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àngels barcelonaArcomadrid 2020 Stand 9D06 CAST

Itziar Barrio

Cecilia Bengolea

Musquiqui Chihying

Lúa Coderch

Marcelo Expósito

Harun Farocki

Esther Ferrer

Joan Fontcuberta

Daniel G Andújar

Tom Johnson

Daniela Ortiz

Monica Planes

Oliver Ressler

Ania Soliman

Richard T Walker

ARCOmadrid 26.02- 01.03 2020 | àngels barcelona I Stand 9D06


Itziar Barrio (1976, Bilbao. Vive y trabaja en Nueva York)

Itziar Barrio

Inyección de tinta, serigrafía en plexiglás, hormigón, látex y ganchos

226 x 180 x 25 cm.

Ejemplar único


Itziar Barrio es un artista multimedia cuyos proyectos se centran en la disidencia como forma de explorar

las narrativas dominantes extraídas de las mitologías contemporáneas y así cuestionar los códigos

impuestos de las relaciones de poder y revela sus connotaciones sociales y políticas ocultas. Residente en

Nueva York desde hace ya más de una década, esta es la primera vez que se podrà disfrutar de su obra

en ARCOmadrid.

Su obra ha sido presentada a nivel internacional en instituciones como el Museo MACRO (Roma),

Participant INC (NYC), MACBA (Barcelona), Museo de Arte Contemporáneo de Belgrado (Serbia), Museo

del Banco de la República, Bogotá (Colombia), Abrons Arts Center (NYC) entre otros. En 2017 recibió la

beca Multiverso para la videocreación de la Fundación BBVA con la que ha producido el proyecto "Drones,

Failed Stars" (2019). Su reciente exposición monográfica, BY ALL MEANS, fue comisariada por Johanna

Burton, directora del Wexner Center for the Arts en Columbus, Ohio y ex comisaria del New Museum de

Nueva York, en Azkuna Zentroa (Bilbao, 2018

Itziar Barrio

Nothing to be scared of. they are crazy about each other (Lightly bracing), 2018

Escultura de metal, látex, silla JEFF de cemento Ikea y pintura

119,3 x 99 x 99 cm

Ejemplar único


Cecilia Bengolea (1979, Buenos Aires. Vive en París).

Cecilia Bengolea

Deep Sea Life series, 2019

Instalación compuesta de 2 esculturas de ceramica, piedras, dibujos y 6 dibujos ( 21 x 29,7 c/u)

80 x 50 cm /cada una

Dimensión total variable

Producidas para Oneness TANK Basel (2019), un proyecto comisariado por Chus Martínez

El trabajo de Cecilia Bengolea, que por primera vez podrà verse en ARCOmadrid, aplica una mirada antropológica a

danzas comunitarias que más tarde plasma en medios como el video, la escultura o la instalación. Para ella la

performance es una escultura animada que le permite convertirse en objeto y sujeto simultáneamente. Influenciada

por las energías simbólicas que encontramos en la naturaleza y en las relaciones empáticas, sus obres tienden a

materializarse con un grupo cercano de colaboradores. Las esculturas de arcilla en forma de algas marinas

realizadas en el taller de cerámica de SFER IK (Tulum, Mexico) transforman el espacio en una esfera acuática

inmersiva que pide a los espectadores que consideren y tiendan a su equilibrio y continuidad. La gran escala de

algas representa la plaga originada por la agricultura amazónica. Los fertilizantes que caen en el río Amazonas viajan

hacia el mar Caribe, causando un desequilibrio masivo de la flora.

Las vídeo-instalaciones y performances de Bengolea han formado parte de la Bienal de Gwangju (2014, 2020), La

Bienal de Lyon (2015), The Tanks, Tade Modern, Londres (2015), Faena Arts Center, Buenos Aires (2015 y

2017) Fig-2 25/50 en ICA, Londres (2015), Dia Art Foundation, Nueva York (2017), Tokyo Spiral Hall, Bienal de

Sao Paulo (2016), The Infinite Mix, Hayward Gallery Londres (2016), Palais de Tokyo (2015 y 2018), TBA21,

Venecia (2018), Art Basel Miami Beach (2018), E.A.T (2019), Centro Pompidou, París (2010, 2016, 2019),

Desertx, Coachella Valley (2019), Tank Art Basel (2049), FriezeLive, Londres (2019), Fiac - Parades, Paris

(2019), Before We Die, Performa NYC (2019), Alliga Sferik, Tulum (2019), Sylphides, Fondation Giacometti

(2019) entre otros.


