cuadernillo de ingreso - ens9002-mza.infd.edu.ar · docente ni los alumnos podrían haber imaginado...

IES 9-002 Normal Superior Tomás Godoy Cruz

INGRESO 2017

TECNICATURA SUPERIOR EN PRODUCCIÓN

ARTÍSTICA ARTESANAL

I n g re s o 2 0 1 7 . T e cn ica tu ra S u p er i o r en P r o d u cc i ó n A r t í s t i c a A r te s a n a l . I S F D y T 9 - 0 0 2 N o rm a l S u p e r i o r T o m á s G o d o y C ru z

2- 2 - INDICE

INDICE ................................................................................................................................. - 2 -

Estimados estudiantes: ....................................................................................................... - 6 -

ORGANIZACIÓN GENERAL DEL INGRESO ............................................................................. - 8 -

LA ELECCIÓN DE LA CARRERA ............................................................................................. - 9 -

Actividades .................................................................................................................... - 10 -

Nos conocemos ................................................................................................................. - 12 -

Actividades .................................................................................................................... - 12 -

TECNICATURA SUPERIOR EN PRODUCCIÓN ARTÍSTICA ARTESANAL. ................................ - 13 -

Perfil del egresado ........................................................................................................ - 14 -

Actividades .................................................................................................................... - 15 -

SUGERENCIAS PARA EL ABORDAJE DE LOS TEXTOS DE ESTUDIO ...................................... - 17 -

Fase I: lectura exploratoria ............................................................................................ - 18 -

Fase II: lectura analítica ................................................................................................. - 18 -

LA OBRA DE ARTE: TEORÍA, FUNCIÓN Y ACTUALIDAD. ...................................................... - 20 -

Actividades .................................................................................................................... - 22 -


3- 3 - ¿Qué es un mapa conceptual? ...................................................................................... - 24 -

Esquema de mapa conceptual. ..................................................................................... - 25 -

INTRODUCCIÓN A LAS ARTES VISUALES Y A LOS LENGUAJES ARTISTICOS ........................ - 26 -

LENGUAJES PLÁSTICOS ...................................................................................................... - 27 -

Actividades .................................................................................................................... - 29 -

LA OBRA DE ARTE A PARTIR DEL SIGLO XX ........................................................................ - 29 -

Actividades .................................................................................................................... - 33 -

LA MÁQUINA NO HACE EL ARTE: LOS INSTRUMENTOS DE REALIZACIÓN EN ARTE .......... - 35 -

Actividades .................................................................................................................... - 37 -

EL DIBUJO .......................................................................................................................... - 38 -

Actividades .................................................................................................................... - 39 -

INTRODUCCIÓN AL CAMPO CERÁMICO ............................................................................ - 41 -

Actividades .................................................................................................................... - 45 -

EL HACER PLÁSTICO .......................................................................................................... - 47 -

Actividades .................................................................................................................... - 49 -

LA EDUCACIÓN –A LO LARGO DE LA VIDA- ENCIERRA UN TESORO. ................................ - 50 -

Actividades: ................................................................................................................... - 52 -


4- 4 - LOS HUARPES EXISTIMOS .................................................................................................. - 54 -

Actividades .................................................................................................................... - 55 -

“MI ÚLTIMA OBRA ES UN MURO” ..................................................................................... - 57 -

Actividades .................................................................................................................... - 59 -

DOMINGO POR LA TARDE ................................................................................................. - 60 -

Actividades .................................................................................................................... - 63 -

Profesores que elaboraron el cuadernillo de ingreso: ...................................................... - 66 -


5- 5 - “Cuando el artista está vivo en una persona, sea cual

sea su tipo de trabajo, se convierte en un ser inventiv o,

indagador, osado, expresivo. Se hace interesante para

los demás. Perturba, molesta, ilumina y abre caminos

para una mejor comprensión. All í donde los que no son

artistas intentan cerrar el libro, él lo abre y demuestra

que aún hay páginas posibles”

Robert Henri


6- 6 - Estimados estudiantes:

Elegir qué estudiar no siempre es algo sencillo, muchos de ustedes seguramente tendrán

la sensación de que están probando y la verdad es que es así. Sin embargo tomamos

decisiones todo el tiempo y lo importante es hacernos cargo en cada momento de eso que

elegimos. Por ahora, ustedes han elegido ser estudiantes y eso en el nivel superior, al menos

para los docentes de esta institución, implica un compromiso.

Decimos estudiantes y no alumnos, ya que partiremos de entenderlos como sujetos con

historias, con aprendizajes y trayectorias de vida altamente significativas. Sujetos de

experiencias que esperamos poder resignificar durante tu proceso en la institución...

En cada uno de los espacios que irán cursando podrán encontrarse con contenidos afines,

con docentes con los que se identifiquen más o menos, con estilos diferenciados e ideologías

divergentes. Lo importante es que en cada uno de ellos ustedes no se pierdan, puedan

mostrar y mostrarse, puedan decir quienes son, qué piensan y sienten, cuales son sus

temores y expectativas.

Como docentes nos comprometemos en acompañarlos, colaborar en la construcción de sus

aprendizajes, pero para eso necesitamos de su responsabilidad, presencia, participación,

solidaridad entre pares, lectura crítica y conciente de las bibliografías, para concretar los

objetivos de este proyecto.

Esperamos que el paso por el nivel superior y en particular por la Tecnicatura Superior en

Producción Artística Artesanal y/o el Profesorado de Artes Visuales les ayude a desarrollar

su creatividad, en tanto ésta les permitirá adaptarse activamente a los cambios, potenciar

su sensibilidad, la afectividad, colaborar en la resolución de problemas, fomentar una

mirada crítica, y fortalecer la autoestima.

“Cuando emprenden una tarea los seres humanos casi siempre

aprenden más o menos de lo previsto. Por otra parte la enseñanza que

no se ata a pautas rígidas suele tomar rumbos y explorar ideas que ni el

docente ni los alumnos podrían haber imaginado al principio (…) en

educación la virtud es mucho más que lograr resultados uniformes entre

alumnos sino buscar la formación de la diversidad productiva. Todas las


7- 7 - actividades artísticas genuinas tiene en común la evocación de esa

diversidad” (Eisner, Elliot. “La escuela que necesitamos”.Amorrortu, Buenos

Aires.2002)

El aprendizaje vinculado a las Artes pone en juego la expresión propia y el ejercicio de la

comunicación a través de lenguajes verbales y no verbales, como así también, la apreciación

y el respeto por otras expresiones del entorno. Contribuye a desarrollar esas capacidades

expresivas en cada uno, ayuda a consolidarlos como seres seguros de sí mismos, capaces

de comunicar sus ideas y pensamientos. Asimismo posibilita agudizar la percepción, lo que

permite que puedan codificar y decodificar diferentes mensajes, constituyendo de este

modo, profesionales críticos.

Nuestro desafío como docentes es colaborar en la formación o en el refuerzo de matrices

de aprendizaje activas, críticas, solidarias, no estereotipadas que les ayuden a consolidarse

como sujetos libres, participativos, impulsores de cambios, que les permitirán sentirse

conformes con ustedes mismos, logrando a la vez fines y metas más justas y solidarias para

todos/as.

Durante los años próximos los acompañaremos en la consolidación del rol de hacedores de

Arte y/o docentes de educación artística, por lo que fomentaremos el contacto con la

realidad local, provincial, latinoamericana; a partir de la relación con “lo cotidiano” y el

acercamiento a diferentes contextos culturales y educativos el compromiso con la realidad

sociopolítica y económica será mayor. Observar para comprender, y comprender para

transformar es uno de los motores de este proceso que esperamos les resulte grato y

significativo.

Equipo de Profesores de Carreras Artísticas


8- 8 - ORGANIZACIÓN GENERAL DEL INGRESO

En el mes de diciembre se pone a disposición de los aspirantes a las carreras artísticas

este cuadernillo de ingreso. Contiene una variedad de textos que refieren tanto a la

elección de la carrera, las competencias necesarias para el estudio en el nivel superior, a

los distintos lenguajes artísticos como también a la educación. Se sugiere la lectura previa

al cursado del ingreso, que comenzará en febrero de 2017.

Características del curso de ingreso:

Duración: se organizan 5 encuentros presenciales durante el mes de febrero de 2017.

Modalidad de trabajo: se establecen encuentros presenciales con actividades individuales

y grupales, y algunas instancias de producción no presencial.

Requisitos de asistencia a los encuentros presenciales: 75% de asistencia

Evaluación: El ingreso se acreditará con la resolución completa de las actividades no

presenciales presentadas en el cuadernillo, la asistencia mencionada a las instancias

presenciales y con la participación en las actividades de producción grupal. Además se

evaluará en instancia de examen final una producción individual vinculada a la

comprensión y producción de textos a partir de pautas dadas, la que será evaluada al

finalizar el cursado del ingreso.

El cuadernillo: En él encontrarás textos especialmente seleccionados con distintas

actividades propuestas. Las actividades no presenciales deben ser resueltas previas a los

encuentros presenciales. Es muy importante que puedas asistir y participar activamente

de las propuestas presenciales que se desarrollarán con el acompañamiento docente.


9- 9 - LA ELECCIÓN DE LA CARRERA

Al terminar la escuela secundaria o en otro momento, cuando se decide emprender un

nuevo proyecto formativo, una de las decisiones más importante es la elección de una

carrera. Cada estudiante vive esa instancia de un modo particular. En nuestra institución,

una de las características de los grupos de ingresantes es la heterogeneidad, algunos

ingresan por primera vez al nivel superior, otros ya hicieron otros recorridos, otros

concretan un proyecto trunco. Entonces nos preguntamos:

¿Cómo surge la elección de esta carrera? ¿Espontáneamente? ¿Es la respuesta a un

impulso? ¿Es la elegida entre otras alternativas? ¿Responde a la pasión por las artes

plásticas? ¿Es una decisión provisoria, a modo de prueba, para conocer de qué se trata?

¿Es una definición largamente elaborada?

La vocación no es una decisión mágica sobre una actividad que desarrollaremos el resto

de nuestra vida, sino que es una decisión pensada, elaborada, que trata de conjugar

nuestras preferencias, nuestras posibilidades con lo que el contexto nos ofrece. Es el

punto de encuentro entre lo que nos gusta hacer y lo que es posible realizar en las

condiciones concretas de nuestra existencia.

Entendemos a la vocación como un proceso de construcción personal, que requiere un

diálogo íntimo con uno mismo e implica tomarse el tiempo necesario para hacerlo. Este

diálogo lleva a la identificación de recursos personales, gustos, intereses, aquellos que

constituyen las posibles vocaciones y su correlato ocupacional.

Como tal, es una construcción permanente que no tiene fin, donde participan una

variedad de factores, como son los aspectos subjetivos, con sus intereses, gustos y

autopercepción; aspectos interpersonales, como la influencia de los ideales de los

referentes y de la familia; aspectos sociales relacionados con la valoración, con el lugar

que nuestra sociedad asigna a las diferentes carreras y oficios, y las posibilidades

laborales entre otros.

De este modo, uno de los propósitos de este curso de ingreso, es destinar una jornada

para reflexionar sobre la elección de la carrera, donde se procura generar un espacio que

permita hablar acerca de las preferencias, intereses y aptitudes personales, como

también de las posibilidades y las limitaciones que ofrece dicha carrera. En esta reflexión

se ponen en juego tres ámbitos: el personal, vinculado a intereses, capacidades y

habilidades; el institucional, concerniente a las características de las carreras y el perfil

profesional; y el estratégico, en referencia a algunas estrategias y hábitos de estudios

necesarios para el nivel superior.


1- 10 Consideramos además, que el trabajo en grupo es óptimo para esta temática, ya que se

intercambian opiniones, se comparten momentos con personas que tienen las mismas

dudas o que pasan por experiencias similares y es el ámbito en el que se explicitan

inquietudes, ansiedades, dudas.

A continuación sugerimos algunas actividades, en las que hacemos hincapié en los

aspectos informativos y en trabajos grupales. Los profesores las organizarán de acuerdo

a las necesidades específicas del grupo.

Propósito:

Profundizar el conocimiento de cada una de las carreras artísticas de la

Institución.

Reflexionar sobre la elección realizada, analizar con la información obtenida

para elaborar una visión más certera.

Actividades

Trabajo Individual (no presencial)

Lean atentamente el texto anterior.

Escriban brevemente cómo fue el proceso de elección personal

Las siguientes afirmaciones pueden orientar el análisis

¿Es clara mi orientación vocacional?

La vocación se construye a partir de la historia personal, las experiencias, los gustos, la

forma de ser, la identidad. No es algo predeterminado, rígido e inflexible, sino que tiene

que ver con los intereses, con la pasión o atracción por algo definido o por varias cosas

simultáneamente, es decir, hay un componente afectivo en la elección.


1- 11 ¿Cómo soy?

Es el conocimiento personal, las preferencias, inclinaciones, aptitudes con que cada uno

cuenta. Si pensamos en la propia trayectoria escolar, cuáles eran las materias preferidas,

en cuáles he obtenidos buenos resultados, en cuáles no, cuáles son los hábitos de

estudio; que espera la familia, como nos ven los otros, los amigos; cuáles son las propias

expectativas, etc.

¿Qué aptitudes tengo?

Además de las preferencias e intereses, se deben añadir habilidades, aptitudes y

capacidades personales.

¿Cómo me veo en el futuro o como quién quiero ser?

En los procesos de elección influyen modelos o personas que hemos conocido a lo largo

de nuestras vidas. Podemos admirarlas, sentir identificación y querer llegar a ser lo que

ellas son, como también podemos sentir y querer todo lo contrario.

¿Qué conocemos de la carrera?

Es la información externa, se trata de averiguar sobre los planes de estudio, los

requisitos, la modalidad de cursado, cuales son las materias troncales del plan, como se

evalúan, cuál es la posibilidad de inserción laboral que tiene la carrera, etc.

