José Montalvo

Olé (working title)

Premiere at Napoli Teatro Festival (3-5 June 2015) 17 shows at Théâtre National de Chaillot (12 June – 03 July 2015) Creation for 15 performers

Choreography, scenography and video design José Montalvo Light design Gilles Durand, Vincent Paoli Artistic contribution Mélinda Muset-Cissé Artistic contributor to the video Sylvain Decay Computer graphics Sylvain Decay, Clio Gavagni, Michel Jaen Montalvo With 15 performers (cast in progress) Duration 1h30 Production Théâtre National de Chaillot

Coproduction Les Nuits de Fourvière / Les Théâtres de la Ville de Luxembourg

Image : Photo © Patrick Berger / Drawing © José Montalvo

CONTACTS

• Mélinda M US E T -C I SS É Distribution melinda.muset.cisse@theatre-chaillot.fr / 01 5 3 65 31 06 • Nathalie DECOUDU Production and touring department n.decoudu@theatre-chaillot.fr / 01 5 3 65 31 2

Choreographer José Montalvo’s statement “We will place an Egyptian figure next to a little Zeh [drawing] [one of Munich artist Auguste Zeh’s children], a Chinese work beside a Rousseau, a folk print beside a Picasso and a lot of things like that!, wrote Kandinsky to his brother Marc about the mood that should accompany the birth of the Almanach der Blaue Reiter (The Blue Rider). Picasso’s painting, Les Demoiselles d’Avignon and Stravinsky’s The Rite of Spring are often linked as two great iconic works of modernity. This new piece that I am working on is a choreographic diptych in which I wanted to place a folk print next to a Picasso painting, pop songs next to a Stravinsky work. The piece will consist of two highly distinct musical sections that bend the categories of high culture and popular culture without melding or confusing them. Two sections that are intentionally heterogeneous, as our life can be sometimes. In the same day, we will listen to baroque music in the morning, rock or hip hop in the afternoon, and feel bowled over as we come away from a performance of classical or contemporary music. For me, embracing this mix of genres is a way to think about and feel the world. To play around with no bias with the elite and mass cultures to make way for the requirement of invention. The first section of my show will be built around the music of the Rite of Spring, a key musical and choreographic masterpiece of art history. I’ve always been fascinated by the form of this oeuvre, its sonic sensuality, rhythmic inventiveness, throbs and vibrant beauty that seem to speak directly to our bodies. I wish to propose a personal reading of this work through a mixed and diverse language, one that embraces a wide variety of dance techniques. Edgar Morin argues that the compartmentalization of knowledge places us in a prehistory of the mind; I like to think that the compartmentalization of bodily practices places us in a prehistory of dance, that we are on the cusp of its history, its “spring”. In this first section, where our intimacy turns into trance, ecstasy, physical virtuosity, in contrast to the death drive epitomized in the pagan tale of the original creation of the rite. Here there will be no maiden to greet spring or lecherous old men that watch her dance to death but instead pleasure, the rapture of dancing, a symbolic community whose creativity is shaped by diversity. These themes may seem irrelevant in our particularly dark times, increasingly intolerant, tense, driven by an aversion to difference that sometimes leads to unspeakable tragedies. Still, I feel this irrelevance is necessary.

“I’d like a throw a spring-like

party, a flamboyant

celebration of life”

The second section of my show will bring together Italian, French and African folksongs, flamenco rhythms that zanily and joyfully conjure up celebration scenes from my childhood in the south west of France. These reinvented childhood memories will be interspersed with Anglo-Saxon hits from 1965 through 1975, popular hits that reverberated through my teens as I discovered the great masters that are now featured in my imaginary choreographic museum. This second section evokes - in an offbeat, fantasy-like, rough-and-tumble kind of way - the founding inspirations of my aesthetic sensitivity, my choreographic background. This second section also evokes the world of my childhood, the wonder of dance discovery that I try to recapture through my adult eyes. It is underpinned by an intimate conversation that binds and opposes me to my forebears and peers. A conversation I’m dedicating to my Andalusian father from Jaen, who liked to sing: “Andalous de Jaén Aceituneros altivos Decidme en el alma ¿Quien?¿Quien levantó los olivos? Andaluces de Jaén Andaluces de Jaén”

“An offbeat, fantasy-like,

rough-and-tumble

evocation”

Biography

While studying history of art and visual arts, José Montalvo learned to dance with American choreographer Jerome Andrews and with Françoise and Dominique Dupuy, followers of the “expressionist” choreographer Jean Weidt. He danced for their company Les Ballets Modernes de Paris and added to his training by taking part in workshops with Carolyn Carlson, Lucinda Childs, Alwin Nikolais and Merce Cunningham. José Montalvo began by directing short, amusing pieces that were like choreographic aphorisms or fleeting emotional miniature-stories told through dance. He won various international awards in Nyon (1986), Paris (1987) and Cagliari (1988). His pieces were performed by

