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Learning)

Class 5^A

School Year: 2015/2016

Prof. Eutimio Ruffo Tarzia

Prof.ssa Adele Fidelibus

CLAUDE MONET

(1840-1926)

Claude Monet was the founder of French impressionist painting. The term Impressionism is derived from the title of his painting Impression, Sunrise. Monet was born on November 14, 1840 in Paris. On the beaches of Normandy in 1856 he met the artist Eugène Boudin who became his mentor and taught him to use oil paints. Boudin taught Monet “en pleinair” (outdoor) techniques for painting. Monet was in Paris for several years and met several painters who became his friends and follow impressionists as Eduard Manet. In 1862 Monet became a student of Charles Gleyre in Paris where he learned new effects of light en plein air with broken colors and rapid brushstrokes. In 1872 he painted Impression, Sunrise depicting a Le Havre landscape. Monet and his wife Camille moved into a house in Argenteuil near the Seine River and later in 1873 they moved to Giverny. Monet was exceptionally fond of nature’s painting: his own gardens in Giverny with its water lilies, pond and bridge. Monet travelled to Mediterranean, where he painted landscapes and seascapes especially in Venice and in London. Monet died of lung cancer on December 5, 1926 and he is buried in Giverny church cemetery.of lung cancer on December 5, 1926 and he is buried in Giverny church cemetery.

Claude Monet fu il fondatore della pittura impressionista francese. Il termine impressionismo deriva dal titolo del suodipinto Impressione Sole Nascente. Monet nacque il 14 Novembre 1840 a Parigi. Sulle spiagge della Normandia nel 1856 incontrò l’artista Eugène Boudin che divenne il suo mentore e gli insegnò l’uso della pittura ad olio. Egli insegnò a Monet anche le tecniche di pittura “en plein air”. Monet visse a Parigi per molti anni e incontrò molti pittori che divennero suoiamici e che seguirono gli impressionisti come Eduard Manet. Nel 1862 Monet divenne uno studente di Charles Gleyre a Parigi dove imparò nuovi effetti di luce en plein air con colori spezzati e pennellate rapide . Nel 1872 dipinse Impressione sole nascente, un paesaggio di Le Havre. Monet e sua moglie Camille si trasferirono in una casa a Argenteuil vicino al fiume Senna, e in seguito nel 1873 si trasferirono a Giverny. Monet adorava dipingere la natura: I suoi Giardini di Giverny con le sue ninfee, laghetti e il ponte. Monet viaggiò nel Mediterraeo dove dipinse paesaggi marini specialmente a Venezia e a Londra. Monet è morto di cancro ai polmoni il 5 dicembre 1926 e sepolto nel cimitero della Chiesa di Giverny.

Claude Monet’s Impression, Sunrise is the symbol of the Impressionist Movement. The most significant aspect of this painting is its credit with giving the Impressionist Movement its name. When the painting was first shown to the public in L'Expositiondes Révoltés(an exhibition independent of the Salon), a critic, named Louis Leroy, judgmentally entitled his article “Exhibition of the Impressionists”.InImpression, Sunrise Monet seeks to transcribe the feelings initiated by a scene rather than simply rendering the details of a particular landscape. This work of art presents a focus on the calm feeling of a misty maritime scene: slightly below the center of the painting, a small rowboat with two indistinct figures floats in the bay. The early morning sun is depicted rising over the foggy harbourwith ships and other various boats at port. The shadows of the boats, the figures and the reflection of the sun’s rays can be seen on the water’s surface. The usage of bright colors draws attention to the protagonist of the painting, the sun. Numerous vertical elements can be found throughout this misty landscape. On the left of the canvas, a four-mastedclipper ship enters the harbor while smoke-stacks of steamboats fill the atmosphere. Heavy machinery can be detected on the right side of the painting. Monet incorporates a palette of mostly cold colors into the painting with blues and grays, but also includes touches of warm colors. Short, thick strokes of paint are applied to the canvas to quickly capture the essence of the subject. Colors are placed sidebyside and are mixed by the viewer's eye. This technique is evident in the sky and in the water. In the painting impressions were used to capture natural effects and the emotions radiated by an outdoor scene. Lastly, Impressionist painters consigned heavy emphasis on natural light that can be detected throughout

Claude Monet

Impression, Sunrise

• Musée Marmottan Monet, Parigi

• Date: 1872

• Material and Tecnique: Oil on

Canvasemotions radiated by an outdoor scene. Lastly, Impressionist painters consigned heavy emphasis on natural light that can be detected throughout Monet's work. To achieve this natural light, he often mixed his pigments with large amounts of white. Claude Monet used to paintthrough different phases, he used to say: “Anyone who says he has finished a canvas is terribly arrogant”.