En las siguientes páginas encontrarán más información sobre las Carreras artísticas de

nuestra institución y podrás completar la indagación a través del diálogo con los distintos

profesores.


1- 12 Nos conocemos

Desde el principio de los tiempos hombres y mujeres se agruparon para sobrevivir,

recrear y transformar el mundo en que vivían comprendiendo lentamente que el camino

de su desarrollo pasaba inevitablemente por el contacto social y la necesidad de

organizarlo creadoramente.

Has elegido una carrera en la que no cabe el aislamiento. Como estudiante deberás ir

desarrollando el sentido de pertenencia a la institución y a tu grupo de estudio… aprender

a comunicarte, a escuchar a los demás, a compartir y cooperar con los otros.

Los propósitos en esta instancia se orientan a promover el conocimiento entre los

miembros del grupo, reflexionar sobre la importancia de la elección de la Carrera en la

vida personal, e identificar algunos factores que inciden en la elección de la Carrera.

Actividades

Trabajo presencial

Presentación de los profesores.

Presentación de los estudiantes: En grupos, se presentarán entre sí: nombre,

edad, apodo, lugar de residencia, estudios anteriores, trabajo, otras

actividades que realicen, experiencias vinculadas a las Artes o las Artesanías,

algo que deseen compartir con el grupo, entre otras.

Puesta en común sobre lo dialogado

En este proceso de elección Vocacional es preciso conocer todas las posibilidades en

profundidad para que elijas y te sientas a gusto con la Carrera que sigas, de acuerdo a tus

intereses, aptitudes y expectativas. Además es la etapa propicia para que aclares tus

dudas y puedas enfrentar tus temores.

Confrontación: Acción de poner una cosa frente a otra para averiguar, por oposición. En

este caso, el autoconocimiento y la información de la carrera.

Se compara lo que uno es con lo que la carrera ofrece y exige.

Para obtener mayor información sobre la carrera elegida, los docentes a cargo del grupo

explicarán las características de la carrera. Pueden realizar preguntas referidas a los


1- 13 contenidos, materias o disciplinas a aprender, duración de la carrera, requisitos, cómo

es la vida estudiantil, exigencia de la institución, trabajo y estudio, futuro laboral, etc.

A continuación te presentamos nuestra Tecnicatura.

TECNICATURA SUPERIOR EN PRODUCCIÓN ARTÍSTICA ARTESANAL.

RES 587-DGE-04 Y RES 1409-DGE-04. Tres años. Estructura curricular.

PRIMER AÑO SEGUNDO AÑO TERCER AÑO

Cuatrimestre 1 Cuatrimestre 2 Cuatrimestre 1 Cuatrimestre 2 Cuatrimestre 1 Cuatrimestre 2

Panorama Universal del Arte y

las Artesanías

Historia de las Artes y Artesanías

Americanas y Argentinas

Dibujo III

Visión I Visión II Diseño Artesanal Regional

Dibujo I Dibujo II Inglés Informática

Producción Artesanal Diseño Artesanal Marketing y

Comercialización

Ética

Profesional

Introducción a las Técnicas

bidimensionales: Pintura

Técnicas bidimensionales: Pintura II Trayecto de Especialización

Introducción a las Técnicas

Tridimensionales: Modelado

Técnicas Tridimensionales: Talla

Formulación y

Evaluación de Proyectos

cooperativos

Problemática

Sociocultural y del

Conocimiento

Patrimonio

Cultural y

Artesanal

Grabado en metal Práctica Profesional

Comprensión y

Producción de

textos

Obra de Arte

y Discurso

Artístico

Conservación y

Restauración

Artesanal


1- 14 “La educación necesita tanto de formación técnica, científica y profesional

como de sueños y utopía”.

(Paulo Freire)

Perfil del egresado

El Técnico Superior en Producción Artística Artesanal al finalizar su formación deberá

ser capaz de:

Diseñar y desarrollar creativamente proyectos artesanales, aplicando

criterios que comporten el enriquecimiento y mejora de la calidad de uso y

consumo de las producciones.

Utilizar adecuadamente las técnicas y los procedimientos artísticos

artesanales, tradicionales y culturales que aseguren preservar la identidad y

favorezcan la innovación.

Analizar, evaluar y verificar la viabilidad productiva de los proyectos, desde

criterios de innovación formal, gestión empresarial y demandas del

mercado.

Integrar profesionalmente equipos multidiciplinares, garantizando la

utilización adecuada e integradade los criterios, conocmientos, habilidades y

destrezas adquiridos durante el proceso de aprendizaje.

Desempeñarse con habilidad en situaciones de comunicación oral y escrita

interpretando y produciendo en forma correcta, mensajes prpopios del

ámbito laboral.

Generar soluciones creativas a los problemas de forma, función,

configuración, finalidad y calidad de los objetos y servicios mediante el

análisis, la investigación, etc.


1- 15 Diseñar producciones artesanales, originales, con identidad regional,

resultado de la integración de elementos formales, funcionales y

comunicativos que respondan a criterios de demanda social, cultural, y de

mercado.

Gestionar microemprendimientos y comercializar producciones artísticas

artesanales insertándose con criterios de calidad en el mercado productivo.

Actividades

Trabajo grupal: (presencial)

Elaboren un acróstico por grupo con las palabras o términos que dan el

nombre a la carrera: “TECNICATURA”, expliciten opiniones, conceptos,

percepciones sobre el tema tratado.

Un acróstico (del griego ákros: extremo, y stikhos: línea o verso) es una composición

poética o normal, que corresponde a un grupo de frases, palabras o versos, cuyas letras

iniciales, medias o finales, leídas en sentido vertical, forman una palabra, una frase, un

nombre. Por extensión se llama también acróstico a la palabra formada por esas letras

(ver ejemplo)

A partir del nombre de la carrera elegida, expresen todo aquello que le sugieren las

palabras que consideren que tenga que ver con el tema tratado en la jornada.

(Confrontación vocacional: elección personal y características de la carrera). El grupo

registra las ideas, palabras claves, frase, que surge de las reflexiones como producto de

la actividad realizada.

Una vez que tienen las palabras, comienza el trabajo con ellas, se vinculan, se asocian, se

forman categorías complementarias para ir seleccionando los principales conceptos u

opiniones del grupo sobre el tema tratado. Una vez finalizada la escritura, se puede

explicitar el porqué de tal o cual palabra, en la búsqueda de sentidos. Puesta en común:

Se realiza un cierre con los ejes que surgieron, producto del trabajo conjunto.

http://es.wikipedia.org/wiki/Lengua_griega


1- 16 A modo de ilustración:

Cuadernillo de ingreso 2009, Artes Visuales. Faduncu. UNC. Material mediado y procesado por: Doña, Laura Cecilia y Meljin Mariela. Departamento de publicaciones. 2008. PRADA, gloria, HERRERA, Alicia (2003) Curso de ambientación Aula Satélite de la escuela Normal Superior 9002, Lavalle- Inédito MOSCA DE MORI, Aldo. , SANTIVIAGO, Carina (2010). Conceptos y herramientas para aportar a la orientación vocacional ocupacional de los jóvenes. Univ. La República, Uruguay.http://www.inju.gub.uy

T_ _ _ E_ _ _ _ _ _ C_ _ _ N_ _ _ _ _ _ _ _ I_ _ _ _ _ _ _

C_ _ _ _ _ _ A_ _ _ _ _ _ _ _ T_ _ _ U_ _ _ _ _ _ _ R_ _ _ _ _ _ A_ _ _ _ _ _ _ _

_T_ _ _

_ _ _ _E_ _ _ _ _ _C_ _ _

_N_ _ _ _ _ _ _ _ _I_ _ _ _ _ _ _ _ _ C_ _ _ _ _ _ _ _ _ _A_ _ _ _ _ _

T_ _ _ _ _ U_ _ _ _ _ _ _ _ _R_ _ _ _ _ _ _ _A_ _ _ _ _

Arbol de palabras Cordon de versos

Racimo de imaginación

Osas ser distinto, Sí que lo eres

Tomas palabras del mundo

Intentas enamorar Compartes tu desdicha

O tu felicidad

http://www.inju.gub.uy/


1- 17

SUGERENCIAS PARA EL ABORDAJE DE LOS TEXTOS DE ESTUDIO

Primo Levi dijo: "El libro escrito debe ser

como un teléfono que funcione", y ahí tenemos el

iPhone

Es célebre la frase de Kafka: "Un libro

debería ser el hacha que sirva para romper el

mar helado que llevamos dentro".

El proyecto que inicias en el nivel superior requiere una interacción permanente, vas a

tener muchos amigos, pero en este caso nos referimos a un amigo en particular: el libro.

El libro es como un territorio desconocido que invita a ser explorado. (Herrera, A: 2003).

La primera página del libro se llama portada: allí se encuentran los primeros nombres del

territorio.

El índice es como un mapa que te permitirá recorrer con mejor orientación el territorio.

Algunos libros lo tienen al principio, otros al final. Hay varios tipos de índice: de autores,

de ilustraciones, de temas. Si seguís el recorrido, encontrarás tal vez un prólogo. Estos

datos, título, subtítulo, índice, prólogo, se conoce como paratexto. Conocer el paratexto

resulta orientador a la hora de elegir lo que tengas que leer.

El primer contacto con un libro desconocido requiere que lo examinemos. No siempre

leemos de la misma manera, no leemos igual un poema que una receta de cocina o una

guía telefónica. Pero siempre necesitamos una primera lectura, un dejar correr las hojas

para tomar contacto con el sentido general del texto. Es la pre-lectura. Con ella

accedemos al paratexto verbal e icónico externo (título, autor, ilustración de tapa,

extensión del libro, dimensiones, diseño). Podemos hacer otros tipos de lectura, ligera o

superficial o veloz o salteada para leer diarios, informes, bibliografía.

La lectura de aproximación es una variante, la aplicamos para tener una idea general

(índice, prologo, contratapa) y comprueba si el libro sirve o no para el tema que

necesitamos.

Pero para entender un texto, es necesaria una lectura más profunda y significativa.

Requiere una lectura analítica, comprensiva, lenta. Esta lectura supone señalar las ideas

principales, diferenciarla de los detalles, de las ideas secundarias , establecer relaciones


1- 18 entre tales ideas, distinguir el lenguaje figurado del lenguaje literal; hechos de opiniones;

reconocer y retener conceptos fundamentales por subrayado, palabras claves al margen,

e incluso, parafrasear, es decir, expresar con nuestras palabras las ideas extraídas.

La lectura implica una actividad cognitiva compleja, que involucra una serie de procesos,

algunos adquiridos en etapas anteriores de la educación formal, otros requieren un grado

de reflexión consciente.

Para ello transcribimos a continuación el esquema de una guía orientadora cuyas fases y

pasos orientan el proceso lector. Estas fases se retomarán en las sucesivas prácticas de

lectura que sugerimos al trabajar los distintos textos que ofrecemos, las iremos

trabajando para corroborar la adquisición de la competencia de comprensión lectora y la

posterior producción de texto.

Fase I: lectura exploratoria

1. Leer globalmente el texto

Activa nociones, ideas o conocimientos previos.

2. Relacionar el texto con los datos del contexto de producción.

Identificar el/los autor/es, situar históricamente su contexto social,

intenciones, destinatarios.

3. Postular, luego de lecturas sucesivas, el tema del texto.

Relacionar con el título del texto

Descubrir palabras claves

Fase II: lectura analítica

4. Interpretar adecuadamente el sentido de las palabras del texto.

Distinguir significado (diccionario) y sentido (en el texto)

5. Analizar el aporte de de los párrafos al eje temático (introducir, ilustrar, plantear el

problema, indicar antecedentes, establecer causa, definir, etc.)

Enumerar los párrafos, enunciar su contenido y función

6. Establecer las principales relaciones que organizan las informaciones de los párrafos

en el texto

Encontrar las conexiones de causalidad, comparación, secuenciamiento

cronológico, argumento

7. Jerarquizar la información, discriminando información nuclear y periférica.

Explicar el esquema de su organización.


1- 19 8. Formular el tópico del texto

Relacionar el tema del texto con el eje articulador temático.

9. Recuperar la información nuclear

Elaborar un resumen, síntesis, cuadro comparativo, cuadro sinóptico, mapa

conceptual, esquema, diagrama, etc.

10. Reelaborar, reflexionar o producir a partir del texto

Cuadernillo de ingreso 2009, Artes Visuales. Faduncu. UNC. Material mediado y procesado por: Doña, Laura Cecilia y Meljin Mariela. Departamento de publicaciones. 2008

PRADA, gloria, HERRERA, Alicia (2003) Curso de ambientación Aula Satélite de la escuela Normal Superior 9002, Lavalle-

Inédito

http://lacomunidad.elpais.com/aracnido-en-tu-pelo/2007/8/24/metaforas-del-libro

http://lacomunidad.elpais.com/aracnido-en-tu-pelo/2007/8/24/metaforas-del-libro


2- 20 Texto 1

LA OBRA DE ARTE: TEORÍA, FUNCIÓN Y ACTUALIDAD.

Punto de Partida

Una civilización se define por la manera en que concibe y explica el mundo y la vida, la

colaboración que a su establecimiento prestan religiones y filosofías, la ilustración que el

Arte ofrece de ellas y el sistema de valores que suscita y anima.

Queremos acercarnos al Arte como expresión del hombre. Conocer su obra artística será

conocer al hombre, su contexto, ya que partimos de la hipótesis de que el arte es

testimonio de una cultura, o incluso una de las formas que el hombre tiene de

manifestarse. Sin embargo, la obra de arte no se manifiesta como una pura creación del

hombre, iremos viendo como nace condicionada por diversas circunstancias: el lugar, el

tiempo, la economía, los avances técnicos… intervienen en el proceso artístico.