Dominique Hervieu, marking the beginning of an artistic adventure and a solid working relationship that would produce the Montalvo-Hervieu Company in 1988. In 1989, José Montalvo began exploring a new avenue, creating events in situ with Les Danses à Voir et à Danser. In 1993, he took part in Arts Étonnants at the Théâtre National de Chaillot during the Paris quartier d’été Summer Festival. That same year, he and videographer Michel Coste created Double Trouble. Since then, with the assistance of Dominique Hervieu, José Montalvo produced a series of works. Each stands alone, but when taken together, dialogue with one another: Hollaka Hollala (1994), La Gloire de Jérôme A. (1996), Pilhaou Thibaou (1996), Les Surprises de Mnémosyne (1996), La Mitrailleuse en état de grâce (1997), Paradis (1997), Le Jardin Io Io Ito Ito (1999), and Babelle Heureuse (2002). In 1999 he wrote Le Rire de la lyre for the principal dancers of the Paris Opera. In 1998, José Montalvo and Dominique Hervieu were appointed as directors of the Créteil and Val-de-Marne National Dance Centre. In 2000, José Montalvo also became dance director for the Théâtre National de Chaillot. In 2001 in London, he and Dominique Hervieu received a Laurence Olivier Award for best dance production of the year for Le Jardin Io Io Ito Ito. In 2004, he and Dominique Hervieu wrote the choreography and staged Jean-Philippe Rameau’s opera Les Paladins at the Théâtre du Châtelet, with William Christie of Les Arts Florissants as music director. Les Paladins opened to unanimous national and international critical acclaim and was nominated in 2005 for a Laurence Olivier Award in the Best New Opera Production category. It received the award for best recording of an opera performance in Prague for François Roussillon’s film; the 2006 audiovisual and DVD Grand Prix from the Académie Charles Cros; and the 2006 Diapason d’Or for the best DVD. In 2005, On danƒe received an enthusiastic welcome from both critics and audiences. In 2006, José Montalvo and Dominique

Hervieu were awarded the SACD’s* choreography prize. In 2008, they paid tribute to George Gershwin, with a diptych comprising two highly contrasting works: Porgy and Bess, to thunderous applause and rave press reviews; and Good Morning, Mr. Gershwin. In June 2008, José Montalvo and Dominique Hervieu became directors of the Théâtre National de Chaillot where they created Orphée, in May 2010. Lalala Gershwin, a variation on Good Morning, Mr. Gershwin, opened in autumn 2010 at Chaillot and was their final co-creation before Dominique Hervieu joined the Maison de la Danse in Lyon and the Lyon Biennial, leaving Chaillot. José Montalvo remains at the Théâtre National de Chaillot as permanent artist working alongside Didier Deschamps, the current director. He created Don Quichotte du Trocadéro in 2013, shown again on Chaillot’s stage in 2014. He received a prize for the best foreign show in Italy, during the ceremony for the Maschere del Teatro Italiano. In 2014, he created a show for younger audience called Asa Nisi Masa. * Created in 1777, a French Society representing authors and their work

José Montalvo

Olé (titre provisoire)

CréationCréationCréationCréation auauauau Napoli Napoli Napoli Napoli Teatro Festival (3Teatro Festival (3Teatro Festival (3Teatro Festival (3----5 Juin 2015)5 Juin 2015)5 Juin 2015)5 Juin 2015) 17 représentations au Théâtre National de Chaillot (12 Juin 17 représentations au Théâtre National de Chaillot (12 Juin 17 représentations au Théâtre National de Chaillot (12 Juin 17 représentations au Théâtre National de Chaillot (12 Juin –––– 03 Juillet 2015)03 Juillet 2015)03 Juillet 2015)03 Juillet 2015) PiècePiècePiècePièce pourpourpourpour uneuneuneune quinzainequinzainequinzainequinzaine d’interprètesd’interprètesd’interprètesd’interprètes

Chorégraphie, scénographie et conception vidéo José Montalvo

Lumières Gilles Durand, Vincent Paoli

Coordination artistique Mélinda Muset-Cissé

Collaborateur artistique à la vidéo Sylvain Decay

Infographie Sylvain Decay, Clio Gavagni, Michel Jaen Montalvo

Avec une quinzaine d’interprètes (distribution en cours)

Durée 1h30 Production Théâtre National de Chaillot Coproduction Napoli Teatro Festival / Les Théâtres de la Ville de Luxembourg Visuel : maquette préparatoire du spectacle / Photo © Patrick Berger / Dessins © José Montalvo

