el saxo y el jazz
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Autor: Gabriel Andrés Molero | Tutor: Jaume Julià | Tema: Jazz, SaxòfonTRANSCRIPT
El saxo y el Jazz
Gabriel Andrés Molero 2.3
5/XI/2014
1) Introducción……………………………………………………………………………p.1
ÍNDICE:
a. Nota sobre la foto de la portada 2) Historia del Jazz………………………………………….…………………………..p.3
a. Antecedentes y etimología b. Hot Jazz c. Swing d. Bebop e. Cool Jazz o West Coast Jazz f. Hard bop g. Post bop y Free Jazz h. Fusiones i. Crisis del Jazz y Jazz neoclásico j. Jazz contemporáneo
3) Personajes emblemáticos……………………………..…………………………p.29
a. Duke Ellington b. Louis Amstrong c. Benny Goodman d. Frank Sinatra e. Billie Holiday f. Ella Fitzgerald g. Sarah Vaughan h. Dizzy Gellespie i. Miles Davis j. Thelonious Monk k. Chet Baker l. Art Blakey
4) El saxofón…………………………………………………………………………………..p.49
a. Historia b. Construcción
5) Saxofonistas destacados……………………………………..……………………..p.54 a. John Coltrane b. Lester Young c. Stan Getz d. Gerry Mulligan e. Dexter Gordon f. Sonny Rollins
6) Instrumentación y elementos principales…………………………………..p.64
7) Influencia del jazz en la cultura…………………………………………………..p.70 8) Conclusión………………………………………………………………………………….p.74 9) Bibliografía…………………………………………………………………………………p.75
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1) Introducción
Jazz: únicamente esta palabra nos trae a la cabeza imágenes de un saxofonista en
un club solitario, ya de madrugada, rodeado de humo y con un leve olor a alcohol.
Todo está en blanco y negro, y acompañando a la música se oyen las copas chocar
entre sí, y las pesadas suelas de los zapatos arrastrarse por un suelo que seguramente
lleva mucho tiempo sin limpiarse. La gente susurra; al final de un solo, aplaude y grita
entusiasmada.
Puede que imágenes como ésta no sean más que un tópico que ha permanecido en
nuestro ideario colectivo, pero en su día conformaron el día a día de las generaciones
de las cuales somos hijos directos. La cultura del siglo XX creció en un club de jazz, del
mismo modo que la cultura decimonónica afloró en los cafés de Viena.
Ya sea por sus antecedentes culturales, por su apasionante biografía o por su
riqueza musical, me dispongo a profundizar en algo que considero más que un simple
género musical, pues, en mi opinión, implica una manera de pensar y una manera de
vivir.
a. Nota sobre la foto de la portada
A Great Day in Harlem o Harlem 1958 es el nombre que recibió la foto que se
encuentra en la portada de este trabajo. Considero que tal vez sea la imagen
más representativa de toda la historia del Jazz. No solo por su abundante
cantidad de músicos (57 en total), entre los cuales se cuentan algunos como
Charles Mingus, Lester Young o Thelonious Monk, si no por los valores que nos
transmite esta fotografía. El mero hecho de juntar a un número tan elevado de
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personas nos muestra el carácter intergeneracional del Jazz: músicos de
diversos estilos de jazz, muchas veces opuestos, posan juntos en el centro de la
fotografía, mientras que futuros músicos, mezclados con los hijos de los vecinos
que habitan el barrio neoyorquino de Harlem, posan en las primeras filas. El
porte despreocupado y espontáneo de los músicos es un claro reflejo de su
música; si bien no me atrevo a calificarla de despreocupada, si la considero
espontánea.
A día de hoy, de esos 57 músicos solo dos siguen con vida: los emblemáticos
saxofonistas Sonny Rollins y Benny Golson.
A Great Day n Harlem, fotografía tomada por Art Kane en 1958 para la revista Esquire
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2) Historia del Jazz
a. Antecedentes y etimología
Aunque no parece existir un acuerdo definitivo en cuanto al origen y
significado exactos del término "jazz", algunos historiadores sitúan su
origen alrededor de 1912, e indican que procede de la jerga de los
periodistas deportivos de la Costa Oeste de los Estados Unidos, quienes
utilizaban el término en sus comentarios dedicados a la Pacific Coast
League, una liga menor de baseball, para referirse a la energía y
vitalidad de los practicantes de este deporte. El ejemplo más antiguo del
empleo del término “jazz” data del 2 de abril de 1912, en Los Angeles
Times, haciendo en una referencia al pitcher de Portland Beavers, Ben
Henderson, donde éste afirmaba:
"La llamo la pelota jazz porque tiembla y, simplemente, no puedes
hacer nada con ella".
A principios de siglo no había una forma estandarizada de
escribir el término, como ilustra este cartel de 1916.
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A partir de 1913 aparece ya el término jazz de forma más habitual,
aplicado a la música. La referencia más antigua de su uso musical,
corresponde al 3 de marzo de 1913, y en ella el término se utilizaba con
un sentido negativo. Tres días más tarde, el 6 de marzo, se usó la
palabra “jazz” de forma más exhaustiva cuando al reseñar el tipo de
música ejecutada por una orquesta del ejército, se señaló que sus
integrantes entrenaban a ritmo de ragtime y jazz.
Sin embargo, no fue hasta 1915, en Chicago, que el término comenzó a
usarse exclusivamente para definir un tipo de música. Para finales de
1916 y principios de 1917 el uso de la palabra estaba ya bastante
extendido. La primera vez que se utilizó la palabra jazz en Nueva Orleans
(también escrita jas o jass en los comienzos) fue en el Times-Picayune el
14 de noviembre de 1916.
No obstante, muchos estudiosos creen que el término tiene una
raíz fanti (grupo étnico de África occidental) y que se refiere al acto
sexual o relativo al amor.
Medio siglo después de la fundación de la ciudad de Nueva Orleans en
1764, Francia la cedió a España para después, en 1801, recuperarla
hasta 1803, momento en que pasó a ser parte de Estados Unidos como
consecuencia de la compra de Luisiana. Por ello, los franceses y
españoles, junto a alemanes, italianos, ingleses, irlandeses y escoceses
contribuyeron ampliamente a crear una variopinta escena cultural en la
ciudad. Los habitantes de raza negra eran también de orígenes diversos,
siendo muchos de ellos fundamentalmente de la zona occidental de
África o caribeños. Es en este heterogéneo contexto cultural donde
tiene su origen la aparición de estilos musicales tan diversos como el
jazz, la música cajun, el zydeco o el blues.
A pesar de que, en muchas áreas del Sur de Estados Unidos, el batir de
tambores estaba específicamente prohibido por la ley y, en zonas
como Georgia, se prohibió el uso de cualquier instrumento musical por
parte de los esclavos, los festivales con música de tambores y danzas
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africanas se organizaban con frecuencia a comienzos del siglo XIX tanto
en Nueva Orleans, en la conocida como Plaza del Congo, como
en Memphis, Kansas, Dallas o San Luis, usando instrumentos de
percusión y de cuerda similares a los empleados en la música
africana indígena. Los esclavos solían tener el domingo libre y
organizaban fiestas en la Plaza del Congo, que se prolongaron
aproximadamente hasta 1885, coincidiendo con el surgimiento de las
primeras bandas de jazz. Las canciones y danzas interpretadas eran
básicamente funcionales, ya fuese para el trabajo,
con canciones o gritos de campo, o utilizado para rituales religiosos. No
obstante, la característica principal de esta clase de música era su gran
riqueza rítmica. La tradición africana hacía uso de melodías simples y de
técnicas de música de llamada y respuesta, pero estos elementos no
tardaron en combinarse con conceptos armónicos procedentes de la
música europea. Los ritmos reflejaban patrones africanos y de
las escalas pentatónicas surgieron las notas del blues, utilizadas
posteriormente para sentar las bases del blues y el jazz.
Las instituciones eclesiásticas intentaron controlar la música
proveniente de los esclavos, obligando en numerosas ocasiones a las
personas de raza negra a que cantasen salmos e himnos para
convertirles a estilos musicales más europeos. En muchos casos, el
efecto fue contrario.
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b. Hot Jazz
Bob Crosby, cantante y líder de banda de estilo dixieland
"Hot" (en inglés, caliente), es una denominación genérica que han
utilizado los musicólogos para englobar todos los estilos que se
desarrollaron en el jazz anterior a 1930. Engloba, por tanto, los
estilos Nueva Orleans, Dixieland, Chicago, y Nueva York. De una manera
un tanto informal pero de uso extendido, puede entenderse hot
jazz como sinónimo de jazz tradicional, si excluimos de éste el
estilo swing.
Cronológicamente, los estilos hot abarcan desde las primeras noticias
de algo parecido al jazz, aún en el segundo tercio del siglo XIX, hasta
la aparición de la principal corriente de jazz, que desemboca en el Swing de
los años 30. Frecuentemente, se conocía también como Two Beat jazz.
Ejemplo de formación de hot jazz
Todos los estilos del Hot tienen una serie de características comunes,
que trascienden las diferencias que luego se señalarán. Así, podemos
afirmar que el Hot se caracteriza por:
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• Una sonoridad cálida, con afinaciones aproximativas, típicas del concepto vocal de
la música de origen africano. Esta concepción, incluso, llevaba a los pianistas, cuyo
instrumento no permite aproximaciones, a colocar fieltros bajo los macillos, para
"desafinar" el piano.
• La utilización de ritmos propios de marchas militares, en 2/4, y de origen folclórico.
Una importante influencia en torno a la utilización de instrumentos musicales
metálicos vendría del retorno de soldados negros combatientes en la Primera
Guerra Mundial que fueron miembros de bandas militares.
• Polirritmia horizontal, acentuando y sincopando de forma diferente varias
versiones rítmicas de un mismo metro básico. En este sentido, todos los
instrumentos desarrollan, en mayor o menor medida, una función rítmica.
• Exposición del tema melódico por el instrumento líder (usualmente la trompeta)
mientras los restantes instrumentos tejen, tras él, una maraña de variaciones, bajo
forma de improvisación colectiva.
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c. Swing
La música swing, también conocida como swing jazz , es un estilo
de jazz que se originó en Estados Unidos hacia finales de los años 1920,
convirtiéndose en uno de los géneros musicales más populares y
exitosos del país durante la década de 1930.
Duke Ellington con su Big Band
El swing utiliza instrumentos ya habituales en el jazz, como una sección
rítmica formada por piano, contrabajo y
batería; metales como trompetas y trombones; instrumentos de viento-
madera, como saxofones y clarinetes, y muy
ocasionalmente, instrumentos de cuerda como violín o guitarra.
El swing utiliza preferentemente tempos medios y rápidos, emplea
abundantemente los riffs melódicos y libera el rol del batería de ciertas
restricciones que había tenido hasta entonces. La formación
característica del swing fue la big band, además de ir adquiriendo cada
vez una mayor importancia el papel del solista. Destacan en este estilo
músicos como Fletcher Henderson, Benny Goodman, Duke Ellington,
Glenn Miller o Count Basie.
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Benny Goodman, considerado uno de los padres del Swing
La denominación de este estilo como "Swing" se consolida hacia 1935,
al producirse una identificación del mismo con uno de los elementos
más característicos en la interpretación jazzística que, desde mediada
la década de 1920, se conocía precisamente como swing.
El Swing es un estilo de jazz eminentemente orquestal, influido por la
música de origen europeo y que se caracterizó por aportar al jazz una
serie de innovaciones conceptuales importantes:
• Incrementa el número de miembros de las bandas de hot, mediante la duplicación
de instrumentos.
• Establece una fijación rítmica derivada de la pérdida del concepto de rítmica
global, propio del hot, y, por tanto, de la polirritmia. En el Swing, la batería es el
único instrumento con una función totalmente rítmica, lo que le confiere una
relevancia especial en cuanto motor de toda la banda.
• Establece una estructura invariable de las piezas, fijándose rígidamente el lugar y
duración de las improvisaciones y regulándose mecánicamente la relación entre las
partes.
• Utiliza, como recurso de tensión, el riff, frase corta repetida varias veces, con
crescendo final. Por el contrario, elementos típicos del hot, como los breaks, se
convierten en inusuales.
• Consolida la utilización de los registros altos de los instrumentos, con preferencia
sobre los bajos e, incluso, los medios, lo que condiciona el resultado sonoro del
conjunto, separándolo tímbricamente de la opacidad típica del hot.
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El Swing conserva, sin embargo, aspectos importantes de la tradición hot,
especialmente en la forma de abordar el instrumento y la manera de improvisar,
así como el carácter continuo del ritmo.
d. Bebop
Al llegar a los años 40, el jazz se encontraba musicalmente en un
callejón sin salida. Muchos músicos estaban frustrados por las
limitaciones que suponía tocar en grupos grandes (Big bands), y
empezaron a buscar formas de expresión nuevas y originales.