Aceptamos que el artista parte de una realidad múltiple (natural, social, intelectual,

psíquica…) y realiza una selección a partir de su sensibilidad. Tras esta selección, el artista

inicia el proeceso de creación de “formas”: palabras en el poeta/escritor: líneas, colores,

volúmenes en el arquitecto, pintor y escultor; sonidos en el músico. Por otra parte, la

obra de arte nace a partir de “la circunstancia” del artista y renace cuando el espectador

capta esa realidad transmitida en lenguaje artístico, cuando siente la emoción que

provoca el Arte.

El Concepto de Arte

Evolución del término ARTE

La significación de este término ha sufrido una alteración desde la Antigüedad a nuestros

días. “Arte” es un término que etimológicamente proviene de la palabra latina ars, que,

a su vez, es una traducción del griego tecné.

En Grecia, Roma, La Edad Media y hasta el Renacimiento, el Arte es tecné:

destreza para “construir” (hacer, producir, mandar, dominar) El término

“arte” se aplicaba a todos los campos de la vida, el arte del bien morir, el arte

del buen gobierno, el arte militar, el arte de fortificar, y no sólo a las bellas

artes.


2- 21 En Grecia, es un concepto relacionado con la habilidad técnica (destreza manual) o

mental para realizar ciertas actividades a partir de unas normas y reglas establecidas. En

él se incluían tanto la obra de un arquitecto o la de un escultor, como la de un carpintero,

zapatero o herrero: todos eran maestros y sus actividades eran “arte”. No existía “arte”

sin reglas; así lo afirmaba Platón al decir: El arte no es un trabajo irracional (Gorgias). En

consecuencia, en el campo del arte entraban tanto las artes que hoy llamamos utilitarias

– los oficios manuales- como las bellas artes. Aristóteles lo define como la habilidad en

ejecutar algo; los sofistas, como “sistema”. Se trata, pues, de una artesanía y de una

actividad intelectual.

La Edad Media distinguirá entre artes liberales y artes mecánicas. Es también una

división heredada del pasado y realizada en razón a si en un ejercicio dominaba el

esfuerzo mental o el trabajo físico: era “liberal” si estaba libre de esfuerzo físico, y era

“vulgar- mecánica” si lo requería.

Ars era la clase de arte más perfecta; dentro de las artes sólo aparecen la música

(entendida como teoría de la armonía) y la arquitectura. Escultura y pintura no

aparecían ni como liberales ni como mecánicas, sobre todo porque se

consideraban poco útiles y, además, ”innobles”, por estar basadas en el esfuerzo

físico y los oficios manuales, de rango muy inferior a las siete artes liberales.

En el Renacimiento se hace más evidente la separación entre las bellas artes de los oficios

o artesanías y de las ciencias.

En esta selección, la pintura y la arquitectura aparecen ya segregadas de las artes

mecánicas, y se incluye la poesía, que ni siquiera se había considerado arte hasta

entonces. En el Renacimiento comenzó a valorarse la belleza y, por consiguiente,

aumentó la valoración de sus hacedores. Se aboga por la separación entre artesanos y

artistas, considerando que las acciones de estos últimos, basadas en el estudio de leyes

y reglas, eran propias de eruditos. Estas artes reciben diferentes nombres: arti del disegno

(subyacente está el pensamiento de que el dibujo es un vínculo común), “artes nobles” e

incluso “bellas artes”.

Desde el punto de vista de la evolución, es importante destacar que en el siglo XVI la

pintura, la escultura, la arquitectura, la poesía, el teatro y la danza se agrupan formando

una unidad, diferenciándose de las artesanías y las ciencias. Cierto es que todavía no está

muy claro cuál es el vínculo de unión, aunque empieza a apuntarse como tal la belleza.

Desde mediados del siglo XVIII, asistimos a un cambio en la evolución del

concepto de arte: primero, significará producir belleza, y productos bellos


2- 22 serán los producidos por las artes incluidas en el concepto de “bellas

artes”.

Este concepto fue creado por Charles Batteaux (1747), en su lista de siete, se incluyen

como bellas artes: la pintura, la escultura, la arquitectura, la danza, la poesía, la música y

la retórica (o elocuencia). Para Batteaux, todas estas artes son miméticas o imitativas.

Hasta el siglo XIX no quedarán definitivamente delimitados los ámbitos de las bellas

artes, de los oficios (o artesanías) y de las ciencias. En este momento, el ámbito de las

bellas artes se restringe al de artes visuales, las ya conocidas “artes del diseño” (pintura

y escultura), excluyéndose la poesía o la música. Que serán incluidas en el campo de las

“bellas letras”.

Pero, a finales de la centuria, y desde principios del siglo XX, con la aparición de

nuevas corrientes en el arte (dadaístas y surrealistas), se otorga la calificación de “objetos

de arte” a las cerámicas, los muebles, y a nuevas áreas de expresión, como la fotografía.

Se produce ahora un cambio más profundo: la belleza deja de ser una característica

del arte, ni siquiera será un rasgo indispensable. Y, sí hasta ahora presuponía que el arte

era una actividad netamente humana, con la aparición de la fotografía y el inevitable

empleo de la cámara, esta afirmación entra en crisis.

En el siglo XX se incorporan al mundo del arte una serie de objetos/obras procedentes

de campos de expresión diferentes a los de bellas artes de Batteaux: la imagen fotográfica

(fotografía y cine), el video –arte, el anuncio, la imagen sintetizada por ordenador, e

incluso la imagen virtual. Estos hechos obligan a ampliar el concepto de arte.

Figueroba Figueroba, Antonio y Fernández Madrid, María Teresa. En “Historia del Arte 2° de bachillerato”,

Madrid. Mc Graw-Hill. 1996.

Actividades

Trabajo Individual (no presencial)

Lean atentamente el texto N°1.


2- 23 La primera lectura del texto nos permite un acercamiento global a su contenido. SI no

leemos por lo menos dos veces un texto nuevo, no podremos tomara real contacto con

él para explorarlo. A esta primera lectura global la llamamos exploratoria, y tiene por

objeto postular el tema.

Anoten en el margen las ideas que les surjan a partir de su lectura.

Marquen los párrafos que les hayan parecido más interesantes.

Es necesario además realizar otras observaciones del texto. El título, los subtítulos, el

nombre del autor, el lugar de donde ha sido extraído el capítulo o el artículo, así también

el prólogo de un libro, el epílogo, las ilustraciones y sus epígrafes se denominan

paratextos. Estos elementos nos brindan información del contexto de producción y por

ello es importante considerarlos para la interpretación del sentido.

Identifiquen los elementos paratextuales.

Trabajo grupal (presencial)

Intercambien opiniones con la profesora y los compañeros de clase.

Después de haber realizado las primeras observaciones, el lector activa sus propios

conocimientos y los relaciona con los contenidos del texto. A esta actividad del lector se

la denomina activación de la enciclopedia. El conocimiento enciclopédico está integrado

por la experiencia, lo que aprendimos de otros, o de nuestras lecturas, lo que aprendimos

a lo largo de nuestra educación formal, lo que vemos en la televisión o en el cine.

Nuestros conocimientos previos colaboran con la comprensión, nos ayudan a elaborar

nuevas representaciones mentales, integrando lo ya conocido con la nueva información

en la búsqueda de sentido.

Comenten en grupo qué conocimientos previos pueden vincular con el

texto, cuáles son los nuevos aportes, los términos desconocidos, entre

otros.

Elaboren en grupo un mapa conceptual a partir del texto analizado,

acompañando los conceptos principales del mismo con imágenes icónicas.

Las imágenes incorporadas pueden ser ilustraciones de diarios y revistas,

dibujos propios, etc.


2- 24 A continuación brindamos orientaciones para elaborar un mapa

conceptual:

¿Qué es un mapa conceptual?

El mapa conceptual es una estrategia que te ayudará a captar el significado de los

materiales que vas a aprender. El Mapa proporciona un “resumen esquemático de

lo aprendido”, ordenado de una manera jerárquica.

El Mapa Conceptual requiere de la “codificación de la información”, que supone

cuatro procesos básicos:

Selección

Abstracción

Interpretación

Integración

Se selecciona la información, se extraen los conceptos o ideas más significativas por la

abstracción. Luego, se interpreta, con la intención de favorecer la comprensión de la

información. Posteriormente por el proceso de integración, se construye un nuevo

conocimiento o se modifica uno preexistente.

En síntesis, el Mapa Conceptual se trata de un gráfico, un entramado de líneas que

confluyen en una serie de puntos. Podríamos relacionarlo con un mapa de carreteras, en

el que las ciudades están unidas por una serie de líneas que simbolizan las vías de

comunicación. En los mapas conceptuales los puntos de confluencia serÍan los conceptos

relacionados, se unen por una línea y el sentido de la relación se aclara con “palabras-

enlace”, que se escriben en minúscula junto a las líneas de unión. Dos conceptos, junto a

las palabras-enlace, forman una proposición.

Un concepto, que es una “regularidad en los acontecimientos o en los objetos que se

designa mediante algún término”, por ejemplo: libro, escuela, etc.

Los conceptos están dispuestos por orden de inclusividad, de allí que guardan entre sí

una relación de jerarquización. Esto significa que los conceptos más generales e inclusivos

se ubican en los lugares superiores de la estructura gráfica. Los ejemplos, se sitúan en

último lugar, y no se enmarcan.

Algunas puntualizaciones:

En un mapa conceptual, sólo aparece una vez un determinado concepto.

En ocasiones, conviene terminar las líneas de enlace con una flecha para indicar

el concepto derivado, cuando ambos están situados a determinada altura o en

caso de relaciones cruzadas.


2- 25 Es preferible realizar mapas con diversos niveles de generalidad: por ejemplo,

unos pueden apuntar a la panorámica global de una materia o tema, y otros

pueden centrarse en subtemas más concretos. Esto ocurre cuando el tema es

extenso.

Esquema de mapa conceptual.

Magni – Ponzo (2000) Curso Introductorio para el Ingreso a las Carreras de Profesorado. Esc N° 9-002.


2- 26 INTRODUCCIÓN A LAS ARTES VISUALES Y A LOS LENGUAJES ARTISTICOS

En la comunicación visual el sistema de representación es universal. Líneas, formas,

colores, texturas y espacio forman imágenes que comunican algo: ideas, información,

sugieren o transmiten sensaciones o emociones.

La experiencia perceptual es para el hombre fundamental, para el conocimiento de

hechos y de objetos que lo conectan con su mundo y con los demás, datos que le son

únicos y que le pertenecen exclusivamente, a su vez le permiten elaborar conceptos,

hechos e imágenes que lo vinculan nuevamente con su contexto y sus congéneres en un

permanente aprendizaje y en enriquecimiento creativo.

Conocer las estructuras básicas que organizan todo hecho visual y los elementos

plásticos básicos utilizados en la producción de imágenes, constituye una herramienta

para el quehacer artístico. También nos permiten comprender obras de distintas épocas,

desde las tradicionales, como la pintura, el dibujo, la escultura y el grabado, hasta las

contemporáneas como la fotografía, el video arte, las instalaciones, las performances, las

intervenciones, producciones multimediales, el ciber arte, etc.

Para producir plásticamente, para hacer una imagen, se necesita contar con materiales,

herramientas y además saber dominarlos. El valor artístico de una obra no depende de

los medios utilizados por el creador, sino de la manera que éste los utiliza.


2- 27 Texto 2

LENGUAJES PLÁSTICOS

Técnicas y materiales en la historia del arte

“Mirar el pasado para encontrar modelos formales y

emocionales, y hacia el futuro para hallar patrones sociales

relacionados con el pasado, mientras permanece

firme enraizado en las necesidades del presente” 1

Abordar la problemática específica del uso de los materiales y las técnicas en el campo

del arte, requiere a mi modo de ver una revisión de los mismos a lo largo de la historia

del arte.

En un mundo desbordado de imágenes, donde éstas ocupan un lugar preponderante en

la sociedad actual, superando lo lingüístico (en algunos casos), es sumamente importante

acercarnos a ella, a su autor, al contexto en el que se lleva a cabo y promover nuevas

interpretaciones expresivas y / o analíticas.

Las técnicas, los materiales (entre otros) y su aplicación, fueron elementos de algún

modo condicionantes para determinar los distintos géneros, desde las primeras

manifestaciones realizadas por la humanidad.

El concepto de género tiene en el arte dos acepciones diferentes, aunque relacionadas.

En primer lugar suele usárselo para denominar a las diversas artes: arquitectura,

escultura, pintura, música, poesía, teatro, danza, cine, etc. En segundo lugar se lo vincula,

dentro de un arte en particular, a diferentes temáticas abordadas, así por ejemplo, se

habla dentro de la pintura de distintos géneros: el retrato, el paisaje, el bodegón, etc. En

el ámbito del teatro se habla de comedia, tragedia, etc. Tomaremos el término género en

el primer sentido, como sinónimo de disciplina.

Es así que los géneros de la escultura y la arquitectura impusieron por mucho tiempo la

utilización de materiales considerados nobles como: mármol, bronce, materiales

preciosos, madera, cemento, etc.

La pintura desde su surgimiento en las cavernas y la utilización de pigmentos naturales,

luego de servir de ornamentación y adoctrinamiento en las iglesias (Románico) hasta


2- 28 independizarse del muro, con la pintura de caballete en el Renacimiento y la utilización

de la perspectiva (técnica que se estructuró de acuerdo con las apariencias de la

percepción ocular, aunque entró en decadencia en el siglo XIX, sigue condicionando

nuestra manera de captar lo visible) y la incorporación del óleo (permitió la

representación precisa de la forma con incomparable brillo y transparencia)

constituyeron rasgos significativos del pensamiento y de los acontecimientos sociales,

políticos y tecnológicos de cada época.

El grabado aparece en occidente a mediados del siglo XIV, desempeñó una función

ilustrativa y documental (antes que la fotografía). Se presentó como una herramienta

eficaz para la difusión del pensamiento.

A la inversa del arte académico o tradicional, el arte Moderno y el Contemporáneo han

explorado las nuevas posibilidades que ofrece toda suerte de materiales, hasta entonces

rechazados, desde los productos industriales hasta los desechos del consumo.

