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ORQUESTA SINFÓNICA NEOTONARTEORQUESTA SINFÓNICA NEOTONARTEORQUESTA SINFÓNICA NEOTONARTEORQUESTA SINFÓNICA NEOTONARTE Director: Antonio Palmer

I Parte

Star Wars: J. Williams Main Title (Obertura)

Duel of The Fates

Les Misérables (Los Miserables): C. M. Schönberg, Herbert Kretzmer Arr.: B. Lowden

I dreamed a dream On my Own

Do You Hear The People Sing? Solista: Irma Muñoz Sierra

Les Choristes (Los Chicos del Coro): B. Coulais

Caresse Sur l'Ocean Vois Sur Ton Chemin Cerf Volant

Sister Act: J.W. Stole y Del Roma

I Will Follow Him Arr.: P. Vilarroig

The Lion King (El Rey León):

The Lion Sleeps Tonight S. Linda, Arr.: P. Vilarroig

Circle of Life Solistas: Sergio Jiménez, Irma Muñoz Sierra, Paloma Zarza y Enrique Lim

H. Zimmer, E. John, T. Rice Arr.: T. Parson

II Parte

Beauty and the Beast (La Bella y la Bestia): A. Menken

Prologue Arr.: T. Parson

Beauty and the Beast Arr.: R.Díez Fernández Adap. orq.: P. Vilarroig

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actores se van recogiendo y suben a un autobús que les llevará de vuelta. Antes de entrar en el vehículo, el actor que interpretó a Judas se vuelve por última vez hacia la cruz, que se recorta contra el ocaso. Todos regresan a casa... Todos menos uno: el que ha quedado clavado en la cruz.

Amazing Grace, realizada en 2006, dirigida por Michael Apted y protagonizada por Ioan Gruffud, se basa en la vida del parlamentario británico William Wilberforce, que dedicó su vida a la lucha por la abolición de la esclavitud en el siglo XVIII y cuyos ideales lo enfrentaron a algunos de los hombres más poderosos de la época. Siendo ya un brillante y carismático político de 24 años, su vida dio un vuelco cuando conoció a un antiguo esclavo y, por primera vez, fue consciente de la cruel realidad de la esclavitud. A partir de ese momento, fue el máximo representante de los abolicionistas ingleses. Aunque, naturalmente, en la película aparece esta canción repetidas veces, no es propia de ésta porque se trata de una de las más famosas canciones populares de origen escocés y cuyo texto fue escrito por John Newton (1725-1807). El propio Newton fue reclutado para la trata de esclavos hasta que, tras una tremenda tormenta en la que temió por su vida, suplicó ayuda a Dios y, a partir de ese momento comenzó su giro hacia la espiritualidad. No se sabe si se empleó música para los textos de Newton o si se recitaban simplemente pero, con el tiempo se adaptaron más de 20 melodías, de las cuales ha perdurado hasta hoy la llamada New Britain, que se adaptó al poema en 1835.

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Be my Guest! Solistas: Sergio Jiménez, Irma Muñoz Sierra, Paloma Zarza y Enrique Lim

Arr.: T. Parson

Jesus Christ Superstar: A. Lloyd Webber, T. Rice

Hosanna Solistas: Pablo Ruiz y Enrique Lim

Arr.: R. Coello Adap. orq.: P. Vilarroig

I Don't Know How to Love Him Arr.: M. Türig Adap. orq.: P. Vilarroig

Superstar Solistas: Sergio Jiménez, Irma Muñoz Sierra y Paloma Zarza

Arr.:H. Mancini

John, 19:41 A. Lloyd Webber

Amazing Grace: Pop. Escocia Letra J. Newton

Amazing Grace Solista: Paloma Zarza

Arr.: Pedro Vilarroig

Coros participantes:

Coro Albar (directora: Cristina Robres) Coro Cedam (director: Enrique Martín) Coral Gaudete, Virgen de la Paloma (directora: Nuria Aboitiz) Gente Habanera (directora: Mar Calvo) Coro IES Isabel la Católica (directora: Niurka López) Coral Polif. Jesús Obrero (directora: Mª Esperanza Martínez) Coro Juan de Mena (directora: Laura Carballo) Coral Miguel Hernández (director: Enrique Martín) Coral San Francisco de Sales (director: Ramón Sendino) Coro Verda Stelo (directora: Laura Carballo) Cantores a título individual Colabora: Gaiteros de la banda de gaitas Respingo y Cuelebre (Casa de Asturias de Alcobendas).