Cecilia Bengolea

Deep Sea Life. Worm Fish, 2019

Escultura de cerámica

80 x 50 cm

Ejemplar único



Deep Sea Life. Maya Seaweed, 2019

Escultura de cerámica

80 x 50 cm



Untitled, 2019

6 dibujos. Rotulador sobre papel

21 x 29,7 cm E/A



Musquiqui Chihying (1985 Taipei, Taiwan. Vive y trabaja entre Taipei y Berlín.)

Musquiqui Chihying obtuvo un máster en Bellas Artes de la UDK en Berlín en 2015. En su trabajo utiliza

diferentes medios como el video, la fotografía o la instalación para explorar las relaciones que forman las

personas y los objetos con el espacio público, así como los cambios que el capitalismo ha aportado

nuestras vidas.

Musquiqui Chihying ha sido el ganador del Premio de Producción de Videoarte 2019 de la Fundación

Han Nefkens - Loop Barcelona, en colaboración con la Fundació Joan Miró, reconociendo su

perspectiva geopolítica que utiliza el pasado histórico para examinar la política contemporánea en un

mundo cada vez más antiliberal, intentando conectar las historias del mundo entre sí.Chihying ha

expuesto en la Bienal de Shanghai (2014), la Bienal de Taipei (2016), Spain Moving Images Festival,

Madrid (2018) , MOCA, Tapei (2018), Tang Cotemporary Art, Taipei (2019) entre otr

Musquiqui Chihying

The Jog, 2014 Video, color, sin sonido 1 min on loop

1920 x 1080 Ed. 5 + 1 PA


Lúa Coderch

(1982, Iquitos, Perú. Vive y trabaja en Barcelona).

Lúa Coderch

AH 4/3 (mama Henningsen), 2018

Lámpara de imitación de PH 4/3 cubierta con pelo sintético

42 cm ⌀ x 21 cm

Ejemplar único

Lúa Coderch utiliza la investigación para explorar la superficie de las cosas y la materialidad de las narrativas

personales e históricas, a través de una amplia gama de medios para cuestionar la estética de temáticas como la

verosimilitud, el entusiasmo, el valor, la memoria o el engaño. La obra seleccionada para Arcomadrid 2020 forma

parte del último proyecto de Lúa Coderch “Vida de O“, presentado en Centrocentro (Madrid), entre Octubre del

2018 y enero del 2019, con el que la autora reflexionaba acerca de cuestiones como ¿Qué formas de vida

producen los objetos? ¿Qué pasa si pensamos el arte desde una perspectiva post-humanista?

Entre sus proyectos inidviduales más recintes podemos destacar We Can Still Be Friends, (2019). A Performance

Affair, Bruselas (2019),Vida de O (CentroCentro Cibeles, Madrid, 2018), Shelter, (Sala Multiverso Fundación

BBVA, Madrid, 2018) ), The Girl With No Door On Her Mouth (àngels barcelona, 2018), The Rainbow

Statement (Compositions, Barcelona Gallery Weekend, 2016), Night in a Remote Cabin Lit by a Kerosene

Lamp (àngels barcelona, 2015), The air was full of anticipation (BF15, Lyon 2015), Or (Fundació Suñol,

Barcelona, La Muntanya Màgica (Espai 13, Fundació Joan Miró, Barcelona, 2014).


Marcelo Expósito

(1966, Puertollano. Vive en los últimos años entre Barcelona, Madrid y Buenos Aires)

Marcelo Expósito

Secuencia de imágenes para la conferencia 1968 como interrupción, MUAC, 10/11/18

Impresión digital y tinta sobre papel DIN A-4 y folio.

98 x 115’5 x 3’5 cm. (enmarcado).

Esta pieza forma parte de la serie “Discursos” de la última exposición de Marcelo Expósito “Las Imágenes toman la

palabra”. Esta serie exhibe los procedimientos mediante los que se piensa el mundo al observarlo. Son además, un

relevante registro documental de los trabajos recientes de Marcelo Expósito, en sus prácticas de acción directa.

Es autor de una veintena de obras videográficas relevantes que incluyen cortometrajes, largometrajes y series de

varios capítulos, entre las cuales se cuentan trabajos sobre la memoria histórica y la Guerra Civil, el Franquismo y la

Transición, como es el caso de Los demonios familiares (1990-1994), La tierra de la madre (con Joseantonio

Hergueta, 1994), No haber olvidado nada (con Gabriel Villota y Arturo Fito Rodríguez, 1997) y El año en que el

futuro acabó (comenzó) (2007); sinfonías urbanas como Octubre en el Norte: Temporal del Noroeste (1995) y las

series de Sinfonías de la ciudad globalizada sobre Valparaíso (2010) y Bilbao (2014); entre otras.


