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BALLETS RUSOS
y
los PINTORES
de las
VANGUARDIAS
Nota
La propuesta inicial para el estudio y trabajo de Historia de la Escenografía, iba en relación con el teatro de los pintores de las vanguardias, en toda su amplitud.Al ir recopilando textos, imágenes y bibliografía, advertí que el volumen de trabajo era demasiado grande. Decidí que, para no saltar fugazmente por cada movimiento, era mejor centrarse en un aspecto de las vanguardias. Escogí hablar de los Ballets Rusos dentro de todo ese volumen de información, pues consideré que era, además de preferencias personales, lo más relevante de los cambios escénicos que empiezan a surgir a finales del siglo XIX y principios del XX.
Fotografía de la portada: Representación de Firebird. Diseños por Golovin
Rocío Leal GómezHistoria de la Escenografía
1º Escenografía 2009/2010
ÍNDICE
Introducción 1-12
Los Ballets Rusos (Ballets Russes) 13-64
Alexandre Nikolayevich Benois 18-24
Petrushka 20-24
Léon Bakst 24-37
L'Après-midi d'un Faune 30-33
Nicholas Konstantinovich Roerich 38-41
Andre Derain 42
Pablo Ruiz Picasso 43-51
Parade 43- 45
Sombrero de Tres Picos 46-48
Pulcinella 48-51
Natalia Goncharova 52-54
Repertorio de los Ballets Rusos 55- 64
Conclusión final 64
1Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
Introducción
Pintores, coreógrafos, músicos, poetas, directores escénicos y un gran
elenco de artistas han sido protagonistas de las colaboraciones artísticas
durante el siglo XX. El interés de los pintores por este tipo de
colaboraciones, tiene que ver con la pérdida de independencia de este
sector frente a los demás. De este modo, la obra de los pintores pasa a
fundirse con el proyecto artístico colectivo. Ahora colabora en la creación
del espacio teatral. El lenguaje plástico del artista tendrá que conseguir una
eficacia visual sobre un escenario en movimiento, que será un proceso más
complejo que el que se les presenta ante la verticalidad de un lienzo o de un
muro en reposo.
Cartel de los Ballets Russes
El carácter autónomo que empieza a tener el arte en época de
reciente modernidad y los replanteamientos sobre las implicaciones en el
mundo que les rodeaba, hace que los artistas encuentren como idóneo el
espacio escénico para la confrontación de todas esas contradicciones a las
que se estaba viendo sometido el ser humano. Hace de esta circunstancia,
un hervidero de arte, de creaciones y de tesoros escénicos.
Es este aspecto poco conocido de la obra de ciertos artistas de
vanguardia lo que constituye nuestro trabajo. Crea un valioso conjunto
artístico que ayuda a explicar y entender las múltiples y diversas
convergencias y divergencias entre las diferentes artes y movimientos de
2Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
vanguardia: Cubismo, Futurismo, Constructivismo, Suprematismo y
Dadaísmo.
La contribución de los pintores y escultores han hecho a las artes
escénicas verse en términos de luz, color y forma, o lo que es lo mismo, en
términos de elementos puramente plásticos.
Diseños de vestuario de Giorgio Di Chirico
Es desde los primeros años del siglo XX hasta la década de los treinta,
cuando se da una colaboración de las artes entre sí que provoca inclusión
en las producciones escénicas de los artistas plásticos de vanguardia. Todo
esto se da en un contexto concreto que remueve la sociedad. La Rusia de la
Revolución del 17, el París en el período de entreguerras, la Italia del
futurismo y la Alemania de la República de Weimar. Discurre en paralelo,
por tanto, la renovación radical llevada a cabo en el campo escénico. Las
reflexiones sobre la modernidad de los conceptos artísticos fueron
trasladadas a las producciones escénicas. Fueron significativos pintores
como Balla, Léger, Picasso, De Chirico, Goncharova, Grosz, Rodchenko,
Depero, Picabia, Schlemmer, entre otros.
3Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
Oskar Schlemmer .Cartel del Ballet
Triádico
Hasta el siglo XIX la
escenografía y el vestuario del
teatro y la danza habían
permanecido en manos de
artesanos cuya labor de meros
decoradores especializados
consistía en ajustarse fielmente
a normas establecidas desde el
siglo XVI. Se sometían a una
ordenación regulada por la
perspectiva, encaminada a
crear un espacio que
reprodujese una ilusión de lo real. Pero poco a poco, de la mano de
directores más innovadores, los decoradores dejaron paso a los
escenógrafos. Se les concedió un lugar equiparable incluso al del director o
al propio autor de la obra. Surge, en parte, por el predominio de los
conceptos estéticos en el diseño escénico. Aparecen por tanto los “pintores
artistas” que se vieron involucrados en todas estas tareas que sustituyeron
a los meros “pintores hacedores” de las escenografías pintadas sobre telas
verticales que predominaban hasta entonces. Especialmente notorio en los
teatros simbolistas abiertos en París en la última década del siglo XIX. El
poeta Paul Fort en su Théâtre d'Art solicitó la participación en sus montajes
de pintores como Bonnard, Vuillard, Toulouse-Lautrec, Denis o Munch.
Edouard Munch
4Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
Pintores postimpresionistas que reflejaban su sensibilidad al color y a
la luz en los decorados, pero que, por desgracia, no se conservan restos de
sus colaboraciones. Max Reinhardt había llamado al pintor alemán Lovis
Corinth a participar en sus montajes como Salomé de Oscar Wilde y Elektra
de Hofmannsthal. A Eduard Munch lo llamó para participar en dos piezas
angustionas y de gran soledad: Ghosts y Hedda Gabler de Ibsen.
Desde el simbolismo, la búsqueda de modelos alternativos al
naturalismo que en el siglo XIX había sido preeminente, trajo consigo una
culminante liberación que permitió y promovió la reconsideración de las
formas y los conceptos del espacio y del tiempo en las vanguardias
históricas, y que también tuvieron su reflejo inmediato en las nuevas
creaciones escénicas. Ejemplos a destacar fueron los directores rusos
Meyerhold y Tairov, que marcaron sus diferencias con respecto al teatro
naturalista, abriendo a la experimentación sus innovadoras producciones
escénicas al incluir diversas disciplinas que les llevaron a grandes
colaboraciones con artistas integrantes de la vanguardia rusa.
Narciso Bacchante. Bakst
5Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
El teatro del futurismo también fue muy antinaturalista, antirrealista y
antipsicológico. Para éstos, el teatro era uno de sus medios favoritos de
expresión. El teatro tradicional no era ya válido para esta actividad de
expresión de la realidad en movimiento del mundo moderno.
Las propuestas de Appia y Craig, como los grandes renovadores del
teatro en este cambio de siglo, abren nuevas visiones: “No pintura, sí
espacio” sería la formulación de esta nueva propuesta teatral. Un espacio
de tres dimensiones y volúmenes simples. La atmósfera, para ellos, debía
ser creada a través de la iluminación.
Oskar Schelemmer. Ballet Triádico
La influencia en el teatro posterior de sus visiones de simplicidad,
verticalidad, diseños angulares, carácter antisensual, ha sido enorme,
especialmente en el teatro de los constructivistas rusos como se pone de
manifiesto en la escenografía que realizó Popova para la obra El Cornudo
Magnánimo. Dice Rissbieter “Una de las ideas más fructíferas de Gordon
Craig y Appia es la de la escena concebida como un espacio cuyo suelo
sirve para ser dividido en niveles, roto, pasó sobretodo a los constructivistas
rusos. Tairov hace de ella la de su teoría; Meyerhold y Okhlopkov primero la
convirtieron en auténticamente teatral, incluyendo al público en este
espacio que estaba para ser dividido y modelado como un todo”.
6Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
El público muestra gran interés por el espectáculo en general. Sería
después de la Primera Guerra Mundial cuando se aprecie un cambio
perceptible. En París, las actividades escénicas durante el período
comprendido entre 1917 y 1926 fue mucho más intensa que en ningún otro
momento y contó con alicientes como la gran participación de los artistas
plásticos de vanguardia, hecho que no se había dado hasta entonces. Lo
vemos muy claramente en la gran actividad de las compañías de los Ballets
Rusos y los Ballets Suecos, pero también en el Ballet de l'Opera y la labor de
entidades privadas como el caso del Conde de Beaumont, la Princesa de
Polignac o Ida Rubinstein.
Vaslaw Niyinsky y Anna Pavlova, Ballets Rusos de Diaghilev.