Impressione sole nascente di Monet è il simbolo del movimento Impressionista. L’aspetto più significativo di questo dipinto è il suo merito nell’aver dato al movimento impressionista il suo nome. Quando il dipinto fu esposto al pubblico per la prima volta, nel Salon dei Rifiutati (un’esposizione indipendente dal Salon ufficiale), un critico, chiamato Louis Leroy, intitolò il suo articolo “Esibizione di impressionisti”. In “Impressione sole nascente”, Monet cerca di descrivere i sentimenti suscitati da una scena, piuttosto che rendere semplicemente i dettagli di un particolare paesaggio. Quest’opera d’arte si concentra sul senso di calma di una nebbiosa scena marittima: appena sotto il centro del dipinto, una piccola barca a remi, con due figure indistinte che galleggia nella baia. Il sole mattutino è dipinto mentre sorge sul porto nebbioso, con navi e altri tipi di barche nel porto. Le ombre delle barche, le figure e il riflesso dei raggi del sole, possono essere viste sulla superficie dell’acqua. L’uso di colori luminosi indirizza l’attenzione verso il sole, protagonista del dipinto. Numerosi elementi verticali possono essere trovati in tutto questo paesaggio nebbioso. Sulla sinistra della tela, un veliero con quattro alberi entra nel porto, mentre il vapore delle navi riempie l’atmosfera. I macchinari pesanti sono visibili sulla destra del dipinto. Monet utilizza una tavolozza di colori prevalentemente freddi con varie sfumature di blu e di grigio, ma include anche tocchi di colori caldi. Brevi e dense pennellate sono applicate sulla tela per catturare velocemente l’essenza del soggetto. I colori sono collocati fianco a fianco e sono mischiati dall’occhio dell’osservatore. Questa tecnica è evidente nel cielo e nell’acqua. Nel dipinto le impressioni sono usate per catturare effetti naturali e emozioni suscitate da una scena all’aperto. Infine, i pittori impressionisti conferivano una forte enfasi sulla luce naturale che può essere rintracciata in tutto il lavoro di Monet. Per ottenere questa luce naturale, spesso mischiava i suoi pigmenti con grandi quantità di bianco. Claude Monet dipingeva attraverso diverse fasi, era solito dire: “Chiunque dica di aver finito una tela, è terribilmente arrogante”.

Among Claude Monet’s contributions to the third Impressionist exhibition in 1877 there was a groundbreaking group of seven paintings of Gare St.-Lazare, the famous Parisian train station serving the suburbs along the Seine valley, as well as Normandy and Brittany. Installed together in one room, these works constituted Monet’s first series, a deliberate attempt to explore in multiple canvases a single subject at different times of day and under various atmospheric conditions. Monet established this apparently straightforward composition by balancing the left-of-center peak of the shed over a train that thunders in toward the right. Order and disorder, in equal measure, pervade both the surface of the canvas and the scene itself; legend has it that Monet persuaded a station master to load standing engines with coal so that they would generate steam for him to portray. Thus, the

C. Monet (1840-1926)

The Arrival Of The NormandyTrain:

• Cambridge Fogg Museum,

Massachussetts

• Date: 1877

• Material and Technique:

Oil on Canvasto load standing engines with coal so that they would generate steam for him to portray. Thus, the landscape evoked the controlled chaos of the urban environment, and of modernity itself.

Tra i contributi di Monet alla terza esibizione del 1877 c’era un innovativo gruppo di sette quadri della famosa stazione ferroviaria parigina di Gare St.-Lazare, che offriva servizio ai sobborghi lungo la valle della Senna così come in Normandia e in Bretagna. Posti insieme in un’unica stanza, questi lavori costituirono le prime serie di Monet, un tentativo intenzionale di esplorare in più tele un singolo soggetto in diversi momenti della giornata e in diverse condizioni atmosferiche. Monet stabilì questa composizione apparentemente lineare bilanciando la parte sinistra del picco centrale del capannone su un treno che irrompe verso destra. Ordine e disordine, in ugual misura, pervadono sia la superficie della tela che la superficie stessa. La leggenda narra che Monet persuase un capo-stazione di caricare i motori in funzione con carbone così che essi generassero il fumo per la sua rappresentazione. Così il paesaggio evocò il caos controllato dell’ambiente urbano e la modernità stessa.

Oil on Canvas

This is an impressionist work by Claude Monet completed in 1867. Setting in Sainte-Adresse, the artist painted several landscapes in the garden of his cousin’s estate, of which, Woman in the Garden represents his wife.The three principal objects are: Jeanne-Marguerite, the central white tree in bloom, with red flowers underneath, and the yellower tree to the right with their shadows. In thispainting is evident the importance that Impressionist artist gives to colors and light. For example in the reds of the flower bed that complement the greenery, in the shades of blue of the shadows, instead of the black because Impressionists don’t use black and white in their works. The light illuminates principally the woman in the left dressed in the fashion of the day. Moreover the painting shows that the painter wants to register not the actual color of objects but the impression which can be seen at the given instant outdoor, directly from

Claude Monet (1840-1926)

• Hermitage Museum,

Saint Petersburg

• Date: 1867

• Material and Technique: Oil on Canvans

Woman in the garden,Sainte-Adresse

objects but the impression which can be seen at the given instant outdoor, directly from nature.

Questo è un quadro impressionista di Claude Monet completato nel 1867. Stabilitosi a Sainte-Adresse, l’artista dipinse numerosi paesaggi nel giardino della proprietà di suo cugino come La Donna nel Giardino che rappresenta sua moglie. I tre soggetti principali sono: Jeanne-Marguerite, l’albero bianco in fiore situato al centro, con fiori rossi al di sotto, e l’albero tendente al giallo sulla destra con le rispettive ombre. In questo dipinto è evidente l’importanza che l’artista impressionistadà ai colori e alla luce. Per esempio nei rossi del letto di fiori che rappresentano il complementare del verde, nelle sfumaturedel blu e delle ombre invece del nero poiché gli impressionisti non usano il nero e il bianco nei loro lavori. La luce illumina principalmente la donna sulla sinistra vestita con abiti del tempo. Infine il dipinto mostra che il pittore vuole mettere in luce non i colori reali degli oggetti ma l’impressione percepita in un dato istante, direttamente dalla natura.

Monet painted with oil paints on canvas and “en pleinair” (painting outdoors) that was one of the most important

features of his works.