La generación más joven del jazz, sobre todo las generaciones de Charlie
Parker y Dizzy Gillespie, optaron por romper abiertamente las normas
establecidas por el Swing. La respuesta de Gillespie al aburrimiento de
la rutina del swing fue tocar a un ritmo furioso y llenar el breve solo que
se le concedía en la orquesta con tantas
ideas armónicas y melódicas como podía.
Charlie Parker junto a Dizzy Gellespie
El bop comienza a gestarse como consecuencia de la llegada a las
orquestas de un gran número de músicos muy jóvenes, para sustituir a
los que fueron movilizados durante la guerra. Muy pronto, las big bands
deben desintegrarse pues los circuitos comerciales se han hundido tras
la Segunda Guerra Mundial y resulta difícil mantener formaciones de
gran tamaño. A consecuencia de este hecho, los músicos se dispersan
en una infinidad de pequeños grupos que, obviamente, no pueden
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continuar con una música que exige grandes formaciones y, por lo
tanto, están dispuestos a asumir cualquier propuesta, por muy radical
que pareciese en ese momento.
El bop presenta una serie de características que, en su momento,
fueron muy innovadoras:
• Individualización de la sección rítmica, con un resultado de aparente caotización,
rompiendo la continuidad de pulsación propia del swing. Se trata de una clara
influencia de los ritmos afrocubanos, en forma de falsa polirritmia. La pulsación
básica se interioriza y los instrumentos rítmicos, como la batería, se independizan
de ella y asumen papeles melódicos.
• Abandono total del fraseo hot y de la sonoridad vocal de los instrumentos,
llevando más allá la búsqueda de sonidos afinados al estilo europeo, ya iniciada
por el swing, con una estética nerviosa, cortante y fría. El fraseo, sobre todo en los
primeros tiempos, es rápido, en corcheas y semicorcheas, usualmente con
predominio de los registros agudos de los instrumentos.
• Utilización de tempos muy rápidos, incluso en las baladas, con frecuente utilización
de figuras rítmicas antillanas.
• Predominio de los solos individuales, improvisados sobre partes corales, breves y
estructuradas en forma de riffs. Esto supone un claro declive del
concepto melódico propio del swing y su sustitución por un concepto armónico,
desconocido hasta entonces en el jazz.
• Búsqueda consciente de una negritud, a veces forzada, en la elección de temas,
ritmos y sonidos.
El bop sufrió inicialmente un profundo rechazo de la crítica y, en ocasiones,
de los propios músicos swingers, acusado de ser no-jazz. Sin embargo, la
temática bop y la propia actitud de resistencia y rechazo cultural a la
colonización de la música negra por la comercialidad que conllevaba, lo
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acercan al blues y al jazz primitivo mucho más de lo que estuvo nunca el
swing.
Muchos boppers se movían entre los que habían sido expulsados hasta los
márgenes de la sociedad: poetas, homosexuales, artistas, traficantes de
drogas y proxenetas. Muchos se describían a sí mismos como beats, un
diminutivo de 'beatitud', los benditos oprimidos de la sociedad; el bebop
tiene una estrecha relación con el movimiento literario estadounidense
denominado Generación Beat.
El bebop jamás llegó a ser tan popular como el swing. En primer lugar
porque en el momento fuerte de la revolución bebop, en 1942, el Sindicato
de Músicos prohibió a los músicos grabar para protestar por la falta de
ingresos por la música reproducida en la radio y en las gramolas; la
consecuencia es que mucha de la mejor música del momento no fuese
grabada. En segundo lugar porque su época de eclosión fue muy breve.
Finalmente, porque no era una música de fácil acceso como el swing, sino
que era creativa, impredecible y mucho más experimental. El gran público
prefería la música de entretenimiento y espectáculo, por ejemplo la de los
cantantes de baladas modernos como Frank Sinatra, Bing Crosby, etc. Por
otro lado, la música negra que estaba empezando a atraer a las masas era
el Rhythm & Blues, grupos pequeños y de música popular de donde surgiría
el rock and roll.
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e. Cool Jazz o West Coast Jazz
El bebop empezó a estancarse a comienzos de los años cincuenta. Una
de sus estrellas, Miles Davis, empezó a intentar crear sonidos nuevos. Se
alejó del sonido bebop y grabó con un grupo de nueve instrumentos.
Ocho de las piezas se editaron en discos de 78 revoluciones y en 1950 se
recopilaron en un disco con un título muy significativo: Birth of the cool.
Chet Baker, cantante y trompetista, exponente del
movimiento Cool
La música se alejaba de la improvisación total y de los furiosos ritmos
del bebop. Miles Davis desarrolló un estilo más relajado y orquestal.
Desnudó al jazz de sus raíces en el blues y lo empujó hacia un sonido
que tenía mucho más en común con la música clásica europea. Los
críticos dieron a esta música el nombre de cool, tomado de la
expresión to be cool, es decir, calmado, imperturbable, ecuánime, que
provenía del argot de los propios músicos.
Durante un breve periodo, el cool se hizo muy popular sobre todo entre
una nueva generación de jóvenes blancos a uno y otro lado
del Atlántico. Fueron músicos blancos como Chet Baker, Stan
Getz y Gerry Mulligan los que dominaron la escena cool. El alejamiento
al que sometieron al jazz respecto de sus raíces negras llevó a que Miles
Davis repudiara más tarde este estilo.
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Chet Baker junto al saxofonista Stan Getz
El West Coast jazz se caracteriza por ser un estilo menos frenético, más
calmado, que el hard bop, movimiento jazzístico que se desarrolló
paralelamente al Cool. Algunas de sus principales características son las
siguientes:
• Es un estilo que renuncia a algunos de los hallazgos del bebop, especialmente
en la pulsión del ritmo y en la forma de abordar los arreglos, para volver a
conceptos del Swing. Aunque, en realidad, lo que hubo fue un desarrollo de las
formas más avanzadas del swing, especialmente bajo la influencia del
saxofonista Lester Young, para adoptar las innovaciones del Bebop de forma
original y autónoma.
• Según muchos, se trata de un “jazz de blancos”, acomodados y bien asentados
en lugares tan poco “undergrounds” como la playa de Hermosa Beach.
Ciertamente, un porcentaje muy apreciable de los músicos del género eran
blancos, pero en el estilo hay un buen número de creadores de origen
afroamericano que han sido indispensables en su desarrollo.
• Otra característica del género fue su éxito comercial, facturando discos que se
vendían por millones: es el caso de Dave Brubeck y Paul Desmond, con su
triunfal “Take Five” (incluido en el disco Time Out). También facturó un buen
número de copias de su “West Coast Jazz” el saxo tenor Stan Getz, que después
arrasaría con su fusión brasileña. Otro grupo que consiguió bastante
repercusión fue el cuarteto sin piano de Gerry Mulligan y Chet Baker, a
comienzos de los años 1950.
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f. Hard bop
El cool o el West Coast jazz tomaron algunas de las innovaciones
del Bebop pero, en líneas generales, se desarrollaron desde caminos
más cercanos a la música europea y a las formas más vanguardistas
del swing. Por ello, muchos músicos negros, especialmente en la Costa
Este de los EE. UU., se sienten ajenos a estos estilos y reaccionan contra
lo que consideran una nueva usurpación de su música, como ya ocurrió
en los años treinta.
Con el fin de revitalizar el jazz su preocupación va a oscilar, de un
extremo a otro, desde una mezcla reactualizada del gospel y el blues,
que dará lugar a un estilo (dentro del jazz) denominado funky o soul
jazz, hasta una forma revisada del Bebop, mediante un regreso
al expresionismo. Desde esta perspectiva, no es posible disociar el hard
bop del funky jazz. En su momento recibió también la denominación
de East Coast jazz, por oposición al West Coast jazz.
El pianista Horace Silver
Uno de los primeros músicos asociados con el hard bop fue Miles Davis,
junto con los músicos que le acompañaron en el Miles Davis
Quintet: John Coltrane, Cannonball Adderley, Red Garland, Philly Joe
Jones, Paul Chambers y Milt Jackson. Pero es entre 1953, con la
creación de los Jazz Messengers de Art Blakey, y 1954, con la aparición
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de los quintetos de Horace Silver y Clifford Brown - Max Roach , cuando
realmente podemos situar el punto de partida de estas dos tendencias
indisociables que conforman el Hard bop. Un buen número de
intérpretes del norte (Detroit, Chicago...) y del este de Estados
Unidos quedaron encuadrados en este estilo: Kenny Burrell, Pepper
Adams, Bobby Timmons, Reginald Workman, Paul Chambers, Donald
Byrd, Tommy Flanagan...
En el repertorio hard bop se percibe por lo tanto una fuerte influencia
del blues y gospel, siendo notable los temas basados en sus respectivas
estructuras armónicas.
• Melódicamente el hard bop es la lógica continuación del bebop. El lenguaje
melódico de Charlie Parker se generaliza a todos los improvisadores; esto es, el uso
melódico de las extensiones superiores en los acordes, la alteración sistemática de
los dominantes y un uso extensivo de la quinta disminuida sobre los acordes
mayores, si bien se puede observar un mayor énfasis en la verticalidad de las
improvisaciones.
• Armónicamente, las progresiones se hacen más complejas: se amplía el tipo de
modulación con movimientos abruptos. John Coltrane es un claro ejemplo de esto,
como se aprecia en grabaciones clásicas de esta corriente como Blue Train y Giant
Steps.
• El fraseo retoma la fuerza del bebop, volviéndose a generalizar los stacattos en
el contratiempo, frente al fraseo más legato del cool.
• La instrumentación sigue los patrones clásicos del bebop: Quintetos
(con trompeta y saxofón) y tríos especialmente, aunque, por supuesto, podemos
encontrar ejemplos de casi cualquier formación.
• Las secciones rítmicas son más homogéneas y ligeras que en el Bebop, haciendo un
especial hincapié en el rigor del tiempo.
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En cuanto al entorno social en que nace el Hard bop, es conveniente
recordar que la posguerra fue una época socialmente represiva en Estados
Unidos y las ideologías progresistas se ven marginadas a círculos muy
concretos. En este contexto, el jazz entra en contacto con estos círculos en
los locales nocturnos donde tocan los músicos desplazados de los circuitos
comerciales y ese contacto supone un empuje en la búsqueda de la ruptura
con el Swing. En esta línea, la música del hard bop se enorgullece de ser
negra y se inspira claramente en el movimiento de derechos civiles. El
baterista Art Blakey describió el hard bop como el movimiento de vuelta a
los orígenes.
g. Post bop y Free Jazz
Post-bop es la denominación que se dio a la música realizada por un
grupo de músicos de jazz en los comienzos y mediados de la década
de 1960. Para algunos autores, se trata de la evolución de la "corriente
principal" del jazz, cuya principal referencia sería John Coltrane, y
marcaría una de las vías de desarrollo del género en los años
1970. Generalmente, el término post-bop es utilizado para nombrar a
aquellos músicos de jazz que, partiendo del hard bop o el bebop, fueron
influidos por las vanguardias del free jazz, pero sin ser necesariamente
asimilables con ninguno de estos géneros.
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El contrabajista Charles Mingus
Se sitúa generalmente el comienzo del género en los trabajos de John
Coltrane, Miles Davis, Bill Evans, Charles Mingus y Herbie Hancock.
Muchas grabaciones del post-bop fueron realizadas para el sello Blue
Note Records. Los denominados discos fundacionales del post-
bop incluyen Speak No Evil de Wayne Shorter; The Real McCoy del
pianista McCoy Tyner; Maiden Voyage de Herbie Hancock; y Search For
the New Land de Lee Morgan. La mayor parte de los músicos
enmarcados en el post-bop se sitúan también en otros géneros,
principalmente en el hard bop; y en los años de 1970, la gran mayoría
de estos artistas evolucionaron hacia otros estilos como el jazz fusión.
Entre los músicos que se consideraron dentro de este estilo, se
encuentran, además de los ya citados, Ron Carter, Chick Corea en sus
primeros tiempos, Eric Dolphy, Charlie Haden, Joe Henderson, Freddie
Hubbard, Sonny Rollins y otros muchos.
El saxofonista Eric Dolphy
El bop evolucionó muy rápidamente durante los años cincuenta y, entre
las distintas maneras de desarrollarse, algunos músicos, entre
ellos George Russell y Charles Mingus, a partir de los conceptos de
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intuición y digresión, desarrollaron fórmulas similares a las que ya se
habían dado en la música clásica en los años veinte, con la irrupción de
la atonalidad en el jazz de los años sesenta.