El teatro se convierte, por tanto, en el principal lugar de difusión de
los movimientos de vanguardias, gracias al pensamiento bastante extendido
entre los artistas de este momento de la “interdisciplinariedad”(o lo que se
conoce como “obra de arte total” enunciado por Wagner y teorías parecidas
sobre la fusión de todas las artes que también enuncian autores como
Kandinsky o la Bauhaus), como modo más eficaz para el arte moderno de
7Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
llegar al mayor número de espectadores. Es el caso del cubismo, gracias a
la obra Parade, éste se difundió popularmente. En Rusia, el constructivismo
tuvo su mejor público en el teatro. El teatro se convierte, así, en el arte
popular por excelencia, donde se transmiten las ideas revolucionarias al
pueblo en su mayoría analfabeto que acudía al teatro para intentar evadirse
de la dura realidad que vivían.
Parade. Pablo Picasso
Cocteau lleva a Picasso y a Satie a la compañía de los Ballets Rusos
para poner en marcha una de las obras más significativas del siglo XX:
Parade, que se estrena en el Theatre du Châtelet de París en 1917. “Parade
constituyó la primera incursión del auténtico modernismo radical en el
ballet. La escenografía de Picasso, en particulas las construcciones de diex
pies de alto de los dos managers y un caballo de vodevil formado por dos
hombres, la música ambigua de Erik Satie, la coreografía de pantomima de
Leonide Massine y la actualidad de la historia de Cocteau ofendieron a la
audiencia del Theatre du Châtelet el día del estreno” explica Deborah
8Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
Menaker Rothschild en su obra Picasso's Parade. Hay que tener en cuenta
para comprender esta reacción, que la guerra había vuelto más
conservadora a aquella audiencia que se sintió ofendida e insultada por los
rasgos más innovadores del espectáculo.
Cartel de los Ballets Rusos. Pablo Picasso
Igor Stravinsky causó gran impacto con su música en los Ballets
Rusos. Compuso obras para Diaghilev como El Pájaro de Fuego, Le Coq d'Or,
Petrushka, Les Noces o L'aprés-midi d'un faune, o Pulcinella. Este último fue
uno de los más famosos y se estrenó en 1920. Se le considera
representativa del “clasicismo modernista” y aparecía reflejado en los
vestuarios y escenarios que diseñó Picasso como en la música de
Stravinsky.
9Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
Rolf de Maré. Autorretrato y figurín para un ballet
Rolf de Maré, el promotor de los Ballets Suecos, programó La Giara en
1924, donde se manifiesta también esa corriente clasicista y que contó con
la colaboración de Giorgio De Chirico en ese ballet inspirado en una obra de
Pirandello.
Skating Ring. Léger
10Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
Skating Ring estaba inspirado en Chaplin, que descubre Léger gracias
a Apollinaire, constituye para toda la vanguardia artística del momento una
verdadera revelación y una fuente de inspiración. Chaplin había
personalizado en su figura la geometrización del movimiento del cuerpo
humano por las que había sido tachadas de “inhumano” muchas de las
producciones de la vanguardia, que se había generado en la crisis de la
representación y el cuestionamiento de la figura humana. Por entonces, los
espectáculos abstractos antropomorfos eran frecuentes. Adquieren formas
que abarcan experiencias tan peculiares como las del propio Léger,
Schlemmer, Depero, o el empleo de la biomecánico en los espectáculos
constructivistas rusos. Léger trata de convertir estatuas las masas
corporales de los bailarines de Skating Ring, procurando neutralizar sus
movimientos individuales para tener un dominio casi total de la escena.
Festa della sedia. Depero.
1927
11Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
Oskar Shlemmer, en su Ballet Triádico, trata figurines que intenta
personificar en una utópica reconciliación de lo humano con la técnica
llevada a cabo en la abstracción.
Oskar Schlemmer. Ballet Triádico
Depero intenta transformar a los bailarines de Le Chant du Rossignol
en seres totalmente mecánicos, para ello diseñó trajes acartonados de estilo
sólido y de un movimiento mecánico; ensanchamientos grotescos en los
brazos y piernas anchas; manos hechas de latas o discos, con dedos largo,
afilados y rápidos; máscaras doradas y verdes que vislumbraban desde un
espejo; abrigos con forma de campana y pantalones y mangas de camisa;
todo ello poliédrico y asimétrico.
12Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
Depero. Diseño para ballet
Por último, las marionetas de los Ballets Plásticos en 1918 para el
Teatro dei Piccoli de Roma como un total antinaturalismo en el que el teatro
tradicional no tenía cabida, se trataba de figuras de madera de formas
geométricas coloreadas que se movían mecánicamente por un espacio
escénico creado gracias a un movimiento totalmente futurista.
En este estudio nos vamos a referir en concreto a lo que supuso la
compañía de los Ballets Rusos en la Europa vanguardista. Podríamos hacer
un recorrido por todas las vanguardias pero son tantos los artistas que han
colaborado y tantas las genialidades escénicas, que lo más apropiado es
centrarnos en un aspecto concreto y los Ballets Rusos son el mejor ejemplo
de lo que venimos a tratar: El teatro de los pintores de las vanguardias,
concretamente en los Ballets Rusos.
13Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
Los Ballets Rusos (Ballets Russes)
Durante las primeras décadas del siglo XX, el componente visual de
un ballet se convirtió en el signo fundamental de su modernidad. Un ballet
era moderno si parecía moderno, independientemente del tema, la música e
incluso la coreografía. El diseño era el signo, la forma en que se vestía y se
presentaba el cuerpo. La manera en que el espacio escénico aparecía
desnudo, enmarcado, dividido o adornado.
El Espectro de la Rosa. Michael Fokine. Escenografía de Bakst
Los Ballets Rusos fue una gran compañía de ballet creada en 1907
por el empresario ruso Sergéi Diágilev. La compañía integraba a los mejores
artistas del Ballet Imperial del Teatro Maryinsky de San Petersburgo, que
estaban dirigidos por el coreógrafo Marius Petipa. Las giras internacionales
de la compañía comenzarían a partir de 1909 y en 1911 se independizarían
de los Ballets Imperiales. Ya como compañía independiente, se hace
residente primero del Théâtre Mogador de París y luego en Montecarlo, París
y Londres. Esta compañía causa gran revuelo en la Europa Occidental
14Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
gracias a la fuerza de la escuela rusa frente a la de Francia. Sería la
compañía de ballet más influyente del siglo XX y aún perdura hoy.
Diseño de escenario para La Pisanelle. Léon Bakst
Los Ballets Rusos de Diágilev llegaron a Occidente y desarrollaron su
actividad e influencia en el periodo comprendido entre 1909 y 1929,
coincidiendo con la eclosión del cubismo, el nacimiento del Dadaísmo, del
Surrealismo y la llegada de grandes talentos de la Escuela de París. Durante
veinte años revolucionaron el concepto que se tenía de la danza clásica y
que tenía muchísima fuerza en Rusia, a diferencia que en Europa.
Por diversas circunstancias, la intervención de artistas diferentes era
ya un hecho. Músicos como Stravinsky, Falla, Ravel, Poulenc, Auric, e
intelectuales como Cocteau. Todos entusiasmados por el proyecto artístico
novedoso que sobrepasaba lo conocido hasta hoy, fue avalado por la
nobleza afincada en París. La capital francesa, conocida como la capital
artística mundial, empieza a dar pintores a los que les motivaba la
participación en el diseño de vestuarios y decorados. Todo esto haría que el
ballet tuviese un antes y un después.
Como ya hemos adelantado, el promotor y artífice fue Sergéi Diágilev
(Novgorod 1872- Venecia 1929), para quien el ballet no fue sino la síntesis
perfecta del dibujo decorativo, de la pintura, de la música y de la danza. Su
15Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
personalidad estuvo marcada por la seguridad en sí mismo y un don de
gentes que lo hacía ser un triunfador en lo que se propusiera. Introducido
desde muy joven en el mundo del arte como organizador de exposiciones de
éxito y de conciertos de música rusa. Supo ganarse el prestigio y la fama
entre los nobles, poderosos y demás personalidades.
Sergéi Diágilev
Los Ballets Rusos fueron diferentes de lo que en su época era
habitual. Aunque en 1909 y hasta 1914 los decorados a excepción de
Golovine y algunos de Bakst, fueron acorde con su tiempo. La diferencia
estaba en que eran realizado según los esquemas de artistas menos ligados
a las tradiciones y, quizás, más talentosos que los decoradores
profesionales. El colorido contrastó con los hasta entonces aburridos
oscurecidos y sombríos naturalistas y el gusto por trajes históricos. El efecto
decorativo de la multiplicidad de colores cambió la perspectiva escénica
16Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
hasta el punto de suponer la renovación del arte teatral. La mezcla de la
técnica perfecta de los bailarines, el exotismo, la música excelente,
provocaron un gran éxito que fue el estallido de un auténtico delirio por
parte de los espectadores.
