“Wassily Kandinsky II” Jacques Moitoret

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La línea

LA LINEA La línea es el segundo elemento configurativo de los lenguajes visuales y uno de los más usados. Representa una de las formas de expresión más sencilla y pura, pero también la más dinámica y variada.

"La línea geométrica es un ente invisible, es la traza que deja el punto al moverse y es por tanto, su producto. Surge del movimiento al destruirse el reposo total del punto. Hemos dado un salto de lo estático a lo dinámico."

V. Kandisky

Descripción y características • Está formada por la unión de varios puntos en sucesión, pudiéndose asimilar

a la trayectoria seguida por un punto en movimiento, por lo que tiene mucha energía y dinamismo.

• La línea es considerada como tal mientras la relación ancho/largo no sobrepase una proporción determinada.

• Una línea más ancha que la mitad de su largo pierde la expresión dinámica del trazo y adquiere la estática de una superficie cuandrangular.

• Las propiedades de una línea vendrán definidas por su grosor, su longitud,

su orientación (dirección), su ubicación (posición), su forma (recta o curva) y su color.

• Estas propiedades se verán afectadas también por el número de líneas que

haya en la composición, su proximidad y la orientación relativa entre ellas. • Su presencia crea tensión y afecta al resto de elementos cercanos a ella.

• Contiene gran expresividad gráfica y mucha energía.

• Casi siempre expresa dinamismo, movimiento y dirección.

• Crea tensión en el espacio gráfico en que se encuentra.

• Crea separación de espacios en el grafismo.

• La repetición de líneas próximas genera planos y texturas.

El punto como elemento compositivo

• En una composición define direccionamiento, que estará más acentuado cuantas más líneas paralelas haya. Esta cualidad se puede usar para dirigir la atención en una dirección concreta, haciendo que el espectador observe el lugar adecuado.

• Una línea divide o circunda un área, se encuentra en el borde de una forma. Expresa separación de planos,

permitiendo al diseñador usarla como elemento delimitador del contorno y de niveles y áreas en la composición.

• La unión sucesiva de líneas conforma un trazo. Los trazos dan volumen a los objetos que dibujamos y permiten representar simbólicamente objetos en la composición, eliminando de ellos toda información superflua y dejando sólo lo esencial.

Clases de líneas

Líneas rectas

Líneas curvas

Líneas quebradas

Líneas onduladas

Líneas mixtas

Líneas continua

Líneas discontinua

Líneas gruesas

Líneas delgadas

Líneas mixtas

La línea como elemento expresivo

Las líneas verticales producen un efecto de equilibrio y elevación, las horizontales de calma y descanso.

Las líneas ascendentes producen sensación de fuerza y vitalidad.

Las líneas descendentes crean un efecto de depresión

Las líneas en espiral de movimiento envolvente.

Las líneas horizontales de calma y descanso

Las líneas inclinadas de dinamismo e inestabilidad.

La línea en la naturaleza:

“La línea aparece en la naturaleza como un sinfín de fenómenos de los reinos mineral,

vegetal y animal”

V. Kandinsky

La línea en el arte:

Valeri Kandinsky

Moscú (Rusia), 1866 - Neuilly-sur-Seine (Francia), 1944 Pintor de origen ruso, nacionalizado alemán y posteriormente francés. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con clases de dibujo y pintura. Al tiempo que se interesaba por la cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares rusas también descubrió la obra de Rembrandt y Monet. Cuando cumplió los treinta años, Kandinsky abandonó la docencia y fue a estudiar pintura a Munich, renunciando a un porvenir académico ya consolidado. En esta ciudad asistió a las clases de F. Stuck y en ellas conoció a Paul Klee, con el que mantendría una sincera y prolongada amistad. Su interés por el color está presente desde el comienzo de su carrera, y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del postimpresionismo, el fauvismo y el Jugendstil alemán. Entre 1902 y 1907 Kandinsky realizó diferentes viajes a Francia, Países Bajos, Túnez, Italia y Rusia, para instalarse finalmente en Murnau. Tal como narra él mismo en su biografía, por entonces se dio cuenta de que la representación del objeto en sus pinturas era secundaria e incluso perjudicial y que la belleza de sus obras residía en la riqueza cromática y la simplificación formal. Este descubrimiento le condujo a una experimentación continuada que culminó, a finales de 1910, con la conquista definitiva de la abstracción. Kandinsky refundió la libertad cromática de los fauvistas con la exteriorización del impulso vivencial del artista propuesto por los expresionistas alemanes de la órbita de Dresde, en una especie de síntesis teñida de lirismo, espiritualidad y una profunda fascinación por la naturaleza y sus formas. Entre 1910 y 1914 Kandinsky pintó numerosas obras que agrupó en tres categorías: las impresiones, inspiradas en la naturaleza; las improvisaciones, expresión de emociones interiores; y las composiciones, que aunaban lo intuitivo con el más exigente rigor compositivo. Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con vivos colores y en ellos se percibe todavía un poco la presencia de la realidad. En 1911 fundó junto a Franz Marc y August Macke el grupo Der Blaue Reiter, organizando diversas exposiciones en Berlín y Munich. Paralelamente a su labor creativa, reflexionó sobre el arte en muchos escritos, sobre todo en De lo espiritual en el arte (1910) y el Almanaque, en el que, junto a dibujos y grabados de miembros del grupo, aparecían otras manifestaciones artísticas, como partituras de Schönberg y muestras del arte popular e infantil. Al estallar la Primera Guerra Mundial, Kandinsky volvió a Moscú y allí emprendió varias actividades organizativas en el marco del Departamento de Bellas Artes del Comisariado Popular de la Educación. En 1917 se casó con Nina Andreievsky y cuatro años más tarde se trasladó con ella a Alemania para incorporarse a la Bauhaus en la primera etapa de Weimar, donde continuaría como profesor hasta poco antes de su disolución. La influencia del entorno de la Bauhaus se dejó sentir, y su obra experimentó una transición hacia una mayor estructuración, tanto compositiva como formal, que se ha dado en llamar el período arquitectural de su pintura, al cual siguió otro de transición en que experimentó con los trazos circulares y concéntricos (Círculos, 1926). También escribió manifiestos para la Bauhaus y publicó el libro Punto y línea sobre el plano. En 1933, clausurada la Bauhaus por los nazis, el pintor se instaló en Francia. En esta última etapa de su vida continuó en su particular búsqueda de formas inventadas, que plasmó por medio de colores combinados de manera compleja e inspirándose en signos geométricos y en motivos decorativos eslavos, como hiciera ya al comienzo de su trayectoria pictórica.

Obra

Composición Nº 8 (1923) de Kandinsy

Amarillo, rojo azul (1925)

“Punto y línea sobre el

plano”

Kandinsky, V., “Punto y línea sobre el plano” Ed. Paidos, España, 1996

La línea en el arte:

Eusebio Sempere

La obra de Sempere está definida por la abstracción, la repetición geométrica y la linealidad, evolucionando hacia el Op Art y el constructivismo con elementos del arte cinético.

Su aportación personal a este movimiento cinético consiste en sus series de construcciones geométricas y abstractas a las que imprime el efecto de ilusión de

vibración y movimiento.

Inicia sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia donde estudia pintura, dibujo y las diferentes técnicas de grabado. Debido a una enfermedad infantil carecía prácticamente de visión en su ojo derecho.

En 1948 va becado a París, donde toma contacto con Chillida y Palazuelo y con otros artistas vanguardistas como Kandinsky o Klee. En París conoce y trata a Braque, y mejora la técnica en la serigrafía que va a utilizar frecuentemente en años posteriores. En 1955 tomó conocimiento de la Galería Denise Rene y seguidamente en 1956 participa con dos obras en el Salón des Realites Nouvelles de París. Conoce la obra de Vasarely que le va a influenciar en su visión del arte. Conoció también en París a Hans Arp y fue amigo de Nina Kandinsky viuda del gran pintor, así como de Roberta González hija del escultor Julio González. En 1957 traba conocimiento con Abel Martín con quien va a trabajar años después en ediciones de serigrafías. En 1960, regresa a España y se instala en Madrid, donde se relaciona con un escogido grupo de informalistas, el "Grupo de Cuenca" y con el grupo de realistas madrileños. También forma parte del "Grupo Parpalló" en Valencia. En 1964 consigue una beca de Ford lo que le permite viajar a USA y, como consecuencia de ello, exponer en la Galería Bertha Schaefer Gallery, Nueva York en 1964, así como participar en el Pabellón Español de la Feria de Nueva York.

En 1968 participa en el Centro de Cálculo de la Ciudad Universitaria de Madrid en un Seminario sobre “Generación automática de formas plásticas” donde Sempere realizó su trabajo utilizando computadoras. En 1969, viaja a Estados Unidos con una beca y allí utilizará el ordenador para fines artísticos, técnica que continuaría a su regreso en el Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid convirtiéndole en pionero de este arte en España.

En 1983 se le concede el Premio Príncipe de Asturias de las Artes. Es nombrado hijo predilecto de la ciudad de Alicante y Doctor Honoris Causa de esta universidad. Muere en abril de 1985 en Onil, Alicante tras una larga enfermedad.

