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Examen Taller de Análisis y Crítica de Cine.TRANSCRIPT
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SUMARIO
Editorial 3
Crítica de Cartelera 6
“Amanecer” y “Miguel san Miguel”
Entrevista director joven 14
Aníbal Herrera y “Marcelo, la mafia, y la estafa”
Análisis Histórico del cine joven 20
De Orson Welles a Fernando Guzzoni.
Crítica DVD 24
“J'ai tué ma mère”, de Xavier Dolan
Especial Festival de Cine//B 25
Grandes triunfadores
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EDITORIAL
Teniendo en cuenta que el cine fue creado en 1895, tecnológicamente claro
está, y que su lenguaje propio se fue consolidando con bastante esfuerzo
desde entonces, siendo uno de los primeros desafíos el ser considerado un
arte, resulta interesante analizar el concepto de “Cine Joven”, sobre todo
siendo el cine mismo una disciplina muy joven, en comparación a las otras
artes.
¿Pero qué es el “Cine Joven” en definitiva? ¿Son las películas post
modernas, fruto de todos estos años de evolución? ¿Es la forma de hacer
cine que se enseña hoy en las escuelas? ¿El cine hecho por jóvenes e
inexpertos realizadores? ¿O tal vez son aquellos films hechos para un
público objetivo adolescente? Nuestra inquietud al analizar este tema surge
desde la necesidad de atender y entender el proceso de los jóvenes
realizadores, o sea, autores que independiente de su edad estén creando
sus óperas primas.
Es importante abrir este tipo de espacios a los realizadores jóvenes con el
fin de motivarlos a seguir madurando en sus intereses. Es una forma de
darle esperanzas y confianza en ellos mismos, tal y como se debe atender a
un niño cuando da sus primeros pasos, debemos poner atención en ellos
para que estos pequeños e inseguros pasos que están dando, se vuelvan
grandes zancadas para nuestro cine chileno e internacional. Es primordial
que comprendan que para empezar a realizar no es necesaria gran
experiencia, sino más bien las ganas de hacer lo que gustan.
Las grandes virtudes de nuestro cine joven, son la capacidad de aceptar y
tolerar, de ser abiertos a los diferentes estímulos del mundo, de querer
adoptar nuevos y/o novedosos puntos de vista, de ser inquietos en cuanto a
la realidad que vivimos.
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Es esencial no perder la capacidad de asombro, ni de crítica cuando nos
encontramos en el proceso creativo y eso lo posee el joven realizador. Por
dichas razones es necesario que al momento de analizar las películas
seamos críticos, pero demos la oportunidad a nuevas visiones
cinematográficas, nuevas formas estéticas, nuevas ideas.
Tomemos en cuenta las anteriores generaciones de “cineastas jóvenes”,
que obviamente, han influido a las posteriores. No nos cerremos al minuto
de recibir nuevas obras, puede que por pensar que un joven no tiene
escuela o experiencia, dejemos pasar un Orson Welles o un Quentin
Tarantino, que a base de buen cine han forjado su propia formación
cinematográfica.
La creación de este espacio también da la oportunidad de difundir y hacer
llegar al común de la gente, las obras de manufactura chilena, cine que no
suele ser muy apreciado entre nuestros propios coterráneos, y que tiene
fama de politizado e incluso “latero”, por aquellos que poco se informan al
momento de criticar. De cierta manera, el cine chileno también da primeros
pasos en algunos ámbitos, como los géneros, por ejemplo. Hasta hoy, se
han visto variados intentos, de cineastas jóvenes (y otros no tanto), que
esperamos se hagan más insistentes.
Hablando como jóvenes realizadores, proponemos este número para
darnos a conocer al resto del mundo: industria, académicos, críticos,
cinéfilos, productores, público, y pedir una chance de ser escuchados,
leídos o vistos, apelando a que todo maestro alguna vez fue aprendiz y que
todo proceso de madurez en el arte, pasa por una época de intentos y
pruebas dignas de ser seguidas.
G.A.B.B.
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CARTELERA.
“El atardecer de una saga” Por Constanza Vallejos.
