MANUAL DE TÉCNICAS DE

ILUSTRACIÓN Y AEROGRAFIA

TESIS para obtener el título de LICENCIADO EN DISEÑO GRÁFICO

presenta JULIETA/ANDRADE ALBORES

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Universidad Popular Autónoma del Estado de Puebla Puebla de Zaragoza, 1996

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MANUAL DE TÉCNICAS DE

ILUSTRACIÓN Y AEROGRAFIA

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en memoria ING. EDUARDO ANDRADE ARDINEZ

CAPITULO UNO

1.1 Introducción a la ilustración

1.2 Historia de la ilustración 4

1.3 ¿Qué es ilustración? _ 6

1.4 Tipos de ilustración Q

o 1.5 Ilustración y Reproducción ._

1.6 Representación de ideas (bocetos) ._

íi 2 ü 2.

CAPITULO DOS

2.1 Proceso de Diseño para Ilustración 21

2.1.1 Investigación 24

2.1.2 Análisis 28

2.1.3 Pre-prensa 29

2.1.4 Bocetaje Burdo 30

2.1.5 Bocetaje Color 48

2.1.6 Original de Arte (fotografía) 54

CAPITULO TRES

3.1 Ejemplos de Técnicas Secas

3.1.1 Lápices de Dibujo 55

3.1.2 Marcadores y Plumones 58

3.1.3 Lápices de color 60

3.1.4 Pasteles 63

3.1.5 Fotocopia Retocada 65

3.2 Ejemplos de Técnicas Húmedas

3.2.1 Acuarela 67

3.2.2 Colorantes Vegetales 69

3.2.3 Gouache 71

3.2.4 Acrilico 73

3.2.5 Plumilla de Acero con Tinta China 76

3.3 Ejemplos de Técnicas Mixtas

3.3.1 Impresión de Pescado 78

3.3.2 Scrach 80

3.3.3 Colograf 82

3.3.4 Café (comestible) 86

3.3.5 CocaCola 8 8

3.3.6 Lápiz Conté con Aerógrafo 90

33.7 Copias Heliográficas 92

3.3.8 Prismacolor con Acuarela 94

3.3.9 Anilina con Prismacolor 96

3.3.10 Prismacolor con Acrílico 98

CAPITULO CUATRO AERÓGRAFO

4.1 Referencia Histórica 100

4.2 Funcionamiento y Tipos de Aerógrafo 102

4.3 Accesorios y Compresores 107

4.4 Ejercicios Básicos y Enmascarillado 109

4.5 Ejemplos de Aerógrafo

4.5.1 Atomizador de boca 110

4.5.2 Fruta, Objeto y Figura Humana 111

CONCLUCIONES

AGRADECIMIENTOS

BIBLIOGRAFÍA

INTRODUCCIÓN

Las imágenes fueron las primeras formas de expresión del ser humano, las pictografías del hombre de las cavernas nos da una apreciación del potencial comunicativo de la ilustración, por lo que puede considerarse a éstas, como las primeras etapas de desarrollo de la Comunicación Gráfica. La utilización de las imágenes en nuestro sistema de comunicación es indudable, empezamos a aprender nuestro lenguaje verbal conociendo palabras e imágenes, y nos hayamos inmersos en un mundo en donde la televisión, películas, revistas, libros o periódicos forman gran parte de nuestra vida cotidiana; es por eso que la ilustración es muy importante y se encuentra en casi todo el mercado que nos rodea desde trípticos, sellos, billetes, catálogos, espectaculares, murales, portadas de disco, revista o libros, cine y televisión que es casi todo el medio de comunicación gráfica visual. La ilustración debe ser una integración teórico-práctica entendiendo esto como la aplicación metodológica de conocimientos teóricos y el desarrollo creativo de los mismos. Con lo cual se considera que la ilustración podrá eficazmente desarrollar su objetivo: COMUNICAR Por su parte la Aerografía ha estado presente con nosotros desde hace más de un siglo, complementando a la ilustración y a sus técnicas, es un instrumento muy considerable y necesario en este ámbito, por la gran capacidad que tiene de roziado y su fácil ejecución.

El presente trabajo ha sido elaborado bajo el objetivo de hacer notar la importancia que tiene la ilustración y su reproducción con diferentes técnicas de representación; por parte del ilustrador conocerá las ventajas y desventajas que tienen cada una de las diferentes técnicas para la aplicación de cualquier proyecto, así como podrá ver ejemplos de cada una de las técnicas mensionadas. En el primer capítulo se toma como soporte la Introducción a la ilustración considerando que es importante conocer como surgió esta forma de representar los objetos tridimensionales en superficies bidimensionales. Conociendo brevemente la Historia de la ilustración y ¿Qué es ilustración?, así como los Tipos y como se dividen las ilustraciones, concluyendo con el Proceso de Reproducción de la ilustración y el uso de los Bocetos y su importancia. En el segundo capítulo, se muestra un ejemplo práctico abarcando los puntos necesarios para llegar a la solución del proyecto. En el capítulo tercero se da a conocer las ventajas y desventajas que tienen cada una de las técnicas, como conocimiento teórico y cosecuentemente los ejemplos fotográficos de la técnica ya aplicada en un soporte. Divididas en Técnicas Secas, Técnicas Húmedas y Técnicas Mixtas. En el capítulo cuatro se habla del Aerógrafo, desde su Historia, dando a conocer como se postuló este valioso instrumento en nuestra vida profesional, Funcinamiento y Tipos de Aerógrafo, así como Accesorios y Compresores con el fin de conocerlos más a fondo y darle vida a la técnica, conoceremos también el enmascarillado y ejercicios básicos y para concluir se muestra ejemplos fotográficos de la técnica aplicada, conociendo las ventajas y desventajas de esta. Considero que se cubren todos los puntos principales de la ilustración y aerografía para poder llegar al objetivo del ilustrador, que es el campo de la Comunicación Gráfica Visual.

í/r \ 1.1

INTRODUCCIÓN A LA ILUSTRACIÓN

No nos hemos captado de la gran importancia que tiene la ilustración en la actualidad. El objetivo de todo arte visual es la producción de imágenes, cuando estas comunican una idea concreta el arte se llama Ilustración. Arte e ilustración son dos palabras que no se separan por completo. Se convierte en ilustración cuándo está en un contexto comercial por las demandas sociales y económicas, que son las que determinan la forma y contenido de la ilustración. Desde los griegos y romanos ya comprendían la importancia de la ilustración técnica con cierta idea de la perspectiva. Pero fué hasta el Renacimiento cuando se descubrió el secreto de representar correctamente la perspectiva. Grandes ilustradores y artistas como Leonardo da Vinci y Alberto Durero llegaron a tener un alto grado de meticulosidad y claridad en detalles de sus dibujos técnicos y arquitectónicos. Desde ahí ha crecido la demanda hasta el punto que el ilustrador técnico necesita la misma habilidad de los antiguos para observar y transformar lo que ve, en una acertada represetnación bidimensional de un objeto tridimensional. Por su parte la fotografía fué un paso muy importante en la ilustración, aunque decayeron muchos ilustradores de libros por el años de 1880 que fué cuando aparecieron las primeras fotografías impresas en libros. Hubo una gran separación de ilustradores, los que imitaban la fotografía para lograr una mayor similitud, y los que dejaban volar su imaginación creando sus propias ilustraciones.

La publicidad y la ilustración dos palabras intimamente ligadas, la publicidad adquirió gran expansión en el comercio y en la industria que contribuyó al aumento de la competencia, desde la segunda mitad del siglo XVIII, y es cuando el ilustrador toma más fuerza para comunicarse visulamente. Surge la Televisión y el Cine que fueron otra muestra del desarrollo del ilustrador, puesto que antes solo utilizaban textos en sus anuncios o carteles; fué Henri de Toulouse Lautrec el maestro del cártel moderno utilizando el texto al mínimo. En el cine y principalmente en las películas de dibujos animados abrió otra puerta de salida al ilustrador en ámbito televisivo. Hoy en día la ilustración la encontramos en casi todos los empaques, anuncios publicitarios, cubiertas de disco, libros, revistas, catálogos, trípticos, billetes, calendarios y por supuesto en el cine y la televisión. En la actualidad una gran parte de ilustraciones son a base de modelos fotográficos como ya había mencionado antes, son llamados transposiciones gráficas, que es la representación plástica de objetos tridimensionales en superficies bidimensionales como papel, cartulina, tela y/o madera. Cabe mencionar que una Obra de Arte posee atributos únicos, tiene esencia primordial haciendo que llegué a lo más íntimo del ser humano, aunque no sea común para él; y una ilustración es la creación de algo con luces y sombras dando volumen con fines publicitarios, su uso es comercial, se podrá decir que es una obra de arte popular. Apesar de la gran expansión de la tecnología y medios de reproducción el ilustrador sigue firme en su camino. Por su parte el ilustrador trata de comprender y conjuntar todos los valores que se presentan echando a volar su imaginación, bocetando y analizando cada una de las formas de resolver el problema, es así como va a llegar a un resultado positivo.

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La ilustración más que pintar nos sirve para denotar un mensaje, sirviendo al estudiante como parte de su formación profesional, ya que para un diseñador es conveniente que se pueda expresar gráficamente con facilidad siendo el medio con el que se va a comunicar, llegando así a una solución.

El Diseñador Gráfico debe tener la habilidad de expresarse visualmente sin necesidad de recurrir a un experto (ilustrador) y de conocer perfectamente las técnicas para aprovecharlas al máximo y poder darle el uso adecuado, desde los bocetos hasta el Original de Arte. Antes de empezar a plasmar nuestras ideas es necesario de un procedimiento, como investigar acerca del tema a ilustrar, el enfoque, el tamaño, el público a quién va dirigido, que tipo de ilustración será, el papel de la impresión para no caer en equivocaciones innecesarias por falta de información.

Andrew Loomis, Ilustración creadora, Ed. Hachette, Argentina, 1980. p.234 3

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HISTORIA DE LA ILUSTRACIÓN

La ilustración ha servido como complemento narrativo en los pergaminos y libros, y uno de los más antiguos es el Libro de los Muertos que data aproximadamente del año 1900 A.C. El arte medieval de la iluminación de manuscritos fué el inmediato precursor de la ilustración de libros impresos. Los más celebrados eran las ilustraciones religiosas que se hacía en los monasterios con colores brillantes. Hubo gran auge en el siglo XV en que la ilustración y texto se grababan en bloques de madera (xilografía). Después en el mismo siglo se inventó la imprenta de tipos móviles, lo que amplio la gama del ilustrador y las posibilidades de reproducción. Siendo que el primer libro editado fue FAUSTO (1826) hasta ese momento la ilustración se había limitado en blanco y negro, en 1851 la invención de la cromolitografía introduce el color a la ilustración de libros. Poco a poco la ilustración fué tomando un lugar muy destacado en el mundo del comercio, espectáculos, circos, ferias, teatros, cafés y mercados, con la intención de persuadir y vender. Se considera que el poster ilustrado surge de la necesidad de la elaboración de mensajes específicos y funcionales, dirigidos a todo el público, reduciendo el texto al mínimo y las imágenes (ilustraciones) al máximo, tenían una función específica con un fin concreto. En la década de los '20 y '30 se puso de moda en las agencias editoriales, despachos, cine y televisión una cierta elegancia gráfica que gracias a los avances tecnológicos cualquier técnica utilizada podía ser reproducida.