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Antonio Palmer, director artístico de Neotonarte, nace en Alcázar de San Juan (Ciudad Real). Realiza sus estudios en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid obteniendo diversos premios, diplomas y Mención de Honor Fin de Carrera. Amplía sus estudios de dirección con J. Harder (Alemania, becado por Juventudes musicales), Ros Marbá y H. Rilling, quien lo selecciona para dirigir la Bachakademie y Gachinger Kantorei en Santiago de Compostela (Auditorio de Galicia). Alterna su actividad como director, concertista, compositor y pedagogo. Ha dirigido diversas formaciones camerísticas y orquestas (La Vihuela, O.S. de Munster, Los Salonistas, Belcámara, Sinfónica). Participa en el Festival Internacional de Córcega, dirigiendo la O.S. de la RTV de Moldavia. Fue director titular de la Orquesta de Alcalá de Henares del 89 al 98, años de intensa actividad concertística en la zona centro que culminaron con la interpretación de El Mesías de Händel junto con la coral “Schola Cantorum” de la misma ciudad. Interviene habitualmente en los ciclos de conciertos del Ayuntamiento de Madrid dirigiendo a la Orquesta Clásica Complutense. Es Catedrático de Música, desempeñando su labor docente en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid y Doctor en Historia y Ciencias de la Música, habiendo sido profesor asociado de la Universidad Autónoma de Madrid (de cuya orquesta fue director titular) y actualmente de la Universidad Rey Juan Carlos. Últimamente su carrera se centra en el gran repertorio sinfónico-coral habiendo dirigido obras como el Réquiem de W.A. Mozart (con el coro de la UAM), el Stabat Mater de A. Dvořák, Carmina Burana de C. Orff o La Creación de F. Haydn (en colaboración con la Federación Coral de Madrid) en las principales salas de concierto de la capital. Ha realizado grabaciones para RNE y RTVE que han sido emitidas en Los conciertos de la 2. Dentro de su amplia y variada experiencia como director musical cabe mencionar, en relación al concierto de esta noche, su colaboración en producciones de teatro como Los Miserables o La Bella y la Bestia. La Orquesta Sinfónica Neotonarte surge como resultado de la ampliación de la Orquesta Clásica Complutense, proveniente de la experiencia como titular de su director artístico, Antonio Palmer, en Alcalá de Henares. Integrada por una plantilla profesional esta agrupación ha realizado una considerable trayectoria concertística desarrollada principalmente en la zona centro. Son numerosos los ciclos y giras de conciertos en los que se ha interpretado música que comprende desde el Barroco hasta nuestros días, también en colaboración con solistas vocales, instrumentales y coros. Sus componentes son experimentados músicos procedentes de diferentes ámbitos profesionales, desde profesores del Conservatorio Superior o de

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todo un éxito de público y se mantuvo en cartel durante casi cinco meses. Fue dirigida por Jaime Azpilicueta, que también realizó la adaptación de las letras al castellano junto a Nacho Artime. Otros intérpretes fueron Teddy Bautista como Judas y Ángela Carrasco como María Magdalena, Alfonso Nadal como Pilatos, y Charly Chausson como Caifás. De aquí fue grabado un doble álbum en los Estudios Kirios de Madrid fue editado por el sello Ariola y uno de sus singles, "Getsemaní", consiguió llegar al número uno de la lista de ventas.

Hosanna. Durante esta célebre expresión de júbilo, Caifás aparece como una nota discordante que exterioriza su profundo desagrado, exigiendo a Jesús silencio con la frase: "Di a esa gente que se calle si no quieren perecer". La orquesta se hace eco del efecto que producen estas palabras de Caifás cargando el ambiente de disonancias muy duras. En oposición a esta intervención, la musicalidad de la respuesta de Jesús, que es un mensaje de esperanza y alegría (“Hasta las piedras querrían cantar”), es espectacular y su amor y delicadeza derrotan la acritud de Caifás. Finalmente la voz del pueblo aclama al Mesías.

