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Elaine de Kooning: Retratos

Elaine de Kooning (1918–1989) comenzó su carrera en la ciudad de Nueva York, en el centro del

movimiento del expresionismo abstracto, durante las décadas de 1940 y 1950. Hizo pinturas

abstractas al igual que su marido, Willem de Kooning, y otros artistas de esa generación. Sin

embargo, es más conocida por sus retratos de gran expresividad gestual, donde a menudo

plasmó a amigos (sobre todo hombres) que integraban la cultura vanguardista de la ciudad. Su

enfoque de cada personaje era tan intenso que sus pinturas y dibujos resultan ser, como dijo un

crítico, “una especie de síntesis instantánea, ese compendio inconsciente que un amigo hace

del otro”. Buscaba siempre lo que podía captar “en un atisbo”, una pose especial, un gesto, la

luz que veía en cada modelo. Comprendía el carácter fluido y contingente de la identidad

moderna; consciente de que es imposible captar a alguien en una única imagen esencial, a

menudo trabajaba paralelamente varios retratos de la misma persona. Ya en sus años maduros

comentó: “Quiero que la imagen esté quieta y a la vez se mueva, como una bandera al viento.

Que no se sienta cómoda ni se instale tranquila y gentilmente en la pared; quiero que sea

incómoda, y también exuberante”.

Después de casarse con el artista Willem de Kooning en diciembre de 1943, Elaine Fried de

Kooning empezó a firmar sus retratos como “E de K” para evitar confusiones. Aunque en un

principio estuvimos reacios a llamarla “Elaine” a secas (los estudiosos se han referido a ella de

muy diversas maneras), decidimos hacerlo sobre todo porque sus amigos y colegas piensan que

ella preferiría que se dirigieran a ella igual que en vida.

A menos que se indique lo contrario, todas las obras son de Elaine de Kooning.

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Esta exposición ha sido posible gracias al generoso apoyo de la Lista de Elaine:

Presidentes conjuntos Joseph Ujobai y Eduardo Ardiles Amy y Marc Meadows Sakurako y William Fisher Lillian Lovelace Honorable Bonnie McElveen-Hunter Patricia y Walter Moore Karla Scherer y Harve A. Ferrill Miembros The Abraham and Virginia Weiss Charitable Trust Sakana Foundation Ella M. Foshay Wendy Wick Reaves y John Daniel Reaves Sr. Albert H. Barclay Jr. y Sra. Elizabeth y Richard Dubin Honorable Joseph Gildenhorn y su esposa Alma George y Kristen Lund Toni Ross Paige West y Christopher Cooper Grace y Morton Bender Vin y Erica Di Bona The Forman Family Foundation Cara y John Fry Helyn D. Goldenberg y Michael N. Alper Ronnyjane Goldsmith The Kabouter Foundation Kim Sajet y Anthony Meadows Alyssa Taubman y Robert Roth Al West y Sarah Walter

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Elaine de Kooning, Frank O’Hara y Franz Kline

En 1984 Elaine de Kooning comentó lo siguiente acerca de sus primeros años en Nueva York y el

grupo de gente talentosa que ella y Willem de Kooning conocieron: “En ese momento no sabía

que había logrado llegar al centro candente del momento”. Le encantaba socializar, a menudo

con otros artistas, y pasó muchas noches en el Cedar Bar del Bajo Manhattan. En esta fotografía

aparece conversando con dos buenos amigos, el poeta Frank O’Hara (1926–1966) y el pintor

Franz Kline (1910–1962).

Arthur Swoger (1912–2000)

Impresión en gelatina de plata, 1957

Galería Nacional de Retratos, Instituto Smithsonian

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Joop Sanders nacido en 1921

Elaine Fried conoció al artista holandés Joop Sanders en 1939 en un concierto al que asistió con

su novio, Willem de Kooning. Se hicieron amigos, y después de la boda de Elaine y Willem en

1943, ella y Joop se dibujaron y pintaron mutuamente por bastante tiempo. Elaine había

estudiado pintura y dibujo con Willem, además de su formación en la Escuela de Arte Leonardo

de Vinci y la Escuela de Artistas Americanos, ambas en Manhattan. Pero este período de

práctica intensa con Joop Sanders le permitió experimentar con audacia en el campo del

retrato. Este dibujo capta la cara alargada del modelo, sus rasgos perfilados y sus elegantes

dedos entrelazados. Ella declararía luego que era su retrato favorito de Sanders.

Grafito sobre papel, c. 1946

Colección de Clay Fried

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Joop Sanders nacido en 1921

Entre 1944 y 1946, Elaine realizó por lo menos doce retratos pintados de Joop Sanders,

mientras él hizo retratos de ella en los estudios de ambos en Nueva York. Elaine cuenta que

hacía un dibujo del vivo y a partir de él trabajaba la pintura para la semana siguiente. En este

cuadro dramático y oscuro, ha delineado con esmero las facciones del modelo. Otros retratos

de la serie están ejecutados con pinceladas más sueltas, revelando el desarrollo de su estilo

gestual. A fines de los años cuarenta, Sanders estudiaría con Willem de Kooning, quien ejerció

gran influencia en sus pinturas, para entonces sobre todo abstractas. Sanders estuvo incluido

en la seminal exposición Ninth Street Show en la primavera de 1951, junto con Willem y Elaine

de Kooning, así como Jackson Pollock y otros expresionistas abstractos.

Óleo sobre cartón, c. 1946

Michael y Susan Luyckx

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Charles Egan 1911–1993

Este dibujo intimista nos muestra a Charles Egan, quien organizó la primera exposición de

Willem de Kooning en su galería homónima, ubicada en la calle 57, en abril de 1948. Esto fue

pocos meses antes de que los De Kooning se trasladaran al Black Mountain College en Carolina

del Norte, donde Willem dio clases ese verano. Elaine delinea aquí la expresión un tanto

melancólica del galerista y la suavidad de sus facciones. Para esa misma época le hizo una

pintura. Egan también representaba al fotógrafo Aaron Siskind, el pintor Robert De Niro y los

escultores Isamu Noguchi y Reuben Nakian. Conservó su galería en Nueva York hasta principios

de la década de 1970.

Lápiz sobre papel, c. 1948

Dr. Guy Fried y Sra.

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Peter Fried 1922–1995

Elaine Fried de Kooning creció en Brooklyn y tuvo tres hermanos: Peter, Conrad y Marjorie. Ella

era la mayor y estaba muy apegada a ellos, sobre todo a Marjorie. Entre finales de los años

cuarenta y principios de los cincuenta hizo muchos dibujos y pinturas de sus hermanos varones,

modelos convenientes y siempre dispuestos. En 1977 recordó: “Me fascinaba el hecho de que

la ropa de los hombres los divide a la mitad: la camisa, la chaqueta, la corbata, los pantalones”.

Este dibujo a tinta de Peter revela la solidez de Elaine en este medio y capta su proceso

orgánico de retratar a sus modelos en un “devenir”, aplicando la tinta en trazos libres que

denotan movimiento y vida.

Tinta sobre papel, 1952


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Autorretrato

Antes de casarse, a principios de la década de 1940, Willem de Kooning hizo dibujos detallados

de Elaine con un aire romántico, como el que aparece abajo. Sin embargo, este autorretrato

fantasmal, cuya delicadeza lo asemeja al dibujo con punta de plata, nos acerca más a la imagen

que tenía Elaine de sí misma en aquella época. Aquí se observa una personalidad más fuerte y

rasgos más asertivos que en la frágil belleza que dibujó su novio. Este aspecto de firmeza podría

reflejar el hecho de que en 1942 Elaine decidió irse a trabajar a la fábrica Liquidometer, en Long

Island City, pintando las esferas de lectura para los paneles de control de los aviones. En una

entrevista de 1987 recordó que la experiencia de trabajar en una fábrica, común a muchas

mujeres durante la Segunda Guerra Mundial, fue positiva.

Lápiz sobre cartón, c. 1942

Colección privada

Imagen adicional:

Elaine de Kooning

Por Willem de Kooning (1904–1997)

Lápiz sobre papel, 1940–41

Imagen cortesía de la Colección Allan Stone, Nueva York

© 2015 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

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Autorretrato #1

Los autorretratos de Elaine pertenecientes a los años cuarenta no tienen fecha exacta, pero su

familia piensa que este es de alrededor de 1942. La artista había estado estudiando dibujo y

pintura de bodegones bajo la guía de Willem, mientras afinaba sus destrezas en el retrato

pintando y dibujando amigos, familiares y su propia semblanza. En esta pequeña imagen de

cabeza y hombros se presenta en actitud seria, concentrada, sobre un sencillísimo fondo. La

severidad de la imagen contrasta con la personalidad carismática y cálida que describen sus

amistades y nos transmite la fuerza y determinación de la joven artista.