Así mismo la ilustración se encontró con la fotografía como un elemento competitivo, pues la cámara representaba en fracciones de segundo escenas capaces de competir con la imagen obtenida a mano que el ilustrador se llevaba semanas o incluso meses, por lo que la fotografía fué aceptada para utilizarse como elemento ilustrativo. En Estados Unidos se aplicó en la publicidad que requerían imágenes realistas, esto da lugar a una transformación de la ilustración que se evoca a representar imágenes fuera de la realidad, aplicando las formas y colores más de acuerdo a la imaginación que a la representación de objetos como tales. La ilustración no sólo comunica información o anuncia algún producto, también es una obra de arte condicionada a las exigencias y necesidades de una sociedad determinada y así mismo a cumplir su función. Hoy el ilustrador mezcla lo técnico y artístico, imaginativo y creador, pero al mismo tiempo da soluciones con imágenes visuales.

Dalley Terense, Guía completa de Ilustración y Diseño, Tecnias y materiales. H. Blume, ediciones España 1982 p.10

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1.3

¿QUE ES ILUSTRACIÓN?

La principal misión del ilustrador es la interpretación gráfica de una idea, por lo tanto no se debe considerar como ilustración a un cuadro sin idea o propósito definido. Existen muchas personas capaces de reproducir una idea, pero se debe tener conocimiento de la forma, luz, color, perspectiva, y esa persona se le considera ilustrador, siendo su verdadera función captar la idea y crear la imagen dando por resultado una solución al problema. La ilustración más que un simple dibujo es la creación de una historia la cual comienza en una investigación, interpretación, bocetaje y conclucion. Existen tres formas de ilustrar; la primera es la que narra la historia sin necesidad de título, texto, ni explicación alguna que sirva como guía. La segunda forma de ilustrar es la que describe gráficamente un título, la que ilustra un eslogan o mensaje, su función consiste en darle mayor fuerza al contenido. Y la tercera clase de ilustración es la que la narración contada por el cuadro que en sí es completa, su intención es intrigar al lector para que éste encuentre la respuesta en el texto que la acompaña, son como ilustraciones que dicen Entérese o Adivine, muchos anuncios van acompañados por este plan para asegurar la lectura del texto. Los clientes dependen completamente del ilustrador para la interpretación de la idea y para despertar la acción esperada. La ilustración contribuye en gran medida y es un elemento importante en los diferentes medios de comunicación, pues puede adoptar diferentes sensaciones, estados de ánimo, describir acontecimientos, representar lo sorprendente, insólito,

dramático o lo sensacionalista y una gran gama de funciones. La ilustración es una de las mejores opciones con que cuenta el Diseño Gráfico, pues es una forma considerable para la comunicación visual y su finalidad, la retención de un mensaje por parte del receptor. A pesar de la tecnología tan avanzada que hoy se presenta, no se ha podido sustituir al ilustrador por ningún medio, siendo tan impresindible la vocación, la experiencia, la tenacidad, el estilo de la persona para plasmar gráfica y visualmente conceptos que sean entendibles al consumidor.

Andrew Loomis, Ilustración creadora, Ed. Hachette, Argentina, 1980, p. 178,179 7

1.4

TIPOS DE ILUSTRACIÓN

ILUSTRACIÓN EDITORIAL: Se utiliza para acompañar artículos temáticos, para comentar noticias o evocar el contenido de un libro. Esta ilutración generalmente se diferencia de la ilustración publicitaria en que la imagen no está para vender o promocionar un producto sino para retozar y realzar las palabras escritas a la que acompaña, en general la ilustración editorial tiende a estar relacionada con ideas, con servir o comunicar al lector. REVISTA: Son una de las mayores fuentes de ocupaciones para los ilustradores. Las especificaciones de revista van desde encargos para pintar el retrato de un personaje, o ilustrar como ha sido debilitada la economía del país, hasta la decoración de tres recetas diferentes para el pescado. Las revistas han sido tradicionalmente un foro para los ilustradores como las ilustraciones se ven poco después de su concepción, los ilustradores pueden estar al día con sus colegas. PERIÓDICO: La ilustración de periódico tiene una historia importante, especialmente en el campo del dibujo humorístico que acompaña el editorial. Los dibujantes humorísticos e ilustradores de comentarios trabajan al día y esta presión requiere una mente ágil y una mirada aguda.

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ILUSTRACIÓN INFORMATIVA: Es un témino que inmediatamente nos trae a la mente estadísticas, señales de tráfico, gráficas y diagramas, de hecho la ilustración informativa cubre una gran variedad de estilos y requiere una amplia gama de talentos. La ilustración es un gran medio instructivo; la información es asimilada más fácilmente cuando es transmitida visualmente. La ilustración informativa abarca muchos temas por ejemplo, el dibujo técnico, ilustración de botánica o historia natural, cubre detalles ejecuciones de plantas y animales. Cumple muchas funciones como la herramienta práctica para la construcción de un objeto o los pasos necesarios para la elaboración de un nudo de seguridad. ILUSTRACIÓN TÉCNICA: Es el método de mostrar información de naturaleza tridimensional en un medio normalmente bidimensional. Dichas ilustraciones tienen que saber equilibrar el grado de detalle y de información para que sea la más legible posible. ILUSTRACIÓN ARQUITECTÓNICA: Para la realización de dichas ilustraciones se requiere de conocimientos especializados. Los cuales la única herramienta que te proporciona un arquitecto son los planos o un croquis. Incluso si el tema a ilustrar es una simple vista exterior de una casa, el ilustrador debe tener conocimientos sobre arquitectura para que sea reproducuda lo más fielmente posible. Existen dos tipos de ilustración arquitectónica, las que han sido encargadas por los propios arquitectos, en general son en blanco y negro muy inclinadas a los requerimientos del arquitecto y con pocos elementos secundarios como paisajes y figuras. Y en segundo lugar están las ilustraciones encargadas por un director de arte para un uso más general. En esta área se incluyen las reconstrucciones históricas e edificios, ciudades o visiones de artistas para folletos de promotores inmobiliarios. Ambos enfoques exigen un conocimiento de la perspectiva y la capacidad de interpretar y traducir planos.

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MAPAS Y DIAGRAMAS: A los ilustradores informativos se les solicita a menudo que dibujen mapas, por lo que es esencial que tengan conocimientos cartográficos, por ejemplo se puede solicitar una proyección diferente de la tierra, o una vista estadística de los países que produzcan cambios en su tamaño relativo a otros países, la tarea del ilustrador informativo es hacer interesante los diagramas que requieren cierta reflexión y darle un enfoque de vida a frías estadísticas. ILUSTRACIÓN MEDICA: Es un campo increhíblemente especializado, que requiere años de estudios de Post-grado. Pero el adiestramiento científico es sólo un paso para ser ilustrador médico; un uso imaginativo de éstas capacidades técnicas es importante. Muchos ilustradores médicos están empleados a jornadas completas en hospitales y escuelas de medicina para una mejor ejecución de sus obras. ILUSTRACIÓN BOTÁNICA Y DE HISTORIA NATURAL: La ilustración de temas botánicos y de historia natural es utilizada tanto en las enciclopedias y libros de texto para niños como en los tratados científicos. La investigación es un elemento importante del trabajo del ilustrador natural ya que forma la auténtica base de su tema. PUBLICIDAD Y GRAFISMO: La propia naturaleza del medio tiende a significar que la ilustración publicitaria está ahí para promocionar o vender algo. Las ilustraciones tienen que ser apropiadas y rápidas de leer y captar. LA MODA: La industria de la moda usa la ilustración de dos formas, la primera es cuando se dibujan las prendas o accesorios con fines publicitarios. Se usan los croquis porque a menudo la línea de los vestidos es adecuada para un aspecto "dibujado"; el segundo uso de la ilustración es cuando el estilo del ilustrador encaja en la imagen que el diseñador quiera transmitir. CARTELES: En los carteles la ilustración se ha usado audaz y llamativamente. A veces la necesidad de vender un producto es primor­dial, en otras ocasiones se usa para atraer, inducir o simplemente la necesidad de informar.

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LA INDUSTRIA DISCOGRAFICA: Los directores artísticos que encargan cubiertas de disco requieren de ilustraciones que puedan ser encuadradas convenientemente en dos formas diferentes: el formato del casette que es rectangular, mientras que el compacto es cuadrado. La ilustración puede dar una nueva versión o destacar una gravación moderna, de manera que ofrezca una imagen diferente de un rostro que ha sido visto mucho. CALENDARIOS: Como los calendarios suelen tener un tema, las editoriales suelen tener una idea definida de su público potencial. El propósito de dirigir a ilustradores que colaboran a lo largo de doce imágenes separadas pero con el mismo contexto. Incluso con un solo ilustrador esto puede ser un problema, sino tiene su estilo bien definido. TELEVISION Y CINE: No toda la animación es dibujada; hay otros cam­pos importantes, como la confección de modelos o la animación de objetos. En aquellos campos que incluyen ilustración los artistas se distribuyen en categorías. Animadores (imágenes móviles) Ilustradores (impresión, involucrados en la animación).

Martín Colyer, Manuales de Diseño, como encargar ilsutraciones, Ed.GG, México, P.62,64,68,80,84,86,88,90,96,106,112

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1.5

ILUSTRACIÓN Y REPRODUCCIÓN

Cuándo se trabaja para reproducción, es importante tener toda la información posible, la comunicación es bital. Se recomienda un 40% más grande de lo que se va a reproducir por que los detalles se van a afinar, y un ejemplo clásico son los timbres postales, son a base de originales muy grandes hechos a escala del timbre. La ilustración que se entrega para reproducción se llama Original de Arte. Es importante trabajar como lo hacen las imprentas y esto tiene que ver con el Cyan, Magenta, Amarillo y Negro junto con el Blanco del papel, si lo es, con esto la ilustración va a ser reproducida lo más fielmente posible, no se debe usar una paleta de color complicada, con los colores fosforecentes, plateados y dorados no se reproducen en una selección de color, son tintas aparte, que se van a cobrar e imprimir por separado. Tú puedes dar efectos de cromado en una ilustración, sin utilizar los plateados y dorados, esto depende del contraste de luces y sombras, y como lo convines. Puedes lograr un efecto brillante con pinturas opacas. El trabajar como se reproduce es muy importante. Y esto nos lleva a pensar en Síntesis Aditiva y Síntesis Sustractiva. ¿Porque hablar de pintar como se imprime? La Síntesis Sustractiva es la producción de colores por sustracción, se da siempre que una energía de radiación existente se le sustrae algo de su absorción.

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¿Cuales son estos 3 colores?, es importante hacer esta demostración únicamente con colores luz.

