TITULO DEL AUTOR: PABLO RUIZ PICASSO TITULO ORIGINAL: GUERNICA DATACION: SIGLO XX (1937) DIMENSION: 349,3 x 776,6 cm UBICACIÓN: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía TECNICA: OLEO SOBRE LIENZO GENERO: ARTE NARRATIVO ESTILO: CUBISTA TEMA: GUERRA CIVIL ESPAÑOLA, SUFRIMIENTO, GUERRA CONTEXTO CULTURAL: VANGUARDIAS

Guernica es un famoso cuadro de Pablo Picasso, pintado en los meses de mayo y junio de 1937, cuyo título alude al bombardeo de Guernica, ocurrido el 26 de abril de dicho año, durante la Guerra Civil Española. Fue realizado por encargo del Director General de Bellas Artes, Renana  petición del Gobierno de la República Española para ser expuesto en el pabellón español durante la Exposición Internacional de 1937 en París, con el fin de atraer la atención del público hacia la causa republicana en plena Guerra Civil Española.

En la década de 1940, puesto que en España se había instaurado la dictadura militar del general Franco, Picasso optó por dejar que el cuadro fuese custodiado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York, aunque expresó su voluntad de que fuera devuelto a España cuando volviese al país la democracia. En 1981 la obra llegó finalmente a España. Se expuso al público primero en el Casón del Buen Retiro, y luego, desde 1992, en el Museo Reina Sofía de Madrid, donde se encuentra en exhibición permanente.

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Su interpretación es objeto de polémica, pero su valor artístico está fuera de discusión. No sólo es considerado una de las obras más importantes del arte del siglo XX, sino que se ha convertido en un auténtico "icono del siglo XX", símbolo de los terribles sufrimientos que la guerra inflige a los seres humanos.

A lo largo de este breve estudio, no pretendemos aportar ningún dato nuevo sobre una de las obras más importantes y conocidas del recién extinto siglo XX, y mucho menos, diremos algo que no se haya mencionado anteriormente, y seguramente con mucho más acierto, sobre su genial autor. Nuestras pretensiones son otras, están mucho más ligadas al goce, al disfrute del espectador con la obra de arte. Se ha derramado mucha tinta en vano, intentando descifrar lo más absurdo y anecdótico de esta obra, como de tantas otras. Especulaciones tales como qué significa el caballo o el toro, en las que nos detendremos en su justa medida un poco más a delante, han sido en ocasiones el eje fundamental de muchos escritos. Muy mala tiene que ser una obra para que requiera de un comentario de esta índole previo a su apreciación y este no es el caso de Guernica de Picasso, aunque  sí, por qué no decirlo, de otras muchas obras del arte del siglo XX que ha seguido erróneamente la senda abierta por Picasso.

Guernica es una metáfora inigualable del horror producido por el hombre, que no requiere mayor explicación que su contemplación. No por ello queremos insinuar que no sea necesario un correcto análisis, pues de ello nos ocupamos en estas líneas. Sin más datos, que los extraídos visualmente ante este grandioso, a la vez que grandísimo lienzo, el espectador percibe lo principal, pero no puede pasar de aquí, su conocimiento se queda en la superficie y el disfrute por lo tanto se reduce notablemente.

Para contemplar el Guernica en su plenitud, es fundamental conocer bien el marco histórico y cultural en el que se inserta. Aunque esta idea no puede cegarnos y mucho menos debemos dejarnos engañar por la más simplista de todas las interpretaciones, la que se fundamenta en la temática. Pues una obra de arte, en este caso un pintura, es considerada buena por el modo en que está resuelta, es decir, por el grado de maestría con que ha sido pintada. El tema es secundario y en muchos casos, no pasará de ser un mero pretexto, para que el pintor desarrolle su creatividad. Por tanto, debe quedar claro que no es posible tomar el tema como base de todo significado artístico, haciéndolo así solo podremos “entender” las obras cuyo tema esté dentro de nuestro bagaje cultural, lo cual es tristemente restrictivo. Basta para demostrar estas palabras un simple ejemplo: tal vez, una de las obras más conocidas del arte occidental sea La Cena, de Leonardo da Vinci, trabajo que fue realizado por el genial pintor renacentista entre 1495 y 1497. La interpretación de esta obra parece única, pero no es así. Prescindiendo de todos los conocimientos sobre la religión católica, con una mirada limpia, se puede llegar a la conclusión que Leonardo ha pintado a un grupo de hippies o vagabundos, con melenas y barbas, que sentados en una larga mesa ya han terminado de comer y, por lo visto, deben haber bebido demasiado porque están discutiendo entre ellos, como se aprecia en sus gestos y muecas. Tal vez, el origen de esta pequeña trifulca resida en que no se ponen de acuerdo en quien va a pagar la comida, o tal vez, y esto parece aún más acertado, el personaje central acaba de anunciar que uno de los presentes no ha puesto su parte del dinero, lo que naturalmente ha originado el estupor general y ha creado un clima un tanto incómodo.