The painting Woman with a Parasol belongs to a series of paintings which Monet produced during the summers of 1875

and 1876. The landscape background of painting is the garden of Monet’s second home in Argenteuil. Monet’s wife

Camille with his son Jean served as models for this painting. This scene depicts Camille, dressed in a voluminous white

dress and a veiled hat carrying a parasol. She is standing on a green hill , silhouetted against a dazzling blue sky; his son is

standing of in the background in the field. Monet captures the fleeting effects of the sunlight, using shades of dark and

light colors to indicate shadows. The grass is created with abbreviated, quick and strong strokes of varying sized; while

the posture of the lady as well as aspects of the skirt gives the impression that she turns on the left and gives the

impression of movement. The horizon line is low in order to make the lady as the main figure: the woman, the parasol

Claude Monet(1840-1926)

Woman with a Parasol :

• National Gallery of Art

• Date:1875/1876• Material and Technique:Oil on

Canvans

impression of movement. The horizon line is low in order to make the lady as the main figure: the woman, the parasol

and the boy form a pyramid scheme which gives balance to the whole painting.

Monet dipinse con colori ad olio su tela all’aperto, il che è stata una delle caratteristiche più importanti dei suoi lavori. Il dipinto La Donna con il Parasole fa parte di una serie di dipinti che Monet ha prodotto durante l’estate del 1875-1876. Il paesaggio sullo sfondo del dipinto è il giardino della sua seconda casa ad Argenteuil. Camilla, moglie di Monet, e suo figlio Jean fungevano da modelli per questo dipinto. La scena raffigura Camilla, vestita con un voluminoso abito bianco e un cappello con veletta tenendo in mano un parasole. Lei si trova su una collina verde, stagliata contro un abbagliante cielo blu; suo figlio è in piedi sullo sfondo nel campo. Monet cattura i fugaci effetti della luce del sole, usando sfumature di colori scuri e chiari per indicare le ombre. L’erba è creata con pennellate brevi, veloci, forti e di diversa misura; mentre la postura della donna così come la posizione della gonna dà l’impressione che lei si giri verso sinistra e che sia in movimento. La linea dell’orizzonte è bassa in modo da rendere la donna la figura principale: la donna, il parasole e il ragazzo formano uno schema piramidale che dà equilibrio all’intero dipinto.

Georges Seurat was born in Paris December 2, 1859. Seurat began to take a serious interest in art as a boy and was encouraged by informal lessons from his maternal uncle, Paul Haumonté, a textile dealer and amateur painter. Seurat's formal training began around 1875, when he entered the local municipal art school under the sculptor Justin Lequien. Seurat attended the Academy from February 1878 until November 1879. Seurat became interested in color theories and the science of optics that became central to his thinking and practice as a painter. Chevreul'sdiscovery became one of the bases for Seurat's Divisionist technique. Seurat began to apply his theoretical research to compositions executed between 1881 and 1884, culminating in his first major painting project, the “Bathers at Asnières” (1884). Seurat began work on “Sunday Afternoon on the Island of La Grand Jatte”, a painting that took him two years to be completed. In the winter of 1885-86 he reworked the painting in the technique that he called "chromo-luminarism", also known as “Divisionism” or “Pointillism”. This technique uses dots of contrasting color

G. SEURAT

(1859-1891)

luminarism", also known as “Divisionism” or “Pointillism”. This technique uses dots of contrasting color that, when viewed at a distance, interact to create a luminous, shimmering effect. While Seurat was at work painting The Circus, he felt suddenly ill and died on March 26.

Georges Seurat nacque a Parigi il 2 dicembre del 1859. Seurat iniziò ad interessarsi seriamente all’arte da ragazzo e fu incoraggiato dalle lezioni dallo zio materno, Paul Haumonté, un commerciante di tessuti e pittore amatoriale. La preparazione formale di Seurat iniziò attorno al 1875, quando si iscrisse alla scuola d’arte municipale sotto lo scultore Justin Lequien. Seurat frequentò l’accademia dal febbraio 1878 fino a novembre del 1879. Iniziò ad interessarsi alle teorie sul colore e alla scienza dell’ottica che divennero parte centrale del suo pensiero e della sua pratica in ambito pittorico. La scoperta di Chevreul divenne una delle basi su cui si fonda la tecnica divisionista di Seurat. Egli iniziò ad applicare la sua ricerca ad opere eseguite tra il 1881 e il 1884, culminando nel suo primo grande progetto di pittura, i “Bagnanti a Asnières” (1884).Seurat iniziò a lavorare ad “Una Domenica Pomeriggio sull’Isola della Grand Jatte”, che portò a termine in due anni. Durante l’inverno del 1885-86 rielaborò il dipinto secondo la tecnica che lui definì “Cromoluminismo”, anche conosciuta come “Divisionismo” o “Puntinismo”. Questa tecnica utilizza punti di colore, fra loro contrastanti che, visti da una certa distanza, interagiscono creando un effetto di luminosità e brillantezza. Mente Seurat stava lavorando sul Circo , si sentì male improvvisamente e morì il 26 marzo.

Seurat and other neo-Impressionists favor scenes from modern life; unlike the Impressionists, works such as Bathers at Asnieresare preceded by many drawings and sketches, witnessing Seurat’s classical training. The painter works up this painting using the divisionist technique known as Pointillism. The painting has a clear and bright tonality; the bridge in the distance shimmers in the haze, a result of the heat and smoky factory chimneys clouding the atmosphere. The figures of the workers enjoying the water, resting on the riverbank, are real. Thus, next to the lit sides of the boys’ bodies, where the flesh takes on an orange pink hue, the intensity of the blue in the water is darkened while the sides of the bodies are lightened. This can be particularly observed in the figure of the boy in the orange hat. This effect is sometimes referred to as irradiation, a phenomenon of light that makes objects stand out from one another. In the brilliant green grass of the riverbank there are strokes of the complementary colors, red with hues of pink.

