historia del arte - los inicios del arte contemporáneo ... · pdf filearte 6to...

Arte 6to Año - Historia del Arte

1

Apunte Arte 6to Año

Historia del Arte - Los inicios del arte contemporáneo Apunte: Extraído de “Historia del Arte”, de E.H. Gombrich (CAPÍTULO 25: “La Permanente revolución” El siglo XIX)

Revolución Permanente – Siglo XIX Ruptura con la tradición y el nacimiento del artista moderno Lo que se llama la ruptura con la tradición, marca el período de la Revolución Francesa, estaba encaminada a cambiar toda la situación en la cual vivían y trabajaban los artistas. La Revolución Industrial comenzó a destruir la tradición misma de una habilidad artístico-artesanal sólida; el trabajo a mano dio lugar a la producción de las máquinas, de los talleres a las fábricas. En la pintura y en la escultura, la ruptura con la tradición abrió un campo ilimitado de opciones para elegir. Corría por cuenta de los artistas decidir si querían pintar paisajes o escenas dramáticas del pasado. Pero al abrirse el campo de acción, menos probable era que el gusto del artista coincidiera con el de su público. Quienes compran pinturas tienen más o menos una idea en mente. Quieren conseguir algo muy similar a lo que han visto en otro lado. En el pasado, esta exigencia era fácilmente lograda por los artistas, ya que, las obras de un ciclo normalmente son muy parecidas en muchos aspectos. Pero para esta época algo de esta unidad de la tradición pictórica había desaparecido, y como consecuencia las relaciones del artista con su mecenas eran tensas la mayoría de las veces. El gusto del mecenas se fijaba en una dirección: satisfacer las demandas del público. Lo que complicaba las cosas era que la Revolución Industrial y la caída del artesanado, el nacimiento de una nueva clase media que muchas veces carecía de tradición (léase, sin una educación formal que les permitiera apreciar lo que los artistas producían), y la producción de bienes baratos y desechables que se hacían pasar por “Arte”, habían deteriorado el gusto del público. La desconfianza entre los artistas y el público era generalmente mutua. Para el empresario exitoso, un artista era poco más que un impostor que exigía precios ridículos por algo que difícilmente podía llamarse un trabajo honesto. Entre los artistas, por otro lado, se convirtió en un pasatiempo confeso, el de “despabilar a la burguesía” fuera de su autocomplacencia y dejarlo perplejo y desconcertado. Los artistas comenzaron a verse como una raza aparte, se dejaron crecer el cabello y la barba, se vestían de otro modo que el común de la gente, y generalmente mostraban un desprecio por lo considerado “respetable”. Tal estado de las cosas difícilmente puede decirse que era sano, pero quizás era inevitable. Para muchos, esto puede sonar como una paradoja. La idea contemporánea es que todo el arte es, y siempre ha sido, un medio de “expresión”, y hasta cierto punto, la gente que apoya esta idea tiene razón. Pero la cuestión no es tan simple como normalmente se piensa que es. Es obvio que un artista en Egipto tenía pocas oportunidades para expresar su personalidad. Las reglas y convencionalismos de su estilo eran tan estrictas que había muy poco campo para la elección. Todo en realidad se reduce a esto: donde no hay elección no hay expresión. Un ejemplo


