Comentario de imágenes del Renacimiento (… y Parte 4) 20. LA ANUNCIACIÓN (FRA ANGÉLICO, 1430-1432)

Es la tabla central de un retablo. Las dos figuras se disponen bajo una arquitectura propiamente renacentista, con un rayo de luz, que parte de la mano de Dios y la paloma del espíritu santo dirigiéndose a María. A la izquierda aparece un jardín donde están Adán y Eva, al ser expulsados del paraíso. La trinidad se completa con el busto de Jesús, representado en el medallón central. El tema es de fuerte arraigo en Florencia. Muestra novedades del renacimiento como la perspectiva que da profundidad en el jardín y la habitación abierta de María. En la predela aparecen escenas de la vida de la Virgen. Se trata de una obra que utiliza nuevos

recursos de la pintura del renacimiento como la perspectiva, con otros del pasado gótico como los dorados o el tratamiento del tema de la anunciación. El cuadro fue pintado para la Iglesia de Santo Domingo (Florencia). Llegó a España como regalo al Duque de Lerma, valido de Felipe III, y actualmente se expone en el Museo del Prado. Giovanni da Fiesole (1387-1455) se caracteriza por sus pinturas de suave luz, de ahí su sobrenombre de FRA ANGÉLICO . Entendía el arte como medio de comunicación con Dios y fue beatificado por Juan Pablo II. Trabajó principalmente como decorador del convento de San Marco en el que residió y en el Vaticano. No olvides hablar de : Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Quattrocento italiano), Título/Obra (La Anunciación), Autor (Fra Angélico), Situación (Museo del Prado, España), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura gótica anterior, situando a Fra Angélico cronológica y estilísticamente comparándolo con la obra de otros pintores del Quattrocento), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte). 21. LA TRINIDAD (MASACCIO, 1427)

Fresco en Santa Mª Novella (Florencia) siendo una de las primeras veces que se hace uso de la perspectiva lineal. La composición se flanquea con dos pilastras y arco con enjutas. En el centro, Dios-padre ofreciendo a su hijo. Jesús crucificado, y entre ellos, la paloma del espíritu santo (completándose la Trinidad). A los lados, San Juan y la Virgen que miran hacia fuera de la escena. Fuera del espacio arquitectónico, dos figuras (donantes) arrodillados, y en la zona baja, un altar con un sarcófago y un esqueleto, símbolo de la muerte inevitable, y la

leyenda: FUI LO QUE TÚ ERES Y LO QUE YO SOY TÚ SERÁS. La obra se caracteriza por sus grandes contrastes cromáticos, la unidad de toda la composición y el perfecto uso de la perspectiva lineal. Tommaso di Ser Giovanni, llamado MASACCIO (1401-1429) fue en su corta vida uno de los primeros revolucionarios de la pintura del Renacimiento. Muy admirado por sus coetáneos, desarrolló con sus estudios de matemáticas, el uso de la perspectiva. No olvides hablar de : Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Quattrocento italiano), Título/Obra (La Trinidad), Autor (Masaccio), Situación (Iglesia de Santa María Novella en Florencia, Italia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura gótica anterior, sobre todo con el precedente de Giotto, situando a Masaccio cronológica y estilísticamente comparándolo con la obra de otros pintores del Quattrocento), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte). 22. CRISTO YACENTE (MANTEGNA, 1480)

En esta obra, el pintor de Pádova demuestra un claro ejemplo de las características de sus obras inspirado en Donatello, sus figuras son escultóricas, pétreas. Mantegna sorprendió y escandalizó con este alarde de dominio de la perspectiva y la proyección geométrica. Aplicando leyes matemáticas, Mantegna dibujó un cuerpo según el canon renacentista, perfectamente proporcionado, y lo proyectó hacia un punto de fuga central que nos muestra un violento escorzo del cadáver de Cristo. La muerte se abalanza sobre el espectador, que pueden contemplar simultáneamente las llagas de los pies, los