Pablo Picasso, 1935.

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Sin  más dilaciones, hecha esta breve introducción, vamos a adentrarnos en el universo de Picasso. La obra objeto de nuestro estudio, Guernica, fue pintada por Pablo Ruiz Picasso (1881-1973), en 1937. El título de esta obra alude a un episodio concreto de la Guerra Civil española: el bombardeo de la población vasca de Guernica, que tuvo lugar el 26 de abril de 1937. Cuarenta y tres bombarderos y cazas alemanes de la Legión Cóndor y algunos italianos, al servicio de los nacionales, arrasan la ciudad vasca de Guernica. En este 

momento, España estaba inmersa en la Guerra Civil, iniciada un año antes, el 18 de julio de 1936, cuando las tropas nacionales se sublevaron contra el gobierno republicano. Mientras tanto, Europa, a grandes rasgos, tras haber sufrido las consecuencias de la depresión económica mundial y dividida por el fascismo, se preparaba para el inminente estallido de la Segunda Guerra Mundial.

Se ha especulado mucho sobre si Guernica fue o no, un cuadro encargado por el Gobierno republicano a Picasso. Está claro que Guernica es fruto de un encargo, pero es necesario aclarar varios puntos al respecto que han inducido varias veces a error. En 1937 se celebra en París la Exposición Universal, para los republicanos era vital que el Gobierno español estuviera bien representado, de modo que le piden a Picasso que haga algo para el pabellón español, un pabellón que tenía, evidentemente, un marcado carácter propagandístico  de la república. Picasso se comprometió a pintar una gran obra para este cometido, una pintura que ocupara una pared entera del pabellón español, pero en ningún momento se comprometió a pintar Guernica, entre otras cosas porque el bombardeo sobre la citada ciudad vasca no se había producido todavía.

Sin  embargo, el artista español sufrió una parálisis creativa que le impidió llevar a cabo dicho encargo durante unos meses. Las causas pudieron ser varias, en primer lugar, el marcado carácter propagandístico que le exigían para la obra, le maniataba mucho; por otro lado, estaba atravesando una crisis sentimental bastante profunda. Hay que recordar que en este momento, que se conozca, Picasso estaba casado con su primera mujer Olga Koklova, vivía con Marie-Thérése Walter con la que tenía una hija y, desde 1936, Dora Mar era su amante oficial.

Pablo Picasso salió de su aparente atolladero creativo y vital el 26 de abril de 1937. Por fin encontró el tema que estaba buscando, el atroz bombardeo le permitiría materializar perfectamente ese encargo del Gobierno republicano. Esta idea es importante, Picasso inmortalizó con esta obra el nombre de Guernica, simplemente porque su destrucción le inspiró ese enorme, a la par que genial, cartel propagandístico en contra del fascismo. Picasso era consciente que esta obra debía ser contemplada no sólo por entendidos del arte, sino, y principalmente, por todo tipo de personas que visitaran el pabellón español. Por tanto, el mensaje debía ser perfectamente claro, y que mejor modo para ello, que partir para la creación de una masacre de resonancia internacional como la de Guernica. No queremos insinuar con esto, que Picasso no sintiera una gran repulsión por lo 

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acontecido, ya que la rabia y la indignación del artista queda visiblemente palpables sobre el lienzo objeto de nuestro estudio, pero es igualmente evidente, que este fatal hecho se amoldaba a la perfección al encargo que había recibido.

Fue un episodio gratuitamente cruento, no había razones aparentes que justificaran el ataque de una pequeña ciudad como aquella, sin especial valor militar, poblada entonces casi exclusivamente por mujeres, niños y ancianos, ya que los hombres se encontraban en el frente. El bombardeo de esta ciudad vasca duró tres horas y cuarto, desde las cuatro y media de la tarde hasta  las ocho menos cuarto. Durante las cuales, una poderosa flota de aviones consistente en tres modelos alemanes, bombarderos Junkers y Heinkel y cazas Heinkel, no cesó de descargar sobre la ciudad bombas de quinientos kilos, además de un número de proyectiles incendiarios de aluminio, que se ha calculado en más de mil. Mientras tanto, como relató un corresponsal del Times de Londres llamado Steer, los cazas volaban rasantes ametrallando a las personas que huían de la ciudad para refugiarse en el campo. Toda Guernica quedo inmediatamente en llamas y cualquier rastro de vida, tanto humano como animal, fue aniquilado brutalmente. Pero estos hechos que ahora narramos y que se encuentran perfectamente documentos, no siempre fueron contados así. Confirmando una vez más aquella sentencia de Esquilo que dice La primera baja en la guerra es la verdad, se acusó durante mucho tiempo desde el bando nacional, y posteriormente con el franquismo, de haber sido los propios vascos los que incendiaron su ciudad con latas de gasolina. A pesar de las pruebas, de los testigos internacionales y de las confesiones por parte de los alemanes (juicio de Núremberg), en España se sostuvo durante años la tesis de la autodestrucción.