Óleo sobre Masonite, c. 1942


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Autorretrato #3

Esta pintura y otra parecida que se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva

York son los autorretratos más logrados de Elaine en la década de 1940. Su colorido se asemeja

al de las obras de Willem en esa época, pero deja bien establecida la personalidad propia de

Elaine como artista y retratista. Aquí la vemos en lo que podría ser su taller, pero en vez de sus

instrumentos de pintura tiene en las manos un cuaderno de bocetos. Vestida con pantalones,

suéter de cuello alto y blusón, mira directamente al observador, un detalle distintivo de los

autorretratos. Se observan varios objetos típicos de los bodegones; esto refleja sus años de

intensa práctica con Willem, quien insistía en que analizara los objetos y los espacios entre ellos

para desarrollar un sentido de organización pictórica. Recordaba que: “Todo era cuestión de la

tensión entre los objetos o bordes y el espacio”.

Óleo sobre Masonite, 1946


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Peter Fried 1922–1995

En abril de 1956 Elaine inauguró su segunda exposición individual en la Galería Stable de Nueva

York. Aunque no lo mostró allí, este retrato de cuerpo entero de su hermano Peter Fried

representa el tipo de trabajo que hacía para esa época: desenvuelto y seguro, de estilo único,

pero sensible a la pintura de contemporáneos como Grace Hartigan, Larry Rivers y Willem de

Kooning.

Sentada en pose compacta y cautelosa, la impactante figura está rodeada de áreas rojas

y verdes, unas fuertes y otras más sutiles. Su traje y corbata están delineados con pinceladas

firmes y parece como si se dispusiera a girar la cabeza. Los retratos de la exposición seguían

esta misma vertiente, y de ellos dijo un crítico que Elaine primero los dibujaba con pintura

diluida para luego “atacarlos con audaces brochazos de colores mixtos, dejando la imagen unas

veces más acabada y otras en su estado esquemático inicial”.

Óleo sobre lienzo, 1956


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Conrad Fried 1920–2009

Elaine escribe lo siguiente acerca de sus retratos de hombres sentados: “A menudo he pensado

que mis pinturas tienen un eje en torno al cual gira todo lo demás. [...] Cuando pintaba mis

hombres sentados los veía como giroscopios”. Este retrato de su hermano Conrad, un estudio

de colores cálidos contrastados con toques de luz azules y verdes, ofrece al observador

información específica sobre su apariencia, aunque sin mucho detalle. El modelo posa

calmadamente, con las manos entrelazadas y la mirada baja, rodeado por un torbellino de

dinámicas pinceladas. Como muchas obras de Elaine en ese período, esta demuestra lo que un

crítico llamó su “talento para encontrar el punto de unión entre la dinámica pura y el control

experto [...,] de modo que las pinturas se ven terminadas y a la vez vibrantes de inmediatez”.


Colección privada

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Conrad Fried 1920–2009

A principios de la década de 1950, Elaine estaba logrando igual facilidad en el dibujo preciso y

en la pintura gestual, de aire más audaz. Según recuerda en una entrevista de 1977: “Empecé a

dibujar a mi hermano Conrad y las pinturas que salían de los dibujos eran cada vez más

grandes, hasta llegar a escala natural. Trabajé en ellas durante meses. [...] Me interesaba el

gesto del cuerpo, la expresión del carácter a través de la estructura de la ropa”. Este dibujo

evoca los rasgos de Conrad con especial atención a sus manos y su mirada contemplativa. Su

figura delgada y el traje un tanto arrugado están tratados con sensibilidad, alternando líneas

nítidas con manchas oscuras para delinear su postura discreta y vacilante en la silla.

Lápiz sobre papel, 1951

Colección privada

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Willem de Kooning 1904–1997

En los años cincuenta, Elaine de Kooning solía hacer dibujos detallados a lápiz como punto de

partida para una o más pinturas del mismo sujeto. Esta imagen fiel de Willem de Kooning se ha

relacionado con por lo menos una pintura (sin localizar hasta la fecha). La pose relajada de

Willem, con un vaso o lata en la mano y otro en el suelo, es típica del tono cándido e informal

con que Elaine aborda el retratismo. La artista usó el dibujo para definir una composición y

delinear con trazos fluidos los rasgos característicos de Willem.


Galería Nacional de Retratos, Instituto Smithsonian; donación de Frank Stanton

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Willem de Kooning 1904–1997

Este retrato sentado de Willem de Kooning es de principios de los años cincuenta, cuando su

carrera como pintor expresionista abstracto apenas estaba despegando. La pose es franca e

informal, y las facciones son básicamente inexistentes. No obstante, la individualidad del sujeto

queda definida en el trazado de la cabeza y el cuerpo con pinceladas firmes, de bordes

accidentados, y contrastes de luz y sombra en un campo de colores cálidos.

Elaine dibujó y pintó a su esposo con frecuencia durante 1950–55. Esta pintura

evidencia su interés en individualizar los cuerpos y hacerlos reconocibles. Tal como escribe en

1959, “Me gusta el gesto particular de una expresión o una postura. Me fascina el gesto de la

silueta (en retratos o cualquier otra cosa), ese esclarecimiento instantáneo que te permite

reconocer a tu padre o a un amigo a tres cuadras de distancia”.

Óleo sobre panel, c. 1952


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Hombre sentado (Conrad)

En 1950 Elaine se encontraba trabajando en una serie de pinturas que llamó “hombres sin

rostro”. Este retrato, un estudio en verdes, está construido con pinceladas anchas y cortantes.

Lleva el nombre de su hermano Conrad (1920–2009), pero le faltan las facciones. Estuvo

incluido en la primera exposición individual de Elaine, realizada en la Galería Stable en abril de

1954. Su amigo y colega, el pintor Fairfield Porter, reseñó el evento para ARTnews y se

seleccionó esta pintura para acompañar el texto, lo cual destaca su importancia. Porter elogió a

Elaine por su “ingenio incisivo en el dibujo y en la selección de los detalles que desea mostrar

de manera realista o bien de manera abstracta”. Comentó que los retratos, “casi todos de

hombres, [...] son a la vez empáticos y de una perspicacia que asusta. [...] Su construcción es

rápida y flameante”.


Charles y Mary Anne Fried

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Leo Castelli 1907–1999

Elaine y Willem eran buenos amigos de los influyentes marchantes de arte Leo Castelli y su

entonces esposa, Ileana Sonnabend. Los Castelli invitaron a los De Kooning a visitarlos en East

Hampton, Nueva York, durante varios veranos a principios de los años cincuenta. Una vez Elaine

escribió lo siguiente a su amiga Ernestine Lassaw: “Regreso a East Hampton con Leo en media

hora para tomar un poco más de sol. Mi pelo no se ha visto tan claro ni mi piel tan bronceada

desde hace años”. Ambos artistas tenían allí espacio para pintar y un refugio para escapar al

calor de la ciudad. En 1953 Elaine hizo este retrato de Castelli que insinúa el juego de sombras y

luces veraniegas con pinceladas rápidas de grises, verdes, rojos oscuros y amarillos en torno al

rostro contemplativo. Con su infalible sentido del gesto y la pose, la artista capta también la

elegancia sofisticada de su modelo.

Óleo sobre lino, 1953

Sucesión de Nina Sundell

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Fairfield Porter 1907–1975

Esta pintura esquemática, de pinceladas sueltas, nos presenta al artista Fairfield Porter, colega

de Elaine, y revela mucha información sobre el proceso creador de esta. Guarda relación con un

minucioso dibujo a lápiz, al igual que la pintura más pequeña y más acabada que se exhibe aquí

cerca. Sin embargo, las facciones del modelo, tan claras en el dibujo, no se enfatizan en ninguna

de las pinturas. Marjorie Luyckx, la hermana Elaine, escribe lo siguiente sobre su método de

trabajo: “Parecía que aplicaba las pinceladas totalmente al azar, y sin embargo, a veces de

repente, surgía un parecido asombroso con el modelo. Si esto no sucedía, apartaba el lienzo y

empezaba otro [...] y a menudo un tercero o un cuarto. En la próxima sesión regresaba a los

primeros lienzos y los trabajaba hasta que se hiciera patente el parecido que deseaba”.