Las circunstancias que caracterizan este estilo son absolutamente
revolucionarias en la historia del jazz, aunque algunas de ellas ya se
habían ensayado, desde otra óptica, en el campo de la música clásica
contemporánea:
• El ritmo no se localiza en ningún grupo de instrumentos, sino que se extiende a la
globalidad en forma de impulsos, de energía. Es decir, se trata de una visión
moderna de la polirritmia del hot.
• La melodía y el ritmo no se tratan como sectores independientes, sino
interrelacionados.
• A los acordes y la estructura melódico-armónica se enfrenta la invención
espontánea, la acción y la atonalidad.
• Se pierde totalmente el concepto de fraseo, llegándose a una autonomía de los
distintos sonidos, ampliándose la entonación y el timbre específico de los
instrumentos al campo de los ruidos.
• Se incorporan experiencias sonoras de otras músicas del mundo, especialmente
de África.
Todos estos aspectos suponen, realmente, un intento de «vuelta a lo
africano» sin renuncia a la modernidad, incluso con especial énfasis en la
modernidad. Aparecen aspectos que recuperan elementos esenciales
del hot, como la improvisación colectiva, la polirritmia, la vocalización de
los instrumentos, etc.
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h. Fusiones
Fusión latina
En los primeros tiempos del jazz ya se produjo una temprana
incorporación de elementos latinos a la música hot.
De hecho, los ritmos sureños eran usuales en la música de Nueva
Orleans. Uno de los compositores de los que bebió profundamente
el hot, Louis Moreau Gottschalk (1829-1869) estuvo muy influenciado
por la música cubana, pero en general, toda la cultura que genera el
primigenio jazz, es una cultura criolla, con una música propia resultado
de la fusión de otras.
La presencia de elementos latinos se mantuvo en el jazz de los años
20 y 30, aunque sin la intensidad necesaria para gestar una verdadera
fusión. Sin embargo, a mitad de los años de la década de 1940, la
influencia cubana sobre el bop generó un estilo de fusión cuyo mejor
exponente fue la big band de Machito, crisol en el que se fundieron los
ritmos cubanos y las frases jazzísticas, y cuya influencia se extendió a un
gran número de músicos, entre ellos Dizzy Gillespie, quien lo bautizó
como cubop o bop Afrocubano, aunque finalmente quedó recogido en la
historia del jazz como "jazz latino". El propio jazz latino ha devuelto la
influencia a la música del Caribe, dando lugar a formas híbridas como
la Salsa, con bandas destacadas como Fania All Stars. Más
recientemente, ya en las última décadas del siglo XX, nuevas influencias
latinas sobre el jazz han ampliado el espectro del jazz fusión latino:
la bachata, el tango, etc. Especialmente el tango ha generado un gran
número de experiencias de fusión de primer nivel: Gerry Mulligan, Astor
Piazzolla, Gato Barbieri, Osvaldo Tarantino, Tango Crash...
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La bossa
Con frecuencia incluido entre los supuestos de fusión latina, la bossa
nova es el resultado de la interacción entre los conceptos jazzísticos,
que se extienden por Brasil en la década de 1950, con la música afro-
brasileña tradicional, y especialmente con la samba, el candomblé y
otras de carácter regional. Esta mezcla se concretará en una serie de
locales de Copacabana que, desde finales de la Segunda Guerra
Mundial, venían ofreciendo sesiones de una música bailable muy
influenciada por el West Coast jazz. El género ha dado un gran número
de músicos de proyección mundial: Antonio Carlos Jobim, Joao
Gilberto, Astrud Gilberto, Vinicius de Moraes, Dorival Caymmi, Baden
Powell, etc.
Stan Getz y Joao Gilberto
En una interesante re-fusión, la bossa nova desembarcó en Estados
Unidos influyendo a su vez al propio cool jazz, dando lugar a un género
nuevamente mixtificado que se denominó inicialmente samba jazz,
como consecuencia del gran éxito del álbum homónimo de Stan Getz,
en 1962, aunque luego se conoció más adecuadamente como bossa
jazz. Un buen número de músicos trabajaron de forma preeminente en
este estilo, aunque la mayor parte de los músicos de jazz recogieron
ejemplos del género en sus repertorios: Quincy Jones, Kenny
Dorham, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, Chick Corea, etc. La bossa nova,
además, influyó de forma definitiva a la música pop brasileña.
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Fusión con el clasicismo europeo
Desde el comienzo del jazz han existido intentos por fomentar cierto
entendimiento entre ambos géneros, siendo los más destacados las
experiencias de Paul Whiteman con Ferde Grofé, y las obras de George
Gershwin (Rhapsody in blue, An american in Paris y Porgy and Bess,
especialmente). Más tarde, Duke Ellington desarrollará varias obras en
esta búsqueda de una fusión clásica, comenzando por su Oratorio y
finalizando por composiciones como The golden broom and the green
apple. Todo ello fraguó, en las décadas de los 50 y 60, en la aparición del
género jazzístico denominado Third Stream, que prescinde de buena
parte de los elementos tradicionales del jazz, impulsando
una estetización de este. Sus más conocidos representantes
son Gunther Schuller, David Baker, el Modern Jazz Quartet y, en una
línea muy diferente, Jacques Loussier.
El pianista George Gershwin
Con parámetros parecidos, pero con un planteamiento menos
ambicioso y más intimista, el sello discográfico alemán ECM, desarrolló
entre 1975 y 1990 un amplio abanico de opciones de fusión con la
música europea.
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Fusión étnica
El carácter reivindicativo y pan-africanista del free jazz impulsó el
desarrollo, a mediados de la década de 1960, de una serie de
experiencias de fusión con músicas folclóricas de África y Asia,
especialmente las procedentes del mundo mediterráneo-arábigo y,
sobre todo, hindú. De hecho, la primera vez que se aplica la
denominación de Fusión al jazz, como "marketing comercial" del
productor Denis Preston, corresponde a una grabación del saxo alto Joe
Harriot con un quinteto de músicos de Calcuta. Músicos como Ravi
Shankar o Babatunde Olatunji aportaron elementos de sus culturas que
fueron asimilados rápidamente por el jazz, desembocando en
experiencias como las del grupo Shakti, Paul Horn, el Paul Winter
Consort y muchas otras a caballo con la llamada new age.
Es en este tipo de fusión de origen étnico, donde cabe encuadrar las
experiencias de fusión con el flamenco, que tuvieron sus primeros pasos
entre las décadas delos 60 y los 70, con Sketches of Spain de Miles
Davis y Gil Evans, Flamenco Jazz de Pedro Iturralde y las improvisaciones
de Paco de Lucía con Larry Coryell, o con John McLaughlin y Al DiMeola.
Jazz-rock
Desde la primera mitad de la década de 1960, se produce en Gran
Bretaña un proceso de acercamiento del rock a elementos jazzísticos,
dentro del llamado rock progresivo, con bandas como Graham Bond
Organization, Colosseum, Cream o Soft Machine, y músicos como John
McLaughlin, Jack Bruce, Ginger Baker, Steve Winwood y otros. Pero será
a final de esa década, y en Estados Unidos, donde se delimiten
claramente las dos líneas principales de evolución de la fusión entre jazz
y rock:
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• Los grupos de rock con metales, denominados por algunos autores como Big Bands
de Rock (Blood, Sweat & Tears, Chicago, Chase, The Flock, CCS, etc.).
• El Jazz Fusión que impulsa Miles Davis con su álbum Bitches Brew (CBS, 1969), y
que tiene un importante número de representantes en las décadas de los 70 y
los 80: Chick Corea, Tony Williams, Herbie Hancock, Larry Coryell, Stanley
Clarke, Jeff Beck, Mahavishnu Orchestra, Weather Report, David Sanborn o Pat
Metheny, y extendiéndose posteriormente por Europa.
El género se asentó de forma sólida, hasta el punto de que en la mayor
parte del jazz moderno, es decir, del jazz contemporáneo que no sigue la
línea principal del bop (mainstream), es posible reconocer elementos
del mismo. Gary Burton se refería a ello cuando indicó que "más que
influencia del rock sobre el jazz, es que ambos tenemos las mismas
raíces".
i. Crisis del Jazz y Jazz neoclásico
El auge del "neo-tradicionalismo" que tuvo lugar con la llegada de
la década de 1980 marcó el punto más alto de la crisis que había
afectado al jazz desde la popularización masiva del rock, en la década de
1960. El jazz representaba para los negros norteamericanos la
alternativa popular a la música clásica, pero en el momento en que
comenzó a derivar, primero hacia el free jazz y luego hacia las distintas
fusiones que tuvieron lugar en la década de 1970, fue alejándose cada
vez más de sus orígenes, entrando en una crisis de identidad que a
finales de esa década aún no había sido resuelta. En ese período el
término "jazz" se solía identificar simplemente con la música
instrumental, los músicos blancos estaban logrando más éxito que los
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negros y el panorama creativo en general era bastante desalentador.
Sin embargo, la llegada de los neo-tradicionalistas cambió el orden de
las cosas: en lugar de abanderar una nueva revolución en el género,
reivindicaron una vuelta a sus orígenes trasladando los términos del
debate desde la dicotomía Free jazz / Jazz fusión al debate entre los
defensores de la pureza del estilo (neo tradicionalismo) y los partidarios
de su evolución.
Scott Hamilton, con su A Is a Good Wind Who Is Blowing Us No Ill (1977)
inauguró el revival del jazz clásico.
Wynton Marsalis
Mención aparte merece Wynton Marsalis, el principal representante de
una saga familiar de Nueva Orleans que se inicia en la obra de Ellis
Marsalis, padre del anterior (y de Brandford, Delfeayo y Jason, todos
ellos destacados músicos de jazz), y un importante educador que tuvo
entre sus alumnos más destacados a Terence Blanchard, Donald
Harrison, Harry Connick, Jr., Nicholas Payton, o a Kent y Marlon Jordan,
entre otros. La llegada a la escena de Wynton Marsalis, considerado por
la crítica como el músico de jazz más famoso desde 1980, supuso la
inauguración del movimiento de los "Young Lions" (jóvenes leones), un
movimiento que tuvo como resultado la contratación por parte de las
grandes compañías discográficas -incluso de aquellas que nunca habían
mostrado interés alguno en este tipo de música- de los jóvenes talentos
del jazz. Con un conocimiento enciclopédico de la tradición de su
instrumento, Marsalis ha sido criticado por su papel conservador como
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director de la "Lincoln Center Jazz Orchestra", una banda dedicada a
preservar la identidad musical del jazz de los afroamericanos, pero
también ha destacado por su papel de divulgador de la cultura del jazz,
y como introductor de nuevos talentos.
j. Jazz contemporáneo
Desde mediados de la década de 1970 la ciudad de Nueva York estaba
experimentando una "nueva ola" de creatividad musical, tanto en el
mundo del rock como en el mundo del jazz y la música de vanguardia.
La revolución neoyorquina nacía de diversas raíces, y la cuestión racial
era una de ellas: los músicos blancos lideraban el movimiento, y los
músicos negros habían sido apartados de facto tanto de la escena de la
música rock como de la clásica. El jazz se había cruzado anteriormente
con otras músicas negras -el blues, el funk, el soul...-, pero hasta
entonces no lo había hecho con estilos como el rock o la música clásica
de vanguardia, tradicionalmente dominadas por músicos blancos. La
revolución neoyorquina cambió el orden de las cosas.
La revolución neoyorquina se dejó sentir tanto en el tipo de material en
el que los músicos se estaban embarcando como en el tipo de técnicas
que empleaban para improvisar, recogiendo influencias de todo tipo y
fusionándolas sin limitaciones conceptuales. Así, el saxofonista Ned
Rothenberg se estableció entre la primera línea de las nuevas
generaciones de improvisadores. Otros músicos, como el
trombonista Jim Staley, o Tom Varner, un virtuoso del corno francés, se
situaron entre los más originales de su generación. Mucho más
conocido, el guitarrista Bill Frisell asimiló en su obra influencias del jazz
y del rock, pero también del folk, de la música de las marching bands o
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incluso de la música eclesiástica. Solistas como el violonchelista Hank
Roberts, o Mike Shrieve (ex baterista de Santana) pusieron también su
capacidad integradora en primera línea.