El primero de mayo de 1937 París vivió una fiesta del trabajo marcada por el rechazo vehemente de la destrucción de Guernica  y por una fervorosa oposición al franquismo. Ese mismo día Picasso encontró su tema y se pudo a trabajar en él de un modo febril. Durante los siguientes diez días hizo numerosos bocetos de lo que podría ser el cuadro en su conjunto, así como de diversos elementos y personajes del mismo. El día 11 de mayo, Picasso, comenzó a trabajar sobre el soporte definitivo. Se trataba, como ya hemos apuntado, de una tela de 349 x 776 centímetros, instalada en un taller especial que Dora Mar había buscado para este propósito. Era tan inusualmente grande el tamaño del cuadro que ocupaba por completo toda la altura de la pared, y aún tenía que inclinarse un poco para que cupiese entre el suelo y las vigas del techo. Esta circunstancia y el hecho de que estuviera destinada a adherirse al muro del pabellón de la República Española forzaron al artista a ejecutarlo con un material que ofreciera una superficie sin brillos, por eso eligió una pintura vinílica Ripolin mate, de tipo industrial. El cuadro, que lo concluyó el 4 de junio de 1937, está pintado en blanco y negro, con una variadísima gama de grises y algunos toques azulados casi imperceptibles.

Un error muy común a la hora de enfrentarse al análisis de una obra de arte, es confundir la interpretación del arte con especulaciones acerca de  la psicología del artista, y describir la obra como un retrato de los deseos y conflictos privados de su autor. Focalizando generalmente todas esas especulaciones, diríamos mejor, invenciones, en aspectos sexuales, cuanto más truculentos y enfermizos mejor. Ya que la vida sentimental de Picasso,  de 

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sobra conocida, fue de gran actividad y por ello muy propicia a este tipo de inventiva, hemos creído oportuno hacer esta advertencia. Por otra parte, la otra versión de este disparate historiográfico, tanto o más común que el anterior, consiste en dar a la vida privada del artista, a través de los amigos, conocidos y familiares que aparecen en sus obras, un valor desorbitado. Valor que eclipsa cualquier otro tipo de análisis, que tampoco estamos indicando que deba ser meramente formalista, y que convierte a la obra en cuestión, en un culebrón de media tarde. Picasso, como cualquier artista, pinta lo que tiene a mano, sea un hijo suyo, su mujer, su amante, su perro o una pera. Pero esta elección, por mucho que les pese a los románticos del arte, no pasa de ser un mero vehículo, un pretexto para la creación.

La composición está distribuida a modo de tríptico, ocupando un caballo agonizante el panel central. En total el cuadro reproduce seis seres humanos y tres animales. Picasso encuadra los grupos 

en  dispositivos triangulares, de los cuales, el más importante es el central. En la parte superior de este triángulo, un poco desplazada a la izquierda, aparece una especie de tulipa en perspectiva en cuyo centro, Picasso situó una bombilla eléctrica. 

La base del triángulo central está señalada por el cuerpo caído del guerrero muerto, un cuerpo desmembrado, descuartizado, que se convierte en un símbolo visual de la matanza. El brazo de la derecha, que acaba también sosteniendo una flor, agarra la empuñadura de una espada rota, mientras el otro brazo acaba en una mano fuerte y callosa, con poderosos surcos cruzados. Entre esas líneas puede reconocerse el dibujo de una estrella de cinco puntas. Esa flor, que puede ser interpretada como una pequeña luz de esperanza dentro un panorama tan visiblemente descorazonador, también, por el contrario, puede que no signifique nada especial. Siendo una reminiscencia, un resto, de la primitiva escena desarrollada en el exterior, en la que la flor brotaba al lado de una cabeza femenina yacente.

La cabeza del guerrero fue redondeada, como si fuera un canto rodado. Cabezas cortadas ha habido muchas en la historia del arte, pertenecientes casi siempre a mártires inocentes, pero no suelen tener los ojos desmesuradamente abiertos como ocurre aquí. Observemos que la forma de este elemento no es casual: 

las  órbitas oculares del toro y del guerrero, pertenecientes a entes masculinos, son óvalos con los extremos apuntados; los de las 

mujeres de ambos laterales con forma de lágrima, pertenecen a otro grupo, que es el preferido por Picasso para expresar el extremado sufrimiento femenino; los ojos de las dos hembras restantes y los de la yegua están constituidos por un círculo con un punto central, representan más bien una dolorida sorpresa.

