference keep moving and changing the artificial structures that perpetually mistreat and ‘misscreate’ our world.

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