Daniel G. Andújar

(1966, Almoradí. Vive y trabaja en Barcelona. )

Art Workers Won’t Kiss Ass, 2020

Impresión digital en B/N tinta sobre lienzo

195 x 130 cm

Códigos Fuente de “Art Workers Won’t Kiss Ass”, 2020

Impresión digital en color sobre cartulina

74 x 43 cm

Ejemplar único


I’m an artists, 2020

tinta sobre lienzo , 195 x 130 cm

Códigos Fuente, Impresión digital en color sobre cartulina , 74 x 43 cm (enmarcado)

Ejemplar único


Esta serie de trabajos inéditos de Daniel G. Andújar forma parte de un trabajo más amplio “History of Art

Workers”.Las máquinas y los algoritmos realizarán pronto más tareas que los humanos, una vez enterrada la

era industrial necesitamos una nueva división global del trabajo. El estudio de Andújar hace años que inició

este proceso de digitalización. Algoritmos, impresoras 3D, computadoras, robots y todo tipo de asistentes

digitales trabajan en los aspectos más formales de la obra. En estas tres obras el artista se apropia o

manipula desde una famosa línea de una carta que Karl Marx envió en 1866 a François Lafargue, y repetida

en Capital: “Labor in white skin cannot emancipate itself where the black skin is branded.” (1); el slogan que

apareció anónimamente durante una protesta de la Art Workers’ Coalition: “Art Workers Won’t Kiss Ass”; o

la difundida demanda: “I am an Artist This does not mean, I will work for free, I have bills like you. Thank-you

for understanding”. Las tres piezas son tinta sobre lienzo (195x 130 cm.) acompañadas por los códigos

fuente impresos sobre papel y que permiten al robot pintar sobre el lienzo (74 x 43 cm.)

Sus obras se han expuesto en instituciones internacionales, entre las que se encuentran la Bergen

Kunsthall, (Bergen), Frac Occitanie (Toulouse), Carré d'Art, Nîmes, el Württembergischer Kunstverein

(Stuttgart), el Salzburguer Kunstverein (Salzburgo), Documenta14 (Atenas y Kassel), Manifesta 4

(Franckfort) y la 53ª Bienal de Venecia. En 2015, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid

le dedicó una gran exposición individual, comisariada por Manuel Borja-Villel. La Virreina Centro de la

Imagen en Barcelona presentará una exposición inidvidual del artista en marzo del 2020.

Art in white skin cannot emancipate itself where the black skin is branded, 2020

tinta sobre lienzo , 195 x 130 cm

Códigos Fuente , Impresión digital en color sobre cartulina (enmarcado), 74 x 43 cm

Ejemplar único


Harun Farocki (1944, Novy Jicin, República Checa – 2014, Berlin)

Harun Farocki

Ein Bild (An Image), 1983

16 mm transferido a HD, 2k

Ed. 3/10

25 min

"La temática de An Image, surgió después de haber pasado cuatro días en un estudio trabajando para la realización

del póster central de la revista Playboy. La propia revista trata temas relacionados con la cultura, los coches, en

definitiva, un cierto estilo de vida. Tal vez todo ese tipo de trampas surgen tan sólo para encubrir a la mujer

desnuda. La mujer desnuda que vemos en la parte central de la revista es un sol en torno al cual gira un sistema: el

de la cultura, de los negocios, el de la vida! (Es imposible mirar al sol o incluso filmarlo.) Es fácil imaginar que las

personas que crean dicha imagen, con la gravedad de lo que supone mantener todo eso, lleven a cabo su tarea

con el mismo cuidado, seriedad y responsabilidad, como si estuvieran separando uranio. – Harun Farocki-

Harun Farocki fue cineasta, artista y teórico de los medios audiovisuales. Tuvo reconocimiento internacional gracias

a la portada que Cahiers du Cinema de 1975, que se título: Who is Farocki?. El trabajo de Farocki trata un amplio

espectro de soportes como son las películas, las cintas de vídeo, las instalaciones multimedia, entre otros. Los

trabajos de Farocki son una constante conversación con las imágenes, con el image-making, y con las instituciones

que producen esas imágenes.