Como un placer culpable personal, no podía dejar
de ir a ver “Amanecer Parte 2” al cine, pero esta
vez sin tanto fanatismo, así que esperé una
semana para ir a verla. El director de esta película
es Bill Condon, ganador del Oscar por el mejor
guion de adaptación con la película “Dioses y
Monstruos” y ésta vez estuvo encargado de dirigir
la primera y segunda parte de la saga Crepúsculo,
en las cuales hizo un buen trabajo retratando a los
ídolos adolescentes, obviamente sin adentrar en
temáticas más profundas porque no vamos a
pedirle peras al olmo. Algo que me pareció
divertido sobre el director es su fanatismo por los
vampiros y que les escribió una carta en Facebook
a los fans de la saga cuando fue elegido para dirigir las dos partes de Amanecer. Vale
destacar también que Stephenie Meyer (escritora de la saga) fue productora de las dos
últimas entregas de la película, lo que a mí
parecer fue un buen aporte a la saga, ya que la
evolución desde Crepúsculo hasta Amanecer, a
nivel cinematográfico, ha sido bueno, y se nota
que hubo más preocupación con respecto a
todo, desde vestuario (Kristen Stewart usó un
vestido de Carolina Herrera para su matrimonio
falso, maldita) hasta el guion, ya que pienso que
como final fue muy amable con nosotros, los
fans. Bueno, mientras estaba sentada en la
butaca con las luces apagadas, un paquete de
cabritas y dos amigas fanáticas empezó la
canción melosa que ha estado presente desde
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la primera película y la emoción me invadió, tanto, que le apreté el brazo a una de mis
amigas. Al principio las imágenes de los bosques y montañas nevados situándote en el
lugar donde tus personajes favoritos viven junto a la música hace que uno se vuelva loca,
pero, desgraciadamente, llegó la parte que todos estábamos esperando: ver a Bella
convertida en vampiro, y lo primero que muestran es a Kristen Stewart corriendo a lo
Usain Bolt, pero con un efecto especial tan mal hecho que más que emocionarme, hizo
que me diera vergüenza ajena, pero decidí superarlo y seguir la película. Seguía
emocionada comiendo mis cabritas y muerta de sed porque se me olvidó comprar bebida,
cuando de repente aparece Renesmee, la hija de Bella y Edward, que tiene un desarrollo
fenomenalmente rapidísimo en el libro, pero aquí era un androide computarizado,
bastante tierno, pero que dejó mucho que desear, ya que no podía ser más falso. Esto
lógicamente no ayudó a mi sed, ya que estaba muerta con las cabritas y me terminé de
morir con esa imagen. Independiente de los malos efectos de la película, debo destacar
que a mí parecer la película tiene una buena progresión ya que es posible seguirla con
facilidad y produce enganche de inmediato, pero me parece que al ser una película que
ha recaudado tanto dinero (30,4
millones de dólares en el primer
jueves de estreno) no debiese tener
aquellas falencias respecto a
elementos técnicos. Un elemento
que me parece importante destacar
es el uso de la prolepsis como
elemento dramático, ya que toda la
secuencia de acción y lucha entre
los aliados de Carlisle (Dirigente del
clan Cullen al cual pertenece
Edward) y los Vulturi (Vampiros
malos que rigen a todos los demás vampiros del planeta) termina siendo una visión de
Alice (La vampira vidente del clan Cullen) y le da toda la movilidad y enganche a la
película, ya que si no fuese por esta secuencia sería muy plana y se quedaría sin acción
dramática. Durante esta secuencia estaba simplemente vuelta loca, algunos de nuestros
vampiros favoritos morían y con mis amigas nos mirábamos muertas de miedo como unas
ridículas, debo decir que los efectos especiales de esta secuencia me parecieron mucho
mejores que los del resto de la película (no que me haya importado mucho, yo
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simplemente la amé), pero viéndolo desde un punto de vista un poco más serio y crítico
los efectos especiales a veces aportaron y en otros casos demostraron falencia y
despreocupación.
Pero finalmente, ¿Qué es lo que me hace a mí y a los demás fans seguir yendo al cine a
ver las películas? A pesar de sus obvias falencias, a mí parecer esta película tiene todo lo
que el adolescente quiere tener, una fantasía de amor perfecta, gente bonita caminando a
tu alrededor y sacia esa sed de aventura que uno tiene cuando es adolescente, esa
capacidad de creer que uno es invulnerable, que no le va a pasar nada y que puede ser el
superhéroe de su propia historia. Por otro lado me he cuestionado si es que son los
vampiros los que atraen a los adolescentes, pero he llegado a la conclusión (conclusión
personal, puede ser distinta para otras personas) que estas películas son simplemente
una novela rosa disfrazada de componentes sobrenaturales que le dan un plus para
diferenciarse de las demás novelas rosa.