En este caso el accionar el Cyan con el Magenta obtenemos el Azul, del Cyan con Amarillo obtenemos el Verde y del Amarillo con Magenta el Rojo. El Cyan, Amarillo y Magenta sustrae la energía al espectro dando el Negro. El Magenta va a absorver el Verde, el Cyan el Rojo y el Amarillo el Azul. Si estamos sustrayendo la energía, en el centro nos va a quedar Negro. La aplicación de este proceso es la impresión en colores, bajo este sistema funcionan las impresiones en color. Esto es, por ejemplo, el color Amarillo sobre un fondo blanco vemos el color muy luminoso, encima agregamos un acetato con color Magenta obtenemos un Rojo Anaranjado, si a este le agregamos el Cyan, el color se va apagando y con el Negro lo acabas de apagar, es la sustracción de luz con tendencia a Negro. Esto no quiere decir que pongas plasta sobre plasta de Amarillo, Ma­genta, Cyan, sino que cada uno tiene una posición y cuando se junten accionan las luces y sombras, teniendo la ilustración en puntos después de haberla descompuesto en la cuatricomía.

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Esto es importante saberlo, porque si hacemos una ilustración obscura para que sea reproducida en Cyan, Magenta, Amarillo y Negro a la hora que se reproduzca se va a obscurecer más y se van a perder detalles. Por ejemplo, se tiene una ilustración casi con un negro total y una luz muy tenue, se puede llegar a perder la luz por la sustracción que hacen del color, aunque tengas tu original con una impecable media luz, no va a salir igual. En contraparte sería la Síntesis Aditiva, estamos hablando de adición como su nombre lo dice; el Azul, Verde y Rojo van a formar la Luz Blanca.

Al Cyan, Magenta y Amarillo los han llamado colores primarios por que son los 3 primeros que aparecen del Azul, Rojo y Verde y su accionar de los 3 es la luz Blanca. La aplicación práctica es la Síntesis Aditiva y se encuntra en laTelevisión, y funciona de esta forma, en los monitores de computadora aparece el RGB (Red, Green, Blue) con estos 3 se hacen todos los colores que quieras, y puedas sacar hasta 26 000 versiones diferentes que puede captar el ojo humano.

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REPRODUCCIÓN DEL COLOR: El encargado de sacar la imagen escaneada debe tener un ojo clínico muy agudo, ya que debe decidir el mejor momento para captar la imagen. El proceso empieza con el Original de Arte final de color que tenemos en las manos, adherido al gran cilindro del escaner. El Escaner; es un rayo lasser que lee la información; son 2 cilindros que dan vueltas al mismo tiempo, por un lado el escaner va a leer la ilustración o diapositiva y va a transmitir la información al otro cilindro que esta haciendo el negativo del Cyan, Magenta, Amarillo y el Negro respectivamente. Si la ilustración no es muy grande, se peude meter en los cilindros, pero para esto hay que separarla de su soporte rígido, para que sea manuable. Un escaner puede sacar la selección de color aproximadamente en 30 minutos. Aunque ahora se puede manipular la ilustración con una computadora, dándole efectos de Acuarela, Aerógrafo o lo que se quiera, y se puede sacar la selección teniendo una impresora de altísima calidad, y esto se reduce a un mínimo de tiempo. Primero se imprime el color más claro que es el Amarilo, después el Magenta, Cyan y al final el Negro; que es el que da los últimos matices. HOJAS SUPERPUESTAS: Podemos tener una ilustración que necesitemos poner información, por ejemplo, para una ilustración numerada debe colocarse la leyenda respectiva impresa como un pie de página junto a la ilustración. Este proceso es sencillo, el texto y los números se colocan en una hoja superpuesta con lo que es más fácil a las imprentas trabajar. Sería innecesario separar los colores en la cuatricomía, teniendo la posibilidad de indicar el color específico o número de pantone del texto.

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LAS PRUEBAS: Las pruebas son una fase del proceso en la que se ven todos los elementos juntos tal como aparecerán en el producto acabado. Para la mayoría de trabajos es suficiente una fase de pruebas en color, pero las muy complicadas requieren de varias pruebas aunque salga más caro el trabajo. Las pruebas que tengamos normalmente serán en blanco y negro, como no se ha hecho pruebas en color es bastante fácil hacer ajustes, como que el texto, ilustración, márgenes estén en la posición excata.

IMPRESIÓN: Normalmente se conoce desde el principio de un proyecto el procedimiento que se usará para imprimir la ilustración. Si el papel sobre el que se va a realizar el proyecto final no es muy fino, una ilustración muy sutil y detallada perderá impacto. Mientras más conocimientos se puedan tener sobre la impresión, más seguridad se tendrá sobre el aspecto de nuestro proyecto cuando sea finalmente impreso. INSTRUCCIONES PARA LA IMPRENTA: Seamos lo más claros y concisos posibles al escribir las instrucciones para la imprenta. Pensando en lo que se quiere decir y la mejor forma de decirlo antes de escribir en el Original. Es a la vez caro y una perdida de tiempo tener que volver a captar la imagen por escaner o cambiar de forma el original. Por lo que si hay alguna instrucción de la que no se este seguro, se volverá a platicar con el impresor hasta estar al cien por ciento convencidos.

Martin Colyer, Manuales de diseño, Como encargar ilustraciones Ed. GG, México, P. 130,132,134,136,138.

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I

prueba amarilla amarillo con magenta amarillo, magenta con cián

amarillo, magenta, cián con negro

1.6

REPRESENTACIÓN DE IDEAS (bocetos)

De entrada, los bocetos ¿Son una parte importante en la ilustración?. Sí, por que es un proceso necesario y único que sirve como punto de partida del análisis para llegar a expresar las ideas de cualquier proyecto de diseño no únicamente el diseño de envases, corporativo y demás, sino el bocetaje debe de cumplir una función de aproximación de cualquier proyecto de diseño. Inclusive debe tenerse cuidado por que los bocetos pueden resultar tan impactantes como tales, que sean utilizados para ser reproducidos. Hay quienes no recomiendan el uso de boceto como el Maestro Chavez Huacuja, porque dice que los bocetos pueden ser tan buenos o mejores que las obras originales, pero para poder llegar a evitar este proceso es necesario de una experiencia incal­culable. Los bocetos son una aproximación a lo que va a ser el proyecto final, es muy importante dejar el factor sorpresa en el proceso de bocetaje, no dar todo por presentado, siempre se debe presentar una aproximación. Una de las razones por lo que es conveniente usarlo con mucho cuidado, es la frescura de trazo, porque ya en la Obra final cuándo se está trabajando se piensa todos los trazos, se piensa en la ejecución, en un boceto no; se hace el trazo y ya, por eso tiene esa frescura. Hay quienes comentan que les gustaría ilustrar como bocetan, suena contradictorio pero es por la soltura de los trazos. Los bocetos siempre van a tener una primera intención que los hace únicos.

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Es importante hacer notar que las ideas plasmadas no son un conjunto de garabatos, porque hay clientes que no tienen ninguna experiencia visual y lejos de causar un efecto positivo causaría un efecto negativo, se debe ser muy claro, de hecho es recomedable manejar de 3, 4 o máximo 5 ideas del mismo proyecto, y ser muy claro en la ejecución desde el primer boceto. Se recomienda que todas las modificaciones que se hagan en este tipo de trabajos, se realizen antes de proceder en el Original de Arte y no se empieze antes de no tener la versión final. Una forma de proteger el trabajo como diseñadores o ilustradores, es que los bocetos sean firmados por el cliente en la parte de atrás, una vez que sea autorizado el proyecto que se va a realizar, se podrá proceder, esto no es más que una forma de protegerse porque es más fácil modificar un boceto que un Original de Arte. La limpieza es básica, que no tenga ninguna mancha extraña al proyecto, así como la claridad del mensaje, la presentación del boceto es muy importante también, se recomienda que vayan montados en una cartulina rígida y con camisa. En cuanto al tamaño que se va a reproducir es muy importante desde el primer boceto, por lo que se recomienda sea un 40% más grande al Original de Arte del que se va a reproducir. Aunque suene burdo hay que preguntar si va a ser selección de color, o si va a ser medio tono o línea, dependiendo de como se va a reproducir es como se va a trabajar. No es lo mismo trabajar en línea para periódico que en selección de color para revista, de entrada van a ser 2 sistemas de impresión diferentes, si hay un prototipo, si va a ser ilustración para etiqueta, de que tamaño, si tiene tipografía, si va a ser para portada de revista, saber donde va a ir en la portada, el formato si es horizontal o vertical, saber todo de antemano, porque después es imposible ajustar el tamaño. La mayor parte de las fallas que hay en diseño y en específico en la ilustración es por falta de información, a veces también por falta de talento.

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Se recomienda antes de empezar a bocetar tener la meta muy clara, para no perder la objetividad del mensaje, tener la investigación del proyecto muy definida, el enfoque, así como el papel de la impresión. Y esto se soluciona en base a pláticas y se pregunte todo antes de hacer una sola línea, hasta lo que se crea muy obvio. Por su parte el ilustrador comprende, conjunta y resuelve el problema, echando a volar su imaginación, es así como va a cobrar el proyecto, no por el papel donde este el Original de Arte sino por la solución de problemas, y por el tiempo en que esto quede listo, por supuesto mientras más rápido sea es más caro, los trabajos urgentes llamados bomberazos (de un día para otro) son mucho más caros. Existe una gran incognita, de que tan ¡mporante es que el diseñador sepa dibujar, hay quienes dicen que no es tan importante, pero se cree que sí es muy importante porque el dibujo se vuelve una gran forma de expresar ideas, y representarlas en una sola forma de pensamiento, y esto viene interconectado con todo lo que es la información del proyecto. La primera idea debe ser con lápices de dibujo o portaminas comunmente llamado en blanco y negro, y así solucinando los volúmenes, luces y sombras, composición, justificaciones (izquierda, derecha, centrado) movimentos dentro del espacio, formato, inclusive con la sección áurea (multiplicar por .618) que viene siendo el punto ideal de la composición, los bocetos hechos a lápiz en diseño se dice que si funciona en blanco y negro funciona en color. ¿Qué téncica se debe manejar para la presentación del Original de Arte?. Las ideales son todas, pero influye un factor muy importante que se llama tiempo. El tiempo que tengas para realizar el proyecto es el que va a marcar cual usar, por ejemplo si se tiene tiempo suficiente para hacer un original en Oleo, pues que mejor, pero por cuestiones prácticas el Oleo no es recomendable y menos en épocas de lluvia por la humedad que tarda más en secarse. Es muchísimo más rápido trabajar con Aerógrafo, porque cubre más área, seca casi al instante, aunque también depende de como va a ser reproducido, en conclución depende del tiempo y de su reproducción.

i y

Aunque la ilustración es una rama del diseñador gráfico existen muchas especialidades dentro de la ilustración, como médica, arquitectónica, técnica, comercial, fantástica y muchísimas más, pero no le quita que tiene que ver con muchas instituciones como gubernamentales, escuelas, empresas, etc. la versatilidad que tiene el ilustrador hace que en los despachos y/o agencias de diseño tengan ya ubicados a quien necesitan para resolver determinado proyecto. En cuanto a un boceto para mural que en la realidad mide 12 metros por 2 metros de entrada se debe trabajar a escala del tamaño original. El escalímetro te dará las mismas dimensiones de la realidad. Otro punto importante es hacer una red de trazo y de composición. Sin estos dos puntos la red de trazo y dentro de ella de composición donde van a estar ubicados los elementos es extremadamente factible que se pierdan en un área tan grande por que no se tiene el control total del área. En cambio teniendo las redes se puede ubicar los elemetos en el mural. En cuanto a pasar el boceto original, hay muchos procedimientos, como dividir el mural en espacios controlables y formas regulares así como son los cuadrados, rectángulos, o triángulos. Una vez teniendo la red de trazo y de composición hechos en acetato, se proyectan, pero con la red ya se sabe donde se tiene que proyectar y a que tamaño, es conveniente que se tenga un grupo de personas ayudando para que se dirija desde un punto donde se pueda controlar toda el área. Concluyendo brevemente en el proceso de bocetaje nada ocurre de casualidad y nada está hecho de a gratis, y no olvidar que se tiene que ser objetivo desde los primeros bocetos y no ambiguo.