pliegues del sudario, el vientre hundido, las llagas de las manos y la patética faz de Jesús, con los labios entreabiertos y la piel amoratada. A los lados, la virgen María, San Juan y un tercer rostro anónimo lloran la muerte. Al fondo una vasija de aceites que manifiesta el cercano entierro. Considerada la obra maestra de Mategna se expone en la Pinacoteca de Brera (Milán). ADREA MANTEGNA (1431-1506). Demostró siempre interés por la perspectiva. Trabajó principalmente en Pádova y Mantua. Esta obra significa uno de los hitos más importantes de la pintura universal. No olvides hablar de : Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Quattrocento italiano), Título/Obra (Cristo yacente), Autor (Mantegna), Situación (Pinacoteca de Brera en Milán, Italia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura gótica anterior, situando a Mantegna cronológica y estilísticamente comparándolo con la obra de otros pintores del Quattrocento), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte). 23. EL NACIMIENTO DE VENUS (BOTTICELLI, 1485)

El cuadro trata sobre la llegada de Venus, diosa del amor y la belleza, a la isla de Citerea donde llegó tras nacer de la espuma del mar, según La Metamorfosis de Ovidio. En la orilla, la primavera, una de las estaciones, la espera para arroparla con un manto. A la izquierda, Céfiro, el viento del Oeste, abrazado a su esposa Flora, diosa de las flores perpetuas soplan el viento que arranca las rosas.

La belleza es un don divino, el mito se convierte en expresión del neoplatonismo , según el cual el ser humano debe buscar la unidad de la belleza, el amor y la verdad que en el cuadro se identifican con los tres elementos (tierra, mar y aire) y la unidad en la figura de Venus que metafóricamente llega a Florencia. Pero no es solo una exaltación pagana de la belleza femenina; entre sus significados implícitos se encuentra también el de la correspondencia entre el mito del nacimiento de Venus desde el agua del mar y la idea cristiana del nacimiento del alma desde el agua del bautismo. La belleza que el pintor quiere exaltar es, antes que nada, una belleza espiritual y no física. La obra destaca por sus colores suaves, la luz uniforme y los contornos nítidos. Las 4 figuras se interrelacionan. El viento sopla sobre Venus, que se desplaza hacia el abrazo de la Primavera. El paisaje es un marco idealizado con la belleza de la diosa. La obra supuestamente encargada por los Médicis, decoró la Villa de Castelo en Florencia. Actualmente se expone en la Galería de los Uffizi. SANDRO BOTTICELLI (1444-1510), se inició como orfebre hasta entrar en el taller de Lippi. Recibió encargos de los Médicis y del Vaticano, donde pintó alguna pared de la capilla sextina. Su obra se interesa más por la belleza y la idealización, técnicamente es muy importante el dibujo y rescata los temas mitológicos para la pintura. No olvides hablar de : Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Quattrocento italiano), Título/Obra (Nacimiento de Venus), Autor (Sandro Botticelli), Situación (Galería

de los Ufizzi en Florencia, Italia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura gótica anterior, situando a Botticelli cronológica y estilísticamente comparándolo con la obra de otros pintores del Quattrocento), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte). 24. ENTREGA DE LAS LLAVES A SAN PEDRO (PERUGINO, 14 80-1481)

Su gran fama lo llevó a ser llamado por el Vaticano para decorar con frescos los muros laterales de la capilla Sixtina, donde actuaron otros autores como Botticelli o Ghirlandaio, con temas sobre la vida de Moisés y la de Cristo. Perugino realiza este pasaje del evangelio de Mateo en el que Pedro, arrodillado frente a Cristo, recibe las llaves del reino de los cielos, símbolo de la soberanía y del primer vicario de