La dimensión propiamente mental del arte implica una mirada reflexiva de éste sobre sí

mismo, su naturaleza y su teoría. Marcel Duchamp fue quien planteó la pregunta decisiva

sobre los límites del arte a través de sus ready- mades. Pues el arte une espacios

fronterizos; tanto que, junto con el cine (el séptimo arte), la música y el teatro,

compromete su estética propia en las performances, las sesiones de happening o de body

art.

1 - PATERNOSTO, Cesar. (1989) La Piedra Abstracta; La escultura Inca: Una visión contemporánea. Bs. As.Fondo de

Cultura Económica. P. 103.


2- 29

Actividades

Trabajo individual

Realicen lectura comprensiva.

Subrayen las palabras claves o ideas principales del texto.

Trabajo grupal

Observen imágenes seleccionadas por los docentes relacionadas con el

texto.

Intercambien ideas y apreciaciones con el profesor y los compañeros.

Texto 3

LA OBRA DE ARTE A PARTIR DEL SIGLO XX

De moderno a contemporáneo Hasta el siglo XIX, la tradicional división de las artes contemplaba, con distinta valoración,

la existencia de un número limitado de géneros artísticos. Esta distinción, que hoy

denominamos “tradicional o académica” 2 separaba los géneros en dos grandes grupos:

“artes mayores y menores”3. El criterio de la división está basado en la finalidad

puramente estética o estético-práctica de los productos artísticos. Así las artes mayores

o bellas artes que centran su interés en la producción puramente estética son: literatura,

música, danza, pintura, escultura y arquitectura. En tanto que las artes menores,

llamadas también artes decorativas o artes aplicadas tienen una función eminentemente

práctica: la cerámica, la orfebrería, las artes del mobiliario, la jardinería, la herrería

artística, la cristalería, etc.

_____________________________________

2 Y 3 - VICENTE, SONIA. (2006). Arte Fotográfico y Arte en Fotografía. Comentarios a la obra de Walter Benjamín.

Inédito.


3- 30

La invención de la fotografía y más tarde la del cine, el video y la computadora, cuya

existencia está enraizada en la tecnología, hizo posible la aparición de nuevos recursos

para el artista, que vinieron a cubrir la necesidad de nuevas expresiones. Estas

manifestaciones, que no se encuadran en el esquema tradicional, pusieron en crisis la

clasificación de los géneros vigentes. El arte ampliaba el horizonte de sus posibilidades

expresivas con la incorporación de nuevas técnicas que daban lugar a producciones

diferentes, las que difícilmente se dejaban encuadrar en la clasificación de géneros

vigentes. La clasificación entró en crisis, y con ella también las ideas de arte y de obra.

Corresponde dar aquí algunos ejemplos: el cubismo que se desarrolla en los primeros

años del siglo XX, tiene como objetivo principal alejarse de la representación naturalista.

Abandonan la perspectiva y el único punto de vista y buscan plasmar en el cuadro un

objeto visto desde ángulos diferentes simultáneamente. También introducen la técnica

del collage, donde entran en la obra objetos prefabricados de uso diario. La pintura, como

representación de la realidad en un espacio de dos dimensiones, se confunde con la

escultura, que hasta entonces era una representación tridimensional.

Kandinsky investigó los medios de reencontrar la función espiritual del arte a través del

color y de la composición abstracta. Construyó una teoría de la pintura abstracta, de allí

en adelante el color y la forma liberados estallaron en composiciones dinámicas cuyo

equivalente solo es posible encontrarlo en la música.

Marcel Duchamp fue el artista que preparó el terreno para una reflexión sobre el arte del

siglo XX, probablemente sus obras hayan sido declaradas “arte” debido a la separación

del objeto de su marco funcional o por causa del juicio público.

Su compromiso ante todo consistía en oponerse al “arte retiniano”, es decir a lo

decorativo y a la hegemonía de lo visual. Los ready- mades, objetos arrancados de la

esfera de lo cotidiano y del consumo, entraron de manera abrupta a los museos.

El inicio de la década de 1960, en los países occidentales, marcó el desarrollo de la

sociedad de consumo, de la cual una generación de artistas tomó prestada una imaginaría

renovada. El pop art marcó el fin del expresionismo abstracto y el comienzo de la cultura

de masas. Artistas como Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburger entre otros

introdujeron tiras cómicas, la señalética urbana, la publicidad, etc. al ámbito de la pintura.

El arte conceptual y el minimalismo surgieron en Estados Unidos a mediados de los años

60, y mantuvieron una similitud en el aspecto formal. Sin embargo, mientras el primero


3- 31 tendía a hacer de la obra el soporte del pensamiento, el segundo vinculaba íntimamente

los objetos con el espacio y el espectador. Para los artistas conceptuales sólo contaba la

intención del artista, aquella que surgía de su espacio mental privado. La obra ya no debía

considerarse por sí misma, sino en cuanto soporte necesario de una definición del arte,

siempre nueva. Los artistas conceptuales utilizaron medios considerados

“transparentes”, ya que podían reflejar directamente el concepto, pues no apelaban a

una contemplación de la materialidad de la obra. Estos medios eran principalmente la

escritura y la fotografía, eran considerados “neutros “en los que la forma importaba poco,

y que se alejaban del “objeto de arte” para transmitir solamente el pensamiento. En

cambio la obra minimalista no remite a la interioridad del artista, el arte minimal no

presenta ninguna destreza: los objetos, lisos e impersonales, son producidos de manera

industrial. La obra se desprende de todo rastro del acto creador, puede abrirse al

espectador, ya que el arte minimal se aprende corporalmente. Años más tarde la moda y

el mobiliario reutilizaron estas formas simples, para hacer de ellas un símbolo sobrio de

fines del siglo XX.

Las instalaciones nacieron para superar los límites de la pintura y la escultura, creando

así una nueva forma de arte, independiente y autosuficiente. Tiene sus antecedentes en

los ensamblajes de la década del 50 y en las ambientaciones de los artistas pop del 60. La

instalación es una obra única que se genera a partir de un concepto y/o una narrativa

visual, creada por un artista en un espacio concreto. Requiere la participación del

espectador, pero no para vivir episodios sino para descifrar mensajes o rescatar ideas. Al

observar la obra desde distintos ángulos la percepción se convierte en un proceso. Y al

adueñarse de esta dimensión adicional, las instalaciones refuerzan el valor de la

experiencia directa, inmediata, algo que ninguna reproducción fotográfica y aun

televisiva puede sustituir. Las instalaciones son el tipo de obra más representativa del

siglo XX y resumen o es el resultado de las ondas transformaciones que asumió el arte en

estos cien años. El artista que da nombre a este tipo de arte es el norteamericano Dan

Flavin con sus obras espaciales hechas con tubos fluorescentes.

El arte póvera tiene su origen en Italia a fines de la década del ’60 y principios del ’70.

Utiliza materiales humildes, no industriales, como las plantas, tierra, troncos, grasa,

cuerdas, etc. No reconstruye al objeto, cada material determina sus propiedades

plásticas en atención a sus propiedades físicas.

El arte ecológico o land art es una manifestación americana que acentúa el proceso y la

transformación de la obra de arte en el tiempo; con temáticas como la polución, la


3- 32 superpoblación, la supervivencia, etc. Existe un interés de los artistas de abandonar la

obsesión por el consumismo, los medios de comunicación, llevando su mirada hacia la

naturaleza, la mitología, y la ecología. El paisaje natural se convierte en OBJETO Artístico.

Este uso metafórico de la naturaleza, para algunos artistas está dado por el cambio,

evolución y crecimiento de los materiales utilizados o por la acción humana, la necesidad

de subrayar la noción de lo efímero en dicha obra. Las herramientas que utilizan para

crear sus obras van desde las más complejas como camiones, topadoras, etc., para

realizar el traslado del material o las inmensas excavaciones, demarcaciones y

acumulación de tierra; hasta las más simples; como las que realiza Richard Long y en las

que utiliza materiales como hierbas, piedras y algas marinas. Continuando con la tradición

británica de los círculos celtas, lleva a cabo estas intervenciones, en solitarios paisajes

que luego fotografía.

Los rituales e intervenciones sobre el cuerpo: body art, performances y happening.

Algunos artistas decidieron volver contra ellos mismos el gesto creador, y mezclando

ironía, provocación y sacrificio, establecieron una ruptura con la imagen de un cuerpo

socializado. El cuerpo es el elemento fundamental. En los comienzos de este tipo de

manifestaciones artísticas se evidenciaron temas como la sangre, el sufrimiento y el

sacrificio, involucrando el cuerpo del artista en su obra como prueba y testimonio de las

restricciones inconscientes inherentes al comportamiento social. El objetivo era lograr

una comunicación no verbal, directa y emocional.

En el video arte los artistas encontraron la posibilidad de disponer sin restricciones

de la imagen en movimiento. Permite crear imágenes simultáneas, se hace presente en

ellas el tiempo real, el de la cuarta dimensión artística (espacio-tiempo) y la capacidad

narrativa; se dan en ellas el principio de pluralidad de medios y recursos, al igual que en

las videoinstalaciones.

La intervención es un término utilizado en las manifestaciones artísticas de los

últimos años. Esta acción de tomar parte en un asunto artístico se ha realizado

frecuentemente a lo largo de la Historia del Arte. Sobre objetos, fotografías, acciones en

espacios urbanos, o alejados de los mismos. Tiene su antecedente en los ready made, en

el pop art y en las obras de carácter efímero como el land art o las performance.

La nueva revolución tecnológica que hemos vivido en los últimos años ha creado

nuevos objetos y nuevos términos, pero también ha dotado de nuevos sentidos a los

viejos conceptos. Éste es el caso del arte, que en el universo virtual ha mutado a ciber-

arte (arte digital, web-art, mail art y otras expresiones que circulan a través de Internet,

y los dispositivos informáticos). En primer lugar, (y hablamos pensando en las artes


3- 33 plásticas) es posible observar un cambio de espacio. No se trata ya del espacio “objetivo”

de lo real, ni del espacio “subjetivo” interno que hay en cada uno de nosotros, se trata

ahora de un espacio “virtual”, este curioso espacio es de naturaleza diferente, no tiene

una existencia física, y por tanto la obra no ocupa un “lugar”, no es un “objeto” en el

sentido en que estamos acostumbrados a pensar los objetos. Por otra parte resulta difícil

clasificarla dentro de un género artístico determinado, ¿Es pintura? ¿Es grabado? ¿Es

dibujo?, el ciber-arte encuentra puntos en común con cada uno de ellos, pero a la vez se

diferencia enormemente; parece (y cada vez parece más) no ser ninguna de estas cosas.

La ciber-obra a diferencia de una escultura o de un cuadro al óleo tradicional, no es

un objeto del mundo externo, no tiene una entidad física propia; ni la necesita, pues en

verdad, su verdadero sentido está en haber sido creada en la máquina para que circule a

través de ella y pueda ser considerada por las multitudes que diariamente se conectan a

la ciudad telemática.

Cualquier ciber-viajero puede apropiarse de la obra y alterarla, el artista deja de

ser un creador individual para transformarse en un autor colectivo. En el universo virtual

artista y receptor, producción y consumo, se funden y confunden. Todos podemos ser

artistas: el arte, finalmente, se ha democratizado, aunque de un modo muy distinto de

aquel soñado por la utopía de Marx. La tecnología ha modificado también nuestro

imaginario y nuestra percepción: nos hemos acostumbrado a la heterogeneidad, a la

discontinuidad y a la fragmentación.

Actividades

Trabajo Individual (No presencial)

Lea el texto en forma global.

Busque en el diccionario u otros medios los términos que desconoce.

Organice los sucesos artísticos de manera cronológica.

Elabore un resumen del texto. Pueden escribirlo haciendo referencia a

los momentos históricos, a los movimientos artísticos, etc.

El resumen es un escrito breve, claro y completo, que debe incluir toda la información

nuclear del texto y respetar el orden establecido para el tratamiento del tema. Es preciso


3- 34 saber que algunos párrafos proporcionan información clave y otros aportan ilustración

de dicha información a través de anécdotas o ejemplos. Este tipo de información, se

denomina periférica. La información periférica, incorpora narraciones o detalles que dan

vida a la prosa y atraen a los lectores, pero, a la hora de realizar la síntesis o resumen, no

debe incorporarse.

Trabajo grupal (Presencial)

Compartan las síntesis elaboradas y reflexionen en grupo sobre la

figura del artista y el rol del docente de Arte en la sociedad actual

(latinoamericana, argentina y mendocina).

Realicen una producción plástica colectiva vinculada a alguno de los

movimientos artísticos mencionados en el texto.

BATISTOZZI, Ana María (2004). ¿Y dónde está el artista? En Revista Ñ. Clarín, revista de cultura 36, p.26-29.

COLOMBRES, Juan (1991). Desmitificaciones y resignificaciones para una teoría de la cultura y el Arte de América. En:

ACHA, Juan, COLOMBRES, Adolfo, ESCOBAR, Ticio. Hacia una teoría Latinoamericana del Arte. Buenos Aires. Ediciones

del Sol.

FERNANDO GARCIA. (2006). Lo que vendrá. Arte y Técnica. En Revista Ñ. n.160, p.33-43.

ANDREA GIUNTA. (2007). La era del gran escenario. En Revista Ñ. n.172, p.18-22.

GLUSBERG, Jorge (1994). El arte de la instalación; Lugar creado y lugar creador. Museo Nacional de Bellas Artes.

MARCHAN FIZ, Simón (1997). “Arte Povera y Land Art”. En su: Del Arte objetual al Arte de concepto; Epilogo de la

sensibilidad posmoderna. p.211-221.

J.L. MORAZA. (1995). Otra territorialidad (instalaciones, asentamientos, demarcaciones, espacios) Revista la Ramona.

Buenos Aires.