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Fairfield Porter 1907–1975

Fairfield Porter fue amigo de Elaine y Willem de Kooning desde los inicios de su carrera hasta su

muerte. Pintaba paisajes y figuras inquietantes (a menudo retratos de familiares y amigos) con

disciplina y claridad casi poéticas. También estimulaba a Elaine para que hiciera retratos y el 20

de febrero de 1954 posó para este cuidado dibujo a lápiz. Ella lo situó al centro de la página,

mirándola directamente a ella, y por tanto a nosotros. Lleva traje y corbata a rayas un poco

torcida, y está sentado con las piernas separadas. El dibujo sirvió de base para por lo menos dos

pinturas, una de pincelada suelta y esquemática, la otra más acabada.

Como se ha dicho, Elaine solía pintar más de un cuadro de sus modelos. Ver este dibujo

y sus dos pinturas correspondientes en esta exposición nos permite comprender mejor su

proceso creativo, incluso cómo eliminaba partes del dibujo para crear una composición más

desafiante en cada pintura.

Grafito sobre papel, 1954

The Detroit Institute of Arts, Michigan; Founders Society Purchase, Elizabeth P. Kirby Fund, John

S. Newberry Fund, Lee and Tina Hills Graphic Arts Fund, Josephine and Ernest Kanzler Fund

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Fairfield Porter #1

El artista Fairfield Porter (1907–1975) estimuló a Elaine durante décadas en su trabajo como

retratista, la pintó en 1957 y reseñó sus exposiciones, señalando sus destrezas dentro del

género. Ella también pintó varios retratos de él, entre ellos dos que se basan en un dibujo

fechado el 20 de febrero de 1954. En la pintura que vemos, aunque toma los detalles del dibujo

como punto de partida, Elaine minimiza las facciones. También ha empujado la figura hacia el

frente de la composición, haciendo la pose mucho más confrontativa. Porter aparece sentado

con las piernas separadas, una pose informal poco vista en el retratismo tradicional. A

diferencia de otras pinturas de la década de 1950, en las que Elaine usa tonos cálidos y matices

de verde, esta es un estudio en azules, grises y dorados, con una corbata roja que sirve de foco

a la composición.


Kemper Museum of Contemporary Art, Kansas City, Missouri; Colección Bebe y Crosby Kemper,

donación de Enid and Crosby Kemper Foundation, 1995.22

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Harold Rosenberg #3

Harold Rosenberg (1906–1978) fue un poeta y crítico de arte. Su ensayo más famoso, “Los

pintores de acción norteamericanos” (1952), es una defensa de la pintura abstracta, incluida la

de Willem de Kooning. Afirmaba que el lienzo de un pintor era un “lugar donde se actúa, no un

espacio para reproducir, rediseñar, analizar o ‘expresar’ un objeto, sea real o imaginario. Lo que

debe ir en el lienzo no es una imagen, sino un suceso”.

Los De Kooning conocían a Rosenberg y su esposa, May Tabak, desde los años cuarenta;

de hecho, Elaine lo pintó y dibujó en numerosas ocasiones. Esta pintura es la más compleja y de

mayor formato. El crítico aparece recostado en el estudio de ella, llenando el espacio del lienzo,

con una lata de alguna bebida en una mano y un cigarrillo en la otra. Elaine combina áreas

oscuras de dibujo fluido con áreas de pinceladas amplias en pigmentos coloridos para crear

equilibrio entre el parecido físico y la abstracción pura.



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Harold Rosenberg y Willem de Kooning

Este pequeño dibujo nos ofrece indicios sobre la manera en que Elaine razonaba sus retratos. A

la izquierda aparece Willem de Kooning (1904–1997) con el cuerpo ligeramente girado hacia un

lado. Ella usó luego esta página para crear un estudio compositivo y un dibujo más preciso que

sirvieron de base a su pintura en gran formato del escritor y crítico Harold Rosenberg (1906–

1978), incluida también en esta exposición. Este dibujo delinea con claridad la ventana del

estudio detrás de la figura recostada de Rosenberg, así como la puerta del fondo a la derecha;

también capta la manera específica en que Rosenberg sostiene su cigarrillo en la mano

izquierda y una lata en la derecha. Estos detalles se conservan en la pintura, pero rodeados de

pinceladas gestuales y áreas de salpicaduras de color puro.



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Tom Hess #1

Al igual que el retrato de Fairfield Porter, esta pintura del crítico de arte y editor Thomas B.

Hess (1920–1978) se basa en un dibujo fechado que sirvió de base para esta obra gestual de

trazos libres. Elaine escribe que “algunos hombres se sientan de manera muy reservada, con las

piernas cruzadas y los brazos sobre el pecho. Otros son más extrovertidos”. Esta imagen de

Hess, con su mezcla de fuertes amarillos, verdes, grises y líneas rojo oscuro, es un raro ejemplo

del trabajo de la artista en esta época, tanto por la pose reservada como por el colorido. Hess

decía que los retratos de Elaine tenían “rostros observados y representados minuciosamente,

[adheridos a] cuerpos tejidos con bravura en cintas de pintura”. Hess, buen amigo y colega de

Elaine, la contrató en 1948 para escribir reseñas y luego artículos en ARTnews. Ya para 1956,

año de esta pintura, él estaba promoviendo su obra artística, como lo había hecho con la de

Willem desde principios de la década.



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Tom Hess 1920–1978

En su discurso durante la ceremonia de develación del retrato de John F. Kennedy, Elaine

mencionó que al regresar de Palm Beach, Florida, a su estudio de Nueva York en el invierno de

1963, se dio cuenta de que no tenía bocetos del presidente con chaqueta. “Para encontrar la

postura con chaqueta, llamé a varios amigos que tenían un físico similar y les pedí que posaran

como yo deseaba”. Esta pintura de Tom Hess surgió de esos intentos de captar la pose típica del

presidente, “apoyado en su mano izquierda con el hombro inclinado hacia adelante”. No

obstante, el expresivo retrato capta a Hess como si fuera un actor que ha asumido un papel, sin

privarlo de sus facciones ni su típico porte tranquilo y relajado.


Colección privada

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Los habitantes del loft

Eddie Johnson (1938–2012) y Robert Corless (1939–1979) ayudaban a Elaine en su estudio de

Nueva York hacia principios de los años sesenta. Ellos son los modelos del importante retrato

doble que ella tituló The Loft Dwellers, quizás para recalcar la juventud y la vida bohemia de

ambos. Corless (derecha), en gran medida autodidacto, apenas comenzaba a exponer sus obras

de carácter meditativo, inspiradas en el surrealismo. Johnson también estaba abriéndose paso

como artista en Nueva York. Fairfield Porter reseñó la pintura cuando se expuso en la Galería

Roland de Aenlle en 1961 junto con numerosos dibujos de Elaine: “Es la primera vez que la veo

manejar, en un retrato, el colorido abstracto de manera que se integre al dibujo y a la imagen.

[...] Las facciones están apenas insinuadas, excepto dos pares de ojos intensos y brillantes, en

un caso grises, bajo una cabellera oscura y suave, en el otro marrones, bajo un cabello rubio

riso, mirándonos enmarcados por las cejas”.


Colección de la familia Shatan

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Eddie Johnson 1938–2012

Elaine conoció a Eddie Johnson en Albuquerque, Nuevo México, cuando dio clases allí en 1957 y

1958. Después de tantos años en Nueva York, quedó cautivada por los colores y la

horizontalidad del paisaje del oeste americano: “era abrumador, y mi pintura reaccionó a ello”.

También le agradó enseñar, y siguió aceptando puestos de enseñanza durante los veinte años

siguientes. Johnson fue uno de los muchos jóvenes que respondieron a la tutela y la

generosidad de Elaine. A sugerencia de ella, se fue a Nueva York y estudió una maestría en

bellas artes en el Instituto Pratt, donde se interesó en el incipiente arte digital. En 1962

ayudaba a Elaine en su estudio; este pequeño retrato en colores diluidos es uno de por lo

menos dos que ella le hizo en esa época.

