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EL RENACIMIENTO. ESCULTURA [ DEL CUATTROCENTO AL MANIERISMO ]

EL RENACIMIENTO. LA ESCULTURA 1

LA ESCULTURA DEL CUATROCENTO EN FLORENCIA (SIGLO XV) A.- RASGOS GENERALES Materiales

Técnicas Temas:. Tipos de Esculturas Estética:

La Belleza Inspiración antigüedad El paisaje Libertad de marco

B.- AUTORES Y OBRAS 1.- GHIBERTI

Puertas del Baptisterio 2.- DONATELLO

San Jorge El David Relieves de la Cantoría de Florencia Condotiero Gattamelatta

3.- LUCCA DELLA ROBBIA Cantoría de la Catedral de Florencia

4.- ANDREA VERROCHIO Condotiero Colleoni

RASGOS GENERALES MATERIALES: Empleo de materiales diversos: mármol, bronce, barro cocido, cerámica vidriada. Utilizan los materiales con una gran perfección técnica TÉCNICAS: El esculpido, el barro cocido. EL BRONCE empleando la TECNICA DE LA CERA PERDIDA, la terracota vidriada etc.



TEMAS: Temas religiosos, temas profanos, temas alegóricos, mitológicos, retratos. Se insiste en la imagen individualizada de la persona. La NATURALEZA y la FIGURA HUMANA serán los protagonistas. Las narraciones se sitúan en tiempo presente, se copian escenarios de la realidad, los personajes son de la época. EL RETRATO: adquiere una enorme difusión. Termina por independizarse. Se manifiesta en relieves, en medallas, el esculturas de bulto redondo, retrato funerario [ aquí se exalta las virtudes y valores del difunto] TIPOS DE ESCULTURAS: BULTO REDONDO: Se realizan bustos, figuras de cuerpo entero, motivos funerarios y estatuas ecuestres; RELIEVES se utiliza ose en la misma obra el alto, medio y bajo, para dar sensación de profundidad La ESCULTURAL ECUESTRE MONUMENTAL se va a utilizar como elemento de exaltación pública de gobernantes y militares ESTETICA / SIMBOLISMO: La BELLEZA: Objetivo es plasmar LA BELLEZA . Utilizarán el DESNUDO aplicando la idea del Neoplatonismo: armonizar el paganismo con el cristianismo INSPIRACIÓN EN LA ANTIGÜEDAD: Esbeltez de las proporciones. Gusto por el detalle. Naturalismo semejante al relieve pictórico..

1.- GHIBERTI

Puertas del Baptisterio 2.- DONATELLO

San Jorge El David Relieves de la Cantoría de Florencia Condotiero Gattamelatta

3.- LUCCA DELLA ROBBIA Cantoría de la Catedral de Florencia

4.- ANDREA VERROCHIO Condotiero Colleoni

1.- Ghiberti LAS PUERTAS DEL BAPTISTERIO Las Primeras: 1402 hay un concurso para la realización de las Puertas del Baptisterio de Florencia. Siguió el modelo de las primeras puertas construidas por Pisano. Introduce 28 escenas lobuladas. La distribución es siguiendo el modelo gótico: medallones lobulados. Se introduce aspectos nuevos : la anatomía, la naturaleza, vinculaciones con el arte clásico, preocupación por la belleza del cuerpo, introduce el paisaje. Plantea diferentes planos para colocar las escenas.

