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Cómo crear un dibujo 1

Cómo crear un dibujo

Las posibilidades de la línea

Diego Alejandro Sánchez Ramírez, 20131188001

Universidad Distrital Francisco José de Caldas

Facultad de ciencias y educación

Licenciatura en educación básica con énfasis en educación artística

Bogotá D.C.

Año 2018


Cómo crear un dibujo

Las posibilidades de la línea

Diego Alejandro Sánchez Ramírez, 20131188001

Trabajo de grado presentado para obtener el título de Licenciatura en

educación básica con énfasis en educación artística

Jesús Alberto Motta

Director

Universidad Distrital Francisco José de Caldas

Facultad de ciencias y educación

Licenciatura en educación básica con énfasis en educación artística

Bogotá D.C.

Año 2018


Página de aceptación

Nota final

_______________________________________________

_______________________________________________

Director de trabajo de grado

_______________________________________________

_______________________________________________

Jurado

_______________________________________________

Jurado

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Dedicatoria

Dedico este trabajo a todo aquel que busque en el dibujo un medio por el cual

expresarse, aprender, conocer, meditar o crear.


Agradecimientos

Agradezco a la Universidad Distrital Francisco José de Caldas y al proyecto Licenciatura en

Educación Básica con Énfasis en Educación Artística por dar la oportunidad de cursar estudios

de pregrado con referencia al arte y la educación, agradezco igualmente el acompañamiento del

profesor y tutor Jesús Alberto Motta. Doy gracias a mi familia por respetar y reconocer mi

vocación, a mis padres Luz Mery Ramírez y Marco Antonio Sánchez, y a mi hermano Nicolás

Antonio Sánchez. Agradezco también a todos los compañeros y amigos que durante la carrera

respetaron y aceptaron en mí el acto de dibujar, especialmente a Sandra Ramírez, Daniela

Beltrán, Julián Montoya, Leonardo Carreño, Eliana Peña, Sebastián Rendón, Jennifer Suarez e

Ingrid Martínez. A Nicolás Carreño por sus actos de amistad y consideración en proyectos

futuros, y Agradezco a mi compañera sentimental Sara Arguelles por respetar y apreciar mis

actos creativos.

Diego Alejandro Sánchez


La Universidad Distrital Francisco José de Caldas no es responsable de los juicios y

criterios emitidos por los estudiantes en sus trabajos de grado.


Índice de contenido

Índice de ilustraciones…..………………………………………………………..…………....9

Resumen………………………………………………………………………….………….12

Introducción…………………………………………………………………………………13

Objetivos…………………………………………………………………………….……….14

Marco referencial…………………………………………………………………………….15

Marco contextual……………………………………………………………………………..17

Capitulo uno: Marco teórico……………………………………………………………….19

Las modalidades de dibujo…………………………………………………………………...21

La línea……………………………………………………………………………………….22

La metáfora…………………………………………………………………….……………..23

Las imágenes de amplio alcance……………………………………………………………..24

La creatividad………………………………………………………………………………...25

El espejo mágico……………………………………………………………………………..26

El dibujo infantil……………………………………………………………………………...28

Dibujos primigenios………………………………………………………………………….32

El dibujo y su democracia……………………………………………………………………33

Capitulo dos: Especifidades y trasfondos del objeto creado…………………………..…36

Dialéctica personal sobre el dibujo…………………………………………………………..36

Presentación de los estudiantes que colaboraron en el proceso investigativo.. ……………...41

Reflexión acerca de mis estudiantes…………………………………………………………49

Capitulo tres: Presentación del proceso de creación……………………………………...50

Proyectación…………………………………………………………………….……………50


Producción o dibujo……………………………………………………….…………………55

Posproducción, impresión y publicación……………………………….……………………62

Capitulo cuatro: Presentación del objeto creado…...……………………………….........63

Introducción de la obra………………………………………………………………….……63

Componente pedagógico – presentación de los objetos mediante una narrativa……….……65

Conclusiones…………………………………………………………………………...……71

Bibliografía – Referencias…………………………………………………………..………72


Índice de ilustraciones

Ilustración 1, Las dos modalidades del cerebro, tomada de Cómo crear un dibujo………….21

Ilustración 2. Creaciones, fragmento de Cómo crear un dibujo……………………………...22

Ilustración 3, La metáfora, fragmento de Cómo crear un dibujo……………………….……23

Ilustración 4. La imagen de amplio alcance de Ramón, tomada de Cómo crear un

dibujo…………………………………………………………………………………………24

Ilustración 5. Lenguajes antiguos, fragmento de Cómo crear un dibujo…………………..…26

Ilustración 6. Formas circulares infantiles, Tomada de Cómo crear un dibujo………............28

Ilustración 7. Inflar, tomada de Cómo crear un dibujo……………………………………….32

Ilustración 8. Personaje súper fuerte, Imagen creada por el autor…………………………...36

Ilustración 9. Ave de cuello largo, imagen creada por el autor………………………………37

Ilustración 10. Ninja chibi, imagen creada por el autor…………………..………………….39

Ilustración 11. Samuel dibujando superhéroes, fotografía tomada por el autor…………..….42

Ilustración 12. Daniel dibujando Manga, fotografía tomada por el autor…..………………..43

Ilustración 13. Dibujo de Tomas, fotografía tomada por el autor……………………………44

Ilustración 14. Dibujo de Tomas V., fotografía tomada por el

autor…………………………………………………………………………………………..46

Ilustración 15. Bocetos de dibujo estilo Manga y ejercicio de dibujo de Juan Manuel,

fotografía tomada por el autor………………………………………………………………..47

Ilustración 16. Mariana dibujando ornitorrincos, caras y helados, fotografía tomada por el

autor ……………………………………………………………………………….…………48

Ilustración 17. Globos de información, mapa creado por el autor…………………..……….51

Ilustración 18. Globos de información encasillados, mapa creado por el autor……….……..52


Ilustración 19. Globos de información en un hilo narrativo, mapa creado por el

autor…………..………………………………………………………………………………52

Ilustración 20. Posibilidades de personaje principal, imagen creada por el autor………..…..52

Ilustración 21. Primeros bocetos del personaje principal, imagen creada por el autor……....53

Ilustración 22. Bocetos finales del personaje principal, imagen creada por el autor….……..54

Ilustración 23. Storyboard de Cómo crear un dibujo, elaborado por el autor……………….56

Ilustración 24. Storyboard de Cómo crear un dibujo, elaborado por el autor………………..56

Ilustración 25. Storyboard del proceso creativo en Como crear un dibujo, elaborado por el

autor…………………………………………………………………………………………..57

Ilustración 26. Creación de viñetas en Clip Studio Paint, elaborado por el autor....................57

Ilustración 27. Creación con Plumilla en Clip Estudio Paint, elaborado por el autor……..…58

Ilustración 28. Creación de bocadillos y textos, elaborado por el autor……………….…….59

Ilustración 29. Creación de documentos en Clip Estudio Paint. elaborado por el autor……..60

Ilustración 30. Creación de la portada con Plumilla en Clip estudio Paint, elaborado por el

autor………………………………………………………………………………………..…61

Ilustración 31. Detalles de la portada, elaborado por el autor………..………………………61

Ilustración 32. Ejemplo de orla, elaborado por el autor……………………………………...62

Ilustración 33. Portada y contraportada impresas, creado por el autor……………………....63

Ilustración 34. Paginas introductorias 1 y 2, elaborado por el autor…………………………64

Ilustración 35. Paginas introductorias 2 y 3, elaborado por el autor…………………………64

Ilustración 36, ¿Que es un dibujo?, tomada de Cómo crear un dibujo……………………….65

Ilustración 37, Posibilidades del dibujar, tomada de Cómo crear un dibujo…………………65

Ilustración 38, Panorama del dibujo, tomada de Cómo crear un dibujo…………………….66

Ilustración 39, Diagrama del proceso creativo, tomada de Cómo crear un dibujo…………..66

Ilustración 40, El significante y el significado, tomada de Cómo crear un dibujo…………..66


Ilustración 2, La metáfora en el dibujo,, tomada de Cómo crear un dibujo………………...67

Ilustración 42, Las modalidades, tomada de Cómo crear un dibujo…………………………67

Ilustración 43, Procesos del dibujo, tomada de Cómo crear un dibujo…………………...…67

Ilustración 3, ¿Que son las imágenes de amplio alcance?, tomada de Cómo crear un

dibujo…………………………………………………………………………………………68

Ilustración 45, La manera clásica de dibujar, tomada de Cómo crear un dibujo………….....68

Ilustración 46, El alfabeto y los sonidos, tomada de Cómo crear un dibujo…………………69

Ilustración 47, Pergamino del dibujo infantil, tomada de Cómo crear un dibujo……………69

Ilustración 48, Seis posibilidades de la línea, tomada de Cómo crear un dibujo…………….70

Ilustración 49, Los ejercicios primigenios, tomada de Cómo crear un dibujo……………….70


Resumen

Cómo crear un dibujo, Las posibilidades de la línea, es una narración visual producto de una

investigación y creación con fines de discutir todo lo concerniente a la creación de un dibujo,

el proceso creativo surge a partir del dialogo de la experiencia subjetiva del autor con una

gama de autores que buscaron definir y resignificar el dibujo directa o indirectamente.

También interfiere la actividad como dibujante y la actividad como profesor del autor, que

permite crear métodos y explicaciones creativos dentro de la narración. El producto final se

muestra como un medio impreso y digital que busca informar, constatar y reflexionar en el

lector los procesos ulteriores y poco sabidos que se presentan en el acto de dibujar.

Palabras clave: Dibujo, narración visual, imagen, línea, enseñanza y aprendizaje.


Introducción

Objeto de creación: Narración visual en donde se explica mediante una secuencia y

yuxtaposición de imágenes conceptos que influyen en la creación de un dibujo.