La mujer que entra en la escena por la derecha tiene el trasero al descubierto, existe una divertida anécdota entorno a esta figura, que nos ayudará un poco más a advertir, que los discursos grandilocuentes entorno a una obra de arte parten de críticos e historiadores, pero pocas veces del propio autor. El significado de la figura nos lo proporciona un curioso testimonio aportado por Henry Moore, contando una visita al taller donde se pintaba esta obra maestra: “Todavía faltaba bastante para que Guernica estuviese terminado (...) ¿Recuerda a la mujer que llega corriendo desde la cabina 

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de la derecha con una mano levantada delante de ella? Bien, Picasso nos dijo que allí faltaba algo, se marchó, cogió un rollo de papel y lo pegó en la mano de la mujer, como para decir que había sido sorprendida en el cuarto de baño cuando cayeron las bombas. Así era él. Por supuesto estaba tremendamente conmovido por España y sin embargo podía tratarlo como una broma”.

Sobre esta curiosa figura se sitúa la mujer que entra por la ventana sosteniendo con su brazo una lámpara, una figura que irrumpe en la estancia por la ventana, de un modo surrealista, mirando la escena horrorizada e iluminando la estancia con su quinqué. Según algunos autores, podría tratarse de una especie 

de  alegoría fantasmagórica de la república española, según nuestra opinión, no se trataría de ninguna alegoría, sino más bien de una simplificación de una figura que huye horrorizada del bombardeo, con un semblante descompuesto, con una mirada ausente, casi en estado de shock. A su derecha, se sitúa la mujer que cae envuelta en llamas, con los brazos en alto. Las mujeres, hacen de Guernica la imagen de una humanidad inocente e indefensa convertida en víctima.

La madre con el niño muerto, fue un asunto muy mimado por el pintor, que realizó numerosísimas variaciones en dibujos preparatorios. El común denominador de todos estos trabajos es el rostro desgarrado de la mujer que llora, superando mucho en su patetismo a las tradicionales imágenes españolas de la Virgen Dolorosa. Junto a los ojos, el otro componente esencial para la 

expresión del dolor, es la boca desmesuradamente abierta, de la que sobresale una lengua afilada. Una lengua como la de la yegua, una imagen extrema que nos trasporta, inevitablemente, a los caballos destripados por el asta de un toro, de esas corridas a las que tanto le gustaba asistir a Picasso. Deudoras, por otra parte, de esas tardes de finales del XIX, en las que acudía junto a su padre, José Ruiz Blasco, a la Malagueta, la plaza de toros de Málaga. Se ha hablado poco de la importancia que tuvo en Picasso su padre, y sobre todo la importancia que tuvo para Picasso el haber nacido en un hogar de artistas, un olvido un tanto injusto.

En la pintura mural en la que estoy trabajando, y que titularé Guernica, y en todas mis últimas obras expreso claramente mi repulsión hacia la casta militar, que ha sumido a España en un océano de dolor y muerte.

Pablo Picasso, 1937.

Una vez realizado este pequeño recorrido por los aspectos más generales de la interpretación, debemos ahora adentrarnos en un estadio más. Sirviéndonos de las fotografías de Dora Mar, se puede reproducir el proceso creativo de esta magnífica obra, llegando a interpretaciones muy distintas a la que se puede hacer partiendo del trabajo definitivo. Corroborando la idea que cada uno de los elementos que lo componen no forman un equilibrio complejo e indisoluble, sino que han sido el fruto de numerosos retoques y correcciones, lógicos, por otra parte, dentro de cualquier proceso creativo. 

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Por tanto, no pueden ser analizados como si se tratara de verdades absolutas, ya que ningún elemento que conforma Guernica significa nada extraído del conjunto.

Lo primero que nos llama la atención al contrastar el trabajo definitivo con las fotografías tomadas durante el proceso de la obra, es la ubicación espacial de la escena. Guernica, la obra definitiva, se desarrolla en un interior, iluminado principalmente por la luz artificial, pudiendo ser perfectamente una escena nocturna. En origen, la escena era en el exterior, en plena calle, con un hermoso y esférico sol, como ocurrió realmente la tarde del bombardeo. La figura femenina fantasmagórica que parece entrar por una ventana, realmente está saliendo por una ventana de su hogar, candil en mano, una casa en llamas situada al fondo a la derecha.

El caballo, o yegua, y el toro, también han experimentado notables transformaciones. La yegua no aparece con esa expresión de dolor, que anteriormente hemos analizando, como si la acabaran de atravesar con una lanza; en un principio, se recogía agonizante sobre sí misma, torturada por el dolor, efecto de una herida previa que le estaba consumiendo la vida. El toro, también ha sufrido varias modificaciones a lo largo del proceso, la más seria afectó a su ubicación, pues en un principio estaba dispuesto con el cuerpo en la dirección contraria, sobrepasando el extremo de su rabo el candil que aparece en el centro de la composición.