Representación de Firebird. Diseños por Golovin
Las alianzas Bakst-Benois-Stravinsky marcarían la transformación
radical en la moda y en el gusto de la sociedad parisina de comienzos del
siglo XX.
En cuanto al interés por la pintura de Diágilev, fue estimulado y
desarrollado por Benois, compartiendo con Bakst sus experiencias junto a
Walter Nuvel en la Revista El Mundo del Arte y por la amistad con su primo
17Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
Dima Filósofov. En Bakst encontró el pintor de escena que conseguía
expresar sus concepciones sobre la integración del color y del dibujo a la
música y la danza como la más pura armonía rítmica.
Diseño de vestuario para Cleopatra. Léon Bakst
Los pintores de los Ballets Rusos fueron: Bakst, Benois, Roerich,
Korovine, Golovine, Larionov, Picasso, Derain, Gontcharova, Sert, Anisfeldt,
Bauchant, Gris, Braque, Marie Laurencin, Matisse y hasta Cocteau que
colaboró en el cartel de “El Espectro de la Rosa” en 1911. Hablaremos más
detenidamente de los más representativos.
18Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
Alexandre Nikolayevich Benois
(1870-1960) En 1901, Benois fue nombrado director escénico del
Teatro Maryinsky. Desde entonces dedicó la mayor parte de su tiempo al
diseño escénico y la decoración. Les Sylphides (1909), Giselle (1910), y
Petrushka (1911) fueron unos de sus mayores logros. Trabajó sobretodo con
Diágilev para los Ballets Rusos, pero también colaboró simultáneamente con
el Teatro de Arte de Moscú y otros grandes teatros europeos.
Alexandre Nikolayevich Benois. Retrato hecho por Bakst
Fue, probablemente, el miembro más importante de la familia
artística. Su influencia en el ballet moderno y el diseño escénico fue
determinante. El padre de Benois, Nicholas Benois, y su hermano, Leon
Benois, fueron importantes arquitectos rusos. Benois no planeó dedicar su
vida al arte y se graduó en Derecho por la Universidad de San Petersburgo
en 1894. Tres años después, mientras estaba en Versalles, pintó una serie
de acuarelas que representaban los “Últimos paseos de Luis XIV”. Fueron
exhibidas por Pavel Tretiakov en 1897 y atrajeron la atención de Diágilev y
de Leon Bakst. Fundaron, entonces, la Revista de Arte Mir Iskusstva, que
tenía como objetivo promover el Art Nouveau en Rusia.
Durante la primera década del siglo XX, Benois continuó editando
dicha revista, pero también continuó en sus intereses por la investigación.
Preparó varias monografías sobre el arte ruso del siglo XIX y el Tsarskoye
Selo. Entre 1918 y 1926 puso en funcionamiento la galería de viejos
maestros del Museo de Hermitage. En 1903, imprime sus ilustraciones para
19Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
El Jinete de Bronce de Pushkin, reconocidas como una de las obras maestras
del género.
La fundación de la revista El Mundo de Arte, tuvo gran influencia en
los círculos artísticos rusos. Se declaró enemiga de los académicos, los
sentimentalistas y los realistas. Presentó a su público los elementos
principales de los círculos artísticos rusos, el post-impresionismo europeo y
el movimiento modernista.
In The Fall. Benois. 1910
The buffoon. Diseños de vestuario. Alexandre Benois
20Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
Su primera ópera fue El Crepúsculo de los Dioses (1902) y su primer
ballet, para el Teatro Hermitage El Hada de las Muñecas (1904). Firme
defensor del ballet como una de las grandes artes, universo sin explotar
para el que había que utilizar a verdaderos pintores en la realización de
decorados y vestuario. Fue autor de Pabellón de Armida (1907) inspirado en
Versalles. Creó el ambiente de Las Sílfides y la reposición de Giselle de
1910, así como la primera versión de El Ruiseñor, cuyos decorados en 1914
quedaron depositados en los alamacenes de Druny Lane y serían destruidos
en la guerra. Le debemos a Benois Petrushka, Les Biches y El Tren Azul.
Petrushka
Protagonizado por Vaslav Nijinsky. Estrenada el 13 de junio de 1911
en el Théâtre du Châtelet de París. Su música fue concebida originalmente
como una obra programática de concierto en la que el piano se opone
continuamente a la orquesta, llegó a escena gracias a Diágilev, quién pidió
al compositor y al pintor Benois que escribieran el libreto el ballet.
Escenografías Petrushka
21Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
Escenografías Petrushka
Cuenta la historia de tres muñecos humanizados: el desdichado
Petrushka, la bailarina a la que ama, y el bruto que se la disputa. Los
acompañan una feria de tipos populares, de manera que se opone el
muñeco popular, casi infantil, a la presencia multitudinaria en ese pueblo.
Stravinsky inauguró primero el títere en una pieza para piano y orquesta, y
más tarde comprendió que había que darle aquel nombre tan ruso y que
evocaba tantas cosas. Diágilev le convenció para convertir aquello en un
ballet con la ayuda de Benois al frente de los decorados y el vestuario.
Nikimski. Petrushka
22Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
Fotografías de la representación de Petrushka
23Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
Nikinski. Petrushka
24Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
Léon Bakst
(1866- 1924). Entre 1909 y 1914 pintó los decorados de doce ballets.
Su decorado y vestuario nada más levantar el telón en Schéhéreazade
provocó un gran aplauso. Con Cleopatra y su atardecer púrpura, y la
inundación de lapislázuli en el escenario, cambia la apariencia de las
mujeres parisinas, cuya moda adoptó el exótico colorido de las formas de
vestir y adornos. Otra de sus colaboraciones fueron Dafnis y Cloe, Juegos, El
dios azul, thamar, La leyenda de José o los decorados impresionistas de
Preludio a la siesta de un fauno de 1912, junto con Nijinski.
Léon Bakst
Léon Bakst fue un creador y un visionario extraordinario. Sus
escenografías y exóticos vestidos revolucionan el arte. Sus trajes eran
diseñados para mostrar una nueva forma de sentir la danza, la música y la
expresión del artista dentro y fuera de la escena. Llegó a ser una
personalidad mundialmente conocida después de exhibir sus diseños de
escenografía y vestuario de Schéhéreazade, obra inspirada en uno de los
actos de Las mil y una noches, interpretado por primera vez el 4 de junio de
25Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
1910 en el Theatre National de L'Opera de París por Ida Rubinstein y Vaslav
Nijinski.
Escenografía para Shéhéreazade. Bakst
Este ballet supuso uno de los mayores éxitos de la compañía de
Diágilev. La escenografía y el vestuario que Bakst creó para esta
representación hechizaron al público con sus referencias orientales que,
como ya hemos señalado, se pusieron de moda inmediatamente.
Diseño de vestuario para Schéhéreazade.
Bakst
26Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
Su nombre real era Lev Somoilovich Rosenberg. Era pintor y
diseñador de escenografía y vestuario. Nace en San Petersburgo
(Leningrado). Estudia en la Academia Imperial de las Artes y más tarde
trabaja en Moscú. No estaba
conforme con los contextos
básicos y académicos del
ballet clásico y su diseño
artístico y concibió vestidos
exóticos y decorados que
pasaron a formar parte
integral y exclusiva de la
producción escénica.
Diseño de vestuario para Schéhéreazade. Bakst
Su mundo revela la personalidad de un genio lleno de innovación, un
exquisito gusto y predisposición hacia las cosas bellas y extravagantes, que
nos muestra esa mente única e inimitable, a pesar de sus caídas en
depresiones constantes y retiros voluntarios. Fue capaz de crear atuendos
impregnados en colores puros,
brillantes y explosivos;
ornamentos y decorados que el
público no había visto hasta
entonces. Bakst se entregó por
completo a los Ballets Rusos, en
dónde gracias a la singular
personalidad de Diágilev y al
entorno artístico que los
rodeaba, pudo concretar sus
ambiciones como artista ya que
había encontrado la autonomía
para crear con gran facilidad y
lograr el éxito.
Diseño de vestuario para Nijinski
Bakst. 1911
27Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
En la primera temporada en París, representaron el Pabellón de
Armida y Las Saldes con vestuario de Benois; y Cleopatra con vestuario y
decorados de Bakst; todos bajo la coreografía de Fokine.