La línea en el arte:

Andreu Alfaro

De formación autodidacta, su carrera artística comenzó en los años cincuenta

con dibujos, pinturas y gouaches marcados por la abstracción. A finales de esa

misma década, con alambre y hojalata, empezó a hacer sus primeras obras

tridimensionales, emparentadas con los postulados constructivistas. Fue uno

de los creadores del "Grupo Parpalló", que resultó decisivo para la renovación

del arte valenciano contemporáneo. A partir de los años 80, después de un

período en el que exploró las posibilidades plásticas de la simetría con

plexiglás de color, hacen acto de presencia las referencias figurativas, que

formalmente, sin renunciar a sus hallazgos anteriores, se irán simplificando.

• Andreu Alfaro nace en Valencia en 1929.

• Hijo de comerciantes, propietarios de una carnicería, su vida

transcurre paralela al mundo artístico, pero sin entrar

definitivamente en él.

• Habrá que esperar hasta 1974 para que abandone sus otras

actividades y se dedique plenamente al arte, al dibujo, para el que

siempre estuvo especialmente dotado y, sobre todo, a la escultura.

• Para definir su estilo habría que recurrir al profesor José Marín

Medina, cuando dice que "partiendo de un informalismo lírico... se

transforma en uno de los nombres más representativos de la

escultura de transvanguardia".

• Gusta de aplicar sus conocimientos geométricos para crear

sugerentes obras abstractas. Obras llenas de matices, que juegan

con el módulo, con la serie, con la luz, con el color (recuérdese

sus trabajos de plexiglás de colores) y que no se hacen difíciles al

espectador, pese a su complejidad real.

• También se le ha definido como un artista minimalista, aunque

tampoco a esa definición se ajusta un arte cargado de significado.

• En un plano más personal, Alfaro es un artista comprometido con

la sociedad en la que vive. Los ideales de democracia, libertad,

ilustración... aparecen siempre en sus obras, como también

aparecen sus inquietudes nacionalistas

La línea en la EPyV:

Las líneas onduladas producen el efecto de la superficie del agua. La diferencia de grosor

refuerza el impacto de la luz.

Para la realización de algunos trabajos podemos acudir a la utilización de procedimientos y recursos técnicos.

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La utilización de líneas verticales dan la sensación de vitalidad y fuerza. También podemos reforzar la composición con la

utilización de diferentes colores.

Las líneas curvas

generan dinamismo y nos

acercan a la naturaleza.

Trabajos realizados por alumnos del Colegio Niño Jesús

Las líneas nos ayudan a componer diferentes texturas.

Generamos planos cuando de manera ordenada interrumpimos la dirección de las líneas.

ACTIVIDADES

UD 4.2 Elementos de la expresión. La línea AC 1 Línea deformada 1

Materiales: Un DIN A-4, rotuladores.

Procedimiento: Mediante una serie de ejercicios podemos experimentar diversos efectos del uso de la línea para conseguir generar la impresión de volumen en el dibujo. El más simple de todos consiste en situar una serie de elementos en el papel de dibujo, que pueden ser puntos, cruces, círculos, cuadrados, etc. Tales elementos se irán sorteando a manera de obstáculos a medida que vayamos trazando líneas paralelas de un lado a otro del dibujo. El cambio que se produce en cada línea supondrá un nuevo obstáculo que sortear para la línea siguiente, de manera sucesiva hasta que completemos todo el dibujo.

UD 4.2 Elementos de la expresión. La línea AC 2 Línea deformada 2

Materiales: Un DIN A-4, rotuladores.

Procedimiento: 1. Dibujar a lápiz una composición (procura que sea relativamente sencilla). 2. Trazar a rotulador las líneas de volumen, cambiando de dirección al llegar al contorno de la figura. 3. Finalmente borra las líneas de contorno dibujadas a lápiz. 4. Otra opción es no dibujar las líneas que correspondan al fondo, de esta manera se podrá distinguir mejor la imagen.

UD 4.2 Elementos de la expresión. La línea AC 3 Texturas lineales - Ritmo

Materiales: Un DIN A-4, rotuladores. Procedimiento: Este es un ejercicio complejo por lo sencillo que es. ¡Vaya contradicción!

Solamente tienes que dejarte llevar por tu imaginación y trazar líneas que acaben teniendo ritmo y que aparenten una textura. Con un rotulador fino o con un bolígrafo traza líneas en forma de ondas o espirales que sugieran ilusiones visuales. Mira los ejemplos de Eniko Déri.

El objetivo de estos tres primeros trabajos era que fueras cogiendo experiencia y habilidad para

que te resultara más fácil hacer el trabajo final.

UD 4.2 Elementos de la expresión. La línea AC 4 Interpreta un cuadro, una foto,…

Materiales: Un DIN A-4, rotuladores. Procedimiento: Te proponemos que escojas un cuadro (por ejemplo: “noche estrellada” de Van Gogh) y que realices tu versión de la obra utilizando únicamente líneas.

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