Valery Gergiev

Bach in India

Orchestre de chambre de ParisDr. Lakshminarayana Subramaniam | Amandine Beyer

Dimanche 4 octobre 2015

Dr. L. Subramaniam Amandine Beyer

Ce concert est suivi d’une rencontre avec Amandine Beyer et Dr. Lakshminarayana Subramaniam à 18h dans la Rue musicale.

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DIMANCHE 4 OCTOBRE 2015 – 16H30

SALLE DES CONCERTS

Bach in India

Johann Sebastian BachConcerto pour violon en ré mineur BWV 1052

Dr. Lakshminarayana SubramaniamCarnatic Classical, pour violon seul

ENTRACTE

Johann Sebastian BachChaconne pour violon seul

Dr. Lakshminarayana SubramaniamParis Concerto, concerto pour violon indien et orchestre – création

Tribute to Bach, pour deux violons et orchestre

Orchestre de chambre de ParisJosep Vicent, directionAmandine Beyer, violon et directionDr. Lakshminarayana Subramaniam, violonAmbi Subramaniam, violonVankayala Venkata Ramana Murthy, mridangam

Coproduction Orchestre de chambre de Paris, Philharmonie de Paris.

Enregistré par France Musique, ce concert sera diffusé le 30 octobre 2015 à 14h.Il restera disponible sur francemusique.fr pendant un mois.

FIN DU CONCERT VERS 18H30.

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La musique classique indienne compte parmi les plus anciennes au monde ; son origine remonte aux écrits traditionnels de l’Hindouisme, les Védas. Le Sama Véda, l’un des quatre Védas, a développé un système particulièrement sophistiqué de psalmodie des hymnes védiques associé à l’emploi de sept notes de musique. La musique classique indienne dériverait du Sama Véda.

Jusqu’au XIIIe siècle environ, l’Inde était dotée d’un seul et même système musical qui a progressivement donné naissance à une musique de l’Inde du Nord et une musique de l’Inde du Sud. Alors que la première s’est impré-gnée d’éléments musicaux perses et arabes, la seconde est restée plus proche de ses racines. Depuis le XVe siècle, la musique classique de l’Inde du Sud (ou musique carnatique) a évolué pour devenir une forme musicale extrêmement structurée mettant l’accent sur la mélodie et sur le rythme. Son système de soixante-douze échelles modales et de cent soixante-quinze cycles rythmiques de base lui permet de dialoguer avec la quasi-totalité des formes rythmiques ou mélodiques du monde.

La musique carnatique s’est avant tout développée comme tradition lyrique, la majorité de ses compositions étant accompagnées de mots. C’est pour-quoi, même lorsqu’elle est instrumentale, son interprète essaie d’imiter le chanteur afin de suggérer les paroles.

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Johann Sebastian Bach (1685-1750)Concerto pour violon et cordes en ré mineur BWV 1052

Amandine Beyer, violon et direction

I. Allegro

II. Adagio

III. Allegro

Durée : environ 20 minutes.

Si le Concerto pour clavecin en ré mineur est bien connu, on sait aujourd’hui qu’il est l’adaptation par Bach lui-même d’un concerto pour violon écrit antérieurement, également en ré mineur, mais aujourd’hui perdu. On a pu reconstituer l’original disparu : c’est cette version qui est aujourd’hui interprétée. L’Allegro initial révèle un tel caractère de concerto italien pour violon que l’on avait même un temps supposé qu’il était issu d’un original ultramontain, de Vivaldi ou de l’un de ses contemporains : plasticité et vigueur toutes baroques de la phrase initiale, ampleur de la respiration instrumentale. Mais c’est faire peu de cas de l’exceptionnelle densité du tissu polyphonique de cette page, de sa tension farouche, de son caractère puissamment dramatique. Au soliste est offerte une partie riche, brillante, où la virtuosité peut s’épanouir avec délectation et l’apparence d’une grande liberté, dans des épisodes où il intervient seul et quasiment à découvert. Ici comme ailleurs, l’éloquence du discours fait supposer quelque trame narrative que l’on peut découvrir à la lumière du remploi des trois mou-vements en morceaux de cantates, le premier et le deuxième dans « Wir müssen durch viel Trübsal in das Reich Gottes eingehen » (Il nous faut traverser maintes tribulations pour entrer au royaume de Dieu) BWV 146, le troisième pour ouvrir la cantate « Ich habe meine Zuversicht » (J’ai placé ma confiance en mon Dieu fidèle) BWV 188. La lecture de ces morceaux de cantates révèle l’expression de la souffrance de l’homme accablé par le fardeau de son existence terrestre, et la façon dont la foi sauve le chrétien au milieu des vicissitudes de la vie.