Dios en la tierra. En el fondo para dar profundidad, el templo de Jerusalén con formas renacentistas y dos arcos del triunfo que imitan al de Constantino. En segundo plano se hallan descritos otros dos episodios evangélicos: pago del tributo y la tentativa de lapidación de Cristo. En el personaje con la gorra negra y melena oscura se ha querido ver un autorretrato del autor. Pietro di Cistóforo, il PERUGINO (1448-1523) se formó en Florencia en el taller de Verrochio, influenciado por Piero Della Francesca en cuanto a los fondos arquitectónicos y paisajes. Maestro de Rafael, sus obras más importantes las hizo en las paredes de la Capilla Sixtina. No olvides hablar de : Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Quattrocento italiano), Título/Obra (Entrega de las llaves a San Pedro), Autor (Il Perugino), Situación (Capilla Sixtina en El Vaticano, Italia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura gótica anterior, situando a Perugino cronológica y estilísticamente comparándolo con la obra de otros pintores del Quattrocento y con la obra de Rafael, ya del Cinquecento, principalmente los Desposorios de la Virgen), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte).

25. LA VIRGEN DE LAS ROCAS (LEONARDO, 1483-1486) Se trata de la primera versión que sobre el tema hace Leonardo (posteriormente en 1492, realizará una nueva versión que se conserva en la National Gallery de Londres) destinada para la Iglesia de San Francisco el Grande de Milán y que hoy se conserva en el Louvre (París). Es un perfecto ejemplo de armonía renacentista, englobando las figuras en una composición triangular (considerada la más perfecta de la época), cuyo vértice es la

Virgen, a sus lados Jesús y San Juan niños, y al lado el ángel Uriel que señala quién es el Mesías. En esta obra se desarrolla ya perfectamente el sfumato , lo que se une a la luz tenebrosa de la cueva, creando ese ambiente característico de luces difusas y contornos que se difuminan que dan una mayor y más realista profundidad. Al uso de la perspectiva aérea, añadir la depurada y virtuosa técnica del autor, como el trabajo magistral para la mano de María. Además es interesante por la relación psicológica y gestual de todos los personajes y que redondea ese realismo que se buscaba. LEONARDO DA VINCI (1452-1519) Destacó ampliamente en todos los campos del saber. Inició su formación en el taller de Verrochio, y su actividad científica hizo que su producción artística no fuera muy extensa. Destaca su faceta de pintor por la aportación del nuevo sistema de perspectiva, la aérea, conseguida por la técnica del sfumato, de ahí el aire misterioso de sus cuadros. No olvides hablar de : Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Cinquecento italiano), Título/Obra (La Virgen de las Rocas), Autor (Leonardo da Vinci), Situación (Museo del Louvre en París, Francia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura anterior del Quattrocento y con la obra de los otros dos genios del Cinquecento, Rafael y Miguel Ángel), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte). 26. LA GIOCONDA (LEONARDO, 1503-1505)

Tal vez el retrato más famoso del mundo, representa a la esposa de Francesco del Giocondo, llamada Lisa y más conocida como Mona Lisa, aunque no está clara su verdadera identidad. Es un típico retrato renacentista de busto que se prolonga hasta los brazos, con una composición triangular, tocada con un velo (símbolo de castidad propia de las esposas) pero algunos elementos lo hace muy distintos. Primero el uso del sfumato que envuelve a la figura en un halo de misterio. El paisaje que lo enmarca es inquietante, parece independiente del retrato ya que la línea de horizonte no coincide a ambos lados creando dos planos de visión. Además la expresión ha dado al cuadro su fama mundial, el claroscuro en los ojos y la comisura de los labios le imprimen

una ambigüedad como si el tiempo se hubiera detenido en su misteriosa sonrisa. El retrato fue encargado en 1503, pero no es seguro que Leonardo llegara a entregarlo, ya que siguió retocándolo durante años. Adquirida por el rey Francisco I de Francia, actualmente se conserva en el Museo del Louvre. No olvides hablar de : Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Cinquecento italiano), Título/Obra (Gioconda o Monna Lisa), Autor (Leonardo da Vinci), Situación (Museo del Louvre en París, Francia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura anterior del Quattrocento y con la obra de los otros dos genios del Cinquecento, Rafael y Miguel Ángel), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte).