Con estas dos figuras han surgido muchos problemas interpretativos. Algunos autores, consideran al toro la alegoría 

de  la muerte, que vuelve la cabeza sin importarle el dolor. Por el contrario, otros textos lo consideran el tótem peninsular, una imagen heroica del pueblo español. En correlación, también se interpreta el caballo como alegoría del bien o del mal, así algunos lo consideran la imagen de la España fascista, que 

pisotea al guerrero, mientras otros ven en esta figura animal la imagen del dolor y la agonía del indefenso pueblo español. Picasso ha dado la razón a todos, permitió a Jerome Seckler que en su nombre dijera que el caballo representaba al pueblo español y el toro la brutalidad, pero en otra ocasión, sin embargo, ante la pregunta de si el caballo representaba al franquismo, respondió que había que ser ciego, tonto o crítico para no verlo. Las interpretaciones son todas válidas y ninguna realmente verdadera, cada espectador puede sacar sus propias conclusiones. Para nosotros, el caballo es, visiblemente, un ser que sufre, como las mujeres de esta obra, es una consecuencia de la barbarie, del bombardeo, de una masacre en la que murieron personas y animales, es una víctima. El toro sin embargo, posee una lectura algo más compleja. En la composición primitiva, contrarresta el peso de la casa en llamas, es un elemento dentro de la composición muy importante, ya que la equilibra. Posteriormente pierde parte de esta función, aunque sigue siendo importante estructuralmente. Su lectura, pasa por la más simple y evidente, representa a un toro, un animal típico y emblemático de España, un reclamo que servirá a los espectadores del Pabellón Español para situar rápidamente esa masacre en nuestro país. De todos modos, en un cuadro tan meditada mente propagandístico de la situación de España, y que además había sido encargado a Picasso -el artista español más conocido del momento-, tenía que surgir, inevitablemente, por algún sitio este mito ibérico, que por otra parte, tanto iba con la imagen pública que el pintor daba de sí mismo.

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El guerrero es otro de los elementos que ha sufrido mayor número de  modificaciones, en un principio se encontraba, sin desmembrar, 

con los pies en dirección a la izquierda, y con un puño alzado, puño que recogerá posteriormente un manojo de espigas enmarcadas por ese radiante sol, cuya simbología es fácil de discernir, y cuyo espacio posteriormente, ocuparía la cabeza de 

la  yegua, el hecho que apareciera completo, sin descuartizar, desmonta muchas de las teorías que afirman que se trata de una escultura despedazada. Detenemos aquí este análisis descriptivo, para no hacer tan pesada esta lectura, y remitimos, para quien este interesado en profundizar en el estudio de esta obra, a la bibliografía que aportamos al final del documento.

Siempre se ha dicho que Guernica es como “un grito en la pared”, un enorme cartel que nos pega un fuerte bofetón. No resulta difícil encontrar, entre el gran número de visitantes de la Reina Sofía que se amontonan alrededor de Guernica, a alguno 

un  tanto emocionado mientras contempla esta obra. Gran culpa de este éxito comunicativo se lo debe a que fue creado recurriendo 

al lenguaje cubista, que era el más radical de los varios modos de expresión utilizados por este artista tan versátil, vivificado por las deformaciones de las poéticas surrealistas. De ningún otro modo, habría podido condensar tanto en tan poco, esa es la magia del arte del siglo XX. No representa tan sólo el bombardeo de Guernica, sobrepasa esas circunstancias, presenta la tragedia de la guerra, el desafortunado devenir del ser humano. La información sobre hechos concretos es prácticamente inexistente, pero la intensidad del horror y la violencia se respiran al primer golpe de vista, es un cuadro muy perturbador, donde todos son víctimas, tanto hombres como animales. Picasso denuncia la primera gran masacre de civiles de la época contemporánea, un triste precedente que tendrá sonoros imitadores, pocos años después, en la Segunda Guerra Mundial, y que llega hasta nuestros días en pleno vigor.

Tras la clausura del Pabellón, Guernica se expuso en Noruega e Inglaterra antes de llegar a Nueva York. A fines de 1939, formó parte de la gran exposición Picasso: forty Years of his Art en el MOMA, concretamente desde el 15 de noviembre de 1939 hasta el 7 de enero de 1940. La derrota de la República española, a quien el artista había donado el cuadro, lo mantuvo 

en préstamo hasta que pudo volver a España, en 1981, certificando el final de la época que lo vio nacer.

Descripción:

El Guernica es un óleo sobre lienzo, con unas dimensiones de 3,50 x 7,80 m. A pesar de su título, y de las circunstancias en que fue realizado, no hay en él ninguna referencia concreta al bombardeo de Guernica ni a la Guerra Civil Española. No es, por lo tanto, un cuadro narrativo, sino simbólico. Está pintado utilizando únicamente el blanco y negro, y una variada gama de grises.

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La estructura del cuadro es semejante a la de un tríptico, cuyo panel central está ocupado por el caballo agonizante y la mujer portadora de la lámpara. Los laterales serían, a la derecha, la casa en llamas con la mujer gritando, y, a la izquierda, el toro y la mujer con su hijo muerto. El del tríptico no es, sin embargo, el único principio de ordenación espacial presente en el Guernica. Las figuras están organizadas en triángulos, de los cuales el más importante es el central, que tiene como base el cuerpo del guerrero muerto, y como vértice la lámpara. 