2

sencillo podría clarificar lo anterior. Si decimos que una mujer “expresa su individualidad” con su modo de vestir, queremos decir que la elección que toma indica sus caprichos y preferencias. Sólo tenemos que ver a algún conocido nuestro comprar un sombrero y tratar de averiguar porqué rechazó éste y escogió aquél. Siempre tiene que ver con el modo como él o ella se ven a sí mismos, y cada uno de los actos de elección pueden enseñarnos algo sobre su personalidad. No obstante, si esa primer mujer tuviera que usar uniforme, quizá quede algún rango de “expresión”, pero obviamente mucho menos. El estilo es precisamente ese uniforme. Cierto, sabemos que mientras el tiempo pasó, el rango de expresión del artista se incrementó, y con ello los medios del artista para expresar su personalidad. La idea de que la verdadera intención del arte era el de expresar la individualidad y eso lo hacía sólido, era un anuncio verdadero y válido. Pero lo que la gente que se interesaba por el arte buscaba en estas exhibiciones y estudios ya no era una muestra de demostración de una habilidad común –que se había vuelto tan usual que ya no llamaba la atención—querían que el arte los condujera a contactar personas con las cuales sería interesante conversar: personas cuya obra diera evidencia de una sinceridad incorruptible, que no estaban contentos con simples efectos tomados por prestado y que no plasmarían ni un solo trazo con sus pinceles sin antes preguntarse si satisfacía a sus conciencias artísticas. En este sentido, la pintura del siglo XIX difiere considerablemente de la historia del arte como la hemos conocido hasta ahora. En períodos anteriores, eran usualmente los principales artistas cuyas habilidades eran supremas, quienes recibían las comisiones más importantes, y que por lo tanto se volvían más famosos. No fue sino hasta el siglo XIX que se abrió la verdadera brecha entre los artistas de éxito –quienes contribuían al “arte oficial”—y los inconformes, que fueron sólo apreciados hasta después de su muerte. En definitiva a fines del siglo XIX aparece entre los artistas la idea de que la verdadera finalidad del arte era expresar la personalidad. La palabra ARTE, a partir de la gran revolución, adquirió un sentido diferente. La historia del arte ya no es marcada por los maestros más famosos y mejor pagos de la época, sino por un grupo de hombres solitarios que tuvieron el valor y la perseverancia de opinar por sí mismos así como de cuestionar las ideologías existentes para abrir de este modo nuevos horizontes para su arte.

El más destacado pinto tradicionalista de la primera mitad del S. XIX fe Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867). Ingres insistió en la necesidad de una disciplina de precisión absoluta y combatió la improvisación y el desaliño.


3

La gran bañista (1808), Museo del Louvre, presenta el ideal de belleza femenina de Ingres. Para él, lo bello o la forma no está en la cosa en sí, sino en la relación entre las formas. Este conjunto de relaciones estará claro cuando todos los componentes de la forma (línea, color, luz), constituyan un todo único, una síntesis. Ingres es el primero en comprender que la forma no es más que un producto de la manera de ver experimentar la realidad del artista. Reduce el problema del arte al problema de la visión. Los adversarios de Ingres si unieron en torno al estilo de Eugene Delacroix (1798-1863). Éste artista pertenecía a la estirpe de los grandes revolucionarios del país de las revoluciones. No podía aceptar las normas de la academia; no soporto la insistencia respecto a la corrección del dibujo y la constante imitación del pasado.


4

En 1832 se va a África a estudiar el colorido de la pintura árabe. El cuadro Caballería árabe a la larga, es el fruto de este viaje. En el no hay precisión de contorno ni desnudos modelados por la luz y sombra, lo único propuesto es compartir su deleite ante el movimiento y el atractivo de la escena. Delacroix consideró que el color era mucha más importante que el dibujo.

El siguiente movimiento es el Realismo de Courvet. Éste no deseaba la belleza sino a la verdad. En el cuadro Bounjour Monsieur Courvet se representó a si mismo de exclusión por el campo con los elementos para pintar a sus espaldas, siendo saludado respetuosamente por un amigo y cliente. Si bien parece un cuadro infantil y la idea de él mismo arremangándose las mangas de la camisa, como un vagabundo, debió ser considerado una ofensa por los artistas respetables y sus admiradores. Pero eso fue lo que Courvet quería conseguir, para que su cuadro constituyera una protesta contra los convencionalismos aceptados por su tiempo. Indudablemente los cuadros de este artista son sinceros.


5

En 1854 escribió: “… Confío siempre ganarme la vida con mi arte sin tener que desviarme nunca de mis principios ni el grueso de un cabello, sin traicionar a mi conciencia por un solo instante, sin pintar siquiera lo que puede abarcarse con una mano solo por darle el gusto a alguien o por vender con facilidad.”