Desde hace mucho tiempo el dibujo ha sido para mí algo que está en mi vida diaria, eso que

alguna vez aprendí por mí mismo y que nunca perdió su encanto, puedo decir que decidí

aprender a “aprender viendo”. Y hoy día soy consciente que sin esta actividad seria otro, ya

que cuando concluí adoptarla en lo más profundo, desligándome de la educación que se me

proponía, ha ayudado al como percibo el mundo, entendiendo y organizando los estímulos

generados por el ambiente para darles un sentido, desarrollando así mis procesos perceptuales

y de formación.

Por otra parte, la narración visual es un medio que ha estado ligado al dibujo desde sus

cimientos e históricamente ha sido usado para narrar desde la secuencia y yuxtaposición de

imágenes toda clase de historias y también de discursos. Sus posibilidades se encuentran a la

merced de la capacidad creativa del autor, que puede encontrar en la narración visual una

forma de transmitir lo que para él debe ser dicho con aquella estética solo posible por el arte

secuencial.

Y es de decir que en todos los contextos pedagógicos que me he situado (colegio, siendo

estudiante o profesor, y universidad, siendo estudiante) he encontrado que, aunque muchos

teóricos desde hace más de un siglo han defendido en el dibujo sus facultades de creatividad,

libertad, naturalidad, conocimiento y de formación, la práctica del dibujo y la concesión de

referentes teóricos y literarios hallados en la narración visual es mínima.


Es en este contexto donde a través del presente proyecto pretendo rescatar en el dibujo su

facultad creativa, artística, estética, imaginativa y emancipatoria (Viadel R. M., 2003). Y creo

que poniendo en práctica la resolución de una obra artística de arte secuencial, como medio

que permite yuxtaponer y secuenciar ilustraciones e imágenes, transmitiendo información y

obteniendo una respuesta estética (McCloud, 1995). En el propósito de transmitir conceptos

del dibujo para su fácil comprensión (vislumbrados a través de la reflexión de mi práctica

artística visual en dialogo con diversos autores), ayudare a generar nuevos procesos que

conlleven a dar cabida al dibujo y a la narración visual como puentes de conocimiento.

Objetivo general

Elaborar una narración visual en donde se explique mediante una secuencia y yuxtaposición

de imágenes hipótesis que expliquen la creación de un dibujo.

Objetivos específicos

- Realizar un análisis en torno a la creación de un dibujo, teniendo en cuenta las

nociones y conceptos que pueden explicar su desarrollo.

- Explorar el lenguaje de la narración visual para ser usado como puente de

hipótesis.

- Construir y distribuir la obra con los componentes encontrados, de tal forma que

sea de fácil, atractiva y fructífera lectura

- Reproducir y exponer la obra mediante medios digitales e impresos.


Marco referencial

Para la presente investigación creación, inicialmente he tomado referentes de elogiados libros

en el mundo de los textos de tipo instructivos que pretenden enseñar dibujo y también he

captado especial atención por un par de singulares autores que se tomaron en serio analizar la

narración visual y sus posibilidades.

Con el propósito de examinar y exponer aquellos enfoques teóricos y antecedentes iniciales,

contestare entonces una pequeña contextualización en la que se enmarca la investigación

creación, y presentare brevemente los dos pilares preliminares que lo sustentan.

Libros instructivos

Para este pilar he tomado referencia de dos autores, que presentan obras que

pretenden ayudar a enseñar dibujo. Consecuentemente, Betty Edwards, autora de Nuevo

aprender a dibujar con el lado derecho del cerebro, (1999). Ostenta un libro que muestra en si

gran cantidad de ejercicios, que procuran ejercitar componentes básicos, para llegar, luego de

esfuerzo, a construir y fomentar aquella habilidad global y total del dibujo. Es aquí donde

tenemos un modo estructurado de enseñar el dibujo, con componentes diferenciados que se

suponen nos llevaran a la meta de saber dibujar (Los contornos, los espacios, las relaciones,

la luz y la sombra, y la forma), he recurrido inicialmente a reforzar los conceptos con un libro

presentado por Andrew Loomis, Ilustración creadora, (1947). En esta publicación, Loomis no

se detiene mucho a definir las bases conceptuales que tratara a lo largo del libro. Sin

embargo, en su recorrido que se supone va dirigido a dibujantes con experiencia, trata

mediante ejemplos y ejercicios los conceptos en los que se basa lo que es para él, el dibujar.

Así desglosa la temática y trata como componentes magnos a la línea y a la forma, dirigidos

desde subcomponentes que hablan de otra manera lo presentado por Edwards. Por otra parte,

presenta como importantes factores la composición y las etapas del dibujo, dos constituyentes


esenciales a la hora de crear un dibujo, que pueden reforzar lo presentado por Betty. En la

obra expuesta se abordarán estas y otras relaciones conceptuales, de estos y otros autores,

unidas a mi experiencia personal en el campo, permitiendo realizar una propia teoría de

“Cómo realizar un dibujo”, reforzando mi propuesta en aquellos que antes trataron de

responder esta pregunta de forma sensata y compuesta.

La narración visual

Por último, para concebir este trabajo es importante tener en cuenta las posibilidades

que lleva la narración visual en sí misma, como medio creativo, artístico y comunicativo, que

permite tejer un puente para los mensajes que se desea transmitir a los lectores. Will Eisner

defiende el comic desde las posibilidades escondidas en la narración visual afirmando que el

arte secuencial es un “medio creativo de expresión, materia de estudio en sí mismo, forma

artística y literaria que trata de la disposición de los dibujos o las imágenes y palabras para

contar una historia o escenificar una idea” (Eisner, 1994). Esta interesante definición, es

luego de un tiempo, reforzada por Scott McCloud expresando que el comic se trata de

“Ilustraciones yuxtapuestas y otras imágenes en secuencia deliberada con el propósito de

transmitir información y obtener una respuesta estética del lector” (McCloud, 1995). Según

los autores mencionados en la narración visual hay mucho más de lo que se cree, ya que

presenta una peculiar forma de mostrar y contar historias o discursos a través de la

expresividad de la línea contenida en juegos de tiempo, que llega a ser interpretado por el

lector casi instintivamente. Sin embargo, aunque la narración visual presenta singulares

posibilidades, extraordinariamente, muy pocas veces ha sido objeto de estudio de cuidadosos

exámenes críticos. Pero gracias a estos dos autores y sus obras, cabe afirmar que el medio

artístico de la narración visual tiene amplias posibilidades que permiten llegar al lector de una

forma como solo lo sabe hacer el género, y que es muy diferente a sus contrapartes de la

lectura de texto escrito, y del cine o la animación (McCloud, 1995). Es así donde cabe la


peculiar apuesta de McCloud de explicar a través de un comic todos los elementos que

permiten realizar uno, y realiza soberbiamente un puente de su discurso en su creación. Y

demuestra por medio de sus teorías y la práctica, que el comic posee enormes medios para

presentar hipótesis. En consecuencia, la apuesta de este trabajo también se encuentra en este

campo, y valiéndose inicialmente de estas afirmaciones y demás conjeturas avaladas por

estos dos teóricos, se pretende presentar a través de la narración visual basada en dibujos,

varias ideas e hipótesis que ayuden a la enseñanza del dibujo.

Marco contextual

Actualmente el comic en Colombia es un campo al cual la mayoría subestima, en este

momento presenciamos en el género una completa proliferación que tímidamente está

reivindicando sus valores culturales. Sin embargo, aunque sus posibilidades artísticas y

discursivas demandan valor, en este contexto no se tiene en cuenta su importancia ya que los

intentos de desarrolladores en el pasado han tenido poca repercusión en el público al que está

destinado.

Para entender el subproducto que presenciamos hoy día debemos reconocer la historia tardía

del comic en Colombia, que nos presenta las razones del porque este género no ha tenido una

repercusión dentro de nuestra cultura más que el fruto de unos intentos tímidos. Las

principales lógicas de aquello se deben a que por los 50s y 60s, las elites culturales

consideraban el comic como un subproducto despreciable, que junto a la famosa llegada de la

TV dejo obstaculizada la venida de la narración visual. Luego, ante los 90s, gracias a las

repercusiones de los movimientos mundiales en torno a la narración visual, se presentó una

década de proliferación de proyectos independientes, que es acompañada funestamente por

un desinterés por parte de los grandes medios (Rabanal, 2001). Incluso por parte de la


política, donde la Ley del Libro de 1993 consideró que el cómic no aportaba nada a la cultura

o al conocimiento, rebajándolo a una fuente de entretenimiento (Salazar, 2015).

Hoy día podemos decir que una industria del comic en Colombia no existe, pero si hay una

serie de iniciativas artísticas, y aunque los movimientos son precarios, existe hasta hoy un

momento interesante, ya que el género ha ganado aliados y espacios que quieren encontrar

propuestas y espacios de difusión (sabiendo que a partir de diciembre de 2012 la historieta

gráfica entro a ser parte de las publicaciones científicas y culturales según la Sala Plena de la

Corte Constitucional (Rotta, 2013). Autores mencionados en este momento son: Mariana Gil,

Luis Echeverria, Truchafrita, Andrezzino, Mónica Naranjo U, Power Paola, y Joni B.

Este movimiento evidentemente, dentro del contexto nacional, se enfrenta a diversos factores

que actúan en detrimento de la producción de la narración visual en Colombia. Como lo son:

la falta de reconocimiento del potencial que tiene la narración gráfica, la falla en la constancia

del trabajo de producción y publicación, la no correspondencia de los grandes medios y, por

último, la insuficiencia de lectores que apuesten su mirada en el género y reconozcan las

posibilidades que presenta.

Es en este panorama donde este proyecto se subscribe, uniéndose al actual movimiento de

iniciativas artísticas que pretenden ganar aliados y espacios de difusión que lleguen algún día

a establecerse en la sociedad colombiana, esta vez, en el campo académico. Y ya que

integralmente en este trabajo se presenta una iniciativa sobria artística que apuesta a la

narración visual como puente de conocimiento, permitirá en un nuevo nivel acercar a quienes

experimenten su lectura, un reconocimiento de los alcances de la narración visual y su

urgencia evidente por entrar en las grandes influencias artísticas de nuestro contexto.


