diapositivas paeg arte barroco

HISTORIA DEL ARTE

DIAPOSITIVAS PAEG ARTE BARROCO 1

DIAPOSITIVAS PAEG ARTE BARROCO

1. BALDAQUINO DE SAN PEDRO (Bernini, 1624-33)

Primer encargo de Urbano VIII a Bernini para llenar el espacio vacío del

crucero de la basílica de San Pedro. Es realizado con el bronce expoliado

del Panteón de Agripa, lo que le valió la frase “lo que no hicieron los

bárbaros, lo hicieron los Barberini” en alusión a la familia del Papa.

Se trata de un gran palio (toldo procesional), sustentado por cuatro

columnas salomónicas, de fustes con decoración vegetal y capiteles

corintios, sobre cuatro podios de mármol. El dosel formado por cuatro

gigantes volutas (diseñadas por Borromini), se remata con el globo

terrestre y la cruz, símbolos del triunfo universal de Cristo.

Su estructura transparente no rompe la visión, pero sí que el movimiento

de sus formas y su decoración que alterna dorados y ocres imprimen al

lugar un bello dinamismo.

El baldaquino simboliza el lugar, cobijando la tumba de San Pedro, pero también enfatizando la figura

del Papa, cuyos símbolos familiares (las abejas y el sol) aparecen numerosas veces en la parte superior.

Las columnas similares a las del Templo de Salomón, simbolizan el lugar como la nueva Jerusalén,

triunfante sobre el protestantismo.

GIAN LORENZO BERNINI (1598-1680): Es el gran arquitecto y escultor del barroco italiano. Comenzó

trabajando para Scipione Borghese. Sus obras principales las desarrolla en Roma, trabajando para

diversos papas casi en exclusividad, principalmente para Urbano VIII que al recibirlo le dijo “es una

gran fortuna que me veas como Pontífice, pero mayor es mi fortuna porque vivas en mi pontificado”.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Arquitectura del Barroco italiano del siglo XVII),

Título/Obra (Baldaquino de San Pedro), Autor (Gian Lorenzo Bernini), Situación (San Pedro del

Vaticano, Italia), Cronología (siglo XVII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna),

Relacionar/comparar (comparar con la arquitectura más barroca y dinámica de Bernini y Borromini con

la más clásica de Maderno, también en Italia, o Mansart en Francia), Influencia obra-época (el papado y

su poder en la Edad Moderna y su papel como mecenas y el uso del arte como medio de propaganda y

para mostrar su grandeza).

2. PLAZA DE SAN PEDRO DEL VATICANO, PLANTA Y COLUMNATA (Bernini,

1656,1667)

Una vez acabada la basílica de San Pedro se debe urbanizar el

espacio exterior. La idea Contrarreformista es la de conmover

al visitante, y por tanto esta Plaza es la estrella de todas las

construcciones barrocas vaticanas. Se trata de exaltar la

importancia de la Roma Papal como centro de la Iglesia

Católica. Encargada por el papa Alejandro VII, es el final de la

vía de la Conciliazione que une Roma con el Vaticano. Su

estructura está sometida a la existencia de la basílica, cuya

cúpula de Miguel Ángel debe ser visible como lugar más

HISTORIA DEL ARTE


importante (cabeza de la cristiandad). Bernini dispone una planta elíptica, rodeado por columnas

gigantes de orden toscano, que se remata con una balaustrada y 140 figuras de santos y mártires. El

pasillo continua y se abre hasta la fachada de la basílica, utilizada como gran escenario teatral desde

donde el pontífice hace sus apariciones públicas y especialmente la bendición Urbi et Orbi. Visualmente

la ventana puede verse desde cualquier punto. En el centro de la plaza se sitúa el obelisco de Fontana

(coronado por una cruz) allí colocado por el Papa Sixto V, y dos fuentes diseñadas por Maderno y el

propio Bernini.

Simbólicamente, las columnas son como dos brazos abiertos que

acogen a los fieles, uniendo la ciudad con la iglesia.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Arquitectura

del Barroco italiano del siglo XVII), Título/Obra (Columnata de la

Plaza de San Pedro del Vaticano), Autor (Gian Lorenzo Bernini),

Situación (El Vaticano, Italia), Cronología (siglo XVII), Época

histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna), Relacionar/comparar (comparar con las grandes plazas

renacentistas, como la del Capitolio en Roma de Miguel Ángel, y comparar con la arquitectura más

barroca y dinámica de Bernini y Borromini con la más clásica de Maderno, también en Italia, o Mansart

en Francia), Influencia obra-época (el papado y su poder en la Edad Moderna y su papel como mecenas y

el uso del arte como medio de propaganda y para mostrar su grandeza).

3. SAN CARLOS DE LAS CUATRO FUENTES (Borromini)

Primer encargo realizado en solitario para Borromini. Los Trinitarios

encargan construir su convento e iglesia. Disponen de un pequeño e

irregular solar que hace esquina al cual hay que adaptarse, además de

respetar las 4 fuentes que dan nombre al lugar. Las obras se inician por

la iglesia construida entre 1638 y 1641, la fachada se comenzará en

1665 y se finaliza después de la muerte del autor.

La planta es un óvalo que se adapta al solar e imprimiendo una sensación

ondulante. Se levantan grandes columnas, sobre ellas arcos de medio

punto y pechinas, que sostiene una cúpula de forma oval con

inconfundibles casetones geométricos (octógonos, hexágonos y cruces)

que parece estar suspendida por la iluminación de las pequeñas ventanas

superiores.

En la fachada predomina la línea curva. Se divide en dos cuerpos, donde se combinan diferentes

tamaños de columnas. En el superior se coloca un pequeño templete y sobre él un medallón central

sostenido por ángeles. La escultura es incorporada a la fachada como un elemento más. El conjunto se

inserta a la perfección en el contexto urbano de Roma. El resultado dio a Borromini un especial

reconocimiento, recibiendo numerosos encargos de órdenes religiosas. Su estilo fue siempre la unión de

arquitectura y escultura y el predominio de las líneas curvas.

FRANCESCO CASTELLI, BORROMINI (1599-1667): Arquitecto y escultor, llegó a Roma en 1619,

trabajando para Maderno y para Bernini, donde se enemistaron de por vida. Sólo trabajó con el papa

Inocencio X y debió trabajar principalmente para órdenes religiosas con mucho menos poder económico

que el Vaticano. Su carácter era solitario, poco interesado en las riquezas materiales. Inmerso en una

profunda depresión quemó todos sus escritos y diseños y se suicidó en 1667.

HISTORIA DEL ARTE


No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Arquitectura del Barroco italiano del siglo XVII),

Título/Obra (Iglesia de San Carlos de las Cuatro Fuentes), Autor (Francesco Borromini), Situación

(Roma, Italia), Cronología (siglo XVII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna),

Relacionar/comparar (comparar con la arquitectura más barroca y dinámica de Bernini y Borromini con

la más clásica de Maderno, también en Italia, o Mansart en Francia), Influencia obra-época (el papado y

su poder en la Edad Moderna y su papel como mecenas y el uso del arte como medio de propaganda y

para mostrar su grandeza).