G. Seurat (1859-1891)

Bathers at Asnieres:• London, National Gallery

• Date: 1883-1884• Material and Technique: Oil

on Canvans

grass of the riverbank there are strokes of the complementary colors, red with hues of pink.

Seurat e altri neo-impressionisti privilegiano scene di vita contemporanea; al contrario degli Impressionisti, opere come Bagnanti ad Asnieres

sono preceduti da molti schizzi e disegni, testimonianza del metodo di lavoro di Seurat. Il pittore lavora su questo dipinto usando la tecnica

divisionista conosciuta come Puntinismo. Il dipinto ha una tonalità chiara e vivace; il ponte in lontananza brilla nella foschia, una conseguenza

del calore e del fumo delle ciminiere delle che offuscano l’atmosfera. Le figure dei lavoratori che godono dell’acqua, riposando sulla riva, sono

reali. Così, vicino ai contorni luminosi dei corpi dei ragazzi, dove l’incarnato prende delle sfumature sul rosa aranciato, nell’acqua l’intensità

del blu è oscurato mentre i contorni dei corpi sono illuminati. Questo può essere particolarmente osservato nella figura del ragazzo con il

cappello arancione. Questo effetto è alcune volte definito come un’irradiazione, un fenomeno di luce che permette agli oggetti di risaltare

l’uno sull’altro. Nel prato verde brillante della riva ci sono pennellate di colori complementari, rosso con sfumature di rosa.

A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte is one of Georges Seurat's most famous works, and is an example of pointillism.With La Grande Jatte, Seurat was immediately acknowledged as the leader of a new and rebellious form of Impressionism called Neo-Impressionism.Seurat spent over two years painting A Sunday Afternoon, focusing meticulously on the landscape of the park. He completed numerous preliminary drawings and created numerous sketches of the various figures in order to perfect their form. He concentrated on theissues of colour, light, and form. Inspired by the color theories of Chevreul, Seurat contrasted miniature dots or small brushstrokes of colors that when unified optically in the human eye are perceived as a single shade. He believed that this form of painting, called divisionismat the time, but now known as pointillism, would make the colors more brilliant. As a painter, he wanted to make a difference in the history of art and with La Grand Jattesucceeded.The island of la Grande Jatte is located at the very gates of Paris lying in the Seine. The island was a bucolic retreat far from the urban center. Every figure on La Grande Jatteappears to be cast in shadow, either under trees or an umbrella, or from another person. For Parisians, Sunday was the day to escape from the heat of the city. The viewer sees many different people relaxing in a park by the river. On the right, a fashionable couple, the woman with the parasol and the man in his top hat, are having a walk. On the left, another woman who is

A Sunday Afternoon on

the Island of La Grande Jatte

Georges Seurat (1859-1891)

• Art Institute, The Helen Birch Bartlett Memorial Collection,

Chicago

• Date:1883-1885• Material and Technique: Oil on the right, a fashionable couple, the woman with the parasol and the man in his top hat, are having a walk. On the left, another woman who is

also well dressed extends her fishing pole over the water. There is a small man with the black hat and thin cane looking at the river, and two soldiers standing to listen to a musician.

Una domenica pomeriggio nell’ Isola della La Grande Jatte è una delle opere più famose di Georges Seurat, ed è un esempio di Puntinismo.Con La Grande Jatte Seurat è stato subito riconosciuto come il leader di una forma nuova e ribelle dell’Impressionismo chiamato Neo-Impressionismo. Seurat impiegò oltre due anni per dipingere Una Domenica Pomeriggio, focalizzandosi meticolosamente sul paesaggio e il parco. Egli completò numerosi disegni preliminari e creò numerosi schizzi delle varie figure per perfezionare la loro forma. Si è concentrato sulle tematiche di colore, luce e forma. Ispirato dalla teoria del colore di Chevreul, Seurat mise in contrasto piccole macchie e pennellate di colore che, grazie alla ricomposizione retinica, vengono percepite come una singola tonalità. Egli riteneva che questo modo di dipingere, chiamato in quegli anni divisionismo, ma ora conosciuto come puntinismo, avrebbe reso i colori più brillanti. Come pittore, egli voleva essere un innovatore nella storia dell’arte e ciò avvenne con La Grand Jatte.L’isola La Grande Jatte è situata nell’immediata periferia di Parigi sulla Senna. L’isola era un rifugio bucolico lontano dal centro urbano. Ogni figura ne La Grand Jatte sembra essere posta nell’ombra, o sotto gli alberi o un ombrello, o messa in ombra da un’altra persona. Per i parigini, la domenica era il giorno per fuggire dal caldo della città. L’osservatore vede diverse persone che si rilassano in un parco in prossimità del fiume. Sulla destra, una coppia alla moda, la donna con il parasole e l’uomo con il cappello, stanno passeggiando. Sulla sinistra, un’altra donna anch’essa ben vestita stende la sua canna da pesca sull’acqua. C’è un piccolo uomo con un cappello nero e una sottile canna che guarda il fiume, e due soldati in piedi ad ascoltare un musicista.

• Material and Technique: Oil on

Canvans

Born in Paris in 1848. At the age of seventeen, he began to travel by sea touching the most important ports in the world; After his discharge he settled in Paris working as a stockbroker. Eager for a simple life, primitive, free and without conditions, moved to Britain in 1888 and lived for a short time in Arles together with Vincent Van Gogh.Then he sold everything and moved to Tahiti (Polynesia) where resisted only two years and in July 1895 he left for his final last trip to Tahiti and the Marquesas Islands (French Polynesia), where he died on May 8, 1903 at the age of 54.

