el significado del color en el arte
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Breve descripcion de la trascendencia del color en la historia del arte contemporaneoTRANSCRIPT
El significado del color en el arte
Lucía Rodríguez Inguanzo
26/5/2015
Psicología del arte
Curso 14/15
Í ndice
Introducción y definición
El color en el siglo XX
- Impresionismo y antecedentes
- Neoimpresionismo
- Fauvismo
- Expresionismo
- Cubismo
- Futurismo
- Abstracción
- Expresionismo abstracto y action painting
- Pop-art
- Op-art
- Minimal
- Fluxus
- Arte conceptual
Bibliografía
EL SÍGNÍFÍCADO DEL COLOR EN EL ARTE
Color.
(Del lat. color, -ōris).
1. m. Sensación producida por los rayos luminosos que impresionan los órganos visuales y que depende de la longitud de onda.
Fue Isaac Newton quien en 1666 mostró las primeras evidencias de que el color
no existe. Al exponer a la luz blanca un prisma, comprobó que esta se
descomponía en 6 colores, a lo que llamo espectro solar. Por tanto, los colores
que vemos, es porque al incidir la luz sobre cualquier objeto, absorbe algunos de
los seis colores reflejando los demás. Los colores reflejados son captados por los
sentidos y procesados en el cerebro. Esto explica que un mismo objeto se vea de
colores distintos según la luz que incida en él.
Esta sería la descripción más científica y objetiva de lo que es el color. Sin
embargo, los colores tienen una connotación más trascendental que depende de
la percepción individual, de la asociación de emociones, la época, etc.
Johann Wolfgang von Goethe, interesado por la óptica y la luz, además de otras
muchas ciencias y el arte, se opone a la versión puramente física de Newton. Ver
un color no sólo depende de la luz o de la materia, sino de la percepción. Su
preocupación por la estética y la percepción psicológica del color lo llevan a crear
su Teoría del color.
En ella establece la primera relación no casual entre colores y sentimientos.
Aunque depende de la percepción individual, todos los individuos reaccionan
físicamente ante un estímulo. Distinguimos entre colores cálidos y fríos por la
sensación visual que producen algunos de ellos.
Cada color ejerce sobre la persona que lo ve una triple acción: impresiona al que
lo percibe, el color se ve y llama la atención. Expresa, ya que cada color provoca
una reacción y una emoción. Y construye, los colores poseen significado propio,
comunican ideas generalmente asociadas a estados de ánimo y sentimientos
En este diagrama Goethe representa la mente humana conectando los colores
con determinadas emociones. Escogió como primarios el rojo, el amarillo y el azul
basándose en su contenido emocional.
A lo largo de la historia se han elaborado muchas teorías del color en relación a la
percepción. La cantidad y la variedad de estas teorías demuestran que, a pesar
de los intentos (no del todo acertados) de Goethe, no se pueden establecer reglas
universales. De hecho, la psicóloga alemana Eva Heller califica de “obsoleta” la
teoría de Goethe en su libro Psicología del color.
EL COLOR EN EL SIGLO XX
El uso de los colores es sumamente importante en el arte, en realidad, es un
elemento básico en toda composición artística desde las primeras expresiones del
ser humano en las cuevas. Por medio del color, los artistas expresan emociones y
sensaciones a sus espectadores, y se puede saber mucho de ellos estudiando los
patrones, distribución de la paleta de colores que utilizan en sus obras.
El impresionismo y sus antecedentes.
A finales del siglo XIX, además de encontrarnos con un contexto político y social
muy agitado, llegan a Europa numerosos avances tecnológicos (a destacar la
fotografía) y nuevas teorías sobre el color que hacen que cambie por completo la
visión artística.
Aparece en Francia una nueva corriente que desprecia el arte tradicional oficial
en favor de nuevas formas de expresión artística. Debido al rechazo de la
sociedad conservadora, los artistas emergentes de este movimiento se reunían
para hacer exposiciones clandestinas. El concepto impresionismo viene
precisamente de impresión. Término acuñado gracias a una de las obras
expuestas del que fue el precursor del movimiento, Claude Monet.