4. PLAZA MAYOR DE SALAMANCA (Churriguera, 1729-1750)

Proyectada por Alberto de Churriguera sobre la antigua

plaza de San Martín y basándose en el tipo de plaza

mayor barroca española cuyos mejores ejemplos están

en Madrid y Córdoba. Se trata de un rectángulo

irregular (cada lado tiene una longitud distinta). Cada

fachada está compuesta por tres pisos, sobre arcos de

medio punto, en cuyas enjutas aparecen medallones

donde se representa a importantes personajes de la

historia de España: desde los reyes de España, famosos

literatos o conquistadores de América. En la fachada

norte, destaca el edificio del Ayuntamiento (proyectado por Andrés Quiñones, que finaliza las obras),

más alto y formado por dos pisos, rematado por una espadaña de tres campanas, esculturas alegóricas y

una veleta. El conjunto es clásico churrigueresco, una variante barroca de la arquitectura española.

Destaca el color de la piedra dorada propia de la zona. Su uso ha sido de lo más variado, originalmente

para actos públicos y mercado, pero también como plaza de toros o testigo de ajusticiamientos.

FAMILIA CHURRIGUERA: Formada por diversos artistas que destacaron principalmente en la

arquitectura de Castilla del s. XVIII, dando lugar a la denominación de Churrigueresco como estilo

artístico recargado de decoración. Fruto de sus colaboraciones destacar esta Plaza Mayor de

Salamanca y numerosos retablos en toda España (Salamanca, Madrid, Valladolid…).

No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Arquitectura del Barroco español del siglo XVIII),

Título/Obra (Plaza Mayor de Salamanca), Autor (Alberto de Churriguera), Situación (Salamanca,

España), Cronología (siglo XVIII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna),

Relacionar/comparar (comparar con la arquitectura más barroca y dinámica de Bernini y Borromini en

Italia con la española, indicando las causas de sus evidentes diferencias), Influencia obra-época (el

Siglo de Oro cultural en España, coincidente con la pérdida de su hegemonía en Europa y con una grave

crisis política, económica y social y sus consecuencias artísticas, que afectan principalmente a la

arquitectura y escultura).

5. FACHADA DEL HOSPICIO DE MADRID (Pedro de Ribera, 1722)

Fachada para el Hospicio de San Fernando de Madrid, que Ribera concibe como una monumental

escultura que busca integrar el edificio en el urbanismo.

Se organiza como el retablo de una iglesia, dividido en dos cuerpos ricamente decorado con estípites

(columnas), óculos y cortinajes que generan un movimiento ondulatorio y ascendente hacia la figura de

San Fernando, situada en la hornacina central superior.

HISTORIA DEL ARTE


PEDRO DE RIBERA (┼ 1742): Es uno de los arquitectos barrocos más

importantes en España. Trabajó como arquitecto municipal de Madrid,

llevando a cabo las principales obras del momento en la capital.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Arquitectura del

Barroco español del siglo XVIII), Título/Obra (Antiguo Hospicio de

Madrid), Autor (Pedro de Ribera), Situación (Madrid, España), Cronología

(siglo XVIII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna),

Relacionar/comparar (comparar con la arquitectura más barroca y dinámica

de Bernini y Borromini en Italia con la española, indicando las causas de sus

evidentes diferencias), Influencia obra-época (el Siglo de Oro cultural en

España, coincidente con la pérdida de su hegemonía en Europa y con una

grave crisis política, económica y social y sus consecuencias artísticas, que

afectan principalmente a la arquitectura y escultura).

6. TRANSPARENTE DE LA CATEDRAL DE TOLEDO (Narciso Tomé, 1729-1732)

Conjunto escultórico situado en la girola de la Catedral de Toledo,

detrás del Altar Mayor. Se abre un óculo en el techo que permite la

iluminación del sagrario (lugar donde se conserva el santo sacramento) y

de todo el conjunto. Es concebido como un retablo cóncavo, de dos

cuerpos de altura, unidos por un gran círculo central del que nacen

rayos dorados que simbolizan el sol de la Eucaristía. Alrededor una gran

corte de ángeles en contrastadas actitudes. En el cuerpo inferior, una

escultura de la Virgen con el niño, y en el superior, la última cena.

Es un gran y expresivo conjunto dedicado al Santo Sacramento, que

aúna la escultura con la luz, y que rompe el monótono gótico del edificio,

completando más la catedral como un museo de obras de todas las

épocas.

NARCISO TOMÉ (1690-1742): Es arquitecto y escultor. Fue nombrado

Maestro Mayor de la Catedral de Toledo, y además junto a su hermano

realizó la fachada de la Universidad de Valladolid.


Título/Obra (Transparente de la Catedral de Toledo), Autor (Narciso Tomé), Situación (Toledo,


Relacionar/comparar (comparar con la arquitectura más barroca y dinámica de Bernini y Borromini en

Italia con la española, indicando las causas de sus evidentes diferencias), Influencia obra-época (el


crisis política, económica y social y sus consecuencias artísticas, que afectan principalmente a la

arquitectura y escultura).

7. FACHADA DEL OBRADOIRO (Casas Novoa, 1738)

Fachada que cubre la portada románica de la catedral. El objetivo era proteger el Pórtico de la Gloria,

integrar el edificio en el urbanismo de la ciudad y ser el final de la escalinata que ya se estaba

construyendo. Realiza un telón piramidal, articulado en tres calles. Para la iluminación del Pórtico abre

HISTORIA DEL ARTE


ventanales que aligeran el aspecto exterior y los pisos superiores van

decreciendo hasta el remate final donde aparece la figura del

Apóstol Santiago.

La fachada es dinámica gracias a su juego de luces y de sombras,

como un gran decorado teatral, y que se ha convertido en la imagen

de la ciudad de Santiago de Compostela, que renueva durante la

época barroca su urbanismo medieval.

FERNANDO DE CASAS NOVOA (1670-1750): Arquitecto gallego

que trabajó en numerosos lugares de su tierra como Lugo, Betanzos o

La Coruña. Nombrado en 1711 como maestro de obras de la Catedral

de Santiago, realizará para esta ciudad sus obras más importantes.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Arquitectura del

Barroco español del siglo XVIII), Título/Obra (Fachada del Obradoiro), Autor (Fernando de Casas

Novoa), Situación (Santiago de Compostela, España), Cronología (siglo XVIII), Época histórica/cultural

(Barroco, Edad Moderna), Relacionar/comparar (comparar con la arquitectura más barroca y dinámica

de Bernini y Borromini en Italia con la española, indicando las causas de sus evidentes diferencias),

Influencia obra-época (el Siglo de Oro cultural en España, coincidente con la pérdida de su hegemonía

en Europa y con una grave crisis política, económica y social y sus consecuencias artísticas, que afectan

principalmente a la arquitectura y escultura).

8. FACHADA DEL PALACIO REAL DE MADRID (Juvara y Sachetti, 1736-1764)

Obra más importante del barroco palaciego español,

encargada por Felipe V tras el incendio del antiguo

alcázar de los Austrias. El rey encarga el palacio al

mejor arquitecto italiano del momento Juvara, y que a

su muerte en 1736 fue sustituido por su discípulo

Sacchetti.

Se trata del mejor ejemplo de arquitectura palaciega

borbónica, de planta rectangular en torno a un patio

central y enmarcada por torreones que no resaltan en

altura.

La fachada principal se inicia con un zócalo almohadillado, sobre él, se elevan dos cuerpos monumentales

en el que dominan pilastras dóricas de orden gigante, y columnas de capitel compuesto en los lados.

Entre ellas se disponen balcones coronados por frontones curvos y triangulares, y sobre ellos, ventanas.

Está rematada por una balaustrada con jarrones. Destacan el reloj central y la decoración como

escudos de armas. Se trata de una gran construcción, en la línea más clásica del barroco y que sirve

como gran estandarte propagandístico de la nueva dinastía de reyes españoles, los Borbones.

