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El diseño escénico es una disciplina que en Chile está íntimamente ligada a la formación y evolu-

ción de los teatros universitarios: Teatro de Ensayo de la Universidad Católica y, por sobre todo, Teatro

Experimental de la Universidad de Chile. Es en esta última casa de estudios donde, en forma paralela

a la inauguración de la carrera de Actuación Teatral, se crea en 1948 la carrera de Diseño Teatral, que

resulta fundamental para la formación y el desarrollo de la materia. Una carrera que estructura la for-

mación de la visualidad escénica en tres grandes áreas: iluminación, vestuario y escenografía, además

de entregar los elementos discursivos, teóricos, metodológicos y técnicos que confluyen en esta praxis,

de la que podemos reconocer exponentes tan significativos para las artes escénicas y visuales naciona-

les como, por ejemplo, el artista Guillermo Núñez1, quien en sus inicios se desempeña paralelamente

como profesor en una carrera en formación, como diseñador escénico en los montajes que perfilaron

los ideales del Teatro Experimental y como jefe técnico del Teatro Nacional Chileno. Un adelantado del

diseño escénico que llegó el año 1968 hasta el Metropolitan Art Museum de Nueva York con uno de

sus vestuarios para la obra “El perro del hortelano”, de Lope de Vega (estrenada en 1962 en el TNCH).

No es extraño encontrar diseñadores escénicos devenidos artistas visuales o viceversa. El diseño es-

cénico es interdisciplinar por definición. La construcción que el creador piensa, diseña y materializa

en el escenario está formulada a partir de la recolección de múltiples materiales visuales, sonoros

o textuales que, organizados, generan nuevos universos visuales. Estos se encuentran sometidos a

diversas variables que, mediadas por la mirada del diseñador, operan para la producción de sentido

conjugando lo simbólico y lo material en una puesta en escena.

Por estos días, definir, dar un nombre o encasillar en un estilo la visualidad escénica nacional es una

tarea compleja, ya que es un imaginario tan diverso como el número de cabezas que lo piensan. Es

esta misma pluralidad y sus combinatorias de referentes la que construye el concepto de “lo chileno”,

la imagen de identidad sobre el escenario. Sin duda, podríamos decir que es un híbrido que transita

sin problemas entre el neobarroco, el minimalismo y el hiperrealismo. Las imágenes que llenan

estos universos (aquello que inspira a los diseñadores) nacen de forma ilimitada del cotidiano. Bajo

la mirada del diseñador escénico todo es potencialmente material escénico, tanto el espacio físico

como sus habitantes y, sin duda, los acontecimientos diarios. Es precisamente esta relación con el

espacio, esta mirada sobre la ciudad y su devenir lo que convierte siempre una puesta en escena en

un gesto político.

Un buen ejercicio para intentar trazar algunos puntos de conexión del diseño escénico actual es re-

visar los proyectos que serán parte del envío país a la próxima Cuadrienal de Praga. En él podemos

encontrar la identidad revisitada a través del cuerpo y la etnia, la identidad a través de la geomorfo-

logía, el color y la textura, y la identidad a través del tejido y su trama.

Diseño escénico chileno y sus múltiples escenarios

1 Guillermo Núñez: Reconocido artista visual chileno que comenzó sus estudios y su vida profesional como diseñador teatral en el Teatro Nacional Chileno.

Catalina DeviaDiseñadora Teatral, Universidad de Chile _ Profesora escuelas de Teatro de la Universidad Mayor y Universidad Católica de la Santísima Concepción _ Presidenta, Asociación Nacional de Diseñadores Escénicos.Stage designer Universidad de Chile _ Professor at Universidad Mayor and Universidad Católica de la Santísima Concepción drama schools _ President, National Association of Stage Designers.

Este artículo intenta trazar algu-

nas coordenadas que den cuenta

del estado actual del diseño escé-

nico en nuestro país en el contexto

de la inauguración de la versión

13º de la Cuadrienal de Praga en

el mes de junio del presente año.

Pone en contexto el estado actual

de la disciplina y se aventura a

proyectarlo al futuro pasando por

hitos como este evento, específi-

camente a través del análisis del

trabajo de una de las diseñadoras

seleccionadas para exhibir su tra-

bajo en la sección Tribus, Loreto

Monsalve, autora del proyecto de

vestuario escénico “Centrípeto”,

construido con fibras autóctonas.