PAUL GAUGUIN

(1848-1903)

Polynesia), where he died on May 8, 1903 at the age of 54.

Nato a Parigi nel 1848. All’età di diciassette anni, iniziò a viaggiare per mare toccando i più importanti porti del mondo; dopo il congedo si stabilì a Parigi lavorando come agente di cambio. Desideroso di una vita semplice, primitiva, libera e senza condizionamenti, si trasferì in Bretagna e nel 1888 visse per un breve periodo ad Arles assieme a Vincent Van Gogh. Vendette poi tutto per trasferirsi a Tahiti (Polinesia) dove resistette solo due anni e nel luglio 1895 partì per il suo ultimo definitivo viaggio per Tahiti e le Isole Marchesi (Polinesia), dove morì l’8 maggio 1903 all’età di 54 anni.

The Yellow Christ is a strong example of Cloisonnisme, a style characterized by dark contours and bright areas of color separated by bold outlines. The painting’s predominant image, the crucified Christ is evident but Gauguin places the scene in the north of France during the season of Autumn and the women in 19th-century garb gather at the foot of the cross. Constructed of flat planes, intense colors and bold circumscribing lines, the Yellow Christ is the most representative painting of Gauguin’s early “synthetic” period. The colors are bright, but the starkness of the Breton landscape is conveyed. The women are gentle but their peasant force is evident. The costumes are accurate, the light is the cold light of Britany, the field contains harmonies of green, yellow and rust.

Paul Gauguin (1848-1903)

The Yellow Christ:• Buffalo, Albright-Knox Art

Gallery• Date:1889

• Material and Technique: Oil on Canvans

harmonies of green, yellow and rust.

Il Cristo Giallo è un significativo esempio di Cloisonnisme*, uno stile caratterizzato da contorni scuri e vivaci aree di colore separate da line spesse. L’immagine predominante del dipinto, il Cristo crocifisso è evidente ma Gauguin ambienta la scena nel nord della Francia durante la stagione autunnale e le donne in abiti tradizionali si radunano ai piedi della croce. Costruito su piani piatti, colori intensi e linee spesse circoscritte, Il Cristo Giallo è il dipinto più rappresentativo del primo periodo sintetista di Gauguin. I colori sono vivaci, ma nel contempo esprimono la desolazione del paesaggio Bretone. Le donne sono gentili ma la loro forza contadina è evidente. I costumi sono precisi, la luce è la luce fredda della Bretagna, il campo contiene armonie di verde, giallo e ruggine.

*Consiste nello stendere il colore uniformemente in zone ben delimitate da contorni spessi e scuri, con effetti simili a quelli dello smalto cloisonnè e delle vetrate medievali, in cui ogni tassello vitreo di colore è delimitato da un bordo metallico

Van Gogh was born to religious upper middle class parents, in fact from 1879 he was a missionary in a mining region in Belgium where he sketched people from the local community. His first masterpiece was The Potato Eaters in 1885. In 1886 he moved to Paris and met the French Impressionists. Later, in 1888 he moved to the south of France (Arles) and was inspired by the region's strong sunlight. In this period, he began to show signs of his mental illness.Van Gogh moved to Auvers where he rented a room in 1890. In July 1890, van Gogh went out to paint in the morning as usual, but he carried a loaded pistol. He shot himself in the chest "for the good of all", but the bullet did not kill him. He was

Vincent Van Gogh

1853-1890

pistol. He shot himself in the chest "for the good of all", but the bullet did not kill him. He was found bleeding in his room. Van Gogh was taken to a nearby hospital and Theo arrived to help his brother. On July 29, 1890, Vincent van Gogh died in the arms of his brother.

Van Gogh nacque in una famiglia religiosa dell’alta borghesia, infatti dal 1879 egli fu un missionario in una regione di minatori in Belgio dove fece degli schizzi su delle persone della comunità locale. Il suo primo capolavoro fu “I mangiatori di patate” del 1885. Nel 1886, si trasferì a Parigi e incontrò gli Impressionisti francesi. Più tardi, nel 1888 si trasferì nel sud della Francia(Arles) e fu ispirato dalla forte luce solare della regione. In questo periodo iniziò a mostrare i segni della sua malattia mentale. Van Gogh si trasferì ad Auvers dove affittò una camera nel 1890. Nel luglio dello stesso anno, Van Gogh una mattina uscì a dipingere come al solito ma portò con sé una pistola carica. Si sparò al petto “per il bene di tutti”, ma il proiettile non lo uccise. Fu trovato sanguinante nella sua camera. Van Gogh fu portato presso un vicino ospedale e Theo giunse in soccorso del fratello. Il 29 luglio del 1890, Vincent Van Gogh morì tra le braccia del fratello.

V.Van Gogh (1853-1890)

The Potato Eaters:• Van Gogh Museum,

Amsterdam• Date: 1885

• Material and Technique: Oil on Canvas

The Potato Eaters, completed in 1885, is considered to be Van Gogh's first great work of art. The painting depicts 5 figures sitting around a square table eating potatoes; three of them are females and two males. The subject matter is realistic and naturalistic as it depicts the ordinary life of five peasants. The woman on the extreme right of the painting is pouring a brew similar to coffee into the cups. All of them are wearing caps, and thick and long clothing. They are in a dark room and the only light source comes from the oil lamp.