JUVARA y SACCHETTI: Felipe Juvara es arquitecto italiano, nacido en Messina y que trabajó para

diversos mecenas como el Papa o la familia Saboya. En 1735, es llamado por Felipe V, rey de España para

proyectar obras en el Palacio de la Granja (Segovia), Aranjuez y Madrid. A su muerte las obras fueron

finalizadas por algunos de sus discípulos. Juan Bautista Sacchetti, sustituye a su maestro en las obras

del Palacio Real. Después continuaría en España como director de la Academia de San Fernando y

HISTORIA DEL ARTE


maestro mayor de obras de Madrid, proyectando obras como la Catedral de la Almudena o el viaducto

de Bailén.


Título/Obra (Palacio Real de Madrid), Autor (Juan Bautista Sacchetti), Situación (Madrid, España),

Cronología (siglo XVIII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna), Relacionar/comparar

(comparar con la arquitectura más barroca y dinámica de Bernini y Borromini en Italia con la española y

con el Palacio de Versalles de Mansart en Francia), Influencia obra-época (el Siglo de Oro cultural en

España, coincidente con la pérdida de su hegemonía en Europa y con una grave crisis política, económica

y social y sus consecuencias artísticas, que afectan principalmente a la arquitectura y escultura).

9. APOLO Y DAFNE (Bernini, 1622-1625)

Obra de juventud realizada para el cardenal Borghese. Representa un tema

mitológico, narrado en la Metamorfosis de Ovidio. Dafne, una ninfa, había

renunciado a casarse. El dios Apolo se había enamorado de ella, y a pesar

de ser rechazado, la persiguió por el bosque. Dafne, al encontrarse

acorralada, pidió ayuda a su padre, el dios del río Peneo, que la convirtió en

laurel antes de ser atrapada.

Se combina a la perfección la belleza clásica con el movimiento barroco. La

expresión de los sentimientos es grande, la ninfa grita asustada, mientras

el dios mira perplejo la transformación. Bernini capta con genialidad ese

momento fugaz en el que Dafne es mitad mujer, mitad laurel.

La composición es de grandes diagonales que acentúan el dinamismo, con el

movimiento de los cabellos y los ropajes. El dominio técnico en el mármol se

hace patente en los distintos acabados de la piel, el tronco o incluso las

hojas, y la luz, que incide sobre la obra y pasa a formar parte de ella.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Escultura del Barroco italiano del siglo XVII),

Título/Obra (Apolo y Dafne), Autor (Gian Lorenzo Bernini), Situación (Galería Borghese de Roma,

Italia), Cronología (siglo XVII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna), Relacionar/comparar

(comparar con la escultura renacentista y manierista y comparar también la escultura barroca italiana

con la barroca española), Influencia obra-época (Bernini como arquitecto y escultor casi exclusivo del

Vaticano, del Papa Urbano VIII, de ahí su fama y sus encargos y su enorme influencia en los siglos XVII

y XVIII).

10. ÉXTASIS DE SANTA TERESA (Bernini, 1645-1652)

Forma parte de la capilla Cornaro en la Iglesia de Santa Mª de la Victoria (Roma) dedicada a Santa

Teresa de Jesús. Se unen arquitectura, pintura y escultura, formando un escenario teatral, completado

con los palcos laterales, donde se representan a la familia Cornaro que asiste al milagro e integra en la

escena al espectador.

En el centro, una escena descrita por la propia Santa Teresa en su obra Vida:

"Veíale en las manos un dardo de oro largo, y al fin del hierro me parecía tener un poco de fuego. Este

me parecía meter por el corazón algunas veces, y que me llegaba a las entrañas. Al sacarle, me parecía

las llevaba consigo, y me dejaba toda abrasada en amor grande de Dios."

HISTORIA DEL ARTE


Sobre una nube, Santa Teresa en pleno éxtasis, con el cuerpo desmayado

y la boca entreabierta en un gemido. Frente a ella, un ángel sonriente, se

dispone a atravesar su corazón con una flecha de fuego. Las distintas

calidades contrastan en un mismo material, el mármol, y evidencian el

dominio técnico del autor.

La escena se ilumina por una ventana, oculta por elementos

arquitectónicos, pero que se materializa en rayos dorados que completan

el conjunto barroco por excelencia.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Escultura del

Barroco italiano del siglo XVII), Título/Obra (Éxtasis de Santa Teresa),

Autor (Gian Lorenzo Bernini), Situación (Capilla Cornaro en la Iglesia de

Santa María de la Victoria en Roma, Italia), Cronología (siglo XVII),

Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna), Relacionar/comparar (comparar con la escultura

renacentista y manierista y comparar también la escultura barroca italiana con la barroca española),

Influencia obra-época (Bernini como arquitecto y escultor casi exclusivo del Vaticano, del Papa Urbano

VIII, de ahí su fama y sus encargos y su enorme influencia en los siglos XVII y XVIII).

11. CRISTO YACENTE (Gregorio Fernández, 1614)

Una de las obras maestras del principal representantes de la Escuela

de Valladolid del XVII. Crea un nuevo tipo de Cristo en la imaginería,

donde no aparece relacionado con la cruz, sus verdugos, su madre u

otros personajes.

Representa a Cristo al acabar de morir. En su rostro se aprecia el

sufrimiento, las heridas abiertas. El estudio anatómico es perfecto,

apreciándolo en huesos y músculos. Sólo se cubre con un trozo de la

sábana.

Con el uso de la policromía sobre la madera, se acentúa el

dramatismo, se aprecia mejor la sangre, la suciedad, los moratones.

Gregorio Fernández crea un nuevo tipo de Cristo Yacente, realizando

una larga serie como el de San Pablo y Santa Ana en Valladolid, el de

la Encarnación o San Felipe de Neri en Madrid o el de la Catedral de Segovia. Se situaban en el banco

de los retablos y el Viernes Santo frente al altar mayor.

GREGORIO FERNANDEZ (1576-16236): Principal escultor de Valladolid del s. XVII y uno de los más

importantes imagineros de la historia. Su escultura destaca por el extremado dramatismo. De origen

gallego, trabajó toda su vida en Valladolid, cuando era sede de la Corte real, donde tuvo un importante

taller del que salieron sus principales obras.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Escultura del Barroco español del siglo XVII,

Escuela Castellana), Título/Obra (Cristo yacente), Autor (Gregorio Fernández), Situación (Museo

Nacional de Escultura de Valladolid, España), Cronología (siglo XVII), Época histórica/cultural (Barroco,

Edad Moderna), Relacionar/comparar (comparar la escultura barroca de la Escuela Castellana con la de

la Escuela Andaluza, y ambas con la escultura barroca italiana contemporánea), Influencia obra-época

(el Siglo de Oro cultural en España, coincidente con la pérdida de su hegemonía en Europa y con una

HISTORIA DEL ARTE


grave crisis política, económica y social, sus consecuencias artísticas, el papel de la Iglesia como

principal cliente y la plasmación en la escultura de las ideas de la contrarreforma).

12. CRISTO DE LA CLEMENCIA (Martínez Montañes, 1603,1606)

Cristo crucificado de la sacristía de la Catedral de Sevilla. Es

representado justo antes de morir, con la cabeza inclinada, mirando al

orador, sin ningún tipo de drama, sino con la dulzura propia de la escuela

andaluza del s. XVII.

Su anatomía es modelada con perfección, con belleza clásica. No hay

signos de tortura, ni sangre. En el paño, el autor muestra su perfección

técnica, en una tela que se ondula y se mueve, contrastando ese

movimiento con el estatismo de la figura.

La figura es uno de los “cristos” más representativos de la imaginería

española, y más en concreto de su autor.