Impresión. Sol naciente. Monet. 1872
Chevreul tuvo una enorme influencia en muchos pintores del siglo XIX al intentar
elaborar una teoría científica sobre el color. Propuso el concepto de «contraste
simultáneo" de colores. Como consecuencia, la yuxtaposición de colores
complementarios dará un aspecto más brillante al conjunto. La paleta de los
impresionistas abandona los colores terrosos jugando con la luminosidad y la
saturación de los colores.
El paisaje, la naturaleza y la temperatura de la luz son los protagonistas de las
obras, destruyendo así el color local y anteponiendo la intuición a la razón a la
hora de pintar. La experiencia personal era más importante que la proipa realidad.
Hacen sentir al máximo la impresión de todo aquello que nos rodea.
En cuanto a los rasgos pictóricos que caracterizan la pintura impresionista, los
artistas utilizaban una pincelada breve y gruesa, empastando los colores.
Evitaban oscurecer utilizando el negro, sino que superponían colores
complementarios renunciando a la degradación y creando grandes contrastes.
Generalmente se clasifica a los artistas por temática, ya que eran un grupo
heterogéneo. Destacaron principalmente Monet, como claro representante,
Pisarro, Degas, Cezanne, Renoir, Morisot, etc.
El impresionismo en España llega de manera tardía pero con las mismas
características e intenciones. Destacan Sorolla, Casas y Regoyos entre otros.
Neoimpresionismo
Surge alrededor de 1886 como una variante del impresionismo, manteniendo la
temática: de ocio al aire libre, la vida moderna, el circo, el ballet, la naturaleza y el
paisaje, etc. y la técnica: buscar los efectos de la luz. Sin embargo, se habla de
una pintura mucho más científica. Se sustituye la pincelada intuitiva por puntos
perfectamente estudiados. Empezaban las obras al aire libre haciendo un
bocetaje (cosa que no hacían los impresionistas) y las acababan en el taller.
Aumenta la preocupación por el volumen y la composición, por lo que son obras
más rígidas. Se buscaba la armonía cromática, cada punto estaba perfectamente
relacionado con los de alrededor.
George Seurat es considerado el creador de esta nueva tendencia, el puntillismo:
Una tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte. Seurat. 1886
Esta obra es clave para comprender la evolución del movimiento. Se mantiene la
temática pero destaca el carácter riguroso de lo egipcio. La luminosidad del
cuadro es trabajada desde el taller, lo que le da ese efecto más artificial.
Artistas como Lautrec o Van Gogh se encuentran a caballo entre el impresionismo
y las nuevas tendencias que llevan a la expresión de las vanguardias del siglo XX.
La vida de este último esta tan ligada a su obra que se clasifica por etapas.
Fauvismo. El afán de expresión
Es una corriente breve pero intensa. Es el primer movimiento que puede
considerarse de vanguardia. Surge en oposición al impresionismo, critican el
puntillismo y rechazan los valores clásicos y academicistas (volumen,
perspectiva..)
Su principal objetivo era expresar a través del color más puro. Recurren a la
síntesis de las formas para dejar que sea el color el protagonista.
“Servir a la expresión del modo más perfecto posible. Los descubro de manera instintiva, no se
apoya en ninguna teoría científica. Observación y sentimiento. Me limito a elegir un color
adecuado a mi sensación que quiero transmitir”
Matisse
Llevan el color a su máximo exponente, potenciando su capacidad sensorial. Son
los herederos de la obra de Van Gogh y de Gauguin, recogen los principios del
arte primitivo y a la vez asimilan varias características del impresionismo, del post,
y del simbolismo.
Matisse es el artista más
destacado:
El color es muy estridente.
Se construye el volumen
no por el modelado, sino
por el contraste de colores
planos. El rostro es
inexpresivo por que el
tema no interesa, ya se
encarga el color de la
expresividad del cuadro.