Óleo sobre Masonite, c. 1962

Colección privada

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Eddie Johnson 1938–2012

Elaine empleó a Eddie Johnson en 1962 para que la ayudara con la carpintería y otras labores

en su estudio. Cuando le encargaron pintar a John F. Kennedy, Eddie viajó con ella a Palm Beach

para asistirla y fotografiar las sesiones con el presidente. Este impactante retrato a carboncillo

del esbelto joven data del 26 de diciembre de 1962, dos días antes de la primera sesión de

Kennedy con Elaine. Los ojos oscuros y profundos de Johnson dominan el rostro, por lo demás

casi inexpresivo, todo ello definido con trazos seguros.

Carboncillo sobre papel, 1962


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George “Baby Dutch” Culbertson 1925–2002

Elaine conocía a muchas personas talentosas e importantes que a menudo eran sujetos de sus

dibujos y pinturas. Pero también retrataba a la gente común y corriente, gente que encontraba

en las calles de Manhattan, en el bar cercano, en los conciertos, en cualquier lado. Este es uno

de varios dibujos que hizo de “Dutch Culbertson” en 1962. En algunos escribió el nombre, pero

no existe otra documentación. Lo más probable es que son de George “Baby Dutch” Culbertson,

un boxeador que estuvo activo sobre todo en California hasta mediados de los años cincuenta.

Luego regresó a su hogar en Nueva York, donde trabajó como policía y vigilante en hospitales.

Parece llevar un uniforme de policía en este dibujo de gran fuerza y dramatismo, así como en

una pintura acompañante de cuerpo entero (hasta la fecha sin localizar).



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Retratos del presidente John F. Kennedy

El proyecto más absorbente de la carrera de Elaine como retratista fue un encargo que recibió

en 1962 para un retrato de John F. Kennedy (1917–1963) que se instalaría en la Biblioteca Harry

S. Truman en Independence, Missouri. Robert Graham, cuya galería neoyorquina representaba

a Elaine, coordinó que la artista pudiera ver al presidente durante la estadía de este en Palm

Beach, Florida. Elaine lo conoció el 28 de diciembre de 1962. Las sesiones continuaron

intermitentemente hasta entrado enero y ella permaneció en Florida unas tres semanas antes

de regresar a su estudio de Manhattan. Hizo algunos dibujos teniendo frente a sí al presidente.

Otros, de varios tamaños, los hizo luego, cuando trabajó la pose sentada, no con la vestimenta

informal en que Kennedy posó para ella, sino con traje y corbata. Elaine recordaba que “en el

patio de Palm Beach (donde a menudo teníamos las sesiones), él quedaba enmarcado por el

verdor del follaje y la luz dorada del sol. Esto era parte de su carácter [...] incluso parte de su

imagen”. Elaine hizo docenas de pinturas y dibujos de Kennedy hasta el 22 de noviembre de

1963, día en que fue asesinado.

Después de la muerte de Kennedy, Elaine pasó casi un año sin pintar, con raras

excepciones, por la pena que la embargaba. En el otoño de 1964 se expuso una selección de sus

bocetos y pinturas en Washington, D.C., Filadelfia y Manhattan. La pintura escogida para la

Biblioteca Truman se presentó formalmente el 12 de febrero de 1965 y al mismo tiempo se hizo

una muestra de sus bocetos y pinturas en el vecino Instituto de Arte y Escuela de Diseño de

Kansas City.

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John F. Kennedy

Este boceto tiene algo de la expresión que encontramos en la enorme pintura de cuerpo entero

expuesta en el espacio adyacente, en la cual aparece John F. Kennedy tal cual lo vio Elaine en su

primer encuentro. Ella le hizo docenas de bocetos en carboncillo y en 1964 comentó lo

siguiente sobre los gestos del presidente: “Tenía una gama extraordinaria de expresiones, y no

me refiero a sonreír o fruncir el ceño. [...] Un día su cara era delgada, casi aniñada, y al siguiente

parecía mucho más llena y madura”.

Carboncillo en papel sepia, 1963

Colección privada

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John F. Kennedy

Elaine de Kooning solía comenzar sus charlas sobre los retratos de Kennedy diciendo que

cuando llegó a Florida tenía “la imagen que el mundo tenía” de él, una imagen en blanco y

negro, derivada de las pantallas de televisión y los periódicos. A lo largo de 1963, ella refinó sus

pinturas e hizo numerosos bocetos mientras trataba de encontrar esa otra imagen, que para

ella siempre fue fluida y cambiante. En 1964 explicó que: “Cada cual tiene su idea particular del

presidente Kennedy. Los hombres que trabajaban con él tenían una impresión, su familia otra,

las multitudes que lo vieron en campaña otra; el resto del mundo [...] lo veía solamente en dos

dimensiones”. Para Elaine, el reto consistió en respetar la imagen pública y combinarla con sus

propias “impresiones, que fueron muchas e intensas”.


Colección privada

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John F. Kennedy

Elaine guardaba este recuerdo de Kennedy: “Cuando comencé los bocetos vi que se movía

constantemente, lo cual me sacaba de mis casillas. Pronto entendí que (aunque trataba) a este

hombre le era físicamente imposible estar quieto. Él sabía que el retrato (en un principio se

planificó solo uno) era un encargo de la Biblioteca Truman y, aunque se supone que reflejara las

libertades que él proclamaba con su idea de la “Nueva Frontera”, también debía tener un tono

‘oficial’”. Elaine capta la claridad de la luz, el follaje y la informalidad de la primera sesión en

esta acuarela, una de varias que realizó en esos tiempos.

Acuarela sobre papel, 1963

Amarillo Museum of Art, Texas; donación de la Sra. de Malcolm Shelton

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John F. Kennedy

El 28 de diciembre de 1962, cuando Elaine comenzó a hacer bocetos del presidente, y según

ella misma recordaba, “él llevaba un pulóver, pantalones marineros blancos y zapatos

deportivos. Trepó un pie en la silla y dijo: ¿Está bien así?”. Ahí se dio cuenta de que “a él no le

interesaba una pintura sentado tras un escritorio con las manos cruzadas, así que tomé su pose

improvisada como punto de partida y empecé a dibujar. Esa fue la única vez que lo vi vestido

informalmente”. En el proceso de trabajo alternaba “lápiz, plumilla y carboncillo. El carboncillo

es fantástico porque te permite dibujar como un relámpago. [...] Cuando él cambiaba de

postura, yo cambiaba de dibujo. [...] Me la pasaba yendo y viniendo de un dibujo al otro”.



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Elaine de Kooning con retratos de John F. Kennedy, 1964

En mayo de 1964, la revista Life publicó una foto de Elaine en su estudio de Manhattan rodeada

de bocetos y pinturas, entre ellas su pintura más grande de Kennedy, en la cual plasmó su

reacción inicial ante el presidente.

Alfred Eisenstaedt (1898–1995)

Reproducida por cortesía de Life

Alfred Eisenstaedt/LIFE ©Time Inc.

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John F. Kennedy

Cuando Elaine vio al presidente Kennedy en Palm Beach por primera vez, él estaba a cierta

distancia, hablando con varios reporteros. Según su recuerdo, “no era la imagen gris y estática

de los periódicos. Su figura era incandescente, dorada... y colosal. No es que fuera más alto que

los hombres que lo rodeaban, pero parecía estar en otra dimensión. Los periódicos tampoco

revelaban sus ojos maravillosos, sus grandes iris color violeta medio velados por el hueso

saliente bajo las cejas”.

En la mayoría de las sesiones, el presidente vestía camisa blanca almidonada,

pantalones de vestir y a menudo corbata. Así lo vemos aquí, sentado con el brazo izquierdo

apoyado en el brazo del asiento, como si fuera a cambiar de posición. Las pinceladas gestuales

captan la esencia de la luz dorada y el verde frescor de la costa floridense, y también la vibrante

energía del personaje. Dejando gran parte del cuadro sin resolver (aunque ella lo consideraba

terminado), Elaine nos permite verlo tal como ella lo veía: “no un retrato, sino un atisbo de

John F. Kennedy”.



36

John F. Kennedy #3

Elaine hizo muchos dibujos pequeños de la facciones del presidente a lo largo de 1963. Algunos

se centran en la cara completa, pero otros, como este, ponen la atención en los ojos. Según

comentó, muchos de sus bocetos combinaban sus observaciones con imágenes que tenía en la

memoria, en parte porque el presidente siempre se estaba moviendo y cambiando de postura.

