ballet nacional
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ESCUELA REGIONAL DE DANZA
“ P E D R O C A N O ”
Carrera Técnica en Danza
BALLET NACIONALTALLER DE BALLET CLÁSICO
ALUMNA:Paloma Mercedes Palacios García
CATEDRÁTICO:Jorge Batani Castro
2° “A” CICLO ESCOLAR: 2011
A c a p u l c o , G u e r r e r o a 4 d e A g o s t o 2 0 1 1
HISTORIA
El Ballet Nacional de México es una compañía de danza contemporánea que en sus obras de repertorio explota conceptos de antiguas cosmogonías. Explora la psique del ser contemporáneo y experimenta la creación de significado abstracto, todo esto con una enorme frescura de imágenes.
Sus bailarines son un núcleo de solistas, que lo mismo actúan como protagonistas, que como parte de un coro, proyectando una gran intensidad escénica y una desbordante sobriedad. Esta experiencia corporal es posible gracias a la sólida construcción de las coreografías y al hábito poético que éstas desprenden.
El Ballet Nacional de México fundado por Guillermina Bravo, fue desde sus inicios en 1948 hasta su desintegración en el año 2006 el grupo independiente de danza moderna más sólido del país; cimentado en
valores nacionalistas y heredero de las ideas vasconcelistas tuvo como premisas: comunicarse a través de un nuevo lenguaje dancístico conocido posteriormente como danza moderna y llevar este nuevo lenguaje al pueblo.
Ballet Nacional de México se presentó en los más diversos espacios, que iban desde: canchas, explanadas, parques y milpas en los más recónditos pueblos hasta los teatros de las grandes ciudades.
Manteniendo una lucha constante por llevar la danza moderna al pueblo Ballet Nacional de México jugó un papel preponderante en la difusión y formación de público para la misma.
Ballet Nacional de México no solo contó con la coreógrafa más representativa de la Danza moderna mexicana sino también con el talento de otros coreógrafos y bailarines que sumando esfuerzos marcaron una pauta estética en la danza moderna. Logrando a lo largo de
su existencia una proyección y un reconocimiento tanto nacional como internacional presentándose en una innumerable cantidad de foros de diferentes países
Ballet Nacional de México fue el semillero más importante de bailarines y coreógrafos de México; por sus filas pasaron innumerables talentos que se formarían dentro del grupo para quedarse en él, o para formar parte del panorama dancístico mexicano; como escuela formadora fue heredera del movimiento nacionalista en la danza, sin embargo no se estacionó en una época o estilo; sino que evolucionó dinámicamente a lo largo de 6 décadas, consolidándose como el grupo de danza contemporánea con más historia del país y de América Latina.
A lo largo de sus 58 años de trayectoria Ballet Nacional de México tuvo diferentes etapas, derivadas tanto del talento creativo de su fundadora como de los artistas que conformaron y renovaron a lo largo de la existencia de la compañía. El trabajo en Ballet Nacional estuvo caracterizado por una férrea y constante disciplina que no dejo nunca duda del enorme compromiso que tanto Guillermina Bravo como sus bailarines tenían con la danza, sus características y su propuesta estética dejaron una huella indeleble en el arte mexicano.
Por su trabajo plenamente comprometido con la sociedad y su constante disciplina Ballet Nacional de México se convirtió en una institución artística nación.
El Ballet Nacional de México es una compañía de danza contemporánea que en sus obras de repertorio explota conceptos de antiguas cosmogonías. Explora la psique del ser contemporáneo y experimenta la creación de significado abstracto, todo esto con una enorme frescura de imágenes.
Sus bailarines son un núcleo de solistas, que lo mismo actúan como protagonistas, que como parte de un coro, proyectando una
gran intensidad escénica y una desbordante sobriedad. Esta experiencia corporal es posible gracias a la sólida construcción de las coreografías y al hábito poético que éstas desprenden. Guillermina Bravo
REPERTORIO
La tamboraFoto: Christa Cowrie
Homenaje a CervantesMúsica: Lucas Foss, Johann S. BachDiseños: Guillermo BarclayCoreografia: Guillermina Bravo
Estudio no. 3 (danza para un bailarín Que se transforma en águila)"Música: Johann Sebastian BachCoreografia: Guillermina Bravo.