En el cuadro aparecen representados nueve símbolos: seis seres humanos y tres animales (toro, caballo y paloma). De izquierda a derecha, los personajes son los siguientes:

Toro. Aparece en la izquierda del cuadro, con el cuerpo oscuro y la cabeza blanca. Este voltea y parece mostrarse aturdido ante lo que ocurre a su alrededor. Al ser preguntado sobre el simbolismo del toro, Picasso indicó que simbolizaba "brutalidad y oscuridad". Se ha indicado también que la figura del toro, como en otros cuadros anteriores de Picasso (como la Mino tauromaquia de 1935), puede ser, en cierto modo, un autorretrato del propio artista. 

Madre con hijo muerto. Se sitúa bajo el toro, como protegida por él, con la cara vuelta hacia el cielo en un ademán o grito de dolor. Su lengua es afilada como un estilete y sus ojos tienen forma de lágrimas. Sostiene en sus brazos a su hijo ya muerto. Los ojos del niño carecen de pupilas, ya que está muerto. El modelo iconográfico de esta figura es, según los críticos, la "Pietà", esto es, la representación, habitual en el arte cristiano, de la Virgen María sosteniendo en sus brazos a su hijo muerto. Según la muy discutida interpretación de Juan Larrea, el grupo madre-hijo simbolizaría a la ciudad de Madrid, sitiada por las tropas de Franco.

Paloma. Situada entre el toro y el caballo, a la altura de sus cabezas, no resulta visible a simple vista, pues, excepto por una franja de color blanco, es del mismo color que el fondo y únicamente está trazada su silueta. Tiene un ala caída y la cabeza vuelta hacia arriba, con el pico abierto. Generalmente se ha considerado un símbolo de la paz rota.

Guerrero muerto. En realidad, sólo aparecen los restos de la cabeza, brazo completo o antebrazo derecho y antebrazo izquierdo. Un brazo tiene la mano extendida. El otro brazo sostiene una espada rota y una flor, que puede interpretarse como un rayo de esperanza dentro de ese panorama descorazonador.

Bombilla. Es una de las imágenes que más intriga despierta, imagen ubicada en el centro del cuadro. Se puede relacionar el símbolo bombilla con bomba. Se ha dicho que esta simboliza el avance científico y electrónico que se convierte en una forma de avance social pero al mismo tiempo en una forma de destrucción masiva en las guerras modernas.] El bombardeo de Guernica pudo ser una prueba de esta tecnología.

Caballo. Ocupa el centro de la composición. Su cuerpo está hacia la derecha, pero su cabeza, igual que la del toro, se vuelve hacia la izquierda. Adelanta una de las patas delanteras para mantenerse en equilibrio, pues parece a punto de caerse. En su costado se abre una herida vertical y está, además, atravesado por una lanza. Tiene la cabeza levantada y la boca abierta, de donde sobresale la lengua, terminada en punta. Su cabeza y su cuello son grises, el pecho y una de sus patas de color blanco, y el 

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resto de su cuerpo está recubierto por pequeños trazos. Simboliza a las víctimas inocentes de la guerra.

Mujer arrodillada. Otra versión es que la mujer está herida y se acerca a la yegua para descansar de sus heridas. La pierna de la mujer que camina hacia el centro está visiblemente dislocada o cortada, con una hemorragia que trata de frenar inútilmente con su mano derecha, por lo que lleva la pierna arrastrada y ya medio muerta. Tal descripción es reforzada por la coloración blanquecina del pie que arrastra en comparación al otro que conserva un color más fuerte, y también comparándolo con los desmembrados miembros del soldado, que yacen con la misma coloración, significando probablemente la pérdida de sangre. La hemorragia de alguna manera se puede deducir en un sombreado oscuro que parece justo en la articulación dislocada de la pierna de la mujer.

Mujer del quinqué. ilumina la estancia con una vela y avanza con la mirada perdida, como en un estado de shock. Esta mujer se interpreta como una alegoría fantasmagórica de la República. Tiene su otra mano aprisionándose el pecho justo entre sus dos senos, que salen a relucir a través de la ventana.

Casa en llamas. Además, Picasso logra resaltar la expresividad en la configuración de cada uno de los detalles de sus personajes a través de simples líneas.

Hombre implorando. Un hombre mirando al cielo como rogando a los aviones que dejen de bombardear, está inspirado en el cuadro de Goya El tres de mayo de 1808 en Madrid. Es la forma artística de decir «basta de guerras».

Flecha oblicua. Situada bajo las nalgas del caballo. Su figura simboliza la elevación del espíritu del fallecido sobre la opresión de los poderes hegemónicos. El alma del caído sufre y suplica arrepentimiento a la desdichada madre. Él y el niño harán juntos el paso al más allá.