Concluyendo este comentario puedo decir que es una película que tiene varias falencias a
nivel efectos especiales, se nota una despreocupación, pero que cumple con la fidelidad a
los libros y por eso pienso que es una película honesta. Vale destacar, eso sí, la fotografía
de la película hecha por Guillermo Navarro (Ganador del Oscar a la Mejor Fotografía por
“El Laberinto del Fauno”, 2006) que diferencia esta película de las demás respecto a la
calidad y belleza de la imagen. La recomiendo totalmente para aquel que quiera ir a
entretenerse un rato al cine y obviamente para los fans de la saga que van a quedar
locos, y más con los créditos finales, tal como lo hice yo, una súper fan de la saga
Crepúsculo.
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CARTELERA.
Miguel San Miguel, prisioneros de la música.
Por Javiera Urbina
Miguel San Miguel se presenta como
una película que en un comienzo podría
ser prejuiciada y llevada o inclinada más
bien a una postura más documentalista,
queriendo retratar la vida de quien no
sería el controversial líder de los
prisioneros, sino que su ex mejor amigo,
el segundo más importante a mi parecer
de esta banda de los 80’ repleta de energía. Pero al momento de verla con determinación,
me di cuenta que Matías Cruz a pesar de tener en el cuerpo videos musicales y tan solo
un largometraje más aparte de este, supo lograr la equidad entre la ficción y la realidad.
Haciendo referencia a la época en la que está situada, a la cercana relación entre los
personajes, que claramente, fuera de la ficción hoy en día es un conflicto en eterno.
Sorprende ver desde el comienzo de las imágenes en la pantalla, el contraste de grises
con lo que se pinta este film, un blanco y negro que quizás llega a ser un tanto insistente
con la época que ya sabemos es los 80’, desmereciendo un poco el trabajo de arte y
vestuario que a mi parecer complacían y hacían verosímil la historia sin la necesidad de
quitarle el color. Una decisión que se debió, según como el propio director Matías Cruz
cuenta en una entrevista en el
diario la tercera, el
presupuesto para ambientar no
era mucho, eso explica
también los cuadros cerrados,
hasta exteriores donde por
ejemplo un clip en el que se
les ve a los tres actores
interpretando a Miguel, Jorge y
a Claudio caminando por
Departamental en fila india
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sólo dejando ver extractos de muros y locales tras ellos. El comportamiento de los jóvenes
actores en un principio tiende a alejar el concepto de “Los Prisioneros” como jóvenes
subversivos acorde a los reconocidos himnos musicales que dejaron como banda, pero
todo ese pensamiento se queda en un principio, como buen video musical sabe
adentrarnos a su historia aunque sin toda la música que uno como espectador espera
escuchar de una película de esta índole. Esta carencia musical se puede atribuir al hecho
de que en un comienzo la idea de la película estaba centrada a un recorrido a la banda
completa, idea que tuvo en sus comienzos el apoyo de Jorge González, pero que no tuvo
éxito tras el quiebre de una de las compañías productoras.
Miguel siendo el personaje principal de esta película pero no necesariamente un buen
protagonista logra hilar los hechos sociales de la época dentro de su punto de vista,
aunque la historia del grupo, la iniciativa y acción de la banda están claramente vistas
desde una motivación dada por Jorge a los demás. No se ahonda profundamente en los
personajes, lo que los convierte un poco ajenos a nosotros, a personas reales, a
adolescentes soñadores, no ayudando a esta situación el hecho de que los giros
importantes de la película se dan por algo externo a ellos, oportunidades volátiles que
ellos agarran y les ayuda a conseguir su objetivo de tener una banda. A pesar de las
circunstancialidad de las cosas, existen conflictos entre los personajes que nos muestran
un poco de carácter de cada uno, acercándolo un poco más a lo que es hoy en día como
la conocida impulsividad de Jorge González, la misma personalidad que nos hace
relacionar tantas canciones polémicas escritas e interpretadas por él mismo sobre el
escenario.
Miguel San Miguel juega con una
nostalgia de la época de los 80, con
la sencillez de los espacios de la
comuna de San Miguel, la riqueza
de unos jóvenes talentosos y
entusiastas que a pesar de no
saber de música se las ingenian
para crear instrumentos y aprender
a tocar esperando tener el éxito
que en su colegio le niegan.