3- 35 Texto 4

LA MÁQUINA NO HACE EL ARTE: LOS INSTRUMENTOS DE REALIZACIÓN EN

ARTE

La frase “la máquina no hace el arte” contiene encapsuladas ideas con frecuencia

inadvertidas. Brevemente, afirmo que los programas infográficos, los automatismos

diseñados para generar imágenes, sonidos, aun los programas generados por equipos

mixtos de trabajo (de artistas junto con ingenieros en programación) no hacen el arte.

Existe un fenómeno que se reitera y representa una evaluación no legítima. Ello ocurre

desde la aparición en el mercado de las primeras cámaras fotográficas. ¿Cuál es esa

evaluación? La negativa a la posibilidad de que se produzca arte con máquinas tales

como cámaras fotográficas, videocámaras, cámaras filmadoras, ordenadores. Configura

un escepticismo ingenuo extremo. Frente a ello, la frase la máquina no hace el arte, no

constituye un simple apoyo para la ingenuidad de esa denegación. Por cierto, la máquina

no hace el arte pero tampoco lo impide. Voy a generalizar la aseveración mediante un

símbolo, comprensible en el marco de la creación pictórica: las telas, los pinceles, la

trementina y los óleos…no hacen el arte pictórico.

Desconcierta que se deba aclarar ese asunto cada vez que, históricamente, aparece

una nueva tecnología. Algo similar a la controversia relativa a “arte y computadores”

ocurrió en los inicios de la fotografía, en cuanto a la necesidad en que se vieron los artistas

fotógrafos de defender su potencial para producir objetos de valor artístico.

La fotografía se expandió y provocó en muchos artistas visuales la conocida

preocupación de lo remplazable de su arte-la pintura- y lo mecanizable de esas otras

imágenes-las producidas por medio de la cámara fotográfica. Aún hoy, muchos

realizadores fotográficos consideran que la fotografía digital es menos artística que la

fotografía tradicional, debido a la intervención de la cámara y la post producción

mediante la computadora. Sin embargo, destacados realizadores cinematográficos están

produciendo largometrajes con cámaras filmadoras digitales, a juicio de la crítica

especializada, sin desmedro de los valores artísticos.

No todos aceptan que el más o el menos estético-artísticos están implicados en la

capacidad creativa e imaginativa de los autores, antes que en el instrumento-máquina,

estrictamente hablando. Dejo esos más y menos en una contextualización taxativa.


3- 36 Insisto, no porque una máquina -la cámara digital- pueda capturar imágenes, y el usuario

pueda ingresarlas a una computadora y trabajar con ellas allí, los resultados serán mas o

menos artísticos. Los conocidos programas de millones de colores disponibles para su uso

y aplicación son, en un sentido, más temibles y difíciles de gobernar que una paleta de

óleos cuyos pigmentos originales y mezclas artísticas son cuantitativamente mas

restringidos. Cuanto mayor es la disponibilidad en cualquier orden de las cosas, más difícil

resultan la selección y la combinación de lo seleccionado. A menos que se tome una

actitud negligente al respecto.

Entonces la amenaza no viene de la presencia de la máquina, aunque parezca que con

su empleo se dejan a un lado años de aprendizaje de oficio y taller. Lo preocupante ha de

ser la carencia de imaginación, la falta de una formación humanista, el reemplazo del

sentido de lo estético por unos malabarismos informáticos, que se agotan como sucede

con los fuegos de artificio, a los pocos instantes de su presencia deslumbrante ante la

mirada. Lo preocupante debería ser el reemplazo de la presencia humana, la sustitución

rígida y pueril de las diversidades matéricas por una materia universal: las señales

electrónicas. Pero esto no es una fatalidad; tampoco debería ser evaluado como algo

monolítico a lo cual hay que proscribir de raíz.

Es probable que esos temores alimenten la razón por la que multitud de creaciones

digitales se inclinan hoy hacia la producción combinada: se trata de interacción entre la

persona (su cuerpo como un todo) y sistemas informáticos dotados de sensores de

movimiento que expresan las formas nacidas de esa dinámica en pantallas gigantes, en

el suelo, en otros soportes posibles (agua, por ejemplo). Muchas obras, creadas por

artistas digitales actuales, se presentan bajo la forma de colaboración entre la máquina y

el cuerpo humano. En esos trabajos, el cuerpo y su accionar intervienen en los resultados

sucesivos. Por ejemplo, mover los brazos -delante de sensores- para sostener una frase

poética que se proyecta en una pared, es un símbolo potente. El usuario puede pensar

esto: “de mi depende que la poesía se mantenga viva”. Y en la práctica tiene razón, las

letras de la frase se desmoronan sin su apoyo. Se trata de un juego, también de una

desafiante competencia y, a la vez, de un trabajo de feedback creativo. Por parte del

usuario, esas acciones suponen la lectura y comprensión constante de estímulos y

resultados visuales o auditivos para trabajar con ellos, evaluarlos, intervenirlos, re-

orientarlos, dialogar con las formas propuestas.


3- 37 Actividades



Elabore un resumen del texto.

Busque en la web los siguientes sitios y explore las propuestas que

ofrece cada uno:

http://www.fadon.com.br/ws_cfadon/abertura.html

http://www.mezza.cl/

http://perspectivasesteticas.blogspot.com.ar/2013/08/nam-june-paik-o-el-

video-hecho-arte.html

http://www.malba.org.ar/web/coleccion_obra.php?idobra=491


Observen en clase ejemplos de arte digital: video arte, arte web o net-

art, fotografía digital, etc.

Conformen grupos, seleccionen un ejemplo y analicen sus

características técnicas (medios utilizados para su realización) y

expresivas (qué transmite la obra).

A partir de las características observadas en la obra elegida, reflexionar

en grupos sobre la afirmación de la autora: “la máquina no hace el arte”

y exponer las conclusiones.

SCHULTZ, Margarita (2006). La máquina no hace el arte: Los instrumentos de realización en arte. En: Filosofía y

producciones digitales. 1° ed. Buenos Aires: Alfagrama.

http://www.fadon.com.br/ws_cfadon/abertura.html

http://www.mezza.cl/

http://perspectivasesteticas.blogspot.com.ar/2013/08/nam-june-paik-o-el-video-hecho-arte.html

http://perspectivasesteticas.blogspot.com.ar/2013/08/nam-june-paik-o-el-video-hecho-arte.html

http://www.malba.org.ar/web/coleccion_obra.php?idobra=491


3- 38 Texto 5

EL DIBUJO

Proceso de Conocimiento, Reflexión y Comunicación

Conocer es integrar, organizar y reorganizar constantemente experiencias vividas, para

afrontar las nuevas. El dibujar proporciona la posibilidad de realizar estas integraciones y

darles significado adicional, permite recordar las experiencias y hace que sean más

accesibles para cuando sea necesario recuperarlas.

Los trazos que realizamos al dibujar son el resultado de procesos previos, constantes y a

posteriori de observación y experimentación de la realidad toda que nos rodea. Nos

indican el estado de análisis de la misma en que nos encontramos.

Cuando hacemos unos trazos, y obtenemos formas estamos configurando un mundo que

se manifiesta como nuestro límite. Dibujar es ensanchar el campo de experiencias y por

lo tanto ensanchar nuestros límites, estar al tanto de lo que somos capaces.

Dibujar es poner en movimiento un proceso que implica alternar posibles soluciones,

intimar con nuestros recursos expresivos, dominar nuestras capacidades motoras,

reconocer nuestros pensamientos, comprender y distinguir estados que nos afectan,

visiones de la realidad, sensaciones que nos invaden.

Dibujar en tanto proceso de conocimiento es diferenciar a grandes rasgos y también

sutilmente la apariencia de los objetos y de nuestro mundo interno. Dibujar es un proceso

que implica adquirir nuevas formas de representación del mundo que habitamos. En este

sentido nos referimos a la posibilidad de conocer en tanto posibilidad de integrar

informaciones, impresiones, actitudes, ideas, percepciones.

La reflexión es parte de un proceso intelectual que involucra factores externos e internos

con que el ser humano construye sus visiones del mundo. Implica operaciones tales

como: deliberación, meditación, introspección, razonamiento, juicio. El dibujar es en este

sentido una actividad constante que se mueve en torno a elecciones, ( en otras palabras

cálculo de posibilidades). El acto de dibujar implica entonces, tomar decisiones, dar

dirección a nuestro trabajo, sugerir, exhortar, interpelarnos a nosotros mismos y al

espectador. Implica también la capacidad de interpretar relacionando objetos y

acontecimientos en una imagen visual.


3- 39 Un dibujo es el resultado de un proceso complejo que se manifiesta como investigación,

un análisis o síntesis de una situación dada. Ello se hace a través de la manipulación de

las formas y técnicas que expresan soluciones a las temáticas o problemas que nos

planteamos en el hecho creativo.

El dibujo como proceso artístico es también un hecho de comunicación. Implica una

noticia, es una forma diferente de realizar un texto. En el hacer artístico hay una

necesidad comunicativa y el dibujo es una forma de canalizarla. De modo tal, que manejar

el oficio, saber de sus limitaciones, de sus posibilidades, en definitiva de sus

características propias, es vital para la eficacia del mensaje. La comunicación que se

entabla en el hecho artístico es así un vínculo entre hombres, una forma de propagación

de las ideas que nos reúnen o nos aíslan, una forma de mostrar realidades y de transmitir

pensamientos e informaciones.

Dibujar en una forma de comunicarse que implica un lenguaje. Como todo lenguaje tiene

sus propios signos y códigos de uso. El idioma visual consta de elementos básicos que se

combinan para armar un “texto”. Algunos de los elementos básicos de que se compone

un dibujo son: los puntos, las líneas, las texturas, los colores, las formas. Al combinarse

entre sí generan nuevos elementos a tener en cuenta como: la iluminación, los

contrastes, las tensiones, las direcciones, los pesos, etc.

En el dibujo, la imagen que es fuertemente simbólica revela la singularidad de quien lo

realiza. En este sentido dibujar es una forma de expresarnos única y exclusiva. Dependerá

de cómo articulemos las diferentes formas de combinar los elementos básicos como

adquirirá nuestra marca, nuestra huella personal.

Actividades


Lea atentamente el texto.

Marque las ideas principales de cada párrafo.


4- 40

Trabajo Presencial

Intercambien opiniones sobre el texto y experiencias vinculadas al

Dibujo con el docente y los compañeros.

Realice el dibujo de un objeto personal de uso cotidiano o de valor

afectivo. Apele a la memoria para su realización. ( Trabajo individual)

Realice un dibujo del natural a partir de la observación del entorno,

un recorte visual de un sector de la institución, puede ser interior o exterior. (

Trabajo individual)

Realice una composición de creación libre utilizando materiales a

lección. (Trabajo individual)

Realice una composición aplicando técnicas mixtas. ( Trabajo

individual)

Compartan en grupo las producciones (Exposición de dibujos)

Reflexionen sobre las experiencias del proceso de creación y los

resultados: uso de los materiales, coherencia expresiva, creatividad, etc.

Cuadernillo de ingreso 2009, Artes Visuales. Faduncu. UNC. Material mediado y procesado por: Doña, Laura Cecilia y

Meljin Mariela. Departamento de publicaciones. 2008.


4- 41 Texto 6

INTRODUCCIÓN AL CAMPO CERÁMICO

*Prof. Sergio Rosas

El trabajo con el barro es un arte rico en contradicciones, es bastante complejo si se mira

desde los avances tecnológicos que ha alcanzado, pero igualmente es muy sencillo

trabajar con este material pudiendo lograr resultados simplemente inesperados en el

campo del las artes y las artesanías. También se encuentra dentro de las prácticas más

antiguas realizadas por el hombre. “Los arqueólogos han encontrado en todas las islas

japonesas, objetos de baja temperatura de gran antigüedad y muy elaborados. Algunos

datan del año 12.000 a. C, fecha estimada por los métodos del carbono.”1En general

todas las culturas antiguas hicieron uso del barro en donde siempre se conjugó la

experimentación y el conocimiento. Los primeros objetos fueron vasijas modeladas y

cocinadas a bajas temperaturas en cuyas superficies se estampaban o superponían

elementos formales propios relacionados con sus de sus creencias, cuyo resultado son

objetos culturales transformados a través de la historia.

La palabra cerámica se puede definir como “el arte de hacer objetos duraderos, de

utilidad y/o belleza, por el tratamiento con calor de materias primas terreas.”2 Una de

las cualidades más grandes que tiene el trabajo en barro es la importancia que ha tenido

en el desarrollo de las culturas de todas las partes del mundo. Los objetos cerámicos

siempre han sido de gran utilidad y el hombre ha dependido de ellos en sus actividades

en la vida cotidiana, sin embargo, no solo han tenido un valor utilitario sino forman parte

de las “piezas de arte más hermosas del mundo: los azulejos de las mezquitas persas, las

esculturas de las primeras dinastías chinas, las figuras precolombinas de Mesoamérica,

las jarras de Micenas del año 2.000 a.C. entre otras.”3 El oficio de los ceramistas está

lleno de implicaciones, depende en gran medida del barro con el que se trabaje, si es

puro o ha sido preparado con otros materiales (pastas cerámicas) con el objetivo de

reducir el tiempo de cocción, mejorar su textura o alterar su color, además depende de

las manos que lo trabajen y del conocimiento de la técnica, sin contar con los

sentimientos del creador, ya sea artesano, artista, diseñador entre otros. Los objetos

cerámicos cuentan con características que los hacen particularmente especiales: la

resistencia a través del tiempo, no se corroe como otros materiales y adquieren gran

dureza después de un proceso de cocción, lo que los hace increíblemente resistentes y


4- 42 duraderos. Todo esto permite desarrollar objetos tecnológicamente avanzados aplicados

a la gran industria como ejemplo tenemos partes para naves que van al espacio, también

está presente en objetos culturales con tradición artesanal en donde interactúan la

técnica, el sentir y el conocimiento. Ya en otro campo el barro alcanza una gran nobleza

a través de propuestas artísticas que aportan innovaciones técnicas, contenidos formales

y espiritualidad.