I Don't Know How to Love Him, "No sé cómo amarle" es la expresión de estupor de María Magdalena que, acostumbrada a amores tradicionales, no sabe cómo enfrentarse a un amor místico divino, totalmente nuevo para ella. Quiere pensar que Jesús es "un hombre más de los muchos que ha conocido" y en la canción se oyen frases como: "no sé lo que haría, ni llorar ni sonreír, tal vez huir..." o "miedo da creer y no comprender lo que él despertó dentro de mí". Pero es evidente que Jesús no es un hombre más, como María Magdalena quiere creer, y acaba por darse cuenta de que el amor de Jesús es lo único auténtico que ha habido en su vida.

Superstar. Es una pieza cuya música es la más conocida de la película. Aquí Judas está igualmente perplejo y no ha sido capaz de comprender lo que ha realizado Jesús en la tierra. Que alguien haya dado su vida por amor no le cabe en la cabeza. Su canción es como una letanía, una eterna súplica: "No logro entender" "Sólo quiero saber" "¿Tu sacrificio de qué sirvió?" "¿Eres quien dicen en realidad?". Pero la última frase del coro no deja lugar a dudas: "Él es quien nos va a salvar".

Juan 19,41: "En el lugar donde había sido crucificado había un huerto, y en el huerto un sepulcro nuevo, en el que nadie todavía había sido depositado." Con este conmovedor número termina la película. Los

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mala fortuna produjo la ruina del mercader y todos los numerosos pretendientes que tenían sus hijas desaparecieron. La Bestia es un príncipe arrogante que se labra la maldición de una bruja, que lo condena a adoptar una forma espantosa. Todos sus lacayos humanos son igualmente convertidos en objetos: tazas, relojes, candelabros. La bruja le dice que el hechizo permanecerá hasta que alguien sea capaz de amarle tal como es y que descubra que la belleza está en el interior. El límite lo marcará la lozanía de una flor que, si se marchita antes de ser amado, hará que la maldición sea permanente. Cuando Bella llega al castillo, estos personajes hechizados le ofrecerán una cena, cantando Qué Festín (Be my guest en inglés). El mercader es capturado por la Bestia y posteriormente intercambiado por Bella, quien permanecerá en el castillo pasando penalidades. Tras un intento de fuga, Bella es atacada por una manada de lobos de la que la Bestia la salvará. Este es el comienzo de un incipiente amor que Bella desarrollará hacia la Bestia, que se expresa en la canción Beauty and the Beast. Finalmente la maldición desaparece y todos los hechizados regresan a su forma humana, Bestia incluida. Jesucristo Superstar, originalmente en inglés: Jesus Christ Superstar es una ópera rock con música de Andrew Lloyd Webber y letras de Tim Rice que primero surgió como álbum conceptual en 1970 y un año después dio el salto a los escenarios de Broadway. Adaptado libremente de los Evangelios, el argumento se centra en los últimos siete días de la vida de Jesús de Nazaret, comenzando con los preparativos de su llegada a Jerusalén y finalizando con la crucifixión. El espectáculo se adentra en la figura singular de Jesús y el resto de personajes desde el punto de vista de su discípulo Judas Iscariote, que es retratado como una persona trágica y descontenta con la dirección que ha tomado la doctrina de su maestro, que deriva en un enfrentamiento político y personal entre los dos hombres que no está reflejado en la Biblia y considerado, consecuentemente, como erróneo desde el punto de vista ortodoxo. Esto creó problemas a la hora de su presentación. Si bien el contenido global de la película es dudoso, cristianamente hablando, hemos decantado el interés hacia algunas de sus canciones, que retratan a un Jesús cercano y misericordioso que sí ha agradado a muchos creyentes. En España se realizó una versión el 6 de noviembre de 1975 en el Teatro Alcalá Palace de Madrid, producido y protagonizado por el cantante Camilo Sesto. Fue todo un reto para la época, ya que, por aquel entonces, salvo excepciones puntuales, el musical no se había prodigado en los escenarios españoles. Sin embargo, el espectáculo se convirtió en

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plantillas de prestigiosas orquestas como la RTVE, la ONE o la Sinfónica de Madrid hasta integrantes de las mejores Bandas de Madrid (Banda Real, Municipal, etc). La orquesta Neotonarte ha trabajado con directores invitados a nivel internacional como Igor Pylatyuk (Ucrania), Ertug Korkmaz (Turquía) y próximamente con el director de orquesta francés Amaury du Closel. También ha realizado conciertos que han sido retransmitidos en el programa Conciertos de la 2 de Televisión Española.