Estudio no. 4 (lamento por un suceso trágico)"Música: popular andaluza tres saetasDiseños: Guillermo BarclayCoreografia: Guillermina Bravo.
Estudio no. 8" (leona-cazador)"Música: Johann Sebastian BachDiseños: Jarmila MaserovaCoreografia: Guillermina Bravo
Constelaciones y danzantesMúsica: Luis RiveroRodolfo Sánchez AlvaradoDiseños: Kleomenes StamatiadesTelón: Rufino TamayoCoreografia: Guillemina Bravo
Entre Dioses y Hombres (códice Borgia)
Sobre la violencia (para la "Ifigenia cruel" de Alfonso Reyes)Música: Phillip GlassDiseños: Kleomenes StamatiadesCoreografia: Guillermina Bravo
La tambora (antecedentes y consecuencias)Música: Luis Rivero, Alberto Capetillo y Rodolfo Sánchez Alvarado con la colaboracion de la banda "La tierra blanca" de Culiacán, Sinaloa.Diseños: Javier de la Garza y Guillermo Barclay
Asistente: Jose Luis HernándezCoreografía de jazz: Ema PulidoCoreografia: Guillermina Bravo
Entre dioses y hombres (códice borgia)Música: Philippe Eidel, Armand Devos, Luis Rivero y Alberto CapetilloDiseños: Javier de la GarzaCoreografia: Guillermina Bravo
La vida genera danza (Los constructores)Música: Antonio RussekDiseños: Jarmila MaserovaCoreografia: Federico Castro
EscapeMúsica: Arvo PartDiseños: Serge NicoleCoreografia: Federico Castro
Reflejos de un narcisoMúsica: Arvo PartDiseños: Jarmila MaserovaCoreografia: Federico Castro
Historia góticaMúsica: Leticia AlvaradoDiseños: Sofia Massun y Carmen ArtigasCoreografia: Federico Castro
Mujer con personajeMúsica: Herbert Forch-TengeDiseños. Kleomenes StamatiadesCoreografia: Jaime Blanc
MacbethMúsica: Collage de Eduardo GonzálesDiseños: Guillermo BarclayCoreografía: Jaime Blanc
Constelaciones Danzantes Foto: Guillermina Bravo
Prácticas cotidianasMúsica: George Crumb y Eduardo GonzálezDiseños: Serge NicoleCoreografia: Jaime Blanc
Se necesitan dos para el tangoMúsica: Astor PiazzolaCoreografia: Luis Arreguín
AlabanzaMúsica: John AdamsDiseños: Sergio MoralesCoreografia: Luis Arreguin
PasionalDiseños: Serge NicoleCoreografia: Luis Arreguín
Sesión de vals para 6 donde el diván no cupoMúsica: Valses de Johann Strauss y varios autoresDiseños: Kleomenes StamatiadesCoreografia: Rossana Filomarino
Sol de vientoMúsica: Giacinto Scelsi y de los pueblos, alto y anti-atlas Marruecos, Sicilia-Italia, del Alto Xingu y Bororo-Brasil, Invit-Canada, Kanak-Oceoania OccidentalDiseños: Serge Nicole, Pilar BoliverCoreografia: Rossana Filomarino
Llama de amor viva IIMúsica: Schumann, Schubert y tambores de Venezuela (cofradías negras), de Japón (Kobo), de Africa (Malí y Ghana) y los tambores del Bronx. Diseños: Mónica RayaCoreografia: Rossana Filomarino
Terreno de amoresMúsica: Johannes BrahmsDiseños: Cristina GianiniCoreografia: Donlin Foreman
La corrupción del edén (Caos de sangre en la blancura del alba)Música: Phillip GlassDiseños: Philipe TréhetCoreografía: Philipe TréhetPresentación
ESCUELA REGIONAL DE DANZA
“ P E D R O C A N O ”
Carrera Técnica en Danza
TEATRO EL ESPACIOTALLER DE BALLET CLÁSICO
ALUMNA:Paloma Mercedes Palacios García
CATEDRÁTICO:Jorge Batani Castro
2° “A” CICLO ESCOLAR: 2011
A c a p u l c o , G u e r r e r o n o v i e m b r e 2 0 1 0
La comunidad que somos busca la manifestación múltiple de sensaciones compartidas.