Le preocupaba especialmente captar sus expresiones y sus ojos. Decía que “nunca se sabe

dónde va a estar el detalle que te dé el ‘parecido’”, y hablaba de cómo luchó en los bocetos con

un aspecto que se le escapaba: “era algo minúsculo, que curiosamente tenía que ver con su

rasgo clave, los ojos. [...] Se podría hacer un retrato de este hombre con solo dibujar o pintar los

ojos, y sería reconocible al instante”.


Maud Fried-Goodnight

37

John F. Kennedy

Elaine trabajó a fondo este dibujo en carboncillo y luego le añadió pedacitos de papel a manera

de collage. La obra parece expresar sus esfuerzos por captar la elusiva imagen de presidente:

“En sucesivas sesiones de dibujo me impactó la curiosa composición de facetas que la luz

creaba sobre su cara y su pelo, un velo de sonrosada transparencia. El juego de luces realzaba

su extraordinaria variedad de expresiones. Lo mismo si sonreía o fruncía el ceño, sus gestos

parecían integrados a su estructura ósea. Todos conocen ese humor ágil que revelan las

comisuras de sus labios y las arrugas alrededor de los ojos cuando sonríe, pero lo que más me

impresionó fue su sentido de la compasión”.

Carboncillo y collage sobre papel, 1963

Sucesión de Ernestine Lassaw, cortesía de Denise Lassaw

38

John F. Kennedy

Después de regresar a Nueva York y haber dilucidado una postura sentada que respondiera en

cierta medida a los requisitos formales de la Biblioteca Truman, Elaine hizo varias pinturas con

dicha pose. A medida que pasaban los meses, “trataba de re-abordar el retrato del presidente

partiendo de mi impresión original, la impresión de aquel tono dorado. Unté pintura

anaranjada y amarilla sobre el lienzo [...] para lograr ese efecto, en sentido abstracto, [...] no

solo en términos del colorido físico (¡aunque no era naranja vivo y amarillo!), sino también para

sugerir de cierto modo una cualidad espiritual. Él irradiaba una especie de resplandor”. Esta

pintura, que tan bien refleja el pensamiento de la artista, fue seleccionada como retrato oficial

para la Biblioteca Truman.


Biblioteca Harry S. Truman, Independence, Missouri

39

John F. Kennedy #21

Este lienzo de proporciones heroicas presenta a Kennedy según lo vio Elaine el 28 de diciembre

de 1962, vestido informalmente con pantalones de algodón blancos, calzado deportivo y

pulóver. Según lo explicó ella en 1964, “así lo vi por primera vez. [...] Su presencia desbordaba

la realidad. [...] El mechón de pelo se convirtió en un brochazo abstracto. Los ojos, que miraban

como si pudieran traspasar un muro de ladrillos, quedaban sombreados por las cejas al punto

que hasta la parte blanca se veía azul”. Años más tarde recordaría que: “Me propuse transmitir

de algún modo un aire presidencial, pero sobre todo la experiencia del contacto personal con

J.F.K., su calidez, su agudeza de ingenio, su mirada apreciativa y algo de la figura que vi al aire

libre aquella primera mañana, bajo el brillante sol de la Florida”. Elaine conservó este retrato a

lo largo de su vida, y aún es propiedad de su familia.



40

Donald Barthelme 1931–1989

Esta pintura comunica, con un mínimo de recursos, el encanto que el escritor Donald Barthelme

tenía a los ojos de Elaine, a la vez que evidencia su seguridad en el formato horizontal que

comenzaba a utilizar para esa época en sus retratos. Barthelme regresó de Dinamarca a Nueva

York con su tercera esposa, Birgit Egelund-Peterson, para el nacimiento de su hija Anne en el

otoño de 1965. El año antes había publicado su primera colección de cuentos, Come Back, Dr.

Caligari, y continuaba publicando cuentos sueltos en la revista New Yorker. Elaine capta aquí

sus grandes lentes con montura de carey en apenas unas pocas pinceladas e incluye una

delicada imagen de su pequeña hija anidada en el hueco de su brazo. Ella y Barthelme siguieron

siendo amigos por muchos años; en 1986 él le dedicó su novela Paradise.


E. Jane Vandecar

41

Donald Barthelme 1931–1989

Elaine pintó y dibujó a Donald Barthelme varias veces durante 1965, cuando él comenzaba su

distinguida carrera literaria. Aunque hizo los retratos en Nueva York, se conocieron en 1962 en

Houston, Texas, donde él vivía. Barthelme había invitado a Elaine a dar clases en el Museo de

Artes Contemporáneas por recomendación de Harold Rosenberg. Ella le escribió a un amigo

que “Barthelme es un joven brillante, agradable y muy espontáneo. Él y su esposa me llevaron a

un coctel anoche [...] y la fiesta terminó cuando Barthelme, para mi deleite, se lanzó a la piscina

con la ropa puesta y arrastró al anfitrión, quien a su vez arrastró a un par de invitados. Todo el

mundo se divirtió menos la anfitriona, que miraba con disgusto a los invitados beber Martinis

chorreando agua sobre su alfombra antigua recién comprada”. El proceso evolutivo de los

retratos de Elaine se hace evidente en este boceto, donde una tercera pierna visible a la

izquierda demuestra cómo la artista iba retrabajando la obra.



42

Los burgueses de Amsterdam Avenue

Con motivo de una exposición de retratos recientes en la Galería Graham en abril de 1963,

Elaine creó este enorme retrato de grupo a base de aguadas y fuertes pinceladas de colores

vivos. En él aparecen nueve jóvenes sentados o de pie, en variedad de poses, cada uno con una

expresión distintiva: desconcertada, contemplativa, resignada... La pintura hace alusión a la

famosa escultura en bronce de Auguste Rodin titulada Los burgueses de Calais (1884–89) y

también a los retratos grupales típicos de la pintura holandesa del siglo XVII. Por cierto, el título

de su obra explota con ingenio la referencia a Holanda en la mención de la neoyorquina

avenida Ámsterdam. Elaine encontró a sus modelos gracias a su amigo Sherman Drexler, que

enseñaba arte en una escuela superior asociada con el Hospital Riverside en North Brother

Island. Los críticos quedaron fascinados con esta representación de la juventud urbana: “Nueve

que miran directo al espectador, miradas como disparos silenciosos. [...] La fila de rostros es

como un número de serie en un gigantesco afidávit plástico”.


Colección privada

43

Patia Rosenberg nacida en 1942

Patia Rosenberg, hija de Harold Rosenberg y May Tabak Rosenberg, tuvo amistad con Elaine por

muchos años. Es muy probable que haya posado para ella en Springs, Nueva York, cerca de East

Hampton, durante el verano de 1967, antes de comenzar sus estudios de posgrado en música

japonesa. El colorido intenso y los abruptos contrastes entre la pincelada suelta del arreglo

floral y el fuerte sombreado de la cara hacen de esta una imagen poderosa. En 1991, a dos años

de la muerte de Elaine, Patia recordaba lo siguiente: “Elaine me pintó un retrato en un

momento de caos y dificultades en mi vida. De alguna forma, ella encontró el orden y la paz

estaban ocultos en lo recóndito de mi alma y los plasmó en el lienzo. Solo ella podía haberlos

sacado a la luz. Así era, podías confiar en ella”.



44

Bernice Sobel 1929–2013

La modelo de esta pintura es probablemente la cantante de ópera Bernice Sobel. Eso explicaría

el voluminoso traje de aspecto teatral y las dramáticas joyas, todo lo cual Elaine recoge con

amplias manchas de diferentes verdes sobre un sofá en tonos azul Francia. Sobel es también

sujeto de la pintura más pequeña que vemos la derecha.

Elaine pasaba bastante tiempo fuera de Nueva York en esta época, pues siguió

aceptando puestos de enseñanza hasta mediados de los años setenta. En 1967 dictó cursos en

la Universidad de Yale, en New Haven, Connecticut. Quizás conoció a Sobel allí o en Nueva York.

Este es uno de sus retratos femeninos mejor logrados.



45

Bernice Sobel 1929–2013

No sabemos con certeza quién es la modelo de esta dramática pintura, pero el lienzo lleva

anotado al dorso “Bernice Sobel, 1967”. Las pinceladas rápidas y destellantes que definen el

fondo y el vestido, así como las cejas arqueadas de la mujer, contrastan con el tratamiento más

suave de la cara y el cuello. Lo más probable es que se trate de una cantante de ópera que

estudió en la Academia de Artes Vocales de Filadelfia y actuó durante los años sesenta en las

principales ciudades de la costa este del país. Esta obra fresca y esquemática puede haber sido

uno de varios ensayos hechos por Elaine antes de completar el retrato más grande que se

expone a la izquierda.