El color es arbitrario, no se
corresponde a la realidad
porque se busca la pura
expresión.
Destacan además,
Vlaminck, Derain, Duffy o
Marquet.
Retrato de la raya verde. Matisse. 1905
Expresionismo
A principios del siglo XX, siendo contemporáneo al Fauvismo francés, surge en
Alemania otro movimiento integral (que afecta a todas las artes) que también
sigue la línea de la expresión.
Alemania era un país militarizado, hecho que genera en los artistas un
sentimiento de dramatismo, de tragedia, de opresión. Sienten gran descontento
con su sociedad. Al igual que en el romanticismo, huyen de su tiempo y lo
expresan de manera angustiosa.
La llegada de la revolución industrial convertía al individuo en un número, en parte
de una masa mecanizada atentando contra su propia identidad.
El color se convierte en la herramienta subjetiva del artista para expresar su
malestar, esa “necesidad interior”, rechazando la objetividad cromática del
impresionismo.
El afán de libertad individual lleva a temas prohibidos, morbosos e
inquietantes. Mediante la distorsión de la realidad pretendían impactar al
espectador.
Si se entiende el concepto de expresionismo como deformación de la realidad
para buscar la expresión, se puede aplicar esta estética a otras épocas. Por ello
toman como referentes autores como El Bosco, Brueghel el Viejo, El
Greco, Francisco de Goya, Honoré Daumier, etc así como también la ora más
reciente de Van Gogh o Lautrec. Lo primitivo de África y oriente también les sirve
de punto de partida.
En relación a la pintura, surgieron dos grupos destacables:
Die Brücke, oposición a la pintura del impresionismo y buscar un medio de expresión, un arte, en el que esa expresión estuviera vinculada estrechamente a la vida. Relación entre arte y vida. Rechazan los programas preconcebidos y los manifiestos. Apuestan más por la práctica de la pintura que por la reflexión. No les gusta reflexionar y perder el tiempo. Utilización de Colores sombríos con golpes de colores intensos para contraste.
De este grupo destacan principalmente Kirchner, Heckel, Schmidt y Bleyl
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Der Blaue Reiter, sustituye las formas duras angulosas por formas redondeadas,
asociaciones cromáticas armoniosas, etc. de modo de su pintura se hace más
lírica, menos violenta, aunque es también muy expresionista.
Con el color como medio, la pintura debía llegar a la abstracción de la visión. Por
eso se crean nuevas teorías del color. La Pintura como arte puro sostiene que es
un arte en sí mismo, provocando nuevas experiencias emocionales.
Hay que hacer una mención especial a Vassily Kandinsky. La pintura de este
autor se plantea una reflexión sobre la relación entre en arte y la naturaleza. Ya
se había rechazado la importancia del tema, pero es que él se distancia
definitivamente. Rompe con la tradición figurativa. Empieza el camino hacia la
abstracción.
“Cuando más espantoso se vuelve el mundo, más abstracto se vuelve mi arte.”
Arco negro. Kandinsky. 1912.
Autorretrato como soldado. Kirchner. 1915 Crucifixion. Nolde. 1912
De este grupo también son
importantes Nolde, Marc, o
Jawlensky.
En Viena destacan Klimt,
Holder y Kokoschka. En
España se empieza a hablar
de Picasso o de Solana.
Tras acabar La Gran Guerra, Alemania como gran perdedora queda sumida en un
completo caos en todos los ámbitos. Los artistas de los años 20 y comienzos de
los 30 hacen un arte tremendamente agresivo, violento, cargado de una crítica
feroz contra las instituciones. Artistas como Otto Dix o Georges Grosz plasman el
descontento y la desolación de la sociedad.
Cubismo
Está considerado como una vanguardia pionera ya que se encargó de romper con
la perspectiva, el último principio renacentista que seguía vigente a comienzos de
siglo. Se buscaba descomponer las formas naturales y reducirlas a figuras
geométricas, fragmentando planos y líneas haciendo posible muchos puntos de
vista a la vez.