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A pesar de no tener una estructura muy confiable y de todos los “pero’s” narrativos y
visuales que he mencionado, esta película logra encantar, con una fotografía
contemplativa que rescata lo mejor del cuadro, con la efervescencia musical adolescente
y con la esperanza de un mañana mejor, el mismo mañana mejor que sabemos que
tuvieron esos adolescentes al perpetuar su carrera musical, al salir a gritarle al mundo y al
sistema que ellos no tan solo servían para ser empleados, también sirvieron y sirven aún
para crear, para comunicar, esperanzar y “para amar”.
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ENTREVISTA
ANÍBAL HERRERA, director de “Marcelo, la mafia, y la estafa”.
Por Constanza Vallejos.
Aníbal Herrera tiene 26 años y es
alumno de la UNIACC en la
especialidad de guiones. Junto a
Alejandro Salazar (UNIACC)
trabajaron juntos en la película
“Marcelo, la Mafia y la Estafa”
después de salir de la
especialidad de cine de UNIACC.
Hoy se encuentran en la pre-
producción de “Exorcistas”,
escribiendo y dirigiendo el
proyecto. En esta oportunidad
entrevistamos a Aníbal sobre su
experiencia haciendo cine y sus
anhelos y pensamientos sobre el
cine chileno.
• Tenemos entendido que “Marcelo, la mafia y la estafa” es tu ópera prima.
¿Cuáles fueron las motivaciones para hacer ésta película?
Cuando egresamos de cine y nos dimos cuenta que teníamos que hacer un
proyecto de título, pensamos “oye, ya hicimos un corto, así que
aprovechemos que la u nos pasa equipos y hagamos un largo”. Pensamos
que lo mejor sería salir al mundo profesional con un largometraje. Sabíamos
que nuestro estilo de cine es uno que apunta hacia la entretención y hacia el
público, además de que nos gusta el cine de género, así que nos
propusimos hacer una comedia de enredos con algo de acción que terminó
siendo “Marcelo, la mafia y la estafa”.
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• ¿Cómo fue tu experiencia dirigiendo un proyecto de esta envergadura?
Yo creo que la única razón por la que nos atrevimos a hacerlo es porque no
sabíamos en qué nos metíamos. Sabíamos que era algo grande (tenía más
de 30 personajes y como otras 30 locaciones), pero pensamos que sería
relativamente simple. Pero las 30 jornadas de grabación terminaron siendo
40, tuvimos que devolver los
equipos y grabar con lo que
encontramos, pedirle por favor a
los actores y al equipo técnico que
siguieran grabando, etc.
Fue una experiencia agotadora y
agobiante, donde muchos éramos
primerizos (la mayoría del equipo
técnico eran compañeros de la U),
pero donde también aprendimos
muchísimo.
• ¿Cómo sientes que ha recibido el público tu película?
En general la gente que la ha visto la ha disfrutado mucho. Las primeras
exhibiciones que hicimos con la sala llena, nos sorprendió que hubieran
tantas risas. La gente nos felicitaba y parecía agradecida de ver un tipo de
película que no es muy común en el cine chileno. Eso nos dejó muy
satisfechos.
• ¿Te sientes satisfecho con el resultado final de tu película?
Desde un punto de vista, sí, mucho. Creo que quedó como queríamos y la
gente la recibió bien.
Desde otro punto de vista, es una película que grabamos hace 3 años. Uno
madura mucho durante ese tiempo, así que ahora cuando vemos la película
nos ponemos a pensar en las mil cosas que hubiéramos hecho diferente.
Pero supongo que eso es parte del proceso y ya habrá oportunidad de
mejorar en la siguiente.
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• ¿Desde siempre quisiste dirigir películas o fue un gusto adquirido en el
tiempo?
Desde niño me gustó contar historias y generar emociones en la gente. A
los 7 años empecé a grabar con mi cámara casera y le mostraba los videos
a mis padres. Después hacía historias en esos tacos donde vienen muchos
papeles que si uno pasa rápido se ve que los dibujos se mueven. Pero
durante mucho tiempo pensé que iba a estudiar ingeniería comercial,
porque no sabía que había una carrera de cine. Un día una compañera de
colegio me dijo “tú deberías estudiar cine”, y tenía razón.