Capitulo uno: Marco teórico

El marco teórico de la presente obra se basa en aquellos autores y postulados que dialogaron

a través de sus obras con mí que hacer, el dibujar, y a través de su trabajo investigativo en lo

concerniente al dibujo y el aprendizaje, el querer enseñar a otros el dibujo o el querer enseñar

que tan importante es el dibujo y como funciona. Es decir, la narración visual se compone

finalmente del resultado del dialogo entre lo dicho por los investigadores y profesores junto

con mi experiencia personal y educativa frente al dibujo. En este apartado explicare en que

forma autores externos incidieron en la presente obra y como ecos y re significaciones de sus

postulados son expuestos en la narración grafica a través del personaje principal, Ramón.

Bien si es un grupo de autores diferenciados, de diferentes épocas y de desiguales corrientes,

todos tienen en común el propósito de comunicar la importancia y el trasfondo de lo visual y

su importancia en la vida de las personas, generar conciencia frente a esto en diferentes

tiempos en que esta cuestión ha causado preocupación en la vida de los autores.

Como es mencionado en la introducción, inicialmente este trabajo tomo bases de Betty

Edwards y de su libro Dibujar con el lado derecho del cerebro y de Andrew Loomis en

Ilustración Creadora, sin embargo, durante el proceso de creación se añadieron muchos más

autores tales como María acaso, Howard Gardner, Víctor Lowenfeld, entre otros, que

expondré a continuación.

¿Es mi creación una metapintura? Mauricio Duran Castro dice “Se ha llamado metalenguaje

a esta forma en que, a través del lenguaje, se realiza un discurso sobre diferentes aspectos

propios del mismo o de otros lenguajes. En este mismo sentido, en el caso de la pintura,

podemos hablar de metapintura, cuando a través de esta se representa la pintura o su oficio”


(Durán Castro, 2011). Es aquí donde se halla uno de los postulados que reforzó la creación y

es que el autor me presento una posibilidad, hacer metapintura a través de un comic, hacer

metadibujo, donde a través del mismo dibujo se presente el oficio y lo que conlleva hacerlo

dando a entender nuevos juicios y metatextos que permitan al lector entablar nuevos juicios

de significados. Otro postulado importante o parte de uno más grande fue una concesión entre

la mayoría de autores revisados, entre ellos Betty Edwards, John Berger, D.A. Dondis y

María Acaso, y es que lo visual en grandes términos ha sido subestimado y la educación que

mantiene la población frente a este panorama visual tan extenso hoy en día es muy pobre, y

es preocupante que los sujetos se presenten pasivamente frente al panorama de la cultura

visual ya fundado hace más de dos siglos y proliferado en muchos niveles hasta el día de hoy,

Josep Mengual en su texto “La imagen compleja: la fenomenología de las imágenes en la era

de la cultura visual” dice frente a esto: “ las sociedades occidentales se han deslizado hacia

un nuevo estado de su desarrollo epistémico, sin ser demasiado conscientes de lo que ello

supone(…) Algo distinto que se ha dado en llamar cultura visual” (Mengual Català, 2005)

Por otro lado un tercer postulado, se trata de la preocupación de dibujar de los sujetos en su

ámbito personal, esto no solo lo evidenciado en mi labor como profesor sino sutilmente en

casi todas las personas que he conocido, por ejemplo Cecilia Beaven en su conferencia dentro

de TEDxTecdeMtyChiapas “Asimilarse como dibujo” nos dice que el dibujo permite aligerar

el mundo, habitarlo y que esta actividad es algo que emerge de nuestra profundidad (Beaven,

2016) . El dibujo en si es una cuestión tan personal, tan ligada al conocimiento de quienes lo

practican que se vuelve algo indispensable para la vida de muchas personas y permite realizar

sus objetivos y auto superarse.

Con lo anterior concluye la aclaración de lo que impulso teóricamente e inicialmente la

creación de la narración visual, continuare por nombrar explícitamente que premisas se tocan


de manera significativa en la narración y que por consiguiente representaron para mí lo

fundamental frente al propósito de querer aprender a dibujar y conocer todo lo que se

encuentra detrás de aquel acto.

Ilustración 1, Las dos modalidades del cerebro, tomada de Cómo crear un dibujo.

Las modalidades de dibujo

En “Aprender a dibujar con el lado derecho del cerebro” encontramos que Betty defiende que

para dibujar de una mejor forma debemos contar otra modalidad, la del lado derecho del

cerebro que permite dejar a un lado lo que usamos la mayoría del tiempo. El hemisferio

izquierdo que tiene que ver con las abstracciones, y tratar de ver realmente como son las

cosas y así dibujarlas, esto solo posible usando y dándole importancia al hemisferio derecho

(Edwards, 1999), si bien me identifico plenamente con la autora siendo un dibujante, artista y

educador difiero en sus postulados. Aunque si reconozco que para hacer un dibujo inciden

dos modalidades, para dibujar mejor no debemos subyugar el hemisferio izquierdo y dejar

todo a la intuición, en el panorama del dibujo esto solo nos serviría para llegar a realizar

dibujos verdaderamente realistas o sumamente expresivos, que en si es un gran logro, sin

embargo esto no se queda ahí, pues en el panorama del dibujo encontramos caminos muy

diversos no solo en el dibujo realista o expresivo, sino que pueden haber desde ámbitos

conceptuales, imaginativos, creativos, que solo son posibles usando modalidad izquierda a

través del dibujo o usar los dos hemisferios para crear una gran obra en la creación, es decir,


no se debe dejar en el aire que para dibujar bien hay que usar un hemisferio sino que este

ayuda a llegar a un tipo de dibujo muy alabado hoy en día, por lo menos para la mayoría de la

población, el dibujo realista. Pero que para encontrar lo diverso del dibujo y hallar sus

infinitas posibilidades se debe usar en congruencia toda nuestra potencialidad intelectual,

explorando todas las congruencias y diferencias de estas dos modalidades.

Ilustración 5. Creaciones, fragmento de Cómo crear un dibujo.

La Línea

Andrew Loomis en su libro presenta otra forma más consensuada de acuerdo a su época

(1958), lo que presentaba es el dibujar bien, estamos hablando de una época en el que el

diseño gráfico publicitario aún estaba comenzando a conocer la fotografía y explorando sus

posibilidades, y los carteles, propaganda etc. Eran creados casi artesanalmente y el dibujo era

una parte muy importante de su desarrollo, aunque Andrew buscaba que los principiantes de

este mundo vieran como superar las barreras que implicaba este proceso artesanal y llegaran

a brillar por medio de un buen dibujo y proceso de creación (Loomis, 1958), luego de muchos

años, en 2017 en su texto encontré potencialidad, luego de haber leído muchos libros que

podrían entrar en la categoría de “genéricos”, aquellos que pretenden enseñar a la mayoría de

población como se hace esos dibujos que ven en las series televisivas o en los museos, en

Loomis encontré alguien que se preocupaba por tocar de cerca la sintaxis de la línea, el


realmente entenderla para usarla en los dibujos y tome varias de sus reglas a palabras de

Ramón, que desde luego fueron resignificadas. Siguiendo este argumento, inicialmente el

autor presenta su importancia de la siguiente manera “En realidad en la mente del artista la

línea tiene un alcance mucho más vasto que en la del lego. Para este la línea no es más que la

marca de un lápiz o el rasgueo de una pluma. Para el verdadero artista la línea puede alcanzar

grandes alturas, requerir extraordinaria habilidad y transmitir ilimitada belleza. La línea, en

sus diversas funciones, ha contribuido tanto al progreso humano como el fuego o el vapor.”

Este, podría decirse que es el tallo que permitió que la narración floreciera, en “Cómo hacer

un dibujo” no encontramos gradaciones tonales, color, o especial énfasis en la composición.

Se busca resignificar la línea, darle la importancia que se merece y defenderla como uno de

los inventos más grandes, tanto o más que el fuego. Llegar a comunicar sus posibilidades.

Ilustración 6, La metáfora, fragmento de Cómo crear un dibujo.

La Metáfora

Consecuente a esto encontré la metáfora, ¿cómo puede ser que una línea no solo sea una

línea, sino que llegue a hacer un dibujo, una delineación de algo existente en otro lugar y que

se presente ya sea en la realidad o en el imaginario? De la metáfora Josep Mengual se refiere.

“la metáfora no es tanto una cuestión de determinados procesos verbales, sino una imagen

mental que precisa de estos procesos para expresarse verbalmente. Por lo tanto la metáfora


visual no hace sino trasponer a determinado medio basado en la imagen, el proceso mental”

(Mengual Català, 2005). Dialogando con este autor y su excelente libro a mi parecer,

encontré que la metáfora no es lo que se vende, algo puramente verbal, en realidad esto va

mucho más allá, la metáfora viene siendo una parte muy importante de los procesos mentales

con los que la humanidad conoce y estudia la realidad, en el dibujo este proceso no es alejado

ya que en él se presentan circunstancialmente procesos de metáfora. Cuando un niño de tres

años nos dice por primera vez que su papa está representado en una hoja por medio de varias

formas circulares. En ese acto encontramos la metáfora y sabemos que “Un individuo avanza

intelectualmente al pasar por determinadas experiencias como resultado del conocimiento del

mundo y de su entendimiento, no simplemente existiendo o haciéndose viejo. En La

formación del símbolo en el niño Piaget plantea que el juego es el principal proceso de

simbolización que se realiza en la vida e incluye la expresión plástica como un juego más.”

(Acaso, 2000). La simbolización ligada a la metáfora como proceso primigenio en los

procesos mentales da cuenta de la importancia del dibujo en los individuos siendo el medio

en el que practicar esta actividad de manera vivida.

Ilustración 7. La imagen de amplio alcance de Ramón, tomada de Cómo crear un dibujo.