This article is an attempt to trace

some coordinates that inquire on

the current state of the art in stage

design in our country in the context

of the opening of the 13th version

of the Prague Quadriennial in the

month of June of the present year. It

puts into context the current state of

the discipline and ventures to project

it into the future by way of milestones

like this event, specifically through

an analysis of the work of one of the

designers selected to show her work

in the Tribes section, Loreto Monsalve,

creator of “Centrípeto” stage costumes,

made with native fibres.

Clásica / Daniel Bagnara

DEST

ACAD

OS

CUADRIENAL DE PRAGA

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Cuadrienal de Praga

La Cuadrienal de Praga es la gran instancia de reunión de todos los diseñadores escé-

nicos a nivel mundial. Nacida después de haber sido por años parte de una sección de la

Bienal de São Paulo, se independiza en 1967 y recibe el apoyo del Ministerio de la Cultura

de la República Checa, del presidente de ese país y de la Unesco. Un total de 64 países

muestran sus creaciones escénicas en diferentes espacios de la capital checa junto con

una serie de actividades complementarias como seminarios, talleres y reuniones de des-

tacados profesionales de teatro de todo el mundo. Junto con ello, la Cuadrienal es una

gran oportunidad para observar y comparar el desarrollo y las tendencias recientes de

la visualidad escénica. En este evento han exhibido sus trabajos personalidades destaca-

das como Tadeusz Kantor, David Borovsky, Ralph Koltai, Luciano Damiani, Ming Cho Lee,

y Achim Freyer, además de artistas contemporáneos como Heiner Goebbels, José Carlos

Serroni2, Robert Wilson3, Julie Taymor4 y Anna Viebrock, entre muchos otros.

La Cuadrienal se divide en tres áreas: la Sección de Exhibiciones Nacionales, donde

“La paradoja del espectador: clima / atmósfera y diseño escénico” SECCIÓN PROFESIONALES

Obra La noche obstinada / Diseño de vestuario Daniel BagnaraObra 8.8 / Diseño de vestuario Daniel Bagnara

Obra La colorina / Diseño integral Daniel BagnaraObra Clásica / Diseño de vestuario Daniel Bagnara

cada país presenta sus mejores diseñadores escénicos a partir de un tema elegido por

el curador del país; la Sección de Escuelas, donde participan las escuelas de cada país

con proyectos colectivos; la Sección de Arquitectura Teatral y Tecnología, que reúne

los más atractivos edificios teatrales que se han construido desde la versión anterior.

En esta ocasión habrá, además, una sección especial denominada Tribus.

En esta oportunidad nuestro país participa en tres secciones: la de profesionales, la

de estudiantes y la de tribus. Para la Sección Profesionales, esta versión cuenta con el

apoyo conjunto de DIRAC y CNCA, instituciones que lideraron el proceso de búsqueda

de un curador por medio de un llamado a una mesa de expertos y, luego, una convoca-

toria abierta a los diseñadores escénicos del país para obtener el material visual de sus

producciones realizadas desde la última Cuadrienal. La curatoría país está a cargo de

María Teresa Lobos, quien titula la muestra “La paradoja del espectador: clima/atmós-

fera y diseño escénico”. Un dispositivo escénico diseñado por la curadora contiene las

imágenes de los 14 diseñadores escénicos seleccionados.

2 José Carlos Serroni: Artista, arquitecto, escenógrafo y diseñador de vestuario para teatro, televisión y conciertos. Se graduó en la Escuela de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de São Paulo en 1977. En 1984 es contratado por el Instituto de Artes Escénicas para encabezar la reforma y construcción de nuevos teatros en su país. En 1999 crea un espacio dedicado a la investigación y formación de nuevos escenógrafos. En 2002 publica la que resulta hasta el momento la mejor radiografía del teatro de su país Escenografía Brasileña, notas de un escenógrafo.

3 Robert Wilson: Artista y director teatral norteamericano. Licenciado en Arquitectura. A lo largo de su trayectoria ha

realizado labores en todos los aspectos de lo escénico: como coreógrafo, performer, pintor, escultor, artista de video y sonido, diseñador de iluminación y régisseur de ópera. Ha realizado colaboraciones con artistas de la talla de Heiner Müller, Allen Ginsberg, Tom Waits,  Laurie Anderson y Marina Abramović, entre otros. Uno de sus legados más importantes es la creación del Centro Watermill, un laboratorio para la investigación artística con énfasis en lo interdisciplinar, con una modalidad de taller, programas educativos y residencias que abre sus puertas cada año a jóvenes talentos de todo el mundo. En 2010, a manera de retrospectiva, en el Centro

Georges Pompidou inauguró la exposición “Robert Wilson, cuarenta años de creación”. Estará presente en esta versión de la Cuadrienal de Praga en las sesiones de conversación con el público.