Gilles Cantagrel

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Dr. Lakshminarayana Subramaniam (1947)Carnatic Classical, pour violon seul

Dr. Lakshminarayana Subramaniam, violon

Durée : environ 20 minutes.

Dr. Lakshminarayana Subramaniam est un illustre représentant de la musique carnatique, laquelle possède l’une des structures mélodiques et ryth-miques les plus sophistiquées au monde. Adopté par la tradition musicale carnatique dans la première partie du XIXe siècle, le violon moderne est aujourd’hui l’un des premiers instruments solistes de la scène de concert.

Le concert de musique carnatique est constitué d’une composition musicale appelée kriti. Le kriti est écrit à partir d’un raga et d’un tala (cycle rythmique). Une improvisation libre (basée sur le même raga que le kriti) appelée raga alapana se joue en prélude au kriti. Celui-ci possède trois sections : le pallavi, l’anupallavi et le charanam. L’interprète commence avec le pallavi, le joue avec des variations appelées sangatis, poursuit avec l’anupallavi, également avec variations, puis revient au pallavi avant d’arriver à la section finale. Selon la tradition, le pallavi et l’anupallavi correspondent chacun à deux lignes du texte alors que le charanam est deux fois plus long. La musique de la deuxième moitié du charanam est habituellement la même que celle de l’anupallavi bien que le texte soit différent. Après le kriti, l’interprète joue une section improvisée avec percussion appelée swara kalpana et écrite suivant le même cycle rythmique que le kriti.

Johann Sebastian BachChaconne, extrait de la Partita pour violon seul en ré mineur no 2 BWV 1004

Amandine Beyer, violon

Composition : à Köthen (?) vers 1717. Bach rassemble son recueil de Six Sonates et

Partitas pour violon en 1720. L’œuvre circule au XVIIIe siècle sous forme de copies manuscrites.

Durée : environ 15 minutes.

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On suppose que Bach a écrit ses œuvres audacieuses pour violon seul pen-dant son poste à Köthen, auprès d’un prince calviniste qui n’avait pas besoin de musique d’église ni d’orgue, mais qui tenait un salon où la musique profane était reine. Pendant cette période heureuse, le compositeur a poussé à fond ses expérimentations sur le clavecin, le violon ou le violon-celle, bien qu’il ne fût pas le premier à écrire pour violon solo.

S’il était d’usage de terminer souvent une partita (une suite) par des varia-tions, cette pièce, cinquième et dernier volet de la Partita no 2, atteint d’im-pressionnantes proportions. La chaconne, moins stricte que la passacaille à laquelle elle ressemble, est une succession typiquement baroque de réitérations sur un thème, un canevas d’accords sur huit mesures ; en somme, elle représente un art d’habiller de nombreuses fois, avec des formulations toujours différentes, la même structure. À travers la chaconne, Bach offre le plus riche éventail de possibilités techniques et expressives jamais proposé au violon : c’est le « monument historique » du genre et, pour l’exécutant, c’est une pierre de touche hérissée de difficultés.

La célèbre Chaconne se montre au fond très souple dans son écriture, car son thème est ambigu, entre quatre et huit mesures, et d’autres thèmes très ressemblants viennent s’y greffer pour démarrer de nouveaux cycles internes, autant de « variations de la variation ». Les changements rythmiques sont les plus perceptibles : rythme pointé du début, nouvelles rédactions en croches, doubles-croches, traits, triolets… La dimension verticale, polyphonique, s’exprime par les doubles, triples et quadruples cordes, les épisodes en contretemps, sans oublier les arpèges très larges et rapides appelés « bariolages » ; puis, c’est le retour soudain à une ligne nue, émouvante… Loin d’être un simple feu d’artifice démonstratif, cette Ciacona insère dans sa forme assez stricte une psychologie aussi brûlante que diverse ; l’énoncé du début, appel presque déchirant, revient sous une forme grandiose à la fin ; l’archet voyage, de segment en segment, à travers des régions décidées, sereines et pacifiques, ou même un choral « d’orgue », en majeur.