MARTINEZ MONTAÑÉS (1568-1649): Es uno de los autores más

importantes de la imaginería andaluza del s. XVII. Su producción fue

amplia, en su totalidad de tema religioso, que destacó por su dulzura y clasicismo, y sus obras como el

Cristo o la Inmaculada de las más admiradas en la época.


Escuela Andaluza), Título/Obra (Cristo Crucificado o Cristo de la Clemencia), Autor (Juan Martínez

Montañés), Situación (Catedral de Sevilla, España), Cronología (siglo XVII), Época histórica/cultural

(Barroco, Edad Moderna), Relacionar/comparar (comparar la escultura barroca de la Escuela Castellana

con la de la Escuela Andaluza, y ambas con la escultura barroca italiana contemporánea), Influencia

obra-época (el Siglo de Oro cultural en España, coincidente con la pérdida de su hegemonía en Europa y

con una grave crisis política, económica y social, sus consecuencias artísticas, el papel de la Iglesia como

principal cliente y la plasmación en la escultura de las ideas de la contrarreforma).

13. LA INMACULADA (Alonso Cano, 1655)

Figura de pequeño tamaño, encargada para el facistol del coro de la Catedral de

Granada (un atril central que se situaba en el centro del coro para colocar el libro de

cantos) La obra podía ser contemplada desde cualquier punto de vista y por ello, Cano

se esforzó en esos varios puntos de observación.

Apoyada sobre una nube de querubines, muestra a una virgen en la línea de la

imaginería andaluza, una niña de enorme dulzura. Su rostro está concentrado lo que le

proporciona más espiritualidad. Une sus manos con finura y el autor las trabaja con

delicado estudio anatómico. La policromía es muy cuidada, demostrando que Cano

conocía a la perfección las técnicas pictóricas.

ALONSO CANO (1601-1667): Trabajó todas las artes. Inició su formación con su

padre y después en el taller de Pacheco. En 1683 fue llamado a la Corte, protegido por

el Conde Duque de Olivares.


Escuela Andaluza), Título/Obra (Inmaculada), Autor (Alonso Cano), Situación (Catedral de Granada,

España), Cronología (siglo XVII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna),

HISTORIA DEL ARTE


Relacionar/comparar (comparar la escultura barroca de la Escuela Castellana con la de la Escuela

Andaluza, y ambas con la escultura barroca italiana contemporánea), Influencia obra-época (el Siglo de

Oro cultural en España, coincidente con la pérdida de su hegemonía en Europa y con una grave crisis

política, económica y social, sus consecuencias artísticas, el papel de la Iglesia como principal cliente y

la plasmación en la escultura de las ideas de la contrarreforma).

14. MAGDALENA PENITENTE (Pedro de Mena, 1664)

Encargo de los jesuitas de Madrid que refleja la importancia del

arrepentimiento en el pecador. La expresión de la mujer refleja ese sentimiento

y sus pies descalzos, la penitencia, junto con una túnica de trenzado vegetal

atada con una cuerda.

Se trata de una figura de madera en tamaño real, que conectó muy bien con el

gusto del pueblo, ya que su rostro expresa dolor y comunica ese sentimiento

religioso. Al rostro, le acompañan la expresividad de las manos, el pelo lacio, y el

cuerpo que se inclina ligeramente hacia el crucifijo de madera. La policromía es

sobria, de colores oscuros que realza la espiritualidad.

La figura es muy simple pero responde perfectamente al sentimiento barroco

español contrarreformista, expresando el arrepentimiento y la penitencia,

sacramento que es negado por los protestantes.

PEDRO DE MENA (1628-1688): Comenzó trabajando en el taller de su padre y fue discípulo de Alonso

Cano. Trabajó en diversos puntos de Andalucía, firmando todas sus obras, en busca del reconocimiento

artístico. Su obra tuvo gran éxito, conectó con el sentimiento del público y creó modelos iconográficos

propios como la Magdalena o San Francisco.


Escuela Andaluza), Título/Obra (Magdalena Penitente), Autor (Pedro de Mena), Situación (Museo del

Prado, España), Cronología (siglo XVII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna),

Relacionar/comparar (comparar la escultura barroca de la Escuela Castellana con la de la Escuela

Andaluza, y ambas con la escultura barroca italiana contemporánea), Influencia obra-época (el Siglo de

Oro cultural en España, coincidente con la pérdida de su hegemonía en Europa y con una grave crisis

política, económica y social, sus consecuencias artísticas, el papel de la Iglesia como principal cliente y

la plasmación en la escultura de las ideas de la contrarreforma).

15. PASO DE LA ORACIÓN DEL HUERTO (Salzillo, 1760)

Paso para la procesión del Viernes Santo en Murcia, perteneciente a la Iglesia de Jesús, donde se

guardan otros pasos del autor.

La obra recoge el momento en el que Jesús se retira al huerto de los olivos, momentos antes de

iniciarse la Pasión. Sólo le acompañaron los apóstoles Juan, Santiago y Pedro, que quedaron dormidos.

Pedro, el más anciano, porta la espada que pronto utilizará para defender a Jesús, su sueño es menos

profundo y en su brazo se adivina la tensión muscular del que está alerta.

Es el momento en el Jesús reza y se le aparece un ángel para reconfortarle. Jesús está arrodillado,

hundido, y el ángel, de belleza adolescente, con las alas aún desplegadas, acaba de posarse en el suelo.

Todas las figuras forman un grupo integrado, de gran belleza que expresan como pocas un sentimiento

religioso como sólo lo hicieron los grandes maestros del barroco.

HISTORIA DEL ARTE


FRANCISCO SALZILLO (1707-1783): Comienza su

trabajo en el taller de su padre, familia de origen

italiano. Trabajó toda su vida en Murcia. Perteneció a

la cofradía de Jesús Nazareno, para la que realizó

ocho pasos procesionales entre los que destacan la

Oración del huerto o La Caída. Otra de sus grandes

obras fue un belén, formado por más de 500 figuras.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa

(Escultura del Barroco español del siglo XVIII en

Murcia), Título/Obra (Magdalena Penitente), Autor

(Pedro de Mena), Situación (Museo del Prado,


Relacionar/comparar (comparar la escultura de Salzillo con la escultura barroca de la Escuela

Castellana y la de la Escuela Andaluza, y con la escultura barroca italiana), Influencia obra-época (el


crisis política, económica y social, sus consecuencias artísticas, el papel de la Iglesia como principal

cliente y la plasmación en la escultura de las ideas de la contrarreforma).

16. LA CONVERSIÓN DE SAN PABLO (Caravaggio, 1601)

Encargo para la capilla Cesari en la Iglesia de Santa Mª del Popolo

(Roma), se encuentra junto a otra obra del autor, La crucifixión de

San Pedro.

El lienzo muestra la escena cuando el joven Saulo, soldado romano

cazador de cristianos, es derribado de su caballo por una poderosa

luz y una voz le pregunta “Saulo, ¿por qué me persigues?” Quedó

ciego y recuperó la vista milagrosamente, convirtiéndose en el

Apóstol San Pablo.

Caravaggio representa la escena en un ambiente nocturno, sin

paisaje, el joven caído en el suelo con ojos cerrados, los brazos

abiertos como si viviera un éxtasis, el caballo y en la penumbra, un

criado. El centro queda vacío como si el autor quisiera representar

así la presencia divina.

El autor vuelve a usar todos los recursos tenebristas que hicieron grandiosa su obra.