A parte de la revolución estética y formal que supuso el cubismo, se entiende este
movimiento como una nueva filosofía: la intención era darle la misma importancia
a la superficie pintada que al objeto real. Por ello rechazan cualquier forma de
imitación (perspectiva, modelado…). Es una visión más intelectual de la realidad
Son pioneros en la utilización del collage, una manera metafórica de superponer
realidades. A diferencia de las corrientes anteriores, el color no es el medio de
expresión, sino que complementa a la forma. Ya nos son colores tan estridentes,
más bien apagados y neutrales, aunque se irá ampliando la paleta a colores más
vivos.
La primera tendencia, creada principalmente por Picasso y Braque, se denominó
cubismo analítico. Se partía de la realidad haciendo un análisis detallado. Se
representaba el objeto como se sabe que es, haciendo un recorrido desde todos
los ángulos con un solo golpe de vista. Prevalecían las líneas rectas y la
composición triangular, limitando el color al monocromatismo.
Le petit provençal. Braque. 191
A partir de ahí, comienza la recomposición de los objetos, es decir ya no en el
análisis detallado de sus formas, sino en captar la esencia. Resaltaban a través
de colores y formas predominantes las partes más significativas de la figura. Se le
llama cubismo sintético. Se incluyen líneas curvas, composiciones más
dinámicas y nuevos colores. El collage ayuda a la recuperar el objeto en concreto
Guitarra. Picasso. 1912
Después de su etapa plenamente cubista, reconocido mundialmente, Picasso
atraviesa una serie de situaciones personales que repercuten en su obra artística.
Desde una tendencia más clasicista, inspirado por el ballet ruso y el arte
americano, hasta su fase más surrealista y desgarradora, producto del estallido
de la Primera Guerra Mundal y la guerra civil española. (Guernica)
Artistas como Brauque, Juan Gris, Marcoussis, o Delaunay son también
destacados cubistas.
Futurismo
De manera simultánea, vemos el nacimiento de otro movimiento que surge en
Italia. A raíz de conocer el cubismo, se van a esforzar por superar este
movimiento, oponiéndose a él, aunque también se van a apoyar en el lenguaje
cubista. A pesar de que critican todo lo anterior, utilizan técnicas y procedimientos
muy similares. el futurismo tiene un objetivo claro: sus artistas pretendían
reaccionar contra la decadencia cultura (Italia siempre había sido punto neurálgico
del arte.)
Velocidad, movimiento, sociedad cosmopolita, maquinaria, estados de ánimo y un
gran compromiso político son los temas más recurridos del futurismo.
Fue Picasso el padre de todo el
movimiento cubista. Sin embargo, su
obra pasa por etapas muy diferenciadas
entre ellas. En la etapa azul, muy
pesimista, muestra las miserias
humanas con obras como Mendigos a
orillas del mar o El viejo judío.
La etapa rosa, formas más graciosas y
sosegadas como Retrato de la Señora
Canals.
En la etapa negra comienza la
esquematización de las figuras, lo que
supone una introducción al cubismo. Las
Señoritas de Avignon.
Las composiciones son muy dinámicas, siguiendo la estética geométrica tratan de
fusionar el objeto con el espacio. Colores vivos que transmiten energía.
Liderados por Marinetti y su manifiesto, trabajan pintores como Balla, Carrá,
Russolo o Boccioni.
Los estados de ánimo: los adioses. Boccioni. 1911
La abstracción. Introducción a la vanguardia rusa: suprematismo y
constructivismo.
Por primera vez se renuncia por completo a la figuración, la realidad entra en
crisis y se menosprecian las categorías clásicas. Se rechaza la naturaleza y se
busca la inspiración en uno mismo. El arte empieza a considerarse así mismo, la
pintura es pintura, ya no se habla de una imitación o representación, sino de
formas, colores y líneas. Es la simplificación llevada al extremo.