Tercera oleada revolucionaria de Francia

Si la primera oleada revolucionaria de Francia fue la de Delacroix, la segunda de Courbet, la tercera fue iniciada por Eduard Manet (1832-1883), y sus amigos. Estos artistas descubrieron que la intención del arte tradicional de representar la naturaleza tal como la vemos, era hecha de forma errónea. Decían que en las academias se enseñaba a pintar los cuadros sobre un juego de luz y sombra, donde los pintores llevaban los modelos a sus estudios donde la luz entraba por la ventana y empleaban técnicas de pintar desde la luz a la sombra dando la sensación de volumen y solidez. El público se acostumbró a ver las cosas representadas así y termino olvidando que al aire libre percibimos la luz de manera diferente. Manet y sus seguidores descubrieron que si contemplamos la naturaleza al aire libre no vemos objetos específicos cada uno con su propio color, sino una mezcla de tonos que combinan en nuestros ojos.


6

En 1863 los pintores académicos no quisieron exponer con ellos en la exposición llamada El Salón1, entonces todas esas obras rechazadas por el jurado fueron expuestas en el Salón de los Rechazados. En comparación de las cabezas pintadas por los artistas académicos las de Manet parecen planas. Pero el propósito de Manet era mostrar que el aire libre y a plena luz del día, las formas con volumen a veces parecen planas como simples manchas coloreadas.

El Balcón. 1868-1869.

1 El Salón era el espacio de exposiciones más importante de la época.


7

El Balcón. Detalle. En esta obra la impresión general no es plana sino de verdadera profundidad y una de las causas es el color de la baranda del balcón que parece avanzar sobre la escena que tienes detrás. Estas nuevas teorías no se refirieron tan sólo el manejo del color, si no también a las formas en movimiento. Lo que querían estos pintores ir a captar en sus obras instantes de luz y de color momentos determinados y reflejar como la luz y el color que manan de la naturaleza son cambiantes según el instante en que el artista los con los contempla pero Manet específicamente centros de estudio en el color en si en los contornos y en cómo expresaba el color a través de su pincelada y con las texturas no le importaba tanto el objeto como la las variaciones de color que este experimentaba lo largo del día y pintó formas compuestas a base de colores puros, sin embargo tan atrevida manera de pintar provocó el rechazo de los salones oficiales. Edward Manet fue el primer pintor que inició un nuevo camino en el que la realidad que se estaba representando pasaban segundo plano fue el primer pintor en lograr la traducción inmediata de las sensaciones, liberó en instinto del pintor.


8

Bar del Folies-Bergère, 1881

En la obra Bar del Folies-Bergère, Manet nos presenta a una camarera atendiendo a un cliente en un bar. La modelo que posó en el estudio del pintor para la figura principal era una auténtica camarera de este conocido local del barrio de Montmartre llamada Suzon. La camarera es, junto con la naturaleza muerta que hay sobre el mostrador de mármol blanco, lo único real que aparece en el cuadro: todo lo demás (el animado ambiente del local de variedades y la figura del cliente) son reflejos en el espejo del fondo. Llama la atención la distorsión deliberada que introduce Manet en los reflejos: sólo se podría ver la espalda de la camarera reflejada si el espejo estuviera oblicuo respecto a la barra, pero el marco del espejo está perfectamente paralelo respecto al mostrador. Además, si los reflejos siguieran las leyes ópticas, el cliente sólo sería visible de espaldas, de lado opuesta a la camarera en el mostrador. Quizá la ausencia deliberada del cliente y su única aparición en el reflejo sea un recurso de Manet para sumergir al espectador en el cuadro, suplantando al cliente, para dotar de profundidad a la obra. Quizá la naturaleza muerta con algo de fruta con botellas de champán, crema de menta y cerveza sea lo único que aporte algo de humanidad y calidez a la obra. La camarera Suzon aparece con una expresión de indiferencia que contrasta con el bullicio de la gente que se divierte. Al parecer el Folies-Bergère también era un lugar donde, en palabras del escritor Guy de Maupassant las camareras «maquilladas hasta las cejas, vendían bebida y amor». Quizá esto último sea lo que busque el cliente del reflejo del espejo, por lo que se puede interpretar la obra de Manet como una crítica a la frialdad y crueldad de la vida moderna.