Intentamos reflejar la realidad que nos envuelve, mejor dicho de la que formamos parte.
La expresión esta en proceso debido a lo ambicioso de la idea. El vehículo es la danza: alegría de una disciplina dificil.
Ballet Teatro del Espacio
Es una compañía de danza contemporánea dirigida por Gladiola Orozco y Michel Descombey. Su objetivo es realizar un arte contemporáneo abierto a las diversas corrientes artísticas y técnicas de nuestro tiempo, forjando a través del trabajo colectivo un espíritu de comunidad artística y humana. Se nutre en las raíces culturales y en la realidad social de México. Se presenta con regularidad en los estados de la República, en el Distrito Federal y en el extranjero. Realiza temporadas en el Palacio de Bellas Artes y participa en los mas destacados festivales nacionales e internacionales. En 1991 inaugura en su sede un foro multidisciplinario (Espacio Cultural del BTE) destinado a la danza y al arte en general. Trabaja en estrecha colaboración con el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes y el Instituto Nacional de Bellas Artes, de los que recibe un subsidio.
Centro de formación profesional y enseñanza abierta de la
para la formación de profesionales y para aficionados.
Antecedentes
El Ballet Teatro del Espacio es una compañía de danza contemporánea dirigida conjuntamente por Gladiola Orozco y Michel Descombey, y cuyo propósito fundamental es realizar un arte contemporáneo abierto a las diferentes corrientes artísticas y técnicas de nuestro tiempo, forjando a través del trabajo colectivo un espíritu de comunidad artística y humana.
Sin dejar de nutrirse en las raíces culturales y en la realidad social de México, promueve una colaboración permanente con artistas de otros países.
Se presenta con regularidad en provincia y en el Distrito Federal, donde realiza una temporada anual en el Teatro de Bellas Artes y participa en los más destacados festivales nacionales e internacionales que se celebran en el país.
Con el apoyo de las autoridades culturales de la Secretaria de Educación Pública y el I.N.B.A. a través de su Dirección de Danza, fundó en 1977, en la Ciudad de México, el Espacio Independiente, sede de la compañía, que cuenta con una escuela de danza y una galería de arte.
En noviembre de 1991, inauguró su teatro "Espacio Cultural" gracias a la participación decisiva del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, el apoyo del Instituto Nacional de Bellas Artes, de la Delegación Cuauhtémoc y del Patronato de la Compañía recientemente fundado. Así, el Espacio Independiente se convierte en un foro multidisciplinario para la danza y para el arte en general, en el que el Ballet Teatro del Espacio presenta con regularidad en largas temporadas su repertorio resultado de su constante labor creativa.
En 1982, la Unión Mexicana de Cronistas de Teatro y Música, premió a Ballet Teatro del Espacio por el Homenaje realizado a José Limón y la coreografía Preludio a la tarde de un fauno. En 1983 y 1984 la misma Unión dio un reconocimiento a dos de los integrantes de la compañía (Antonio Torres y Solange Lebourges), en 1989 a Michel Descombey por su Sinfonía Fantástica, en 1997 a Gladiola Orozco por su contribución al mejoramiento del teatro y la música en México.