CARAVAGGIO, Michelangelo Merisi (1573-1610): Nació en Milán, hijo del marqués de Caravaggio,

pueblo de Bergamo. Trabajó en Milán, estudió a los venecianos y se trasladó a Roma, donde destacó por

su obra revolucionaria y su desordenada vida. Acusado de asesinato, huyó de Roma, trascurriendo el

resto de su vida en Nápoles, Malta y Sicilia. Murió en Porto Ercole aquejado de malaria.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura barroca italiana tenebrista), Título/Obra

(La conversión de San Pablo), Autor (Caravaggio), Situación (Capilla Cesari de la Iglesia de Santa María

del Popolo en Roma, Italia), Cronología (siglo XVII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna),

Relacionar/comparar (comparar brevemente la pintura barroca con la pintura renacentista y manierista

precedentes, comparándola también con la pintura de otras escuelas europeas y situándola, de forma

razonada, en el lugar cronológico-artístico que ocupa en la evolución del pintor), Influencia obra-época

HISTORIA DEL ARTE


(la pintura barroca como expresión propagandística del Absolutismo Monárquico y la Iglesia de la

Contrarreforma, que lo utilizaron como manifestación de su grandeza).

17. LA MUERTE DE LA VIRGEN (Caravaggio, 1606-1606)

Obra para la iglesia de Santa Maria Della Scala (Roma), representa el

momento de la muerte de la Virgen, Magdalena llora a su lado y los

apóstoles la rodean mostrando su dolor. Como modelo tomó a una

prostituta ahogada en el Tíber, que por su realismo se aprecia en el

vientre y pies hinchados. Los apóstoles son hombres vulgares, mendigos

sucios, pero desbordados por el dolor. Ese profundo sentimiento

religioso no fue captado y el cuadro fue rechazado y retirado del altar,

incomprensión que no fue una novedad en la obra de Caravaggio.

Es un claro exponente del tenebrismo, el cuadro se estructura a partir

del rayo de luz que cruza en diagonal (una luz de sótano), iluminando las

cabezas y el cuerpo de la Virgen. Utiliza el claroscuro y el color que

resalta el vestido rojo de la Virgen (asociado a la pobreza y la

prostitución) y la cortina del fondo que acentúa la teatralidad

dramática de la escena.

El tema se desprende de toda irrealidad y se presenta como la realidad del dolor ante la muerte.

Después de ser rechazada, fue comprada por Rubens para el duque de Mantua, y la expuso durante dos

semanas en Roma, cuando su autor ya había abandonado la ciudad acusado de asesinato.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura barroca italiana tenebrista), Título/Obra

(La muerte de la Virgen), Autor (Caravaggio), Situación (Museo del Louvre en París, Francia), Cronología

(siglo XVII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna), Relacionar/comparar (comparar

brevemente la pintura barroca con la pintura renacentista y manierista precedentes, comparándola

también con la pintura de otras escuelas europeas y situándola, de forma razonada, en el lugar

cronológico-artístico que ocupa en la evolución del pintor), Influencia obra-época (la pintura barroca

como expresión propagandística del Absolutismo Monárquico y la Iglesia de la Contrarreforma, que lo

utilizaron como manifestación de su grandeza).

18. LA ADORACIÓN DE LOS MAGOS (Rubens, 1624)

Lienzo de gran formato (218 x 280 cm.), basado en el tema bíblico de la Adoración de los reyes Magos,

uno de los temas preferidos del autor y del que realizó varias versiones (además de ésta, destacar la

del Museo del Prado en Madrid).

Encargada por un abad y destinada para la Catedral de Amberes, cuenta la leyenda que Rubens lo pintó

en apenas una semana, algo exagerado a pesar del estilo y pinceladas rápidas y vaporosas del autor.

La composición destaca al niño y la Virgen con los tres Magos, que destacan en luminosidad. El resto de

personajes, incluso San José, quedan oscurecidos en un segunda plano. Así el autor focaliza la mirada

del espectador.

La escena está enmarcada en un establo, un pequeño trozo de cielo que imprime profundidad y en el que

se ve un capitel corintio, aludiendo a que el orden antiguo es reemplazado por la Iglesia. Se aprecia el

gusto por el color, muy cálido como el rojo y el dorado de las armaduras, (influencia de la escuela de

Venecia) y el gusto de Rubens por lo exótico, que se refleja en los camellos, la diversidad de razas de

HISTORIA DEL ARTE


los personajes e incluso dos soldados romanos. Formando en total

un cuadro lleno de movimiento y barroquismo del que Rubens es uno

de los grandes exponentes. En el rostro de la Virgen se puede

reconocer a su primera esposa Isabel Brandt, que posó para él en

numerosas ocasiones.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura

barroca flamenca), Título/Obra (La Adoración de los Magos),

Autor (Peter Paul Rubens), Situación (Museo de Bellas Artes de

Amberes, Bélgica), Cronología (siglo XVII), Época

histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna), Relacionar/comparar

(comparar brevemente la pintura barroca con la pintura

renacentista y manierista precedentes, comparándola también con

la pintura de otras escuelas europeas y situándola, de forma

razonada, en el lugar cronológico-artístico que ocupa en la

evolución del pintor), Influencia obra-época (la pintura barroca como expresión propagandística del

Absolutismo Monárquico y la Iglesia de la Contrarreforma, que lo utilizaron como manifestación de su

grandeza).

19. LAS TRES GRACIAS (Rubens, 1639)

Tema mitológico sobre las tres Gracias, hijas de Zeus, diosas del

encanto, la alegría y la belleza, y que suelen acompañar a las

divinidades del amor y presidir actos sociales placenteros como

banquetes o danzas.

Rubens usa este tema como pretexto de mostrar desnudos

femeninos, dentro de los ideales estéticos de la época, de gran

voluminosidad. En las gracias de los laterales, retrató a sus dos

esposas, Isabel, la primera (a nuestra derecha) y Elena, la

segunda (a nuestra izquierda).

La composición es clásica, las tres gracias forman un círculo,

entrelazándose, con el pie derecho atrasado como si fuesen a

iniciar una danza. Desnudas sólo se cubren con un pequeño velo

que acentúa el erotismo. Destaca la luminosidad de la escena, las

pinceladas largas y pastosas. Toda enmarcada por un tronco de árbol, flores, la figura de Cupido con el

cuerno de la abundancia y un paisaje idílico con animales pastando al fondo. Rubens conservó el cuadro

toda su vida. Su buena posición económica le permitía no pintar por encargo. A su muerte, sus bienes

fueron subastados y el cuadro adquirido por Felipe IV, pasando a formar parte de la colección real, y

hoy, del Museo del Prado.

PEDRO PABLO RUBENS (1577-1640): Es uno de los grandes pintores del barroco. Sus numerosos

viajes y su gran formación humanística definió su estilo, muy influenciado por la pintura italiana.

Instalado definitivamente en Amberes, abrió su taller, donde ejecutó sus principales y numerosas

obras, gracias a la colaboración de su taller y a sus largas horas de trabajo.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura barroca flamenca), Título/Obra (Las Tres

Gracias), Autor (Peter Paul Rubens), Situación (Museo del Prado, España), Cronología (siglo XVII),

HISTORIA DEL ARTE


Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna), Relacionar/comparar (comparar brevemente la

pintura barroca con la pintura renacentista y manierista precedentes, comparándola también con la

pintura de otras escuelas europeas y situándola, de forma razonada, en el lugar cronológico-artístico

que ocupa en la evolución del pintor), Influencia obra-época (la pintura barroca como expresión

propagandística del Absolutismo Monárquico y la Iglesia de la Contrarreforma, que lo utilizaron como

manifestación de su grandeza, en este caso se trata de una obra personal del autor y no a un encargo).