Diseños de vestuario para Cleopatra. Bakst
La función inaugural de la primera temporada de los Ballets Rusos
tuvo lugar el 18 de mayo de 1909 en el Teatro Chatelet de París.
El diario Le Figaro describía así un ensayo de Pabellón de Armida:
“ Transportan la escenografía, los hombres cosen y martillan (…) El
joven delgado, que parece un maestro de esgrima, vestido con una túnica
de algodón, es Michel Fokine, maétre de ballet y reformador del ballet ruso.
La muchacha trigueña, graciosa, con ojos almendrados, piel de marfil, que
evoca sueños orientales, es Vera Karalli, de Moscú (…) Esa belleza
misteriosa y concentrada, que parece habitada por la gracia infinita, es
Tamara Karsavina (…) Entre los hombres, el extraordinario Nijinsky, un
Vestris moderno (…) Fokine da unas palmadas, cesa el parloteo, y todos
van a sus posiciones. Van a ensayar "El pabellón de Armida", de
Tcherepnin. Los agudos ojos de Fokine no pierden ningún detalle (…) Uno
por uno, los bailarines desaparecen, la escena se vacía. Cuando reaparecen,
están vestidos en ropas de calle, y hablan, hablan, hablan. De qué hablan?.
De París… Pero mientras hablan, no dejan de marcar con sus dedos los
pasos que bailarían mañana”.
28Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
Diágilev organizó la publicidad en los periódicos en los que aparecían
los primeros bailarines de la compañía: Fokine y Mordkine, pero no Nijinski.
El cartel anunciaba la temporada y reproducía un dibujo de Anna Pávlova
firmado por Serov: la silueta se alargaba sinuosa. Cartel que apareció por
todo París pero nadie preguntaba por Anna Pávlova, sino por Nijinski.
Una de las obras maestras de Bakst, por la sabia mezcla de
elementos humanos y morfológicos. Bakst dio a Nijinski un vestido con
simples formas geométricas, de color llamativo, con una imagen indefinida
que no era ni femenina ni masculina y simbolizaba la sexualidad latente.
Destacarían entre sus decorados escénicos los pertenecientes a
Cleopatra y Schéhéreazade, los motivos egipcios de Salomé, los griegos de
La siesta de un fauno, Narciso y Dafnis y Cloe, los bizantinos para la ópera
de Borís Godunov, entre otros.
Vestuario para Dafnis y Cloe. Bakst Diseño de vestuario para Narciso. Bakst
29Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
Diseño de vestuario para Narciso. Bakst Diseño de escenografía para Salomé. Bakst
Bakst fue un artista único, que llegó a crear la escenografía y los
trajes más admirados en toda la historia del arte escénico.
Schéhéreazade supuso uno de los mayores éxitos de los Ballets
Rusos. Diágilev y Bakst satisficieron sus exóticas y eróticas fantasías:
mezcla de delicadeza y fuerza, utilización de gran colorido y lleno de
sutilezas. La contribución de Bakst a la interpretación de Nijinski y Jarsavina
en Carnaval fue dar simplicidad a los trajes y decorado.
Con Pájaro de Fuego se introduce Stravinsky en el círculo cerrado de
los allegados de Diágilev. En 1911 Diágilev encarga a Benois los decorados
de Petrushka y, a Bakst El Espectro de la Rosa y Narciso, bailados todos por
Nijinski. El vestido del bailarín como Espectro de la Rosa, es una de las
obras maestras de Bakst por la sabia mezcla de elementos humanos y
morfológicos. Antes de cada representación, el vestido debía ser reparado
sobre el propio cuerpo del intérprete. Narciso estaba inspirado en una
imagen italianizada de Gracia y Bakst da a Nijinski vestido con formas
geométricas simples, como ya hemos dicho en otro momento, con una
ambigüedad significativa.
30Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
Pájaro de Fuego. Bakst Pájaro de Fuero. Diseños de vestuario. Bakst
En 1912 todo el repertorio fue dibujado por Bakst. Fueron Cocteau y
Federico de Madrazo los autores de Dios Azul, con música de Reynaldo
Hahn y coreografía de Fokine. El orientalismo de Bakst se inspira ahora en
la india, con delicados vestidos, pero un decorado bastante insípido y
demasiado tópico.
L'Après-midi d'un Faune
Inspirado en el poema de Stéphane Mallarmé, titulado “La Tarde de
un Fauno”. Creado el 29 de mayo de 1912 por Vaslav Nijinski, sobre una
partitura de Claude Debussy, que tardó dos años en componer el correlato
musical del poema ( 1892- 1894), y con escenografía de Léon Bakst. “La
Siesta del Fauno” provocó un gran escándalo cuando fue presentado por
primera vez en París, por su erotismo y el modo en que dejaba atrás la
tradición del ballet clásico. Para Bakst, el protagonista había recurrido a la
cerámica griega y al estilo de que en cada color existe una gradación con la
31Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
que expresar diversos sentimientos, como castidad, sensualidad y, a veces,
bestialidad. La coreografía creada representaba un aspecto de bajorrelieve
griego, donde las bailarinas debían desplazarse con el pie al suelo, posando
primero el talón y terminando el movimiento en los dedos, en total
oposición a las reglas clásicas enseñadas hasta entonces. Los bailarines
debían ubicar el cuerpo de frente al público, la cabeza y los miembros de
perfil y brazos mantenidos en posiciones angulares diversas.
Telón para L'après-midi d'un faune. Bakst
El telón del Teatro de Châtelet, se levantó ante el público sorprendido
de tan bellísimas vistas del decorado de Léon Bakst: un lago bordeado de
árboles, en medio del cual se encontraba Nijinski con su malla cubierta con
manchones, y las ninfas vestidas con túnicas plisadas, pelucas doradas y
pies desnudos. Nikinski obtuvo gritos y abucheos por el modo tan erótico a
la hora de mover el pañuelo que llevaba. Debussy abandonó la sala diciendo
“Ha interpretado groseramente la palabra satisfacer”. August Rodin también
se manifestó en los periódicos: “Nijinski era un genio; Diágilev, otro; el
Preludio, arte; y el que no estuviera de acuerdo, un retrógrado”. La obra es
considerada por algunos expertos como el punto de partida de la
modernidad musical.
32Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
Luvov Tchernicheva y Vaslav Nijinski en la Siesta del Fauno. Bakst
El argumento de la obra consiste en un fauno que se encuentra
dormitando en una tarde de calor. Aparecen unas ninfas, y él,
curioseándolas, pretende acercarse y acariciarlas. Las ninfas juegan con él,
pero en el momento que él se desata, las ninfas huyen asustadas. Herido y
contrariado, el fauno encuentra un pañuelo que una de las jóvenes ha
perdido. En la soledad, respira el perfume y , de pronto, aparece ante su
imaginación la bella joven dueña del pañuelo. El fauno besa el pañuelo, lo
33Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
aprieta contra su pecho, y las imágenes evocadas en él se convierten en su
objeto con el cual satisface sus deseos.
“Un fauno dormita...
Unas ninfas lo embaucan...
Un chal olvidado satisface su
ensoñación...
el telón desciende para que el
poema de comienzo en la
memoria de todos...”
Programa para el Fauno de Bakst
Nijinski en la Siesta del Fauno. Bakst
34Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
El gran acontecimiento de 1913 fue la Consagración de la Primavera
con música de Stravinsky, coreografía de Nijinski y diseños de Roerich.
En 1914, Sert con los decorados y Bakst con el vestuario, colaboraron
en la Leyenda de José. En Mariposas, Bakst diseña los vestidos y el
decorado es encargado a Doboujinsky. Bakst empieza a decaer y no vuelve
a realizar otra obra importante para Diágilev hasta 1917 con Les Femmes
de Bonne Humuer, con música de Scarlatti y coreografía de Massine.
Nuevamente, en 1921, Diágilev y Bakst trabajan juntos para una
versión de La Bella Durmiente de Tchaicovsky arreglada por Stravinsky. La
coreografía original era de Petipa con variaciones consecutivas de Sergeyev
y Nijinski. El ballet era muy clásico y pretendía conectar los buenos tiempos
imperiales y llenos de fantasía repitiendo, así, el estilo de sus grandes años.