En abril y mayo de 1982 realizó una gira por Europa, durante la cual llevó a cabo una temporada en el prestigiado "Théatre de la Ville" de París, y dos años después se presentó en diversas ciudades de Canadá. En 1990, participó en el XII Festival Internacional de Ballet de la Habana, Cuba. En 1993 tuvo el honor de clausurar el VIII Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz (España). En 1996 inauguró la XII edición del Festival del Centro Histórico de la Ciudad de México con el espectáculo multimedia "Neomilenio" creado por Michel Descombey con la colaboración del escultor Sebastian. Con este mismo espectáculo en el 2000 nuevamente inaugura el Festival del Centro Histórico en su edición XVI, función con la que inició una gira por Matehuala, Culiacán, los Mochis y Mazatlán para unirse a la celebración del nuevo siglo.
En el 2002 participa por novena ocasión en el Festival Internacional Cervantino de Guanajuato con la creación del espectáculo "Carmen 2002", mismo que se presentó en el Palacio de Bellas Artes, en la Ciudad de Querétaro y en el Teatro de la Ciudad de México.
Trabaja en estrecha colaboración con el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes y el Instituto Nacional de Bellas Artes, de los que recibe un subsidio.
Esta conformada por alrededor de 40 personas entre bailarines, directores, coreógrafos, maestros, técnicos y personal administrativo.
Es la compañía que, en los últimos 25 años, ha presentado los espectáculos coreográficos los más exitosos frente a un público numeroso (en cuanto a danza contemporánea ) tanto en México como en el extranjero. Sin cesar de crear coreografías nuevas, la compañía mantiene un repertorio vivo de más de 20 obras.
Asume el costo del mantenimiento y del muy alto alquiler del local sede de la compañía, de la escuela de enseñanza abierta de la danza, de un teatro dotado de un equipo altamente profesional, de una galería de arte y de las oficinas administrativas.
Para reducir al máximo sus gastos, realiza en su taller gran parte de la escenografía y elementos técnicos tales como equipo de iluminación, acondicionamiento del teatro y de sus dependencias (telar, tarimas para el público, camerinos, galería de Arte...)
Asume conjuntamente con Bellas Artes y el Consejo parte de los gastos de publicidad indispensable a la promoción de sus presentaciones.
Presenta numerosas funciones didácticas para escuelas secundarias y preparatorias a fin de desarrollar en los adolescentes un conocimiento de la danza y de la cultura en general.
Ballet Teatro del Espacio es una comunidad de trabajo y eso implica que la remuneración (becas) sea la misma para los directores, la mayoría de los bailarines, el técnico y la coordinadora administrativa. Los coreógrafos, iluminadores, diseñadores de escenografía y vestuario, especialistas en montaje musical realizan su trabajo sin remuneración alguna.
Proporciona a todos sus integrantes un seguro médico.
CENTRO CULTURAL "ESPACIO INDEPENDIENTE DE MÉXICO" ES:
La sede del Ballet Teatro del Espacio, compañía profesional de danza contemporánea.
Un Centro de Formación Profesional y Enseñanza abierta de la Danza. Como centro coreográfico, se crean ahí las condiciones idóneas tanto para las personas que se inician en esta especialidad así como para los coreógrafos con trayectoria (residentes o invitados).
Un Teatro en el que se llevan a cabo periódicamente temporadas con funciones formales para el público en general y funciones didácticas al servicio de las escuelas y universidades. Una galería que alberga a Creadores de Artes Plásticas.
Filosofía
La comunidad que somos busca la manifestación múltiple de sensaciones compartidas.
Intentamos reflejar la sociedad que nos envuelve, mejor dicho de la que formamos parte.
La expresión está en proceso debido a lo ambicioso de la idea. El vehículo es la danza; alegría de una disciplina difícil.
Siempre fue preocupación del Ballet Teatro del Espacio el realizar un arte contemporáneo abierto a las diferentes corrientes artísticas y técnicas de nuestro tiempo, forjando a través del trabajo colectivo un espíritu de comunidad artística y humana.
Sin dejar de nutrirse en las raíces culturales de México, promovió una colaboración permanente con artistas de otros países.
Siempre dio prioridad a un arte comprometido con la realidad sociopolítica que lo rodeaba, sin por ello rechazar los divertimentos y propuestas formales.