Las imágenes de amplio alcance

En esta misma línea encontramos las imágenes de amplio alcance, de las que se hablan

textualmente en la narración, y que he traducido de otra forma en el contexto del dibujo:


“Estas imágenes, que tienen un carácter paradigmático privado, sirven para gestionar

precisamente la relación entre lo general y lo concreto o particular. Son la contrapartida

privada de la forma simbólica que estructura todo un imaginario social (…) como cuando un

determinado artista hace publica su visión particular y la convierte en forma simbólica, como

ocurre con los grandes creadores de estilos que pueblan la historia del arte” (Mengual Català,

2005). Así pues, defendiendo este postulado, he mencionado la creación del símbolo infinito,

el particular estilo de Picasso y la imagen explicativa del ADN.

La creatividad

Y de la metáfora es indispensable pasar a la creatividad, una habilidad que nos permite crear

cosas y hallar soluciones, de este concepto una parte de la narración grafica se refiere y ha

habido postulados que han ayudado a su creación tales como: “Todos los niños nacen

creativos. La necesidad de explorar, de investigar, de descubrir lo que hay del otro lado de la

pantalla…” (Lowenfeld, 2008) . Está demostrado que absolutamente todos somos creativos,

es una parte sustancial de nuestra humanidad, bien y esto contradice al supuesto de que solo

algunos saben dibujar, o de que solo los niños pueden dibujar, como he catalogado, el dibujar

es una herramienta que permite suscitar todos estos valores y que ha sido dejada a un lado.

Hay una afirmación de Lowenfeld con la que defiende la creatividad desde el arte “En arte,

por el contrario, el proceso es intrínseco; es decir, no está fuera del niño, sino que se origina

dentro de él. Hallar métodos para expresar una emoción con materiales tridimensionales,

pensar en la forma de hacer que algo parezca fácil y vistoso, encontrar un sistema para hacer

que algo parezca retroceder alejándose, o aun esforzarse para trazar las primeras imágenes,

son todos problemas que nacen dentro del propio niño.” (Lowenfeld, 2008) De este postulado

junto a experiencias en el ámbito educativo es que se concibe que el producto final sea

compuesto de líneas simples y espere mucho del lector, quien debería ser capaz de completar


los dibujos, de sentirse atraído hacia la línea, y esforzarse por entenderla, e incluso llegar a

completar a ramón muchas veces con su mente o incluso si se es más atrevido con un lápiz o

esfero, esto sería una gran posibilidad. Del apartado sobre la creatividad de Lowenfeld

también rescato el proceso creativo que el describe mediante una prosa y que yo he traducido

y mejorado según mi punto de vista, y enfocándolo hacia el dibujo: “El proceso creativo

consta de tres pasos que pueden considerarse por separado. El primero es el problema o el

conjunto de circunstancias que es preciso modificar o resolver o que provocan, por lo menos,

inquietud. El segundo paso es la reunión de las experiencias pasadas, para atacar de frente el

problema (…) El tercer paso es la resolución y la evaluación del éxito del ataque. Si éste ha

fracasado se vuelve al segundo paso, o tal vez al primero, donde el problema puede dejarse de

lado o ignorarse.” (Lowenfeld, 2008). Dando por resultado un diagrama creado por Ramón en

el que además de estos tres pasos se representan otros que ayudan a volver más didáctico el

proceso. También de Lowenfeld me he dado un acercamiento al dibujo infantil y a sus etapas,

pero Marín Viadel me ha dado un mejor panorama en su texto “El dibujo infantil, tendencias

y problemas” del cual hablaremos más adelante.

Ilustración 8. Lenguajes antiguos, fragmento de Cómo crear un dibujo.

El espejo mágico

Otro apartado muy valioso para mí ha sido el del proceso del dibujo, presentado en la

narración grafica como el “espejo mágico”. Un proceso que había tenido en mente hace


bastante tiempo y que venía reflexionando, sin embargo, bases teóricas fenomenales me ha

dado el texto “La percepción dibujo y visión” de Iván Araujo; “Desde el momento en el que

nos disponemos a dibujar, estamos creando, reescribiendo el objeto a representar y generando

una nueva realidad objetual, cuya relación con el referente natural se establece por medio de

reducciones, simplificaciones y generalizaciones de sus cualidades.” (Araujo, 2000) Estas y

otras afirmaciones me permitieron graficar una propia manera de ver el proceso que sucede

tras el dibujo, en la mente del autor de este y cuando este llega a hacer hecho, lo que produce

en su entorno y en los demás, creando una suerte de espejo mágico en el que se refleja

pensamiento e intenciones de su autor así como el objeto que quiere ser retratado, y no

deteniéndose ahí quien percibe el dibujo tiene la capacidad de dialogar con la obra

presentándose como un eco del proceso creativo del autor. Es decir, el dibujo hace parte de

complejos procesos mentales donde está implicada la percepción y el pensamiento visual tal

como dice Pablo Cruz en su texto “Más que simples líneas” afirmando “así como el escritor

necesita de las palabras para estructurar sus ideas formalmente, el artista visual o diseñador

necesita del dibujo como herramienta para estructurar y concretar las suyas. El dibujo hace

posible la representación estable de dichas ideas en forma material, dando lugar a un diálogo

con la imagen plasmada para su posterior comprensión dentro de parámetros visuales

establecidos.” (Cruz, 2014) Y es que, aunque no se crea, los dibujos están llenos de

parámetros visuales provenientes dela cultura visual anteriormente mencionada.


Ilustración 9. Formas circulares infantiles, Tomada de Cómo crear un dibujo.

El dibujo infantil

Marín Viadel en su texto “Dibujo infantil, tendencias y problemas”, menciona el método de

investigación de Marjoire Wilson que realiza estudios comparados de culturas frente al

dibujo, según sus investigaciones se menciona que: “Los Wilson se han concentrado

precisamente en determinar cómo la cultura, en sus diferentes manifestaciones, condiciona el

desarrollo gráfico de los niños. Han podido constatar cómo ciertos rasgos fueron

predominantes en los dibujos infantiles de niños occidentales de otras épocas” (Viadel M. ,

1988) Reconociendo la obra de los Wilson he de constatar que causa en mí una conjetura del

dibujo, no solo del dibujo infantil y que se presenta en mi creación como sub texto, quiero

decir, parece que reconociendo el dibujo infantil y sus etapas investigadas con resultados muy

congruentes entre diferentes autores tales como: Betty Edwards, Lowenfeld y Howard

Gardner. Reconocemos que los pequeños comienzan dibujando a través del garabato, luego

usan figuras simples para crear buenas representaciones y al llegar a los 8-12 años llega una

frustración ya que sus dibujos no se parecen a lo que ven en medio de la cultura visual, dando

por resultado una alejamiento del dibujo, en esta etapa debería ser crucial un maestro que

enseñe el dibujo de otra forma, no como lo enseñan los padres y a esto quiero llegar, como

bien nos señala Betty Edwards los adultos poseen una gran gama de símbolos que


aprendieron en la infancia (Edwards, 1999), como hacer una casa, a papá , a mamá ,un perro,

un pájaro, símbolos que seguramente practicaron mucho desde figuras simples, pero que

también aprendieron y reforzaron de alguien mayor, esto es suficiente para los más pequeños

pero allegar a la etapa de cambio, la de querer transformar, la de encajar en un medio social,

el dibujo que pueden enseñar los allegados y los métodos que usan los niños para aprender

dibujo de forma autodidacta no es suficiente, causando la deserción de la mayoría. Entonces

el proceso se presenta como una rueda de generación en generación, donde el niño usa todas

las posibilidades anteriormente citadas del dibujo hasta cierta edad en la que sus propósitos

rebasan el autodidactismo y el saber de sus congéneres que a su vez sufrieron el mismo

problema cuando eran niños. Dando así un terrible destino para el dibujo, por lo menos en la

mayoría de las personas.

Para finalizar mi visión en torno a lo revisado del dibujo infantil, quiero indicar el gran uso

que di en la narrativa a lo dicho por Marín Viadel en torno a las características del dibujo

infantil “Desde el momento en que comenzó a considerarse el dibujo infantil no tanto como

un cúmulo de errores o defectos sino como una forma de expresión propia del niño, acorde y

consonante con su manera peculiar de ser y concebir el mundo” (Viadel M. , 1988) Estos

principios descritos en el documento escrito por Marín Viadel antes de ser traducidos a la

narrativa grafica fueron entendidos de la siguiente forma:

1. Principio de aplicación múltiple (una misma forma puede representar muchas cosas)

2. El principio de línea de base (una línea para marcar el suelo, a veces otra para el

cielo)

3. El principio de la perpendicularidad (dibujar las cosas o personajes perpendiculares

a la línea base sin importar que esta esté en diagonal o vertical)


4. Principio de la importancia del tamaño (resaltar por medio del tamaño una

importancia)

5. Principio de aislamiento de cada parte del conjunto (dibujar los elementos

constitutivos uno a uno, como dibujar algo a través de sus partes)

6. Principio de imperativo territorial (cada personaje o cosa tiene un espacio vital

dentro de la composición)

7. Principio de forma ejemplar (dibujar de forma de que sea muy fácil entender que se

quiso retratar, de manera simbólica)

8. Principio de abatimiento (se representa la superficie más extensa del objeto a

dibujar)

9. Principio de simultaneidad de diferentes puntos de vista (unido a la forma ejemplar,

los campos y otras extensiones se representarán de manera simbólica)

10. Principio de los rayos x (para dibujar algo que está dentro de otra cosa se realiza un

efecto de rayos X para entender que ahí adentro a primera vista)

Para la concesión de la narrativa he tenido en cuenta el imaginarme los problemas por los que

pasa quien no ha dibujado en mucho tiempo, como a un estudiante mayor que tuve la

oportunidad de impartir clases de dibujo, historia que relatare más adelante, y que tenía este

problema donde la simbolización aprendida en la infancia ya se comenzaba a desvanecer,

entonces recorriendo las páginas del texto de Viadel reconocí una forma en la que se podría

recordar a los alumnos su dibujo infantil, y así tener unas bases para mejorar el ámbito del

dibujo. Los principios que exactamente use dejaron algunos de lado ya que me llamaron más

atención por su potencialidad, los retirados fueron; el principio de la perpendicularidad, el

principio de imperativo territorial y el principio de abatimiento.