En 1425 Segundas puertas: Diez recuadros rectangulares: escenas y composiciones más complejas. Temas: Adán y Eva, Sacrificio de Isaac, otras, Rasgos: Introducción de la perspectiva. Composición: planos graduados. Tratamiento a modo de cuadro. Una orla rodea las puertas compuesta de pájaros, medallones, cabezas humanas. Uso de luces y sombras. Estudios de anatomía. Virtuosismo



Inspiración clásica en el ARA PACIS y los relieves pictóricos del Arco de Tito. A esta forma de tratar el relieve se le llamará SCHIACCIATO. Miguel Ángel les llamará las puertas del Paraíso

Auténtica revelación de la escultura renacentista, formato cuadrado, distinto al lobulado tradicional. CONCEPCIÓN PICTÓRICA DEL RELIEVE, incluyendo perspectiva, paisaje, arquitecturas clásicas e incluso atmósfera. Relieve como ESPACIO TRIDIMENSIONAL, consiguiendo los efectos de PROFUNDIDAD graduando los volúmenes y la definición de los contornos

2.- DONATELLO: hijo de un cardador de lana, nace en Florencia en el año 1386 / su padre será condenado a muerte por intervenir en revueltas contra los poderes de Florencia. Donatello era noble, elegante y delicado. Los últimos años de su vida los pasará en la cama sin poder trabajar ya que contrajo una enfermedad paralizante. Ganaría mucho dinero gracias al mercenazgo de COSME DE MEDICIS. Realizará bastantes esculturas especialmente para el ORATORIO DE SAN MICHELLE. Obras de encargo de la familia MEDICIS. Representará la figura humana en diferentes estados: A.- dulzura infantil en las cantorías, B.- belleza y plenitud en su San Jorge, C.- senectud en otras imágenes. La alta calidad de las obras donatellianas, así como la cantidad de las mismas, hace difícil una selección justa de ejemplos susceptibles de mostrar los principios y la belleza de su trabajo. Sin embargo, obras como la exquisita Anunciación realizada para la Iglesia de la Santa Croce florentina, la impresionante estatua ecuestre del Condottiero Gattamelata, sus dramáticos Zuccone y Mª Magdalena, el lírico David broncíneo o las escenas esculpidas para la Cantoría de la Catedral de Florencia puede decirse que son buenas muestras de su genialidad.



La preocupación por la representación de la figura humana en todas sus dimensiones, edades y actitudes se puede ver reflejada a lo largo de su evolución, siendo particularmente peculiar en su obra la oscilación existente entre sus primeras obras de corte clasicista y las últimas, de carácter mucho más expresionista (en ocasiones llega incluso a dejarlas inacabadas, uniéndose este hecho a la suma de elementos en común que ha dado pie a una comparación entre su obra y la de Miguel Ángel posteriormente). Además, Donatello no elude la representación de la vejez o la fealdad, consustanciales ambas al individuo, llegando a producir estatuas que superan cualquier ideal propuesto con anterioridad, caso de su magnífico Profeta Hababuc, también llamado el Zuccone ("el calvo"). OBRAS:SAN JORGE Representación de la idea de caballero cristiano. Mirada arrogante y decidida. Representación de la fuerza expresiva. Personificación del HÉROE, versión perfecta y elegante. Hombre en la plenitud de su vida, postura llena de vigor y fuerza, se observa en el cuerpo y en la postura de las piernas. En la parte inferior: relieve de san Jorge a caballo lucha contra el dragón en presencia de una princesa. Aquí ha empleado la perspectiva IDENTIFICACION: Autor: Donatello / Fecha: 1444 / 1446 Estilo Renacimiento Quatrocento Técnica: Fundición Material: Bronce Medidas: 1,58 ANÁLISIS FORMAL TEMA: Encargada por los Medicis, para situarla sobre un pedestal en el centro del Palacio de los Medicis. El objetivo es que se pudiera ver desde todos los ángulos. Es el primer desnudo completo del Renacimiento. Tiene un modelado, suave y fluido. David, joven pastor de Belén, reposa tras haber vencido con su astucia y rapidez , al líder de los filisteos, David COMPOSICIÓN: Composición muy estudiada: pierna derecha soporta el peso liviano del cuerpo, mientras la izquierda descansa sobre la cabeza del enemigo derrotado. El tórax recrea la curva praxiteliana imprimiendo movimiento y sensualidad a la anatomía. La superficie del cuerpo casi pulida realza el atractivo cuerpo. EL DAVID El arrojo y valentía viene dada por la piedra que sostiene en una mano, por la espada de tamaño enorme apoyada en el suelo. Figura de un joven adolescente en curva praxiteliana, de perfección anatómica. Sombrero con corona de laurel, totalmente desnuda aunque rompiendo este desnudo con el calzado y el yelmo. Serenidad del rostro del David frente a la expresividad del Goliat. SIGNIFICADO / CONTEXTO: Triunfo de David / triunfo de Cristo sobre el pecado y la muerte. La escultura va más allá del relato de la Biblia. El yelmo con visor y alas es una referencia a la ciudad de Milán que hostigaron la prosperidad de la ciudad de Florencia . La capital toscana, más pequeña que Milán . Florencia encarna a David y Milán al gigante Goliat. Otra interpretación: monumento que representaría la expresión cívica de Florencia [ desnudez = clasicismo / laurel = paz ] frente a Milán [ Goliath ]