Ballet La Bella Durmiente. Vestuario de Bakst
La labor de estos artistas influyó con sus investigaciones
arqueológicas para justificar sus decorados en los ballets estilizados de
Fokine, ayudándole a la hora de expresar dinámicamente la forma e
imágenes de danza que aparecían sobre vasijas áticas rojas y negras. Las
ideas surgían a veces de lo más sencillo; por ejemplo, cuando Diágilev, para
las danzas Polovtsianas, de Príncipe Igor, cuyo telón encarga a Roerich,
había acaparado todo lo que encontró en las tiendas elegantes orientales de
San Petersburgo y despertaba todo el interés exótico tanto hacia Korovine
por El Festín, como para Golovine en Pskovitiana.
35Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
En cuanto a los músicos,es necesario nombrar a algunos para que
veamos la relevancia de esta obra total. Son Chopin, Weber, Borodine,
Falla, Ravel, Poulenc; Especialmente hay que nombrar a Stravinsky
colaboró con ocho ballets: Pájaro de fuego, Consagración de la Primavera,
Canto del Ruiseñor, Petrushka, Renard, Las bodas, Apolo Musageta y dos
óperas: Mavra y El ruiseñor; un oratorio: Edipo rey y su cuadro sinfónico: y
Fuego artificiales.
Diágilev y Larionov se conocieron en 1903 en una exposición de
arquitectura moderna inglesa organizada por la Sociedad de Arquitectos en
Moscú, cuando todavía dirigía la revista El Mundo del Arte, que coinciliaba
las ideas occidentales de vanguardia de pintores franceses como Degas,
Toulouse- Lautrec, Van Gogh, etcétera, con las de la escuela rusa de San
Petersburgo. En 1913, enpezó a trabajar los Ballets Rusos, colaborando en
“Sol de Medianoche” y “Renard”.
Larionov. Diseños de vestuario
36Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
La primera época del Ballet Rusos había derivado directamente de
Mundo del Arte y a su término, en 1914, los ballets y los decorados se
modernizan y entre los pintores hay más extranjeros que rusos, y los rusos
que trabajan, viven en París.
Aparece una nueva concepción del decorado, libre de histrionismo y
naturalismo, con El Gallo de Oro de Natalia Gontcharova (1881- 1962).
Vestuarios varios para Le Coq d'Or. Natalia Concharova
37Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
En esta segunda etapa, 1914- 1929, se crearon unos cuarenta ballets
con Larionov, Braque, Marie Laurencin, Gris, Max Ernst. Los decorados
creados a partir de 1917 Parade, Pulcinella, Tricornio y Cuadro Flamenco
(todos ellos por Picasso); Las Bodas, por Natalia Gontcharova; Renard, por
Larionov; Chatte, por Pevsner y Gabo; revelan el mismo deseo de
renovación del naturalismo y el hisoricismo. Parade no fue comprendida,
siendo una apología al cubismo triunfante fruto de la asociación Satie-
Cocteau- Massine- Picasso. Éstos dos últimos integrados en el círculo de los
Ballets Rusos en Italia en 1917, mientras la compañía estaba de gira por
Sudamérica.
Cartel de los Ballets Rusos por Natalia Goncharova
38Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
Nicholas Konstantinovich Roerich
Nace en San Petersburgo, Rusia, el nueve de octubre de 1874 y
muere en Kullu el 13 de diciembre de 1947. Muy temprano se mostró
talentoso; pronto descubrió su amor por la arqueología. Mediante otros
contactos desarrolla su interés por coleccionar cosas prehistóricas. Sin
embargo, su talento para el dibujo era patente desde joven.
Llamaría su atención Wagner, que durante su carrera como diseñador
teatral, creó diseños para la mayoría de las óperas del compositor. Con
frercuencia relacionaba la música al uso del color y de las armonías del
color y aplicó esta sensación a sus diseños para la ópera. Dice Nina
Selivanova en su libro “The World of Roerich”: “La fuerza original del trabajo
de Roerich consiste en una simetría magistral y marcada, y un ritmo
definido, como la melodía de una canción épica”.
Coincide en la Facultad de Derecho con Diágilev que le reconoció ya
su talento como pintor y estudiante del pasado ruso. Durante su tesis
universitaria, Roerich planeó un viaje durante un año por Europa para visitar
museos, exhibiciones, estudios y salones de París y Berlín, pero conoció a la
que sería su esposa Helena Blavatsy, talentosa y polifacética mujer artista;
escribió, por ejemplo, los Fundamentos del Budismo.
Polovtsian dances from Prince Igor. Roerich. 1909
Roerich solicitó y obtuvo el puesto de Secretario de la Sociedad de
Incentiva del Arte, convirtiéndose más adelante en su director. Instauró su
sistema de adiestramiento en arte que aún hoy día parece revolucionario:
39Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
enseñar todas las artes, todo bajo el mismo techo, y dar a la facultad rienda
suelta para que diseñara su propio currículo.
Lo que distinguía a Roerich era esa inclinación para armonizar, unir y
encontrar correspondencias entre los conflictos aparentes en todas las
áreas de la vida.
En 1906 Diágilev organiza una exposición de pinturas rusas en París y
allí estaban 16 trabajos de Roerich. Al año siguiente presentó a Fiodor
Chaliapin ante los parisinos con música de Musorgski, Rimski-Korsakov,
Borodin, Rachmaninov, Scriabin, Glazunov, Stravinsky y otros. En 1909
presenta a Chaliapin en Iván el Terrible de Rimski-Korsakov con vestuario y
escenografía diseñados por Roerich. Igualmente, las Danzas Polovtsianas de
El Príncipe Igor, de Borodin, también los diseñó el pintor. Los diseños de
Roerich aumentaron su reputación por la representación significativa de las
culturas antiguas y sus prácticas.
Vestuario. Polovtsian dances from Prince Igor. Roerich. 1909
Diseña en La Consagración de la Primavera. Roerich intentó expresar
los ritos primitivos del hombre antiguo al darle la bienvenida a la primavera
como otorgadora de vida, y hacer un sacrificio a Yarilo, Dios del Sol.
Historia completamente innovadora frente a la de cualquier ballet visto
hasta ahora.
40Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
Diseño para el decorado de La Consagración de la Primavera. Roerich. 1913
Diseños para vestuario de La Consagración de la
Primavera. Roerich. 1913
41Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
La partitura la hace Stravinsky y la coreografía viene de la mano de
Nijinski. El ballet provocó grandes controversias que continuó a lo largo de
los años. La búsqueda del refinamiento y la belleza era sagrada para
Roerich. Creía que aunque los templos y artefactos terrestres puedan
perecer, la creencia que los trae a la vida, no muere, sino que forma parte
de la corriente eterna de la conciencia. Creía que la paz sobre la Tierra era
un requisito previo para la supervivencia planetaria y el proceso continuo de
la evolución espiritual. Intentó lograr esa paz uniéndose con el lenguaje de
la Belleza y el Conocimiento.
Vestuarios para La Consagración de la Primavera.
Roerich. 1913
42Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
Andre DerainEn cuanto a la colaboración de Andre Derain con los Ballets Rusos fue
casualidad, debido al enfado entre Diágilev y Bakst a quien le había
encargado en principio la realización de las maquetas de La Boutique
Fantasque. Por falta de seriedad de Diágilev, reclamando inesperadamente
el trabajo sin previo aviso, Bakst le pidió aplazarlo o que se lo encargase a
otro. Diágilev, se lo encargó a Derain. El enfado duró más de dos años,
hasta el encargo de La Bella Durmiente en 1921.
Diseños varios de vestuario de Derain
El periodo 1920- 1925, es calificado como neoclásico. Crea Noces y
Les Biches y colaboran con Picasso, Derain y Delauny. En estos últimos
años, Diágilev se interesó por el constructivismo, reuniendo composición,
construcción y pintura, siendo un periodo marcado por la investigación y la
creación. A partir de 1925, los ballets son muy modernos. En 1929, la
muerte de Diágilev cierra una parte de la historia de los Ballets Rusos que
sus colaboradores intentaron continuar convertidos en los Ballets de
Montecarlo para ir desapareciendo gradualmente.
43Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
Pablo Ruiz Picasso
Parade
Con música de Satie, argumento de Cocteau, coreografía de Massine,
escenografía y vestuario de Picasso, Parade fue el primer ballet moderno en
su totalidad y abrió paso a todas las representaciones que se siguieron.
Picasso presentó una nueva forma de ver el escenario y el vestuario,
mientras que Satie incorporó en su partitura hélices de aviones, teletipos de
telegrama y otros aparatos ruidosos. La coreografía de Massine, aludía a la
comedia, a la farsa moderna.