Entrevista al Catedrático de la UPAEP, LDG Juan Tenorio Contreras. 20

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2.1

PROCESO DE DISEÑO PARA ILUSTRACIÓN

Para la realización de cualquier proyecto, independientemente si es para ilustración o para Diseño Gráfico como imágenes corporativas, marcas o logotipos, o señalética sin mencionar el sin número de ramas que se puede utilizar el Diseño. No solamente se basa en el resultado sino en un gran número de pasos que hay que seguir para poder llegar a la conclución del proyecto funcional y satisfactoriamente. En el siguiete ejemplo se hicieron todos los pasos pertinentes que se debe seguir para la realización de cualquier ilustración. No tiene ningún caso que se copie cualquier ilustración de revista o libros especializados, ese no es el fin del ilustrador, puesto que no ejercita su imaginación y no tiene ninguna función como ilustración para el mercado real. Una buena ilustración debe tener contenido, debe reflejar una imagen, no es solamente un simple dibujo, sin ninguna fuerza, impacto o mensaje. Para la realización de este proyecto se tomo un tema al azar, aprovechando que las Olimpiadas estaban siendo efectuadas en el mismo año, y el tema fué "Centenario Olímpico, 1896-1996" Teniendo el tema claramente para el proyecto se prosiguió a investigar todo lo referente a las Olimpiadas que nos sirviera para este caso. No es simplemente tener mucha información inconcreta, que a la vez nos confunda más y no se saque nada provechoso, sino es investigar lo que se necesite saber, y así tener una idea más clara, teniendo un objetivo

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a seguir para no perdernos en la investigación. Teniendo la investigación ya concluida, es más fácil abrir nuestras ideas, pero aquí no termina nuestra labor, es necesario arrojar los datos y hacer un análisis del proyecto y así lo podemos entender perfectamente siguiendo y teniendo la idea de lo que se trata, por ejemplo, el tipo de ilustración que se va hacer, el motivo del proyecto, a quien va dirigido, y muchos datos más que nos ayudará a llegar al objetivo más fácilmente. Esto es muy importante porque aquí es donde aterrizan nuestras ideas y te va encasillando a lo que realmente se necesita, si se tiene toda la información sin ningún orden, se puede tener muchas ideas pero sin llegar a la meta porque no se tiene ninguna pista clara. Aquí se mensiona un cuestionario, el cual no es una receta fija, es una forma de sacar lo que se piensa respecto al tema, sin pensarlo mucho, esto ayudará a ver si se esta listo para el bocetaje, las preguntas son muy simples, incluso de una palabra, pero se puede ver que tan rápido y concreto se puede ser con las ideas, o tú mismo hacer tu propia encuesta referente a lo que se este trabajando en ese momento y ayudarte más a ti mismo. Después de haber concluido la investigación, el análisis y tener bien claro como se va a imprimir nuestra ilustración, se procederá al bocetaje burdo. Siempre a lápiz, hasta llegar a un buen resultado, los bocetos pueden ser muchos pero solo debes enseñarle tres a tu cliente, para que no se confunda pero estos los debes entregar en Blanco y Negro. Aquí se presenta únicamente los bocetos de como se llego a la conclusión del proyecto, no se presentan los bocetos anteriores para no hacer una confusión innecesaria. El objetivo principal es la celebración del Centerario Olímpico, y por tal motivo se debía reflejar fuerza, inteligencia, disciplina, esfuerzo y sobre todo ser el número uno, Por eso es el elemento de la medalla olímpica de oro, la cual es un símbolo muy satisfactorio para todo competidor y el anhelo de muchos participantes. Todo esto estuvo muy claro durante el proceso. También se pensó muy claramente si debería o no llevar eslogan, y que diría esté para así no perder el camino del objetivo.

Pero para llegar a la versión final esperada por el cliente se pensó muy bien en que debería representarse. Y se hizo un enlistado de lo que se debería tomar muy encuenta como fué el listón y su textura, los aros, aunque estos no podía variar, en número uno que debería ir con los aros para que se viera el número cien integrado, como se debería colgar la medalla con el listón, que tamaño debería tener estos para que no le robara peso a la medalla, así como las luces y sombras, otro elemento importante fué también la tipografía, primero separada del cartel buscando el mejor funsionamento de esta para que no le hicera ruido pero sin perder el objetivo del cartel, que es reflejar el triunfo de un centenario olímpico con el refuerzo del eslogan que completaría el mensaje. La palabra Atlanta se utilizó como fué manejada en las Olimpiadas, así como el Logotipo, con el objetivo de no perder de vista el mensaje, aunque este no era la celebración de las Olimpiadas en Atlanta, sino el Siglo de Juegos Olímpicos. Sin embargo la tipografía secundaria donde se maneja el eslogan "CIEN AÑOS DE JUEGOS OLÍMPICOS 1896 1996" es con Univers ya que es una fuente tipográfica con mucho movimento, muy redondos sus trazos y esto permite que no se vea agresivo, no se requería de una tipografía muy formal, por que no llevaría el mismo mensaje, ya que los Juegos son muy versátiles y con mucho movimiento, sin rivalidades. Se utiliza la palabra CIEN con letras para que no le quite fuerza al 100 que se forma con los aros olímpicos. El logotipo de Atlanta va al lado inferior derecho sin mucho preámbulo por que lo que se celebra es el Centenario Olímpico, no las olimpiadas en Atlanta.

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2.1.1

INVESTIGACIÓN

ANTECEDENTES: Olimpia con sus juegos, desempeño un papel importante en la antigüedad, y sobre todo en la vida del pueblo griego. Pero después fué olvidada por el mundo durante siglos, y hasta que fué descubierta y evaluada por el barón Pierre de Coubertin en 1892, y ahora es uno de los grandes eventos del siglo XX. Desde hace un siglo se ha celebrado cada cuatro años con algunas interrupciones por las guerras. Coubertin, hombre de profundos pensamientos, demócrata, un auténtico ciudadano del mundo y no está por más citar su obra "Historia Universal" escrita especialmente para las masas obreras, no concebía semejantes diferencias y decidió que debía haber un solo mundo del deporte. Este fué el verdadero origen de las Olimpiadas modernas. A principios de 1888, Coubertin habla por primera vez de su idea de restaurar los Juegos Olímpicos, con sentido universal, tras 1 500 años de su suspensión. En 1892 Pierre de Coubertin habló de la renovación de los Juegos Olímpicos, pero él esperaba una reacción inmediata, la cual no la obtuvo, sus palabras apenas había tenido eco, y como él mismo dijo: "el comentario irónico de la gente culta consistía en preguntar si las mujeres serían admitidas como espectadoras, como en la antigüedad los atletas corrían completamente desnudos, prohibieron así el acceso de las mujeres al estadio".

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Coubertin siguió visitando distintos países durante varios años, hasta que organizó un congreso con las pocas personas que lo apoyaban, aunque poco a poco fué tomando su devida importancia al grado que llegaron más de 2 000 personas represéntales de 12 países al congreso que tuvo gran aceptación, del cual se formó el Comité Olímpico Internacional donde estuvo Coubertin como presidente hasta su muerte en 1937. Qué mejor lugar del mundo para restaurar los Juegos Olímpicos que Atenas en 1896.

1900 París 1904 San Luis, Estados Unidos 1908 Londres 1912 Estalcolmo

Interrupción por la Primera Guerra Mundial 1920 Amberes 1924 París 1928 Amsternam 1932 Los Angeles 1936 Berlín

Interrupción por la Segunda Guerra Mundial 1948 Londres 1952 Helsinki 1956 Melbourne 1960 Roma 1964 Tokio 1968 México 1972 Roma 1976 Montreal 1984 Los Angeles 1988 Seúl 1992 Barcelona 1996 Atlanta

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Los deportes llamados de pista y campo constituyen la base de los Juegos Olímpicos. Como es natural, en las Olimpiadas modernas se han incluido muchos deportes que no figuraban en la de los griegos, por ejemplo la natación, suprimiéndose en cambio otros como la carrera en traje de guerra, las carreras de caballo. El que ocupa el primer lugar entre los deportes es el pedetrismo o carrera de pie, en todas sus formas, las tres principales distancias son las cortas de 100 y 200 metros, la carrrera media de 400 y 1000 metros y la carrera larga de más de 1000 metros. Desde luego la carrera de 100 metros es la más veloz y emocionante de las Olimpiadas. El tiempo que se invierte es tan breve que el participante no puede perder ni una fracción de segundo.

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2.1.2

ANÁLISIS

GENERO DEL DISEÑO: Cartel Publicitario.

TEMA: Cartel conmemorativo al centenario de las Olimpiadas.

DESCRIPCIÓN: Una ilustración que festeje el siglo de las Olimpiadas Modernas celebradas en Atlanta.

MENSAJE: La ilustración debe reflejar la fuerza, velocidad, movimiento, constancia, disciplina entre otras del deportista, para su participación en los Juegos Olímpicos.

A QUIEN VA DIRIGIDO: Al público en general, principalmente a jóvenes con inquietudes de participar en alguna Olimpiada.

CARACTERÍSTICAS: Una ilustración de una medalla de oro reflejando el Centenario Olímpico siendo el máximo honor para un deportista profesional. Utilizando el eslogan de Atlanta Cien años de juegos Olímpicos 1896-1996. Realizado en Aerógrafo sobre un soporte rígido.

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EXTENSION: El primer siglo de las Olimpiadas Modernas.

ENFOQUE: Diseño de la ilustración que refleje el significado de muchos años de esfuerzo para concluir en la participación en las Olimpiadas llevándose un medalla de oro reflejando ser el mejor de los mejores.

ELEMENTOS ALUSIVOS:

Oro Medalla Honor Esfuerzo Olimpiadas

Fuerza Voluntad Hombre Cuerpo Disciplina

Carrera Deporte 100 Aros Juventud

Vida Pasión Orgullo Organización Salud

CUESTIONARIO: ¿PORQUE? Es importante conocer la disciplina para participar. ¿QUIEN VA? Únicamente los mejores. ¿QUE HACEN? Participar para ganar el título de No. 1 en el mundo. ¿CUANDO VAN? Cuando ya son los mejores de su país. ¿COMO VAN? Dependiedo del deporte a participar. ¿DESDE DONDE VIENEN? De todos dos países participantes. ¿PORQUE ES TAN BUENO? Es la cumbre del deportista. ¿EN QUE MOMENTO? Cuando lo único que falta, son las Olimpiadas. ¿CUAN A MENUDO? Cada cuatro años en diferentes países. ¿TIENE? El máximo grado de satisfacción personal y para el país. ¿DEBEN? Ser constantes, fuertes, rápidos, disciplinados en su área. ¿PUEDEN? No ganar. ¿ES? Una tradición de más de un siglo. ¿HAY ALGO PARECIDO? No, a este nivel. ¿SON ÚNICAMENTE JUEGOS? No, es el trabajo de toda una vida. ¿Y SI NO GANAN? Es muy importante la participación, hay 3 medallas. ¿GUSTA? Es esperado y preparado por cuatro años.