4 Julie Taymor: Diseñadora y directora de teatro y cine. Formada en  L’École Internationale de $éâtre Jacques Lecoq, viaja por Sri Lanka e India aprendiendo el arte de las marionetas y las máscaras. Llega al cine a partir de sus adaptaciones de obras de Shakespeare para el formato televisión. Luego de su primera película, “Titus”, realiza el film “Frida”, que la vuelve mundialmente conocida y que le valió seis nominaciones al Oscar. En esta nueva versión de la Cuadrienal de Praga conversará con el público.

CUADRIENAL DE PRAGA

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Obra La Pasionaria / Escenografía Paula Castillo Obra La Cosa / Escenografía Eduardo Cerón

Obra Cuarteto / Escenografía Eduardo Cerón Obra Mundo intemperie / Escenografía Josefina Cifuentes

Obra Proyecto de vida / Escenografía Francisca LazoObra Palo Rosa / Escenografía e iluminación Rocío Hernández

CUADRIENAL DE PRAGA

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Obra La tía Carola / Escenografía Los Contadores Auditores Obra Sin motivo aparente / Diseño de Vestuario Loreto MartínezObra Escuela / Diseño Integral Loreto Martínez

Obra Alcérreca / Escenografía y vestuario Natalia Morales Obra La Victoria / Diseño integral Natalia Morales y Josefina Cifuentes

Obra Historia de amputación a la hora del té / Diseño de vestuario Elizabeth Pérez Obra Persiguiendo a Nora Helmer / Escenografía Rodrigo Ruiz. Iluminación Ricardo Romero Obra Yo maté a Pinochet / Diseño integral Ricardo Romero

CUADRIENAL DE PRAGA

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Obra El otro / Diseño de iluminación Ricardo Romero Obra Sangre como la mía / Escenografía e iluminación Ricardo Romero

Obra Padre / Escenografía e iluminación Rodrigo Ruiz Obra De Rokha / Escenografía Rodrigo Ruiz Obra Persiguiendo a Nora Helmer / Escenografía e iluminación Rodrigo Ruiz

Obra Macbeth / Diseño de vestuario Valentina San Juan Obra La Flauta Mágica / Escenografía y vestuario Miryam Singer / Fotografías: Patricio Melo.

CUADRIENAL DE PRAGA

149DISEÑA DESTACADOS 148

Por su parte, la Sección Escuelas lleva el proyecto “Corteza”, una instalación que rescata

los aspectos estéticos e identitarios que se desenvuelven en torno al fenómeno del terre-

moto, desentrañando la noción de capas de cortezas en la construcción de la tierra y rela-

cionándolas con los estratos que constituyen una identidad y un historial de experiencias.

La tercera instancia en la que el país será representado es la Sección Tribus, curada

directamente desde la Cuadrienal. Allí participan el “Proyecto Selk’nam”, del colectivo

artístico Complejo Conejo, y “Centrípeto”, de Loreto Monsalve, ambos consistentes en

vestuarios llevados por performers que intervendrán la ciudad durante todo el día a lo

largo de la Cuadrienal.

Los procesos de creación y producción que distinguen la entrega de esta versión res-

ponden a la traducción material y volumétrica de conceptos que resultan identitarios

desde diferentes puntos de vista y en diversos formatos. Por una parte, la muestra na-

cional que reúne a 14 diseñadores escénicos (con una muestra tomada de 23 obras) da

cuenta de la diversidad de la creación escénica que se desarrolla en teatro, danza con-

temporánea, ópera y circo. Por otra parte, la entrega de escuela denominada “Corteza”

“Corteza” SECCIÓN ESCUELAS

trabaja desde un concepto más abstracto, analizando desde la geomorfología de nues-

tro país la construcción de esta historia común que surge a partir de la condición sísmica

y las experiencias e historias que desde ahí se detonan y entrelazan. Este concepto se

traduce materialmente en un gran tejido que se montará como una instalación en la

que el público puede entrar y transitar, encontrando en su centro vestigios recogidos

del sismo que poseen valor o relación con la experiencia, la cual será descrita mediante

entrevistas que se podrán escuchar desde el interior.