Vestuario para Parade. Pablo Picasso
44Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
Parade, de Diágilev, se estrenó el 18 de mayo de 1917 en el Théâtre
du Châtelet de París. El 10 de noviembre se presentó en el Gran Liceu de
Barcelona. Picasso, junto con el escritor Jean Cocteau, Satin y Massine,
crearon este ballet paradigmático que aglutinaba los descubrimientos de
cada unos de ellos en sus respectivas disciplinas. Picasso, aceptó crear el
vestuario y los decorados de la obra. Se enfrentaba a un nuevo reto
artístico que lo llevó a sustituir gradualmente el movimiento cubista, del
cual era instigador y máximo exponente, por un estilo neorrealista
totalmente inesperado en su trayectoria.
Vestuario para Parade. Pablo Picasso
El telón de fondo que pintó en
Italia es la primera y monumental
muestra de esta nueva plástica. El
vestuario y el decorado, marcados
por la presencia de las formas
volumétricas que caracterizaban los
personajes de los dos mánagers,
muestran la continuidad con el
cubismo. El conjunto es una obra de
transición, en la que se unen los
logros cubistas que alcanzó el artista
malagueño y sus investigaciones
hacia un arte más realista que
empezaba a tener una fuerte
45Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
presencia en sus composiciones. El guión de la obra se basa en un
argumento bastante popular en la época. Cuatro artistas de circo
representan una pequeña parte de sus respectivos espectáculos con el fin
de llamar la atención del público que se pasea por un bulevar parisiense
frente a una barraca de feria donde tienen lugar los espectáculos. La
finalidad de la Parade no era mostrar los espectáculos que se veían en los
circos, barracas o plazas. Sino que era una reflexión sobre la lejanía entre
este mundo ambulante y la realidad cotidiana de la mayoría de los
espectadores. Mostrando las actividades de los personajes protagonistas,
Picasso acertaba la realidad de estos personajes al espectador presentando
las personas que había detrás. La Parade significó un revulsivo en el mundo
artístico desde todos los puntos de vista: plástico, musical, narrativo y
coreográfico y, por este motivo, provocó un escándalo que lo precedió en
todas sus representaciones.
Telón de fondo para Parade. Pablo Picasso
46Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
Sombrero de Tres Picos
Manuel Falla era compositor gaditano que nace en 1876 y muere en
Argentina en 1946. Su vida estuvo marcada por cinco ciudades: Cádiz,
Granada, Madrid, París y Buenos Aires. Su obra, basada en la novela de
Pedro de Alarcón, está inspirada en el romance popular El Corregidor y la
Molinera. La idea primaria no era hacer un ballet, sino una obra lírica. Se
estrenó en el Alhambra Theatre de Londres el 22 de julio de 1919 y supuso
un gran éxito. En Francia tuvo un impacto moderado y en España, donde se
presentó en 1921, levantó gran expectación. Hubo una reacción común en
los tres países y fue el enfrentamiento que generó entre los intelectuales
más moderados y los partidarios de la modernidad.
Vestuario para Sombrero de Tres Picos. Pablo Picasso
47Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
Falla vivió en París, donde conoció a Debussy, Dukas y Ravel. En
1915 estrena en Madrid El Amor Brujo y de este período es Sombrero de
Tres Picos, una de las obras más brillantes montados por Diágilev. El ballet
nació como una obra completa. Lo compuso en colaboración de varias
figuras importantes y vanguardistas de la época, entre ellos: Diágilev,
Massine y Pablo Picasso como diseñador.
El argumento es una burla que se hace a un viejo corregidor de
Andalucía, que está encantado por una joven molinera a la que persigue. El
amor hacia la joven esposa de un celoso molinero es la base principal de la
historia. Ella simula aceptar el cortejo, hasta un punto que, al verse
comprometida por la situación burla al viejo corregidor, quién además se
convierte en la mofa de sus vecinos, mientras el molinero celoso y su mujer
afirman su amor. En la segunda parte de este ballet, se ve un clima festivo
del campos español, correspondiendo a una de las danzas más
características de la obra: La Danza del Molinero.
Vestuario para Sombrero de Tres Picos. Pablo Picasso
48Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
También conocido como El Tricornio es, después de Parade, la
segunda obra que Picasso realiza para teatro. Al igual que Parade,
estrenada en 1917, Picasso vuelve a colaborar con Léonide Massine y los
Ballets Rusos de Diágilev. La idea surge del encuentro de Massine y Diágilev
con el músico Manuel de Falla quien trabajaba entonces en la obra El
corregidor y la molinera. Es la obra que necesitó mayor período de
gestación, alargándose hasta tres años. Massine lleva a cabo la coreografía
y Picasso, como ya hemos comentado, se encargaría de los decorados y el
vestuario, así como del maquillaje de los personajes. La música, por
supuesto, la compone el gran Manuel de Falla.
Picasso, Massine y Falla, llevan a cabo una adaptación en la que
conviven elementos clásicos con otros más modernos. El vestuario, creado a
partir del siglo XVIII, incluye elementos que le dan un aire renovado a la
vez que pierden la calidad estricta de copia del original. Esta idea de
convivencia de lo clásico y lo moderno se inscribe totalmente en la
tendencia que domina la obra de Picasso. Francisco de Goya es otro de los
grandes protagonistas de este ballet. Picasso se apropia de las formas y
colores del pintor. La obra es una sátira política, pero en sí mismo, tiene
una importancia relativa, de hecho fue una perfecta excusa para plasmar el
gusto de los tres artistas por la cultura popular. Se trata, en definitiva, de
una apuesta por la inclusión del folclore español en los Ballets Rusos de
Diágilev.
Pulcinella
En 1919, Diágilev entregó a Stravinsky una recopilación de
fragmentos de obras de Picasso, para que los orquestase y los adaptase
para el proyecto que tenía en mente: Pulcinella.
El exotismo mediterráneo que traía inherente Picasso atrajo
profundamente a Stravinsky. Picasso tuvo problemas con Diágilev que tenía
demasiado claro cómo debería ser el espectáculo. En un principio hizo un
decorador moderno en vez de ajustarse al ambiente tradicional de la
Commedia dell'Arte. Luego hizo un escenario de teatro con dos filas de
palcos superpuestas. Este proyecto, esencialmente barroco, tenía muchas
49Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
dificultades técnicas ya que los bailarines se vieron obligados a actuar
únicamente en la parte central del escenario, y fue desechado por Diágilev.
Llegaron a un acuerdo. Picasso hizo un escenario más simple que seguía las
pautas del lenguaje cubista que, sorprendentemente, no interfería en el
ambiente romántico de la obra.
Cartel para ballet Pulcinella. Pablo Picasso
50Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
La realización del vestuario y el escenario de esta obra no constituye
un hecho aislado dentro de la obra de Pablo Picasso, sino que supone un
eslabón más dentro de su iconografía pictórica pues las figuras de Arlequín
y Pulcinella son una constante en su obra y más aún durante este período.
Vestuario para el ballet Pulcinella. Pablo Picasso
Picasso colabora en el ballet titulado Mercure, pero no fue una
colaboración con los Ballets Rusos. Como ya ocurrió siete años antes con
Parade, el coreógrafo Massine, el músico Satie y Picasso se unen de nuevo,
esta vez sin Diágilev, para crear un espectáculo que provocaría de nuevo
contrariedad entre los medios artísticos e intelectuales parisinos más
elitistas. Supuso innovación en cuanto, por ejemplo, los pasos de danza que
dieron lugar a una brillante representación mímica que quedaba realzada
por los novedosos y sorprendentes decorados y por la simplicidad del
vestuario que realiza Picasso. Juega con personajes y escenas mitológicas
mecanizándolos y convirtiéndolos en un auténtico espectáculo del siglo XX.
51Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
El rechazo generalizado no fue obstáculo para que Diágilev aplaudiera
calurosamente el día del estreno.
A partir de 1924, las aportaciones teatrales de Picasso son
esporádicas y se solían reducir a prestar alguna obra ya realizada y que
pudiera ceñirse al tema de la representación. En 1926 realiza sus dos
últimos colaboraciones en los decorados para el ballet: L'après-Midi d'un
Faune e Icare a petición de Serge Lifar, bailarín de los Ballets Rusos hasta
1929.
Diseños para vestuario de La Parade. Pablo
Picasso
52Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
Natalia GoncharovaNace en Nagayevo en 1881 y muere en París en 1962. Cuando tenía
diecinueve años, Goncharova conoció a Mikhail Larionov, con quien
compartió su vida personal y su vida laboral. En 1901 emprende su
formación artística asistiendo a clases de escultura en la academia de
pintura, escultura y arquitectura de Moscú.