Más allá de las fronteras de Nueva York, continuaban apareciendo en
los últimos años una serie de artistas que desarrollaban el grueso de su
trabajo -en el que reelaboraban los conceptos establecidos por
generaciones de jazzistas anteriores de múltiples y creativas maneras-
ya en el nuevo siglo
. El pianista Brad Mehldau
El bajista de San Francisco Michael Formanek debutó con Wide Open
Spaces (1990), un disco que inaugura una carrera marcada por el gusto
por la experimentación. El compositor Joe Maneri editó su primer
álbum de jazz (Kalavinka, 1989) con 68 años, y desde entonces no ha
cesado en sus exploraciones. El yugoslavo Stevan
Tickmayer colideró The Science Group (1997-2003), un nuevo intento de
fusionar la música de cámara con la improvisada, y el
argentino Guillermo Gregorio desarrolla también su actividad entre la
música clásica de vanguardia y el free jazz (Approximately, 1995; Ellipsis,
1997...), y el canadiense Paul Plimley inaugura su ecléctica carrera
con When Silence Pulls (1991), un disco inspirado en el piano de Cecil
Taylor. El trompetista Greg Kelley investigó la fusión entre la música
concreta y el free jazz en Trumpet (2000), el multi instrumentista Eric
Glick-Rieman mostró su virtuosismo en Ten To The Googolplex (2000) y
el violinista canadiense Eyvind Kang, uno de los más eclécticos músicos
de su generación, desarrolló su obra (Virginal Co-ordinates, 2000) entre
el rock, el jazz y la música clásica. También a comienzos de los años
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2000, aparecieron los discos de confirmación de músicos como el
trombonista Josh Roseman, el contrabajista Ben Allison, el
saxofonista David Binney, o el pianista Jason Lindner, todos ellos
norteamericanos. Destacan también los trabajos del francés Erik
Truffaz, del pianista Brad Mehldau y del trompetista israelí Avishai
Cohen.
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3) Personajes emblemáticos
a. Duke Ellington
Nació el 29 de abril de 1899 en la ciudad de Washington (Estados
Unidos) en el seno de una familia negra de clase media acomodada.
Por su sofisticada educación, su refinada forma de hablar, y su exquisito
gusto por la ropa elegante, le pondrían el apodo de El Duque.
Cursó algunos estudios musicales, pero nunca los acabó, por lo que su
talento nace instintivamente y de manera autodidacta. Con diecisiete
años comenzó su carrera como pianista profesional. En 1923 se mudó
a Nueva York y crea su propio grupo, The Washingtonians.
Entre 1930 y 1940, amplió el número de sus componentes y actuaron
en teatros, clubes y la radio.
En 1943 dirigió el primero de los nueve legendarios conciertos que
ofreció anualmente en el Carnegie Hall de Nueva York. Con un estilo
ecléctico, combina el blues, varias formas del jazz y el sonido big-band
com la música swing. Acompañó a músicos como Ella Fitzgerald y Billie
Holiday.
Entre sus trabajos destacan: 'Moon Indigo' (1931), 'Sophisticated lady'
(1933) y 'Solicitude' (1934). Sus obras a gran escala incluyen Black,
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Brown and Beige (1943), Liberian Suite (1948), A Concert of Sacred
Music (1965) y Far East Suite (1967).
Compuso las bandas sonoras de las películas “Anatomía de un
asesinato” (1959, de Otto Preminger) y “Un día volveré” (1961,
de Martin Ritt), y de las comedias musicales “Beggar's Opera” (1947)
y “Pousse-Café” (1966).
A partir de 1941, el tema principal del grupo fue "Take the 'A' train",
compuesta por su socio, el autor de letras y arreglista Billy Strayhorn.
Fue distinguido con un Pulitzer honorario por su desbordante
contribución a la cultura autóctona y mundial (2.000 composiciones,
del blues al jazz, del gospel al swing, de la balada romántica a la música
sacra).
Escribió sus memorias a las que tituló: 'La música es mi amante'.
Duke Ellington falleció en Nueva York el 24 de mayo de 1974.
b. Louis Amstrong
Nació el 4 de agosto de 1900 en Nueva Orleans, Louisiana, en el seno de
una familia muy pobre y en uno de los barrios marginales de esa
ciudad. Con seis años cantaba en las calles junto a otros tres amigos
para conseguir dinero.
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Apenas recibió formación. Su primer contacto con la música tuvo lugar
en un reformatorio para niños abandonados cuando fue admitido por
buena conducta en la banda del establecimiento. Muy pronto aprendió
a tocar el clarín, el clarinete, la corneta, y comenzó a familiarizarse con
la trompeta a partir de las clases que recibía del músico de jazz King
Oliver. Cuando en 1914 sale del reformatorio, empieza a trabajar en
los cabarets de Storyville, donde estaban concentrados todos los locales
nocturnos de la ciudad; fue allí donde conoció al cornetista King Oliver.
Debutó como profesional en el año 1917 como trompetista en la banda
de Kid Ory en Nueva Orleans. Poco tiempo después, es Fate
Marable quien se fija en él y le incorpora a su prestigiosa banda que
actúa diariamente en los barcos de vapor que navegan por
el Mississippi. En 1922 se unió a la Oliver´s Creole Jazz Band de King
Oliver. Estuvo en Chicago siete años, hasta 1929, exceptuando el
periodo transcurrido entre 1924 y 1925 en que tocó junto a Fletcher
Henderson en Nueva York.
Su primera grabación como líder de una banda, Louis Armstrong and his
Hot Five, la realizó el 12 de noviembre de 1925 dando inicio a una
prolífica producción discográfica. Hasta la aparición de Armstrong (junto
a King Oliver, su maestro), los músicos de jazz eran actores anónimos
que ejecutaban una improvisación espontánea, llena de encanto pero
en cierto modo impersonal. Esto cambió con la aparición de Armstrong:
si hoy reconocemos estilos o modalidades estéticas jazzísticas o
temperamentos diferentes, es gracias a que un trompetista moldeó una
voz instrumental propia, sorprendente.
Son incontables las veces que se han reeditado sus trabajos, y las
selecciones de "lo mejor de", abundan. Debido a una serie de
grabaciones que realizó, que poseían tal calidad y variedad pasó a ser el
trompetista y cantante de jazz más importante de la historia. A lo largo
de su vida profesional actuó en Estados Unidos, Europa, Suramérica,
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Asia y África, al principio con las orquestas de King Oliver, Kid Ory, Fate
Marable, Fletcher Henderson, Sidney Bechet y luego al frente de sus
propios grupos como los Hot Five (más tarde Hot Seven), orquestas en
el apogeo de las big bands, y a partir de 1947 con su agrupación All
Stars.
Compartió honores en estudios de grabación, escenarios y películas
con Benny Goodman, Duque Ellington, Dizzy Gillespie, Jimmy
Dorsey, Oscar Peterson, Dave Brubeck, Paul Whiteman, Bessie
Smith, Bing Crosby, los Mills Brothers, Billie Holiday, Ella
Fitzgerald y Barbra Streisand, entre muchos otros.
Apareció en más de 50 películas, de las que destacan, Cabin in the
Sky (1943), Jam Session (1944), High Society (1956) y The Five
Pennies (1959). Ha realizado unas 1.500 grabaciones, entre las que
sobresalen versiones de 'Ain´t Misbehavin', 'I Can´t Give You Anything
but Love' y 'Tiger Rag'. Entre sus propias composiciones destacan, 'I´ve
Got a Heart Full of Rhythm' y 'Wild Man Blues'.
Su autobiografía se titula Satchmo, (de satchel, que significa bolsa; y
mouth), mi vida en Nueva Orleans(1954).
A los 17 años se casó con Daisy Parker, una prostituta cuya negativa a
dejar el oficio provocó el divorcio. A los 23 contrajo nupcias con su
compañera de la banda de King Oliver, la pianista Lil Harding. Después
de un tercer y breve matrimonio con Alpha Smith, en 1942 se casó
con Lucille Wilson, su esposa durante el resto de su vida.
Fue embajador de buena voluntad del gobierno estadounidense, objeto
de fuertes críticas por parte de la Unión Soviética durante sus giras por
África.
Louis Armstrong falleció el 6 de julio de 1971 víctima de un infarto
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cardíaco en medio de padecimientos renales y hepáticos en su casa
de Corona (Nueva York).
c. Benny Goodman
Nació el 30 de mayo de 1909 en Chicago (Estados Unidos).
Fue el noveno de doce hermanos, hijo de emigrantes judíos
procedentes de Polonia.
Cuando contaba diez años de edad inició sus estudios de clarinete y
durante los cuatro siguientes actuó con diversos conjuntos locales de
baile. En 1934 creó su propia orquesta; en 1936, su grupo de jazz pasó a
ser uno de los más famosos de Estados Unidos.
Su estilo musical se denominó swing, y a él mismo le comenzaron a
llamar el Rey del Swing. Además colaboró con grupos más pequeños,
especialmente para grabar, como el Benny Goodman Trío, Cuarteto y
Sexteto. En 1938, Goodman se presentó en un concierto en el Carnegie
Hall de Nueva York y, desde entonces, el jazz, como música de concierto
se hizo común. Además sobresalió por sus interpretaciones de
conciertos clásicos, como el Concierto para clarinete de Wolfgang
Amadeus Mozart. Béla Bartók compuso Contrasts para él y el violinista
Josef Szigeti; también Aaron Copland y Paul Hindemith le escribieron
conciertos para clarinete. Benny Goodman falleció en Nueva York el 13
de junio de 1986.
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d. Frank Sinatra
Nació el 12 de diciembre de 1915 en Hoboken, New Jersey.
Hijo de Natalia Della Garavantes y del boxeador analfabeto Marty
Sinatra que también trabajó de bombero. Su madre, una genovesa,
mujer de carácter fuerte y emprendedor, practicaba abortos por 25
dólares.
Durante la década de 1930 actuó con los grupos de Harry
James y Tommy Dorsey. Grabó su primer disco en 1939. En los cuarenta
fue el ídolo de las jóvenes que soñaban con sus románticas canciones y
su voz melódica.
Su primera película fue Ship Ahoy en 1942, pero no es hasta Higher and
Higher cuando empieza a cosechar algún éxito, comienza a introducir
canciones como You belong in a love song, The music stopped y I saw
you first entre otras, su compañera en ese film fue Michele Morgan.
Actuó en películas musicales como Levando anclas (1945, George
Sidney) y Un día en Nueva York (1949, Stanley Donen). En 1953 ganó
un Oscar por su actuación (no cantada) en De aquí a la
eternidad (1953, Fred Zinnemann).
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Con fama de vividor, se casó con Nancy Barbato, su primera mujer de la
que se divorció en 1951 y con la que tuvo sus tres hijos Nancy, Tina y
Frank Jr. Conoció a Ava Gardner, que lo encontró arrogante, engreído y
prepotente. Se enamoraron, aunque su romance permaneció en secreto
debido a la denominada Claúsula Moral que Ava tenía firmada con
la Metro. Pero el idilio acabó por hacerse público y Nancy anunció su
separación el día de San Valentín de 1950. Ava fue tachada de
'rompehogares' y viajó a España para rodar Pandora y el holandés
errante. Frank se apresuró en llegar a España bajo los rumores de un
romance entre Ava y Mario Cabré, torero y pareja suya en la película. El
31 octubre de 1951 Nancy consigue la nulidad del matrimonio
por crueldad mental. Al día siguiente, Frank y Ava consiguieron una
licencia de matrimonio.
Mujeriego, amigo de presidentes y socio de mafiosos, tuvo y mantuvo
grandes amistades, algunas peligrosas, y amores envidiables. Se
relacionó con Lana Turner, con las actrices Mercedes
McCambridge y Donna Reed, con Juliet Prowse, Kim Novak, Jacqueline
Bisset, Judy Garlan, Jill St. John, Marilyn Monroe yGrace Kelly.
Con Shirley Maclaine su gran amiga, formó parte del Rat Pack.
Con Lauren Bacal, incluso se llegó a anunciar su boda. Mia Farrow, fue
su tercer matrimonio en 1966 y otra de sus grandes amigas después de
su divorcio en 1968 y, Bárbara, viuda de Zeppo Marx fue con la que se
casó por última vez en 1976. Jackie Kennedy fue uno de los romances
más sonados, siendo ella viuda.
Sinatra pertenecía al Rat Pack, el grupo de amigos más íntimo de
Sinatra, de hecho se les denominaba el Clan Sinatra. Organizaron giras y
realizaron varias películas. Pertenecían a él Dean Martin, Sammy Davis
Jr., Peter Lawford, Joey Bishop, Shirley Maclaire y Angie Dickinson.
Después de una breve época de descanso (1971-1973) volvió a su
actividad como cantante. Las canciones de Sinatra, My Way, Strangers
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in the night, New York, New York o I´ve got you under my skin son
reconocidas mundialmente. En 1993 grabó Frank Sinatra Duets, álbum
con canciones suyas interpretadas a dúo con otros cantantes famosos
como Barbra Streisand y Aretha Franklin, el cantante español Julio
Iglesias y Bono, cantante del grupo de rock irlandés U2.
Fue durante medio siglo el número uno del entretenimiento; realizó
unas 2.000 grabaciones, participó en 50 películas y ganó cinco
premios Grammy y un Oscar.