Esther Ferrer

(1937, San Sebastián. Vive y trabaja en París

Esther Ferrer

Elle était là, 1984

Fotografía B/N sobre aluminio intervenida con tinta.

91 x 72 cm

Ejemplar unico


Esther Ferrer

The artist as a terrorist (Serie: el libro de las cabezas), 1999

Fotografía, Collage.

35 × 50 cm

Pionera y una de las principales representantes del arte de performance en España, empezó a participar en las

actividades del grupo ZAJ (con Walter Marchetti, Ramon Barce y Juan Hidalgo) en 1967 hasta su disolución en

1996, y, desde entonces, hizo del arte de acción su principal medio. La performance es el hilo conductor de toda

su obra y representa para ella un momento donde intervienen a la vez el tiempo, el espacio y la presencia: "la

acción consiste en salir del cuadro, de la bidimensionalidad, para entrar en el espacio, y utilizar tu cuerpo como

sujeto de un trabajo simple y directo”. A lo largo de su extensa carrera, ha sido objeto de diversos reconocimientos:

en 1999 fue una de las representantes de España en la Bienal de Venecia; en 2008 fue galardonada con el

Premio Nacional de Artes Plásticas; en 2012 con el Premio Gure Artea del Gobierno Vasco, y en 2014 con el

Premio MAV (Mujeres en las Artes Visuales), el Premio Marie Claire de l’Art Contemporain y el Premio Velázquez

de Artes Plásticas.

Entre sus exposiciones individuales más recientes en 2019 se hayan “Esther Ferrer. 2, 3, 5, 7, 11, 13, 17, 19,

23...”, Tabakalera, San Sebastián o “Esther Ferrer”, CAAM, Las Palmas de Gran Canaria (2020). En 2018

podemos destacar “Todas las variaciones son válidas incluída esta”, en el museo Reina Sofía de Madrid, “Espacios

entrelazados” en el museo Gugghenheim de Bilbao .


Joan Fontcuberta

(1955, Barcelona)

Joan Fontcuberta, reconocido fotógrafo conceptual, además de autor, editor, comisario de exposiciones y profesor,

presenta el trabajo inédito, Prosopagnosia (2019). La prosopagnosia es un trastorno de la memoria caracterizado por la

dificultad a reconocer rostros cuando al encontrarnos con alguien, su apariencia nos resulta muy familiar y tenemos la

certeza de que nos conocemos. El estudio de la propopagnosia ha sido crucial en el desarrollo de teorías sobre la

percepción facial y su subsiguiente aplicación en el diseño de algoritmos para dispositivos de reconocimiento facial,

desgraciadamente tan comunes con la actual paranoia de vigilancia y control.

La aplicación del algoritmo diseñado por Pilar Rosado sobre las imágenes del archivo Alonso Bonet produce una cantidad

incontable de imágenes intermedias, desechadas, que trazan la complejidad del proceso de entrenamiento y aprendizaje

hasta culminar en imágenes plausibles. A medida que el ordenador va aprendiendo a producir caras, se evoca la propia

memoria del arte, del minimalismo al expresionismo, del surrealismo a Bacon. Pero más que a la historia del arte, este

proyecto interpela la ontología de la imagen. Asistimos a la institucionalización de fotografías sin referente. La

computación está engullendo a las cámaras y la representación ya no es un producto de la imaginación sino del cálculo.

Estamos ante un nuevo paradigma de la imagen.

Joan Fontcuberta

Prosopagnosia, 2019

Impresión digital sobre dibond

60 x 180 cm Ed. 5


Tom Johnson

(1939, Colorado US. Vive y trabaja en París.)

2018

Dibujo. Rotulador sobre cartulina.

65 x 50 cm

Ejemplar único


Tom Johnson es compositor, antiguo alumno de Morton Feldman. Se lo considera músico matemático minimalista,

trabaja con formas simples, escalas limitadas y, en general, materiales reducidos, pero su trabajo se desarrolla de una

manera más lógica que la mayoría de los minimalistas, a menudo utilizando fórmulas, permutaciones, secuencias

predecibles y diversos modelos matemáticos, tambén realiza instalaciones sonores. Reconocido internacionalmente

por obras como The Four Note Opera (1972),

En ARCO presenta dibuijos de dos periodos y fromulaciones diferentes. Sus pirmeros dibuixos (1974-75) de la

sèrie Imaginary Music (inéditos) dibujos humorísticos donde imagina como podria dibujarse la música, junto a sus

dibuijos más recientes, representaciones de sus propias composiciones musicales. Cada uno de estos dibuijos es

una composición musical existente que puede escucharse junto al dibujo en formato digital mp3.