20. LA RONDA DE NOCHE (Rembrandt, 1642)

Obra maestra del autor holandés de grandes dimensiones (363 x 437 cm) ya que es encargada para

decorar el Cuartel General de la Guardia Cívica de Ámsterdam. Se trata de un retrato colectivo,

representa el momento en que la Compañía se pone en marcha, dirigida por el capitán Cocq y el teniente

Van Ruytenburch, al iniciar el desfile de la Milicia con motivo de la visita de María de Médicis a

Ámsterdam en 1638. Detrás aparecen soldados, niños corriendo, una muchacha que resplandece y un

perro que ladra, añadidos por el pintor sin más

motivo que animar la escena.

La composición es muy compleja, aparentemente

desordenada. Presenta al grupo de forma

espontánea y libre, captado en un instante, como

si se tratase de una fotografía. Hay enorme

animación, variedad de actitudes La luz es casi

tenebrista, unas figuras son muy visibles, pero

otras desaparecen en la penumbra y sólo vemos

sus cabezas creando una escena mágica. El color

es rico en matices, sin dibujo previo que diluye

los contornos. Debido a un barniz aplicado para

su conservación, el cuadro se oscureció y

erróneamente se ha conocido popularmente como “La Ronda de Noche” aunque la escena es un interior a

mediodía.

Rembrandt cobró 1600 florines por la obra, 100 a cada u no de los retratados y posiblemente algo más

a los dos oficiales, de ahí que ocupen un lugar preeminente. Actualmente se expone en el Rijksmuseum

(Amsterdam).

REMBRANDT von Rijn (1606-1669): Máxima figura de la pintura holandesa del barroco. Instalado en

Ámsterdam se convierte en un pintor de éxito. Casado en dos ocasiones, a la muerte de su segunda

esposa y de su hijo Titus, cae en la incomprensión y en la ruina económica. Su vejez la pasa aislado y en

la miseria. Su obra abarcó todos los géneros, captando la humanidad de los retratados y una inigualable

luz dorada. Murió en Ámsterdam y fue enterrado bajo una lápida sin nombre.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura barroca holandesa), Título/Obra (Las Tres

Gracias), Autor (Rembrandt), Situación (Rijksmuseum de Ámsterdam, Holanda), Cronología (siglo XVII),




que ocupa en la evolución del pintor), Influencia obra-época (la pintura barroca holandesa está

HISTORIA DEL ARTE


destinada a una clientela de comerciantes y burgueses acomodados, lo que dirige la mayor parte de la

producción pictórica).

21. EL MARTIRIO DE SAN FELIPE (José de Ribera, 1639)

Representa los preparativos de la tortura de San Felipe,

que tras la muerte de Jesús, marchó a predicar entre los

paganos de Frigia (actual Turquía), quienes decidieron

darle muerte, atándolo a una cruz con cuerdas. Durante

años ha sido confundido con San Bartolomé pero al no

aparecer el cuchillo con el que fue desollado, atributo del

santo en sus representaciones, se consideró que se

trataba de San Felipe. Además pudo ser encargado por

Felipe IV y hoy se expone en el Museo del Prado.

Destacan los violentos escorzos. El santo atado muestra

su resignación, a su lado los verdugos se deciden a atarlo

e izarlo a la cruz. A derecha e izquierda, grupos de

personas observan la escena, algunos indiferentes como

la mujer con el niño.

Destaca la monumentalidad de las figuras, sobre todo la del santo. Los colores son oscuros destacando

el rojo de un verdugo. En la parte superior el cielo es amplio, y las cuerdas y la cruz guían la vista fuera

del lienzo. Se trata de una obra de madurez, abandonado casi el tenebrismo, demostrando mayor

luminosidad.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura barroca española), Título/Obra (El martirio

de San Felipe), Autor (José de Ribera), Situación (Museo del Prado, España), Cronología (siglo XVII),






manifestación de su grandeza).

22. EL PATIZAMBO (José de Ribera, 1642)

Pintado durante su estancia en Nápoles, representa a un niño mendigo, tullido

por alguna enfermedad, donde la figura se recorta sobre el cielo, único fondo.

Posando de perfil se muestra sonriente a pesar de su condición y miseria, que

explica en el papel que lleva en la mano “da mihi Elimosinam Propter amorem

Dei” (Deme una limosna por el amor de Dios).

En esta obra, el autor ya ha abandonado el tenebrismo inicial y comienza el

camino de su estilo propio más luminoso y representando un tema muy

frecuente en el barroco español: el gusto por lo feo, por los personajes

deformes para mostrar mejor la crudeza del realismo.

JOSÉ DE RIBERA (1591-1652): Pasó la mayor parte de su vida en Italia, donde

era conocido como “Il Spagnoletto” por su baja estatura. De su Valencia natal,

HISTORIA DEL ARTE


pasó a Roma y después a Nápoles donde se convirtió en un importante pintor. Se inició en el tenebrismo,

después lo abandonó en su madurez, para retomarlo en su última etapa. Del “Caravaggio español”, Lord

Byron dijo que “pintaba con la sangre de los santos” en alusión a sus composiciones desgarradas.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura barroca española), Título/Obra (El

patizambo), Autor (José de Ribera), Situación (Museo del Louvre de París, Francia), Cronología (siglo

XVII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna), Relacionar/comparar (comparar brevemente

la pintura barroca con la pintura renacentista y manierista precedentes, comparándola también con la





23. SAN HUGO EN EL REFECTORIO DE LOS CARTUJOS (Zurbarán, 1655)

Este lienzo es encargado junto a otros dos más, por la

cartuja de Santa María de las Cuevas, cerca de Sevilla.

Actualmente está en el Museo de Bellas Artes de

Sevilla.

La escena refleja un milagro acontecido a San Bruno,

fundador de los cartujos, y a los seis primeros monjes

de la Orden, quienes comían gracias a la generosidad de

San Hugo, obispo de Grenoble. Un domingo les envió

carne, alimento al que no estaban acostumbrados, lo

que provocó una discusión sobre la conveniencia de

practicar la abstinencia. Mientras discutían quedaron

sumidos en un profundo sueño que duró toda la

Cuaresma. El miércoles Santo, San Hugo, que había estado ausente, fue a verlos y los sorprendió

despertándose, comprobando que no tenían noción del tiempo transcurrido. Entonces miró a los platos y

vio que la carne se convertía en ceniza, interpretándolo como aprobación divina de la abstinencia.

Dividido en tres planos, primero el paje y San Hugo, tras ellos, los cartujos, con rostros demacrados

por su largo ayuno y en el centro su fundador San Bruno. Sobre la mesa, el autor hace un verdadero

bodegón, con panes, platos y autentica cerámica de Talavera. Para decorar la austera habitación, un

lienzo con Virgen, niño y San Juan. Destaca en la obra la sencillez compositiva, la equilibrada luz que

refleja el ambiente de la vida monástica, el blanco en el que destacó Zurbarán aplicado en los ropajes

que puede alcanzar hasta cien distintos tonos.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura barroca española), Título/Obra (San Hugo

en el refectorio de los Cartujos), Autor (Francisco Zurbarán), Situación (Museo de Bellas Artes de

Sevilla, España), Cronología (siglo XVII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna),






HISTORIA DEL ARTE


24. BODEGÓN (Zurbarán, 1635)

Aunque comúnmente conocido como el Bodegón del

Prado, su nombre es Naturaleza muerta con jarras y

tazas, además de las obras religiosas por encargos

de conventos, destaca en la producción de Zurbarán

la calidad en la realización de naturalezas muertas.