Frank Sinatra falleció en Los Angeles la noche del 14 de mayo de 1998
de un ataque al corazón en el prestigioso Hospital Cedar Sinaí, a los 82
años de edad y en compañía de sus hijos y su última esposa.
e. Billie Holliday
Nació el 7 de abril de 1915 en Baltimore, Maryland, en el seno de una
familia humilde.
El abuelo de Billie Holiday fue uno de los 17 hijos que tuvo un esclavo
negro en una plantación de irlandeses. «Fue un milagro que
mamá, Sadie Fagan, no fuera a parar al correccional y yo al
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reformatorio. Pero ella me quiso desde el mismo instante en que notó
en su vientre un suave puntapié mientras fregaba suelos. Se presentó
en el hospital e hizo un trato con la directora: para pagar su estancia y la
mía se ofreció a fregar los suelos y atender a las demás mujeres que
esperaban tener a sus hijos. Trato hecho: mamá tenía 13 años ese
miércoles 7 de abril de 1915 cuando yo nací en Baltimore». Su madre
tenía 13 años y su padre, Clarence Holiday, tocaba la guitarra y el banjo
en la banda de Fletcher Henderson. Su bisabuela murió mientras dormía
junto a Billie. Padeció un sin fin de desgracias: la violaron con diez años.
En la esquina de su casa había un burdel donde Billie hacía recados y
servicios para el ama y las chicas. Iba a la tienda, subía y bajaba
palanganas, lavaba las toallas, todo por cinco centavos, aunque prefería
no cobrar si a cambio el ama la dejaba escuchar a Louis Armstrong y
a Bessie Smith en la victrola instalada en la sala de estar. Fue prostituta
durante algún tiempo y en sus comienzos como cantante sufrió los
efectos del racismo más cruel. Se refugió en el alcohol y en las drogas.
Se trasladó en los años veinte a Nueva York, donde comenzaría a cantar
en clubs nocturnos.
En 1935 hizo su presentación en el teatro Apollo y apareció
interpretando un tema en el cortometraje musical 'Symphony in black'
junto a Duke Ellington. Una joven e ilusionada Billie recorrería los
teatros de la ciudad actuando con diferentes bandas. Precisamente
junto a una de ellas, conoció al saxo tenor Lester Young, aquel que sería
casi un hermano para ella. Lanzada a la fama en 1935, desde entonces
cantó en varias orquestas, entre ellas las de Count Basie y Artie Shaw, y
compartió varias grabaciones con el saxofonista Lester Young y el
pianista Teddy Wilson. La década que siguió a su debut fue prolífica,
Billie grabó cerca de 200 canciones entre ellas auténticas piezas
magistrales del jazz como 'God bless the child','I love you porgy' o 'Fine
and Mellow'.
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Se casó en 1941 con el trompetista Jimmy Monroe y tuvo varios
amantes. Durante los años cuarenta y cincuenta los clubes de la calle 52
y de Manhattan se la rifaban y su fama alcanzó el viejo continente y
atravesó fronteras. Consiguió cantar con Armstrong y llenó locales por
toda América aunque su voz comenzó a mostrar los síntomas de
algunos de sus vicios. En 19 57 volvió a contraer matrimonio, esta vez
con Louis McKay, quien impulsó su carrera y la alejó por un tiempo de
las drogas. En muy pocas ocasiones cantó blues tradicional; aunque,
hizo que muchas canciones populares se convirtieran en piezas
profundas y emotivas. Varias de sus canciones se convirtieron en
clásicos del jazz. El tema "Strange Fruit" fue considerado como la mejor
canción del Siglo XX, por la revista "Time" en 1999. Junto con Sarah
Vaughan y Ella Fitzgerald, está considerada entre las más importante e
influyentes voces femeninas del jazz.
'Lady Day', tal y como la apodó su amigo Lester Young, falleció el 17 de
julio de 1959 por cirrosis hepática en el Metropolitan Hospital de Nueva
York, mientras estaba arrestada por posesión de estupefacientes. Tenía
70 centavos de dólar en el banco.
Su autobiografía, Lady Sings the Blues (1956), inspiró en 1972 una
película interpretada por Diana Ross.
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f. Ella Fitzgerald
Nació el 25 de abril de 1918 en Newport, Virginia. La mayor parte de su
infancia transcurrió en un orfanato de Nueva York.
Fue descubierta con dieciséis años en Harlem cuando cantaba en
un espectáculo para jóvenes talentos, la noche de amateurs en el
mítico teatro Apollo (poco antes había sido abucheada al cantar en otro
teatro de aficionados, al parecer marcando para siempre su
personalidad con un gran miedo al fracaso en público). En el Apollo
ganó un premio de 25 dólares y fue vista por el miembro de una muy
reputada orquesta, la banda de Chick Webb, un batería que la adoptó
musicalmente y también en el sentido estricto de la palabra, firmando
un papel para ser su padre adoptivo. Entre 1934 y 1939 cantó con
la Chick Webb Band, grupo que dirigió durante un tiempo tras la muerte
de su líder en 1939. A mediados de los años cuarenta, trabajó con el
empresario estadounidense Norman Granz y viajó por Europa y Asia con
su Jazz at the Philharmonic.
Formó parte del triunvirato completado por Billie Holiday y Sarah
Vaughan, las tres voces femeninas más importantes del jazz.
Improvisadora sorprendente, dominadora del "scat" y con una voz
capaz de afrontar cualquier reto, desde el Night and Day de Cole
Porter al Someone to watch over me de George Gershwin. Sus
composiciones incluyen 'Oh, But I Do' y 'You Showed Me the Way',
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entre otras. En 1958 actuó junto con el compositor estadounidense de
jazz Duke Ellington en el Carnegie Hall de Nueva York.
Envejeció artísticamente con elegancia: su voz perdió dulzura pero no
claridad de pronunciación, control del material, entonación o sentido
del ritmo. De sus últimas apariciones destacan el concierto que ofreció
en 1985, con motivo del Kool Jazz Festival, en el Carnegie Hall. En 1986
su carrera se resintió gravemente a causa de una operación a corazón
abierto, y sólo volvió a cantar en público en contadas ocasiones, como
en los festivales de jazz de Nueva York y Montreal en 1987 y otras
apariciones en 1990.
Vivió dos años en Dinamarca durante la época de explosión de
los clubes de jazz en Europa.
Ella Fitzgerald falleció el 15 de junio de 1996 en su casa de Beverly
Hills (California), rodeada de su familia. Fitzgerald vivía recluida en su
domicilio desde hacía tres años. Sufría de diabetes, y en 1993 le
fueron amputadas las dos piernas.
Su legado pervive a través de los 250 discos que grabó y sus 13
grammys, que la convirtieron en la artista de jazz con mayor número de
esos galardones en su haber.
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g. Sarah Vaughan
Nació el 27 de marzo de 1924 en Newark, N.J.
Poseedora de una de las voces más extraordinarias del siglo XX. Recibió
lecciones de piano entre 1931 y 1939.
Comenzó a cantar en la iglesia. Recibió el premio del talento del Apollo
Theatre en 1942.
Influenciada por el bebop emergió como una estilista del género por los
últimos años 40 y estableció una carrera en solitario que gozó del
aplauso del público internacional. Destacó por su inventiva armónica y
sentido de la improvisación. Con el tiempo su voz se fue haciendo más
oscura sin perder su flexibilidad. Con Ella Fitzgerald y Billie
Holiday figura en lo más alto de las intérpretes femeninas de jazz.
Se casó en tres ocasiones con George Treadwell (1946-1958), Clyde
Atkins (1958-1961) y Waymond Reed (1978-1981). Siendo incapaz de
ser madre biológica, adoptó a Debra Lois en 1961, quien
posteriormente trabajaría como actriz en los 80 y 90 bajo el nombre de
París Vaughan.
Sarah Vaughan falleció el 3 de abril de 1990 en Los Angeles, California.
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h. Dizzy Gellespie
Nació el 21 de octubre de 1917 en Cheraw, Carolina del Sur. Hijo de un
albañil y músico ocasional que le dio muy mal trato, el joven Gillespie se
pegaba con todo el mundo: "Yo era un diablo, un diablo fuerte."
Al cumplir los 14 años, comenzó a tocar el trombón, pero enseguida lo
cambió por la trompeta, que ya manejaba con destreza cuando su
familia se trasladó a Filadelfia en 1935. Allí obtuvo su primer contrato
importante con la orquesta de Frank Fairfax.
Su vida cambió a medida que iba transformándose de matón en su
juventud a auténtico ciudadano del mundo, dando apoyo a causas
sociales, como la integración racial. Se convirtió a la Fe Bahá'í hacia la
mitad de su vida. Se radica en Nueva York, donde rápidamente se dio a
conocer como un joven instrumentista con un estilo característico. Tocó
con las big-bands de Cab Calloway y Earl Fatha Hines y en el año 1945
colaboró con el saxofonista Charlie Parker, con quien grabó algunos
discos. Con su trompeta Curva, fabricaba sus frases vertiginosas y
agudos prodigiosos inflando unos increíbles mofletes sobrenaturales.
Fue líder de varias big-bands a mediados de los años cuarenta. Las
innovaciones armónicas y rítmicas que introdujo ayudaron a
transformar el lenguaje musical del jazz en una forma expresiva
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moderna que cautivaba a los espectadores de todo el mundo. Entre sus
composiciones destacan "Salt Peanuts", "Bebop" y "Night in Tunisia". Su
obra "Manteca" fue un trabajo pionero del jazz afro-cubano, estilo que
desarrolló especialmente al final de su carrera. Desde el punto de vista
melódico, el estilo del bebop o bob del que Dizzy Gillespie fue con
Charlie Parker y Kenny Clarke uno de los creadores, se caracteriza por el
fraseo asimétrico, el cromatismo y las combinaciones de motivos
breves, a modo de exclamación, con líneas largas y veloces. A fines de
los 80, cuando ya había cumplido 70 años, creó su "Orquesta de la
Nación Unida".
Dizzy Gillespie falleció en Englewood, Nueva Jersey, el 6 de enero 1993.
i. Miles Davis
Nació el 25 de mayo de 1926 en Alton, Illinois (Estados Unidos) en el
seno de una familia de clase alta. Se trasladó a la ciudad de San Luis
junto a su familia.
Cuando tenía 13 años un familiar le regaló una trompeta y desde
entonces se enamoró del instrumento. Posteriormente fue enviado a
Nueva York, para estudiar en la prestigiosa escuela Juilliard.
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En 1945 realiza su primera grabación; abandonó la Escuela de Música y
se unió al quinteto de Charlie Parker. Un año antes tocó en la famosa
orquesta del cantante Billy Eckstine, que en ese momento incluía a
figuras del jazz moderno de la talla de Charlie Parker, Dizzy Gillespie y
Dexter Gordon.
Fue uno de los más grandes innovadores y pioneros del jazz. El toque de
su trompeta tenía una inconfundible calidad y característico gracias a
la sordina de acero Harmon, que le proporcionaba un toque íntimo y
suave. A finales de los años 40, se encontró con el arreglista Gil Evans,
con el que abriría el camino al cool jazz y con quien grabó Birth of the
Cool, Miles Ahead, Porgy and Bess y Sketches of Spain. Se rodeó de
músicos de bebop y funda el hard bop, una forma musical revolucionarla
que tuvo importantes consecuencias.
En 1959 aparece Kind of Blue. La grabación tuvo lugar en el 30th Street
Studio de la Columbia Recordsen Nueva York en sólo diez horas
repartidas en dos días, el 2 de marzo y el 22 de abril de 1959. Le
acompañaron el saxofonista John Coltrane y el contrabajista Paul
Chambers, Julian "Cannonball" Adderley, en el saxofón alto, Jimmy
Cobb a la batería y Bill Evans al piano. El lanzamiento se produjo el 17
de agosto por el sello discográfico Columbia en formato mono y
estéreo. Esta obra está considerada como maestra en el género y con
gran influencia en diversos géneros como el rock y la música clásica.
Está reconocida como una de las producciones más grandes de todos
los tiempos.
El estilo de Davis, basado en una forma anti virtuosista de entender la
trompeta, siempre fue polémico. A finales de los años 60 empezó a
experimentar con más ritmos de rock e instrumentos eléctricos y en los
70, se dirigió a los sonidos más frescos del funk. Fue uno de los músicos
más innovadores de su generación y contribuyó a formar jóvenes
talentos como Tony Williams o Herbie Hancock.
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Davis, en sus últimos años recibió cuidados a causa de
su diabetes aguda, y había sido operado de la cadera. En los años
cincuenta tuvo problemas de adicción a la heroína y cocaína, por lo que
se sometió a una cura de desintoxicación. Estuvo casado tres veces y
tuvo cuatro hijos.