9

Claude Monet (1840-1926) Entre los pintores que se unieron a Manet estaba Claude Monet. Éste fue el que impulsó a sus amigos a no dar ni una sola pincelada en el estudio, él tenía la idea de que toda reproducción de la naturaleza debía concluirse sobre el terreno. Monet no sólo exigía un cambio de costumbres y de comodidad, sino que conducía a nuevos procedimientos técnicos. El pintor debía depositar rápidamente y en forma directa de las pinceladas preocupándose menos por los detalles que por el efecto general del conjunto. Esta aparente falta de terminación enfureció las críticos. Monet no conseguía que sus cuadros fueran aceptados en el Salón entonces fue cuando se agruparon los artistas y armaron una exposición en el estudio de un fotógrafo amigo en 1874. Allí Monet presentó un cuadro donde se veía una bahía al amanecer y le puso el título Impresión: sol naciente. Un crítico al encontraste con ese título lo considero particularmente ridículo, y se refirió si grupo como los impresionistas, pero luego lo despectivo fue olvidado y el propio grupo tomó el nombre.

Los pintores pertenecientes al impresionismo no sólo aplicaron sus nuevos principios a cualquier enseña de paisaje sino también a cualquier escena de la vida real. Auguste Renoir (1841-1919) A Renoir le gustaba retratar a las muchedumbres alegres que se reúnen al aire libre en París. El principal interés era captar la mezcla de colores brillantes y estudiar el efecto de la luz del sol sobre la multitud. Sólo las figuras en primer


10

plano donde se centra nuestra mirada tienen cierta cantidad de detalles. Esta forma de pintar no es por descuido, si Renoir hubiese pintado cada pormenor del cuadro el cuadro hubiese resultado falto de vida.

Tuvo que pasar algún tiempo para que el público aprendiera a ver un cuadro impresionista retrocediendo algunos metros y así disfrutar de como estas manchas adquieren vida conseguir transferir la verdadera experiencia visual del pintor al espectador, que era el verdadero propósito de los impresionistas. Finalmente el fruto de los impresionistas fue rotundo y Monet y Renoir vivieron lo suficiente como para disfrutar de ser famosos y respetados en Europa. Además algo muy importante es que en el siglo XIX aparece la fotografía, la cual en principio se utiliza para los retratos. La evolución de la fotografía comenzó al mismo tiempo que el surgimiento del impresionismo, por eso los artistas se vieron empujados a explorar nuevas visiones el arte moderno, que no habría llegado a lo que es sin el choque de la pintura con este invento. Degas Otro exponente del impresionismo en Francia es Degas, quien admiraba a Ingres pero también recibió influencias del arte japonés y de Delacroix. Se diferenciaba el grupo de los otros impresionistas porque pintaba interiores con luz artificial. No abandona el dibujo sino que lo convierte como pieza esencial de sus piezas predominando sobre el color. Se destacan sus series de bailarinas.


11

Lo que le importaba Degas era el juego entre la luz y la sombra sobre las formas humanas, y ver de qué manera podría lograr sugerir al movimiento o el espacio. Demostró al mundo académico que los nuevos principios de los artistas jóvenes, lejos de ser incompatibles con el mundo perfecto, planteaban problemas que sólo el maestro consumado de dibujo podía resolver.

En busca de nuevas concepciones Fines del S XIX Si bien algunos consideran a los impresionistas los primeros modernos, la historia del arte nos muestra que fueron los post-impresionistas los que abrieron el camino a las vanguardias.


12

POST – IMPRESIONISMO Fue un movimiento artístico del siglo XIX. Duró entre 1880 y 1910. El nombre post-impresionismo significa después del impresionismo. Los artistas destacados de este movimiento son Cezanne, Gauguin y Van Gogh.

Todos trabajaron de manera individual y tenían estilos diferentes, además de que se especializaron en contar distintos temas, por ejemplo Cezanne se especificó en naturalezas muertas y paisajismo. Los post impresionistas estaban interesados en el uso audaz del color, la forma, la textura y la luz en la creación de sus pinturas.