• ¿Hay algún otro campo de audiovisual que te interese abordar aparte de la
dirección? ¿Por qué?
Me encanta el montaje también, de
hecho edito todo lo que dirijo. Pero un
amigo me dijo una vez que el montaje
es lo más cercano que hay a la
dirección, porque básicamente estás
contando la historia también. Estoy de
acuerdo, así que creo que la respuesta
a tu pregunta sería “no”. Me encanta
dirigir y contar historias. Hay gente que
dice que el director es aquel que no es
muy bueno para hacer ningún otro
cargo, sino que sabe un poco de
todos. Yo me siento así, que no sé
mucho de nada pero de todo un poco.
• ¿Ves cine chileno o prefieres el
extranjero?
Ambas. Veo cine chileno porque me gusta ver qué se está haciendo,
aunque son muy pocas las películas que disfruto. Mi referente en general es
el cine estadounidense, los grandes blockbusters siempre y cuando tengan
algo de sustancia.
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• ¿Qué crees que le hace falta al cine chileno?
Muchas cosas. Creo que lo más importante es que haya gente que sepa
levantar proyectos y gente que sepa hacer películas. Me refiero a que
muchos directores son muy buenos productores, son capaces de conseguir
recursos, de administrar el equipo, pero no tan buenos a la hora de contar la
historia. Mientras que hay otros que son buenos contando historias pero que
carecen de la capacidad de gestión para sacar adelante el proyecto. Una
razón por la que creo que Fábula es la productora que es hoy, es porque
tienen a alguien que sabe contar historias (Pablo Larraín), junto a alguien
que sabe gestionar los proyectos (Juan de Dios Larraín). Lo mismo hace
Nicolás López con su productor Miguel Asensio. La mayoría de los
cineastas, especialmente los emergentes, tienen que hacer de todo, y
muchas veces no son buenos en todo.
• ¿Te sientes un aporte a la nueva generación de cineastas del país?
¿Sientes que puedes marcar un precedente como director?
Difícil pregunta. Mi interés es contar historias que lleguen a la gente.
Mientras logre que eso suceda, mientras logre que alguien se emocione con
una película, creo que tendré un pequeño lugar en la cinematografía
nacional, y eso me parece genial.
• ¿Cuáles son tus proyecciones a futuro? ¿Tienes planeado hacer otra
película?
Proyectos tengo muchos, lo que no tengo es plata para hacerlos, jaja.
Ahora, el que más estoy trabajando es uno que se llama “Exorcistas” (tiene
un tráiler piloto en youtube). Ya tenemos algo de plata para hacerlo y sigue
nuestro estilo de hacer un cine de género de entretención dentro de nuestro
contexto chileno.
• ¿Te gusta algún género audiovisual en especial? ¿Noir, terror, ciencia
ficción, etc.?
El otro día me preguntaron eso y no supe cómo responder. Creo que es
como te decía antes, me gustan buenas historias siempre que tengan algo
de sustancia. El género del que sea creo que me da lo mismo.
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• ¿Qué influencias o referentes crees tú que has tenido para poder hacer tu
propio cine?
Las películas estadounidenses de
los 80 me marcaron mucho. Volver
al Futuro, Star Wars, Indiana
Jones, Aliens, son películas que
crecí viendo y que me influencian
día a día. Siento que es una época
en que el cine no se había
depravado tanto como hoy, donde
no había tantos efectos especiales
y se enfocaban en contar muy
buenas historias.
• ¿Tienes algún director favorito?
¿Por qué?
James Cameron. Siento que hay
un nivel de cuidado en sus películas que me impresiona mucho. Además
que en las entrevistas siento que me parezco a él, Así que me identifico un
poco con su personalidad, la del tipo que quiere hacerlas todas.
• ¿Crees que los jóvenes como tú, tienen cabida en el campo cineasta
chileno actual?
Sí, sin duda. Los jóvenes en general, y creo que siempre ha sido así a lo
largo de la historia, siempre tienen algo nuevo que decir, algo que sólo ellos
pueden expresar. Así que el cineasta joven siempre va a tener cabida.
• Y por último: ¿Qué mensaje le dejarías a los chicos que estudian cine
actualmente?
Que si quieren hacer películas, que las hagan. No hay nada peor que la
gente que habla siempre de sus futuros proyectos pero que nunca los hace
realidad. Hay que hacerlos como sea.
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El legado de Orson Welles. Por Catalina Herrera.