Although the painting is enveloped in darkness, dominated by dark and gloomy colors, the emotions on the faces of the characters shine out brightly. Their figures are bony and coarse, as see from their hands that stretch out to obtain the potatoes. The entire painting is monochromatic. The colors used are mainly dull

colors such as brown and black, giving a depressing and melancholy feeling. The colors used are realistic. Earthy colors are chosen to illustrate the faces and hands of the peasants, to give the impression that they worked hardly under the sun for long periods of time. The composition of the painting is carefully

I Mangiatori di Patate, terminato nel 1885, è considerato il primo grande lavoro di Van Gogh. Il dipinto raffigura cinque figure sedute intorno a un tavolo quadrato mentre mangiano patate; tre di loro sono donne e due maschi. Il soggetto è realistico e naturalistico in quanto raffigura la vita semplice di cinque contadini. La donna all’estrema destra del dipinto sta versando nelle tazze un infuso simile a caffè. Tutti indossano dei copricapo e abbigliamento spesso e lungo. Sono in una stanza buia e l’unica fonte di luce proviene da una lampada a olio. Nonostante il dipinto sia avvolto nell’oscurità, dominato da colori scuri e cupi, le emozioni sui volti dei personaggi sono chiaramente evidenti. Le figure sono ossute e grossolane, come si vede dalle loro mani che si protendono per prendere il cibo. L’intero dipinto è monocromatico. I colori usati sono principalmente opachi come il marrone e il nero, dando una sensazione di depressione e di malinconia. I colori della terra sono scelti per illustrare i volti e le mani dei contadini, per dare l’impressione che abbiano lavorato duramente sotto il sole per lunghi periodi. La composizione del dipinto è accuratamente organizzata. Il quadro è quasi simmetrico nel modo in cui sono posizionate le figure e per come sono geometricamente distribuite. La stanza è piccola e malandata e crea così un senso di oppressione. Questi fattori contribuiscono anche al silenzio e all’atmosfera scura nel dipinto.

worked hardly under the sun for long periods of time. The composition of the painting is carefully arranged. The painting is almost symmetrical in the way the figures are positioned, as they are distributed

geometrically. The room is small and shabby and creates a sense of oppression. These factors also contribute to the hushed and the dank atmosphere in the painting.

Van Gogh painted this self-portrait in the winter of 1887-1888, when he had been living in Paris for nearly two years. Since his arrival in the city he had devoted much study to the dotted Pointillist technique, thereby learning how he might apply itin his own fashion. His use of brushstrokes running in a variety of directions created a self-portrait with a halo-like circle round his head. This variation and the dynamics it created were Van Gogh’s own contribution to the new style of painting.Vincent Willem van Gogh was notable for its rough beauty, emotional honesty and bold color and had a far-reaching influence on 20th-century art. After years of painful anxiety and frequent bouts of mental illness, he died from a gunshot wound, generally accepted to be self-inflicted (although no gun was ever found).His work was then known to only a handful of people and appreciated by fewer still. The extent to which his mental health affected his painting has been a subject of speculation since his death. Despite a widespread tendency to romanticize his illhealth, modern critics see an artist deeply frustrated by the inactivity and incoherence brought about by his bouts of illness.Following his first exhibitions in the late 1880s, Van Gogh’s fame grew steadily among colleagues, art critics, dealers and

V. Van Gogh(1853-1890)

Self Portrait with Grey Feltr Hat:• Amsterdam, Stedelijk

Museum• Date:1887

• Material and Technique:Oil

on cardboard

Following his first exhibitions in the late 1880s, Van Gogh’s fame grew steadily among colleagues, art critics, dealers and collectors. By the mid 20th century Van Gogh was seen as one of the greatest and most recognizable painters in history.

Van Gogh dipinse questo autoritratto nell’inverno del 1887/1888 quando viveva a Parigi da circa due anni. Sin dal suo arrivo in città egli si dedicò molto allo studio della tecnica del tratteggio puntinista, imparando così il modo per applicarlo al suo stile. L’uso di pennellate veloci in direzioni diverse crearono un ritratto con un cerchio simile ad un’aureola che circondava la sua testa. Questa variazione e le dinamiche che creò erano il contributo dello stesso Van Gogh al nuovo stile di pittura. Van Gogh era noto per la sua bellezza grezza, onestà emotiva e l’uso di colori accesi ed ebbe un’influenza di vasta portata nell’arte del ventesimo secolo. Dopo anni di dolorosa preoccupazione e frequenti periodi di insania mentale, egli morì per una ferita da arma da fuoco, provocata dal pittore stesso (anche se nessuna pistola fu mai ritrovata). Il suo dipinto fu conosciuto e apprezzato solo da una manciata di persone e apprezzata da un numero ancora più esiguo. La misura in cui la sua salute mentale influenzò il suo dipinto è stata materia di speculazione sin dalla sua morte. Nonostante una tendenza molto diffusa a romanzare la sua salute precaria, i critici moderni lo considerano un’artista profondamente frustrato dall’inattività e dall’incoerenza causata dalla sua malattia mentale. Dalle sue prime esibizioni degli ultimi anni del 1880, la fama di Van Gogh crebbe costantemente tra i colleghi, i critici d’arte, commercianti e collezionisti. A partire dalla metà del ventesimo secolo Van Gogh fu considerato come uno dei più grandi e più riconoscibili pittori nella storia.

The LangloisBridge at Arles with Women Washing is van Gogh's masterpiece of his Arles period. It depicts common canal-side activities. A little yellow cart crosses the bridge while a group of women in smocks and multicolored caps wash linen on the shore. Van Gogh skillfully uses his knowledge of color theory and the "law of simultaneous contrasts" in this work. The grass is depicted with alternating brush strokes of red-orange and green. Yellow and blue complementary colors are used in the bridge, sky and river. Use of complementary colors intensifies the impact of each color. Compositionally, the vertical and horizontal geometry of the bridge and its reflection in the water create a great central cross. This central geometric framework is relieved and enlivened by the great sweep of the hill and shore. For The LangloisBridge at Arles

The Langlois Bridge:

• Kroller-Muller Museum, Otterlo

• Date:1888

• Material and Technique: Oil on

Canvans

Van Gogh(1853-1890)

framework is relieved and enlivened by the great sweep of the hill and shore. For The LangloisBridge at Arles Van Gogh wants to create precise details of the bridge, such as the iron supports, braces and chain.