Miles Davis falleció el 28 de septiembre de 1991 en Santa Mónica. Dejó
más de 120 grabaciones, incluyendo varias en vivo de las giras que
realizó sobre todo en los últimos años por Europa.
j. Thelonious Monk
Nació el 10 de octubre de 1920 en Rocky Mount, Carolina del Norte.
Durante los años 40 fue, junto con el saxofonista Charlie Parker y el
trompetista Dizzy Gillespie, uno de los fundadores del bebop. Con una
técnica de piano poco ortodoxa que le impidió alcanzar la fama hasta
mediados de la década de 1950, momento en que su música fue
apreciada convirtiéndose uno de los principales compositores de jazz de
su época. Componía para grupos reducidos, interesándose por las
innovaciones formales.
Muchas de sus obras, como Round Midnight, Criss Cross, Epistrophy,
Well, You Needn't y Blue Monkson clásicos del jazz. Actuó junto a
46
los Giants of Jazz en 1971, 1972, y 1973, después se retiró
definitivamente. Padeció una enfermedad mental y salvo alguna
aparición especial a mediados de los setenta, vivió apartado del mundo
de la música.
Thelonious Monk falleció en Weehawken, Nueva Jersey, el 17 de
febrero de 1982.
k. Chet Baker
Nació el 23 de diciembre de 1929, en Oklahoma, Estados Unidos.
Hizo su debut como trompetista en 1946 en la banda de
la Armada mientras cumplía el servicio militar. Posteriormente volvió a
alistarse, pero fue dado de baja después de contestar a las preguntas de
un test psiquiátrico.
En 1952 Charlie Parker lo eligió en una audición en el Tiffany Club,
continuó en el cuarteto y después la orquesta de Gerry Mulligan,
posteriormente realizó sus primeras grabaciones solistas. Chet Baker
fue uno de los músicos predilectos de los años 50. En esta época, Baker
colaboró con figuras de la importancia de Art Pepper y Lee Konitz, actuó
47
como cantante y dirigió sus propios grupos junto a pianistas como Russ
Freeman o Dick Twardzick.
En una pelea con narcotraficantes en California, en 1968 perdió sus
dientes. Su adicción a las drogas le valió un arresto en Nueva York,
cárcel en Lucca (Italia) y la expulsión de Alemania. Abandonó la música
durante varios años y se ganó la vida como empleado en una estación
de servicio. A su regreso, largamente esperado, su sonido era aún más
frágil y obsesivo que antes. Su nueva entrada a escena fue 1973 con un
concierto junto con Mulligan en el Carnegie Hall.
Se casó con la modelo inglesa Carol Jackson. Su matrimonio duró toda la
vida.
Chet Baker falleció el 13 de mayo de 1988, al caer desde la ventana de
su habitación en un hotel de Amsterdam.
l. Art Blakey
Nació el 11 de octubre de 1919 en Philadelphia, Pennsylvania.
Considerado como uno de los mejores percusionistas y directores de
combo de la historia del jazz, muchos músicos adquirieron destreza
tocando junto a Blakey, para luego formar sus propios grupos. Intentó
48
durante toda su vida imponer a su instrumento en primera línea.
Junto al pianista Horace Silver forma The Jazz Messengers, en 1954.
Su primer álbum fue Horace Silver & The Jazz Messengers. Colaborador
en 1963 de la compañía Impulse con McCoy Tyner, Sonny Stitt y Art
Davis; participó en una gira mundial durante 1971-1972 con "The Giants
of Jazz", estrellas entre las que se encontraban Thelonious Monk, Dizzy
Gillespie, Sonny Stitt y Al McKibbon; y junto a otros tres grandes
baterías (Max Roach, Elvin Jones y Buddy Rich) en el Newport Jazz
Festival de 1964.
Art Blakey falleció el 16 de octubre de 1990 en Nueva York.
49
4) El saxofón
a. Historia
El saxofón fue creado a mitad de la década de 1840 por Adolphe Sax, e
introducido en la música orquestal por Jules Massenet en sus
óperas Manon y Werther.
Adolph Sax, inventor del saxofón
Adolphe Sax era un fabricante de
instrumentos, flautista y clarinetista nacido en Dinant (Bélgica) que
trabajaba en París. Mientras estaba trabajando en la tienda de
instrumentos de su padre en Bruselas, Sax comenzó a desarrollar un
instrumento que tenía la proyección de un instrumento de viento-
metal con la movilidad de un instrumento de viento-madera. Antes de
su trabajo en el saxofón, Sax hizo varias mejoras al clarinete
bajo mejorando sus llaves y acústica y ampliando su registro inferior.
Sax era también un fabricante de figles, en aquella época muy
populares y que eran instrumentos de metal grandes y cónicos de
registro grave con llaves similares a las de instrumento de viento
madera. Su experiencia con estos dos instrumentos le permitió
desarrollar las habilidades y las tecnologías necesarias para fabricar los
50
primeros saxofones. Adolphe Sax creó un instrumento con una
boquilla de caña sola como un clarinete, de cuerpo cónico
de cobre como un figle y las propiedades acústicas de la flauta. A
principios de los años 1840, Sax había construido varios saxofones de
diferente tamaño y recibió una patente de 15 años para el instrumento
el 28 de junio de 1846. La patente abarcó a 14 versiones del diseño
fundamental, dividido en dos categorías de siete instrumentos cada
una, desde el sopranino al contrabajo. La patente de Sax expiró
en 1866. A partir de entonces numerosos saxofonistas y fabricantes de
instrumentos pusieron en práctica sus propias mejoras al diseño y llaves
del instrumento. La primera modificación sustancial hecha por un
fabricante francés consistió en una ligera ampliación de la campana y
añadió una llave suplementaria para ampliar el registro hacia abajo en
un semitono al si♭. Se sospecha que el propio Sax pudo haber
intentado esta modificación. Este suplemento fue adoptado en casi
todos los diseños modernos. El conjunto original de llaves de Sax era
muy simplista y dificultó la interpretación de algunos pasajes legato y
amplios intervalos sumamente difíciles de tocar. Entonces numerosos
fabricantes añadieron llaves suplementarias y digitación alterna para
hacer más sencilla la interpretación cromática. Mientras los primeros
saxofones tenían dos aberturas de ventilación de octava separadas para
facilitar la interpretación de los registros superiores, tal como hacen los
instrumentos modernos, los intérpretes del diseño original de Sax
tuvieron que manejar estas dos llaves de octava separadas con
el pulgar izquierdo. Un avance sustancial en el conjunto de llaves del
saxofón fue el desarrollo de un método por el cual ambos agujeros de
tono son manejados por una llave de octava sola con el pulgar
izquierdo, y que es ahora universal en todos los saxofones modernos.
Uno de los cambios más radicales efectuados al instrumento, aunque
temporal, fueron las revisiones del conjunto de llaves del saxofón
realizado en los años 1950 por M. Houvenaghel de París, que renovó
completamente la mecánica del sistema para permitir una serie
51
de notas (do♯, si, la, sol, fa y mi♭) para reducir un bemol con
un semitono simplemente bajando el dedo corazón de la mano derecha.
Esto permitía interpretar una escala cromática más de dos octavas
simplemente interpretando la escala diatónica combinando
alternativamente la subida y bajada de dicho dedo. Sin embargo, este
conjunto de llaves nunca tuvo mucha popularidad y ya no está en uso.
b. Construcción
El cuerpo del saxofón está compuesto por un tubo cónico y delgado,
comúnmente de latón, que se ensancha en su extremo para formar
una campana. A lo largo del tubo existen entre 20 y 23 agujeros de
tono de tamaño variable, incluyendo dos agujeros muy pequeños de
octava para ayudar a la interpretación del registro superior, aunque
éstos no sean esencialmente necesarios para interpretar dicho registro.
Estos agujeros están cubiertos por almohadillas, que presionan los
agujeros para producir un sello hermético. En reposo, algunos agujeros
están abiertos y otros están cerrados por las almohadillas, que se
controlan mediante varias llaves con los dedos de ambas manos,
mientras que el pulgar derecho se sitúa debajo de un soporte que ayuda
a mantener el saxofón equilibrado.
52
La digitación del saxofón es una combinación entre la digitación del
oboe y el sistema Boehm, siendo muy similar a la digitación de la flauta
travesera o el registro superior del clarinete. En los instrumentos más
grandes, la palanca requerida para interpretar las notas más bajas (que
habitualmente se tocan con los meñiques de ambas manos) es bastante
grande, por lo que se introduce un conjunto de llaves adicional para
permitir interpretar dichas notas con los pulgares.
El cuerpo cónico del saxofón le otorga propiedades más similares a las
del oboe que al clarinete. El diseño más simple del saxofón es un tubo
recto troncocónico y los saxofones sopranino y soprano tienen, por lo
general, este diseño recto. Sin embargo, como los instrumentos con
notas graves serían inaceptablemente largos si fueran totalmente
rectos, por motivos ergonómicos los instrumentos más grandes, por lo
general, incorporan un recodo en forma de U en el tercer agujero de
tono más grave o ligeramente encima de él. Como esto causaría que la
campana del instrumento señalara casi directamente hacia arriba, el
final del instrumento es o biselado o inclinado ligeramente hacia
adelante. Este recodo se ha convertido en un rasgo icónico de la familia
53
del saxofón, hasta el punto de que el saxofón soprano, e incluso el
sopranino, a veces están fabricados en el estilo curvo aun cuando no
sea estrictamente necesario. En cambio, aunque
los altos y tenores rectos también existen, son más raros.
Los cuatro tipos de saxo más comunes (de izquierda a
derecha: Soprano, Alto, Tenor, Barítono)
Sin embargo, lo más común es que los saxofones alto y tenor
incorporen un recodo curvo encima del agujero de tono más alto, pero
debajo de la llave de octava superior, inclinando la boquilla formando
un ángulo recto. El barítono, el bajo y el contrabajo amplían la longitud
del calibre principalmente por el plegado doble de esta sección.
Con una digitación sencilla, el saxofón moderno es generalmente
considerado un instrumento fácil de aprender, especialmente cuando se
procede de otros instrumentos de viento madera, aunque a pesar de
esto se requiere una cantidad considerable de práctica y trabajo para
alcanzar un sonido con color y correctamente afinado.
El saxofón usa una boquilla con una sola caña similar a la del clarinete,
aunque es mayor la del saxofón y posee una cámara interior hueca
redonda o cuadrada y es más amplia que la del clarinete.
Las boquillas están fabricadas en una amplia variedad de materiales, las
hay tanto metálicas como no metálicas. Las boquillas no metálicas son
normalmente de ebonita, de plástico o de caucho duro, a veces
de madera, y raras veces de cristal, de porcelana e incluso hueso. A las
54
boquillas de metal algunos le atribuyen un sonido distintivo, descrito a
menudo como "más brillante" que las no metálicas. Algunos músicos
creen que las de plástico no producen un buen timbre. Otros
saxofonistas afirman que el material tiene poca repercusión en el
sonido, si es que tiene alguna, y que son las dimensiones físicas las que
le dan a la boquilla su color tímbrico.
5) Saxofonistas destacados
a. John Coltrane
John Coltrane (Hamlet, ciudad en el condado de Richmond, en Carolina
del Norte: 23 de septiembre de 1926 - Nueva York: 17 de julio de 1967),
apodado Trane, fue un
músico estadounidense de jazz, saxofonista tenor y soprano.
Ocasionalmente, tocó el saxo alto y la flauta. Es considerado uno de los
más grandes músicos del siglo XX.
Aunque también muy controvertido, se trata de uno de los músicos más
relevantes e influyentes de la historia del jazz, a la altura de otros
55
artistas como Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker y Miles
Davis. Se casó, en segundas nupcias, con la pianista de jazz Alice
Coltrane (1937-2007).
Su trayectoria musical, marcada por una constante creatividad y
siempre dentro de la vanguardia, abarca los principales estilos
del jazz posteriores al bop: hard bop, free jazz y jazz modal. La
discografía de Coltrane es considerable: grabó alrededor de cincuenta
discos como líder en doce años, y apareció en más de una docena de
discos guiado por otros músicos.
La obra de Coltrane está conscientemente vinculada al contexto socio
histórico en que fue creada (en concreto, a la lucha por los derechos
civiles de los negros) y, en muchas ocasiones, busca una suerte de
trascendencia a través de determinadas implicaciones religiosas, como
se puede advertir en la que es considerada por la crítica su obra
maestra, A Love Supreme.
Una de las aportaciones más reseñables de Coltrane es la que se refiere
a la extensión de los solos de jazz, al eliminar cualquier límite temporal
a los mismos y dejar su extensión al arbitrio de las necesidades
del intérprete (de ahí que muchos temas de Coltrane sobrepasen, por
ejemplo, los treinta minutos).
En 1992 la National Academy of Recording Arts and Sciences le otorgó, a
título póstumo, un Grammy por sus éxitos en el mundo de la música.