La Sección Tribus es un área nueva, sin duda la más política de la muestra. El gran

tema es precisamente el derecho a la identidad. Se trata de una forma de responder,

desde la visualidad, la performance y la puesta en escena, a la legislación promulga-

da en algunos países de Europa (incluyendo a la República Checa) que prohíbe usar

máscaras o capuchas en actos de protesta. La curatoría de la Cuadrienal defiende el

derecho a la imaginación y la presencia de la máscara en un espacio público, conside-

rándola un objeto que trae a la realidad una capa que no era visible. La presencia de

una máscara crea un espacio no solo para la imaginación, sino también para el límite

“Proyecto Selk’nam” SECCIÓN TRIBUS

151DISEÑA DESTACADOS 150

del cambio, un lugar a cruzar, una zona de intercambio potencial con los otros. Estas

tribus estarán repartidas por toda la ciudad, generando un choque con el cotidiano.

“Selk’nam” y “Centrípeto” son nuestras tribus. En el primer caso, un grupo de cinco

performers con vestuarios de arpillera pintada a mano e intervenida con rajaduras evi-

dencia el exterminio de una de nuestras etnias a inicios del siglo XX. Esta vez caminarán

libres, bajo la forma de los espíritus que protegieron a sus ancestros, por las calles de

una Europa que alguna vez los vio en exhibición como parte de los zoológicos humanos.

Sobre Centrípeto

“Centrípeto” es un proyecto experimental que nace de los diversos intereses y forma-

ción de su creadora, la diseñadora teatral Loreto Monsalve, quien trabaja tanto en el

ámbito de las artes visuales como en el del diseño escénico. El conjunto está constitui-

do por cinco volúmenes escultóricos aplicados sobre un cuerpo humano. Aquí se ven

materiales y tejidos autóctonos chilenos aplicados al vestuario escénico, los que son

llevados a la video performance, uniendo artesanía y tecnología, activando así sus po-

tenciales cualidades escénicas. Compuestos por una serie de cinco vestuarios con gran-

des y diversas volumetrías con un solo punto en común, los tejidos van hacia el cuerpo

del intérprete como soporte y eje de la composición creando un movimiento centrípeto.

Los materiales utilizados resultan ser representativos de la artesanía tradicional chi-

lena. Se trata de mimbre5, bruto y refinado, y de crin6. Los motivos que llevaron a la

autora a optar por estos elementos están relacionados con sus cualidades materiales:

son dúctiles, se adaptan con firmeza a diversas formas y estructuran de una manera

excelente. Además, son livianos y permiten crear grandes volúmenes con muy poco

peso, lo que los hace portables. En términos visuales, estos materiales, bellos en todos

sus estados, permiten múltiples posibilidades plásticas, funcionando en tejidos o tra-

mas y en combinaciones o marañas, lo que brinda muy diversas posibilidades.

Otro factor dice relación con que el mimbre y el crin son materiales locales, asequibles

y representativos de nuestras tradiciones, que brindan un potencial diferente al de la

artesanía tradicional, dado que se pueden potenciar y complementar con la alta costura.

Monsalve señala que el concepto “centrípeto” nace en torno a la fibra que parte des-

de o hacia un centro, que en este caso no es el tejido mismo, sino el cuerpo humano

que porta cada estructura. “Centrípeto” representa la fusión del tejido con el cuerpo

humano. La trama del tejido está en torno a la silueta y movimiento del intérprete,

trascendiendo la frontera del tejido como un objeto de artesanía. Para que “Centrípeto”

funcione, el tejido y el cuerpo humano tienen que estar juntos, con un mismo ritmo y,

sobre todo, en movimiento.

SECCIÓN TRIBUS

DNA

“Centrípeto”

5 El mimbre es una fibra vegetal que se obtiene de un arbusto de la familia de los sauces.

6 La crin es el pelo que se obtiene de la cola del caballo. Luego de un lavado meticuloso se procede a peinarlo y teñirlo. El trabajo La crin, único en el mundo, nace y se desarrolla en Rari (una aldea de la comuna de Colbún, en la 

Provincia de Linares, Región del Maule). Las artesanas de Rari trabajan el crin de caballo de color natural o teñido, y también combinado con el ixtle, fibra vegetal proveniente de México,

que se emplea para dar firmeza a la estructura del tejido. La técnica consiste en el

entramado de las fibras de crin en torno a las de ixtle, las que se disponen en la urdimbre. Las únicas herramientas

empleadas son las manos y la aguja para las terminaciones. La artesanía en crin de Rari se exporta a todo el mundo, siendo Europa uno de los principales destinos.

Fotografías en Praga tomadas por Christian Saavedra.

CUADRIENAL DE PRAGA

Praga.