Otro ejercicio importante dentro de la narrativa grafica fue en el que se conectó el alfabeto,

los sonidos y los dibujos, su base teórica la encontramos mayormente en el libro de Dondis A.

Donis “ La sintaxis de la imagen” donde se nos cuenta la importancia de aprender el lenguaje

de lo visual, en una época en el que se buscaba tras polarizar teorías, siendo así, Dondis toma

la gramática de las palabras y trata de guiarse por sus concesiones para sacar su propia

sintaxis u órdenes o relaciones que existen así mismo dentro de la imagen, lo que rescato de

aquella obra teniendo en cuenta su contexto no son los fundamentos sintácticos de la

alfatebilidad visual presentados (equilibrio, tensión, nivelación y aguzamiento, preferencia

por el ángulo inferior izquierdo, atracción y agrupamiento, positivo y negativo) o los

elementos básicos de la comunicación visual (punto, línea, contorno, dirección, tono, color

textura, escala, dimensión, movimiento) que presentan grandes posibilidades, y que he visto

ser usadas en otros materiales de enseñanza, sin embargo presentan un texto difícil de

entender para los principiantes, que vienen a ser como gran parte de mis estudiantes que

buscan una forma casi mística e intuitiva de aprender a dibujar. Muchas veces lo que hacen

estos textos es alejar aún más a los interesados ya que luego de leerlos creen que el dibujo es

una especie de lenguaje especializado. De este mito hablaremos más adelante. Sin embargo,

Dondis suscito el ejercicio sobre la representación fonética en mi obra, ya que en un apartado

presenta la comparación entre el conocimiento visual y el lenguaje verbal: “la evolución del

lenguaje comenzó con imágenes, progreso a los pictografos o viñetas autoexplicativas, paso a

las unidades fonéticas y finalmente al alfabeto (…) Pero hoy son numerosos los indicios de

un retorno de este proceso hacia la imagen” (Dondis, 1976) y así como ella, esto me lleva

pensar aun muchos años después que “se considera el lenguaje como un medio de llegar a

una forma de pensamiento superior a los modos visual y táctil. Pero es preciso someter estas

hipótesis a determinados interrogantes y a ciertas investigaciones” (Dondis, 1976) Dando por

resultado que en mi obra se presente tales pensamientos complejos a través de una narrativa


visual para poder reivindicar las imágenes e incluso demostrar dentro de la narrativa y dentro

de uno de los ejercicios expuestos el pasado del alfabeto ligado enteramente a las imágenes y

los dibujos.

Ilustración 10. Inflar, tomada de Cómo crear un dibujo.

Dibujos primigenios

Antes de finalizar este apartado suscitando otras importantes referencias para mi trabajo debo

mencionar de manera exclusiva el texto de “Gramática del arte” de Beljon J. del cual halle la

inspiración para crear los ejercicios finales, este texto se presenta de manera muy

diferenciada a los anteriores ya que no tiene un matiz educativo o informativo, si no que se

presenta con el propósito de hallar en el lector una experiencia estética y creativa mostrando

diferentes posibilidades de ser arte dentro de las artes plásticas, por un lado varias

posibilidades según su proceso y por otro según la función que resuelven. El texto hallo en mí

su traducción al dibujo e inmediatamente mientras leía cada posibilidad, la iba realizando

mediante un dibujo y reconocí cuanta potencialidad tendría una traducción de sus contenidos

en ejercicios de dibujo, así que para la presente obra escogí ocho posibilidades que después

de meditar escogí como las que llevaban más potencialidad para llevar un buen proceso de

aprendizaje en torno al dibujo. A continuación, mencionare cada una y adjuntare la cita que

más me llamo a la creatividad de cada apartado dentro del texto “Gramática del arte” de

Beljon J.:


- Apilar “Aquellos constructores debieron sentirse envueltos en un acto mágico,

igual que los niños cuando colocan un bloque encima de otro, guiados

exclusivamente por su instinto de equilibrio y las leyes de gravedad”

- La forma entallada “Muchos objetos físicamente inmóviles, como las vasijas,

jarras y vasos muestran el principio de la forma entallada, simbolizando la acción

de la vida: contracción y expansión”

- Fluir “El fluir tiene una dirección, es movimiento: movimiento que a veces marca

un rumbo y luego es interrumpido y fijado.”

- Conectar “el punto de conexión se ha usado siempre para acentuar la estructura de

una construcción, como realce de su expresividad”

- Agrietar “El resultado de agrietar, como el de rasgar un trozo de papel, es

definitivo, irreversible.”

- La forma inflada “Las pompas de jabón y los vasos sanguíneos son estructuras

neumáticas: formas infladas. Nuestra piel es tersa por la presión sanguínea de

nuestros tejidos”

- Piel “la de un melocotón invita, la de un erizo repele. Experimentamos lo duro y

lo balando, lo áspero y lo suave, lo rígido y lo flexible…”

- Dirección “El diseñador de coches… sugiere una dirección: hacia adelante. El

constructor de una torre crea una dirección: hacia arriba. La pirámide tiene una

dirección: hacia abajo.”

El dibujo y su democracia

Por último, quisiera hablar de uno de los postulados que me llevo a presentar una narración

visual basada en gran parte en referencias bibliográficas y a presentarla en un objeto

susceptible a su reproducción, en “Modos de ver de” John Berger encontramos en gran parte


del texto una crítica a la sociedad de aquel tiempo, los 70s que tiene sus ecos en nuestros días,

es especialmente mencionable el análisis que se hace a la pintura al óleo y a su historia ya que

se menciona que “ la obra de arte sugiere también una autoridad cultural, una forma de

dignidad, incluso de sabiduría, que es superior a cualquier vulgar interés material; un cuadro

al óleo pertenece a la herencia cultural; es un recordatorio de lo que significa ser un europeo

culto.” (Berger, 1972) Y es que al final del día el entender las artes, gozar de ellas y

aprenderlas parece ser exclusivo del pequeño porcentaje de la población que posee grandes

riquezas, el texto menciona de la misma manera la publicidad, teniendo en cuenta que era la

de esa época, los 70s y que luego de estos años aún estamos inmersos en la misma

problemática “La publicidad necesita aprovecharse de la educación tradicional del espectador

comprador medio. Lo que aprendió en la escuela sobre historia, mitología y poesía puede

utilizarse para fabricar fascinación. Pueden venderse puros con el nombre de un rey…”

(Berger, 1972) y por supuesto trasponiendo esto al panorama del dibujo encontramos

congruencias, solo una pequeña parte de la población tiene la conciencia de las posibilidades

que tiene el dibujo, parece entenderlo y goza de esto. Sin embargo, la mayoría está a merced

de casi divinizar las animaciones, comics, publicidades que contengan material entorno al

dibujo, se presenta como un lenguaje encriptado. Y quienes desean entenderlo y manejado se

enfrentan a una proliferación que aun quiere mantener esta visión, la del dibujo difícil de

alcanzar, la de un dibujo solo alcanzable con sudor y esfuerzo en busca de alcanzar a grandes

maestros. A lo que quiero llegar es que el “El dibujo es la más democrática de las formas de

expresión artística. El dibujo es el medio de expresión más politécnico, abraza muchas

ciencias y muchas artes. No conviene limitarse a la definición clásica del dibujo como un

trabajo artístico sobre papel, sino considerar el amplio campo de estudio de esta disciplina en

la enseñanza…” (Viviente, 1999) Incluso toda la humanidad dibuja cuando son niños

pequeños y lo llevamos a cabo hasta que hallamos un quiebre social y educativo. Así que en


consecuencia la narración visual creada se presenta reproductible y, simple, entendible por

cualquiera que se anime a querer dibujar, y fue pensada para tratar con muchos de los niveles

y posibilidades en el que se puede encontrar el aprendizaje del dibujo en el individuo.


Capítulo dos: Especifidades y trasfondos del objeto creado

Dialéctica personal sobre el dibujo

Recuerdo una pregunta que me hizo un profesor dentro de la universidad, el profesor Botero

que nos daba la clase de dibujo, me dijo: ¿y usted como aprendió a dibujar? Bien esto me

hizo reflexionar, al parecer era una pregunta simple, pero un poco difícil de responder, en

realidad yo no recuerdo cuando, ni como aprendí a dibujar, el primer pensamiento sobre el

dibujo es en el que dibujé algo que me dio felicidad, pero sé que antes de eso ya dibujaba

muchas veces como algo normal en mi vida, sin embargo, en esa época no era algo que me

hacía sentir alguien especial, pues creía que todo el mundo lo podía hacer. El primer dibujo

que se me viene a la mente era algo así.

Ilustración 11. Personaje súper fuerte, Imagen creada por el autor.

No es exactamente como se presentaba, pero era muy parecido y eran varios, muchos

personajes fornidos que repetía y experimentaba en una agenda de mi mama. Y me hacía

sentir feliz porque a través del dibujo podía hacer algo que tuviera volumen y además podía

hacer personajes súper fuertes que pudieran tener buenas historias por contar. Después de

esto, supongo que aprendí a dibujar través de la práctica, pero esto es una respuesta simple, e


indagando un poco más creo que a través de la practica casi diaria y reinventando el lenguaje

una y otra vez, el del dibujo. No con ánimo de mejorar mi dibujo sino con brío de mostrar a

otros mis dibujos, y luego con el ánimo de poder sentirme a gusto jugando y aprendiendo

mientras dibujaba.