27. LA ÚLTIMA CENA (LEONARDO, 1494-1497)

Fresco para decorar el refectorio de la iglesia de Santa Mª delle Grazie (Milán) encargado por Ludovico el Moro. Desgraciadamente, Leonardo experimentó con óleo sobre yeso y de ahí su gran deterioro. Representa una escena horizontal de gran teatralidad. En el centro Jesús, y sus lados, seis y seis apóstoles, agrupados de tres en tres. Destaca el primer grupo a la derecha de Jesús, formado por Pedro que se inclina sobre San Juan, y Judas Iscariote que termina de formar el grupo. La composición, que puede parecer casual, está muy estudiada, destacando Jesús en el centro con composición triangular y con espacio entre los apóstoles que lo hacen una figura aislada y destacada. El momento es dramático, justo después de anunciar Jesús que va a ser traicionado por uno de ellos. Usa una arquitectura y ventanas por las que se aprecia el paisaje para dar profundidad, pero la escena está iluminada por una luz artificial y uniforme en la que usa el sfumato. No olvides hablar de : Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Cinquecento italiano), Título/Obra (La Última Cena), Autor (Leonardo da Vinci), Situación (Santa Mª delle Grazie en Milán, Italia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura anterior del Quattrocento y con la obra de los otros dos genios del Cinquecento, Rafael y Miguel Ángel), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el

Arte). 28. MADONNA DEL GRAN DUQUE (RAFAEL, 1504) Al poco tiempo de llegar a Florencia, Rafael pinta una serie de vírgenes con niño entre las que destaca ésta, encargada por los Médicis. En el cuadro, aparece la Virgen con vestido rojo y manto azul, de pie, sosteniendo al niño, sobre un fondo totalmente negro. Se trata de una de las obras más

sencillas del autor, donde sólo los cuerpos en una ligera rotación se contraponen. En Florencia, Rafael había aprendido el sfumato de Leonardo y lo aplica en el cuadro, que junto a su maestría en el modelado, dan a sus personajes verdadera apariencia divina. La obra fue adquirida en 1799 por Fernando III, Gran Duque de la Toscana, que jamás se separaría de él en vida y pasó a formar parte de la colección del Palacio Pitti, donde se expone en la actualidad. No olvides hablar de : Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Cinquecento italiano), Título/Obra (Madonna del Gran Duque), Autor (Rafael Sanzio), Situación (Palacio Pitti en Florencia, Italia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura anterior del Quattrocento y con la obra de los otros dos genios del Cinquecento, Leonardo y Miguel Ángel), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte). 29. LA ESCUELA DE ATENAS (RAFAEL, 1510-1511)

Forma parte de los frescos que Julio II encarga para decorar las estancias del Vaticano, en concreto la Signatura, biblioteca privada del Papa. En ella, pinta La Disputa del sacramento y la Escuela de Atenas. La obra representa la filosofía, justo en la pared donde se situaban los libros de esta materia. El espíritu del Renacimiento en búsqueda de la verdad, representando a los sabios de la Antigüedad e identificándolos con los artistas del Renacimiento, dignificando su labor. La escena se desarrolla en un marco arquitectónico inspirado en los proyectos de Bramante para San Pedro, con una perfecta perspectiva. En el centro las figuras de Platón (retrato de Leonardo) sosteniendo el Timeo y Aristóteles con la Ética. Alrededor, grupos de personajes entre los que destacan Miguel Ángel como Heráclito, pensativo sobre un bloque de piedra. Pitágoras (matemática y música) que escribe sobre una tabla, Diógenes que había renunciado a todos los bienes, se despereza sobre la escalera. Sócrates explica sus teorías a su discípulo, Alejandro Magno. Ptolomeo, de espalda sosteniendo el globo