Paul Cezanne (1839-1906), en principio estuvo de acuerdo con los impresionistas en que los procedimientos del arte académico eran contrarios a la naturaleza, y admiró los nuevos descubrimientos en el terreno del color y del modelado. También se quiso abandonar a sus sensaciones, pintar las formas y los colores tal cual los veía, y no como sabía que aproximadamente existían. Pero no estaba satisfecho con lo que veía en los cuadros impresionistas, pensaba que tendían a ser brillantes pero confusos y el aborrecía la confusión. Cezanne quería colores intensos pero limpios, es decir que lograran ser atravesados por la luz. Los impresionistas habían abandonado el procedimiento de mezclar los colores sobre la paleta aplicando éstos separadamente sobre el lienzo en pequeñas pinceladas. Nada mejor para explicar cómo hizo Cezanne con sus cuadros que observar el paisaje con la montaña Santa Victoria. El paisaje está bañado de luz pero, sin embargo, es firme y sólido.


13

Ofrece un esquema preciso y, no obstante, da la sensación de una gran profundidad y de distancia. Existe un sentido de orden y de calma en la manera de señalar la línea horizontal del viaducto, la carretera del centro y las verticales de la casa, de todos modos en ningún momento percibimos que sea éste un ordenamiento que se haya impuesto a la naturaleza. Otra característica de su obra es que altera la dirección de sus pinceladas sin recurrir nunca a los contornos dibujados.

Cezanne quería conseguir diseños equilibrados. De todos modos, hay cuadros que no son tan fáciles de comprender. Una reproducción de una naturaleza muerta, como la de la foto, parece no prometer mucho. En esta imagen se advierte que el pie del frutero está descentrado y la mesa desnivelada. A Cezanne le fascinaba la relación entre el colorido y el modelado, él quería conseguir un diseño equilibrado por eso estiro el tazón del frutero hacia la izquierda como para rellenar un vacío y, como quería estudiar todas las formas colocadas sobre la mesa en sus relaciones entre sí, decidió inclinar la mesa hacia abajo para que se vieran. Este ejemplo demuestra por qué Cezanne se convirtió en el padre del arte moderno. Es que en su esfuerzo por lograr una composición ordenada sin sacrificar aquel sentido de profundidad, en todas estas búsquedas hay algo que si estaba dispuesto a sacrificar: el trazado convencional, no le importo la perspectiva científica ya que ésta había sido creada para lograr una ilusión. Él no se propuso crear una ilusión, sino transmitir el sentido de solidez y de volumen, y se dio cuenta que podía hacerlo sin un dibujo convencional: esto marca un antes y un después en el arte. Van Gogh Van Gogh nació en 1853 en Holanda. Fue primero un hombre profundamente religioso y actuó como predicador. Cuando fue a Inglaterra quedó impresionado por la obra de Millet y su mensaje social decidiendo hacerse pintor. Su hermano Theo, que trabajaba en una tienda de arte, lo puso en relación con los pintores impresionistas. Van Gogh se fue a sur de Francia, a Arles ayudado por su


14

hermano Theo. En medio de esta estadía en 1888 se volvió loco. Estuvo en un asilo en 1889, y en 1890 puso fin a su vida, murió joven, a los 37 años. No pintó durante más de 10 años y sus cuadros más reconocidos los pintó en tres años interrumpidos por crisis mentales y espirituales. Hoy todo el mundo conoce estos cuadros: Los girasoles, El sillón de Gauguin, y Carretera con Cipreses, que se hicieron populares a través de múltiples reproducciones. Esto fue justamente lo que Van Gogh deseó, que su arte no sólo llegara a un coleccionista rico sino también a cualquier ser humano para proporcionarle placer y consuelo.


15

Van Gogh también había asimilado lecciones del impresionismo y del puntillismo de Seurat, y se dedicó a pintar con puntos y contrastes de colores puros, pero en sus manos esta técnica se convirtió en algo muy diferente a lo de los pintores de París. Van Gogh empleó pinceladas aisladas no sólo para desmenuzar el color sino también para expresar su propia agitación. Las pinceladas de Van Gogh nos comunican algo de su espíritu. Van Gogh carga el acento sobre el color, del mismo modo que el escritor subraya palabra. Van Gogh experimentó tal exaltación o frenesí que se sintió impulsado no sólo a representar el mismísimo sol radiante sino también las cosas humildes, apacibles y cotidianas que nadie había considerado que merecían la atención del artista. Pintó su reducida habitación en Arles y lo que escribió acerca de este cuadro, en una carta a su hermano explica maravillosamente los propósitos del artista:

“Tengo una nueva idea en la cabeza y aquí está el boceto. Esta vez se trata sencillamente de mi dormitorio. Aquí sólo debe operar el color y dándole un mayor estilo a las cosas por su simplificación ha de sugerir el reposo o el sueño en general. En una palabra al contemplarse el cuadro debe descansar el pensamiento, o mejor aún la imaginación. Las paredes son de violeta pálido, el suelo de rojas tablas, la madera de la cama y las sillas son de amarillo de manteca tierna, las sábanas y la almohada de limón verdoso, el cubrecama de rojo escarlata, la ventana verde, la mesa de aseo naranja, la jofaina azul, las puertas lila. (…)” Van Gogh no se preocupó mucho de la descripción fotográfica de la naturaleza. Empleó formas y colores para expresar lo que sentía acerca de las cosas que pintó y para que otros experimentarán lo mismo que él.


16

Tal como Cezanne ambos llegaron al punto de tergiversar lo que veían para expresar en su obra lo que sentían y así derribar el viejo concepto del arte sin adoptar actitudes revolucionarias ni abrumar a los críticos. Paul Gauguin (1848-1903)

El sueño, 1897, óleo s/tela. Había otro artista que va hacia el sur de Francia persuadido por Van Gogh. Éste era Gauguin. Pero Gauguin era muy distinto de Van Gogh; no era humilde sino orgulloso y ambicioso. Por eso se pelearon y Gauguin se fue a París y luego a Tahití buscando una vida más sencilla, y para buscar un lado más primitivo con el fin de recuperar la intensidad, la fuerza del sentir, y la manera espontánea expresarlo. Gauguin ignoró los problemas del arte occidental, y aunque no siempre consiguió triunfar en su propósito de lograr la espontaneidad y la sencillez, su anhelo de alcanzar tales cualidades fue tan apasionado como el de Cezanne y Van Gogh. Él también sacrificó su vida por sus ideales.

Primera mitad del siglo XX Arte experimental Durante la primera mitad del siglo XX surge un nuevo movimiento llamado expresionismo, que era el opuesto a los impresionistas. El artista más destacado de este movimiento es Eduard Munch.


17

Su obra más famosa se llama El grito y fue pintada en 1893. En esta propone expresar como una súbita inquietud transforma todas nuestras expresiones. El rostro de la caricatura que está gritando está falseado como el de una caricatura, algo terrible debe de haber ocurrido. Lo que el irritó al público del arte del expresionismo no fue tanto el hecho de que la naturaleza hubiera sido alterada sino como el resultado prescindía de belleza. Que el caricaturista subrayara la fealdad de un hombre se daba por admitido; pero que los hombres que decían ser artistas serios olvidaran que, si tenían que alterar la apariencia de las cosas tendrían que idealizarlas más que afearlas fue tenido por grave ofensa.


18

Pero Munch podría replicar que un grito de angustia no es bello y que sería hipócrita no mirar más que lado agradable de la vida. Los expresionistas sintieron intensamente el sufrimiento humano, la pobreza y la violencia. Ellos querían afrontar los hechos desnudos de nuestra experiencia y expresar su compasión por los desheredados y los contrahechos. El movimiento expresionista encontró su terreno más fértil en Alemania donde consiguió provocar la cólera y el rechazo del hombre vulgar. Cuando los nazis llegaron al poder en 1933 todo el arte moderno fue condenado y los principales exponentes del movimiento fueron desterrados.

Esta fue la suerte del escultor expresionista el Ernst Barlach (1870-1938), cuya escultura ¡Tengan piedad!, habla de una gran intensidad expresiva en la simple postura de las manos de la mendiga. Según la doctrina expresionista fuera de la verdad lo único que importaba en el arte no era la imitación de la naturaleza, sino la expresión de los sentimientos a través de la selección de líneas y colores. FAUVISMO El panorama artístico sufre una gran transformación en el siglo XX. Así sucede también en París, cuando en 1905 un grupo de jóvenes expone y se los bautiza les