El Neotonalismo A principios del siglo XX el compositor Arnold Schönberg desarrolla un sistema ajeno a la tonalidad que destruye la estructura que había regulado la música hasta entonces. A partir de este momento, numerosos compositores deciden abrazar esta nueva técnica, basada en los doce sonidos de la escala y a la que se denominó dodecafonismo. Poco a poco, las vanguardias van tejiendo una estructura nueva de las obras musicales en donde es ignorado el mecanismo de percepción del sonido, así como de la expresión de los sentimientos, lo que hace que el público comience a abandonar las salas de concierto en donde se presentaban este tipo de obras. La culminación de esta tendencia se centra con el compositor ruso Shostakovich, que fue amonestado por el gobierno soviético de la URSS y le conminó a abandonar estas tendencias. Esto provocó que en Estados Unidos, para demostrar que los compositores podían crear en libertad, se apoyase a vanguardistas como John Cage. Aunque el mundo atonal tiene piezas de indudable valor musical, amparó a otros muchos que se dedicaron a componer de espaldas al público. Finalmente, la tortilla dio la vuelta y, así como a Shostakovich se le vetó la composición atonal, en occidente se vetó a los

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compositores que preferían conservar la tonalidad. El resultado fue que estos compositores se refugiaron en el séptimo arte creando una música de la misma calidad que aquélla de los maestros clásicos que los antecedieron. En el concierto de hoy apreciaremos, gracias al milagro del cine, a compositores modernos cuya talla es comparable a la que en su día tuvieron Beethoven, Bach, Schumann, Mahler o tantos otros universalmente reconocidos, y enmarcados ahora en lo que podemos llamar neotonalismo, es decir, el uso moderno de la tonalidad. Populares “clásicos” En las últimas décadas hemos asistido a la intensificación del debate sobre alta y baja cultura que, en el ámbito de la música, supone hablar sobre las fronteras (o muros) que hasta ahora separaban lo ‘clásico’ de lo ‘popular’. Así se ha llegado a plantear si las bandas sonoras y los musicales serían en realidad las sinfonías y óperas de los siglos XX y XXI, teniendo en cuenta la escasa aceptación en general de las propuestas enmarcadas en las denominadas ‘estéticas contemporáneas’. A la vez surge un nuevo tipo de músico ‘clásico’, que se ha formado en un Conservatorio y sabe leer partituras pero que también hace pop, rock, jazz, etc. A los auditorios de la llamada música clásica suele ir el mismo público a escuchar el mismo repertorio. Son ya caminos muy trillados: unos pocos compositores concentran casi todos los conciertos. El caso es que entre unas cosas y otras las salas se han ido vaciando, quizá por eso presenciamos ahora una reacción en la que las bandas sonoras y demás trincheras de los compositores neotonales empiezan a conquistar las salas de conciertos: se pasa de la marginación al triunfo de la tonalidad. Cuando ciertas obras de nuestro tiempo, populares o no, tienen una amplia recepción y permanencia (las que interpretamos esta noche son ya transgeneracionales) estamos hablando de nuevos ‘clásicos’, que se caracterizan precisamente por su actualidad. Tenemos pocas oportunidades de escuchar este repertorio en salas como ésta, con orquesta sinfónica y unos coralistas entusiastas que nos han sugerido el título del concierto: grandes coros (para un gran coro). Disfruten y, si les apetece, canten también con nosotros. Irma Muñoz Sierra se inicia como componente y solista de coros de la talla de el Coro de Cámara de San Mateo, Coro de Rivas, Compañía Lírica de María Dolores Travesedo, Antonio Amengual, José Tamayo, etc., así como actriz y cantante de obras de teatro y musicales como el de Manolo Escobar; "Mi carro lo tienes Tú", recién estrenado y de gira en