46

Edwin Denby 1903–1983

Al pintar a su amigo y mentor, el poeta y crítico Edwin Denby, Elaine destacó su elegante figura

con una aguada color lavanda que parece crear un resplandor sobrenatural. El crítico Lawrence

Campbell dijo que “brillaba con su propio ‘color de luna’”. En los años cuarenta, Denby había

motivado a Elaine para que escribiera; la llevaba a funciones de ballet que él iba a reseñar y le

pedía que escribiera reseñas de otros espectáculos. Muchos de sus poemas se basan en paseos

nocturnos por la ciudad de Nueva York con los De Kooning. Aquí Elaine capta no solo su buen

vestir y su aire sofisticado, sino también su semblante pensativo. Mucho después comentaría lo

siguiente acerca de la distintiva presencia de Denby: “Era la única persona que conocíamos que

lograba imponer su propia hora por la luz que emanaba, una luz pálida, transparente, azulosa,

pura luz de luna, incluso bajo el sol del mediodía”.



47

Frank O’Hara 1926–1966

Frank O’Hara fue un buen amigo de los De Kooning y posó para Elaine en 1962, cuando su

poesía comenzaba a ser reconocida. El resultado fue una pintura exuberante que destaca el

cuerpo menudo y grácil de O’Hara sobre un fondo saturado de dramáticas aguadas de color,

pero con la cara oscurecida. Los críticos dijeron que Elaine le había borrado las facciones,

dejando, según uno, “solo una nube color morado”. A raíz de la prematura muerte de O’Hara

en julio de 1966, muchos artistas y poetas le escribieron homenajes. Elaine escribió: “Lo que

sucede con la gente que conoces íntimamente es que ni siquiera tienes que mirarlos. Solo te

pones a pintar, digamos a Frank O’Hara, en un azul pálido u otro color, y él ocurre dentro de la

pintura. [...] Cuando [lo] pinté, Frank estaba frente a mí. Primero pinté toda la estructura de su

rostro, luego la borré, y así sin cara la pintura era más Frank que antes”.


Familia O’Hara

48

Merce Cunningham 1919–2009

Elaine conocía al bailarín y coreógrafo Merce Cunningham y su compañero, el compositor John

Cage, desde mediados de los años cuarenta. Todos habían pasado el verano de 1948 en el Black

Mountain College, al oeste de Carolina del Norte, donde ella, que había tomado clases de ballet

cuando niña, ahora estudiaba con Cunningham dos horas al día, seis días a la semana. El retrato

pertenece a la serie de “hombres de pie” que Elaine realizó a principios de los años sesenta;

capta el cuerpo fuerte y esbelto de Cunningham, sus hombros un tanto caídos y su cabeza casi

leonina en una silueta oscura rodeada de finas aguadas de color. Un crítico observó lo siguiente

sobre los retratos de esta época: “Incluso cuando pinta del vivo, pinta lo que recuerda de la

persona, cómo camina, se para, se rasca, bosteza, piensa, se sienta, todo eso resumido en una

pose. Para ella, cada persona tiene su pose única. La pose es la persona. Antes de empezar a

trabajar un retrato, primero visualiza a su modelo en ‘la pose correcta’”.


Galería Nacional de Retratos, Instituto Smithsonian; donación de la Foundation for

Contemporary Performance Arts, Inc.

49

Autorretrato

El 18 de marzo de 1968, apenas seis días después de cumplir cincuenta años, Elaine dibujó a

carboncillo este retrato suyo, severo e introspectivo. Aunque delineó los ligeros efectos de la

edad, sus facciones y su pelo se acercan a la apariencia de sus autorretratos pintados más de

veinte años antes. Para esta época, Elaine compró una casita en Sandra Drive, Springs, East

Hampton, cerca de sus amigos Ibram y Ernestine Lassaw y cerca también de la casa y el estudio

de Willem de Kooning. Aunque a lo largo de los años Willem se involucró con otras mujeres,

además de Joan Ward (madre de su hija Lisa), Elaine y él nunca se divorciaron.


Galería Nacional de Retratos, Instituto Smithsonian; Ruth Bowman and Harry Kahn Twentieth-

Century American Self-Portrait Collection

Conservado con fondos del Smithsonian Women’s Committee

50

Ethel Epstein 1900–1966

Elaine creó este glamoroso dibujo de Ethel Epstein para la misma época en que la amiga de

ambas, Mercedes Matter, fundó la Escuela-Estudio de Dibujo, Pintura y Escultura de Nueva

York, inaugurada en septiembre de 1964. Epstein, coleccionista de arte moderno y antigua

asesora del alcalde Fiorello LaGuardia, realizaba en aquel tiempo gestiones para formar la junta

directiva de la escuela. Elaine hizo varios dibujos como este en el proceso de pintar el retrato.

Aquí define con líneas seguras las facciones angulosas de la modelo y las varias texturas de sus

joyas y su vestido.

Carboncillo sobre papel Strathmore, 1964

Colección privada

51

Ornette Coleman #1

En algún momento de mediados de los sesenta, Elaine, eterna aficionada del jazz, hizo una serie

de dibujos de Ornette Coleman (nacido en 1930) con su saxofón. El álbum Free Jazz (1961) del

Ornette Coleman Double Quartet, con sus largas pistas y su sonido libre, atonal y discordante,

cambió el rumbo del jazz.

Valiéndose de borraduras, difuminados y líneas improvisadas en grafito, Elaine creó

dibujos que captan la imagen de Coleman y transmiten una sensación visual del ritmo y el

movimiento del jazz. Hizo por lo menos tres retratos: este boceto improvisado, un dibujo de la

cabeza sin cuerpo de Coleman (mostrado a la derecha) y una imagen más terminada que

incluye las manos y el saxofón (ahora en una colección privada).

Grafito y difuminador sobre papel, c. 1965


52

Ornette Coleman #2

Este dibujo del músico de jazz Ornette Coleman (nacido en 1930) es uno de por lo menos tres

que hizo Elaine hacia 1965. Igual que en algunos de sus dibujos de John F. Kennedy, aquí

aparece la cabeza de Coleman sin cuerpo. Solo vemos su intensa concentración, la mirada baja,

la frente fruncida, todo delineado con pocas líneas, trazadas estratégica y rítmicamente por su

lápiz.



53

Margaret Randall nacida en 1936

En 1960 Elaine dibujó una serie de siete retratos de pequeño formato en tinta y gouache de la

joven poeta Margaret Randall, con quien había entablado amistad años antes en la Universidad

de Nuevo México y que ahora residía en Nueva York. Elaine aportó dibujos para una de las

primeras publicaciones de Randall, Ecstasy is a Number (1961). La escritora recordaría luego a

Elaine y su empeño de triunfar: “Elaine no insistía en que la llamaran mujer artista. Era artista,

ni más ni menos, y tan buena como cualquier hombre. Nunca adoptó el lenguaje del feminismo,

pero cuando hablábamos de lo mucho que teníamos que luchar las mujeres por nuestros

derechos, era la primera en admitir que la asignación de roles a base del género era una

injusticia social”.

A mediados de la década de 1980, Elaine firmó y fechó este dibujo (poniendo el año

incorrecto de 1963) para que se usara como base de un cartel destinado a recaudar fondos para

ayudar a Randall en un asunto de inmigración.

Tinta y gouache sobre papel, 1960

National Museum of Women in the Arts, Washington, D.C.; donación de Marjorie L. Luyckx

54

Harold Rosenberg 1906–1978

Para 1967, cuando Elaine realizó este dramático retrato, ya Harold Rosenberg gozaba de una

reputación establecida. Había publicado sus principales colecciones de ensayos, The Tradition

of the New (1959) y The Anxious Object (1964), y se desempeñaba como crítico de arte para la

revista New Yorker. Elaine había pintado y dibujado a Rosenberg muchas veces a lo largo de los

años. Este raro y audaz dibujo a tinta resalta sus ojos profundos, cejas prominentes y bigote

espeso y oscuro. La ejecución gestual, en apariencia descontrolada, crea masa y forma

mediante manchas oscuras y trazos de tinta.