RELIEVES DE LA CANTORÍA DE FLORENCIA Aquí refleja la niñez .Representa un grupo de niños que corren en un movimiento desbocado por detrás de las columnas. Utiliza para ello el relieve pictórico, colocando varios niveles, alto, medio bajo relieve. La naturaleza ligeramente insinuada en el suelo: plantas y flores. Material: cerámica vidriada.

ESCULTURAS DE PROFETAS Reflejan otro momento de la vida: LA ADULTEZ. Representa un grupo de profetas que ocupan hornacinas en diferentes iglesias de Florencia. Todas ellas recuerda a esculturas clásicas en la posición, en la curva praxiteliana, los paños, la mirada y actitud. Todas ellas llevan símbolos de su actividad o de su trabajo.

MARÍA MAGDALENA: Reflejan otro momento de la vida: la vejez. A partir de un momento determinado, Donatello, ya no le interesa el clasicismo como en su primer momento. Le interesa: la espiritualidad, la expresión, la vida interior. El feísmo está presente en esas esculturas. Se abandona la belleza ideal clásica del periodo inicial. DONATELLO IDENTIFICACIÓN Autor Nombre Fecha: 1444 / 1453 Técnica: Fundición Material: bronce Dimensiones: 3,90 / 3,40 ANALISIS FORMAL Primer monumento ECUESTRE . Toma como punto de partida la escultura ecuestre de MARCO AURELIO. Puede haberse inspirado también en efigies de monedas. El personaje es ERASMO DE NARNI jefe de los ejércitos mercenarios de Venecia . Se le representa relajado, confiado con un caballo ricamente enjaezado. Viste una armadura típica de la época con las rodilleras y coderas características. La espada enfundada y el bastón de mando nos refleja el poder que tuvo .La escultura está encima de un zócalo alto de mármol donde representa en sus frentes la entrada al infierno. La montura aparece avanzando lentamente, lo que se refleja en el movimiento de sus



patas, pese a lo cual el escultor cierra la línea compositiva de las patas del caballo colocando una bola en la pata delantera que estaba en el aire.

SIGNIFICADO / CONTEXTO Gattamelata era un jefe militar. Significado: la exaltación del poder físico. un guerrero que es exaltado por sus éxitos militares. No deja de ser un retrato El naturalismo, así como la serenidad del jinete y del caballo –a pesar de que se representa en marcha- son típicas del Quattrocento y la penetración psicológica del personaje representado es característica de las obras del autor. Es un retrato y está realizado para glorificar al personaje representado. En este caso también se trata de resaltar la virtudes del militar, que con gesto austero conduce al caballo sin violencia pero con autoridad, remarcada ésta por la posición del bastón de mando 3.- LUCCA DELLA ROBBIA Este autor estaba al frente de un taller donde se trabajaba el mármol pero también el barro cocido. Lucca, Andrea y Giovani formarán una generación de escultores. Su producción característica es en CERÁMICA VIDRIADA, con la que hace medallones azulejos etc. Los temas suelen ser siempre RELIGIOSOS y donde los colores dominantes son LOS BLANCOS Y AZULES para los fondos mientras que los tonos azules o rojos. Suelen tener formas redondas, TONDOS rodeados de guirnaldas o ramas de espigas o pinos. La producción familiar fue muy prolífica y se exportó a toda Europa.