La mujer con los brazos al cielo. Brazos en alto, cayendo vertical, envuelta en su casa que arde y se desploma, clamando al cielo ante ese fuego que cae desde él, desde unos aviones que en el cuadro no figuran, la mujer arriba a la derecha se ha convertido, junto con esa otra a la izquierda que lleva en brazos a su hijo muerto, en símbolo del horror de la guerra moderna.

Historia del cuadro

Picasso y la Segunda República Española

Cuando, el 14 de abril de 1931, se proclamó en España la Segunda República, Picasso llevaba ya varios años residiendo en Francia de forma permanente. Inicialmente, la República no mostró demasiado interés por la obra del pintor, quien, por su parte, no mostró tampoco ningún signo de acercamiento al nuevo régimen. Años atrás, al ser preguntado por sus ideas políticas, había contestado simplemente: «Soy monárquico porque en España hay un rey».

El Director General de Bellas Artes, Ricardo Urueta, tuvo en 1933 la idea de montar una exposición de obras de Picasso en Madrid, pero el escritor y embajador de España en París Salvador de Madariaga le 

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hizo desistir del proyecto al informarle de que la actitud del pintor era «francamente grosera para conmigo personalmente y para el embajador de su país”. Eran pocos en España los que entonces defendían la importancia de la obra de Picasso: entre ellos estaba Manuel Abril, Premio Nacional de Literatura en 1934 con una obra, De la naturaleza al espíritu, en la que hacía un encendido elogio y una ardiente defensa del pintor. Cuando en enero de 1936 se llevó a cabo una exposición retrospectiva de Picasso en la sala Esteva de Barcelona, organizada por la asociación ADLAN (Amigos de las Artes Nuevas), fue recibida con hostilidad por la prensa. La exposición viajaría más tarde a Madrid y a Bilbao. 

Tras el inicio de la Guerra Civil Española en julio de 1936, por iniciativa personal del pintor Josep Renau, por entonces Director General de Bellas Artes, se decidió nombrar a Picasso director honorario del Museo del Prado. El artista aceptó emocionado el nombramiento, que se hizo efectivo en septiembre de 1936, aunque jamás llegaría a tomar posesión de su cargo. Para la República, se trataba sobre todo, en tiempos difíciles para su supervivencia, de jugar la baza del prestigio internacional del autor. 

El encargo :

A principios de enero de 1937, en su domicilio de la parisina rue la Boëtie, Picasso recibió la visita de una delegación española formada por el director general de Bellas Artes Josep Renau, el arquitecto Luis Lacasa, y los escritores Juan Larrea, Max Aub y José Bergamín. El propósito de sus visitantes era solicitar su colaboración para el pabellón español de la proyectada Exposición Internacional de París. En un primer momento, el pintor se mostró un tanto renuente. Sin embargo, el 8 de enero de 1937 completó la primera lámina de su serie de aguafuertes Sueño y mentira de Franco, de la que se hizo una edición limitada de 1.000 ejemplares destinados a ser vendidos en la exposición: los beneficios obtenidos se destinarían íntegros a la causa republicana. La segunda y última plancha fue iniciada al día siguiente, 9 de enero, pero no se concluiría hasta el 7 de junio, después de la creación del Guernica. El principal encargo que le hizo a Picasso el Gobierno español, una pintura mural que cubriera un espacio de 11x4 metros, fue demorado por el pintor varios meses. Por entonces, Picasso tenía una complicada situación personal, dividido entre tres mujeres: su esposa, Olga; su antigua amante, Marie-Thérèse, madre de su hija Maya, y su amante más reciente, Dora Mar.

Para la realización del mural, la fotógrafa Dora Maar, con quien mantenía una relación y que vivía al lado –Rue de Savoie- consiguió a Picasso este estudio en el nº 7 de la Rue des Grandes Augustins, que fue alquilado por Picasso y cuyo amplio ático fue transformado en estudio. El edificio tenía una curiosa historia. Allí había situado Balzac el estudio del pintor protagonista de su novela La obra maestra desconocida, que, por cierto, Picasso había ilustrado en 1927. (Además, había sido el lugar escogido para celebrar sus reuniones por el grupo izquierdista «Contraataque», liderado por Georges Bataille, de quien Dora Maar había sido antes amante).

Según señaló Josep Lluís Sert, el arquitecto que diseñó el pabellón español de la Exposición Internacional: 

A Picasso se le pagaron, como a todos, sólo los colores, las telas, los bastidores, los marcos, el transporte, cantidades mínimas. El trabajo en sí fue un regalo, se hizo como un donativo del artista, porque todos se habían ofrecido a colaborar con la República.