Los artistas que usan activamente la cerámica en su trabajo logran vincular aspectos

temáticos y formales y en muchos casos se basan en las técnicas tradicionales y en los

lenguajes de las culturas antiguas explorando a través de referencias arqueológicas o

registros históricos. Algunas veces se acercan a objetos cerámicos con carácter utilitario

como también logran propuestas que van desde la escultura a la instalación artística. Casi

siempre alcanzan formas que dejan ver el conocimiento por el oficio y la relación de la

materia prima con un gran sentido de pertenencia y amor frente a su trabajo. Las

reflexiones y las preocupaciones por el entorno y la naturaleza están presentes en las

creaciones. La esperanza esta que el trabajo con este material tan noble logre a través

del tiempo el lugar que se merece en el corazón de los seres humanos.

LA PLASTICIDAD. FENÓMENO FÍSICO QUE CUALIFICA A LAS ARCILLAS

La arcilla cuando está húmeda con la cantidad adecuada de agua, tiende a mantener

cualquier forma que se le dé. Esta propiedad se conoce como plasticidad y es una de las

principales cualidades del material. Entre los materiales naturales la arcilla es única en su

grado de plasticidad. Es la plasticidad la que hace posible la fabricación de la infinita

variedad de figuras de los objetos cerámicos. Pellizcando, estrujando o enrollando una

bola de arcilla se reconoce instantáneamente el potencial que reside en esta masa

húmeda y deformable. La plasticidad de la arcilla ha sido muy estudiada por los

científicos, pero el mecanismo exacto aún no ha sido comprendido completamente.

Hasta cierto punto la plasticidad puede atribuirse a la finura del grano. La pequeñez de

las partículas cada una de las cuales está mojada con agua y lubricada en la superficie con

humedad, tienden a hacer que las partículas se peguen unas con otras y esto hace que

la masa en conjunto mantenga la forma que se le da. El hecho de que se pueda modelar

con arena húmeda, la cual cuando está seca no tiene plasticidad en absoluto, ilustra este

principio. Cuanto más fina es la arena, mayor éxito tendrá el castillo de arena. La forma

aplanada de las partículas de arcilla también contribuyen a la plasticidad. La arcilla

plástica puede ser comparada a un mazo de cartas mojadas con agua. Cada carta está

saturada de agua y una película de agua entre las superficies hacen que las cartas

resbalen y se deslicen una sobre otra y también hace que se peguen entre sí; de forma


4- 43 similar las partículas se deslizan unas sobre otras cuando se aplica una fuerza pero se

mantienen en su nueva posición.

La materia carbonosa corrientemente presente en la arcilla contribuye también a la

plasticidad. Muchas arcillas corriente que tienden a tener un contenido significativo de

carbón en ellas son bastante plásticas. La materia orgánica parece acentuar casi como

una goma o cola en el comportamiento de la arcilla. Mientras que una pequeña cantidad

de materia orgánica en la arcilla puede ser de ayuda en el desarrollo de la plasticidad,

demasiada hará a la arcilla excesivamente pegajosa, difícil de trabajar y de contracción

elevada.

Las arcillas varían grandemente de plasticidad según su historia geológica. Algunas arcillas

gruesas, aun cuando consideradas bastante no plástica (o antiplástica), son útiles para

hacer ladrillos y otros productos pesados de arcilla, tales como tejas y revestimientos

Otras arcillas son demasiado pegajosas para utilizarse por sí mismas y deben mezclarse

con otras menos plásticas para ser útiles. Sin embargo muchas arcillas son utilizables tal

y como salen de la tierra y pueden ser modeladas y torneadas sin ningún ajuste de su

composición.

ARCILLAS PRIMARIAS O RESIDUALES

Las arcillas pueden clasificarse de distintas maneras según las propiedades que

interesen al clasificador. Se pueden clasificar las arcillas según su color, según existen en

la naturaleza. O puede centrarse la clasificación sobre la idea de su uso u origen

geológico. El ceramista está interesado en lo que la arcilla puede hacer por él en la

manufactura y cocción de sus productos y mirará la arcilla desde su punto de vista. Está

interesado en la plasticidad o trabajabilidad de la arcilla, sus reacciones durante el secado

y la cocción. La división de las arcillas en dos grandes grupos, arcillas primarias y

secundarias, ayuda a clasificar las arcillas pare el ceramista y le ayuda a comprender y

hacer uso de las propiedades particulares de trabajo y cocción de las distintas arcillas.

Las arcillas primarias (también denominadas residuales) son las arcillas que se han

formado en el lugar de sus rocas madres y no han sido transportadas por el agua, el viento

o el glaciar. Las arcillas primarias son poco corrientes, ya que normalmente los productos

de la meteorización son transportados pendiente abajo por el agua de torrentes y los ríos

hasta llegar finalmente a lagos o mares. Pero en ciertas ocasiones las arcillas se dejan en

el punto en que han formado por la desintegración de las rocas feldespáticas.


4- 44 Los lechos de roca se desintegran en arcilla principalmente por la acción del agua del

suelo filtrándose a través de la roca y esto lava gradualmente los componentes más

solubles. En algunos casos la percolación de vapor o gases procedentes del subsuelo

pueden haber contribuido a la formación de la arcilla. Los depósitos de arcillas primarias

tienden a ser de grano grueso y relativamente no tan plásticas.

Las arcillas primarias, cuando han sido limpiadas de fragmentos de roca, tienden a ser

relativamente puras y libres de contaminación de otros materiales no arcillosos.

Valoramos las arcillas primarias por su pureza, su blancura y su libertad de minerales

rechazables o contaminación orgánica y por la resistencia a altas temperaturas (ej.

Ladrillos refractarios 1700ºC, porcelanas 1400ºC). Los caolines son arcillas primarias o

residuales.

ARCILLAS SECUNDARIAS O SEDIMENTARIAS

Son aquellas que han sido desplazadas del lugar de las rocas madres originales. Aunque

el agua es el agente más corriente de transporte, el viento los glaciares pueden también

transportar arcilla. Las arcillas secundarias o transportadas son mucho más comunes que

las primarias. En la naturaleza es casi seguro que el material erosionado se transportará

a un lugar nuevo.

El transporte por el agua tiene un efecto importante sobre la arcilla. Por un lado la acción

del agua en las corrientes tiende a moler la arcilla en partículas de tamaño más y más

pequeño. Luego, cuando el agua de la corriente comienza a tranquilizarse, algo de

material que transporta se deposita. Las partículas más gruesas naturalmente se

depositan primero, dejando las partículas finas todavía en suspensión en el agua. Cuando

se alcanza el agua quieta, las partículas restantes muy finas de arcilla se depositan. Caso

de un lago o como en nuestra provincia el Río Mendoza, en la zona de Lavalle,

encontramos depósitos de arcilla sedimentaria útil para la industria ladrillera y alfarera.

Las arcillas transportadas son corrientemente compuestas por material procedente de

distintas fuentes. En cada corriente son propensos a mezclarse entre sí fangos de

numerosas fuentes de erosión. Esto explica la constitución más compleja de la mayoría

de las arcillas secundarias comparadas con el caolín puro. Como podría esperarse, las

arcillas transportadas son propensas a contener hierro, cuarzo, mica y otras impurezas.

En las arcillas secundarias también se encuentran corrientemente materias carbonosas,

usualmente en forma de lignito, también musgos, líquenes, material en descomposición

que colaboran con la característica principal de las arcillas sedimentarias: su plasticidad.


4- 45 Las arcillas secundarias contienen, además, suficiente hierro, manganeso, titanio y otros

óxidos que hacen que se cuezan con un color anteado, marrón o rojo, y que la

temperatura de maduración sea corrientemente bastante baja (entre 900-950ºC).

Actividades



Responda el siguiente cuestionario:

a) ¿Participaste alguna vez en algún taller de cerámica?

b) ¿Podrías enunciar los productos cerámicos que conozcas?

c) ¿Qué tipo de cerámica te gusta?

d) ¿Has observado en tu vida cotidiana la cantidad de productos

cerámicos que te rodean? Mencione algunos

e) ¿Cuáles utilizas diariamente?

f) ¿Crees que la cerámica es un arte o una industria?

Subraya los conceptos claves, las afirmaciones, las definiciones y

otros elementos de relevancia.

Anota al margen un concepto que sintetice lo que cada párrafo

desarrolla o describe.

Interpretar el sentido de las palabras según el contexto de

producción del texto (Búsqueda en diccionario, internet)

Registra las dudas para preguntar al docente

Trabajo Presencial (comprensión del texto)

Analicen los diferentes párrafos.

Diluciden el sentido de los términos no conocidos del texto, con

ayuda del docente.

Planteen el tema del texto


4- 46 Planteen el tópico1 del texto

Trabajo Presencial (aspecto técnico)

Identificar objetos cerámicos a partir de la observación directa.

Realizar una aproximación a una técnica cerámica reconociendo las

características del material.

PETERSON, Susan, 1997. Artesanía y arte del barro. El manual completo del ceramista, Editorial Blume, Barcelona, p.12.

RHODES, Daniel, 1990. Arcilla y vidriado para el ceramista, Ediciones CEAC, S.A, Barcelona. Pag. 12, 20 a 23.

PETERSON, Susan, 2003.Trabajar el barro. Editorial Blume, Barcelona, p.22

1 Enunciar el tópico es evidenciar la orientación y el tratamiento particular del autor con respecto al

tema. Es una actividad inferencial, realizada por el lector. Es una actividad orientada a la síntesis, por lo

tanto es lícito formularlo con palabras propias.


4- 47 .

Texto 7

EL HACER PLÁSTICO

“Quería lograr una dialéctica entre la percepción que uno tiene del lugar en su totalidad

y la propia relación con el área en la que se camina. El resultado es una forma de medirse

a sí mismo contra la indeterminación del entorno. No me interesa en absoluto

contemplar una escultura que solamente se define por sus relaciones”.

“En los años 1967 y 1968, escribí una lista de verbos como medio para aplicar diversas

actividades a materiales no específicos. Enrollar, plegar, doblar, recortar, partir, desgarrar,

trocear, picar, cortar, desgajar […] El lenguaje estructuró mis actividades en relación con

los materiales, que tenían la misma función que verbos transitivos”. Richard Serra.

Dar un nombre

Comentan que James Watt perfeccionó la máquina de vapor mientras estaba sentado en

la cocina. Su madre vierte contenido de un paquete de harina sobre una mesa donde va

a preparar un pastel. Pero el muchacho no tiene ningún interés en ese pastel. El, un futuro

diseñador, está fascinado por la forma que aparece encima de la mesa. Por parecerle la

silueta de un volcán, llama a esta forma “Fujiyama” y ésa es su invención. El sigue el

ejemplo de Adán y Eva en el Paraíso, que dieron nombres a los animales y a las flores

cambiando de ese modo su conversación, y con ello su mundo.

La importancia de tener un nombre específico para algo me vino por primera vez cuando

estuve trabajando en una escultura de nieve con un grupo de inuites* en Quebec.

Siempre había pensado que la vida en la nieve eterna debía ser extremadamente aburrida

y sin color. Yo estaba al tanto sólo de dos clases de nieve: la nieve húmeda y la nieve seca,

aparte de ese desastre llamado aguanieve. Ahora bien, de los inuites aprendí que había

97 clases de nieve y lo más extraordinario, cada una tenía un nombre distintivo. Después

de aprender algunos de esos nombres, observé que muchas variedades de nieve

empezaron a existir en realidad para mí y que podría reconocer sus distintivas cualidades.

Daniel Marzona. “Arte minimalista” Ed.Tashen. 2009.


4- 48 Unos meses después de esta experiencia, ya de de vuelta en casa, caminando por las

playas del Mar del Norte, contemplando los ribetes de la arena hechos por el viento y el

retroceder del océano, me di cuenta de que a estas hermosas formas se les podía dar un

nombre “huellas”, y que además, en adición a ese nombre específico, se las podría

emplazar dentro de una categoría total de formas son el tema las que llamaríamos: “no

tocadas por las manos del hombre”. Estas formas, las que derivan de esta categoría, son

el tema de los capítulos que integran la primera parte de este libro.

Huellas, […] Apilar, Formar, Hacer, La Forma Entallada, Empaquetar, Hender- Escindir *,

Arrugar, Fluir, Plegar, Conectar, Anudar, Tejer, Agrietar, La forma Inflada, Lámina (Una

Forma Dada)[…] Adicionar-Sustraer[…]

“El arte no copia la naturaleza, sino que procede como ella”

Tomás de Aquino

J.J. Beljon “Gramática del Arte” Ed Celeste. Madrid. 1993

Glosario

Inuite: El término "esquimal", se considera despectivo, proviene probablemente

de "eskimantsik" denominación dada por las tribus Wabanaki, que significa "devoradores de carne

cruda". Ellos se designan como "inuit" ("hombres", "propietarios" de un lugar), en Alaska se

prefiere "yuit".

Hender: Atravesar, cortar.

Escindir: Separar, dividir.


4- 49 Actividades



Realice una lista de los conceptos destacados en negrita: escriba al lado

de cada verbo una actividad vinculada al mismo que haya realizado, o

imagine realizar, en relación al uso de distintos materiales.


Compartan las síntesis elaboradas.

Realicen un objeto o una escultura con diversos materiales a partir de

las palabras destacadas en negritas que figuran en los textos.


5- 50 Texto 8

LA EDUCACIÓN –A LO LARGO DE LA VIDA- ENCIERRA UN TESORO.

El informe a la UNESCO de la Comisión Internacional para la Educación en el Siglo XXI, presidida por Jacques Delors, analizó a fondo el concepto de educación a lo largo de la vida, presentándolo como una llave para el acceso a la nueva centuria. Esta concepción excede la mera distinción entre la educación básica y la educación permanente, se refiere a la noción de sociedad educativa en la que todo puede ser ocasión para aprender y desarrollar las capacidades del individuo.