Aguada de tinta sobre papel, 1967


55

Allen Ginsberg 1926–1997

Elaine retrató al poeta Allen Ginsberg a principios de los años setenta, posiblemente en 1973,

durante la grabación de un segmento televisivo para la cadena WNET en Nueva York. Ginsberg

ganó el Premio Nacional del Libro al año siguiente por The Fall of America: Poems of These

States, 1965–1971. En aquella época no era famoso solo por su poesía y demás escritos, sino

también por su oposición a la guerra de Vietnam, postura que Elaine compartía. Ella lo pintó

con las piernas cruzadas y los ojos cerrados, en pose de meditación, y sin sus típicos lentes.

Ginsberg vivía en el Lower East Side y tenía muchos amigos en común con Elaine; ambos se

conocían desde hacía muchos años. Ginsberg poseía el retrato y lo tenía colgado en su oficina

de Union Square.


Colección de Raymond Foye

56

Aristodemos Kaldis 1899–1979

Elaine solía hacer conjuntamente dibujos y pinturas de sus modelos, a veces como parte del

proceso de un retrato, y a veces como serie. Algunos dibujos y pinturas de Kaldis se hacen eco,

sobre todo los realizados en la década de 1970, pero cada cual posee rasgos únicos, sin

importar el tamaño o el medio. En esta exposición se incluyen tres retratos de Kaldis para

incitar comparaciones. Este carboncillo, que lo capta en su postura y atuendo típicos, fue

seleccionado para una exposición de retratos en dibujo de Elaine en el Guild Hall Museum de

East Hampton, organizada meses después de su muerte en febrero de 1989.



57

Kaldis #12

Un tema que ocupó a Elaine intermitentemente durante casi treinta años fue su amigo el artista

Aristodemos Kaldis (1899–1979). De hecho, ella incluyó una pintura y un dibujo de él en su

primera exposición individual, realizada en la Galería Stable en 1954, y siguió pintando y

dibujando su estampa de león desaliñado hasta que él murió. Elaine y Willem de Kooning

conocieron a Kaldis hacia 1943–44 en la cafetería Waldorf, punto de reunión de muchos artistas

neoyorquinos. La pareja apoyaba su trabajo (paisajes fantasiosos y abstractos, o bodegones

evocadores de la región del Egeo) y con los años Elaine se hizo su amiga. Lo veía como “la

encarnación del Balzac de Rodin”. Otro amigo apunta que siempre “usaba una larga bufanda

color naranja. [...] Con su bufanda amarrada al cuello con aire de descuido, Kaldis acaparaba la

atención cuando hacía su entrada” a los museos y aperturas en las galerías.


Colección privada

58

Aristodemos Kaldis #3

En 1976 Betty Jean Thiebaud realiza el filme Elaine de Kooning Paints a Portrait (“Elaine de

Kooning pinta un retrato”), que puede verse en esta exposición. En él, Elaine habla

detenidamente sobre el retratismo mientras pinta un retrato de Aristodemos Kaldis (1899–

1979). Dice ella: “Conozco a Kaldis como la palma de mi mano; y es verdad que dije que pintarlo

es como pintar una cama sin hacer. Es muy expresivo y su ropa parece expresar lo que expresa

su cabello... es espléndido y desordenado. Pero bajo todo el desorden hay un nivel tremendo

de orden, de energía, de vigor”.

Kaldis nació en Grecia pero ya vivía en Nueva York hacia 1930. Fue figura habitual en la

escena artística del centro de la ciudad por muchos años, y se le describía como un personaje

excepcional que “casi todo el tiempo hablaba de sí mismo, posiblemente porque era la persona

más interesante que conocía”. Hacia el final de su vida recibió dos becas Guggenheim en apoyo

de su trabajo pictórico y tuvo varias exposiciones individuales en la Galería Kornblee.



59

Alex Katz nacido en 1927

Elaine dibujó y pintó al artista Alex Katz en múltiples ocasiones durante los años sesenta y

mediados de los setenta. Lo conoció en Nueva York en 1960 o incluso antes, cuando ella, Katz y

la pintora Jane Freilicher expusieron juntos en la Galería Tanager. Para ese tiempo Elaine

compró un retrato silueteado de Frank O’Hara que Katz había hecho, y lo conservó toda su vida.

Este carboncillo de 1967 capta con destreza la cara larga y angulosa de Katz, y guarda

relación con una pintura del mismo año. Los amplios trazos crean una imagen dramática que

admiraron los contemporáneos de la artista. La obra se incluyó en una exposición de retratos

en dibujo de Elaine organizada en agosto de 1989 en el Guild Hall Museum de East Hampton.



60

Alex Katz nacido en 1927

El artista figurativo Alex Katz es mejor conocido por sus pinturas de gran formato con coloridas

imágenes planas pero de gran precisión, representando a su esposa Ada, familiares, amigos y

paisajes. Este dramático retrato de Katz fue incluido en una importante exposición de la obra

retratística de Elaine en la Galería Graham en 1975. El crítico Peter Frank señaló que “una de las

mejores pinturas de la muestra fue la cabeza de Alex Katz, espectacularmente modelada por De

Kooning con impactantes pinceladas en negro”. Su viejo amigo Tom Hess escribió una extensa

reseña donde comentó que, para Elaine, un retrato “depende de cada elemento de su

estructura plástica: formas, colores, cómo encajan unos con otros, la manipulación y velocidad

de los pigmentos, cómo cada movimiento puede diseccionar la sintaxis del cuerpo, el cual a su

vez nos conduce a la cara, donde las formas se hacen más claras, el dibujo más nítido, el color

más específico. Toda la imagen [...] nos compele hacia este clímax”.


Colección privada

61

Horario de proyección

Tres cortometrajes sobre Elaine de Kooning se presentan en bucle. Las horas específicas están

detalladas abajo. Las transcripciones del audio están disponibles en los puestos de Servicio al

visitante.

Elaine de Kooning pinta un retrato

Duración 17:40 min.

Presentaciones : 10:00 10:40 11:20 12:00 12:40 1:20 2:00 2:40 3:20 4:00 4:40 5:20 6:00

6:40

Elaine de Kooning habla los retratos de Joop Sanders

Duración 8:45 min.

Presentaciones: 10:20 11:00 11:40 12:20 1:00 1:40 2:20 3:00 3:40 4:20 5:00 5:40 6:20

Elaine de Kooning

Duración 7:11 min.

Presentaciones: 10:30 11:10 11:50 12:30 1:10 1:50 2:30 3:10 3:50 4:30 5:10 5:50 6:30

62

Elaine de Kooning pinta un retrato

Betty Jean Thiebaud y su esposo, el pintor Wayne Thiebaud, conocieron a Elaine a mediados de

los años cincuenta. En 1964, Elaine daba clases en la Universidad de California en Davis, donde

Wayne Thiebaud era profesor. Para 1976, cuando Betty Jean Thiebaud hizo este filme (uno de

varios que hizo sobre artistas), ella y Elaine eran buenas amigas. Teniendo como escenario su

estudio de Nueva York, Elaine pinta y habla sobre el trabajo de artistas del pasado y también el

suyo propio. Su voz y su personalidad toman un rol protagónico mientras conversa acerca de

sus retratos de John F. Kennedy, su autorretratos y el modelo que la ocupa en ese momento,

Aristodemos Kaldis.

Dirección y producción de Betty Jean Thiebaud (nacida en 1929)

Versión digitalizada del original a color en 16mm de 1976

Duración 17:40 min.

Cortesía de Wayne Thiebaud/Matt Bult

63

Elaine de Kooning habla sobre los retratos de Joop Sanders

En este clip, Elaine habla de los dibujos que le hizo a Joop Sanders a mediados de la década de

1940. Uno de ellos puede verse en la primera sección de esta exposición.

Dirección, producción y cámara de Timothy Greenfield-Sanders (nacido en 1952)

Versión digitalizada y extraída del original a color en VHS de 1984

Duración 8:45 min.

Cortesía de Timothy Greenfield-Sanders

64

Elaine de Kooning

Aquí Elaine pinta uno de los varios retratos de Aladar Marberger que realizó en 1986. Dos de

ellos se encuentran en esta exposición.

Dirección y producción de E. Deidre Pribram

Muriel Wiener, directora ejecutiva

Versión digitalizada y extraída del original a color en VHS de 1986

Duración 7:11 min.

Cortesía de Muriel Wiener

65

Denise Lassaw nacida en 1945

Elaine adoraba a su ahijada Denise, hija de sus amigos Ernestine e Ibram Lassaw. Ernestine

conoció a Elaine hacia 1938, cuando compartieron un loft en Nueva York. A través de los años,

los Lassaw fueron sus compañeros constantes y vivían cerca de la casa que ella tenía en East

Hampton. Elaine enviaba a Denise cartas ilustradas, pequeñas pinturas y dibujos; también le

pintó varios retratos, entre ellos esta sutil imagen de 1973.