terráqueo, y junto a él, mirando al espectador, el propio Rafael, junto a su maestro Perugino, de blanco. Con esta obra, Rafael cambia su estilo, su luz es diáfana, colores suaves y sus composiciones son más dinámicas, con grupos de personajes que se mueven y adoptan incluso posiciones forzadas que caminan hacia el manierismo. RAFAEL SANZIO , de Urbino (1483-1520). Hijo de pintor se forma entre otros talleres en el de Perugino. Primero trabaja en Florencia y aprende de Miguel Ángel (los cuerpos) y Leonardo (esfumado). En 1508, se traslada a Roma trabajando para el Vaticano como pintor (decorador y retratista) y arquitecto. Murió repentinamente con 37 años, pero dejando un legado suficiente para ser apodado el Divino. No olvides hablar de : Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Cinquecento italiano), Título/Obra (La Escuela de Atenas), Autor (Rafael Sanzio), Situación (Estancias Vaticanas, Roma, Italia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura anterior del Quattrocento y con la obra de los otros dos genios del Cinquecento, Leonardo y Miguel Ángel), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte). 30. LA CREACIÓN DE ADÁN (CAPILLA SIXTINA, MIGUEL ÁN GEL, 1508-1512)

Encargo de Julio II para la capilla levantada por Sixto IV, que ya estaba decorada en los muros laterales con dos ciclos: La historia desde Moisés hasta Cristo y la historia a partir de Cristo. Para la bóveda Miguel Ángel concibe la historia desde la Creación hasta Moisés para completar el ciclo narrativo. Divide la bóveda de cañón con arcos fajones simulados en 9 tramos con escenas del Antiguo Testamento, además dos falsas cornisas que dan resultado de recuadros con temas secundarios (profetas y sibilas). La escena más famosa es la Creación de Adán, representa el momento justo anterior, Dios desde el cielo, envuelto en una nube de ángeles, se acerca Adán, que desde la tierra, levanta su mano débil, para recibir la vida. Es una escena conmovedora que ha pasado a la Historia como la imagen universal de Dios.

A pesar de no recibir el encargo con agrado, M.A. dedicó en exclusiva 4 años de su vida. Realizó numerosos bocetos para imprimir a sus figuras la terribilitá de su escultura, figuras forzadas, desequilibrantes, y volviendo triunfante al desnudo de la Antigüedad. Utilizó colores manieristas, fuertes y luminosos, con pinceladas libres y enérgicas. Miguel Ángel logró una obra descomunal, cumbre de la pintura de todos los tiempos. No olvides hablar de : Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Cinquecento italiano), Título/Obra (La Creación de Adán), Autor (Miguel Ángel Buenarroti), Situación (Capilla Sixtina, Roma, Italia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura anterior del Quattrocento y con la obra de los otros dos genios del Cinquecento, Leonardo y Rafael, y con la pintura Manierista), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte). 31. EL JUICIO FINAL (CAPILLA SIXTINA MIGUEL ÁNGEL, 1535-1541)

Gracias al maravilloso resultado de la obra de Miguel Ángel en la bóveda de la capilla, años más tarde los papas Clemente VII y Pablo III le encargan pintar el testero de la capilla con el tema del Juicio Final. Inspirándose en obras como el Apocalipsis de San Juan y la Divina Comedia de Dante, el autor inicia la obra. La composición son dos planos superpuestos: arriba el cielo, abajo la Tierra. Toda la escena está en movimiento en torno a la figura central de Dios, como un dios clásico. La profundidad desaparece y todo se desarrolla en un cielo azulado con figuras en primer plano que destacan por sus desnudos volumétricos y expresivos (como las esculturas de su autor).