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La historia trata de Simba, que es un cachorro de león y sucesor al trono de la selva, lo que no le gusta a su tío Scar y por lo que prepara un plan para ocupar el trono. El gobierno de Scar se convierte en una dictadura y un desastre. Simba decide actuar y, tras grandes peripecias, consigue que Scar confiese que mató al padre de Simba. Al final Scar es asesinado por hienas y Simba consigue el trono que le pertenece, cerrando con ello "El ciclo de la vida". The Lion Sleeps Tonight no es una canción propia de la película y su historia es muy compleja. Todo comienza con Solomon Linda, un sudafricano que realiza unas improvisaciones a las que llama Mbube (León en lengua zulú), y que resulta de gran éxito en Sudáfrica. No obstante, la productora Gallo Records acapara los beneficios de esta canción, de los cuales Linda recibe una cantidad irrisoria. Los derechos de la canción van pasando de mano en mano recaudando más y más dinero del cual Linda apenas recibe nada. La canción va sufriendo igualmente numerosas transformaciones, cambios de título hasta que Alan Lomax graba una versión que llamará Wimoweh, una palabra sin significado, degenerada del texto original uyimbubé, que en zulú significa: "El es un león". Más adelante sufrirá una nueva reconstrucción, en 1961, por George Weiss bajo el título The Lion Sleeps Tonight. En este trasiego de pasar de mano en mano, acaba Abilene Music por adueñarse de los derechos y los transmite posteriormente a la Disney, que la incorpora en su película El Rey León, con una recaudación de 1,6 millones de dólares. Todo acaba en un contencioso entre esta productora cinematográfica y los herederos de Solomon Linda que, tras largos pleitos, consiguen al fin el 1% de los beneficios que la canción recaudó a través de la película. La Bella y la Bestia es un cuento tradicional europeo. Narración de la que hay múltiples variantes, su origen podría ser una historia de Apuleyo, incluida en su libro El Asno de Oro. La primera versión publicada fue obra de la escritora francesa Gabrielle-Suzanne Barbot de Villeneuve, en 1740, aunque otras fuentes atribuyen a Giovanni Francesco Straparola la recreación de la historia original, en 1550. Existen muchas variantes de la historia en toda Europa, pero la versión de Beaumont es la que goza de mayor fama, siendo ésta la base de casi todas las versiones o adaptaciones posteriores El cuento trata de un rico mercader que tenía tres hijas. Dos de ellas eran presuntuosas y vanidosas, y la menor, a la que por su belleza llamaron Bella, era, sin embargo, humilde y bondadosa. Un golpe de

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Sister Act es una comedia de 1992 protagonizada por Whoopi Goldberg y dirigida por Emile Ardolino, la cual inspiró posteriormente una obra musical del mismo nombre. La película comienza en una escuela estadounidense en 1968, donde una estudiante rebelde, Deloris Van Cartier, no cuadra con las enseñanzas de las monjas que le dan clases. Tras algunos años, Deloris se convierte en una cantante de casinos en Reno, Nevada entablando una relación amorosa con Vince La Roca, que estaba involucrado en blanqueo de dinero, drogas, mafia y otras actividades criminales. Fruto de esta conducta, Vince acaba disparando y matando a un policía, quedando Deloris como único testigo ocular del crimen. Temiendo las represalias de Vince y su organización criminal, es puesta bajo un programa de protección, haciéndola ingresar en un convento. Aquí Deloris comprueba el pésimo nivel musical y vocal de las monjas y, a partir de este momento, comienza a enseñarles a cantar correctamente. La película termina con la interpretación de I Will Follow Him delante del papa. "I Will Follow Him" es una canción interpretada por Little Peggy March en 1963 y cuya versión original en francés fue grabada por Petula Clark. La partitura fue escrita por Franck Pourcel (usando el seudónimo "J.W. Stole") y Paul Mauriat (usando el seudónimo "Del Roma"). La letra en inglés fue traducida por Norman Gimbel, y se trata de una traducción de la canción francesa "Chariot" grabada un año antes por Petula Clark, que alcanzó el primer puesto en Francia, otorgando a Clark el disco de oro. Formó parte de la banda sonora de la película Sister Act, con notables variaciones frente a la versión original. El texto es una alabanza a Jesús que, con bellísimas expresiones como: "No hay un océano tan profundo ni una montaña tan alta que me separe de Él", hace de Jesús el verdadero y único Amor de su vida. El Rey León, de título original en inglés: The Lion King, es la trigésimo segunda película animada producida por los estudios Walt Disney. Su estreno fue el 24 de junio de 1994. El argumento trata de un joven león de la sabana africana llamado Simba, que aprende cuál es su lugar en el "Ciclo de la vida" luchando contra varios obstáculos hasta convertirse en el legítimo rey. Las canciones de la película fueron escritas por el compositor Elton John y el letrista Tim Rice. La banda sonora, de Hans Zimmer, ganó un Tony además del Oscar de la Academia a la mejor banda sonora original junto a una de sus canciones. La película también ganó el Globo de Oro a la mejor película - Comedia o musical.