RELIEVES DE MADONNAS La producción familiar fue muy prolífica y se exportó a toda Europa. Comprende frisos y retablos, emblemas de corporaciones o armas aristocráticas, retratos de la Virgen María o de santos, para la devoción privada. Las obras de los Della Robbia se caracterizan por su gracia, el brillante colorido del esmalte (especialmente el blanco y el azul), la finura del modelo y la frescura del diseño. Su estilo se reconoce fácilmente CANTORÍA DE LA CATEDRAL DE FLORENCIA En mármol realizará la CANTORÍA DE LA CATEDRAL DE FLORENCIA.



Actitudes mucho más serenas que en la cantoría de Donatello. Interesante el estudio que hace de los gestos en los rostros de los cantores como entonan las notas. Ciertas concesiones al detalle a lo anecdótico.

Abandona en este caso el interés pictórico de Ghiberti. Narra la alegría infantil, predominando el equilibrio compositivo marcado por las columnas, que contrasta con la tensión y movimiento de las figuras. VIRGEN CON EL NIÑO Introduce el barro vidriado, policromado, con figuras blancas sobre fondos azules y elementos decorativos vegetales, de rico colorido. Es su tema más logrado y el que realiza con mayor frecuencia

4.- ANDREA VERROCHIO Artista polifacético [ orfebre, pintor, escultor ] maestro del bronce. Maestro de Leonardo, Perugino de Boticelli, Ghirlandaio, Boticelli Creará el grupo de bronce para la COFRADIA DE LOS MERCADERES el grupo de CRISTO Y SANTO TOMAS. Ideó una composición de dos figuras, con Cristo en el centro del nicho, y el Santo estirado hacia afuera, para evitar una perspectiva frontal rígida y para ayudar al espectador a identificar mejor a los personajes. En los años 70 se dedica a la escultura trabajando para los MEDICIS como sucedió con el DAVID. En 1478 realizará su obra fundamental LA ESCULTURA ECUESTRE DEL CONDOTIERI COLLEONI encargo de la República. EL CONDOTIERO COLLEONI IDENTIFICACIÓN Nombre: Condotiero Colleoni Autor: Andrea Verrochio Estilo: Renacimiento / Cuattrocento Técnica: Fundición Metal: bronce Fecha: 1479 / 1488. TEMA Los condotieros son los jefes de los ejércitos de las republicas italianas / en este caso trabajaba para la República veneciana. Ampliará sus territorios a lo largo de la costa dálmata y el mar Adriático DESCRIPCIÓN



La composición de abre en posición de marcha. Apoyado en tres patas, la cuarta la eleva para dar mayor sensación de movimiento. El jinete levanta el rostro con arrogancia expresando una actitud sicológica y su papel en la sociedad. La composición esta muy medida y calculada. El caballo aparece apoyado en tres de sus patas por lo que hay calcular volúmenes para equilibrar la figura . El animal gira la cabeza en contraste con el movimiento del Condotiero. Suele acompañarlos con símbolos del poder: maza, casco, yelmo etc. La idealización viene por: El tamaño de la figura. Los símbolos militares. La actitud de dominio del entorno. Refleja de alguna forma la superioridad de la escultura del Renacimiento frente a la antigüedad clásica.. SIGNIFICADO / CONTEXTO Importancia de la República veneciana en su expansión las costas dálmatas hasta Dubrovnick. Control de las rutas en dirección hacia Bizancio en el comercio. Necesidad de controlar territorios en tierra firme. Esto les lleva a su enfrentamiento con otras ciudades. El papel de los CONDOTIEROS. Son verdaderos militares. No siempre buscaban los mismo intereses que la potencia que les contrataba. Buscaban fama, riqueza, eran intrépidos, faltos de escrúpulos, crueles en muchas ocasiones. A veces eran ellos los que ponían condiciones a sus patronos. Su ejército se componía de COMPAÑÍAS mandadas por un capitán. El número de soldados podían ser desde 100 hasta un par de miles. Cubrían todas las especialidades de la guerra, la infantería, la caballería .Condotta = Contrato que firmaba el capital con el patrono o contratante y este con sus hombres. DAVID JOVEN: Recuerda la de Donatello, con la cabeza de Goliat entre sus pies, pero vestido y tratando de acentuar la expresividad de la cabeza.