Orson Welles, un actor, director, guionista y productor de cine estadounidense, es el mayor ejemplo de directores jóvenes que han conseguido triunfar con sus óperas primas. En el caso de Welles, esto se evidencia con Citizen Kane (1941), una película en la que actuó, dirigió, escribió el guion, e incluso produjo, a los 26 años. Tres años después que se hiciera fama por su interpretación radial de La Guerra de los Mundos. Citizen Kane es una película clasificada como drama misterio, basada en la vida de William Randolph Hearst, un conocido
personaje de la prensa estadounidense. Por lo mismo, tuvo muchos obstáculos en su exhibición y no obtuvo el éxito de taquilla esperado, pero se llevó muchas alabanzas de la crítica.
Partiendo de la base que Orson Welles era un actor, proveniente de una familia adinerada y aficionada a las artes, pero sin ningún acercamiento al cine, esta primera película dentro de su filmografía sin duda se merece todos los premios, análisis, y buenas críticas que tuvo en su momento, y que sigue siendo un ejemplo hasta el día de hoy. Welles tuvo que aprender por sí mismo, viendo mucho cine y poniendo especial atención a cómo narrar una historia usando una cámara, como por ejemplo el uso del picado y el contrapicado (ver imagen) tomado de "La Diligencia” de John Ford. Ejemplo que se repite en directores jóvenes sin escuela pero cinéfilos, como Tarantino que dirigió, escribió, produjo, y protagonizó “My Best Friend’s Birthday”, su primera película, a los 24 años, aunque nunca fue oficialmente exhibida en su totalidad.
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Orson Welles, si bien inexperto
al momento de dirigir esta
película, no fue demostrado en
lo absoluto. Se ve que tiene
especial atención a la
iluminación, a los claroscuros, a
los puntos de foco y de
atención elegidos
cuidadosamente, como en la
escena de Kane pequeño
jugando en la nieve con su
trineo mientras sus padres
están dentro de la casa
hablando con el guardián legal, el señor Thatcher (ver imagen).
Welles también se preocupa de la importancia del guion, la neutralidad de los espacios cuando el diálogo es importante, como una escena en un burdel que fue cambiada de locación para no distraer del relato. Welles utiliza la cámara para resaltar la grandeza de Kane, y le dedica mucho énfasis al maquillaje, sobre todo cuando tenía que interpretar a un Kane más viejo y Welles tenía entre 25 y 26 años. También, pone especial cuidado en la disposición de los planos, el montaje, los ángulos de cámara, y todo esto tomado de su experiencia cinéfila y artística, lo que da cuenta de un director joven dedicado y perfeccionista. Elementos que hacen que un director inexperto se forme su propia escuela y tenga el potencial para ser exitoso en el futuro, como lo fue Welles. Los actores de Citizen Kane fueron parte de la compañía de teatro que el mismo
Orson Welles fundó a los 21 años, Mercury Theatre. Esto se repite hasta el día de
hoy, los directores jóvenes buscan actores y/o equipo técnico dentro de sus
propios amigos o compañeros de escuela, al no contar con muchas redes en la
industria.
Lo mismo ocurrió con Tarantino, quien
trabajó en un videoclub junto a Roger
Avery y Craig Hamann, cuando decidió
hacer su primera película “My Best
Friend’s Birthday”. Avery terminó
haciendo la fotografía de esa película,
Hamann el guion junto a Tarantino, y
entre ellos mismos protagonizaron la
película, junto a otros trabajadores del
mismo videoclub.
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Tomando ejemplos nacionales, tenemos
casos como Marialy Rivas y Fernando
Guzzoni, quienes si estudiaron en escuelas
de cine, y han tenido gran éxito en sus
carreras. Marialy Rivas, con su ópera prima
“Joven y Alocada” ganó reconocimiento
internacional al participar en el festival de
Sundance 2012 y ganar por la categoría
mejor guion de drama. Y en el caso de
Guzzoni, su largometraje “La Colorina”,
dirigido a los 22 años pero estrenado a los
25, lo llevo a obtener el premio a la mejor
película en el Festival de Trieste de Italia, y
el premio al Mejor Director del Foro Chileno
en SANFIC 2008. Guzzoni también estrenó
este año, en el Festival Internacional de
Cine de Valdivia (FICV), el largometraje
“Carne de Perro”, con solo 29 años.