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2.1.3

PRE-PRENSA AV Ji}

Investigando más a fondo los problemas que se pueden encontrar para no sacar una excelente selección de color, son en muchos casos que los archivos que se entreguen estén dañados si se entrega por computadora o los textos están hechos en esta, que se abuse del degradado en la computadora y eso hace que la escaneda sea muy tardada, que se entreguen las diapositivas rayadas, o las fotografías obscuras o muy claras. En caso de entregar el Original de Arte, el tamaño es muy limitado, hasta el tamaño oficio, para escaner plano y este pasa al monitor de la computadora y se digitaliza. Si se quiere meter la ilustración al escaner de tambor o rodillo, este debe ser de un soporte muy delgado, para que sea manejable. Se puede entregar en fotografía, del tamaño que se quiera, dependiendo del tamaño del original, si es una ilustración para un espectacular la fotografía debe ser más grande que si es una ilustración para revista, porque el grano se abre y puede llegar a perder nitidez. Igual que si se entrega una diapositiva debe ser de un formato adecuado. Si se hizo una ilustración en computadora, se puede entregar en el disket con programas como Freehand o llustrator y en otro disket la información, si es que lleva, como el texto.

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Teniendo la fotografía, la diapositiva o la ilustración real, se digitaliza en el monitor de la computadora y sale con los colores RGB (red, green, blue) pero para negativos se pasa a C,M,A,B (cyan, magenta, amarillo y negro). Si se esta muy seguro de no requerir de una prueba a color, se puede no hacerlo, pero siempre es mejor estar completamente seguros y aunque cueste un poco mas caro, esto es muy necesario para no sacrificar tiempo y dinero y quede la selección de color como se necesita, con una excelente calidad para una buena impresión. Si se entrega un trabajo en disket sin fotografía, la selección puede ser de hasta 30 minutos, pero si el trabajo es más laborioso donde se tenga que retocar la fotografía o la diapositiva y hacer varias correcciones, la selección sería de hasta 4 horas.

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2.1.4

BOCETAJE BURDO

Teniendo la idea de lo que se quiere representar, en este caso una medalla conmemorativa del Centenario de las Olimpiadas, que reflejara el éxito del esfuerzo dedicado a los deportes. Se boceto el arillo que dejaría colgar a la medalla con el listón, se pensó en muchas formas hasta llegar a la adecuada. El listón se manejo de varias formas, pero no representaba que estaba colgada, hasta que se llego a la que representamos en este caso. Se boceto también que debería decir la medalla y sí debería llevar adentro o afuera el eslogan y viendo la medalla sin el eslogan adentro, se vio que los aros resaltaban más y seguía la medalla teniendo el impacto que se buscaba, es por eso que la palabra Atlanta y el eslogan se ubico abajo y le sirve como refuerzo. En el caso de los aros, se utilizaron tal y como son, pues éstos no deben variar en ningún caso, pero se debía integrar el número 1, para que formara el número 100 del Centenario Olímpico, se bocetaron varios y los espacios se le dio conforme al ancho del aro. Se formaron los aros intercalados para no variar el símbolo, pero para llegar a esto se boceto antes de varias formas, pero sin ningún resultado. Se vio que el Logotipo de Atlanta no debería ser muy pronunciado, ya que no se celebra en éste caso las Olimpiadas en Atlanta, sino el Centenario Olímpico. Y así fué como se lleguo a la conclución del proyecto.

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LOS AROS

Se debía representar el número 100, entonces se boceto varias formas de integrar el número uno, con los aros hasta llegar al mejor número 1, esto fué por separado, se boceto varios 1 y se ubico con los aros olímpicos para ver si funcionaba o no como se necesitaba. Se boceto también si los aros debían ir intercalados o en plasta, y se llegó a la conclucion de que sería intercalados para no perder el estilo de como lo manejan y no perder el impacto que es el objetivo principal.

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LA TIPOGRAFÍA

Se necesitaba de una tipografía hasta cierto punto informal, que no tuviera razgos muy pesados y agresivos. Es por eso que se buscaron familias tipográficas con razgos muy suaves y redondos que le dieran movimiento. Se boceto de primera instancia la tipografía Futura, Helvética y Univers también buscando el mejor descenlace del eslogan, con o sin el logotipo para ver si funcionaba o no como se necesitaba. Después de ver las tipografías, se pensó que la Futura era la más adecuada a lo que se buscaba. Entonces se boceto varias formas de ubicar el eslogan. El eslogan lleva la palabra 100 y se pensó que sería mejor escribirlo con letra, para no causar ninguna reacción negativa, ya que el número 100 estaba representado en la medalla con los aros olímpicos, y se considera que el mensaje es muy claro para recalcarlo tanto en el eslogan, ya que este es de apoyo únicamente. La palabra Atlanta se utilizó tal y como fué empleada en las Olimpiadas, que se celebraron en dicha ciudad y la tipografía es Times Condensada. El logotipo de las Olimpiadas en Atlanta '96 está ubicado en un extremo inferior derecho sin pronunciarlo tanto, para que no haga ruido al eslogan.

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SECCIÓN ÁUREA

Para llegar a la mejor composición de los elementos se pensó en la Sección Áurea, siendo una excelente y práctica forma de ubicar los elementos. El Original de Arte en la realidad mide 80 Cm. por 101 Cm. se hizo a escala de 1:100 siendo el primer cuadro de 8 Cm. por 10.1 Cm. , pero para tener un espacio más aplio se pensó en ampliar el cuadro principal hasta llegar a 14.6 Cm. por 18.4 Cm. y de este cuadro se saco la Sección Áurea. Únicamente se busco la ubicación de los elementos horizontalmente ya que queriamos tener los elementos centrados y ya no se busco la Sección Áurea vertical.

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2,1.5

BOCETOS COLOR

Uno de los objetivos principales para este proyecto era separar el fondo de el elemento principal para que no hiciera ruido el fondo, pero que también trabajaran juntos en armonía y que no compitan entre ellos por la atención visual. En el primer ejemplo se concluyo que el verde amarillento no contrastaba con el amarillo o naranja de la medalla que ambos son cálidos y no se ayudaban uno con otro, el verde del listón es frío, y este podía dominar más que la medalla y se perdía el objetivo. En el segundo caso se presento un fondo rojo que es cálido y se come al amarillo que es cálido también y por lo tanto se pierde el impacto. Aunque el verde del listón sí resalta bien por que es frío pero no es mas principal el listón que la medalla. Hasta que se llegó a la conclución final, que es el último de los bocetos que presento para este proyecto. Se llegó a la conclución de que debía ser un fondo con un azul verdoso que hiciera mayor contraste con un rojo anaranjado de la medalla y esto se ve visualmente bien por que ambos hacen contrapeso y se ayudan. La tipografía se bocetode varios colores, pero para este caso en específico funcionaba más en color blanco, que lo hace resaltar muy bien del fondo. A la medalla se le dieron tonos cálidos como el Amarillo, Naranja, Ocre. Con sombras y luces muy pronunciadas.

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JUEGOS OLÍMPICOS 1 8 9 6 • 1 9 9 6 m

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2.1.6

ORIGINAL DE ARTE %

Teniendo todos los pasos anteriores bien resueltos, es la hora de realizar nuestro proyecto. Primero se busco un soporte rígido especial para Aerógrafo ya que este moja el material y puede incurrir en levantar el papel o doblarlo demasiado. El papel que se utilizó fue Bain Mat de un precio accesible y muy funcional. Las tintas fueron Cyan, Magenta, Amarillo, Blanco y Negro de Acrílico. Las mascarillas de papel Caple mediano. Teniendo el soporte, se ubicaron los elementos en su lugar conforme a la Sección Áurea que tenemos a escala. Primero se pinto el fondo con el color Azul-verdoso para lograr este efecto se mezclo Cyan con Amarillo. Pero para poder aerografíar el fondo se bloqueo la medalla con el listón, ya que la tipografía y el logotipo esta rotulado por computadora para dar la excelente calidad de línea que se requiere. Después de haber pintado el fondo, se vio que era necesario darle de 2 a 3 manos para que el color quedara lo más parejo posible. Ahora se bloquea el fondo, y queda descubierta la medalla con el listón. Se decidió pintar primero el listón, que este se realizó con Cyan y Ama­rillo, que formó el Verde, esto fué la base, todo en una parte. Después se le fueron dando los obscuros del listón de atrás con otra pasada de verde, hasta llegar al tono deseado. Las sombras de la textura se hicieron con negro, una por una pasando una hoja de papel y moviéndola en cada línea para dar el volumen.

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Las líneas delgaditas están dadas con pincel de pelo, igual que las luces que fué lo último que se hizo en este caso. Al último se hizo la medalla que era lo más impotante, pero antes se enmascarillo el listón, y seguía enmascarillado el fondo. La base fué un amarillo claro, después se le paso una capa de rojo con un poco de amarillo, que dio el naranja en degradación, claro dejando desde el principio las luces que daría el papel sin pasarle ninguna capa de color por muy discreta que sea. Se dio otra capa de color ocre que se creo a base de Cyan, Magenta, Amarillo con un poco de Negro. Esta capa fué la que le dio las sombras más fuertes, así se creo el volumen. Los aros fueron hechos uno por uno, por separado, bloqueando los demás, así se trabajo más minusiosamente en cada uno y se le dio los colores necesarios para darle las sombras. Las luces más fuertes, junto con los negros más obscuros están hechos con pincel de pelo y fué hasta al último de cada aro. Después de haber pintado todos los aros y el Número Uno se le dieron las sombras a la medalla para que resaltaran los aros y no se viera plano. El arillo fué otra parte que se bloqueo y se pinto por separado para no perder el grosor, igual la base fué amarillo claro, luego rojo con amarillo que formo el naranja y al final el ocre dándole varias pasadas para dar un color más obscuro sin llegar al negro. Teniendo la medalla, los aros, el arillo, y la agarradera que colgaba el listón ya pintados por separado se le dio otra capa de ocre en degradación para crear un solo elemento, que se viera sobre el mismo horizonte. Los destellos fué lo último que se realizó para que pudiera invadir el color de abajo. Y por supuesto al último se pego la tipografía con el logotipo que le dio el último detalle. Esto se realizó aproximadamente en 20 Hrs. interrumpidas. El Aerógrafo que se utilizó fué Paasche de doble acción independiente.