Colección de Denise Lassaw

66

Robert De Niro padre 1922–1993

El artista plástico Robert De Niro fue contemporáneo de Elaine en la ciudad de Nueva York.

Aunque sus caminos deben haberse cruzado muchas veces, parece que ella no lo pintó hasta

tarde en sus carreras. De Niro, cuyo hijo es el conocido actor del mismo nombre, también

pintaba la figura humana, pero se inspiraba sobre todo en Matisse y la Escuela de París. Estudió

en el Black Mountain College en Carolina del Norte y expuso sus obras, al igual que Elaine, en la

Galería Stable de Manhattan durante la década de 1950. En este retrato horizontal, pintura y

figura se funden con fiera energía, y el hombre surge con el ceño fruncido bajo el cabello

descuidado y las cejas oscuras. Años después, el galerista Tibor de Nagy lo calificó como el

mejor retrato de Elaine y comentó que “en una pintura que es casi abstracta, logra un parecido

asombroso, de gran carácter”.


Aramark

67

John Ashbery nacido en 1927

En 1984 Elaine aportó un retrato de John Ashbery para una edición limitada de grabados

inspirados en su famoso poema “Self-portrait in a Convex Mirror” (1973), incluido también en la

edición. Otros siete artistas, entre ellos Willem de Kooning, crearon obras de formato circular

para el proyecto. Cada uno reaccionó al poema de manera distinta, enviando autorretratos,

retratos de Ashbery e imágenes personales.

Elaine había pintado a Ashbery en 1975, cuando se publicó el libro que contiene el poema en

cuestión. Esta pintura le sirvió de referencia en los dibujos preliminares para la litografía.

Primero utilizó medios mixtos para transformar la imagen pintada en una imagen gráfica fuerte

y de formato circular. Para el estudio final a carboncillo utilizó un entramado de líneas en el

fondo y en el rostro. El rayado dentro de los ojos crea una sensación de movimiento y confunde

el espacio. Un crítico comentó que “Ashbery mira al observador directamente, pero su mirada

es más dura, más intensa. Gran parte de la figura está construida con líneas entrecruzadas en

tonos de gris, igual que el fondo. Esa fina malla me recuerda que uno de los grandes temas de

Ashbery es la fluidez entre el contorno y el entorno de las personas”.

De izquierda a derecha:



Litografía, 1984

The Parrish Art Museum, Water Mill, Nueva York; donación de Elaine Benson

Crayón, lápiz y rotulador sobre papel vitela, 1983


68

Aladar Marberger #3

Hacia mediados de los ochenta, la Galería Fischbach, dirigida por Aladar Marberger (1947–

1988), representaba a Elaine en la ciudad de Nueva York. Marberger había sido alumno de ella

en la Universidad Carnegie-Mellon en Pittsburgh durante 1969–70. Elaine lo alentó a mudarse a

Nueva York, como hizo con otros estudiantes. Él se mudó ese mismo año, con solo veintidós de

edad, y llegó a tener un gran impacto en el mundo del arte.

El compañero de Marberger por muchos años fue Robert Joffrey, fundador del Joffrey

Ballet. Al contrario de este, Marberger hizo público que padecía de SIDA tan pronto se lo

diagnosticaron en 1985. En su serie de cinco retratos de gran formato en dibujo y pintura,

Elaine revela cuán intensa fue su amistad con Marberger y la fiereza con que él se aferró a cada

momento que tuvo de vida.


Donna Lynne Marberger y Dr. Jon L. Marberger

69

Aladar Marberger #1

Marjorie Luyckx, hermana de Elaine, escribió acerca del proceso de creación de los dos

carboncillos y tres pinturas de gran tamaño de Aladar Marberger (1947–1988) en 1986. Elaine

hizo los retratos en la sala de su casa en Northwest Woods, East Hampton, donde también tenía

un estudio. De hecho, en el fondo de las obras aparece el bosque que rodeaba la casa. Marjorie

recuerda que: “En el primer boceto a carboncillo logró un parecido tan satisfactorio que, por

temor a perderlo si lo pintaba por encima, lo puso aparte y comenzó uno nuevo. Finalmente

completó cinco obras, cada una con un parecido extraordinario al modelo”. Estos se encuentran

entre los últimos retratos que hizo Elaine antes de su muerte, el 1 de febrero de 1989. Ese día

su hermano Peter escribió a sus amigos, el matrimonio Lassaw, recordando el gozo pleno de

Elaine por la vida: “El cielo quizás ya no será un lugar tan seguro como antes, dado que llegó

Elaine, aunque, en realidad, con ella ningún lugar lo es”.

Carboncillo sobre lienzo, 1986


70

Alice Baber, según el recuerdo

La artista Alice Baber (1928–1982) vivió en Nueva York y París durante la década de 1960,

mientras estuvo casada con el artista Paul Jenkins. Hacía coloridos óleos, acuarelas y grabados

en la vertiente de la abstracción lírica. Más tarde se dedicó a dictar conferencias y a viajar

extensamente, involucrándose en la causa feminista. Baber y Elaine eran amigas íntimas de

Ibram y Ernestine Lassaw en East Hampton, y Baber tenía una casa en la cercana área de Sag

Harbor. Murió de cáncer en octubre de 1982 y en diciembre Elaine hizo esta pintura de

memoria. Es una imagen directa, de suave dramatismo, casi etérea.


Colección privada

71

Marjorie Luyckx 1919–1998

Marjorie Luyckx era la hermana y la mejor amiga de Elaine. Como lo cuenta en el prefacio a un

volumen de textos selectos de Elaine publicado después de su muerte, de niñas eran tan

apegadas que “parecíamos cortadas del mismo molde, con muy pocas diferencias”. En 1983

Elaine pintó este colorido retrato lleno de luz y follaje, donde aparece Marjorie con una mirada

seria y de evidente franqueza.



72

Megan Boyd nacida en 1956

Entre finales de los años setenta y principios de los ochenta, Elaine pintó varios retratos de

amigos cercanos y familiares, entre ellos algunos de los hijos de la pintora Connie Fox. Elaine y

Fox se conocían desde finales de la década de 1950, cuando se encontraron en Nuevo México.

Muchas de esas pinturas, como el retrato que aquí vemos de la hija de Fox, una joven poeta

llamada Megan Boyd, formaron parte en 1983 de una exposición de retratos de Elaine en el

Guild Hall Museum de East Hampton. La escritora Rose Slivka escribió en el catálogo de la

exposición que Elaine pintaba retratos en serie de la misma persona. Para Elaine, “un retrato no

es solo una pintura, sino que pasa por la odisea circular de convertirse en cuadro, ficción de

colores, poema de fantasías acerca del modelo y relación de la artista con el sujeto, lo cual, al

final, es lo que es una pintura”.



73

Pelé nacido en 1940

Pelé, jugador brasileño de fútbol que acababa de retirarse del equipo de los New York Cosmos,

posó para Elaine a principios de septiembre de 1982. Un periodista del East Hampton Star

documentó las sesiones, que se llevaron a cabo en la terraza contigua al estudio de Elaine. Ella

misma explicó que “Pelé no es hombre de estar en un estudio. Su campo de acción es al aire

libre”, y luego añadió: “La luz de hoy es perfecta, como si la lluvia de anoche la hubiera lavado.

Y el sol que se filtra por entre los árboles forma patrones interesantes en la escena, una especie

de gesto amable de la naturaleza”. También mencionó paralelos entre sus métodos y los de un

atleta: “No se trata solo de aplicar la pintura de cierta manera, sino de cuán rápido la aplicas, y

eso es sumamente importante. [...] Tienes que disciplinarte constantemente para lograr

precisión y rapidez. Pelé lo entiende, porque con eso trabaja. La velocidad y la precisión son

vitales para el artista lo mismo que para el atleta”.


Colección privada

74

Elaine de Kooning en su estudio, 1960

Rudy Burckhardt (1914–1999)

Cortesía de la Sucesión de Rudy Burckhardt y la Galería Tibor de Nagy; © 2014 Estate of Rudy

Burckhardt/Artists Rights Society (ARS), Nueva York

elaine de kooning: retratos elaine de kooning (1918npg.si.edu/docs/edktranslations.pdf · la ropa...

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