Il ponte di Langlois a Arles con le Donne che Lavano di Van Gogh è il capolavoro del suo periodo di Arles. Esso raffigura comuni attività nei pressi di un canale. Un piccolo carro giallo attraversa il ponte mentre un gruppo di donne con dei grembiuli e cappelli variopinti, lavano della biancheria sulla riva. Van Gogh usa abilmente la sua conoscenza della teoria del colore e la "legge dei contrasti simultanei" nella sua opera. L'erba è dipinta con pennellate alternate di rosso-arancio e verde. I colori complementari giallo e blu sono utilizzati nel ponte, nel cielo e nel fiume. L'uso dei colori complementari intensifica l'impatto di ogni colore. Dal punto di vista compositivo, la geometria verticale e orizzontale del ponte e del suo riflesso sull’acqua creano una croce centrale. Questa impalcatura geometrica centrale, è sollevata ed illuminata dal campo della collina e dalla sponda. Per Il ponte di Langlois a Arles Van Gogh vuole creare i dettagli precisi del ponte, come i supporti di ferro, i pilastri e la catena.

Van Gogh's Wheatfield with Crows was painted in July 1890, in the last weeks of Van Gogh’s life. Many considers it as his last painting.Wheat Field with Crows depicts a dramatic, cloudy sky filled with crows over a wheat field. A sense of isolation is heightened by a central path leading nowhere and by the uncertain direction of flight of the crows. The wheat field fills two thirds of the canvas. The crows are used by van Gogh as a symbol of death and rebirth, or of resurrection.

• Van Gogh Museum, Amsterdam• Date: July, 1890

• Material and tecnique: Oil on

canvas

Van Gogh

Wheatfield with Crows

used by van Gogh as a symbol of death and rebirth, or of resurrection.

Campo di grano con volo di corvi di Van Gogh venne dipinto nel luglio 1890, nelle ultime settimane della vita di Van Gogh. Molti lo considerano il suo ultimo dipinto. Campo di grano con volo di corvi presenta un cielo drammatico e nuvoloso pieno di corvi che volano al di sopra di un campo di grano. Una sensazione di isolamento è suscitata dal sentiero centrale che non conduce da nessuna parte e dalla direzione incerta del volo dei corvi. Il campo di grano riempie due terzi della tela. I corvi sono usati da Van Gogh come un simbolo di morte e rinascita, o di resurrezione.

canvas

Picasso was born in Malaga, Spain, in October of 1881. His father worked as an artist, and was also a professor at the schoolof fine arts. Pablo Picasso studied under his father for one year, then went to the Academy of Arts and in 1901 he went to Paris, which he found as the ideal place to practice new styles, and experiment with a variety of art forms. It was during these visits, which he began his work in cubism and surrealism style and created many distinct pieces which were influenced by these art forms. During his stay in Paris, Pablo Picasso was constantly updating his style; he did work from the blue period (1901-1904), the rose period (1904-1907), African influenced style (1907-1909),to cubism(1908-1912) and since mid-1920 he became interested in surrealism. Not only he continually improved his style, and the works he created, he is well known because of the fact that he had the ability to create in any style.In 1937, after the German bombing of Guernica, he created a painting that was one of the most influential works of the time. This became his most famous piece of art work . Guernica showed all the brutality of war and death.Although his lifestyle, Pablo Picasso was admired by many, and was one of the most influential figures of twentieth century . With thousands of pieces to his name, and art works which have been seen by millions, around the world, he has been a great influence to society, he has influenced

Pablo Picasso

(1881-1973)

pieces to his name, and art works which have been seen by millions, around the world, he has been a great influence to society, he has influenced the art world, and he introduced many new styles of art, which helped shape modern art, and modern styles artists follow today.

Picasso nacque a Malaga(Spagna) nell’Ottobre del 1881. Suo padre lavorava come artista ed era inoltre professore della scuola delle belle arti. Pablo Picasso studiò con suo padre per un anno, successivamente frequentò l’Accademia delle Arti e nel 1901 si recò a Parigi, città che egli considerava come il posto ideale per praticare nuovi stili e sperimentare diverse forme d’arte. Fu durante queste visite che iniziò a lavorare secondo lo stile cubista e surrealista e creò diverse opere seguendo i principi di queste forme d’arte. Durante il suo soggiorno a Parigi, Picasso aggiornò costantemente il suo stile; operò seguendo diversi periodi: il periodo blu(1901-1904), il periodo rosa(1904-1907), lo stile africano(1907-1909), il cubismo(1908-1912) e dalla metà del 1920 si interessò al surrealismo. Non solo migliorò continuamente il suo stile, e le sue opere, ma ebbe anche l’abilità di dipingere in qualsiasi stile.Nel 1937, dopo il bombardamento della città di Guernica da parte della Germania, Picasso dipinse uno dei lavori più importanti del tempo che diventò la sua opera più famosa. Guernica mostrava tutte le brutalità della guerra e della morte. Nonostante il suo stile di vita , Picasso fu ammirato da molti e fu una delle figure più influenti del Novecento. Con migliaia di opere, viste da milioni di persone in tutto il mondo, ebbe una grande influenza sia sulla società sia sul mondo artistico introducendo nuovi stili che hanno aiutato a dare forma all’arte moderna e agli stili moderni che gli artisti seguono oggi.