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TÉCNICAS SECAS

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3.1.1

LAPICES DE DIBUJO i . .. .—

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Las Técnicas Secas o Semisecas son el primer contacto que tiene el ilustrador con la materia. En cuanto a los Lápices de Dibujo se dividen en duros que son los "H" y los suaves que son los "B". El dominio del Lápiz es muy importante, pues es el primer contacto que se tiene, de hecho el Lápiz es uno de los instrumentos más antiguos que existe. El Lápiz es de los instrumentos de ilustración y dibujo que se obvian más, se cree que el manejar un Lápiz es de lo más fácil, pero no es tan fácil dominarlo, para el dominio se requiere precisión para dar una sola densidad de línea, un solo grosor y esto se llega a dar con el tiempo. Además las luces de la ilustración hechas con Lápiz las debe de dar el papel, porque es la luz más limpia que existe, y el manejo del negro total es muy importante para dar las sombras más intensas. Se considera que el Lápiz tiene una soltura muy rica y es ahí donde se ve el rasgo del ilustrador, es lo que lo caracteriza siempre. Se presentan pruebas de las diferentes calidades de línea en diferentes lápices con mayor y menor fuerza en su aplicación. Así también como un ejemplo de la técnica aplicada, concluyendo que se puede hacer una ilustración completa con lápices de dibujo en Blanco y

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3.1.2

MARCADORES Y PLUMONES

A esta Técnica se le concoce como medio Semiseco, por que los Marcadores y Plumones son húmedos aunque no requieren de agua para mezclarse. Los Marcadores y Plumones dependen de primera instancia de la cantidad de que se tanga o se pueda adquirir para utilizarlos solos o convinados con otros materiales. Se considera que es una buena técnica para representar bocetos. Se puede incluso hacer efectos de lo que serán futuros barridos con aerógrafo. Si se tiene una gama amplia de Marcadores pueden actuar solos como los Mecanorma o los Plumones Pantone que inclusive ya tienen el mismo tono para la reproducción. Si se tiene una gama corta de Marcadores como los Aqua-Coor como su nombre lo indica su solvente es el agua, se pueden mezclar con otros medios, y el ideal es el Prismacolor, que actúa como medio tono, y el Marcador funciona como plasta. Al final de la ilustración se hacen las luces o los brillos con corrector blanco en caso de bocetos, y si el boceto va a servir como Original de Arte, se debe utilizar pintura Acrílica o Gouache para los brillos. Existen también los Marcadores a base de aceite como los Pelikan, su principal ventaja es que cubre muy fácil, pero su desventaja es que mancha muy fácilmente el soporte y se traspasa.

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3.1.3

LAPICES DE COLOR

Los Lápices de Color, se considera una técnica muy interesante, porque dependiendo de la marca del Lápiz de Color que se trabaje, es como va a ser su mejor aplicación; por ejemplo la más común el Prismacolor de Berol son lápices que funcionan muy bien conviandos con otros medios como Acuarela, Acrílico o Gouache. Y otros como el Faber Castel de Policromos no son recomendables para mezclarlos por qué el Lápiz se patina y opaca. Los Lápices de Color y comunmente conocido como Prismacolor, se puede utilizar en capas unas encima de otras accionando varios colores a la vez, dada la poca cantidad de color se logran efectos muy interesantes, sobre todo en el manejo de las luces y sombras. Si se utiliza a una sola dirección, se debe interpretar lo que se vaya a ilustrar a base de líneas y a una sola dirección, por ejemplo toda la ilustración a 45-, si se pone más fuerza al lápiz se obtiene las sombras y si se afloja el lápiz se obtiene una línea delgadita por lo que nos da las luces. O podemos manejar el lápiz con saturación de color y esto nos permitirá un brillo extenso y plastas de color muy saturadas. Lápices de menor calidad no son recomendables, mucho menos si es una ilustración para reproducción.

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3.1.4

PASTELES

El Pastel es considerado como una técnica muy artística, el manejo y la suavidad que dan los Pasteles es muy rica, así como la transparencia. Es una técnica de primera intención, un rasgo que se halla dado es casi irrepetible con Pastel. El mejor uso es con los dedos por que se hace correr muy fácilmente. Los colores se pueden sobre poner y eso da como resultado otro color, no se adhiere hasta que se le ponga un barniz como sellador. Se puede trabajar sobre cualquier superficie excepto las satinadas, por que se patina, las superficies más recomendables son las rugosas. En cuanto a marcas una de las mejores en pasteles de gis es Rembrant.

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3.1.5

FOTOCOPIA RETOCADA %

El uso de las Fotocopias o impresión Electrostática ha estado muy limitado a la simple reproducción de textos, pero se debe considerar que la tecnología debe usarse a su máxima capacidad, porque el fin de cualquier Ilustrador o Diseñador Gráfico es la transmisión de información concreta. Con una Fotocopia se pueden hacer muchos efectos, por ejemplo pasar la copia a un papel de color como el papel América y después retocarla con lápices de color como se muestra en el ejemplo. Existen también el uso de la pantalla Omnicrom que se adhiere con calor al toner de la Fotocopia, pasando por dos rodillos calientes. Otra forma de utilizar la Fotocopia es la transferencia a papel, esto no es más que voltear la copia sobre otro soporte de papel y tallarla con un algodón con tiner o xilol, depués se puede retocar con Acrílico, Prismacolor, Gouache, etc. Son imágenes de mucha calidad por que pasan todas las texturas, no olvidando que el graneado de una copia es irreproducible a mano. Con lasFotocopias se pueden hacer innumerables efectos como darle diferente fondo, diferente forma, aislar imágenes, fotomontajes, diferentes texturas, etc.

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TÉCNICAS HÚMEDAS

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3.2.1

ACUARELA

Las técnicas húmedas como su nombre lo dice son materiales solubles con agua, alcohol, tiner o aceite, puesto que son pastas que la única forma de mezclarse es con eso. La Acuarela como su nombre lo dice es a base de agua. Es una técnica difícil de aplicar por que sus trazos son de primera intención. Una de las características principales es la transparencia, de aquí estriba su dificultad por que es muy común que haga un efecto conocido como orinado, que consiste en pasar el pincel mojado con agua y un poco de color, si el color se resbala del agua este hace una raya muy fina del color. Ese es el efecto que no debe de suceder. Para la técnica se requiere de pinceles redondos y muy suaves que permiten enormes barridos por que la Acuarela por micro segundos queda en la superficie y esto permite extenderse fácilmente. Cabe mencionar que la Acuarela no hace plastas. El soporte más adecuado es el poroso como el Ingres o Fabriano, que permite una adherencia más rápida; por lo que los satinados no son recomendables por que se patina. También es recomendable tensar el papel en una tabla de madera ya mojado y esto permite que no caiga tan rápido el pigmento.

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(í? 3.2.2

COLORANTES VEGETALES A V JM>

Los Colorantes Vegetales de entrada se utilizaron como un sustituto de la Acuarela, que eran muy caras, aunque jamás dieron la calidad de esta, los Colorantes Vegetales su principal función es para comida o repostería. Su característica es que cae muy rápido y su efecto es instantáneo, en cuanto cae al soporte ya no se puede difuminar. Su efecto es muy pobre. Solo existe en rojo, amarillo, verde y azul; la marca más común es McCormic.

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3.2.3

GOUACHE

En cuanto al Gouache, Tempera o Temple es una técnica muy similar al acabado del Acrílico. No es una técnica para hacer plastas y además es opaco. El Gouache con el tiempo se craquela, es muy fácil de que se manche. Las marcas más recomendables son Winsor and Newton y ATL. No es nada recomendable que se utilize el Gouache Vinci por que es de mala calidad y se levanta fácilmente. Se puede adherir a cualquier superficie de papel.

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3.2-4

ACRÍLICO

El Acrílico es un derivado de las pinturas vinílicas, su desarrollo fué apartir de finales de los '40 y principios de los '50. Las vinílicas se utiliza para pintar paredes entre otras, tiene un acabado plástico e impermeable. Se obtienen plastas muy espesas, inclusive con espátula por la característica ahulada le permite extenderse. Los pinceles más recomendables son los planos y duros, y se debe tener cuidado al lavarlos de quitarle todas las partículas de Acrílico en la base del pincel, por que el Acrílico se endurece y es muy difícil de quitarlo y deja incervible el pincel. El Acrílico tiene un secado muy rápido, pero depende también de la humedad, no es lo mismo trabajar en clima seco que en un clima al nivel del mar, la reacción de los materiales es diferente. Se puede utilizar como retardante la miel de abeja que a la vez permite una cierta fluidez. El Acrílico se puede adherir a cualquier superficie libre de grasas, siendo la base de este el agua, y si tiene grasa no se adhiere o se mancha el soporte. Los soportes recomendables, todos pensando que si se trabaja con acetato o vidrio, la capa que se adhiere es muy frágil, por que no es poroso y puede rayarse o levantarse muy fácilmente.

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Si se trabaja para reproducción lo recomendable es un soporte poroso para un anclaje más rápido. Otra característica clave del Acrílico es que cambia de tono, cuando se seca, y esto influye directamente en clases de color o en trabajos donde el color excato es fundamental. El acabado del Acrílico siempre es mate. Cubrir una capa de Acrílico con otra capa de otro color cubriendo la primera, si es posible; solamente que si es un Original de Arte que se va a reproducir el escaner detecta todos los colores por muy bloqueados que estén y esto haría que se distorcionen los colores. Es por eso que se recomienda que el color sea lo más puro posible, y que no se hagan mezclas raras o tenga manchas en el soporte, por que el rayo lasser lo detecta. Las marcas de los Acrílicos de mínima calidad son Gamacolor o Pintar! La presentación puede ser en tubo, bote o líquido.

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ft \ 3.2.5

PLUMILLA DE ACERO CON [ TINTA CHINA J

Es importante tener una buena calidad de línea y se recomienda el manejo de la Plumilla de Acero con Tinta China, por que con un solo instrumento tenemos diferentes grados de intensidad, el cual no nos da un rapidógrafo por muy fino que sea. Es importante no olvidar que dependiendo de donde se va a reproducir es la calidad de línea que se debe tener, por supuesto no es lo mismo para periódico que para revista, la definición de imagen es totalmente diferente. Haciendo un poco de historia la Plumilla de Acero se creó a partir de la Revolución Industrial en el siglo XIX, que vinieron a sustituir y hacer más barato el sistema de escritura. Se siguieron utilizando hasta que se invento las Plumas Fuente el cual fué otro gran avance en instrumentos para escritura. Por los años '40 se inventan los Bolígrafos, que en un principio eran muy caros y consecuentemente no eran utilizados en su máximo grado de aplicación, por lo que seguían utilizando la Plumilla de Acero. Por los años 70 los Rapidógrafos sustituyeron a los Graphos en la escritura, por la fácil aplicación que estos tienen. Aunque los Graphos se siguen utilizando y principalmente los estudiantes de Arquitectura para practicar las diferentes calidades de línea. Para la aplicación de la técnica es recomendable un soporte de papel rígido y de color, para obtener mejores resultados. Es conveniente utilizar la Tinta China en degradación para dar los claros.

TÉCNICAS MIXTAS

3.3.1

IMPRESIÓN DE PESCADO 1V ; , ;

Esta técnica ha causado cierto revuelto con los estudiantes por que no se imaginaban trabajar con un animal muerto y menos con los olores tan penetrantes que este acciona. Esto no es más que entintar el pescado con Colorantes Vegetales y buscar su huella, primero en papel bond como prueba y después utilizarlo como sello en una cartulina ilustración. Un elemento del pescado que se le debe dar vida es el ojo por que es muy difícil entintarlo ya que se sume al momento de imprimirlo en el soporte. Teniendo ya impreso el pescado en diferentes lugares se procede a darle una ambientación referente al pescado, con otras técnicas como Prismacolor, Aerógrafo, Acuarela, etc. y aquí se convierte en Técnica Mixta. Se muestra un ejemplo claro de lo que se puede lograr con la Técnica.