1973

Dibujo. Rotulador sobre papel

A4

Ejemplar único

2018

Dibujo. Rotulador sobre cartulina.

65 x 50 cm


Daniela Ortiz

(1985, Cuzco, Peru. Vive y trabaja en Barcelona.)

Impresión digital color sobre tejido

170 x 100 cm cada una

Ed. 3


Instalacion de 16 pinturas. óleo sobre lienzo

38 x 46 cm cada una


Serie de 16 obras. Óleo sobre lienzo

38 x 46 cm cada una


Para el stand de ARCOmadrid de este año presentamos dos proyectos presentados en exposición individual el

La Virreina Centro de la Imagen de Barcelona. “Europa Recibirá de Rodillas El Espíritu Anticolonial” (2019), un

conjunto de dibujos en forma de vidrieras que propone una imagen de diferentes resistencias anticoloniales del

Sur global, y se relaciona con corrientes de espiritualidad política, como la teología latinoamericana del

libramiento o la pedagogía del oprimido. Y también presenta la serie “Pinturas de castas” (2019), la cual hace

una referencia directa a aquellas pinturas que solían representar y tipificar las mezclas raciales, y constituían una

especie de de censo despectivo que exaltaba la supremacía blanca. La artista toma estos mismos elementos

iconográficos para realizar 16 pinturas que clasifican situaciones de racismo institucional.

Daniela Ortiz ha participado en exposiciones en España, Estados Unidos, Hong Kong, Austria, Alemania,

Jordania, Gran Bretaña, Perú, Suecia, Rumania, Francia, Bélgica, Polonia y la República Checa. Entre su

exposiciones individuales más recientes podemos destacar “Esta tierra jamás será fértil por haber parido

colonos", La Virreina Centro de la Imagen, Barcelona (2019-2020), "Blanca Europa" en Las Ataranzas de

Valencia (2017), "ABC of Racist Europe" (2017) en el Middlesbrough Institute of Modern Art, Reino Unido

(2017), o "97 House Maids" en el Van Abbemuseum de Eindhoven, entre otras. En 2018, fue una de las

artistas participantes en "Songs for Sabotage", La Trienal del New Museum de Nueva York.

Serie de 16 obras. Óleo sobre lienzo

38 x 46 cm cada una


Mònica Planes

(1992, Barcelona. Vive y trabaja en Barcelona.)

Las obras seleccionadas para ARCOmadrid forman parte de una investigación sobre los playgrounds. Éstos

son el punto de partida para pensar en esta relación entre cuerpo y objeto debido a que su finalidad misma

es educar el cuerpo y la mente durante el crecimiento y potenciar los movimientos habituales del cuerpo en

sociedad. La serie Arquetipos esqueléticos, se basa en aquellos playgounds donde las estructuras

tradicionales –tobogán, columpio y balanza- organizan y conducen el movimiento del cuerpo a la vez que

determinan un tipo de pensamiento condicionado por una forma concreta. Estos playgrounds tienen su

origen a finales de siglo XIX y se normativizan por primera vez en Estados Unidos bajo el mandato de Robert

Moses como alcalde de Nueva York.

Mònica Planes cursó el Máster en Producción e Investigación Artística y está graduada en Bellas Artes por la

Universidad de Barcelona. Durante los últimos años ha obtenido la Beca Han Nefkens/UB 2016, la beca de

escultura de la Fundació Felícia Fuster 2016 y la beca de la Fundació Guasch Coranty 2017. En 2019 fue

una de las finalistas nominadas al Premio de Cervezas Alhambra de arte Emergente.

Mónica Planes

Arquetipo Esquelético, 2019

Aluminio 185 x 120 x 37cm


Oliver Ressler (1970, Knittelfeld, Austria. Vive y trabaja en Viena.)

Oliver Ressler

Red Line Against Fossil Capitalism, 2017/2019 Impresión digital, 99 x 75 cm,

Tamaño de la fotografía sin margen: 84 x 60 cm

Ed. 5 + 1 AP


Oliver Ressler es artista y cineasta. Su obra consiste en instalaciones, proyectos en el espacio público y

películas sobre temas como la economía, la democracia, el calentamiento global, las formas de resistencia y

las alternativas sociales.Como menciona el comisario italiano Marco Scotini: "Ressler es uno de los artistas

de la nueva generación que operan en la" zona gris "que existe entre el arte y la política, que desarrollan

proyectos sobre una variedad de temas sociales en los que se utilizan los medios de comunicación.