En este camino recuerdo varios puntos de quiebre importantes que me hicieron sentir que

aprendía lo que para mí son piedras angulares del dibujo, y como he descrito estas surgen

mediante su actividad, su práctica y el diálogo con lo real, que puede presentarse en imágenes

reales percibidas del entorno o traídas a nosotros a través de la cultura visual. El segundo

punto es cuando aprendí a hacer animales, en realidad no recuerdo muy bien como lo hice,

pero de un momento a otro sé que tomé una hoja luego de ver algunas aves de un álbum de

estampitas Jet y comencé a dibujar, creo que era porque reconocía que sus picos no eran

como los había dibujado antes sino más interesantes. Entonces tomé una hoja y comencé

dibujando un ave con cuello largo que al final parecía un flamenco y se veía algo así.

Ilustración 12. Ave de cuello largo, imagen creada por el autor.


Había hecho muchas más líneas para terminarlo y lo que había resuelto era dividir un ave en

varias figuras y darme cuenta como eran en realidad, y no como las había dibujado siempre.

Así que las dividí, un ovalo para el cuerpo, otro más largo para el cuello y unos palos para los

pies, pero no hacia ninguna clase de boceto, esto pasaba en mi cabeza y yo solo ponía varias

líneas alrededor y al final agregaba detalles como el ala y las plumas de la cola. El mismo

proceso funciono para varios animales, entre ellos recuerdo varios tipos de aves, dinosaurios

y mamíferos pequeños. Mis papas y los adultos que supieron de mi obra se sintieron muy

sorprendidos, creo recordar que era una de las primeras veces que dibujaba algo que no

podían hacer los adultos que habitaban conmigo y al ser aplaudido y elogiado por estas

habilidades me hacía sentir muy especial.

Desde momentos como ese decidí que el dibujo era una de mis vocaciones, hablo cuándo

debía tener de 6 a 8 años y recuerdo otro día en el que halle una tercera piedra angular, una

que descubrí en mi proceso de indagación sobre el dibujo que, hacia intermitentemente con

ninguna clase de presión, y fue cuando, y esto es difícil de recordar. Había unas estampitas o

talvez cartas pequeñas de unos ninjas tipo anime y expuestos en lo que se conoce como

personajes chibi. (y esto me recuerda a mis alumnos que quieren aprender dibujo manga

delos cuales hablare más adelante) En estas estampitas venían esos ninjas estilo chibi que me

parecían muy difíciles de dibujar, no creía estar preparado para eso, pero un día decidí

atreverme y cogí la estampita que me parecía más familiar y comencé a copiarla y el

resultado fue algo así.


Ilustración 13. Ninja chibi, imagen creada por el autor.

En este momento me cuesta mucho pasarme al tipo de lenguaje gráfico y de líneas que

manejaba en ese tiempo , y lo presentado aquí es un pequeño eco de mis recuerdos, aunque sé

que luego de haber hecho tal dibujo, descubrí que a veces las imágenes engañan, las líneas

engañaban y muchas veces lo que creemos muy complicado tiene varios trucos en su creación

que permiten llegar a una especie de ilusión, esto me fascino y luego de un tiempo ya había

casi perfeccionado las estampitas de ninjas en mi dibujo.

Hasta este momento he presentado tres piedras angulares descubiertas producto de estudios

del dibujo personales e infantiles, que se pueden encontrar en la narración visual expuesta,

estos se conectan de la siguiente forma: los personajes musculosos se enlazan con el ejercicio

de inflar al final de las páginas, que permite añadir algo tan importante como es el volumen a

nuestros dibujos y que fue conectado a su vez con la temática de inflar del libro de

“Gramática del arte” de Beljon J. En segundo lugar, en el dibujo del ave se maneja un macro

componente de la obra pues Ramón, el personaje principal es eso, no se compone de dibujos

figurativos completos sino de líneas que delinean partes de su cuerpo y busca que el lector

imagine las figuras y volúmenes a través de su creatividad. Por último, en tercer lugar, el

proceso del dibujo del ninja habla de la manera en que los dibujos se presentan como


ilusiones, que se liga por un lado al deseo de querer resolver el misterio que esconden a través

de mí que hacer y, por otro lado, mucho más concreto en la narración gráfica, de traer a

cualquiera quien se anime a desvelar algunos secretos, de explicar la magia detrás del asunto,

y enseñar cómo crear su propio camino mágico.

Finalizare este apartado con una anécdota que me parece crucial, y que explica porque tales

motivaciones llegaron a mí que hacer, y esto fue una problemática que nació hace mucho

tiempo, desde mi perspectiva. Recuerdo que cuando entre al colegio esperaba que cualquiera

fuera como yo, siendo así, creía que todo el mundo pensaba que el dibujo era algo muy

importante en la vida, o por lo menos algo muy divertido con lo que se podría jugar y

también aprender, sin embargo luego me di cuenta de algunos hechos, al comienzo todos

dibujaban, tenían su propio proceso de aprendizaje del dibujo pero a medida que pasaban los

años lo fueron dejando y mi actividad comenzaba a hacer un poco mágica, y mis compañeros

veían que dibujaba como veían sacar a un conejo de un sombrero. Esto era muy raro para mí,

yo creía que ellos eran perfectamente capaces de hacerlo, talvez si jugáramos a dibujar

durante un rato lo harían igual. Pero nadie jugaba a dibujar, ni yo sabía cómo invitar a jugar

algo así, además parecía que era algo que no interesaba, lo que sucedió fue que paso a hacer

un mito, (y esto conecta en muchos aspectos con el apartado del marco teórico)y se fue

mistificando el acto de dibujar, hasta el punto que ya me distinguía por ser alguien especial

que sabía algunos trucos de magia y podía presumir de ellos, e incluso ser diferenciado de los

demás por lo mismo, aunque sabía perfectamente que cualquiera podía llegar a hacer aquellos

trucos con un poco de esfuerzo.

Más adelante, más acercado a estos días contemporáneos agradezco encontrar en los

contenidos de la carrera de Licenciatura en educación básica con énfasis en educación


artística y de los postulados de los teóricos, una consigna que sospechaba desde hace mucho

tiempo, el dibujo, como las artes tienen un pasado y una connotación social casi mistificada,

y es más que urgente insertarlas en el que hacer y democratizar este conocimiento para ser

usado por cualquiera. Y desde hace varios meses me dedico medio tiempo a dar clases

particulares de dibujo, que me han hecho dialogar muchas más sospechas que llevo

acumulando a lo largo de los años en torno al dibujo y la sociedad, a continuación, presentare

a los estudiantes que siendo estudiantes de dibujo colaboraron en la investigación que ayudo

a crear el objeto artístico.

Presentación de los estudiantes que colaboraron en el proceso investigativo

A continuación, presentare a los estudiantes que participaron en las clases particulares de

dibujo de las que fui y soy profesor, y señalare especialmente cual fue su aporte al proceso

investigativo frente al dibujo que mantuve durante sus clases en transversalidad a esta

creación. Quisiera presentar material fotográfico de todos, pero muchos de los registros no

están, sin embargo, espero que el pequeño apartado sea suficiente para generar una visión

desde mi panorama.


Samuel, 9 años. Clases a finales de 2017

Ilustración 14. Samuel dibujando superhéroes, fotografía tomada por el autor.

Samuel quería aprender a dibujar comic, era un niño muy tímido que alababa el dibujo,

quería llegar a dibujar los modelos que veía en sus series animadas de superhéroes preferidas.

Con Samuel seguíamos el patrón clásico de aprendizaje de dibujo, el que sale en los libros de

aprender a dibujar comic, con las estructuras, las proporciones, etc. De su proceso, el que

llevaba cada clase descubrí que las estructuras para el eran aburridas, y le fue más fácil

aprenderlas con una serie de trazos diferentes, mucho más simbólicos, e incluso creo su

propio estilo de superhéroes que recordaban a tipos de dibujo oriental. De esto registre que el

aprendizaje del dibujo puede darse de manera muy simbólica, al final el creaba sus personajes

como si creara letras y les ponía trajes como si hiciera palabras y todo se repetía como si

estuviera aprendiendo a escribir un lenguaje.


Daniel, 18 años. Clases a finales de 2017.

Ilustración 15. Daniel dibujando Manga, fotografía tomada por el autor.

Daniel quería aprender a dibujar Manga principalmente, era un joven un poco excéntrico que

le gustaba dibujar y admiraba la expresión a través de la ilustración, siempre fue autodidacta

frente al dibujo, hasta contactarme. Con Daniel inicialmente seguíamos el patrón clásico de

aprendizaje, pero se disgustaba por los resultados, tratando de resolver su situación resolví

crear para él, ejercicios experimentales en los que explorara las posibilidades de la línea y de

la trama, así como del sombreado. Eran ejercicios que buscaban que viera el dibujo de otra

forma, de una manera más expresiva. De Daniel comprendí que el dibujo en una edad más

adulta adquiere el carácter de actividad mística e intuitiva de quien lo practica, y que para

mejorar su práctica, seguir métodos no convencionales puede representar grandes logros.


Senen del camino, 34 años. Clases a finales de 2017.

Senen o Sé cómo le decía, fue el estudiante con mayor edad que haya tenido, era un ingeniero

alegre que quería aprender a dibujar ya que tenía un hijo en camino, y no podía imaginarse

que el pequeño le preguntara cómo dibujar algo y el no supiera absolutamente nada. Con Sé

pude llegar a el postulado de que los símbolos aprendidos en la infancia, cuando se practicaba

una y otra vez quedan en la memoria, y aunque pases de los treinta si no has reinventado tu

lenguaje, tus dibujos se verán como los de un niño de 8 años.

Tomas, 8 años. Clases a inicios del 2018.

Ilustración 16. Dibujo de Tomas, fotografía tomada por el autor.