CONTACTS DIFFUSION

• Mélinda MUSET-CISSÉ Responsable de production et de diffusion melinda.muset.cisse@theatre-chaillot.fr / 01 53 65 31 06 • Nathalie DECOUDU Directrice des productions et des tournées n.decoudu@theatre-chaillot.fr / 01 53 65 31 2

Note d’intention de José Montalvo « Nous mettrons une figure égyptienne à côté [du dessin] d’un petit Zeh [l’un des enfants de l’architecte munichois Auguste Zeh], une œuvre chinoise face à une de Rousseau, une image populaire à côté d’un Picasso et beaucoup de choses du même genre ! », écrivait Kandinsky à son frère Marc au sujet de l’esprit qui devait présider à la naissance de L’Almanach der Blaue Reiter (Le Cavalier bleu). On rapproche souvent le tableau de Pablo Picasso Les Demoiselles d’Avignon et Le Sacre du printemps d’Igor Stravinsky comme étant deux grandes œuvres emblématiques de la modernité. Cette nouvelle création que je prépare se présente comme un diptyque chorégraphique dans lequel j’ai voulu poser une image populaire à côté d’un tableau de Picasso, poser des chansons populaires à côté d’une œuvre de Stravinsky… La pièce sera ainsi composée de deux parties musicales très distinctes qui jouent avec les classifications des cultures musicales savantes et populaires, sans les fondre ni les confondre. Deux parties intentionnellement hétérogènes, comme notre vie quotidienne l’est parfois : on peut dans la même journée écouter de la musique baroque, du rock ou de la musique hip hop et sortir bouleversé d’un concert de musique classique ou contemporaine. Pour moi, accepter ce mélange des genres est une manière de penser et de sentir le monde. De jouer sans dogmatisme avec la culture d’élite et la culture de masse pour laisser la porte ouverte à l’exigence d’invention. La première partie de mon spectacle sera construite sur la musique du Sacre du printemps, chef-d’œuvre musical et chorégraphique incontournable de l’histoire de l’art. Une œuvre qui m’a toujours fasciné par sa forme, sa sensualité sonore, son invention rythmique, ses vibrations, sa beauté énergique qui semblent nous parler directement au corps… Je souhaite proposer une lecture personnelle de cette œuvre à travers une écriture chorégraphique métisse, plurielle, une écriture qui accueille une grande variété de techniques de danse. Edgar Morin affirme que le cloisonnement des savoirs nous place dans une préhistoire de l’esprit, j’aime imaginer que le cloisonnement des pratiques corporelles nous place dans une préhistoire de la danse et que nous nous trouvons à l’aube de son histoire, à son « printemps ». Pour cette première partie, j’aimerais créer une fête printanière, une célébration exubérante de la vie où notre intimité se transforme en transe, extase, virtuosité physique, loin de la pulsion de mort incarnée par le conte païen de la création originale du sacre. Ici, pas de sacrifice d’une jeune vierge pour saluer le printemps, ni de vieux libidineux qui la regardent danser à mort, mais le plaisir, la jouissance de danser, une communauté

«««« JJJJ’aimerais créer une fête ’aimerais créer une fête ’aimerais créer une fête ’aimerais créer une fête

printanière, une célébration printanière, une célébration printanière, une célébration printanière, une célébration

exubérante de la vieexubérante de la vieexubérante de la vieexubérante de la vie.... »»»»

symbolique dont la créativité naît de la mixité. Ces thématiques peuvent paraître hors de propos dans notre époque particulièrement sombre, de plus en plus intolérante, crispée, portée par la dénégation des différences qui aboutit parfois à des drames innommables. Pourtant, ce hors-propos me semble nécessaire. La deuxième partie de mon spectacle assemblera des chants traditionnels italiens, français, africains, des rythmes flamencos qui évoquent de façon décalée et joyeuse des scènes de fêtes de mon enfance dans le sud-ouest de la France. À ces souvenirs d’enfance réinventés s’entremêlent des tubes anglo-saxons des années 1965 et 1975, grands succès musicaux qui résonnaient, pendant mon adolescence, au moment de ma découverte des grands maîtres qui constituent aujourd’hui mon musée chorégraphique imaginaire. Cette deuxième partie évoque de façon décalée, rêvée, fantasmée, bricolée, les inspirations fondatrices de ma sensibilité esthétique, mon « background » chorégraphique. Cette deuxième partie évoque aussi le monde de mon enfance, l’émerveillement de la découverte de la danse que j’essaie de retrouver avec un regard d’adulte. Elle est sous-tendue par un dialogue intime qui me lie et m’oppose à mes pères et à mes pairs. Un dialogue que je dédie à mon père, Andalou de Jaén, qui aimait chanter : « Andalous de Jaén Aceituneros altivos Decidme en el alma ¿Quien?¿Quien levantó los olivos? Andaluces de Jaén Andaluces de Jaén ».