LA ESCULTURA DEL CINQUECENTO (SIGLO XVI)

En contraposición al siglo XV, y del mismo modo que en arquitectura, el XVI va a ser el predominio de lo romano frente a lo florentino. En lo estrictamente formal, las delicadezas cuatrocentistas y el amor el detalle menudo, van a ceder el paso a una grandiosidad monumental y simplificadora, ya intuida en las obras de Jacopo della Quercia.

MIGUEL ÁNGEL BUONAROTTI

CARACTERÍSTICAS GENERALES DE SU OBRA: Su calidad excepcional y su extraordinaria sabiduría frente a las formas del cuerpo y las complejidades del espíritu, hacen de Miguel Ángel el prototipo universal del escultor, capaz de expresar en mármol cualquier concepto, idea o propósito, aun el más complejo. Sus figuras, realizadas en mármol blanco de Carrara, son siempre grandiosas, monumentales y muestran una gran vitalidad. En su tiempo fue ya casi divinizado y sus obras, incluso las inacabadas, han sido durante siglos, modelos fervorosamente estudiados. De personalidad llena de rebeldía e idealismo, pasó su vida tras la busca de la Idea de Belleza, sus figuras no son reales, sino ideales. Sus primeras obras son aún clásicas, inspiradas directamente en las antiguas, pero tras conocer la obra de Jacopo della Quercia su monumentalidad imprimirá un giro definitivo a su obra. El equilibrio entre forma bella y movimiento, propio del Quattrocento, lo rompe en favor del movimiento, hasta llegar a reflejar en sus obras gestos y actitudes delirantes, vía que seguirán el Manierismo y el Barroco. RASGOS: Dominio como centro escultórico de Roma Tendencia a la Monumentalidad Conjuga en su obra el cristianismo ( temas ) y el paganismo ( ideal de belleza clásica ) Virtuosismo, perfección técnica Pulimenta el mármol Composiciones más grandiosas, menor interés por el detalle. En los ropajes hace profundas oquedades originando contrastes de luces y sombras



Enorme importancia de las formas. Interés por lo monumental: gusto por las grandes esculturas de busto redondo. Estudio de la anatomía y del desnudo. Búsqueda de la belleza, estudios del cuerpo desnudo, será uno de los temas fundamentales. A medida que avanza el siglo, se insiste en la FUERZA EXPRESIVA, en la GESTICULACIÓN, el MOVIMIENTO. En las composiciones se busca el retorcimiento helicoidal llamado LINEA SERPETINATA. Se consideraba sobretodo escultor. Le daba especial importancia al proceso creativo que lo concebía como un gran esfuerzo físico. Su influencia se prolongará a lo largo de todo el siglo, aunque le añadirán otros rasgos a finales del siglo. FASES EN SU OBRA En su juventud: suavidad, equilibrio, delicadeza, belleza ideal, Inspiración clásica, rebeldía, naturalismo. Humanismo, misticismo neoplatónico. En su fase madura: tensión y dramatismo, la llamada TERRIBILITÁ. Movimiento contenido, expresividad. Desnudo y nobleza de las formas, Desproporción expresiva. Precisión anatómica En su fase vejez: Abandono de ideales clásicos / desinterés por la materia. Cultivo del feísmo. Antinaturalismo. Cuerpos escuálidos, alargados, inmateriales, posturas forzosas. Dramatismo y subjetivismo. Amargura, dolor, soledad, misticismo