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la actualidad. También ha colaborado en discos de diferentes estilos, como Editorial Edelvives, compositora y letrista de Duo Exit, y recientemente colaborando en el nuevo disco de Cómplices. Paloma Zarza Núñez, vinculada al mundo coral desde los 14 años. Autodidacta, ha aprendido casi por imitación y siguiendo las indicaciones de los directores de los coros a los que ha pertenecido. Miembro durante 22 años de la Coral Polifónica de Cubas de la Sagra. Actualmente continúa su formación en la Coral Santiago Apóstol de Casarrubuelos, que desarrolla una intensa actividad en todo tipo de eventos musicales. Pablo Ruiz ha actuado como solista en el campo de la música ligera en diversos locales en la Comunidad de Madrid, así como en Convenciones de empresa. Participa en el coro Verda Stelo como tenor solista en diversos conciertos de música popular y religiosa.

Sergio Jiménez, diplomado en Sociología por la Universidad Complutense de Madrid), estudia canto y técnica vocal en Dublín con Timara Galassi y en Madrid con Astrid Jones. Tiene experiencia como solista en coros desde los 9-14 años, así como en orquestas y bandas de música contemporánea en Dublin y Madrid entre los años 2005-2015 con conciertos en salas y localidadesde Dublín, Madrid, Castilla y Leon, etc. Ha sido solista en “Los Beatles Sinfónico” (Auditorio Pilar Bardem, Rivas Vaciamadrid) y ha grabado como cantante y compositor el LP “BeyondtheCrossroads” con la banda madrileña de R&B y Rock sureño Red Family (2014).

Enrique Lim comenzó sus estudios musicales y de canto en Manila. Ha colaborado con formaciones como Manila Metropolitan Theater Chorus, Opera Chorus of the Philippines, Coro Gaudeamus, Coro de Profesores y Estudiantes de la Comunidad de Madrid, Coro de Cámara de Madrid, Cantemos el Mesías y Grupo Vocal Siglo XXI. Se formó con Laura Muñoz (E. M. M. de Alcobendas), Ian Baar y actualmente con José Manuel Conde. Participó en el III Curso de Música Barroca de la Dirección General de Centros Docentes, (CAM). Ha participado en la grabación de textos en inglés, medievales y renacentistas, como material didáctico y su posterior recital (UNED). Ha interpretado y grabado canciones con letra de Juan Ramón Jiménez del compositor Constancio Hernáez. Colabora en proyectos del conjunto vocal Aura Armónica de la Asociación More Hispano y de Ensemble 88.

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NOTAS AL PROGRAMA Star Wars o, como se conoció en España, La Guerra de las Galaxias, se inició de la mano de George Lucas y a través de la 20th Century Fox el 25 de mayo de 1977 con el Episodio IV. Su Obertura, que recuerda a la Sinfonía nº 4 de Anton Bruckner, es una de las piezas que más fama han adquirido en la música de cine. Después de dieciséis años, y tras las entregas de los episodios V y VI llegó el Episodio I, La Amenaza Fantasma en la cual aparece por primera vez el fragmento The Duel of the Fates (El duelo de los destinos) donde luchan dos caballeros Jedi representando al lado oscuro y el luminoso de "La Fuerza". Esta pieza está escrita para coro y orquesta y John Williams usó el poema medieval celta, del siglo XIV, Cad Goddeu, que significa "La batalla de los árboles", donde el mago Gwydion anima los árboles de un bosque para que luchen como guerreros. El poema tiene un enigmático y gran simbolismo que ha dado lugar a diversas interpretaciones. El poema se tradujo al sánscrito cuya transcripción aproximada en alfabeto occidental es:

Khara Matha Khara Rath Amah Khara Rath Amah Yuddha Khara Khara Syada Rath Amah Dai Ya Khara Ki La Dan Ya Niha Ki La Khara Rath Amah Syada Ki La Khara Rath Amah Khara Dan Ya Khara Rath Amah Khara Dan Ya Khara Rath Amah

Niha Ki La Khara Rath Amah Syada Ki La Khara Rath Amah Khara Khara Matha Khara Rath Amah Khara Dan Ya Khara Rath Amah Niha Ki La Khara Rath Amah Syada Ki La Khara Rath Amah Khara

y cuya traducción aproximada sería:

Se luchó una batalla Bajo la raíz de su lengua (idioma) Y otra batalla allí, en su cabeza.

Los Miserables, de título original en francés: Les misérables, es una novela del poeta y escritor francés Victor Hugo publicada en 1862, considerada como una de las obras más célebres del siglo XIX. La novela plantea un razonamiento sobre el bien y el mal, sobre la ley, la política, la ética, la justicia y la religión. Fue inspirada en un criminal francés, Vidocq, que se redimió y acabó creando la Policía Nacional francesa. La novela está ambientada en la Rebelión de junio (1832) y sus posteriores

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cambios políticos. En ella, Victor Hugo expresa sus argumentos como detractor de la pena de muerte y la defensa de los oprimidos. El protagonista, Jean Valjean, ha sido condenado a diecinueve años de prisión por robar pan para alimentar a su familia. Estigmatizado por su pasado, será objeto de una tenaz persecución por parte del comisario de policía Javert, demasiado obstinado y celoso de la ley, lo que le impedirá ver la redención de Valjean. Esta actitud intransigente le hará arrojarse al Sena al no comprender que Valjean le devuelva bien por mal. Simétricamente a la ascensión de Jean Valjean con su redención, aparece el personaje de Fantine; madre soltera que, para alimentar a su única hija Cosette, a la que deja con los Thénardier, cae poco a poco en la miseria hasta llegar a la prostitución y la muerte. Es ella quien protagonizará la canción I Dreamed a Dream (Tuve un sueño). Valjean consigue savar a Cosette de la casa de los Thénardier, un matrimonio cruel que maltrata a la niña y finalmente Valjean la adoptará como hija suya. En la obra aparece como telón de fondo el levantamiento en las calles de París, liderado por el general Jean Maximilien Lamarque y todos luchan por la revolución entonando la canción Do You Hear The People Sing? (¿Oyes al pueblo cantar?) que enardece al pueblo contra la opresión. Los Chicos del coro, Les Choristes (en España, Los chicos del coro) es una película francesa del 2004 de los géneros de drama y musical dirigida por Christophe Barratier. Con guion de Barratier y Philippe Lopes-Curval, está basada en otra película, de 1945: La Cage aux rossignols (La jaula de los ruiseñores), con guión adaptado por Noël-Noël y René Wheeler a partir de una historia de Wheeler y Georges Chaperot y dirigida por Jean Dréville. La película Les Choristes trata de un internado para niños difíciles. Su profesor, Clément Mathieu, es un compositor que no ha logrado tener éxito y decide crear un coro para tratar de que los niños tengan una ocupación edificante. Mathieu descubre que los chicos son castigados sin piedad por el director Rachin, e intenta utilizar el humor y la amabilidad para ganárselos. Mathieu es despedido y los chicos, que tienen prohibido despedirse de él, se encierran en su habitación, cantan y le escriben mensajes en aviones de papel que tiran por la ventana. Conmovido por la despedida, Mathieu abandona el lugar. El autor de las canciones de la película es Bruno Coulais y en este concierto ofrecemos tres de ellas: Caresse sur l'ocean, Vois sur ton chemin y Cerf volant.