Diseños de vestuario para Le Coq d'or.
Natalia Goncharova
En 1903 deja la Academia y empieza a pintar por su cuenta bajo la
tutela, en ocasiones, de Konstantin Korovin y de Larionov. En 1906,
Diágilev decidió incluir varios pasteles suyos en la selección de arte ruso del
Salon d'Automne de París. Durante la primera década del siglo XX, la artista
trabaja en el ámbito del arte ruso joven, realizando también ilustraciones de
libros y diseños para vestuarios y decorados de teatro.
53Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
Vestuario para Seahorse in sadko. Natalia Goncharova. 1916
Encabeza la consagración del grupo La cola de Caballo que surge a
partir de la iniciativa de Vladimir Tatlin y de Kazimir Malevich en 1911. El
54Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
interés de Goncharova abarca aspectos y géneros del arte visual tan
variados como la pintura, la obra gráfica y el diseño decorativo, con una
morfología que incluye diversas contaminaciones estilísticas, desde el arte
bizantino y el folclore ruso, hasta el Cubismo y el Futurismo. Funda junto
con Larionov el movimiento denominado Rayismo, cuyo manifiesto se
publica en 1913 con el título Rayistas y Futuristas.
Escenografía para Le Coq d'or. Natalia Goncharova
En 1914Goncharova y Larionov fueron a París, donde diseñaron el
vestuario y los decorados para el ballet ruso Le Coq d'Or. Trabajó
intensamente como diseñadora de decorados para obras de teatro, ballet y
ópera, entre las que cabe destacar El Pájaro de Fuego de Stravinsky, el
ballet Sur le Borysthene de Prokofiev y el ballet ruso Bogatyrs de Massine.
55Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
Repertorio de los Ballets RusosA modo de conclusión añadiremos un resumen de todos los ballets
que abarcó la compañía para completar los artistas que participaron en
estas maravillosas creaciones.
Fecha - Título - Compositor - Teatro
Coreógrafo
Escenografía y diseño
Dirección
1909 Danzas Polovetsianas del Príncipe Igor - Alexander Borodin - París, Le Châtelet (19
mayo)
Michel Fokine - Nicholas Roerich
Emile Cooper
1909 Le Festin Suite de danses (extractos de ballets del repertorio) Rimski, Glinka,
Tchaikovski, Glazunov, Mussorgski - París, Le Châtelet (19 mayo)
Michel Fokine y Marius Petipa
Léon Bakst y Alexandre Benois (y otros)
Emile Cooper
1909 Le Pavillon d'Armide - Nikolai Tcherepnin - París, Le Châtelet (19 mayo)
Michel Fokine - Alexandre Benois
Nikolai Tcherepnin
1909 Les Sylphides (Rêverie romantique en un acto) - Frédéric Chopin (orch.: Stravinski,
Glazunov, Liadov,
Sokolov, Tanaeiev) - París, Le Châtelet (2 junio)
Michel Fokine
Alexandre Benois
Nikolai Tcherepnin
1909 Cléopâtre - Anton Arenski, Taneiev, Rimski, Mussorgski, Glinka, Tchrepenine - París,
Le Châtelet (2 junio)
Michel Fokine
Léon Bakst
Nikolai Tcherepnin
56Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
1910 Carnaval - Robert Schumann (orch.: Rimski, Liadov, Tchepepine, Glazunov) - París,
Opera (20 mayo)
Michel Fokine
Léon Bakst
Nikolai Tcherepnin
1910 Schéhérazade - Nikolái Rimski-Kórsakov - París, Opera (4 junio)
Michel Fokine
Léon Bakst
Nikolai Tcherepnin
1910 Giselle - Adolphe Adams - París, Opera (18 junio)
Michel Fokine
Alexandre Benois -
Paul Vidal
1910 El pájaro de fuego- Igor Stravinski - París, Opera (25 junio)
Michel Fokine
Alexandre Golovin, Léon Bakst
Gabriel Pierné
1910 Les orientales - Glazunov, Sinding, Arensky, Grieg, Borodin - París, Opera (25 junio)
Michel Fokine, Léon Bakst
Nikolai Tcherepnin
1911 Le spectre de la rose - Carl Maria von Weber - Monte Carlo, Casino (19 abril) - París,
Le Châtelet (6 junio) Michel Fokine
Léon Bakst
Nikolai Tcherepnin
1911 Narcise - Nikolai Tcherepnin - Monte Carlo, Casino (26 abril) - París, Le Châtelet (6
junio)
Michel Fokine
Léon Bakst
Nikolai Tcherepnin
1911 Sadko au royaume sous-marin - Nikolái Rimski-Kórsakov - París, Le Châtelet (6
junio)
Michel Fokine
Boris Anisfeld
Nikolai Tcherepnin
57Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
1911 Petrushka - Igor Stravinski - París, Le Châtelet (13 junio)
Michel Fokine
Alexandre Benois
Pierre Monteux
1911 El lago de los cisnes - Tchaikovski - Londres, Covent Garden (30 noviembre)
Michel Fokine (según Petipa)
Alexandre Benois
Pierre Monteux
1912 Le Dieu Bleu. Legende hindu (según Cocteau y Madrazo) - Reynaldo Hahn - París, Le
Châtelet (13 mayo) Michel Fokine
Léon Bakst
Désiré-Emile Inghelbrecht
1912 Thamar- Mily Balakirev - París, Le Châtelet (20 mayo)
Michel Fokine
Léon Bakst
Pierre Monteux
1912 L'après-midi d'un faune - Claude Debussy - París, Le Châtelet (29 mayo)
Vaslav Nijinsky
Léon Bakst - Odilon Redon
Pierre Monteux
1912 Daphnis et Chloé - Maurice Ravel - París, Le Châtelet (8 junio)
Michel Fokine
Léon Bakst
Pierre Monteux
1913 Jeux - Claude Debussy- París, Champs-Élysées (15 mayo)
Vaslav Nijinsky
Léon Bakst
Pierre Monteux
1913 La consagración de la primavera - Igor Stravinski - París, Champs-Élysées (29
mayo)
Vaslav Nijinsky
Nicholas Roerich
Pierre Monteux
58Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
1913 Tragédie de Salomè- Florent Schmitt - París, Champs-Élysées (12 junio)
Boris Romanov
Serguei Soudeikin
Pierre Monteux
1914 Papillons - Robert Schumann - MonteCarlo, Casino (16 abril)
Michel Fokine
Mstislav Doboujinsky - Léon Bakst
Pierre Monteux
1914 La Légende de Joseph - Richard Strauss - París, Opera (14 mayo)
Michel Fokine
José María Sert - Léon Bakst
Richard Strauss
1914 Le Coq d'Or - Nikolái Rimski-Kórsakov- París, Opera (24 mayo)
Michel Fokine
Natalia Goncharova
Pierre Monteux
1914 Le Rossignol - Igor Stravinski - París, Opera (26 mayo)
Boris Romanov
Alexandre Benois
Pierre Monteux
1914 Midas - Maximilien Steinberg- París, Opera (2 junio)
Michel Fokine
Mstislav Doboujinsky
René Baton
1915 Soleil de Nuit - Nikolái Rimski-Kórsakov - Ginebra, Grand-Théâtre (20 diciembre)-
París, Opéra (29 diciembre)
Leonide Massine
Mikhail Larionov
Ernest Ansermet
1916 Las Meninas - Gabriel Fauré- San Sebastian, Maria Eugenia (21 agosto) - París, Le
Châtelet (25 mayo)
Léonide Massine
Carlo Socrate - José Maria Sert
Ernest Ansermet
59Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
1916 Kikimora. Cuento de hadas ruso - Anatoli Liadov - San Sebastian, Maria Eugenia (25
agosto)
Léonide Massine
Mikhail Larionov
Ernest Ansermet
1916 Till Eulenspiegel - Richard Strauss - Nueva York, Manhattan Opera House (23
octubre)
Vaslav Nijinsky
Robert E. Jones
Anselm Goethe
1917 Feu d'artifice - Igor Stravinski - Roma, Teatro Constanzi (12 abril)
Léonide Massine
Giacomo Balla
Ernest Ansermet
1917 Les femmes de bonne humeur - Domenicco Scarlatti (arr. Vincenzo Tommasini) -
Roma, Teatro Constanzi (12 abril)
Léonide Massine
Léon Bakst
Ernest Ansermet
1917 Les contes russes - Anatoli Liadov - París, Le Châtelet (11 mayo)