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3,3.2

SCRACH

Es una técnica poco explotada por los estudiantes, pero es una excelente forma de representar las ideas. Es una técnica muy simple y barata. Primero se hace la ilustración con Crayones tan colorido como se quiera, después se tapa totalmente la superficie con Tinta China Negra dejándola secar. Teniendo ya seca la Tinta China se raspa con una punta de Acero, con un punta de Compás o con un Estilete, hasta descubrir la ilustración, dejándola en primer plano.

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3.3.3

COLAGRAF W ^ ¡

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Para esta técnica se utiliza el resistol Blanco 850 sobre un soporte rígido. El resistol al secarse se vuelve muy duro (es resina) y funciona como textura. La ilustración se hace en base a líneas, con el resistol. Primeramente se hace un botado en ciego sobre un soporte de papel, sin tinta, esto es muy artesanal, por que los tirajes son muy cortos, de 15 a 20 copias, antes de que la presión del tórtulo estrelle la resina. Otra forma de utilizar el Colagraf, es aplicarle otra técnica al soporte como Acrílico, Prismacolor o Gouache y asi obtener una ilustración resaltada. Aquí se muestran dos ejemplos de las diferentes aplicaciones de la técnica.

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3.3.4

CAFE (comestible)

El Café o Nescafe no es un medio muy utilizado para representar ideas, pero se considera que es una de la mejores Tintas Sepias que existen, y da muy buenos resultados en la aplicación, la gradación de color que se quiera dar depende que tanto Café se concentre, dependiendo de la cantidad de agua, se obtiene un sepia muy claro llegando a amarillo, o con poca agua un sepia muy fuerte. Es un medio bastante barato y rendidor. Es recomendable cualquier marca de Café. Debe ser utilizado sobre soporte de papel rígido y de color. El papel ideal es el utilizado para Acuarela. Se presta mucho los temas de ilustración arquitectónica o ilustración técnica. La ejecución es de primera intención, los detalles se dan con Plumilla de Acero.

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3.3.5

COCA COLA \L . ^ J

Es una técnica muy funcional para representar objetos antiguos o ilustraciones arquitectónicas. La Coca Cola o Pepsi, es lo mismo en este caso, aunque la Coca da un Sepia más claro. Es recomendable utilizarlo con Plumilla de Acero y con tinta Sepia para dar los tonos más obscuros, por que la Coca da los medios tonos o las luces más claras. Es una versión de la Acuarela, pero con un solo tono se debe interpretar toda la ilustración.

3,3.6

LÁPIZ CONTÉ CON AERÓGRAFO

Para la realización de esta técnica, primero se trazo todo el cuadro a base de líneas con Lápiz Conté, teniendo ya trazado el cuadro se le puso color con Aerógrafo. Pero, para trabajar en un área tan grande se debe pulir y plastificar el soporte, que en este caso es de madera y mide 2 metros de largo por 1.50 metros de ancho, se le dio cuatro pasadas de pintura vinílica de arriba hacia abajo y de izquierda a derecha y viceversa, para estos casos se recomienda la más barata por que tiene un plastificado más resistente. Después de haber terminado de pintar el cuadro se aplicó un barniz para darle sellado permanente.

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3,3.7

COPIA HELIOGRAFICA

Otra forma de utilizar las Fotocopias son las Heliográficas, originalmente su uso es para planos arquitectónicos. Tiene una ventaja muy particular que se pueden hacer ilustraciones muy grandes, lo cual una copiadora normal tiene una limitante de doble oficio. La copia Heliógrafica es con tonos azules, o acercándose a violeta, por sus características puede sacar ciertas manchas azules que a la vez se puede utilizar retocándolas. Los dibujos deben realizarse a partir de un albanene con Lápiz de dibujo, buscando una estupenda calidad en luces y sombras, y al sacar la copia Heliógrafica la interpreta en tono azules. Después se retoca perfectamente con Lápices de Color dándole otros tonos.

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3.3.8

PRISMACOLOR CON ACUARELA vvv JM)

Es una convinación muy utilizada, siendo que la Acuarela es muy transparente y necesita un retoque con otro medio y el ideal es el Prismacolor haciendo resalta muy bien los detalles, dando volumen, y remarcando las sombras.

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3.3.9

PRISMACOLOR v- =

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ANILINA • > )

Las Anilinas son colores muy brillantes, su solvente es el alcohol esto lo hace hasta cierto punto peligroso por que es muy volátil, y no se mezcla con el agua. El problema de la Anilina es que con el tiempo el color tan brillante que lo caracteriza se pierde. La Anilina se utiliza como medio tono, después se le aplica el Prismacolor para pronunciar los detalles, las luces y las sombras.

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3,3.10

PRISMACOLOR CON ACRILICO W-,= ^

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=3 En este caso no es muy recomendable la convinacion por que el Acrílico plastifica la superficie, y después si se quiere poner Prismacolor este queda independiente. No es recomendable para reproducción por que se marcan las rayas del Prismacolor.

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4.1

REFEFENCIA HISTÓRICA DEL AERÓGRAFO

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En al año de 1893 en Inglaterra surgió el primer Aerógrafo patentado y perfeccionado por un acuarelista británico que buscaba la mejor manera de atomizar su pintura y fué Charles Burdick. Quién vio que era negocio e hizo una compañía que se llamó Aerograph y fué la primera casa que fabricó Aerógrafos. Casi al mismo tiempo otra persona que era el Dr. Devilvis se dedicaba a fabricar atomizadores para garganta. Devilvis y Burdick se asocian para fabricar Aerógrafos y crean la marca que en la actualidad existe, que es Devilvis. Devilvis está considerado como uno de los fabricantes más antiguos de pinceles de aire, y hasta la fecha en sus pinceles viene grabado la palabra Aerograph, que fué la empresa original de Burdick. El Aerógrafo no ha cambiado mucho desde su origen, lo que ha cambiado son los materiales con que está hecho, pero el principio es el mismo. Uno de los tantos problemas que presentaban los fotógrafos fué la deficiente calidad de sus reproducciones, y para solucionar este problema se vieron obligados a retocar con Aerógrafo. Se utilizaba mucho en las editoriales para reportajes de crímenes donde ponían color para darle un efecto sarcástico, y así reproducían sus fotografías.

100

Fué después del invento del automóvil cuando el Aerógrafo tuvo gran impulso. La producción era en serie y fué necesario persuadir al público para que compraran los modelos, entonces el medio más eficaz fué el cartel, donde el Aerógrafo resulto un instrumento ideal para representar autos, creando la impresión de que eran más grandes, nuevos, y mejores, en ese entonces se separó la fotografía de la aerografía. En 1940 Walt Disney con la producción de Pinocho el Aerógrafo fué un instrumento muy importante en la creación de fondos, luces y degradaciones y sigue teniendo un papel muy importante en la cinematografía. En la década de los '50 el Aerógrafo descanso del impacto que había creado, porque la televisión comenzaba a tomar auge. Fué en los '60 que la música y las drogas tenían gran campo visual, el Aerógrafo se dejó notar nuevamente en las portadas de los discos, expresando la música que contenía el disco. Una portada muy exclusiva fué la de los Beatles en Yellow Submarine, realizando los dibujos animados de la cubierta totalmente con Aerógrafo. En 1990, las representaciones visuales siguen sin que pierda fuerza el Aerógrafo porque se ha llegado a convertir en una herramienta tan funda­mental para el diseñador gráfico como para el artista siendo para ellos no imposible pero si indispensable trabajar con el Aerógrafo.

Biblioteca del Diseño Gráfico, Aerografía, Ed. Naves Internacionales, 1994, p. 10 a14 IU1

a, — & 4.2

FUNCIONAMIENTO Y TIPOS DE AERÓGRAFO

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Está considerado como un instrumento escencial en el Diseño Gráfico así mismo, como fundamental en distintas industrias, despachos y/o empresas para el acabado final de la presentación del producto. El Aerógrafo consiste en dos válvulas relacionadas entre sí; la que está situada al extremo del Aerógrafo es una válvula con una salida o paso del color o la pintura, en forma de alfiler, puede ser regulada fácilmente en pleno trabajo, presionando la salida de la pintura, así sea una línea finísima o un fondo extenso. Siendo la válvula del color la que está regulada por la válvula del aire que es la que impide totalmente su salida o regula la potencia. La aguja va tan rápido que se le adhiere pintura y posteriormente el aire que cruza lo atomiza. Su funcionamiento básico es mezclar aire-pintura, depende de que tanto estemos mezclando esto para dar el tamaño de la gota, si es mucho aire, las gotas van a ser muy pequeñas, si se disminuye la presión del aire las gotas van a ser más grandes hasta hacerlas visibles, pequeñas pero visibles. De aquí estriba uno de ios secretos de la Aerografía, el aprender a manejar el aire, una salida de aire muy violenta ta va a dar una pintura muy abierta, una salida de aire normal, o moderada va a ser más controlable. Esto se logra más fácilmente si el compresor tiene un depósito y puedes controlar la salida del aire.

Biblioteca del Diseño Gráfico, Aerografía, Ed. Naves Internacionales, 1994 p. 22 102

TIPOS DE AERÓGRAFO

Existen muchos tipos de Aerógrafo, pero los más utilizados y comerciales son tres: 1.- Aerógrafo de Acción Simple. 2.-Aerógrafo de Doble Acción. 3.- Aerógrafo de doble Acción Independiente.

1.- Aerógrafo de Acción Simple: Este tipo de Aerógrafo es uno de los más sencillos. Tiene un sólo gatillo de apertura y cierre del paso del aire, por lo consiguiente no se tiene ningún control de la entrada de aire al Aerógrafo ni de la proporción de aire que tiene sobre la mezcla. El arie pasa por el extremo final del tubo, succiona la pintura y la intro­duce dentro de la corriente de aire; por desgracia en muchos casos la pintura no se atomiza completamente, y el rociado es bastante burdo. En conclusión, el Aerógrafo de acción simple da buenos resultados si se trata de colores planos, es sin embargo, una herramienta muy limitada hasta para principiantes.

103

Palanca de acción simple

Capuchón

Alimentación de aire

Válvula y aguja ajustables

Depósito desmontable para pintura

Biblioteca del Diseño Grálico, Aerografía, Naves Internacionales de Ediciones, S.A. 1994 p.22 104

2.- Aerógrafo fijo de Doble Acción: Por razones obvias es notablemente mejor que el de acción simple. Un gatillo controla tanto el paso del aire como el de la pintura. Se empuja hacia atrás para devolver la aguja a su posición inicial dentro de la boquilla de dispersión y permite el paso de pintura a la corriente de aire. Aunque la dispersión es correcta, la proporción de aire y pintura de la mezcla es inalterable durante el trabajo.