Se encuentra en el Museo del Prado.

Se trata de uno de los mejores ejemplos de

bodegón español, donde conjuga realismo y la

ternura de los objetos cotidianos, elevando lo más sencillo a obra de arte.

Sobre un fondo oscuro, se recortan cuatro figuras alineadas, autónomas, iluminadas por una luz

tenebrista. Los bodegones, sencillos y austeros del s. XVII en España, contrastan con la opulencia de

los realizados en los Países Bajos en esta época.

FRANCISCO DE ZURBARÁN (1598-1664): Sevillano y amigo de Velázquez, destacó por el misticismo

de sus obras, casi en su mayoría de temas religiosos y encargados por órdenes conventuales para los

que realizó largas series. Trabajó en Sevilla donde fue nombrado “Maestro pintor de la ciudad”,

Extremadura y Madrid. Muchas de sus obras fueron exportadas a América.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura barroca española), Título/Obra (Bodegón),

Autor (Francisco Zurbarán), Situación (Museo del Prado, España), Cronología (siglo XVII), Época

histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna), Relacionar/comparar (comparar brevemente la pintura

barroca con la pintura renacentista y manierista precedentes, comparándola también con la pintura de

otras escuelas europeas y situándola, de forma razonada, en el lugar cronológico-artístico que ocupa en

la evolución del pintor), Influencia obra-época (la pintura barroca como expresión propagandística del

Absolutismo Monárquico y la Iglesia de la Contrarreforma, que lo utilizaron como manifestación de su

grandeza, en este caso se trata de una obra personal del autor y no a un encargo).

25. NIÑOS COMIENDO FRUTA (Murillo, 1650)

En sus inicios, Murillo, bajo un estilo tenebrista, representó a las clases

más bajas de la sociedad sevillana. Aquí, en una de sus obras juveniles,

presenta a dos niños vestidos con harapos, comiendo uvas y melón,

despreocupados por su pobre condición, tratando de un modo afectuoso a

los seres más desprotegidos de la sociedad, los niños pobres. Esta

temática era muy solicitada por los comerciantes asentados en Sevilla para

decorar sus casas.

Las figuras resaltan sobre un fondo oscuro. La escena es tratada con gran

naturalismo y detallismo: los niños comen despreocupados, la fruta tratada

como una naturaleza muerta, la basura bajo sus pies sucios, e incluso

moscas que se posan en el melón.

Los temas infantiles, junto con las Inmaculadas, proporcionó a Murillo un gran prestigio en su época.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura barroca española), Título/Obra (Niños

comiendo fruta), Autor (Bartolomé Esteban Murillo), Situación (Pinacoteca de Munich, Alemania),

Cronología (siglo XVII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna), Relacionar/comparar

(comparar brevemente la pintura barroca con la pintura renacentista y manierista precedentes,

HISTORIA DEL ARTE


comparándola también con la pintura de otras escuelas europeas y situándola, de forma razonada, en el

lugar cronológico-artístico que ocupa en la evolución del pintor), Influencia obra-época (la pintura

barroca como expresión propagandística del Absolutismo Monárquico y la Iglesia de la Contrarreforma,

que lo utilizaron como manifestación de su grandeza, en este caso se trata de una obra personal del

autor y no a un encargo).

26. INMACULADA CONCEPCIÓN DE SOULT (Murillo, 1676-78)

Su título verdadero es La Inmaculada Concepción de los Venerables,

fue pintado para el asilo de sacerdotes ancianos de Sevilla.

Actualmente se encuentra en el Museo del Prado.

La Virgen es representada como una joven, flotando sobre una nube, y

rodeada por una media luna de ángeles. Cada uno con distinta actitud

y movimiento imprimen al cuadro un sentido teatral, dinámico. La

luminosidad es importante, el fondo dorado donde se recorta la figura

de la Virgen que irradia luz y la zona de ángeles que va cayendo en

penumbra.

Murillo crea un nuevo tipo iconográfico de la Inmaculada Concepción

como reina del cielo, ligada a las normas de la Contrarreforma, y que

pretende despertar la piedad del creyente y acercarlo a Dios.

Esta temática tenía en Murillo su mejor pintor, que supo mejor que

nadie humanizar la religiosidad católica.

BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO (1617-1682): Menor de 14 hermanos, a los diez años quedó

huérfano. Pasó toda su vida en Sevilla, excepto dos años en Madrid. Su obra se inició en el tenebrismo

para ir ganado luminosidad y colorido. Su ternura y elegancia le proporcionaron gran fama, sobre todo

en coleccionistas extranjeros.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura barroca española), Título/Obra

(Inmaculada Concepción de Soult), Autor (Bartolomé Esteban Murillo), Situación (Museo del Prado,

España), Cronología (siglo XVII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna),






27. VIEJA FRIENDO HUEVOS (Velázquez, 1618)

Obra de la etapa sevillana, en línea del tenebrismo, ilumina la escena una luz focal desde la izquierda. En

primer plano, combina una escena de género de tipos populares, la vieja y el niño, junto al bodegón,

reproduciendo utensilios de cocina y naturalezas muertas con una impresionante calidad.

Las figuras parecen surgir de la oscuridad y el pintor muestra un especial interés por el tratamiento

psicológico del personaje.

HISTORIA DEL ARTE


Realizado durante su trabajo en el taller sevillano de su suegro Pacheco, destacan los potentes

volúmenes, la pincelada fina y los tonos color madera.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa

(Pintura barroca española), Título/Obra (Vieja friendo

huevos), Autor (Diego de Velázquez), Situación (National

Gallery of Scotland, Gran Bretaña), Cronología (siglo

XVII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad

Moderna), Relacionar/comparar (comparar brevemente la

pintura barroca con la pintura renacentista y manierista

precedentes, comparándola también con la pintura de

otras escuelas europeas y situándola, de forma razonada,

en el lugar cronológico-artístico que ocupa en la evolución

del pintor), Influencia obra-época (la pintura barroca como expresión propagandística del Absolutismo

Monárquico y la Iglesia de la Contrarreforma, que lo utilizaron como manifestación de su grandeza, en

este caso se trata de una obra personal del autor y no a un encargo).

28. LOS BORRACHOS O EL TRIUNFO DE BACO (Velázquez, 1628)

Realizado en su primera etapa en Madrid para

Felipe IV, crea por primera vez una pintura de

gran complejidad, donde se funde el tema

mitológico con la pintura de género.

En el centro, destacando desnudo, el dios Baco,

coronando a uno de los borrachos, reconociendo

satíricamente sus méritos. La divinidad del joven

Baco, coronado con hojas de vid, contrasta con las

figuras vestidas de los campesinos borrachos,

retratos populares que contrastan con la

idealización del Dios.