Léonide Massine
Mikhail Larionov - Natalia Goncharova
Ernest Ansermet
1917 Parade (poema de Jean Cocteau) - Erik Satie - París, Le Châtelet (18 mayo)
Léonide Massine
Pablo Picasso
Ernest Ansermet
1919 La Boutique fantastique - Gioacchino Rossini - Londres, Teatro La Alhambra (5 julio)-
París, Opéra (24 diciembre)
Léonide Massine
André Derain
Henry Delfosse
1919 El sombrero de tres picos- Manuel de Falla - Londres, Teatro La Alhambra (22 julio) -
París, Opéra (23 enero 1920)
Léonide Massine
Pablo Picasso
Ernest Ansermet
60Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
1920 Le Chant du rossignol - Igor Stravinski - París, Opera (2 febrero)
Léonide Massine
Henri Matisse
Ernest Ansermet
1920 Pulcinella - Igor Stravinski - París, Opera (15 mayo)
Léonide Massine
Pablo Picasso
Ernest Ansermet
1920 Astuce fémenine Domenico Cimarosa - París, Opera (27 mayo)
Léonide Massine
José Maria Sert
Ernest Ansermet
1920 La consagración de la primavera - Igor Stravinski - París, Champs-Élysées (15
diciembre)
Léonide Massine
Nicholas Roerich
Pierre Monteux
1921 Chout - Sergei Prokofiev - París, Galerie-Lyrique (17 mayo)
Mikhail Larionov - Thadée Slavinsky
Mikhail Larionov
Ernest Ansermet
1921 Cuadro Flamenco Tradicional (orch.: Falla) - París, Galerie-Lyrique (17 mayo)
Tradicional
Pablo Picasso
Maria de Albaícin
1921 La Bella Durmiente del Bosque - Piotr Ilich Chaikovski - Londres, Teatro La
Alhambra (2 noviembre)
Marius Petipa (reconstruido por Nicolas Sergueiev)
Léon Bakst
Gregor Fitelberg
1922 La boda de la Bella Durmiente del Bosque - Piotr Ilich Chaikovski - París, Opera
(18 mayo)
Marius Petipa (reconstruido por Nicolas Sergueiev y Bronislava Nijinsky)
Alexandre Benois - Goncharova
Gregor Fitelberg
61Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
1922 Renard - Igor Stravinski- París, Opera (18 mayo)
Bronislava Nijinska
Mikhail Larionov
Ernest Ansermet
1922 Mavra - Igor Stravinski - París, Opera (3 junio)
Bronislava Nijinska
Leopold Survage
Gregor Fitelberg
1923 Les Noces - Igor Stravinski- París, Galerie-Lyrique (13 julio)
Bronislava Nijinska
Natalia Goncharova
Ernest Ansermet
1924 Les tentations de la bergère ou l'amour vaincu - Michel de Montéclair (orch.:
Henri Casadesus
Monte Carlo, Casino (3 enero) - París, Champs Elysées (26 junio)
Bronislava Nijinska
Juam Gris
Eduard Flament
1924 Le medecin malgre lui - Charles Gounod - Monte Carlo, Casino (5 enero)
Bronislava Nijinska
Alexandre Benois
Eduard Flament
1924 Les Biches - Francis Poulenc
Monte Carlo, Casino (6 enero) - París, Champs Elysées (26 mayo)
Bronislava Nijinska
Marie Laurencin
Eduard Flament
1924 Cimarosiana- Domenico Cimarosa - MonteCarlo, Casino (8 enero)
Leonide Massine
José Maria Sert
Eduard Flament
1924 Les Fâcheux - Georges Auric - MonteCarlo, Casino (19 enero) - París, Champs Elysées
(4 junio)
Bronislava Nijinska
Georges Braque
Edouard Flamment (reprise André Messager)
62Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
1924 Una noche en el monte pelado (Une nuit sur le Mont Chauve) - Modest Mussorgski -
MonteCarlo, Casino (13 abril)
Bronislava Nijinska
Natalia Goncharova
Eduard Flament
1924 Mercure - Erik Satie - París, Teatro de La Cigale (15 junio) (Soirées du comte de
Beaumont)
Léonide Massine
Pablo Picasso
Roger Désormière
1924 Le train bleu. (Opereta según Jean Cocteau) - Darius Milhaud - París, Champs Élysées
(24 junio)
Bronislava Nijinska
Henri Laurens - Coco Chanel - Pablo Picasso
Pierre Monteux
1925 Zéphyr et Flore- Vladimir Doukelsky - MonteCarlo, Casino (28 abril) - París, Gaieté-
Lyrique (15 junio)
Léonide Massine
Georges Braque
Marc-Cesar Scotto
1925 Le Chant du rossignol- Igor Stravinski- París, Gaiete-Lyrique (17 junio)
George Balanchine
Henri Matisse
Ernest Ansermet
1925 Les matelots. Ballet de Boris Kochno - Georges Auric - París, Gaieté-Lyrique (17 junio)
Léonide Massine
Pedro Pruna
Marc-Cesar Scotto
1925 Barabau - Vittorio Rieti - Londres, Coliseum (11 diciembre) - París, Teatro Sarah
Bernhardt (25 mayo)
George Balanchine
Maurice Utrillo
Roger Désormière
1926 La Pastorale - Georges Auric- París, Teatro Sarah Bernhardt (29 mayo)
George Balanchine
Pedro Pruna
Roger Désormière
63Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
1926 Jack in the Box - Erik Satie - París, Teatro Sarah Bernhardt (3 junio)
George Balanchine
André Derain
Roger Désormière
1927 La chatte - Henri Sauguet - MonteCarlo, Casino (30 abril) - París, Teatro Sarah
Bernhardt (27 mayo) George Balanchine
Naum Gabo - Antoine Pevsner
Marc-Cesar Scotto
1927 Mercure - Erik Satie - París, Teatro Sarah Bernhardt (1 junio)
Léonide Massine
Pablo Picasso
Roger Désormière
1927 Pas d'acier - Sergei Prokofiev - París, Teatro Sarah Bernhardt (7 junio)
Léonide Massine
George Jaculov
Roger Désormière
1928 Ode- Nicolas Nabokov - París, Teatro Sarah Bernhardt (6 junio)
Léonide Massine
Peter Tchelichev - Pierre Charbonnier
Roger Désormière
1928 Apollon musagète - Igor Stravinski - París, Teatro Sarah Bernhardt (12 junio)
George Balanchine
André Bauschant - Coco Chanel
Igor Stravinski
1928 The Gods go a-beggining (Les Dieux mendiants) Georg Friedrich Haendel (arr. Sir
Thomas Beecham) Londres, His Majesty's Theatre (16 julio)- París, Opera (2 diciembre)
George Balanchine
Léon Bakst - Juan Gris
Sir Thomas Beecham
1929 Le Bal- Vittorio Rieti - MonteCarlo, Casino (9 mayo) - París, Teatro Sarah Bernhardt (28
mayo)
George Balanchine
Giorgio de Chirico
Marc-Cesar Scotto
64Los Ballets Rusos y los pintores de vanguardia
1929 Renard - Igor Stravinski
París, Teatro Sarah Bernhardt (21 mayo)
Serge Lifar
Mikhail Larionov
Conclusión final
Para terminar y como colofón hay que decir que el papel jugado por
los pintores fue de gran importancia. Bakst, Benois, Serov, Korovin y Golovin
crearon una atmósfera envolvente para los bailarines Fokin, Nijisnky,
Paulova y Karsavina; eran los pintores los que inspiraron todas las ideas
dirigiendo las evoluciones coreográficas. Verdaderos pintores atraídos por el
teatro fueron los que contribuyeron a renovar el arte de la danza. Su
influencia comunicó un carácter especial a todas sus producciones y
podemos atribuirles la mayor parte de su gran éxito.
Vestuario de Matisse para El Ruiseñor
BIBLIOGRAFÍA
Recursos bibliográficos
El Teatro de los Pintores en la época de las Vanguardias. Exposición en el
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid. 2000
VVAA. La Escena Moderna: Manifiestos y textos sobre teatro de la época de las
vanguardias. Akal, España. 1999
Recursos electrónicos
www.danzaballet.com
www.wikipedia.com
www.ccapitalia.net
www.historiadeltraje.com
www.museothyssen.org
http://nga.gov.au
www.um.es
www.vam.ac.uk
www.noureev.org
www.cmi.univ-mrs.fr
Para elaborar la cronología de la programación
www.bcn.es enlazada desde www.danzaballet.com