Palanca de doble acción fija Montura en form de boquilla Anilla para el ajuste de la aguja

Alimentación de aire comprimido

Depósito lateral desmontable para pintura

Biblioteca del Diseño Gráfico, Aerografía, Naves Internacionales de Ediciones, S.A. 1994 p.23 105

3.- Aerógrafo de Doble Acción Independiente: Este es el más recomendabe y popular. El gatillo permite controlar la cantidad de aire que fluye por el Aerógrafo, y la cantidad de pintura que se aplicará durante el rociado. La mayoría de los modelos tienen una tuerca de ajuste que permite fijar el gatillo en cualquier punto de su recorrido.

Depósito de pintura incorporada al aerógrafo

Mecanismo de la boquillla Mango

Tubo de entrada de aire comprimido

Biblioteca del Diseño Gráfico. Aerografía. Naves Internacionales de Ediciones, S.A. 1994 p.24

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4.3

ACCESORIOS Y COMPRESORES ^S

DEPÓSITOS: Existen dos, por succión y por gravedad; el primero se coloca debajo del Aerógrafo y la ventaja que tiene, es la capacidad de almacenamiento. Por gravedad, viene incluido en el Aerógrafo y se encuetra en la parte superior o a un lado, mismo por lo cual no se puede quitar, y tiene muy poca capacidad de almacenamiento y se debe lavar totalmente en cada cambio de color.

Alimentación por succión Alimentación por gravedad

Compresores: Existen muchos tipos, pero se debe tomar en cuenta tres puntos. El compresor deberá estar equipado con filtro para extraer la humedad del aire generado, sino se formarán gotas de condensación hasta ascender a la línea de suministro y llegar a la ilustración. En segundo lugar se necesita un regulador de presión por las pinturas que se manejan más densas; es con mayor presión que las más diluidas. Y por último, que el equipo esté provisto de un indicador de presión de medida que los niveles de presión puedan ser controlados. Existen dos tipos de compresores, el directo y el de depósito. El directo no es muy recomendable para trabajos finos y detallados, porque no contiene filtros para condensados ni reguladores de presión. Y los compresores con depósito, éstos son muy silenciosos mantienen una presión de aire constante y tiene un filtro de condensado, el cual bombea aire hacia el interior de un depósito desde donde el aire es conducido hacia la manguera de alimentación asegurando un suministro constante y fluido. Los fabricantes de compresores recomiendan que después de un uso pesado hay que preñarlo. Trampa de Agua: Se coloca en el tanque que almacena el aire, y el pincel de aire absorve la humedad que hay en el mismo, el aire se comprime dependiendo de la humedad que halla. La compresora va a condensar agua y esta agua puede ser que se junte en el tanque y le produzca oxidación, o puede ser tai la cantidad de agua que empieza a subir agua por la tubería en lugar de aire, es por eso la trampa de agua. O se puede dejar mejorar drenando el tanque del compresor, por la parte de abajo se abre una pequeña válvula y es por donde sale el agua.

Biblioteca del Diseño Gráfico, Aerografía, Naves Internacionales de Ediciones, S.A. 1994 p.25,26,27 108

4.4

EJERCICIOS BÁSICOS Y ENMASCARILLADO

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Los ejercicios básicos recomendables para un buen comienzo son: 1.- Dibujar una línea recta manteniendo el Aerógrafo muy próximo al soporte, el resultado no es una línea perfecta sino la calidad de línea, siendo del mismo grosor y unida. 2.- Separarse más del soporte, unos tres centímetros haciendo otra línea hasta obtener calidad de línea con el Aerógrafo, logrando la misma presión de los dedos en el gatillo. 3.- Es recomendable practicar los degradados para el buen manejo de los dedos sobre el gatillo, se debe utilizar cambios de colores en el mismo degradado. Se debe practicar con figuras geométricas dándole volumen. Las mascarillas.- Estas por la falta de experiencia con el Aerógrafo es impresindible su buen funcionamiento. Se debe utilizar un buen soporte, teniendo el dibujo ya trazado se bloquea, poniendo las mascarillas. Se puede utilizar acetatos, mica o mica autoadherible (mas recomendable) es preferible que sea primero el fondo el que se pinte para tener un color de referencia, luego se bloquea el fondo y se trabaja en la ilustración, bloqueando color por color, se comienza con el color más claro hasta darle el volumen necesario.

Biblioteca del Diseño Gráfico. Aerografía, Naves Internacionales de Ediciones, S.A. 1994 p.52,54, a 61 109

TÉCNICAS DE

AEROGRAFIA

4.5.1.

ATOMIZADOR DE BOCA

Se puede considerar como un antecedente inmediato al Aerógrafo, es uno de los primeros contactos que se puede como estudiante con algo similar, nunca igual al Aerógrafo. No es un instrumento muy confiable para hacer líneas o detalles muy pequeños, ni siquiera se puede acercar demasiado por que la presión que se ejerce con el pulmón no es siempre la misma. Se debe tomar solamente como auxiliar porque es muy porbre en su aplicación. El ejemplo que se presenta a continuación está retocado con Prismacolor dando así los detalles. El soporte es rígido y de color. Se debe tener cuidado de no atomizar otra área que no se quiera.

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4.5.2

FRUTA, OBJETO, FIGURA HUMANA

El Aerógrafo es una técnica muy rápida, pero tiene un detalle muy característico, que la mayor parte del tiempo se trabaja con mascarillas y no se está viendo lo que se ha pintado, solamente se ve una área muy pequeña y se tiene que imaginar como va quedando en relación a la ilustración completa. Los levantes del papel son clásicos en la Aerografia pero tiene que ver con dos cosas, la calidad del soporte y la calidad de las mascarillas. Esto es la consecuencia de la economía del país, puesto que no le suben a los precios, pero disminuye la calidad del material. Para Aerógrafo se recomienda utilizar pintura Acrílica líquida, que gotee con cierta rapidez, por que tiene un secado rápido y para lavarlo es fácil de quitarle las partículas al pincel de aire. Para el uso del Aerógrafo es recomendable las plantillas, si no se tiene la experiencia necesaria. Se recomienda pintar primero el fondo bloqueando el objeto o ilustración que se vaya a aerografíar. Después de eso se bloquea el fondo, dejando el objeto al descubierto. Pero de debe bloquear color por color para no cubrir otras áreas que no se quieran. Se comienza dándole una pasada de color base, hasta llegar al color deseado. Los brillos así como las sombras más fuertes se dan al último con un pincel de pelo para que queden bien pronunciadas. En los siguientes ejemplos que se muestran a continuación es el mismo procedimiento.

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CONCLUCION

La ilustración es una herramienta indispensable para el progreso del Diseño Gráfico. Sin embargo poco explorado por este, pero atravez del tiempo se ha considerado la importacia de este medio para su expresión gráfica visual. Tomando en cuenta la amplia gama de perspectivas que la ilustración nos ofrece se hizo un manual redondeando las técnicas más utilizables para un proceso de ilustración en Diseño Gráfico. Sin embargo no todas estas técnicas son ampliamente utilizados ya que no son todas prácticas, pero considero que es necesario saber su funcionamiento. Es importante también conocer como surgió la ilustración en nuestro medio y los pormenores que esta puede dar. Los objetivos del Diseño es comunicar visualmente y ofrecer soluciones a los problemas, la ilustración nos da soluciones a los proyectos de comunicación visual, por eso es muy importante que los estudiantes realizen su propia ilustración, pasando por los procesos de la ilustración y conociendo las técnicas desde la más común y primordial como es el manejo de los lápices de dibujo hasta conocer el funcionamiento del Aerógrafo. Es preciso pues, llevar a cabo la ilustración en su más alto grado de expresión y no permitirse el lujo de ignorarla o no darle el grado de importancia que esta tiene. Al investigar más a fondo se notaron algunas deficiencias que se estaban dando, a cerca de los alumnos que dominaban la técnica

independientemente del diseño gráfico, pero no como una herramienta del diseño, para su mejor presentación y realización de un proyecto. Es por eso que presento un capítulo especialmente de como se debe hacer una ilustración para un proyecto, los pasos esenciales y el descenlace del tema. Es muy importante reconocer la importancia de la ilustración en el Diseño Gráfico y el vínculo que estas dos tienen. La ilustración pues, haciendo usos de los elementos gráficos del diseño, de sus conocimientos en cuanto a técnicas y su apreciación del concepto a realizar en cuanto a aspectos psicológicos, sociales, históricos, etc, la composicón y estructuración, elabora mensajes verdaderamente eficaces por lo cual ocupa un lugar prepoderante en la comunicación. Las técnicas por su parte es una herramienta muy importante para la realización efectiva de las ilustraciones. En general todo el trabajo está enfocado a proporcionar elementos teóricos para sus aplicación prácticas en la ilustración por lo tanto espero que sea un material que sirva de apoyo a los estudiantes y principalmente a los que están más interesados en explotar al máximo la ilustración. El poco o mucho tiempo que dedique a la realización de mi tesis me sirvió como parte fundamental en mi formación profesional. Estoy segura que la experiencia que me dejó el proyecto será inolvidable como persona, por las muchas puertas que abrí a lo largo de la realización y por las muchas personas que conocí. Gracias. Termino con una cita de Dondis* que apoya la hipótesis y la considero un buen final para la conclusión de la tesis.

"Es importante una metodología y es vital la inmersión profunda en los elementos y técnicas"

* Dondis Obra citada P.207

AGRADEZCO

A DIOSITO por no dejarme sola en ningún momento. GRACIAS

A ti PAPI por el gran ejemplo que me dejaste por seguir. TE QUIERO

A ti MAMI, por el gran apoyo incondicional que me brindaste. TE QUIERO

A mi ASESOR por la gran paciencia que me tuvo y por la dedicación de su tiempo incondicional. GRACIAS JUAN.

A LUIS GABRIEL, EDUARDO Y JOSÉ gracias por apoyarme. LOS QUIERO.

A las innemerables personas que estuvieron a mi lado física y moralmente confiando en mí. GRACIAS

Mi agradecimiento a:

Rocío Saybe Ana María Díaz Enrique Capilla Astrid Lira Zair Vargas José Luis LDG. Martín Marroquín Karla Reynal Mirna Guevara Maria de Lourdes Barbosa Mari Orieta Urcid LDG. Juan Tenorio

Por haber colarobado para la realización de esta tesis. GRACIAS

BIBLIOGRAFÍA

Nueva Enciclopedia Temática tomo 13 p. 494 a 98 Manuales de Diseño Como encargar ilustraciones Martín Colyer Ed. G.G.S.A. deC.V. Biblioteca de Historia Olimpia y sus Juegos Hezinz Schobel Ed. U.T.E.H.A México. D.F. Colección Herakles Las Olimpiadas Juan Fauria Ed. Hispano Europea. España 1968 p. 11 a 39 Ilustraciones de American Showcase No.17 Curso de Diseño Gráfico Tomo 4 Ed. Rezza Editores Revista Mundo 21 Ed. Televisa p.25

* Biblioteca del Diseño Gráfico Ilustración 1 Ilustración 2 Aerografía Naves Internacionales de Ediciones S.A.

* Técnica Aerográfica de Renau

* Guía completa de Ilustración y Diseño (Técnicas y Materiales) Ed. Blume

* Ilustración Creadora Andrew Loomis

* Revista México 68