In 1936, a civil war began in Spain between the democratic Republican government and fascist forces, led by General FranciscoFranco, attempting to overthrow them. Picasso’s painting is based on the events of April 27, 1937, when Hitler’s powerful German air force, acting in supportof Franco, bombed the village of Guernica in northern Spain, a city of no strategic military value.

This painting is not easy to decipher. Everywhere there seems to be death and dying. On the far left there is a woman, head back, screaming in pain and grief, holding the lifeless body of her dead child. This is one of the most devastating and unforgettable images in the painting. Toher right we can see the head and partial body of a large white bull, the only unharmed and calm figure amidst the chaos. Beneath her, a dead or wounded man with a severed arm and mutilated hand clutches a broken sword. Only his head and arms are visible; the rest of his body is obscured by the overlapping and scattered parts of other figures. In the center stands a terrified horse, mouth open screaming in pain, its side pierced by a spear. On the right are three more women. One rushes in, looking up at the stark light bulb at the top of the scene. Another leans out of the window of a burning house, her long extended arm holding alamp, while the third woman appears trapped in the burning building, screaming in fear and horror. All their faces are distorted in agony. Eyes are dislocated, mouths are open, tongues are shaped like daggers. Picasso chose to paint Guernicain a stark monochromatic palette of gray, black and white. On first glance, Guernica’s composition appears confusing and chaotic; The space is compressed and ambiguous with the shifting perspectives and multiple viewpoints characteristic of Picasso’s earlier Cubist style. Images overlap and intersect, obscuring forms and making it hard to distinguish their boundaries. Bodies are distortedand semi-abstracted, the forms discontinuous and fragmentary. There has been almost endless debate about the meaning of the images inGuernica. Questioned about its possible symbolism, Picasso said it was simply an appeal to people about massacred people and animals. “In the panel on which I am working, whichI call Guernica, I clearly express

Pablo Picasso

Guernica

• Museo Reina Sofia, Madrid, Spain

• Date: 1937

• Materials and tecniques: Oil

on canvasdiscontinuous and fragmentary. There has been almost endless debate about the meaning of the images inGuernica. Questioned about its possible symbolism, Picasso said it was simply an appeal to people about massacred people and animals. “In the panel on which I am working, whichI call Guernica, I clearly express my abhorrence of the military caste which has sunk Spain into an ocean of pain and death.” The horse and bull are images Picassoused his entire career, part of the life and death ritual of the Spanish bullfights he first saw as a child. Picasso said that the bull represented brutalityand darkness, adding “It isn’t up to the painter to define the symbols“.

Nel 1936, iniziò una guerra civile in Spagna fra il governo Democratico Repubblicano e le forze fasciste, guidate dal Generale Francisco Franco. Il quadro di Picasso è basato sugli eventi del 27 aprile 1937, quando la potente aviazione tedesca di Hitler, in supporto di Franco, bombardò il villaggio di Guernica nel nord della Spagna, una città di nessun valore strategico.

Questo quadro non è facile da decifrare. Sembra che ovunque ci sia morte. Sull’estrema sinistra c’è una donna con la testa all’indietro che urla dal dolore e dalla sofferenza, trattenendo il corpo senza vita della figlia morta. Questa è una delle più devastanti ed indimenticabili immagini del quadro. Alla sua destra c’è la testa e una parte del corpo di un grande toro bianco, l’unica calma e disarmata figura nel mezzo del caos. Accanto a lei un uomo morto o ferito con un braccio reciso e una mano mutilata che stringe una spada spezzata. Solo la sua testa e le sue braccia sono visibili; il resto del suo corpo è oscurato dalle parti sovrapposte e sparpagliate di altre figure. Al centro del dipinto si erge un cavallo terrorizzato, con la bocca aperta, urlante per il dolore poiché trafitto da una lancia. Sulla destra ci sono altre tre donne. Una corre guardando verso un lampadario posto in alto. Un’altra donna si sporge da una finestra di una casa che brucia con un braccio proteso che regge una lampada ad olio, mentre la terza donna sembra intrappolata nell’edificio che brucia, urlando nella paura e dall’orrore. Tutte le loro facce sono distorte, in agonia. Gli occhi sono dislocati, le bocche aperte, le lingue a forma di pugnali. Picasso ha scelto di dipingere Guernica in una rigida gradazione monocromatica di grigio, bianco e nero. A prima vista la composizione di Guernica appare confusa e caotica; lo spazio è compresso e ambiguo con cambiamenti prospettici e i molteplici punti di vista caratteristici dello stile cubista iniziale di Picasso. Le immagini si sovrappongono e si intersecano, oscurando le forme e rendendo difficile distinguere i loro contorni. I corpi sono distorti e semi-astratti, le forme discontinue e frammentarie. Ci sono stati praticamente infiniti dibattiti sul significato delle immagini in Guernica. Interrogato riguardo al possibile simbolismo, Picasso rispose che era semplicemente un appello alla gente riguardo la folla e gli animali massacrati. “Sul pannello su cui sto lavorando, che io chiamo Guernica, io esprimo chiaramente il mio disgusto della casta militare che ha affondato la Spagna in un oceano di dolore e morte”. Il cavallo e il toro sono immagini che Picasso usò nella sua intera carriera, parte dei rituali di vita e morte delle corride spagnole che lui vide per la prima volta da bambino. Picasso disse che il toro rappresentava la brutalità e l’oscurità, aggiungendo: “Non è compito del pittore quello di definire i simboli”.