Tomas era un caso interesante, que para mí refleja la mayoría de los casos de los dibujantes

de 7-9 años del mundo contemporáneo. Él era un niño hablador y gracioso que no podía

imaginarse la vida sin dibujar, me recordaba a mi gratamente, sin embargo, tenía una cuestión

muy extraña, lo que mejor dibujaba y le gustaba más eran los muñecos animatronicos,


personajes del videojuego “Five nights at freddy's” juego que veía una y otra vez a través de

Gameplays en la plataforma YouTube. Sin embargo, él quería aprender dibujo realista, llegar

a hacer retratos. De Tomas registre que la edad de 7 a 9 años es una etapa coyuntural en la

que los pequeños dibujantes quieren que sus obras sean aceptadas dentro de su contexto y

buscan llegar a manejar nuevos lenguajes muy diferentes a los que han estado desarrollando,

al mismo tiempo de que manejan una sobre inmersión en la cultura visual.

Mariana, 14 años, Clases a inicios de 2018.

Mariana era una niña que dibujaba precioso, tenía un estilo otorgable a las películas animadas

independientes, ella quería aprender a hacer retratos. Lo interesante de Mariana es que sus

dibujos con un estilo tan peculiar no era lo que ella se esperaba al hacerlos, es decir, cuando

ella esperaba dibujar una cara de una persona lo más real que se pudiera, terminaba dibujando

una cara sobre estilizada para lo que ella estaba buscando, el dibujo quedaba muy bello pero

la autora no esperaba que fuera así. De Mariana aprendí que muchas veces lo inconsciente se

hace cargo de nuestros dibujos, y para mejorarlos y ser más electivos de nuestra actividad

debemos dialogar con nuestra intuición, muchas veces ignorada.


Tomas V., 10 años. Clases a mediados de 2018.

Ilustración 17. Dibujo de Tomas V., fotografía tomada por el autor.

Tomas quería aprender dibujo Manga, era un niño alegre e imaginativo que buscaba dibujar

porque le parecía algo genial, una actividad mágica. Tal como lo mencione antes con otro

estudiante, Tomas estaba inmerso en la cultura visual y aunque lo que a él le apasionaban

eran los animales, en el dibujo buscaba aprender a dibujar manga, ya que, según él, era una

de las cosas más difíciles de llegar a dibujar. Sin embargo, luego lo convencí de dibujar lo

que le apasionaba, de esta forma aprendería mucho más y luego si decidía, podía dibujar

Manga. De Tomas registre finalmente, ligándolo con estudiantes anteriores que a esta edad se

busca ser aceptado en el panorama visual y que, si se enseña a los niños de esta edad técnicas

que prestan atención al detalle como el tramado, se fascinaran por todo lo que pueden llegar a

dibujar.


Juan Manuel, 11 años. En clases actualmente.

Ilustración 18. Bocetos de dibujo estilo Manga y ejercicio de dibujo de Juan Manuel, fotografía tomada por el autor.

Juanma quiere aprender dibujo manga, es un chico obstinado y alguien que no se cansa de

dibujar siempre y cuando se sepa que se va a hacer, Juanma es asperger y aunque tiene

dificultades para desenvolverse socialmente es el estudiante con el que he tenido mayor

número de clases. Para la suerte de Juanma, tanto como la mía encontró unos contenidos en

mi clase mucho más maduros. La clase la hemos perfeccionado llevando el patrón clásico de

aprendizaje de dibujo manga, junto con ejercicios creativos sacados libros que analizan el

dibujar con tendencia conceptual y de mi inventiva. De Juanma he aprendido que las

emociones son parte crucial del proceso de creación de un dibujo y que tal como se observa

al verlo hacer un dibujo con mucha expresividad, es mejor si uno de verdad siente a través de

su cuerpo lo que está intentando proyectar a través del dibujo.


Mariana, 7 años. En clases actualmente

Ilustración 19. Mariana dibujando ornitorrincos, caras y helados, fotografía tomada por el autor.

Mariana es una niña inquieta, muy risueña, pero muy atenta y concentrada cuando la

situación lo requiere. Sus papas decidieron que aprenda a dibujar, pero no que aprenda a

dibujar algo, dándole espacio para que experimente. Mariana se destaca por dibujar

personajes geniales que parecen superar los comunes dibujos infantiles, pero aun comparten

cierta esencia con ellos. Con ella he podido experimentar mis hipótesis, y los niños a tan

pequeña edad, junto con mi antiguo estudiante Tomas son capaces de dibujar lo que sea, su

lenguaje del dibujo esta tan practicado y fresco que se las ingenian con las herramientas que

han descubierto para hacer cualquier reto que se propongan. Sin embargo, con Mariana he

registrado que para los niños de esta edad eso no es suficiente, se encuentran en una etapa de

transición en que quieren renovar su lenguaje gráfico y buscan con cierta presión reclamar

nuevas piedras angulares que les permitan dibujar lo que les transmite la cultura visual.


Reflexión acerca de mis estudiantes

Como deliberación de las clases de dibujo que he llevado hasta ahora y sobre todo del

proceso grafico en el que encuentro a mis estudiantes, puedo concluir que hoy en día la

cultura visual abarca lo que es talvez demasiado. E encontrado que muchas veces los

estudiantes tienen maravillosas herramientas que permiten hacer grandes dibujos,

herramientas que han cultivado de forma autodidacta y que por consiguiente son muy

diferentes y diversas, instrumentos que permiten llegar a dibujos muy diversos y nunca antes

vistos. Sin embargo, estas herramientas y procesos son subestimados y cegados por la cultura

visual que, junto con la falta de recursos para mejorar el proceso propio, crea la necesidad de

querer aprender nuevas piedras angulares que permitan ver los dibujos que vemos todos los

días, a través de los diferentes medios, sin embargo, la verdadera fuerza del dibujo está en la

originalidad y proceso que lleva cada uno, en su diversidad y fuerza personal de reflexión. De

esto he querido tomar partido para la narración gráfica, ya que no presenta en sus ejercicios

un solo modo de resolverlos sino todo lo contrario, y permite que cada uno, en un dialogo con

nuevos componentes halle su camino.


Capítulo tres: Presentación del proceso de creación

Para dar a conocer el proceso del cual surgió la obra tal como se muestra, presentare

secuencialmente las partes más importantes que se tuvieron en cuenta para crear la obra

expuesta.

Proyectación

Este proceso tiene su inicio desde el dialogar con varios de los autores a través de sus textos y

realizar varias conclusiones de ello, entonces, antes de todo, me dedique a escribir y sintetizar

por medio de apuntes los supuestos sobre el dibujo que llamaban especialmente mi atención

poniéndolos en discusión con mi actividad como creador y profesor del dibujo.

Luego escogí que postulados podrían ser manejados en una misma historia, y en qué orden

podrían ser expuestos, en este momento sabía que la historia iba a tratar de alguien

exponiendo diferentes teorías y conceptos llevados a la práctica, aunque no sabía cómo ni

quien en realidad lo iba a hacer, ni mucho menos donde, sin embargo, un hilo conceptual y

argumentativo estaba presente por medio de las conjeturas que había resignificado. En un

primer momento se presentaban como muchos globos de información sin ningún orden

aparente.


Ilustración 20. Globos de información, mapa creado por el autor.

Que luego ordene para que tuviera una coherencia argumentativa que pudiera ser expuesta y

entendida lo más fácil posible, esto consto de dos pasos:

Ilustración 21. Globos de información encasillados, mapa creado por el autor.


Ilustración 22. Globos de información en un hilo narrativo, mapa creado por el autor.

Luego de tener el hilo conceptual claro, me propuse visualizar la narración ¿cómo se iba a

exponer? ¿quién era el personaje principal? ¿dónde iba a estar situado? Antes había tenido

algunos indicios y tenía tres posibilidades para el personaje principal, que era aquel que se

encargaba de exponer la información y los ejercicios.

Ilustración 23. Posibilidades de personaje principal, imagen creada por el autor.


En primer lugar, pensaba ponerme a mí mismo como personaje principal, pero luego me

pareció mucho más interesante presentar alguna especie de cara proyectada. Al comienzo

pensé en hacerlo con varias tramas o manchas, pero al saber que me iba a inclinar por la

línea, decidí hacer otro tipo de rostro, sin embargo, este tenía muchos detalles y buscaba algo

que fuera más expresivo y un poco caricaturesco, luego de algunas pruebas surgió lo que

buscaba, además me gustó mucho el boceto final, ya que supuse que, si alguien se animaba a

completarlo, a completar lo que le faltaba de cuerpo al personaje podía llegar a hacerlo de

muchas formas.

Ilustración 24. Primeros bocetos del personaje principal, imagen creada por el autor.


Ilustración 25. Bocetos finales del personaje principal, imagen creada por el autor.

Después de observar estas imágenes, indagándome que talentos y carisma tendría este

personaje, resolví que ayudaría mucho a la narración que fuera un personaje consciente de

que es un dibujo, pero de otra forma, que no se presentara como un simple dibujo hecho por

alguien asombrado de la magia que hay en este acto, sino como un dibujo que tuviera el

poder de crear otros dibujos y aunque consciente de su realidad, tuviera un carisma y

conocimiento grandes. Que se movería por páginas en blanco y crearía a su gusto ecos

simples de escenarios que ayudaran a completar lo que está diciendo. Otros datos importantes

fue que lo iba a llamar Hacedor sin embargo me parecía demasiado magnánimo y buscaba

algo más amigable, así que vino a mi mente “Ramón” y quedo perfecto desde mi parecer

pues Ramón proviene de 'Régimen', y su significado es 'Aquel que da buenos consejos'. Por

otra parte, resolví que el personaje se presentara como en una visita, un encuentro ilusorio, en

la narración es posible inferir que Ramón llega en un tren e inmediatamente se pone a

explicar todo lo que tiene que decir del dibujo, y al final vuelve de nuevo al tren. Sin

embargo, el tren se dirige hacia la portada, lo que significa un nuevo ciclo de viaje repetible,


dentro del mismo texto, como si ese momento pudiéramos repetirlo una y otra vez, en un

bucle de tiempo. También es importante decir que en la narración grafica todo se presenta

como una ilusión y las reflexiones e inferencias de la narrativa están muy sujetas a quien lo

lee.