««««Une Une Une Une évocation évocation évocation évocation décalée,décalée,décalée,décalée,

rêvée,rêvée,rêvée,rêvée, fantasméfantasméfantasméfantasméeeee,,,, bricoléebricoléebricoléebricolée »»»»

Repères

En parallèle d’études d’histoire de l’art et d’arts plastiques, José MontalvoJosé MontalvoJosé MontalvoJosé Montalvo apprend la danse auprès du chorégraphe américain Jerome Andrews, ainsi que de Françoise et Dominique Dupuy, disciples du chorégraphe « expressionniste » Jean Weidt. Il danse dans leur compagnie Les Ballets modernes de Paris et enrichit sa formation en suivant les stages de Carolyn Carlson, Lucinda Childs, Alwin Nikolais et Merce Cunningham. Il réalise de courtes pièces ludiques, sortes d’aphorismes chorégraphiques, pour lesquelles il reçoit des prix aux concours internationaux de Nyon (1986), Paris (1987), Cagliari (1988). Ses pièces sont interprétées par Dominique Hervieu : c’est le début d’une aventure

artistique et d’une profonde complicité, qui donnera naissance à la Compagnie Montalvo-Hervieu en 1988. En 1989, il s’engage dans une voie nouvelle : la création d’événements in situ avec les Danses à voir et à danser. En 1993, il participe aux Arts étonnants au Théâtre National de Chaillot dans le cadre du festival Paris quartier d’été et créé, la même année, avec le vidéaste Michel Coste, Double Trouble. Depuis cette période, José Montalvo, assisté de Dominique Hervieu, s’investit dans la production d’un ensemble d’œuvres qui se répondent tout en se suffisant à elles-mêmes : Hollaka Hollala (1994), La Gloire de Jérôme A. (1996), Pilhaou Thibaou (1996), Les Surprises de Mnémosyne (1996), La Mitrailleuse en état de grâce (1997), Paradis (1997), Le Jardin Io Io Ito Ito (1999), Babelle heureuse (2002). Il créé en 1999, pour les danseurs étoiles de l’Opéra national de Paris, Le Rire de la lyre. En 1998, José Montalvo et Dominique Hervieu sont nommés directeurs du Centre chorégraphique national de Créteil et du Val-de-Marne. En 2000, José Montalvo est parallèlement nommé directeur de la danse au Théâtre National de Chaillot. En 2001, à Londres, il reçoit avec Dominique Hervieu le Prix Laurence Olivier pour Le Jardin Io Io Ito Ito, meilleur spectacle de danse de l’année. En 2004, ils créent ensemble la chorégraphie et la mise en scène de l’opéra de Jean-Philippe Rameau Les Paladins au Théâtre du Châtelet. Salué par la presse internationale, le spectacle est nominé en 2005 pour le Prix Laurence Olivier dans la catégorie Best new opera production et reçoit à Prague le Prix de la meilleure captation d’opéra pour le film réalisé par François Roussillon, le Grand prix audiovisuel et DVD de l’Académie Charles Cros 2006 et le Diapason d’or de l’année 2006 décerné au meilleur DVD. En 2005, On danƒe reçoit un accueil critique et public enthousiaste. En 2006, José Montalvo reçoit avec Dominique Hervieu le Prix chorégraphique de la

SACD. En 2008, ils consacrent un diptyque à George Gershwin composé de deux œuvres très contrastées : Porgy and Bess, saluée par la presse et ovationnée par le public, et Good Morning, Mr. Gershwin. En juin 2008, José Montalvo et Dominique Hervieu sont nommés à la direction du Théâtre National de Chaillot. En mai 2010, ils y créent Orphée, à la manière d’une plongée dans la richesse foisonnante des interprétations du mythe d’Orphée à travers les siècles. Lalala Gershwin, une variation autour de Good Morning, Mr. Gershwin voit le jour à l’automne 2010 à Chaillot et scelle leur dernière création ensemble avant que Dominique Hervieu ne quitte le théâtre pour diriger la Maison de la danse et la Biennale de Lyon. Depuis artiste permanent au Théâtre National de Chaillot, aux côtés de Didier Deschamps, son actuel directeur, José Montalvo y crée Don Quichotte du Trocadéro en 2013, spectacle repris en 2014. Il reçoit pour ce spectacle le prix spécial du Meilleur spectacle étranger présenté en Italie lors de la cérémonie des Maschere del Teatro Italiano, l’équivalent transalpin des Molières. En 2014, il crée également un spéctacle jeune public, Asa Nisi Masa.