OBRAS: OBRAS CLÁSICAS:

EL BACO:

Pertenece al periodo clásico. Fue realizada para un banquero. Obra cercana a Praxíteles, a Lisipo o al Helenismo. Presenta una perfección técnica que se refleja en el pulido del mármol. La embriaguez del vino viene señalada en la escultura por la posición del Baco que se debate entre el placer y la melancolía. El Dios niño sostiene en la mano izquierda la piel de un león, símbolo de la muerte y un racimo de uvas del que come. La piel del león aparece comiendo la cabeza. En el cabello de Baco lleva guirnaldas y sus cabellos de uvas

LA PIEDAD DEL VATICANO



Reflejo de sus estudios de obras clásicas al llegar a Roma. Soberbia obra de perfecto equilibrio entre una concepción monumental, de volúmenes puros y cerrados, y un acabado refinadísimo y delicado; de belleza neoplatónica y composición racional, triangular. Sorprende la extremada juventud de la Virgen en la que quiso, sin duda, expresar no la Virgen real, madre doliente y madura, sino la Virginidad eterna y sin edad.

Figura realizada bajo los parámetros del cuattrocento como se expresa en el equilibrio. Figuras ideales, de perfectos acabados. Tema: proviene del Gótico final: el cadáver de Cristo está en brazos de María, descansa sobre las rodillas dobladas trasmitiendo una sensación de pesadez. Composición piramidal , muy equilibrada con volúmenes cerrados. Grandes calidades pictóricas en el acabado de la musculatura y en los ropajes. María figura joven contrasta con la mayor edad del hijo. Tiene un carácter simbólico: nos habla de la pureza de la virgen

EL DAVID DE LA ACADEMIA DE FLORENCIA

Desnudo heroico, de tamaño mayor que el natural, impresionante en su grandiosidad, rompiendo la iconografía tradicional, que lo representaba como adolescente. Realizado sobre un enorme bloque de mármol, pero de forma alargada y estrecha, lo que le obliga a hacer una obra casi plana. Figura que emerge de un gran bloque de mármol ligeramente estrecho lo que condicionará la posición de los brazos. Tema: se representa a David estudiando a su rival, justo en el momento de una mayor concentración. Está preparando las fuerzas de asalto. No representa la acción, sino la reflexión. Refleja el gusto por el desnudo como las esculturas clásicas. En él apreciamos los rasgos de su arte: la “terribilitá”, el carácter terrible y amenazador de sus figuras; la tensión de la anatomía, el movimiento contenido y centrípeto, con los miembros hacia adentro; la falta de simetría en la postura; la pasión del rostro y el perfecto estudio anatómico, dando la sensación de que la figura está viva. La postura es helénica, pero las manos, el gesto terrible, la disposición en zigzag del cuerpo, comunican una tensión que no es clásica, sino punto de partida del Manierismo Anuncia el sentido de la grandiosidad mediante el agigantamiento de algunas partes , manos, uñas, dedos, o el gesto. Esta escultura era un símbolo para Florencia: es fortaleza e ira, atributos de Florencia en defensa de la libertad. No se inspira en los prototipos creados por Donatello ni Verrochio sino en las representaciones clásicas que conocía de Roma. Anatomía, fuerza, expresividad

EL SEPULCRO DEL PAPA JULIO II: EL MOISÉS Y LOS ESCLAVOS

Concebido primero como una verdadera montaña de mármol exenta bajo la Cúpula de San Pedro, con más de cuarenta figuras de tamaño colosal, hubo de irse reduciendo por presiones de todo tipo (económicas, políticas,



familiares), y cuando mucho años más tarde se instaló en la Iglesia de San Pietro in Vincoli, sólo figuran en él, de su mano, el famoso Moisés y las estatuas de Lía y Raquel. Respondía a un proyecto donde se integraba arquitectura y escultura. Se trataba de un conjunto de 40 esculturas de tamaño colosal. El proyecto no llegó a concluir por cuestiones económicas. De las 40 esculturas terminará solo: EL MOISES, Las esculturas de LIA Y RAQUEL y las figuras de algunos esclavos. Para estas últimas empleará la línea serpetinata