Así como Marialy Rivas, Fernando Guzzoni,
Quentin Tarantino y, el mítico Orson Welles,
tantos otros directores jóvenes han logrado
éxito y reconocimiento por su visión
cinematográfica.
Algo que nace del talento más que de la
experiencia, como lo han comprobado estos
jóvenes directores. Por lo mismo es tan
importante prestarles atención desde el
comienzo de sus carreras y darles el espacio
que se han ganado con el talento
cinematográfico que tienen.
A diferencia de todos los obstáculos y
dificultades que se le impusieron a Orson
Welles durante toda su carrera, aunque de
todas formas logró tener una filmografía llena
de éxitos y de referencias históricas para
futuras generaciones de cineastas.
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CRÍTICA DVD.
“J'ai tué ma mère”, Maté a mis fantasmas.
A partir de la adolescencia se
dice que comienza un
conflicto con el mundo y
esencialmente con los
padres. El título de esta
película refleja claramente la
impulsividad adolescente y el
tipo de odio adolescente
particular que representa
Xavier Dolan en esta película
como director y actor
protagónico.
La delicadeza juvenil, el guión escrito a los 16 años y la realización dirigida
por la efervescencia de un Xavier pocos años después. Retrata
perfectamente y logra transmitir el sentimiento juvenil, la fantasía envuelta
en la impulsividad de una juventud que al ser cada vez más independiente y
tener inspiraciones a flor de piel, son capaces de ordenar el talento y
desarrollar tan buenas obras como lo hizo Dolan en este comienzo.
Ver y volver a ver esta película vale la pena, la exploración de una
tormentosa relación madre e hijo y las fantasías de odio interno que
transcritas en imágenes nos ayudan a comprender una mente adolescente,
creativa y por sobre todo sufrida. El conflicto que puede ser representado
como común, simple y demasiado visto, bajo el marco de una estructura y
forma artística de representación nos lleva a ahondar en lo profundo del
sentir de este adolescente que sólo busca la estabilidad emocional, la
felicidad y en el fondo la de su pequeña y destruida familia representada por
su figura más odiada y más amada a la vez. Su madre.
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Festival Cine B
Por Javiera Urbina
Este año se realizó la quinta versión del festival de Cine B que nuevamente reunió
a grandes talentos del cine nacional independiente, películas que son realizadas
con bajo presupuesto, con pocos días de grabación y generalmente sin rostros
reconocidos entre sus actores. Por esta misma razón son rechazadas por las
distribuidoras y discriminadas por otros festivales al no tener un formato cine.
Este viernes fue la ceremonia de premiación por distintas categorías, la gran
ganadora de la noche fue DONDE VUELAN LOS CÓNDORES de Carlos Klein,
documental que trata sobre el encuentro de dos cineastas filmando una película.
Otras categorías ganadoras fueron:
Proyectos:
SIN CHAPA ADRIANA de Lissette Orozco Ortiz.
ODISEA de Carlos Araya.
SI ME CAIGO de Rocío Monasterio.
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Competencia de Video Clip
Mención Honrosa: EL REFUGIO ES SUAVE de Lucas Benavente
Ganador: ¿CÓMO PUEDER VIVIR CONTIGO MISMO? De Alex Anwandter
Competencia Corto Extranjero:
Mención Honrosa: PUDE VER UN PUMA de Eduardo Williams, de Argentina
Ganador: INFINITO de André Santos y Marco Leao, de Portugal
Competencia Largo Extranjero:
Ganador: ELECTRICK CHILDREN de Rebecca Thomas.
Competencia Corto Chileno:
Mención Honrosa: NO HAY PAN de Macarena Monros
Ganador: SAN JUAN, LA NOCHE MAS LARGA de Claudia Huaiquimilla
Competencia Cine en Movimiento:
VENIAN A BUSCARME de Álvaro de la Barra.
RAIZ de Matías Rojas Valencia
EL CORDERO de Juan Francisco Olea (Libélula)
VENTANA de Rodrigo Susarte (Libélula)
Competencia Largo Chileno:
Mejor Diseño Sonoro: EL CIRCUITO DE ROMAN
Mejor Visualidad: EL CIRCUITO DE ROMAN
Mejor Elenco: LAS COSAS COMO SON
Mejor Dirección: María Paz Gonzalez por HIJA
Premio Del Público Lomo: ISIDORA de Nicolás Superby y Christián Aylwin.
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