Por supuesto, este concepto está más allá de la oferta tradicional de servicios educativos para la nivelación, la complementación o la reconversión de trabajadores adultos. Implica ofrecer oportunidades educativas “a todxs” y brindar oportunidades subsecuentes de acceso a la formación a partir del interés de las personas, bien sea para “satisfacer la sed de conocimientos, de belleza o de superación personal, o para perfeccionar y ampliar los tipos de formación estrictamente vinculados con las exigencias de la vida profesional, incluidos los de la formación práctica”.

El mencionado informe hizo explícitos los que llamó cuatro pilares de la educación, algunos de los cuales hacían ya parte de las prácticas pedagógicas de varias instituciones de formación de la región. Se trataba de aprender a conocer, aprender a ser, aprender a hacer y aprender a vivir juntos: tales principios hacen parte del concepto de educación a lo largo de la vida, una educación con el rol primordial de facilitar la adquisición, actualización y uso de conocimientos.

El informe llamó la atención sobre la necesidad de ordenar las distintas etapas de la educación, las transiciones entre ellas, su diversidad y la valorización de las distintas trayectorias. En resumen, la “educación a lo largo de la vida” debe aprovechar todas las posibilidades que ofrece la sociedad para responder al reto de un mundo que cambia rápidamente.

Esto implica que las diferentes etapas de la educación no estén siempre y definitivamente articuladas a los momentos de la vida de la persona. El niño necesita de la educación básica para desarrollar ciertas competencias, pero estas son un camino que le permitirá adquirir permanentemente nuevos conocimientos, desaprender aquellos que ya no requiere y adquirir otros más nuevos. Un adulto no siempre es una persona ya educada y, aunque lo fuera, la sociedad actual, el ritmo de cambio y las nuevas formas de conocimiento le van a exigir actualizarse, reconvertirse y en suma “aprender a aprender”. Es más, las formas de acceso al aprendizaje son ahora más variadas y comprenden distintos contextos.


5- 51 La disposición a aprender a lo largo de toda la vida.

El concepto de aprendizaje a lo largo de la vida no es unívoco; no se trata solo de la responsabilidad del aparato educativo por crear oportunidades de aprendizaje. Se trata también de la capacidad y disposición de las personas por adquirir continuamente nuevos conocimientos, se trata entonces de la habilidad de “aprender a aprender”, la cual hace parte de las competencias básicas o esenciales de las personas en esta sociedad del conocimiento.

Aprender a lo largo de la vida es también una disposición a ser desarrollada en las personas desde sus primeros años. La educación vista como una escalera de una única vía, siempre ascendente, no tiene más cabida en un concepto abierto de aprendizaje por toda la vida. La actualización, la reconversión y la necesaria apertura a nuevos conocimientos forman parte de las competencias básicas de las personas en la sociedad de la información y el conocimiento; ello configura una imagen de espiral ascendente, sí, pero que permite volver, aprender y desaprender de acuerdo con las necesidades y objetivos propios.

No se quiere entrar en la discusión terminológica sobre los conceptos “aprendizaje permanente” y “educación a lo largo de la vida”, pero hay que dejar marcado que el principio subyacente en ambas denominaciones es el de la continua adquisición o actualización de conocimientos, independientemente de la edad y la forma como se acceda; generando la necesidad, de un lado, de que exista una oferta (papel del Estado y los actores sociales) y, del otro –del individuo–, de que exista su disposición a aprender a aprender.

Esta necesidad de aprender, en cuanto se relaciona con el mundo del trabajo, adquiere un significado vinculado con el grado en que la disposición de competencias requeridas en dicho campo laboral es crucial para el empleo. Disponer de competencias acordes con la demanda de los puestos de trabajo continúa siendo clave en el éxito laboral, pero ahora tal requerimiento se ha tornado más dinámico, los empleos cambian, la forma en que se accede a ellos también, las tecnologías en uso lo hacen y las formas en que se organiza el trabajo, en que interactúan las personas, en que se dan y reciben instrucciones, se crean compromisos y se obtienen resultados, también varían y muy rápido.

Entonces, una clave en la posibilidad de mantener un acervo de competencias valiosas para el empleo es que exista una oferta permanente de conocimientos y cualificaciones. Otra clave es que la oferta esté complementada con la actitud del individuo por “aprender a aprender”, o sea, por aprovechar estas oportunidades y actualizarse permanentemente.


5- 52

Algunos desafíos en la formación a lo largo de la vida.

Como se ha venido exponiendo, los cambios en la tecnología y en la organización del trabajo y la rápida difusión de las TIC han generado un cambio en la demanda de competencias. Estas nuevas competencias tienen ahora un mayor contenido intelectual que manual y, por lo tanto, requieren mejores niveles de educación y formación a los trabajadores. Los nuevos empleos que se generan en la sociedad de la información y el conocimiento están requiriendo mayores competencias básicas y transversales que se compaginan con más altos logros educativos.

Estos cambios han convertido en realidad la idea del aprendizaje a lo largo de la vida como un imperativo en la preparación hacia el trabajo y la vida. Esta educación permanente ya no solo tiene como objetivo acumular años de logros académicos en las personas, que, como se vio, no necesariamente son buenos indicadores de competencia. El desafío para la educación y la formación radica en generar competencias para la vida, entre las que se incluyen los valores básicos de la ciudadanía y las competencias para la empleabilidad relativas a trabajar en equipo, adaptarse al cambio, mentalidad anticipadora, solución de problemas, trabajar con TIC, etc.

Es una necesidad también mantenerse abierto a las oportunidades de actualización y formación. Al respecto se podría ensayar el concepto educabilidad como la capacidad de la persona para acceder y beneficiarse de nuevos conocimientos y capacidades. Ello supone no solamente la voluntad de acceder a oportunidades de formación, sino también la capacidad para lograrlo. Esta capacidad deviene del acervo de competencias básicas disponibles por la persona y que la habilitan para incorporar nuevos conocimientos y habilidades, en suma, nuevas competencias.

Actividades:

Trabajo no presencial (individual)

Lea el texto de forma global. Subraya ideas principales. Contesta:

a) ¿Cuáles son los 4 pilares de la educación? ¿A qué crees que hacen referencia? Explica, da ejemplos de cada uno.

b) ¿Cómo perfila el autor al mundo actual? c) ¿Por qué es importante la educación a lo largo de la vida para

todxs? (Y no solo para una determinada franja etaria?


5- 53 d) ¿Qué habilidades hay que poseer para aprender a lo largo de la

vida? (Según el texto y según tu propia convicción).

Trabajo Presencial (grupal)

Debate colectivo sobre el texto con el/la docente. Reflexión por grupo sobre el texto. Puesta en común de ideas. Collage grupal: a partir de las ideas trabajadas realicen un collage en el

que se manifieste la toma de posición dentro del grupo sobre el texto abordado.

Apreciación colectiva de cada grupo que expone su trabajo.

Vargas, Fernando. (2010) Escenarios y tendencias en el mundo del trabajo y de la educación en el inicio

del siglo XXI: el nuevo paradigma del aprendizaje a lo largo de la vida y la sociedad del conocimiento: En B.

Asis y J. Panells (Coords.) Retos actuales de la educación técnico-profesional. (pp. xv-xxx). Madrid, España:

Editorial Santillana.


5- 54 Texto 9

LOS HUARPES EXISTIMOS

Cuando fui a la escuela, me discriminaron mucho por ser indígena. Éramos varios chicos

los hijos de laguneros y la mayoría de los maestros eran hijos de italianos, “gringos”, como

decían los viejos nuestros. A tal punto me discriminaron, que estuve en los tres cuadros

de honores para recibir la bandera, con buen puntaje, y no me la dieron porque yo era

hija de lagunero, era indígena. Yo había estudiado y había hecho mucho esfuerzo para

recibir la bandera. Pero no me la dieron. Después le tocó a mi hermana. Ella también

logró muy buen puntaje para la bandera y tampoco pudo recibirla: se la dieron al hijo de

un abogado. Entonces mi otro hermano, siendo muy chiquito, le dijo a mi papá: “Papi, yo

no voy a estudiar para recibir la bandera, no me interesa ser abanderado. Yo quiero ser

un ser humano, no quiero ser un indígena”. Hasta hoy nos acordamos de esa

conversación. Él lo decía con mucha convicción, quería que no lo discriminaran, que lo

reconocieran como ser humano. Hoy tiene 38 años y le decimos “ser humano”.

Jamás tuve vergüenza, tuve dolor, pon nunca me avergonzaba. Ahora, de grande, me han

discriminado, pero ya no me duele. En todo caso me puede dar un poco de bronca, pero

puedo pelearla, puedo discutir y puedo decir que la historia que ellos cuentan no es así.

El año pasado, un investigador nos discriminó y nos dijo que los Huarpes no existíamos,

que usábamos esto políticamente. Las radios en seguida empezaron a llamar a casa para

hablar con mi papá. El tuvo una respuesta muy sabia, dijo: “Que pena que este señor que

estudió tanto, tanta historia, sepa tan poco, porque los huarpes estamos”. Es todo lo que

dijo mi padre. “Nosotros, los huarpes, estamos”; eso solo dijo.

Noemí Jofré. (2008)

“Mujeres dirigentes indígenas

Relatos e historias de vida”

….”La escuela es muy ignorante de nuestra cultura y la ignorancia genera el

antirrespeto. Para que haya respeto tienen que haber conocimiento. ¿Por qué nuestros

abuelos respetaban a la Pachamama? Porque conocían, no era por hacerlo nomás.


5- 55 Conocían que la tierra había un tiempo en que tenía que descansar y otro que era para

sembrar. Y que cuando la tierra nos da nuestro alimento es como nuestra madre cuando

nos da la leche de sus mamas. Nosotros siempre estamos agradecidos a nuestra madre,

a nuestro padre que nos ha engendrado y a la tierra lo mismo, es un ser viviente más.

Ese conocimiento profundo no lo enseñan en la escuela. No lo enseñan por el mismo

hecho de que los que enseñan no conocen.

Primeras jornadas de Educación Intercultural en Jujuy. 2002.

Preparatorias de Abra Pampa

… “Es fundamental la relación de la comunidad con los docentes para charlar sobre

el tema, porque los docentes siguen sin saber la historia y las costumbres. Entonces

vamos a llegar a un acuerdo cuando nos reunamos, nos juntemos, y ahí hablaremos de

educación.

Primeras jornadas de Educación Intercultural en Jujuy. 2002.

Preparatorias de Susques

Actividades


Lea los relatos (Los Huarpes existimos, Primeras Jornadas de Educación

Intercultural)

Anote al margen apreciaciones personales sobre las frases más significativas

del texto.

Reflexione individualmente sobre la siguiente situación


5- 56 Usted ha tomado un cargo de docente de plástica en la escuela rural Antonio Silva,

ubicada en Barrancas, Maipú. La misma es una escuela con grados múltiples.

En la charla con el director antes de iniciar las clases, él le comenta que los chicos más

grandes, vienen trabajando el tema de identidad, “…en la zona existió un asentamiento

Huarpe, y los chicos han encontrado muchos restos cadáveres y todo…bueno llamamos

a patrimonio y con ellos y gente de la municipalidad están trabajando la recuperación

de la historia regional y su relación con la vida de ellos hoy”.

Pensando en la charla con ese director, reflexione honestamente sobre:

¿Qué conoce usted sobre los Huarpes hoy? En un pequeño escrito detalle sus

conocimientos al respecto

Ahora tome posición como docente de esa escuela y piense:

¿Cómo utilizaría los datos que le provee el director para su presentación los

primeros días de clase en el grado?

Detalle una serie de actividades a realizar a fin de ocuparse en sus clases de esa

realidad escolar.


Seleccionen algunos de los conceptos esenciales de los textos 8 y 9, y realicen

una produción plástica donde representen, o simbolicen la idea través de una

imagen utilizando materiales diversos.


5- 57 Texto 10

“MI ÚLTIMA OBRA ES UN MURO”

Joan Miró

Fue en 1955 cuando la Unesco me solicitó que participara en la decoración de sus nuevos

edificios que estaban construyéndose en la Plaza de Fontenoy, en Paris. La Organización

puso a mi disposición dos muros perpendiculares- el uno de 15 metros de largo y el otro

de siete metros y medio - que se habían erigido junto al edificio de conferencias. Yo

propuse decorarlos con mosaicos de cerámica y ejecutar mi obra en colaboración con

Llorens Artigas.

La estructura misma de los edificios, su aprovechamiento del espacio, las condiciones de

la luz, me sugirieron las formas y los colores de mis muros. Como una reacción contra las

inmensas paredes de cemento, se imponía para el muro mayor la idea de un gran disco,

de potente coloración rojiza. Su eco o su equivalente pictórico sobre el muro menor sería

una luna menguante de color azul, dictada por el espacio más restringido, más íntimo,

sobre el cual iba a reinar. (…)

Traté de dar una expresión de gran fuerza en el muro de mayor tamaño y una sugestión

más poética en el muro menor. De este modo dibuje y pinte algunas maquetas a la escala

de 1/100 que fueron sometidas a un comité especial y obtuvieron su aprobación.

La segunda etapa de mi trabajo fue la búsqueda que emprendí, en compañía de Artigas,

de los medios técnicos para la transposición de mi pintura a la cerámica. Ningún

ceramista se había enfrentado con una obra de semejantes dimensiones. Era necesario,

por otra parte, prever la resistencia del material a las diferentes temperaturas, a la

humedad y al calor excesivo del sol, ya que los dos muros estaban situados en el exterior,

sin protección alguna. Todos estos problemas eran arduos y solo Llorens Artigas podía

resolverlos. Como un antiguo alquimista buscaba las clases de arcilla, los esmaltes de

greda y los colores que debía utilizar. Esta búsqueda constituye una verdadera creación

(….).