EL MOISÉS: Tema: el gran legislador judío, líder espiritual y guerrero. Condujo a su pueblo hasta la tierra prometida. Se inspira en el Laocoonte ( se había descubierto en el año 1506 y lo había adquirido el Papa Julio II ) Representa a la figura con una pierna ligeramente adelantada respecto a la otra. Tiene la cabeza prominente, girada, expresión facial es también fuerte y dura, con una barba muy poblada. Esta posición le da realismo y emoción contenida: está enfurecido. Representa los rasgos del profeta: fuerza y terribilitá. Esto se refleja en la poderosa anatomía, en los brazos, en las piernas. EL TEMA El profeta después de regresar del monte Sinai llevando las tablas de la ley para dárselas al pueblo de Israel, ve horrorizado como el pueblo ha abandonado el culto a Jehova y están adorando el Becerro de oro. Forma parte de una narración más extensa sobre la vida de Moisés y el pueblo judío. Desde Egipto Moisés los conduce a la tierra prometida [ Palestina ] Moisés nunca llegará a la tierra prometida. Conduce al pueblo desde el cautiverio, Egipto hasta la liberación. Ideal de belleza: Se busca la belleza idea, naturalista, interés por la figura humana, la anatomía, como corresponde a la cultura antropocéntrica .Composiciones equilibradas armoniosas, movimiento en potencia, perfección técnica.Todos los rasgos del Renacimiento hay que matizarlos en Miguel Ángel. El era un personaje excepcional por la forma de tratar las esculturas, por lo longevo de su vida. Sus influencias vinieron desde DONATELLO y su obras trascurrió desde la serenidad clásica de sus obras iniciales pasando por la TERRIBILITÁ hasta llegar a sus obras últimas que preludian el barroco SIGNIFICADO: Esta figura está ligada a la exaltación del Papa / imitaba los mausoleos de la Antigüedad. El primer proyecto tenía como centro al papa rodeado de figuras alegóricas alusivas a las virtudes del Pontífice. La grandiosidad del proyecto se fue reduciendo hasta transformarse en un sepulcro adosado. Se aprovecho esta escultura además de las figuras de Lía y Raquel que representaban la vida activa y la vida contemplativa En esta obra se identifica a Moisés con el Papa.



LOS ESCLAVOS: Debían ir también en el Mausoleo de Julio II, pero quedaron inacabados: hondamente patéticos, expresan el esfuerzo por liberarse de las cadenas. Mientras los realizaba se descubrió en Roma el Laocoonte, que supuso para Miguel Ángel y todos los escultores de su tiempo una verdadera revelación. A partir de este momento la expresión en sus figuras se hará más intensa, las actitudes más violentas y un halo de dramático pesimismo velará los rostros. LOS ESCLAVOS ENCADENADOS. Se trata de dos esculturas esculpidas entre 1513 / 1516 paralelos a la escultura del MOISÉS. El ESCLAVO MORIBUNDO está tratado con más perfección tanto en el pulido como en las formas anatómicas. Contrasta mucho la forma del cuerpo con las forma curva de los pies donde posiblemente se iba a representar un mono. Figura relajada, sosegada. El rostro del hombre aparece como abandonado al sueño o a la muerte. SIGNIFICADO: La personificación del espíritu humano intentando liberarse de las pasiones humanas. Este esclavo representa la perfección divina. El ESCLAVO REBELDE: Está menos acabado y lleva un paño como única vestimenta. Es una figura cargada de solidez física: sus músculos están muy resaltados resultado de la lucha que tiene por liberarse de las cuerdas.