Isabelle Werck

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Dr. Lakshminarayana SubramaniamParis Concerto, concerto pour violon indien et orchestreCommande de l’Orchestre de chambre de Paris et de la Philharmonie de Paris - création

Dr. Lakshminarayana Subramaniam, violon

Durée : environ 25 minutes.

Le premier mouvement repose sur le raga traditionnel carnatique Shanmukhapriya, 56e échelle modale en musique classique d’Inde du Sud (sur un total de 72 échelles modales). Le motif d’ouverture appartient à ce raga, avec ré comme tonique. Le deuxième motif est basé sur une échelle (Charu Kunthala) qui provient du glissement de la tonique de ré vers do, également dérivée de Charukesi, 26e échelle modale. Le troisième motif repose sur le raga Vachaspati, obtenu par le glissement de la tonique vers si bémol tout en conservant les mêmes notes. Le quatrième motif se fonde sur le raga Dhenuka, 9e échelle modale. Les quatre motifs sont répétés suc-cessivement, mais toujours en utilisant l’harmonie implicite de leurs ragas respectifs. Au cours du développement du thème, un échange se fait entre différents instruments de l’orchestre, avec le violon solo jouant le thème tandis que les motifs se font de plus en plus brefs. Le thème passe de 4/4 à 6/8 à un premier puis à un second tempo, avec des échanges menant à la cadence du violon accompagné du mridangam, instrument de percussion indien, jusqu’à la récapitulation finale du thème.

Le deuxième mouvement s’ouvre sur une cadence correspondant à l’alap (improvisation libre qui précède la composition dans la musique carnatique), avec pour base le raga Kalyani (mode lydien), 65e échelle modale. Il s’agit d’exprimer l’essence du raga en utilisant l’ornementation et les glissandos, typiques de la musique carnatique. Le thème se développe à travers un contrechant et des échanges entre l’orchestre et les instruments, découvrant l’essence de la musique indienne dans sa structure, ses mélodies et ses échanges. Il se conclut par une cadence rythmique, typique de la musique classique indienne, suivie d’une récapitulation où le thème est joué en canon jusqu’au contrepoint final à trois voix procédant du thème. Une structure rythmique sous-jacente se développe, semblable à la conclusion rythmique d’un solo de percussion dans la musique carnatique.

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Le troisième mouvement repose sur le raga Gowrimanohari, 23e échelle modale, et utilise un cycle rythmique à 5/8, malgré la superposition polyrythmique de motifs mélodiques de quatre, sept et neuf notes à l’alto. Ceci mène à une cadence puis à un pont jusqu’à la tonalité de do mineur harmonique (Keeravani, 21e échelle modale), où le thème se développe selon une structure polyrythmique similaire avec le violoncelle jouant une partie du thème, jusqu’à une transition qui ramène à ré, tonique originelle de la pièce. Une section récapitulative sert de transition jusqu’à une coda rythmique et mélodique.

Tribute to Bach, pour deux violons et orchestre

Amandine Beyer, Dr. Lakshminarayana Subramaniam, violons

Durée : environ 5 minutes.

Cette composition du Dr. Lakshminarayana Subramaniam est écrite pour violon indien, violon baroque (ou classique occidental), orchestre à cordes, bois, cuivres, percussions d’orchestre et percussions indiennes. Tribute to Bach suit l’harmonie baroque mais est écrit à 7/8, mesure inhabituelle pour le baroque. La composition utilise à la fois les gammes mineures har-moniques et mélodiques, lesquelles correspondent aux ragas melakarta Kiravani (21e échelle modale) et Gowrimanohari (23e échelle modale). La composition comprend également un échange pendant lequel les deux instruments solistes alternent leur jeu, formule fréquente en musique classique indienne. Cependant, contrairement à la musique traditionnelle indienne où les échanges sont équitables, ici le partage se fait entre 3/8 et 4/8, puis entre 4/8 et 3/8, avec l’un des solistes jouant d’abord un temps de plus que l’autre, puis un temps de moins. Dans cette section, la partie de violon indien est totalement improvisée. La composition se conclut par un schéma de calcul rythmique typique en musique classique d’Inde du sud, le motif final étant répété trois fois avec un espace égal entre chaque répétition. Ce crescendo mène à la coda finale.