Directores
Gladiola Orozco
Ha sido maestra y guía de la mayoría de los integrantes del Ballet Teatro del Espacio del que compartió la dirección con Michel Descombey.
La trayectoria vital y ejemplar de Gladiola Orozco como bailarina, maestra, coreógrafa y directora del Ballet Teatro del Espacio la convierte en un personaje fundamental de la danza contemporánea. Mexicana ejemplar que desde su profesión ha contribuido enormemente en la educación de la sociedad y con su obra ha enriquecido el patrimonio cultural del país.
Prueba de ello es su trabajo como pilar del Ballet Teatro del Espacio logrando crear un público para una de las expresiones más difíciles de promover en nuestro país: la danza contemporánea. La creación de ese público ha
permitido socializar el lenguaje de la danza y crear ciudadanos más concientes del lenguaje de los cuerpos en movimiento.
A lo largo de su historia ha sido un gran alfabetizador que ha revelado los pormenores de la danza a distintas generaciones. La depuración de su lenguaje es a la vez la depuración cuerpo social: el cuerpo como palabra sublimada que le regresa al espectador la conciencia de sí mismo, la conciencia sobre sus manos, sus piernas, su torso; pero también la conciencia sobre su identidad y el papel que como individuo juega en la sociedad. Este binomio es una de las constantes labores que ha logrado con el BTE.
La profesionalización del personal que participa en la compañía es uno de los mayores activos que Gladiola Orozco ha aportado a la sociedad. De esta manera ha contribuido a que la danza se mantenga no sólo como una forma de arte, sino también como una forma de vida vigente.
La solidez que ha logrado con la compañía le ha permitido la creación de un repertorio coreográfico, abordando temas capitales para nuestra sociedad, cuyo lugar en la historia de la danza contemporánea en México es incuestionable. El Ballet Teatro del Espacio encontró un lenguaje propio, una manera específica de hacer danza en el México contemporáneo, nutriendo la cultura de su tiempo, se ha planteado una respuesta estética ante las condiciones de la historia y las circunstancias sociales. Además de que ha facilitado el diálogo con otras esferas artísticas. De notarse ha sido la colaboración de compositores como Mariana Villanueva, Mario Lavista, Antonio Russek y Joaquín López Chas; pintores como Rodolfo Morales o del artista plástico Sebastián.
Su gran interés por la enseñanza de la danza y su práctica cotidiana, así como su profunda convicción de que la danza ayuda al hombre en su equilibrio y desarrollo, la llevan a fundar en 1977, el Centro de Formación Profesional y Enseñanza Abierta de la Danza del Espacio Independiente que dirige desde entonces y que es la cuna de muchos de los bailarines que constituyen el BTE y de importantes creadores y bailarines en la escena mexicana como Marco Antonio Silva, Bernardo Benítez, Miguel Ángel Palmeros, Beatriz Madrid, David Attie, Silvia Unzueta, Lino Perea, Jorge Chanona, Javier Salazar, Jessica Sandoval, Jorge Gale, y Solange Lebourges entre muchos otros.
Precursora del coreodráma, que es su gran aportación a la danza contemporánea en México, inicia con la obra emblemática ICARO en el que manifiesta su preocupación por la juventud destruida por las drogas; continuando con Ana Frank y Antonieta Rivas Mercado, genero que nace por su particular sensibilidad creativa para ofrecer una experiencia de necesaria apertura de la danza hacia otros terrenos expresivos.
Su inquietud por la educación y la cultura la han llevado a organizar desde 1967 a la fecha, funciones didácticas a lo largo de la trayectoria del Ballet Teatro del Espacio, ofreciendo funciones en Escuelas Primarias y Secundarias algunas veces en colaboración con la SEP a través de la Dirección General de Promoción Cultural y la Dirección General de Educación Secundaria, así como funciones en el Teatro Espacio Cultural dirigidas a estudiantes de Preparatoria y universitarios, labor que ha permitido la formación de un público constante para la danza en México.