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Se sabe, sin embargo, que tras un primer pago de 50.000 francos, Picasso recibió de la República española un segundo pago de 150.000 francos en concepto de gastos. Una nota firmada por Max Aub, fechada el 28 de mayo de 1937 y dirigida al embajador Luis Araquistaín, acredita este pago. Según dicha nota, el pintor se negaba a aceptar cifra alguna, y el pago que finalmente se le dio tiene un carácter exclusivamente simbólico, destinado a cubrir los gastos de Picasso. Se ha cuestionado, sin embargo, el carácter simbólico de la suma indicada, que, según De la Puente, asciende a «el 15 por 100 del costo total del pabellón español, unas nueve veces más que el precio máximo que hasta entonces había logrado Picasso por lo mejor pagado de su arte”. En todo caso, sería el recibo de dicho pago el que décadas más tarde permitiría al Gobierno español reclamar la propiedad del cuadro.

Ejecución

Los bocetos que se conservan, con fecha de 18 y 19 de abril, revelan que Picasso no había encontrado todavía la inspiración para su obra, a pesar de la inminente inauguración de la Exposición Internacional. Dichos bocetos, que tienen como tema El taller: el pintor y su modelo, prefiguran el Guernica únicamente en cuanto a la forma rectangular de la composición, aunque se ha señalado también que la figura del pintor con el brazo extendido guarda cierta semejanza con la de la mujer que alarga el brazo con el quinqué en el Guernica. No obstante, no aparece en este esbozo ninguno de los elementos iconográficos del futuro cuadro. En uno de los bocetos hay incluso alguna clara alusión política (la hoz y el martillo), que no estará presente en el Guernica. 

El 26 de abril se produjo el bombardeo de la histórica villa vasca de Guernica por las aviaciones alemana e italiana, lo que suponía el primer bombardeo indiscriminado de civiles en suelo europeo. La noticia apareció el 28 de abril en L'Humanité, el periódico que Picasso solía leer; posiblemente Picasso la conociera incluso con anterioridad gracias a sus amigos españoles.  

El 1 de mayo realizó Picasso los primeros esbozos de su cuadro. El proceso de creación de la obra está documentado, además de por los esbozos, por las fotografías que tomó Dora Mar; según Van Hensbergen, todo este material puede constituir «el ejemplo mejor documentado del progreso de una obra en toda la historia del arte”. En el primer boceto del cuadro aparecen ya los personajes principales del Guernica: el toro, la mujer con la luz, el guerrero derribado en el suelo y el caballo. En el segundo esbozo, también del 1 de mayo, encima del toro aparece un caballito alado que no estará presente finalmente en el cuadro. La figura de la madre con el niño muerto en brazos aparece por primera vez en un dibujo fechado el día 8 de mayo. 

El artista comenzó a trabajar directamente sobre el lienzo el día 11 de mayo. La tela era tan grande que apenas cabía en el estudio. Por este motivo, y dado que su destino era ir pegada a un muro, Picasso utilizó pintura vinílica Ripolín mate, de uso industrial. A instancias del propio Picasso, Dora Mar realizó un total de siete fotografías, cada una de las cuales muestra el lienzo en un estadio diferente de su ejecución. Gracias a las fotografías, los críticos han considerado que la obra se elaboró en seis fases. Valeriano Bozal ha observado que durante las tres primeras fases predomina un sentido narrativo de la composición, «reforzado por la forma rectangular de la obra, por su horizontalidad» Apenas hay elementos que destaquen verticalmente, y nada obstruye por lo tanto el sentido horizontal de la «lectura». La figura del toro se extendía de derecha a izquierda.

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En la cuarta fase, según Bozal, se introdujeron dos elementos novedosos: por una parte, el cuerpo del toro, que antes estaba a la derecha de su cabeza, se situó a su izquierda, con lo cual quedaba violentamente torcido; por otra, se destacó en el centro la figura del caballo. 

En las siguientes fases, el trabajo de Picasso se centró en las figuras del guerrero caído y de la mujer de la derecha. En ciertos momentos de la elaboración de la obra, el artista intentó introducir elementos de collage, en concreto en la mujer de la derecha, pero finalmente desechó la idea. En la última fase, Picasso rellenó el caballo con pequeños trazos y la falda de la madre con rayas verticales, dibujó una cuadrícula en el suelo y terminó de pintar la zona de la lámpara. 

El pintor dio por concluido su cuadro el 4 de junio de 1937.

CONNOTATIVO:

La connotación del cuadro de Picasso se encuentra en la protesta contra la agresión fascista en España y contra la Guerra Civil Española en un sentido más amplio. El bombardeo de Guernica por la aviación alemana que produjo cuantiosas víctimas, protagonizan la obra de Picasso. El dramatismo es el tema por excelencia del cuadro. Lo consigue a partir de los colores oscuros, escasez de relieves y una carga expresiva muy fuerte. Hay diferentes elementos connotativos que forman el cuadro: el toro símbolo de fuerza, brutalidad y oscuridad, el caballo de la inocencia y la víctima indirecta de todas las tragedias. Los símbolos taurinos muestran aquí la esencia de España y su sufrimiento.

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