En el centro Cristo Juez, junto a María, dictamina el destino de los hombres. Rodeado de Apóstoles y Santos, algunos identificables por sus atributos, y bajo ellos, los ángeles. En el plano terrestre, a la derecha de Dios, los bienaventurados ascienden al cielo (algunos resucitan), mientras a la izquierda, los condenados son arrojados a las tinieblas, trasladados en la barca de Caronte, y entre ellos el rey Minos, juez infernal y rey despiadado. Toda la composición es un torbellino que se aleja del orden y serenidad renacentistas, el repertorio de formas es la principal fuente de inspiración del manierismo y el color destaca por su oposición a cualquier armonía, vivos y contrastando luces y sombras. Antes de ser acabada la obra fue criticada por los prelados del Papa, ya que sus desnudos no eran dignos del lugar. Miguel Ángel no respondió, sólo pintó, y representó al más vehemente de sus críticos, Blas de Cesena, en el rostro del rey Minos, y él se autorretrató en la piel desollada de San Bartolomé.

En 1541, se mostró el resultado final y sólo cinco años después se censuraron los desnudos, encargándose a Daniel de Volterra tapar las vergüenzas de las figuras, lo que le valió el apodo de Il Braghetone. No olvides hablar de : Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Cinquecento italiano), Título/Obra (El Juicio Final), Autor (Miguel Ángel Buenarroti), Situación (Capilla Sixtina, Roma, Italia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura anterior del Quattrocento y con la obra de los otros dos genios del Cinquecento, Leonardo y Rafael, y con la pintura Manierista), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte). 32. CARLOS V A CABALLO EN MÜHLBERG (TIZIANO, 1548)

Es un retrato ecuestre donde se muestra al emperador como un soldado de Cristo en lucha contra el protestantismo. Tras la victoria en 1548, encarga este cuadro a Tiziano. Siguiendo una composición clásica que rememora antiguos retratos romanos, el autor hace un estudio profundamente psicológico del personaje que se muestra sereno e impasible. Con rigor histórico pinta con todo detalle la valiosa armadura de Carlos V tallada en oro y plata. Tras él, se abre un bosque de luz rojiza frente al río Elba donde se desarrolló la batalla. Tiziano protegido por Carlos V y su hijo Felipe II, fue el retratista oficial de la Casa Real Española. Maestro del color y captación de la psicología del retratado, sus obras están llenas de solemnidad. También para la monarquía española pintó cuadros mitológicos y religiosos, por ello, que

muchas de sus obras como ésta se expongan en el Museo del Prado. No olvides hablar de : Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Cinquecento italiano, Escuela Veneciana), Título/Obra (Carlos V en Mülberg), Autor (Tiziano Vecellio), Situación (Museo del Prado, España), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura del Quattrocento y Cinquecento en Italia, situando además a Tiziano cronológica y estilísticamente comparándolo con la obra de otros pintores de la Escuela Veneciana y haciendo mención a su influencia posterior en el Barroco), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte).

33. VENUS DE URBINO (TIZIANO, 1538) Encargada a Tiziano en 1538, destaca un juego de planos original que acentúa la profundidad. Con un cortinaje, divide la escena en dos. En primer plano, desnuda y acostada la Venus se muestra en plenitud erótica, de texturas cálidas y color pastoso que resalta sobre el cortinaje oscuro y aterciopelado. A su lado, un pequeño perro, símbolo de la fidelidad, aparece dormido. En una segunda escena, dos mujeres permanecen ajenas en sus quehaceres y con ellas se abre un

callejón perspectivo que aumenta con la ventana abierta en la pared. Inspirada en la Venus del Giorgione, ahora la diosa se muestra orgullosa de su belleza y desnudez y mira directamente al espectador. La obra que será inspiración de muchos artistas posteriores como Manet, se expone en la Galería de los Ufizzi. TIZIANO (1490-1576): Su vida fue larga así como su producción. Principal pintor de la Venecia del s. XVI, cultivó diversos géneros pero destacó en el retrato. Influenciado tras conocer las pinturas de Miguel Ángel, su sello de identidad lo da el color que usa con libertad plena, espléndido y expresionista de gran influencia posterior. No olvides hablar de : Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Cinquecento italiano, Escuela Veneciana), Título/Obra (Venus de Urbino), Autor (Tiziano Vecellio), Situación (Galería de los Ufizzi en Florencia, Italia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura del Quattrocento y Cinquecento en Italia, situando además a Tiziano cronológica y estilísticamente comparándolo con la obra de otros pintores de la Escuela Veneciana, especialmente Giorgione), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte). 34. EL ENTIERRO DEL SEÑOR DE ORGAZ (EL GRECO, 1586- 1588)