Producción o dibujo

Luego de concretar lo anterior me propuse a crear un guion grafico que me ayudara a

visualizar más exactamente la narración para ser traducida en viñetas, el Storyboard se basó

en las esferas de temáticas que expuse anteriormente, y trate de imaginar cómo Ramón

contraria su historia y que ejercicios propondría para que el lector dibujara, teniendo en

cuenta que fueran ejercicios que no llevaran a una única respuesta. A continuación,

presentare algunos ejemplos, como nadie más se guiaría del Storyboard cree unas líneas guía

y palabras rápidas que talvez solo son entendibles por mí, sin embargo, estas me contaban de

lo que trataba cada hilo. Aquí algunos ejemplares:


Ilustración 26. Storyboard de Cómo crear un dibujo, elaborado por el autor.

Ilustración 27. Storyboard de Cómo crear un dibujo, elaborado por el autor.


Ilustración 28. Storyboard del proceso creativo en Como crear un dibujo, elaborado por el autor.

Lo siguiente fue resolver dentro de la aplicación digital los siguientes pasos, a partir de ahora

utilice el programa Clip Studio Paint, un programa especializado en la ilustración y enfocado

en crear Manga o narraciones visuales de tipo oriental, esta vez usado para hace una

narración grafica independiente. Usando el programa resolví primero visualizar el orden de

las viñetas para cada página, utilizando las herramientas inscritas para hacerlo.

Ilustración 29. Creación de viñetas en Clip Studio Paint, elaborado por el autor.


Luego de terminar esto añadía los dibujos, ubicándolos en el lugar, siguiendo la narrativa

planteada en el Storyboard para este propósito utilice la herramienta Plumilla Manu, como se

muestra en las imágenes.

Ilustración 30. Creación con Plumilla en Clip Estudio Paint, elaborado por el autor.

Por ultimo añadía los cuadros de dialogo o bocadillos, según la herramienta del programa,

buscando que las palabras que transmitían fueran coherentes con el personaje y con la

situación que estaba sucediendo.


Ilustración 31. Creación de bocadillos y textos, elaborado por el autor.

Y repetí el proceso con todas las páginas que iban en el cuerpo de la narración visual.

Con excepción de algunas que se enfocan más en presentar una suerte de documentos, para

estas cree la ilusión de presentar un documento usando la herramienta de las Capas en gran

medida, superponiendo texto e imágenes.


Ilustración 32. Creación de documentos en Clip Estudio Paint. elaborado por el autor.

Luego de esto me concentre en hacer la portada y la contraportada y otras partes aun

faltantes. Para lo dicho, decidí hacer algo llamativo que también utilizara la línea como medio

y que buscara que el lector se acercara a haber que ocurría en su tramado de figuras, para esto

utilice el mismo programa y la herramienta Plumilla, que luego complete en el caso de la

portada con el título, subtitulo y autor.


Ilustración 33. Creación de la portada con Plumilla en Clip estudio Paint, elaborado por el autor.

Ilustración 34. Detalles de la portada, elaborado por el autor.


Posproducción o impresión y publicación

Por último, luego de tener la obra completa, la revise una y otra vez buscando que podría

arreglar o añadir sutilmente para mejorar, el profesor Motta me regalo buenas ideas para estos

propósitos. Entre estos detalles se destacan las orlas de algunas páginas.

Ilustración 35. Ejemplo de orla, elaborado por el autor.

Para finalizar, procedí a dejar constancia del comic en un formato accesible como es el PDF y

también realicé la impresión buscando que la portada y contraportada se presentara con un

papel barnizado y el resto de hojas con un papel que permitiera ser rayado fácilmente.


Capítulo cuatro: Presentación del objeto creado

El objeto creado es una narración visual que explica conceptos del dibujo desde las

posibilidades de la línea. Esta narración se presenta en dos formatos, uno digital y otro físico

impreso.

En total, la obra podríamos presentarla en dos partes fundamentales que la conforman,

para este apartado utilizare imágenes del formato impreso, no sin tener en cuenta en que el

lector podría constatar los segmentos de la obra en su formato digital.

Introducción de la obra

En primer lugar, la introducción del objeto, en este apartado tenemos la portada y

contraportada que busca generar curiosidad en el lector gracias a la explotación de varios

elementos figurativos, aquí también se incluyen las paginas introductorias que permiten

informar y dar una bienvenida al lector.

Ilustración 36. Portada y contraportada impresas, creado por el autor.


Para las paginas introductorias se plantearon tres, una en la que se informa sobre el

autor, fecha y lugar de edición, y carácter de la obra, otra en la que se presenta una anécdota

preliminar, y por ultimo una advertencia y recomendación antes de empezar a leer el corpus

del texto.

Ilustración 37. Paginas introductorias 1 y 2, elaborado por el autor.

Ilustración 38. Paginas introductorias 2 y 3, elaborado por el autor.


Componente pedagógico - presentación de los objetos mediante la narrativa

El corpus del texto podemos presentarlo basándonos en las micro exposiciones en la

narrativa, en las que Ramón haciendo uso de sus habilidades explica conceptos importantes a

la hora de crear un dibujo. Estas temáticas van en el siguiente orden:

1. Definición y reflexión sobre qué es un dibujo.

Ilustración 39, ¿Que es un dibujo?, tomada de Cómo crear un dibujo.

2. Las posibilidades que permite el dibujar si asimilamos esta actividad en nuestras

vidas.

Ilustración 40, Posibilidades del dibujar, tomada de Cómo crear un dibujo.


3. Panorama actual de la actividad del dibujo.

Ilustración 41, Panorama del dibujo,, tomada de Cómo crear un dibujo.

4. Presentación del proceso creativo en el dibujo.

Ilustración 42, Diagrama del proceso creativo, tomada de Cómo crear un dibujo.

5. Explicación del significante y el significado en el dibujo.

Ilustración 43, El significante y el significado, tomada de Cómo crear un dibujo.


6. Explicación de la metáfora en el dibujo.

Ilustración 44, La metáfora en el dibujo,, tomada de Cómo crear un dibujo.

7. Presentación de las dos modalidades del cerebro que inciden en la creación de un

dibujo.

Ilustración 45, Las modalidades, tomada de Cómo crear un dibujo.

8. Presentación del proceso psicológico y social que conlleva hacer un dibujo.

Ilustración 46, Procesos del dibujo, tomada de Cómo crear un dibujo.


9. Explicación de las imágenes de amplio alcance ligadas al dibujo y su práctica.

Ilustración 47, ¿Que son las imágenes de amplio alcance?, tomada de Cómo crear un dibujo.

10. Presentación de la manera clásica en que se dibuja, los pasos en el proceso de

creación.

Ilustración 48,La manera clásica de dibujar, tomada de Cómo crear un dibujo.

Por otra parte, el refuerzo de la presentación y explicación de los conceptos se complementa

mediante ejercicios y documentos que muestran varias actividades que Ramón nos expone

para que practiquemos el dibujo. A continuación, se muestra las páginas que abarcan estos


elementos, sin embargo, hay algunos entrenamientos que están inmersos dentro de la

exposición de los conceptos, y comparten su registro con las fotos anteriores.

1. Ejercicio en el que se busca desligar los dibujos a lo exclusivamente visual, al tiempo

en el que se plantea una reflexión sobre el alfabeto y los dibujos.

Ilustración 49, El alfabeto y los sonidos, tomada de Cómo crear un dibujo.

2. Ejercicio que se presenta como un documento dentro de la narrativa que busca

recordar el dibujo infantil y reflexionar sobre sus posibilidades, al mismo tiempo en

que marca bases para realizar dibujos en el resto del texto.

Ilustración 50, Pergamino del dibujo infantil, tomada de Cómo crear un dibujo.

3. Ejercicio para asimilar que es el significante y el significado mediante la

personalización de un garabato.

4. Ejercicio que busca practicar la metáfora mediante la caracterización de un fenómeno

meteorológico.


5. Ejercicio que busca ligar las modalidades que inciden mediante el dibujar una

máquina.

6. Entrenamiento en el cual se busca practicar la creación de imágenes de amplio

alcance mediante la creación simple de un ejemplar.

7. Documento y Entrenamiento para sacar provecho a las posibilidades de la línea.

Ilustración 51, Seis posibilidades de la línea, tomada de Cómo crear un dibujo.

8. tercer apartado que se muestra como un documento independiente, donde se busca

mediante oraciones y dibujos inspirar y guiar futuros entrenamientos del dibujo en el

lector.

Ilustración 52, Los ejercicios primigenios, tomada de Cómo crear un dibujo.


Conclusiones

La narración visual elaborada se presenta como una secuencia y yuxtaposición de

imágenes donde Ramón, el personaje principal, dotado del poder de crear dibujos a su antojo

explica hipótesis que inciden en la creación de un dibujo, así como indica ejercicios y

reflexiones para que el lector entrene esta actividad.

El análisis expuesto, anterior y transversal a la creación de la obra, teniendo en cuenta

los postulados, nociones y conceptos investigados, muestran que las posibilidades del dibujo

han sido subestimadas, ya que en si el acto de dibujar presenta grandes herramientas para

habitar el mundo y el conocimiento. Haciendo posible que la presente obra, por medio de la

línea presente diferentes hipótesis, ejercicios y explicaciones sobre la creación de un dibujo y

todo lo que esto representa. De la misma manera se demostró que el lenguaje de la narración

visual puede ser usado como un buen elemento en el transmitir o exponer hipótesis mediante

una narrativa.

La obra fue construida y distribuida mediante los postulados externos investigados en

dialogo con los del autor, el estilo de dibujo y las decisiones narrativas dieron lugar a una

obra que es de fácil, atractiva y fructífera lectura, ya que su contenido está pensado para

cualquier clase de público que se interese por lo que conlleva el dibujar, o por aprender a

hacerlo. De la misma forma en que los ejercicios y explicaciones planteados están destinados

a ser resueltos en varios niveles de dificultad y posibilidad, dependiendo de su realizador.

Finalmente, la obra fue expuesta en medios digitales mediante el formato PDF y

reproducida mediante medios impresos para su difusión en físico.


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