John Coltrane murió de un fallo hepático el 17 de julio de 1967.
56
b. Lester Young
Apodado Pres o Prez por Billie Holiday, es una de las figuras más
importantes de la historia del jazz, y su trabajo discurrió por los campos
del swing, el bop y el cool. Está considerado, junto con Coleman
Hawkins, uno de los dos saxofonistas más influyentes, sobre los que se
construye toda la tradición del saxo tenor en el jazz.
Aunque vivió sus primeros años cerca de Nueva Orleans, Lester Young
se trasladó hacia 1920 a Minneapolis, donde tocaría en una legendaria
orquesta familiar. Estudió violín, trompeta y batería; empezó con
el saxo alto a los 13 años.
En vez de realizar una gira por el sur, Young abandonó el hogar familiar
en 1927 y se unió a otra de los Bostonianos de Art Bronson, y durante
ese trabajo cambió al saxo tenor. Tocó con Count Basie por primera vez
en 1934, pero lo abandonó para reemplazar a Coleman Hawkins en la
orquesta de Fletcher Henderson. Sin embargo, los demás músicos no se
adaptaron a su sonido, tan diferente del de Hawkins, y debió abandonar
la banda al poco tiempo. Hizo una gira con el saxofonista y tubista Andy
Kirk (1898 - 1992), y volvió después con Basie en 1936. En septiembre
de ese año, tuvo su primera y legendaria sesión de grabación, con un
pequeño grupo dirigido por el pianista. Las versiones de esa sesión
57
del estándar de 1924 George e Ira Gershwin Lady be Good y de Shoe
Shine Boy causaron una profunda impresión en la comunidad jazzística.
Inspirado en parte en Jimmy Dorsey y Frankie Trumbauer (1901 - 1956),
Young había desarrollado un sonido muy original con el saxo tenor,
contrapuesto al de Hawkins (considerado hasta ese entonces el
modelo), y que sería una influencia importante en los saxofonistas de la
línea de los años 50 denominada cool, como Stan Getz, Flip
Phillips (1915 - 2001), Paul Desmond, Lee Konitz y el joven Dexter
Gordon, entre muchos otros. El sentido melódico y rítmico de Lester
Young, así como su articulación, habrán de ser también una fuerte
influencia para el joven Charlie Parker. De hecho, Gunther Schuller
definió a Young como el artista de jazz más influyente entre Louis
Armstrong y Parker.
Durante esa primera etapa con la orquesta de Basie, Young hizo historia
además por el acompañamiento que hizo en grabaciones de la
cantante Billie Holiday, junto a un pequeño grupo dirigido por el
pianista Teddy Wilson. En algunos registros con Basie y los Kansas City
Six, se puede oír a Lester Young tocar también el clarinete.
Tras dejar a Basie en 1940, la carrera de Young sufrió un parón.
Codirigió un grupo en Los Ángeles con su hermano, el baterista Lee
Young (1914 - 2008), antes de reunirse de nuevo con Basie en diciembre
de 1943. Los nueve meses siguientes fueron excepcionales: grabó una
memorable sesión en cuarteto con el contrabajista Slam Stewart, y
protagonizó el cortometraje Jammin' the Blues.
Su experiencia del racismo durante el servicio militar fue tan mala que
quedó afectado mentalmente para el resto de su vida.
Participó, bien pagado por Norman Granz (1918 - 2001), en las giras
de Jazz at the Philharmonic a lo largo de los años 40 y 50, hizo varias
grabaciones para Aladdin y trabajó también de forma independiente
como acompañante de otros músicos. Young adaptó también su estilo
al bop sin dificultad.
58
Muchas de sus grabaciones de los años 50 demuestran una profundidad
emocional mayor que en las de sus primeros tiempos; sin embargo, fue
motivo de depresión para él ver que varios de sus imitadores blancos
conseguían mucho más dinero. Se dio a la bebida y, tras enfermar
en París en 1959, se recluyó en casa y se dedicaría casi por completo a
beber.
c. Stan Getz
Considerado como uno de los más importantes saxofonistas tenores de
la historia del jazz, fue conocido por el sobrenombre de The Sound ("El
Sonido") debido a su tono cálido y lírico, apreciable en temas como su
versión de "The girl from Ipanema". La primera influencia de Getz fue el
ligero y suave tono de Lester Young.
Nació el 2 de febrero de 1927 en Filadelfia, Pennsylvania.
Su familia se trasladó a la ciudad de Nueva York a principios de los años
30. Comenzó a estudiar contrabajo y fagot para pasar después al saxo. A
los 15 años ya era músico profesional. Fue contratado por el
trombonista Jack Teagarden, quien se convirtió en su tutor, para que
legalmente, Getz (aún menor de edad) pudiera formar parte de su
orquesta.
Actuó con los máximos representantes de las big bands de la
59
época: Tommy Dorsey, Stan Kenton, Benny Goodman y Woody Herman.
Muy influenciado por Lester Young, se convirtió en una figura de culto
dentro del movimiento cool jazz. En los años 60 comenzó a interesarse
por el estilo brasileño de la bossa-nova; en 1964 el tema "A garota de
Ipanema" ("La chica de Ipanema") le proporcionó un notable éxito. A
principios de esa década, gracias a sus discos “Jazz Samba” y “Big Band
Bossa Nova” entre otros, el jazz obtuvo mayor difusión.
Stan Getz falleció el 6 de junio de 1991 en Malibú, California.
d. Gerry Mulligan
Se trata de una de las figuras legendarias del saxo jazzístico, y de uno de
los principales representantes del cool.
De gran flexibilidad estilística, Mulligan trajo un sonido bastante
revolucionario a un instrumento hasta su llegada bastante pedestre,
tocando con la velocidad y la destreza de un saxo alto.
Nacido en New York el 6 de abril de 1927, se crió en Philadelphia en el
seno de una familia irlandesa, católica y de clase media. Buen
60
estudiante en sus años de colegio, su inclinación por la música hace que
sus padres le compren un saxofón. Tras estudiar música, colaboró con la
orquesta de Elliot Lawrence, antes de dirigirse a su ciudad natal con
dieciocho años donde enseguida se enroló en la big band del
baterista, Gene Krupa. En 1947, traba amistad con Charlie Parker y
entra como saxo barítono y arreglista en la orquesta de Claude
Thornhill, la banda donde se originó el movimiento cool. Allí conoce al
otro arreglista de la banda, Gil Evans, con el que comparte ideas,
conceptos y teoría. Juntos en 1949, intervienen en la gestación del del
histórico Noneto que dirigido por el trompetista, Miles Davis, marca un
hito en el jazz de aquella época. En 1951 graba un primer disco a su
nombre para el sello "Prestige" titulado: "Mulligan Plays Mulligan" y
tras obtener el favor de la crítica y del público, se marcha a California en
la Costa Oeste, donde comienza una nueva etapa en su carrera.
El ambiente musical y los músicos que encuentra allí, le gustan y
empieza a escribir arreglos para Stan Kenton, el director de una big
band magnifica y un día conoce a un trompetista llamado, Chet
Baker. Con él, va a formar uno de los grupos de más éxito de la época, el
famoso "Gerry Mulligan Pianoless Quartet", un cuarteto sin piano en el
que los dos vientos (barítono y trompeta) son acompañados
únicamente por contrabajo y batería, ofreciendo un sonido totalmente
nuevo y diferente a lo que se escuchaba por entonces. Con el éxito de
esa fórmula alcanza la fama y empiezan las giras por Europa, adonde
acude regularmente en varias ocasiones y así en olor de multitudes,
Mulligan cruza la década de los cincuenta consagrado como uno de los
mejores músicos de jazz del momento.
Los años sesenta le verán organizar y lanzar su "Concert jazz Band", una
agrupación de trece (a veces mas) músicos con los que da rienda suelta
a su faceta de arreglista y le brinda la oportunidad de conferir a su
música más volumen y amplitud. En 1964 vuelve a la fórmula de
cuarteto y sexteto con Bob Brookmeyer, Art Farmer y el guitarrista, Jim
61
Hall con los que vuelve a salir de gira por Europa. En 1968 se integra en
el cuarteto de Dave Brubecken sustitución del saxo alto, Paul
Desmond y con Brubeck, Mulligan permanece hasta 1972. En los años
ochenta y noventa, Mulligan no dejó de grabar, producir y arreglar
música. También participó en innumerables conciertos y festivales de
jazz en Newport, Montreux, Niza, Japón y otros.
De su abundante y extraordinaria discografía hay que destacar
necesariamente tres etapas: su participación en el Noneto
Capitol con Miles Davis y Gil Evans recogidas en el disco: "Birth of The
Cool" en 1949; las grabaciones en cuarteto con el trompetista, Chet
Baker en los años cincuenta y recogida en el álbum: "Gerry Mulligan
Quartet with Chet Baker"; y su etapa en la "Concert Jazz Band" de
mediados de los años sesenta y su álbum "Gerry Mulligan '63 The
Concert Jazz Band".
e. Dexter Gordon
Nació el 27 de febrero de 1923 en Los Angeles, California.
Cuando contaba trece años, estudia teoría musical y clarinete, antes de
optar por el saxo alto a los quince años y por el saxo tenor dos años más
62
tarde.
Su carrera se inicia en una orquesta local y posteriormente con
el vibrafonista Lionel Hampton. Tras seis meses en la gran orquesta
de Armstrong en 1944, es contratado por Billy Eckstine.
Participó en un sexteto junto a Charlie Parker y Miles Davis. Formó su
propio cuarteto, tocando entre Los Angeles y Nueva York, pero su
actividad fue más importante en California. Grabó con Gillespie, Fats
Navarro, Parker, J.J. Johnson entre otros destacados músicos.
A partir de 1949 sus grabaciones fueron esporádicas y entre 1953 y
1955 es encarcelado por un asunto de drogas. En 1962 se radica
en Dinamarca y graba con los pianistas Kenny Drew, Tete
Montoliu y Horace Parlan.
Regresó a Nueva York en 1965, aunque volvió a Europa. En 1976 retorna
nuevamente a Nueva York para cumplir un contrato en el Village
Vanguard, que marcara el renacimiento del bebop en los Estados
Unidos En 1986 protagonizó la película de Bertrand
Tavernier "Alrededor de la medianoche".
Dexter Gordon falleció en Filadelfia el 25 de abril de 1990.
63
f. Sonny Rollins
Junto con Coleman Hawkins, Lester Young y John Coltrane, está
considerado uno de los grandes saxofonistas tenores de la historia
del jazz. Sus estilos son el bop y el hard bop, aunque se ha aproximado
en varias ocasiones al free jazz en la estela de las innovaciones
de Ornette Coleman, contando en ocasiones con la colaboración del
cornetista de este, Don Cherry.
Comenzó como intérprete de piano, para luego centrarse en el saxo,
primero en el alto y luego ya permanentemente en el tenor a partir de
1946. Tras realizar su primera grabación en 1949 con el vocalista Babs
Gonzales (1919 - 1980), Rollins logró un gran éxito con sus grabaciones
con J. J. Johnson y Bud Powell ese mismo año; la última sesión le hizo
tocar junto a Fats Navarro. El talento como saxofonista de Rollins fue
evidente desde sus comienzos, y así consiguió tocar con Miles Davis en
1951 y con Thelonious Monk. Tras un periodo de retiro, Rollins se unió
al Max Roach-Clifford Brown Quintet a finales de 1955, continuando
tras la muerte de Brown hasta 1957. Desde ese momento, desempeñó
funciones de líder en sus grupos.
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Sus grabaciones para Prestige Records, Blue Note
Records, Contemporary y Riverside Records durante los años cincuenta
le llevaron a ser aclamado como el mejor saxofonista tenor de la época,
al menos hasta la irrupción en escena de John Coltrane.
Se retiró de nuevo entre 1959 y 1961 (época en que se hizo mítica su
estampa de intérprete solitario sobre el puente de Williamsburg) y
regresó con un cuarteto que incluía a Jim Hall, hasta que en 1968
decidió retirarse de nuevo.
Con su regreso en 1971, Sonny Rollins se mostró más abierto a las
influencias de los ritmos del R&B y de la música pop.
Cuatro de sus composiciones, "St. Thomas", "Oleo", "Doxy", y "Airegin"
están considerados estándares de jazz.
6) Instrumentación y elementos principales
Desde comienzos del siglo XX, y hasta aproximadamente 1950, la
instrumentación básica usada por los músicos de jazz fue esencialmente
la misma: dos metales (trompeta y trombón), dos instrumentos de
lengüeta (saxofón y clarinete) y la sección rítmica
(batería, contrabajo, piano y metales). La historia del jazz puede ser
escrita para cada instrumento, pues en cada uno de ellos han ido
apareciendo figuras y revoluciones que han ido moldeando con el
tiempo no sólo su técnica, sino la manera de conceptualizar su función
dentro de la banda. Desde una perspectiva similar, la historia del jazz se
caracteriza por el lugar predominante que cada instrumento ha ido
adquiriendo a través de sus distintas etapas:
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• El piano dominó el período del ragtime.