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Amandine BeyerLe premier instrument d’Amandine Beyer est la flûte à bec : ce n’est qu’après quelques années qu’elle commence le violon, dans la classe d’Aurélia Spadaro à Aix-en-Provence. C’est probable-ment pour cette raison qu’après avoir terminé ses études de violon moderne au Conservatoire de Paris (CNSMDP) et avoir écrit un mémoire de maîtrise sur Karlheinz Stockhausen, elle retrouve le chemin de la musique ancienne en partant étudier à Bâle auprès de Chiara Banchini. Cette période, décisive dans sa formation, lui permet de découvrir le monde de l’interprétation historique et de profiter du contact de personnalités telles que Hopkinson Smith, Christophe Coin ou Pedro Memelsdorff (Amandine Beyer a joué plusieurs années dans l’en-semble médiéval Mala Punica). Toutes ces expériences lui ont permis de se former en tant que musicienne et inter-prète, et l’ont incitée à se lancer dans la carrière de violoniste itinérante, donnant de nombreux concerts dans le monde entier. Elle partage actuellement son activité entre les différents ensembles auxquels elle participe : Les Cornets Noirs, des duos avec Pierre Hantaï, Kristian Bezuidenhout ou Laurence Beyer, et son propre ensemble, Gli Incogniti, avec lequel elle a enregistré Les Quatre Saisons de Vivaldi et les concerti grossi de Corelli. Amandine Beyer se consacre également à l’ensei-gnement : elle donne des cours à l’ES-MAE de Porto (Portugal), ainsi que des

master-classes dans le monde entier. Son enregistrement des Sonates et partitas de Bach paru en septembre 2011 en a renouvelé la vision « baroque » et a été salué par la critique : Diapason d’or de l’année, Choc de Classica de l’année, Prix de l’Académie Charles-Cros, etc. Son tra-vail sur ces pièces se poursuit actuelle-ment avec le spectacle Partita 2, écrit et dansé par Anne Teresa de Keersmaeker et Boris Charmatz. Depuis septembre 2010, Amandine Beyer remplace Chiara Banchini comme professeur de violon baroque à la Schola Cantorum Basiliensis en Suisse. D’une certaine manière, un retour aux sources.

Dr. Lakshminarayana SubramaniamV i o l o n i s t e e t c o m p o s i t e u r, Dr. Lakshminarayana Subramaniam fran-chit audacieusement les frontières entre les musiques et les styles. Il joue et enre-gistre de la musique carnatique, de la musique classique occidentale, et com-pose et dirige de nombreux orchestres de renommée internationale. Au cours de sa carrière, il enregistre des musiques de films, collabore avec des artistes tels que Yehudi Menuhin, Stéphane Grappelli et Herbie Hancock, dans un registre allant du jazz aux musiques du monde en passant par la « global fusion ». Dr. Lakshminarayana Subramaniam a produit, joué, dirigé et collaboré à plus de deux cent œuvres. Pour mieux faire connaître la musique classique sud-in-dienne, il a enregistré une série de quatre disques intitulée An Anthology of

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South Indian Music et co-écrit avec son père le livre Euphony. Il travaille à une série de disques sur le cadre mélodique traditionnel du raga. Il est directeur musical du Lakshminarayana Global Music Festival, qu’il a lui-même fondé, et est également un fervent défenseur de l’enseignement de la musique classique aux jeunes indiens, avec la Subramaniam Academy of Performing Arts (SAPA), une institution de renommée mondiale ins-tallée à Bangalore. Dr. Lakshminarayana Subramaniam a reçu de nombreuses récompenses, notamment le Sangeet Natak Akademi Award de l’artiste le plus créatif de l’année, des mains du Président de l’Inde. En octobre 2013, il a co-signé avec sa fille le livre The SaPaBaby book.