Se trata de una obra de gran formato encargada por la parroquia de Santo Tomé de Toledo, donde se expone aún hoy. Conmemoran la muerte de Gonzalo Ruiz, Conde de Orgaz, benefactor del templo y muerto 250 años antes de pintarse la obra, en cuyo entierro aconteció el milagro de la aparición de San Esteban (diácono) y San Agustín (obispo) que desde el cielo descendieron para darle sepultura. La escena se divide en dos partes, recurso muy usado por el Greco.

La superior o celestial, forma un arco donde Cristo y la Virgen presiden el entierro, acompañados de santos y bienaventurados entre los que se ha identificado a Felipe II. En la parte inferior terrenal, los santos vestidos con ropas litúrgicas sostienen el cadáver del conde, rodeados de los asistentes al funeral donde el autor hace una galería de retratos del Toledo de la época, entre los que están el de su hijo y él mismo, mirando al espectador. Todos dispuestos como un friso a la misma altura que marca una línea de separación con el cielo, con el que se une solamente con la figura de un ángel que porta el alma del difunto. Técnicamente, también hay diferencias entre la parte inferior más realista, y la superior propiamente manierista con pinceladas sueltas, figuras ingrávidas y luces fantasmales, expresando a la perfección el contraste entre la tierra y el cielo. No olvides hablar de : Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Bajo Renacimiento en España), Título/Obra (Entierro del Señor de Orgaz), Autor (El Greco), Situación (Iglesia de Santo Tomé en Toledo, España), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (situar la obra de El Greco cronológica y estilísticamente mencionando las distintas influencias tras su paso por Creta, Venecia, Roma y España y las características debidas exclusivamente a la genialidad del pintor), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte, haciendo mención a las peculiaridades renacentistas españolas por la fuerte religiosidad). 35. EL CABALLERO DE LA MANO EN EL PECHO (EL GRECO, 1577-1579)

Se trata de uno de los retratos más conocidos que El Greco hizo de la sociedad toledana de su época. La identidad del caballero ha suscitado numerosas hipótesis, lo más seguro es que se trate de Juan de Silva, marqués de Montemayor, notable mayor de Toledo y caballero de la Orden de Santiago, ya que tras ser restaurado el cuadro se aprecia una deformidad en el hombro izquierdo, ya que Silva fue herido por un disparo. Su pose es hierática. La luz sólo ilumina el rostro y la mano que a modo de juramento se posa sobre el pecho. Contrasta con el fondo y ropaje oscuro, aunque permite apreciar la riqueza de su ropa, el medallón de oro que le cuelga y la espada dorada toledana, resultando la representación clásica del hombre del Siglo de Oro español. EL GRECO: Doménico Theotocopoulos (Creta,

1541-Toledo, 1614) Aprendió en su tierra las formas bizantinas. En Venecia aprendió los colores de su escuela. Después en Roma estudió las formas manieristas de las figuras de Miguel Ángel. Llegó a España para participar en la decoración de El Escorial, pero fue rechazado por Felipe II, tal vez por su muy revolucionaria pintura. Instalado en Toledo hasta su muerte, alcanzará el éxito, convirtiéndose en el mejor ejemplo de pintura manierista del arte español.

No olvides hablar de : Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Bajo Renacimiento en España), Título/Obra (El Caballero de la mano en el pecho), Autor (El Greco), Situación (Museo del Prado, España), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (situar la obra de El Greco cronológica y estilísticamente mencionando las distintas influencias tras su paso por Creta, Venecia, Roma y España y las características debidas exclusivamente a la genialidad del pintor), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte, haciendo mención a las peculiaridades renacentistas españolas).