Se nos ocurrió la idea de hacer un viaje a Santillana del Mar, para volver a contemplar las

célebres pinturas rupestres de Altamira y meditar delante del primer arte mural del

mundo. En la vieja iglesia románica de la Colegiata nos maravilló la belleza plástica de un

muro arcaico, carcomido por la humedad. Llorens Artigas no olvidaría ese muro al crear

la materia de los fondos de cerámica. Después (….) quisimos ponernos bajo el signo y la


5- 58 advocación de los artistas románicos catalanes y de Gaudí. El Museo de Barcelona

encierra admirables frescos románicos, cuya lección no he cesado de escuchar desde mis

primeros trabajos de pintor.

Finalmente fuimos a visitar al Gaudí del Parque Güell y allí embargó mi imaginación el

disco inmenso que se encuentra incrustado en el muro. Este encuentro lo interpreté

como una confirmación de mi idea y un estímulo a mi creación pictórica.

Artigas no estaba satisfecho con la materia de fondo y, por otra parte, la regularidad

geométrica de los mosaicos le parecía peligrosa para la calidad artística y la vida misma

de la obra. Fue entonces cuando recordó el muro de la Colegiata y volvió a encontrar una

maravillosa sensibilidad en sus ensayos. Asimismo, los muros de la antigua capilla de

Gallifa nos abrieron los ojos. Había que rehacerlo todo con mosaicos de dimensiones

diferentes. Esta experiencia infortunada nos costó cuatro toneladas de tierra, 250 kilos

de esmalte y diez toneladas de leña, sin contar el trabajo y el tiempo empleados.

Habíamos encontrado por fin la estructura de los mosaicos y la materia que debía servir

como fondo; así, el primer cocimiento se llevó a cabo sin incidentes (…). Pero, a pesar de

todas las precauciones que se puedan tomar, el amo de la obra es en última instancia el

fuego: su acción es imprevisible y su sanción tremenda. (…) Existía una dificultad

suplementaria: las grandes dimensiones de la superficie que yo debía pintar. Ciertas

formas y líneas debían ser trazadas con un solo movimiento para conservar su dinamismo

y su espontaneidad original. Me serví para ello de una escoba de fibras de palmera.

Artigas contuvo la respiración cuando me vio asir la escoba para trazar formas de cinco

o seis metros, corriendo el riesgo de perder el trabajo de muchos meses.

Noviembre de 1958

JOAN MIRÓ (1893-1983), pintor español, es uno de los grandes artistas plásticos de este siglo. En su

juventud participo en el movimiento surrealista en Paris, donde vivió largos años. Por encargo de la

Unesco realizo dos murales, a los que el pintor dio el título de El muro del Sol y El muro de la Luna y de los

que habla en el artículo aquí reproducido

Fragmentos de un texto publicado previamente en la revista Derriere le miroir (Nos 107, 108, 109) Maegt, Paris, 1958


5- 59

Actividades



Subraye los nombres de artistas y obras de arte que se mencionan.

Busque y observe imágenes de las obras y artistas marcados. (laminas,

revistas, internet, etc)

Trabajo grupal (presencial)

Analicen junto a los docentes la obra de pintura mural de la fachada de

nuestra institución: preceso de organización del proyecto, elaboración de

imágenes, gestión de recursos, pintura directa sobre el muro, entre otros.

Elaboren en grupo una composición plástica colectiva con características de

mural a partir del tema “Educación”, ensamblando de manera coherente y

creativa las producciones realizadas en el encuentro anterior.


6- 60 Texto 11

DOMINGO POR LA TARDE

Vincent Van Gogh

… ¿Qué es dibujar? ¿Cómo llegar a un resultado? Es preciso pasar a través de un muro de

hierro invisible que parece levantarse entre aquello que uno siente y aquello de lo que es

capaz. ¿Cómo pasar a través de ese muro?, porque arrojarse contra él no sirve de nada,

a mi parecer; es preciso minar y limar el muro, poco a poco con paciencia, pero, ¿cómo

proseguir asiduamente un trabajo semejante sin dejarse perturbar o distraer, a menos

que se reflexione y se ordene la vida en base a ciertos principios?, En los otros dominios

sucede lo mismo que en el del arte. Lo sublime no es un efecto de azar, es preciso

quererlo realmente. Decidir si, en el punto de partida, los actos deben conducir al hombre

a los principios, o si los principios deben conducirlo a los actos, me parece tan imposible-

y tan vano- como decidir si la gallina ha precedido al huevo o inversamente. Pero lo que

considero más positivo y de la mayor importancia, es tratar de desarrollar la voluntad y

la fuerza del pensamiento. Siento mucha curiosidad por saber si tú descubrirás cualidades

en las figuras que he dibujado en estos días, cuando en algún momento los veas. También

en este dominio se encuentra el problema de la gallina y el huevo: ¿es preciso dibujar

figuras para usarlas en una composición concebida previamente, o bien es preciso juntar

las figuras dibujadas separadamente de tal manera que la composición las absorba?

Pienso que lo mismo da, a condición de trabajar. Termino retomando la conclusión de tu

carta: nosotros tenemos en común el hecho de que nos gusta echar una mirada detrás

de los bastidores, o dicho de otro modo, estamos dispuestos a analizar las cosas. Creo

que es esta la cualidad que es preciso tener para pintar, es preciso poner esa facultad

cuando se pinta o se dibuja. Aún cuando tenemos algunas aptitudes naturales (tú las

tienes, y yo también; quizá las debemos a nuestra juventud pasada en el Bramante y a un

medio que ha contribuído, más de lo que generalmente ocurre, a ensenarnos a pensar),

sólo más tarde, mucho más tarde se desarrolla y madura el sentido artístico, gracias al

trabajo.

… Estoy de acuerdo contigo acerca de lo que dices de mis pequeños dibujos; por ejemplo,

que el del banco está hecho a la manera antigua. Lo traté así más o menos

conscientemente, y es posible que todavía lo haga. Aunque numerosos cuadros y dibujos

concebidos expresamente para volver delicado y armonioso el gris y el color local, me


6- 61 parezcan hermosos y magníficos, creo sin embargo que muchos artistas, que persiguen

menos expresamente esa meta, que ahora se los considera como pasados de moda, se

mantienen siempre sanos y jóvenes, porque su procedimiento tenía y todavía tienen su

razón de ser.

A decir verdad, no querría abstraerme ni de la concepción pasada de moda ni de la nueva

concepción. Hay demasiadas cosas fuera de lo común en las dos corrientes como para

que pueda sistemáticamente conceder mis preferencias a una u otra. Los cambios

realizados por los jóvenes en el dominio del arte no son mejores en todos los sentidos;

no todo es progreso, ni por lo que respecta a la obra, ni por la lo que respecta a la

personalidad de los artistas, y a menudo tengo la impresión de que muchos pierden de

vista su punto de partida y su objetivo, o dicho de otro modo que no se mantiene con

firmeza.

Querido Theo:

Otra vez domingo, y el tiempo está lluvioso, como de costumbre. Además, esta semana

tuvimos una tempestad, y las hojas escasean sobre los árboles. Te aseguro que me felicito

por haber instalado la estufa. Cuando esta mañana me decidí a clasificar mis dibujos,

quiero decir los estudios sobre modelos que he hecho desde tu visita, conté más o menos

un centenar (sin contar los estudios más viejos, ni los dibujos diseminados en mi libreta

de croquis).

Cito ese número, porque recuerdo que me preguntaste, cuando tu visita, si tenía otros

estudios además de los dibujos que entonces viste. Ignoro si todos los pintores trabajan

tanto como yo, incluso aquellos que miran mi obra desde lo alto de su grandeza, al punto

que no se dignan a concederle la más mínima atención. Ignoro igualmente si conocen

mejor manera que trabajar con un modelo, aunque no lo hagan bastante, a mi parecer.

Ya te escribí más de una vez que no logro comprender por qué no usan más modelos. (Es

evidente que no me dirijo a hombres como Mauves e Israels- este último hasta da el

ejemplo admirable de no trabajar más que con modelos-, sino más bien a señores como

De Bock y Breitner, por ejemplo). No volví a ver a este último desde el tiempo en que iba

a visitarlo al hospital, cuando estaba enfermo; por casualidad supe que había sido

nombrado profesor en una escuela comunal, pero no me ha vuelto a dar señales de vida.

Esta semana recibí una carta de Rappard en la que dice que se asombra, también de él,

de la manera como muchos artistas se comportan con él. En efecto, le rechazaron una

tela en Arti. Sólo diré lo siguiente, ¿es justo que no hagan ningún caso de pintores como


6- 62 él y yo? Porque te aseguro que él trabaja bien, este verano permaneció en Drenthe, luego

trabajó un tiempo en el hospicio para ciegos de Utrecht. Me alegra saber que hace

experiencias del tipo de las que yo hago.

…Me parece que si queremos consagrarnos a las figuras, debemos incubar en nuestros

corazones esa sensibilidad calurosa que Punch define en la leyenda de su grabado de

Navidad: “Benevolencia para todos”, es decir amar realmente a todos los seres humanos.

Me propongo hacer todo lo que pueda para vibrar lo más posible en esa nota.

Es por eso que lamento tanto que mis relaciones con los pintores no anden bien, y que

parezca imposible reunirse amigablemente en un día lluvioso como hoy, alrededor de la

estufa, para mirar dibujos o reproducciones, y para infundirse ánimo mutuamente.

¿Puedo preguntarte si se encuentran reproducciones baratas de Daumier en el comercio,

y cuáles? Siempre le he reconocido mucho talento, pero desde hace poco adivino que es

más notable de lo que creía. Si conoces detalles interesantes sobre él o sus dibujos más

importantes, te agradecería que me informes. En otros tiempos vi caricaturas hechas por

él, y puede que me hayan inducido a formarme una idea inexacta de su obra. Sus figuras

me impresionan siempre en el más alto grado, pero creo que no conozco más que una

ínfima parte de su obra, y que las caricaturas, por ejemplo, no son por cierto sus

creaciones más notables, ni las más importantes.

Van Gogh, Vincent. Cartas a Theo. Buenos Aires, Editorial y Librería Goncourt 1980. Traducción de Victor. A Goldstein.

Esta carta fue escrita en 1882. Theo era hermano del pintor, también era artista y su mecenas.


6- 63 Actividades

Trabajo individual (no presencial)

Lea atentamente el texto 11

Destaque aquellas frases o párrafos significativos

Marque los párrafos o palabras de difícil comprensión. Para

comentar y analizar en la instancia presencial.

Trabajo Grupal (Presencial)

Identifique con ayuda del professor la estructura y las

caracterísiticas de una carta.

Veamos la estructura de una CARTA

La estructura de la carta debe adecuarse en cada caso a nuestras necesidades y, sobre

todo, a las necesidades del lector.

Al analizar la estructura de una carta, debemos tener en cuenta tres partes principales:

1. Inicio.

2. Cuerpo de la carta.

3. Cierre

Además en la parte superior de la carta, deben indicarse los datos del destinatario y del

remitente.

El inicio de las cartas

Los elementos que configuran el principio y el final de la carta determinan, en gran

medida, su tono y estilo. Existen diversos elementos que configuran el comienzo del

escrito:

http://www.xuletas.es/ficha/la-carta/


6- 64 La fecha

En las cartas, la fecha suele situarse en el margen superior derecho del documento,

aunque no existe una norma al respecto.

Se coloca el lugar desde donde se escribe: Mendoza, 4 de junio de 2000

El saludo o encabezamiento

El saludo o encabezamiento se escribe debajo de los datos del destinatario y del

remitente.

Siempre que sea posible, personalizaremos nuestros envíos (Estimado Sr. Gómez,

Estimada Sra. Gómez).

Querido amigo / Querida amiga / Estimada amiga / Estimados amigos

El cuerpo de la carta

El cuerpo de la carta está constituido por el mensaje en si. Es fundamental que esté

redactado de forma clara y adecuada para que nuestro mensaje cumpla su función.

En primer lugar, es importante cuidar el estilo de nuestra redacción.

Evitar el empleo del gerundio al comienzo de la frase (Respondiendo a su carta del día...).

Emplear construcciones sintácticas ordenadas (sujeto, verbo y complementos): Ej: Nos

ponemos en contacto con usted para informarle...

El resto del cuerpo de la carta dependerá del mensaje que queramos transmitir y ha de

adecuarse a las necesidades y expectativas de nuestros lectores.

El cierre de las cartas

No existen unas normas rígidas para concluir una carta, aunque siempre debemos hacerlo

de forma que guarde relación con el saludo o encabezamiento empleado.

La despedida

Evitar el empleo del gerundio al comienzo de la frase

Concluir con un mensaje positivo y alentador, incluso en aquellas cartas cuyo

contenido sea negativo

Cerrar la carta con un mensaje directo, conciso y sin circunloquios (Esperamos

colaborar con ustedes en un futuro próximo. Hasta entonces...

La firma


6- 65 La posdata es un elemento opcional en las cartas. Se coloca después de la firma y

separada de esta por un interlineado amplio. Se introduce con las iniciales P.D. o P.S.

(post scriptum) y tiene por objeto introducir un mensaje o recordatorio.


6- 66 «(…) el arte capacita a un hombre o a una mujer para no ser un extraño en su

medio ambiente ni un extranjero en su propio país. El arte supera el estado de

despersonalización, insertando al individuo en el lugar al que pertenece»

(Ana Mae Barbosa)

Profesores que elaboraron el cuadernillo de ingreso:

Mediación, procesamiento

y coordinación general:

Prof. Esp: Carolina Eva Martínez

Prof. Marta Paz

Mediación y procesamiento

del material didáctico:

Prof: Matilde Ojeda

Prof: Verónica Aguirre

Prof: Sergio Maure

Prof: Silvina Negri

Prof: Carina Osorio

Prof: Rosana Quiroga

Prof: Sergio Rosas

Prof: Natalia Ziperovich

cuadernillo de ingreso - ens9002-mza.infd.edu.ar · docente ni los alumnos podrían haber imaginado...

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