+ SACRISTÍA NUEVA DE SAN LORENZO: CAPILLA FUNERARIA DE LOS MÉDICIS

El proyecto se inicia en el año 1527 para las tumbas de Lorenzo y Giuliano de Medicis en la sacristía nueva de la Iglesia de San Lorenzo. El encargo lo hizo el Papa León X de la misma familia de los Médicis. Los dos sepulcros se conciben como tumbas adosadas a la pared donde la arquitectura se integra en la escultura. Las esculturas son de bulto redondo de los dos hermanos que se colocan en nichos enmarcados por doble fila de pilastras corintias. Las figuras sedentes aparecen vestidas al modo clásico con posturas novedosas. Los cuerpos aparecen atléticos con enorme perfección anatómica. Los sarcófagos adquieren una forma totalmente novedosa con representaciones alegóricas recostadas en la parte superior. Se disponen en posturas opuestas ofreciendo torsiones violentas directamente inspiradas en la escultura clásica. LA TUMBA DE GULIANO DE MEDICIS. LA VIDA ACTIVA. Se trata dos tumbas donde se glorifica la familia Médicis. Los dos personajes son tratados como héroes de la antigüedad y aparecen triunfantes. La vida activa y la vida contemplativa aparece en cada uno de ellos. LA VIDA ACTIVA APARECE EN GUILIANO; LA VIDA CONTEMPLATIVA EN LORENZO, de ahí su postura de El pensador. Intentó representar el trascurrir del tiempo en la vida humana así en la imagen de Giuliano aparecen las imágenes del día y la noche LORENZO DE MEDICIS. EL PENSADOR. Representa la vida contemplativa en Lorenzo, de ahí su postura de EL PENSADOR. Lorenzo, nieto de Lorenzo El Magnífico y que falleciera en 1519, vestido también como jefe militar romano, cabeza y cuello cubiertos con el yelmo, el codo apoyado en el brazo del sillón y el índice doblado sobre los labios. La acción, Lorenzo pretende representar el pensamiento. Estas estatuas confieren a estos Médicis una jerarquía de príncipes, un carácter de nobleza que ni en sus actos ni en sus vinculaciones tuvieron



En los últimos años de su vida siente una fuerte religiosidad, por lo que se sentirá atraído por el tema de la Piedad. Las últimas que realiza son dramáticas, cada vez muestran mayor dolor y desesperación, sobre todo ésta, que no llegó a terminar. En ésta la expresividad llega a deformar las proporciones y la técnica empleada es sumaria y sugestiva (como en los escultores impresionistas del siglo XX). LAS ULTIMAS PIEDADES.

La Piedad de Florencia 1550 [ 1 ] Son de sus últimas obras cuando ya ha realizado la mayor parte de su obra. Acomete la obra en un bloque de mármol. Composición más compleja, aunque se mantiene la estructura piramidal. La virgen pasa a un segundo plano y el cuerpo de Cristo se contrae violentamente como mecanismo para impactar a los fieles. Le da mayor importancia a la figura de José de Arimatea donde el mismo escultor se representa. La figura de María Magdalena representa la vida terrenal. A la derecha la imagen de la Virgen simbolizando la muerte y la suprema liberación del alma. Aparece en la figura como donante. Con estas obras M. Ángel ya no le va a preocupar el acabado sino que va a manifestar el deseo de lo inacabado como expresión de lo fugaz de la existencia humana. LA PIEDAD RONDANINI 1564 [ 3 ] Obra inconclusa, murió el autor sin haberla terminado. La tarde anterior a su muerte estaba trabajando en esta escultura. Tema: la composición es revolucionaria y nueva: María desmayada y Jesús muerto, están ambos de pie. No se sabe muy bien quien sostiene a quien En este periodo el escultor atraviesa un periodo de profunda preocupación espiritual. La vida ha dejado de interesarle. Ruptura de los cánones clásicos. Representación del alma. La materia, lo físico ya no le interesa representarla. Le preocupa la vida interior. Son de sus últimas obras cuando ya ha realizado la mayor parte de su obra. La escultura es de un patetismo extremo. Aquí niega la forma en beneficio del espíritu. Aparece el feísmo en la escultura para poner de relieve la espiritualidad

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