Ambi SubramaniamAmbi Subramaniam se produit pour la première fois à sept ans et a depuis donné des concerts partout dans le monde. Il joue régulièrement en duo avec son père, Dr. Lakshminarayana Subramaniam. Il se produit en solo au Dussehra Festival (Mysore Palace), au Festival Menuhin (Gstaad), au Lincoln Center Out of Doors Festival (New York) ou encore au Royal Festival Hall (Londres). À l’âge de treize ans, il est invité à se produire devant le Président de l’Inde H.E. A.P.J. Abdul Kalam pour les Pravasi Bharitiya Divas. Il a depuis collaboré avec Dr. M. Balamuralikrishna, Pandit Hari Prasad Chaurasia et Shankar Mahadevan. En tant que soliste, il

collabore avec des formations presti-gieuses comme le Seattle Symphony Orchestra, l’Orchestre National de Lille, le Sinfonia Baltica, l’Orchestre Symphonique de KwaZulu-Natal, l’Or-chestre Symphonique de Fairfax et l’Orchestre Philharmonique de Leipzig, pour n’en citer que quelques-unes. Ambi Subramaniam passe d’un style à l’autre avec une grande facilité, jouant aussi bien de la musique occidentale que de la musique indienne. Il se produit régu-lièrement en compagnie de sa famille et d’autres grands noms de la musique comme Larry Coryell, Ernie Watts, Corky Siegel et Shankar Mahadevan. Récemment, il a sorti son premier album solo, Indian violin, salué par la critique.

Vankayala Venkata Ramana MurthyNé en 1963, Vankayala Venkata est le fils du très acclamé « Mridanga Vidwan » (professeur émérite de mridangam) Sri. Vankayala Narasimham. Appartenant à la quatrième génération de musi-ciens de sa famille, il est repéré très jeune comme enfant prodige de la musique et donne son premier concert en soliste à huit ans. Il remporte égale-ment le concours de la All India Radio en 1981, qui lui remet la plus haute distinction pour son jeu exception-nel de Mridangam en 2007. Vankayala Venkata Ramana Murthy a donné des centaines de concerts au cours des quatre dernières décennies, avec les plus grands musiciens classiques indiens de son temps, aussi à l’aise en musique

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carnatique ou en musique hindustani qu’en formation jazz. Il participe éga-lement à de nombreux programmes nationaux comme les concerts Sangeet Sammelan, les South Zone hook-up Concerts, les concerts de la All India Radio et de Doordarshan. Parallèlement, il continue d’enseigner et de transmettre sa passion à de nombreux élèves.

Josep VicentJosep Vicent est lauréat de nombreux prix : le Prix Oscar Esplá, le Prix des Arts de la ville de Valence, le Prix de Performance des Jeunesses Musicales, et est également ambassadeur de la Fondation « Culture de Paix » depuis 2009. Il se produit à la tête d’orchestres tels que le Liverpool Philharmonic, le Rotterdams Philharmonisch, l’Or-chestre de chambre de Paris, l’Orquesta Sinfónica de Chile, le Filarmónica de Málaga ou le Sinfónica de Castilla y León. Il a également eu l’occasion de diriger des productions d’opéra au Teatro Real de Madrid et de nouvelles créations de Guy Caron pour le Cirque du Soleil. Il est également directeur musical de La Fura dels Baus. Récemment, il a dirigé le London Symphony Orchestra, l’Or-chestre du Gewandhaus de Leipzig, le Filarmónica de Montevideo, le Sinfônica de Campinas, l’Ensemble Xenakis, l’Ensemble New York Perspectives, l’Orchestre National d’Espagne et l’Or-chestre National de Catalogne, dans des lieux prestigieux comme l’Opéra de Leipzig, le Théâtre Royal de la Monnaie,

le Grand théâtre du Liceu, etc. Son enregistrement du Sacre du Printemps de Stravinski a été salué par la critique en 2011. Josep Vicent a été directeur et chef principal de l’Orchestre Symphonique des Baléares. Il a également été direc-teur artistique du Groupe de Percussion d’Amsterdam, du Festival Musica Nits et de l’Orchestre de chambre Interval. Il est chef d’orchestre principal du World Orchestra depuis 2005, avec lequel il a donné dix-sept tournées sur quatre continents, œuvrant pour une meilleure diplomatie et coopération entre les pays grâce à l’universalité de la musique classique.