En Rusia se crearon paralelamente dos estilos: el suprematismo, iniciado por
Malévich, que promovía la abstracción geométrica con la intención de buscar la
supremacía de la nada y del universo sin objetos. La pintura y el arte en general
como fin en sí mismo. Lo estático, lo dinámico, diagonales y puntos de fuga al
infinito, colores planos (que se liberan de la carga simbólica) y formas
geométricas caracterizan este tipo de pintura.
Liubov Popova, El Lissitzky, Aleksander Ródchenko y por supuesto Malévich,
encabezan el movimiento.
Por otro lado, el constructivismo sí que tenía una finalidad. Dada la situación
política de Rusia, los artistas tenían un gran compromiso con su sociedad y
utilizaban el arte para hacer publicidad. Formas geométricas relacionadas con la
industria, líneas puras y colores llamativos.
Kandinsky, Tatlin, Lissitzky y Mondrian (holanda) son grandes figuras.
Cuadro negro sobre fondo blanco. Malévich 1915 Composición VIII. Kandinsky. 1923
Obra clave del suprematismo
España siempre tarda más en asimilar los grandes cambios artísticos, había
varios artistas que intentaban romper los esquemas pero siempre de manera muy
tímida. Sin embargo, a partir de los años 50 entra y se expande la vanguardia con
mucha fuerza gracias a dos grupos: Dau al set, liderado por Antoni Tapies, y El
paso, con Manuel Millares.
Expresionismo abstracto y action painting.
También afectada por el panorama político, EEUU tiene un clima adecuado para
la creación de nuevas expresiones. Esta nueva pintura defiende la total libertad
del artista, sin necesidad de mucha reflexión y valorando la espontaneidad.
Al acabar la Segunda Guerra Mundial, el color reaparece con una nueva vitalidad,
casi al estilo fauvista. El color juega con la intuición y el subconsciente. Lo que
importa ahora no es tanto el fin de la pintura, el qué, sino el proceso creativo, el
cómo. Se dejan llevar por los instintos, pinceladas rápidas fruto del azar.
El proceso de creación se hace al revés: el artista primero libera sus sentidos;
brocha, pincel, espátula, colores al azar y dejando gotear la pintura. Luego
reflexiona sobre lo que ha hecho. El cuadro carece de orientación y sentido lógico,
por tanto los colores tampoco tienen una carga emocional en el momento que en
que se emplean.
Convergence. Pollock. 1949
Pop-Art
A partir de los años 50/60 se produce una ruptura con todos los –ismos, ya no se
habla de vanguardia ni de corrientes encasilladas. Ya no es un arte para artistas,
es un arte ligado a la cultura popular, los medios de comunicación y la publicidad.
Temáticamente recoge todos los prototipos e iconos de la sociedad de consumo
americana, no ridiculizándolos, sino haciéndolos evidentes.
La figura de artista empieza a desaparecer, ya no importa su personalidad, de
hecho no importa ni que realice él la obra.
En cuanto a la plástica y la retórica visual, vuelven a la figuración y el realismo.
Utilizan elementos cotidianos en un contexto poco común (ya lo hacia Duchamp).
Utilizan la repetición de estos objetos para despojarlos de su significado
individual. Los colores suelen ser muy llamativos y contrastados, utilizando el
lenguaje del comic. Superficies lisas y pulidas.
In the car. Lictenstein. 1963
En España el pop art tenía un contenido más social y ligado a su cultura,
criticándola. Parodiaron obras de Velázquez utilizando la ironía para reflejar la
situación española. La salita, La rendición de Torrejón.
Se produce un choque de
técnicas. El comic es una
viñeta impresa y producida
de manera industrial, creando
muchas copias idénticas.
(Concepto de repetición que
elimina la originalidad de la
obra de arte, elimina ese
vínculo paternal artista-obra.)
Este cuadro está pintado al
óleo, sacando una de las
viñetas del comic de su
contexto habitual.