19

fauves, es decir fieras salvajes o los salvajes. Debieron este nombre a su complacencia por los colores violentos. El más famoso de este grupo es Henri Matisse (1869-1954), quien estudió las gamas del color de los tapices orientales y de los paisajes del norte de África. Fue mucho más lejos al transformar lo que veía ante sí en un esquema decorativo. El fauvismo es el primer movimiento de vanguardia y tiene vigencia hasta 1908. Es la síntesis de los movimientos anteriores (impresionismo y posimpresionismo), a lo que añade una dosis de primitivismo. Se caracterizan por la energía y la expresión de los colores junto al empleo de la línea y el color. No querían imitar a la naturaleza, sino mostrar una interpretación subjetiva de la misma. Captaban y retenían solo lo esencial de la realidad para explicar luego la vivencia, la relación que el artista establecía con las cosas y con el mundo.

En la obra en La habitación roja, las relaciones entre el dibujo del papel de la pared y el tejido de los manteles con los objetos que se encuentran sobre la mesa, constituyen el tema principal del cuadro. Incluso la figura humana y el paisaje visto a través de la ventana se han convertido en parte de ese esquema el cual es tan consecuente que la mujer y los árboles están mucho más simplificados en sus contornos, e incluso trastocados en sus formas, para concordar con las flores del papel de la pared. De hecho, el artista considera el cuadro una armonía en rojo. En definitiva los fauvistas estaban influenciados en las cualidades del color, la expresión y el movimiento en la pintura. También les interesaba la simplificación


20

de la forma, sin que les importara la tridimensionalidad, ni la imitación de la naturaleza. Además les interesaba el uso de las texturas. Los fauvistas representan el primer quiebre con la pintura tradicional – luego que sus pinturas fueran expuestas, nadie mas esperaba que la pintura tenía que verse realista o que la forma fuera tridimensional.

Ningún artista quedó tan impresionado por la revelación de Cezanne como un joven español que se llamaba Pablo Picasso (1881-1973), quién era hijo de un profesor de dibujo y que en la Escuela de Lonja estaba considerado como una especie de niño prodigio.

A los 19 años se marchó a París, y empezó a pintar lo que le gustaba a los expresionistas que eran mendigos, vagabundos y gente de circo. Pero esto no le satisfacía y empezó estudiar el arte primitivo, al que Gauguin había dirigido a la atención. De estas obras podemos suponer que aprendió la posibilidad de elaborar la imagen de un rostro o un objeto con unos cuantos elementos muy simples. Esto era distinto a la simplificación visual de los artistas anteriores que habían reducido las formas de la naturaleza a un esquema plano. Cezanne abordó el tema de cómo conservar el sentido de la profundidad y la solidez. En una de sus cartas de Picasso


21

Cezanne le aconsejaba contemplar la naturaleza convirtiéndola en cubos, conos y cilindros. Probablemente quiso darle a entender que debía tenerlas presentes al organizar sus cuadros. Pero Picasso y sus amigos lo tomaron al pie de la letra.

Violín y uvas, 1912.

Picasso dibuja el objeto por el ángulo que se advierta su forma más característica. Su típico estilo de composición puede realizarse con formas familiares, fruteros, botellas, que nos permitan seguir fácilmente la ilación del cuadro y comprender las relaciones entre las partes del mismo. Los críticos consideraron esto un insulto. Para estos artistas y la forma se presenta primero y el tema después. George Braque (1882-1963), era un pintor fauvista, que luego de ver Las señoritas de Aviñón, de Picasso, cambio su obra.

En 1909 junto a Picasso entraron en la fase del cubismo analítico, donde no se persigue la unidad desde el punto de vista único porque la visión de la realidad carece de centro de visión.


22

En 1911 y 1914 introdujeron en sus telas letras de imprenta, papeles pintados y recortes de diario. Con eso crearon la técnica del collage, mediante la que la pintura comenzaba a parecerse a una construcción.

Naturaleza muerta con silla de rejilla (1912)

Iniciando el llamado cubismo sintético los planos geométricos son amplios y están mejor delimitados. El trabajo artístico se concibe como un montaje en el que se mezclan las prácticas artesanales del bricolaje y el oficio del pintor tradicional.

Vaso y Violín, George Braque.

historia del arte - los inicios del arte contemporáneo ... · pdf filearte 6to...

Documents