Orchestre de chambre de ParisDepuis sa création en 1978, l’Orchestre de chambre de Paris, avec ses 43 musi-ciens permanents, s’affirme comme l’orchestre de chambre de référence en France. La forme originale de ses concerts, ses lectures « chambristes » des œuvres, son travail de décloison-nement des répertoires et des lieux comme sa démarche citoyenne en direc-tion de nouveaux publics lui confèrent une identité originale dans le paysage musical parisien tout en assurant son inscription à la Philharmonie de Paris et dans le réseau des grandes formations de chambre internationales. Après plu-sieurs collaborations avec des artistes renommés tels que Jean-Pierre Wallez, Armin Jordan, Jean-Jacques Kantorow, John Nelson – directeur musical hono-raire –, Joseph Swensen ou encore

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Thomas Zehetmair, l’orchestre se dote d’un nouveau directeur musical, le chef d’orchestre Douglas Boyd. Il s’entoure d’une équipe artistique composée du chef d’orchestre Sir Roger Norrington, de Deborah Nemtanu, violon solo super soliste, et de la contralto et chef d’or-chestre Nathalie Stutzmann, artiste associée. Il poursuit sa complicité avec le chœur de chambre Accentus et Laurence Equilbey, et met à l’honneur le compo-siteur associé, Philippe Manoury. En plus des concerts parisiens au Théâtre des Champs-Élysées, à la Philharmonie de Paris, à la cathédrale Notre-Dame ou encore au Théâtre du Châtelet, l’or-chestre étend son rayonnement en France et à l’étranger : tournées en Europe ; participation à de grands festi-vals (Festival de Saint-Denis, Wurzburg Mozartfest, festivals de Bucarest et Augsbourg, etc.). Au cours des dix der-nières années, l’Orchestre de chambre de Paris s’est distingué par plus d’une vingtaine d’enregistrements mettant en valeur les répertoires vocal, d’oratorio, d’orchestre de chambre et de musique d’aujourd’hui. L’Orchestre de chambre de Paris est porteur d’une démarche citoyenne déclinée autour de quatre engagements : territoire, éducation, solidarité, insertion professionnelle, au travers d’actions culturelles et d’une forte présence dans le nord-est de la métropole parisienne. Dans le domaine de l’insertion professionnelle et de la formation, il développe des partenariats avec le Conservatoire de Paris (CNSMDP)

et les pôles supérieurs de conservatoires à rayonnement régional.

L’Orchestre de chambre de Paris reçoit les soutiens de la Ville de Paris, de la DRAC Île-de-France – ministère de la Culture et de la Communication, de Crescendo, cercle des entreprises par-tenaires, ainsi que du Cercle des Amis. La Sacem soutient les résidences de compositeurs de l’Orchestre de chambre de Paris. L’orchestre rend hommage à Pierre Duvauchelle, créateur de la marque Orchestre de chambre de Paris.

ViolonsDeborah Nemtanu (violon solo super soliste)Philip Bride (premier violon solo)Daniel GarlitskyPascale BlandeyracJean-Claude BouveresseHubert ChachereauPhilippe CoutelenMarc DuprezSylvie DusseauHélène Lequeux-DuchesneFlorian MavielMirana TutuianuAngélique CharlopainSophie Dutoit

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AltosSerge Soufflard (solo)Sabine BouthinonAnna BruggerAurélie DeschampsPhilippe DussolClaire Parruitte

VioloncellesÉric Picard (solo)Etienne CardozeBenoit GrenetLivia StaneseLouise De Ricaud

ContrebassesEckhard Rudolph (solo)Mylene SarazinBenjamin Thabuy

FlûtesMarina Chamot-Leguay (solo)Bernard Chapron

HautboisMathilde Lebert (solo)Victor Grindel

ClarinettesFlorent Pujuila (solo)Nicolas Nageotte

BassonsFany Maselli (solo)Henri Roman

CorsTristan Aragau (solo)Gilles Bertocchi

TrompettesPierre Désolé (solo)Jean-Michel Ricquebourg (trompette solo honoraire)

TimbalesNathalie Gantiez (solo)

ClavecinKazuya Gunji

PianoSimon Zaoui

Concert enregistré par France Musique

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S U R FA C E B O O K , T W I T T E R E T I N S TA G R A M

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