• Los "Reyes del Jazz" (King Oliver, Louis Armstrong...) fueron siempre trompetistas
durante la época de Nueva Orleans y Chicago.
• La era del swing fue la edad dorada del clarinete.
• Lester Young y Charlie Parker impusieron el saxofón como el instrumento principal,
al principio el tenor, luego el alto y después nuevamente el tenor.
• Desde principios de la década de 1970 la instrumentación electrónica (pianos,
guitarras y bajos eléctricos, sintetizadores) fue cobrando cada vez un mayor
protagonismo en el sonido del jazz.
Ha habido tres grandes transformaciones en cuanto a la
instrumentación en el mundo del jazz: la primera, cuando Lester
Young introdujo la idea de que con cualquier instrumento se podía tocar
jazz; lo jazzístico no dependía tanto del timbre del instrumento como
del hecho de que con él se pudiese ejecutar el fraseo adecuado con la
suficiente flexibilidad y claridad; la segunda tuvo lugar a mediados de la
década de 1970, al irrumpir con fuerza los instrumentos eléctricos y
electrónicos, redefiniendo "el sonido del jazz" e introduciendo nuevos
instrumentos que posibilitaban novedosas formas de expresión artística;
y la tercera, al abrirse el jazz al mundo de la world music, con nuevos
sonidos instrumentales.
Sonido y fraseo
Una de las mayores diferencias entre el jazz y la música clásica europea
tiene que ver con la formación del tono: mientras que los distintos
integrantes de una sección de instrumentos en la orquesta clásica
aspiran a obtener el mismo sonido de sus instrumentos, de forma tal
que puedan ejecutar los pasajes del modo más homogéneo posible, los
músicos de jazz aspiran a lograr un sonido propio que los distinga del
resto. El criterio no es ya la "pureza" de sonido que buscan los músicos
clásicos, sino lograr expresividad con el instrumento, y así se puede
decir que en el jazz la expresión está por encima de la estética. Esta
66
característica explica que muchos aficionados al jazz sean capaces de
distinguir quién está tocando tras las primeras notas, un fenómeno que
suele asombrar a los no iniciados.
El fraseo de jazz tiene sus particularidades: Kid Ory, por ejemplo, solía
tocar melodías circenses y de marchas militares, pero su característico
sonido convertía su música en jazz, mientras que Stan Getz poseía un
sonido similar al de los saxofonistas clásicos, pero su fraseo y el tipo de
melodías que solía ejecutar hacían de él un músico de jazz. El fraseo en
el jazz tiene su origen en la música de los esclavos africanos en los
campos de trabajo, caracterizada por el esquema básico de "pregunta-
respuesta", y también en el modo que los negros americanos tenían de
tocar los instrumentos europeos.
Improvisación
La improvisación es una de las características definitorias del jazz. Se
trata de un concepto muy antiguo, que se remonta a la obra de grandes
compositores clásicos como Johann Sebastian Bach, quien improvisaba a
menudo sobre las armonías de sus obras. Aunque los primeros
ejecutantes de jazz no sabían nada acerca de los compositores clásicos,
el jazz adoptó rápidamente la idea, convirtiéndose desde su nacimiento
en una música esencialmente improvisada, donde los músicos parten de
unos esquemas previos y de sus conocimientos y habilidades adquiridas
a través de sus años de estudios para ejecutar solos improvisados sobre
la estructura armónica de los temas. Un solo es, por definición, una
pieza musical ejecutada por un instrumentista con o sin
acompañamiento, y en algunas obras didácticas se dice que la habilidad
para ejecutar un buen solo se asemeja a la habilidad para contar una
historia, donde no importa sólo "lo que se dice", sino también "cómo"
se dice. Para crear un solo, los músicos necesitan conocer algunos
elementos básicos, como la estructura de acordes del tema sobre el que
están ejecutando el solo, la función que cada acorde juega dentro de la
67
estructura armónica del tema o las escalas que se derivan de cada uno
de los acordes que componen el tema, y luego deben integrar todos
esos elementos con la melodía, que servirá en muchos casos como
"guía" para el solista.
Estructura
La mayoría de los temas de jazz desde la era del bebop en adelante
están basados estructuralmente en la forma de alegro de sonata de la
teoría clásica: una introducción opcional, la exposición del tema (que a
veces se repite), una sección de desarrollo y el final, seguido
opcionalmente por una coda. En la terminología del jazz, tales secciones
reciben comúnmente los siguientes nombres:
• Intro, que es donde se fija el carácter de la pieza. Tiene carácter opcional.
• Tema (head en inglés), que es donde se ejecuta la melodía.
• Vueltas, ruedas o sección de solos (solo section en inglés), que es donde los
músicos ejecutan, por turno, sus solos.
• Vuelta a tema (head out en inglés), donde se vuelve a ejecutar la melodía.
• Coda, que da por concluida la interpretación de los músicos y, con ello, la pieza.
Como la intro, tiene también carácter opcional.
Aunque no todos los temas de jazz se ajustan a esta forma, la inmensa
mayoría de ellos sí lo hacen. Durante la sección de solos, la sección
rítmica (comúnmente formada por piano, contrabajo y batería) continúa
tocando los acordes de la progresión armónica del tema para que los
solistas improvisen por turnos sobre ella. Cada vez que se llega al último de
los acordes se vuelve de nuevo al primero, para iniciar una nueva "rueda"
de acordes (chorus, en inglés) que será aprovechada por el mismo solista
para ampliar su solo, o por otro distinto para tomar su turno.
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Ejemplo de partitura de un standard de Jazz
Dentro de este esquema básico, las dos estructuras más comunes entre
los standards de jazz son el blues y el esquema AABA. La mayoría de los
temas de blues son variaciones del esquema básico de blues de doce
compases, mientras que el esquema AABA, muy popular no sólo entre los
temas de jazz sino también en todo tipo de música popular desde principios
del siglo XX hasta la llegada del rock'n'roll, consiste en dos secciones:
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• La sección A, comúnmente llamada "verso"
• La seccíon B, denominada "puente"
Estas estructuras son sólo dos de las más conocidas y empleadas por los
músicos de jazz, que suelen utilizarlas como guía para la improvisación. No
obstante, a lo largo de la historia, distintos músicos free como Cecil
Taylor han demostrado que es posible crear jazz sin necesidad de atenerse
a este tipo de estructuras formales.
Sección melódica y sección rítmica
Toda agrupación de jazz dispone, con independencia de su tamaño, de una
"sección melódica" y una "sección rítmica". La primera está compuesta de
instrumentos melódicos como el saxofón, la trompeta o el trombón,
mientras que la segunda la componen instrumentos como la batería,
la guitarra, el contrabajo y el piano, siempre y cuando no pasen a primer
plano ejecutando, por ejemplo, un solo. En general, la sección rítmica es la
encargada de proveer el colchón armónico y rítmico sobre el que tiene
lugar la ejecución de melodías y solos, aunque pueden producirse
excepciones e inversiones de esta regla, especialmente en el jazz moderno.
Algunos críticos opinan que la sección rítmica está íntimamente conectada
con los orígenes africanos del jazz, mientras que la melodía y la armonía
proceden de la música clásica europea, una música donde,
tradicionalmente, el ritmo ha jugado un papel menos importante, una
diferencia que resulta especialmente patente si la comparamos con la
música tradicional de otros lugares del mundo.
La unidad rítmica básica en el jazz es el beat, el pulso que en principio han
de marcar a lo largo de la pieza el baterista y el bajista, o al menos uno de
ellos; esto es así en la inmensa mayoría de las ocasiones, aunque en muchas
otras, sobre todo en el free jazz, se dé por sobreentendido y no se marque.
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7) Influencia del Jazz en la cultura
El Jazz es algo más que un simple género musical; ha sido (y es) vehículo
de transmisión de ideas y sentimientos, así como elemento, en varias
ocasiones, de reivindicación social y fuente de inspiración en cualquier
ámbito del arte.
A continuación se expondrán varias obras de autores tan diversos como
Jack Kerouak o Federico García Lorca, entre otros. Autores muy diversos
cuyo elemento común ha resultado ser el Jazz.
Lover man, de Joan Margarit
Del soterrani arriba a la neu bruta
un so daurat. La nit és freda i trista
si no es crema amb la droga i la beguda.
Però el saxo, amb un fons de bateria,
té la duresa exacta d’una música
que s’esvaneix a l’alba i es retira
com una afectuosa prostituta.
Baudelaire va escoltar la melodia
de Parker a una dona de pell sèpia.
El mal és una part de la bellesa.
Per això Parker, en aquesta peça,
deixa que el saxo vagi seguint l’ombra
d’una dona que balla, els ulls tancats
i abraçada a ningú en l’obscuritat.
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Save it, pretty mama, de Julio Cortázar
Sálvalo, mamita,
sálvame tantas noches de naufragio,
salva tu blusa azul (era en enero, en Roma)
sálvalo todo, o salva lo que puedas.
Esto se viene abajo, pretty mama,
sálvalo del olvido, no permitas
que se llueva la casa, que se borre
la trattoria de Giovanni,
corre por mí por ti, sálvalo ahora,
te estás yendo y los pájaros se mueren,
me voy de ti te vas de mí, no hay tiempo,
sálvalo pretty mama,
la voz de Satchmo y ese grito
que te sumía en lo más hondo del amor,
save it all for me,
save it all for you,
save it all for us.
Aunque no salves nada, sálvalo mamita.
Jazz, de Gabriel Celaya
Un cálido sonido sube lento,
Gorgotea en el saxo casi, casi asfixiado.
El piano da diente con diente; y le acompaña,
Llorando y delirando, la trompeta.
La batería suena, ya fuera de este mundo,
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Y el violón si llora es detrás de algún muro.
Estoy tan solo, amigos, como ese clarinete,
Y tan enamorado como el trombón de varas.
Estoy tan loco, amigos, como la batería,
Y tan lo que no digo como el contrabajo,
Mientras suena el piano tecleando un secreto.
Blues, de Jack Kerouak
Y se sienta tétrico
En un cofre marrón.
Ante los pálidos sacerdotes.
Y señala delicadamente
Al cielo.
Con palma y dedo índice.
Y tiene un halo
De puerta negra.
Y tiene una nariz aguileña
Vigilante que ama odiar.
Pero ha aprendido a meditar.
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Y no es bueno odiando.
Por eso observa, rosado laurel
En la cabeza.
A espaldas del príncipe Avalokitesvara
Que acaricia con mano de nieve.
Y ensarta de perlas
La majestad del mar.
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8) Conclusión
Este trabajo me ha aportado mayores conocimientos acerca del
instrumento que toco y del género que me inculcó la pasión por éste. Creo que
el jazz es un ente propio, con una biografía apasionante y una riqueza
inmensurable. Desde un punto de vista social, el jazz obtuvo más victorias que
muchos abogados y periodistas juntos en la lucha contra el racismo y la
segregación.
Sus aportaciones a la música son evidentes, pero no solo al jazz de
nuestros tiempos, sino a prácticamente todos los géneros musicales actuales,
ya sean cultos o populares. Es la música que más libertad formal otorga a sus
intérpretes, haciendo que el mismo tema, tocado por la misma persona, nunca
sea igual. Para quien lo interpreta no es solo música, es, asimismo, una extraña
catarsis: “no toques el saxofón, deja que él te toque a ti”, dijo Charlie Parker
con mucha propiedad. Para algunos, el instrumento no es más que un vehículo
para ejecutar el jazz, y el jazz no es más que la forma que adopta la música
cuando ésta pretende (a veces con éxito) expresar y dar a luz al blues que uno
lleva dentro. Y el blues es, según esta teoría, la esencia más profunda del sentir
de cada uno. Cada vez apoyo más esta teoría, puesto que cuanto más escucho,
más cuenta me doy que estoy ante algo intangible que llega a nosotros bajo
forma de lo audible. Uno de los standars más conocidos de jazz comienza
diciendo: “You don´t know what love is til you´ ve learned the meaning of the
blues” (“No sabes lo que es el amor hasta que no conoces el significado del
blues”), y supongo que, en cierto, modo tiene razón tal y como he intentado
demostrar con el presente trabajo.
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9) Bibliografía
-www.wikipedia.org
-www.apoloybaco.com
-www.buscabiografias.com
-La poesía del Jazz, Ed. Litoral
-Jazz, Wynton Marsalis y Geoffrey C. Ward, Ed. Paidós
-Living with Jazz, Dan Morgenstern, Ed. Pantheon Books
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