Op-Art o arte cinético
Abusan de los colores, el contraste y las formas geométricas para crear ilusiones
ópticas. Se aprovechan del efecto psicológico que producen todos estos
elementos y consiguen engañar al espectador con la falsa sensación de
movimiento o volumen. Los colores son muy estridentes llegando incluso a
molestar visualmente. Si a esto se le añade la acumulación de formas
geométricas u ondulantes, se obtiene una clase de arte inquietante, impactante y
sobretodo llamativo. Hay que tener en cuenta que los 60 es una época en la que
las drogas, la experimentación con el cuerpo y la psicodelia están a la orden del
día.
Víctor Vasarely, Cruz Díez o Soto son algunos de los artistas más conocidos.
Minimalismo
Si en el pop-art lo que fallaba de las vanguardias era la abstracción, para el
minimalismo el error está en la expresividad. Se retorna a la pura abstracción
geométrica pero con otro tipo de intención. Querían desmaterializar el arte,
desmoronar esa idea de que el arte tiene que comunicar cosas. Realizaban sus
obras con materiales industriales que cualquiera podría conseguir. “Lo que ves es
lo que es” un arte frio e inexpresivo que produce una reacción más intelectual.
Huían de la ornamentación, no usaban más colores de los que debían buscando
la más pura sencillez.
Donald Judd, Sol Lewitt, Richard Serra o Carl André son los más destacados.
Sin título. Dan Flavin.
Fluxus
Llegados al punto en el que el proceso de creación y el procedimiento intelectual
es más importante que la propia obra, no es ni siquiera necesario realizar una
obra entendida como objeto. De hecho se declara en contra del objeto como
mercancía e incluso anti-arte. El fluxus plantea la estrecha relación entre el arte y
la vida, considerando que cualquier acción cotidiana se puede considerar arte
(parte del concepto dadaísta)
Se trata de un arte total, quiere abarcar todos los aspectos de la vida, por ello
utiliza técnicas propias de otros campos. Empieza la experimentación con
materiales multimedia, videoartes, sonidos, grabaciones, etc. El cuerpo como
materia artística cobra importancia, la acción como arte efímero. Aparecen las
performance y los happenings.
Empieza a tratarse el color digitalmente con la edición de videos y fotografías. lo
que se conserva son grabaciones y fotografías de las acciones, como material de
archivo, no como obra artística.
Performance, Beuys, 1974
Beuys, Yoko Ono, Wolf Vostell, Nam June Paik etc, son reconocidos por su
variedad de obras y disciblinas abarcadas.
Arte conceptual
En oposición a la estética minimalista, el arte conceptual valora más la idea que el
objeto. El artista plantea un interrogante a los espectadores. En el arte
conceptual, la relación entre artista, obra de arte y espectador fue transformada.
Una obra de Arte conceptual no es una narración de la naturaleza, En muchos
casos el espectador, y a veces el artista en sí mismo son parte de la obra de arte
y su concepto base. Esta disciplina artística se fija en los ambientes cromáticos,
en los luminosos, y en las variaciones sobre la naturaleza.
La estética es muy variada ya que no se le daba importancia. El “formato” podía
ser desde un fotomontaje, un objeto o una actuación en la calle.
Joseph Kosuth, Ives Klein, Piero Manzoni, y el pionero Marcel Duchamp
experimentaron con este tipo de arte.
Actualmente el arte conceptual está muy ligado al mundo publicitario y el diseño
gráfico ya que se hace especial hincapié en el concepto.
Una y tres sillas. Kosuth. 1965
BIBLIOGRAFIA
www.psicologiadelcolor.es
www.todacultura.com
www.color-es.net
www.fcalzado.es
www.elarteporelarte.es
www.wikipedia.org
ARTE DESDE 1900, VV. AA. Akal. Madrid. 2004
PSICOLOGIA DEL COLOR. Héller, Eva. Ggili. Barcelona. 2005
COLOR Y CULTURA […]. Gage, John. Siruela. Madrid. 1993
LA INVENCION DEL COLOR. Ball, Philip. Turner. Madrid. 2005
Apuntes de la asignatura proporcionados por el profesor.