La pincelada se va soltando y se puede apreciar el perfecto dominio de la perspectiva aérea en el

horizonte. En un primer plano queda restos de su primera época, donde realiza un pequeño bodegón.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura barroca española), Título/Obra (Los

borrachos o El Triunfo de Baco), Autor (Diego de Velázquez), Situación (Museo del Prado, España),








HISTORIA DEL ARTE


29. LAS LANZAS O LA RENDICIÓN DE BREDA (Velázquez, 1634-35)

Gran obra pintada para la decoración del Palacio del Buen

Retiro, inspirado en la rendición de la ciudad de Breda,

encabezada por Justino de Nassau, que capituló ante el

asedio de las tropas españolas capitaneadas por Ambrosio

Spínola. Se trata de una obra de Historia que Velázquez

reduce a una mera anécdota cuando Nassau y Spínola se

dirigen a abrazarse. Se exalta así la grandeza del vencido,

que eleva más aún la fama del vencedor, como escribió

Calderón en su obra El sitio de Breda, “el valor del

vencido es la gloria del vencedor”, por ello las diferencias

entre los dos grupos son pocas, sólo los españoles, a la derecha se sitúan a una mayor altura y con sus

lanzas levantadas. Técnicamente la pincelada va siendo más suelta, en un primer término los detalles se

muestran con todo detallismo y se va perdiendo hasta las brumas de la lejanía. Es la máxima expresión

de la perspectiva aérea que funde la escena principal con el fondo de humos sobre el cielo.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura barroca española), Título/Obra (La

rendición de Breda), Autor (Diego de Velázquez), Situación (Museo del Prado, España), Cronología (siglo







30. CONDE DUQUE DE OLIVARES (Velázquez, 1634)

Retrato ecuestre del valido de Felipe IV, para la decoración del Palacio

del Buen Retiro, se le representa sobre el caballo, que demuestra su

poder, ya que era algo reservado a la monarquía. El animal se alza sobre

sus patas traseras ante un precipicio, Olivares mira al espectador,

ataviado con sombrero, con la banda del estado y el bastón de mando

señalando a la batalla, que solo se muestra como pequeñas manchas en

el fondo de paisaje, que se puede identificar con la sierra de Madrid.

La pincelada es cada vez más suelta para realizar detalles y plasmar la

perspectiva aérea.

El conde-Duque fue protector de los artistas y mentor de los pintores

sevillanos, entre los que estaba Velázquez, que gracias a su apoyo se

convirtió en pintor del rey Felipe IV, lo que le dio su gran fama.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura barroca española), Título/Obra (El Conde-

Duque Olivares), Autor (Diego de Velázquez), Situación (Museo del Prado, España), Cronología (siglo





HISTORIA DEL ARTE




31. EL NIÑO DE VALLECAS (Velázquez, 1636)

Es un retrato de Francisco Lezcano, apodado el Vizcaíno, uno de los

bufones del príncipe Baltasar Carlos, y que erróneamente es conocido como

el Niño de Vallecas.

Lezcano es representado en un abrigo rocoso, sobre un fondo oscuro y con

paisaje. Su postura muestra su enanismo y las deformidades físicas de sus

extremidades; la pierna derecha se descuelga sin vida, la izquierda se dobla

en un violento escorzo. Su cabeza de gran tamaño se inclina ligeramente.

Viste ropas desaliñadas y sujeta entre sus manos un juego de naipes.

La luz ilumina principalmente su rostro, en línea del gusto Barroco de

representar personajes deformes o míseros, Velázquez lo trata con la

mayor dignidad posible, sereno y equilibrado. El bufón le permite a Velázquez acercarse al realismo tan

apreciado en el Barroco, pero tratado con ternura.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura barroca española), Título/Obra (El niño de

Vallecas), Autor (Diego de Velázquez), Situación (Museo del Prado, España), Cronología (siglo XVII),







32. PAISAJE DE LA VILLA MÉDICIS (Velázquez, 1629-30)

Durante su segundo viaje a Italia, Velázquez pinta dos lienzos sobre

un paisaje, la Villa Médicis, en el que solo aparece algún personaje

anónimo.

Lo más destacable de la obra es la soltura de su pincelada, el modo de

captar el ambiente exterior por medio de la luz y las sombras de los

árboles. Técnicamente abandona el detalle y forma el cuadro con

pequeños toques de pincel.

Pintar paisajes no era un práctica habitual en la pintura barroca

española, centrada en temas religiosos o retratos, por ello, que esta

obra unido al tratamiento de la pincelada, sea un anuncio del

Impresionismo del s. XIX.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura barroca española), Título/Obra (Paisaje de

la Villa Médicis), Autor (Diego de Velázquez), Situación (Museo del Prado, España), Cronología (siglo





HISTORIA DEL ARTE




33. LAS MENINAS (Velázquez, 1656)

Gran obra de Velázquez que en la colección real era conocido como La Familia. En 1843, fue rebautizado

como las Meninas, ya que menina era el nombre que recibían las

doncellas de honor, que en este caso acompañan a la infanta

Margarita.

En el grupo del primer plano, destaca la figura central de la

Infanta Margarita, hija de los reyes, acompañada por sus tres

meninas. A la derecha, una enana y un enano que molesta al

perro. Detrás de ellos, en la penumbra, un guardadamas, y a la

izquierda, el propio pintor. Al fondo, descorriendo las cortina,

José Nieto, el aposentador de la corte como punto de fuga, y a

la izquierda, en el espejo, la imagen de los reyes, Felipe IV y

Mariana de Austria. Todo el vasto espacio es tratado con una

perspectiva aérea perfecta, con zonas más iluminadas y otras

en penumbra. La pincelada es larga y fluida, y el color y matices

de gran riqueza. El cuadro fue muy apreciado por Felipe IV, quien con frecuencia visitaba a Velázquez

en su trabajo. La cruz que luce el pintor sobre su pecho como caballero de la Orden de Santiago fue

añadida después de su muerte por orden del rey.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura barroca española), Título/Obra (La Familia

de Felipe IV o Las Meninas), Autor (Diego de Velázquez), Situación (Museo del Prado, España),






que lo utilizaron como manifestación de su grandeza).

34. LAS HILANDERAS O LA FÁBULA DE ARACNE (Velázquez, 1657)

Una de sus últimas obras fue una magistral composición que juega con el recurso barroco de insertar un

tema dentro de otro en la misma escena.

Conocida también como la fábula de Aracne por tratar este tema mitológico en el que Aracne, una hábil

tejedora desafió a los dioses. Atenea, inventora de la rueca y disfrazada de vieja, intentó disuadirla y

se enzarzaron en una competición a tejer el tapiz más hermoso. Aracne plasmó el rapto de Europa en su

tapiz, momento de debilidad del padre de Atenea. Ante la ofensa del tema y la belleza del tapiz, Atenea

castigó a Aracne a tejer infinitamente convirtiéndola en una araña.

En un primer plano, hay una escena cotidiana de género de un taller textil con mujeres tejiendo lana,

con ruecas y tornos de hilar, que oculta la escena mitológica. De espaldas y de blanco, Aracne, y detrás

de la rueca, Atenea, vieja que muestra su oculta juventud en su pierna adolescente desnuda. En una

segunda escena, tres mujeres observan el tapiz tejido por Aracne que representa el Rapto de Europa

(homenaje a la obra de Rubens), cuando Zeus, disfrazado de toro blanco sedujo a la joven. Una de ellas,

HISTORIA DEL ARTE


observa a las hilanderas estableciendo la unión

entre las dos escenas. Usa a la perfección la

perspectiva aérea y los distintos planos

lumínicos dan profundidad y corporeidad a las

formas.

DIEGO RODRIGUEZ DE SILVA Y VELÁZQUEZ

(1599-1660): Es uno de los máximos exponentes

de la pintura universal. Nacido en Sevilla, se

trasladó a Madrid donde fue nombrado pintor

real. Pasó toda su vida en la corte del rey,

alternando con viajes a Italia. Su buena posición

económica le permitió pintar sin prisas y realizar

una obra casi perfecta. En 1659 fue nombrado caballero de la Orden de Santiago, nobleza que tanto

deseó. Murió en Madrid, un 6 de Agosto, su mujer tan solo 7 días después.

No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura barroca española), Título/Obra (Las

hilanderas o La fábula de Aracne), Autor (Diego de Velázquez), Situación (Museo del Prado, España),








diapositivas paeg arte barroco

Education