Oliver Ressler ha realizado exposiciones individuales en el Berkeley Art Museum, EE.UU.; SALT Galata,

Estambul, Platform Garanti Contemporary Art Center, Estambul; Museum of Contemporary Art, Belgrado;

CAAC, Sevilla, Centro Cultural Conde Duque, Madrid; Alexandria Contemporary Arts Forum, Egipto; The

Cube Project Space, Taipei; Wyspa Institute of Art, Gdansk y Lentos Kunstmuseum, Linz. Ressler ha

participado en más de 350 exposiciones colectivas, incluyendo dOCUMENTA 14, Kassel, Museo Reina

Sofía y La Casa Encendida, Madrid; EACC, Castellón; Yerba Buena Center for the Arts, San Francisco;

Castello di Rivoli, Turín; Pabellón de Maldivas en la 55ª Bienal de Venecia

Oliver Ressler

Coal Kills, 2017/2019 Impresión digital, 99 x 75 cm,

Tamaño de la fotografía sin margen: 84 x 60 cm

Ed. 5 + 1 AP


Ania Soliman (1970, Varsovia. Vive y trabaja en Paris)

Dibujo. Encáustica, lápiz, pigmento, fragmentos de un manual de dibujo técnico en papel

230 x 179 cm (enmarcado)


bamboo 33447 (1535 leaves), 2018

Dibujo. Encáustica, lápiz, pigmento, fragmentos de un manual de dibujo técnico en papel

200 x 176 cm / 204 x 180 cm (enmarcado)


Los dibujos presentados pertencen al proyecto titulado Nature is an experiement, el cual Soliman inicia una

investigación sobre la naturaleza y sus diversas tecnologías. La artista presenta varios dibujos de plantas

artificiales de bambú, así como un paisaje de selva tropical de bambú. Diseñadas por humanos, asignadas a un

número de serie y producidas en serie, en plástico o tela, las plantas de bambú llevan a la artista a una reflexión

sobre la relación del individuo con la naturaleza

La obra de Ania Soliman ha sido expuesta en el Castello di Rivoli de Turín (2018), en el CCCB de Barcelona

(2016), en la Fundación Helga de Alvear de Cáceres (2016-17), en el Museum der Moderne de Salzburgo

(2016), el Museo de Arte Contemporáneo de Amberes (2015), la Bienal Whitney (2010), la 14ª Bienal de

Estambul (2015), el Museum der Kulturen de Basilea (2014) y el Centro de Dibujo de Nueva York (2000).

Ania Soliman estudió en la Universidad de Harvard y en la Universidad de Columbia antes de participar en el

Programa de Estudios Independientes del Museo Whitney de Nueva York.


Richard T Walker

(1977, Shropshire (Reino Unido). Vive y trabaja en San Francisco.)

2014

Transparencia cromogénica en caja de luz, teclado Casiotone MT-68, trípode

Dimensiones variables.

Ejemplar único


“ Walker emplea una variedad de medios, incluyendo el video, la música, la fotografía, la escultura y la performance -a menudo

mezclando todos estos medios- para explorar y reflexionar sobre la experiencia del individuo en el paisaje y la

naturaleza. “Toda piedra es una montaña en potencia”, sugiere Roger Caillois en Piedras, un ensayo de 1966 donde el

sociólogo francés aborda su fascinación por el mundo mineral. Si pensamos en la relación de proximidad distante que

Richard T. Walker genera ante el paisaje sublime, nos encontramos con un análisis físico y mental del territorio afín a las

observaciones de Caillois. En ambos casos, la piedra-paisaje deviene un universo particular; en ambos casos, la relación

habitual del individuo con la naturaleza se desdibuja favor de una conexión más introspectiva, más mística.

La obra de Walker se ha mostrado en exposiciones individuales en espacios tales como el Hiroshima City

Museum of Contemporary Art,, galería CURRO, Mexico DF, Carroll/Fletcher en Londres, àngels barcelona,

The Contemporary Austin en Texas, James Cohan Gallery en Nueva York, Kadist Art Foundation en San

Francisco y Galleri Image en Aarhus, entre otros.

separately together (instance 8 - still), 2019

Collage. Impresión inkjet de archivo

28cm x 35.5 cm

Ed 1/3


àngels barcelona

c/ Pintor Fortuny, 27

08001 Barcelona, Spain

+34 93 412 54 00

Gabriela Moragas

[email protected]

+34627535797

mailto:[email protected]

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