Para ejemplificar los logros y relevancia de la labor de la Maestra Orozco con su compañía podríamos señalar que anualmente incide en una población aproximada de 20,000 espectadores en sus distintas temporadas. Que ha contribuido a la formación de más de 100 bailarines profesionales y más de 500 aficionados a la danza.
Su Trayectoria
En 1950 Inicia la profesión de bailarina en el Ballet Nacional de México. Posteriormente estudia en la escuela de Martha Graham en Nueva York.
En 1966, funda con otros bailarines el Ballet Independiente de México, ahora Ballet Teatro del Espacio. Desde entonces ha permanecido sin interrupción al frente de la Compañía con la que ha realizado importantes giras nacionales e internacionales así como temporadas en los foros más representativos de la ciudad de México, Palacio de Bellas Artes, Teatro de la Ciudad, Auditorio Nacional, Teatro de los Insurgentes, Teatro Blanquita, Teatro Julio Castillo, El Teatro de la Danza y El Teatro de las Artes del Centro Nacional de las Artes, en los más reconocidos del interior de la República así como en el mundo como el Théatre de la Ville, en París, Maison de la Culture, en Saint Denis Francia, Stads Schouwburg Amsterdan Holanda, Centre National des Arts, Ottawa, Le Grand Theatre Québec, Ryerson Theatre Toronto, Teatro Mella Habana Cuba entre otros.
En 1967 fundadora de los cursos de Danza en la Casa del Lago de la UNAM.
A partir de 1969, ha sido invitada a Cuba como consejera artística de la Escuela Nacional de Danza (Cubanacan) y del Consejo Nacional de Danza.
En 1977, crea el Centro de Formación Profesional y Enseñanza Abierta de la Danza del Espacio Independiente que dirige desde entonces.
En 1981, crea el coreo drama ICARO obra magistral reconocida a nivel internacional.
En 1983 por invitación oficial viaja a la Republica Popular de China, donde imparte varias conferencias en los principales centros de la danza teatral que produce este país.
En 1985 crea el Laboratorio de Ballet Teatro del Espacio. Desde esta fecha ha creado distintas obras entre otras "Estudio para Cinco", "Los Siete Pecados Capitales", el coreodrama Ana Frank, "El Gran Viaje", "Y…", en 1999 estrena en el Palacio de Bellas Artes: "Antonieta Rivas Mercado, la Antorcha Hija del Ángel", en 2000 estrena en el Teatro de las Artes del Centro Nacional de las Artes: "Memoria", en 2003 "Bésame Mucho", "Cucurrucucú", "El Adiós a Javier Salazar", y "La Tanda" en 2007.
En 1991 Inaugura el Teatro Espacio Cultural, sede del Ballet Teatro del Espacio.
En 1992 forma parte de la Comisión de Artes y Letras del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes.
De 1993 – 1994 pertenece al Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA.
En 1997 la Unión Mexicana de Cronistas de Teatro y Música le otorga un premio por su destacada trayectoria dentro de la danza.
En 1998 forma parte del Jurado del Premio Nacional de Ciencias y Artes.
En 2000 la nombran Presidenta del Jurado del XXI premio INBA UAM, concurso de composición coreográfica contemporánea.
En 2001 la nombran Miembro del Consejo Consultivo del Festival Internacional Cervantino.
En 2003 es nombrada miembro del Consejo Consultivo de la Fundación Rodolfo Morarles, y recibe el premio Guillermina Bravo en reconocimiento a su trayectoria.
En 2004 publica el libro MEMORIAS, sobre la vida de Antonieta Rivas Mercado.
En 2006 recibió el premio Coatlicue, otorgado por la Coordinadora Internacional de Mujeres en el Arte (COMUNARTE).
En 2007 recibe la Medalla de Oro de Bellas Artes, en reconocimiento a su trayectoria y forma parte del Jurado para el Premio Nacional de Ciencias y Artes.
Michel Descombey
Inició su carrera profesional como bailarín del Cuerpo de Ballet de la Ópera de París, donde posteriormente fue Primer Bailarín, Maître de Ballet, coreógrafo oficial y Director de la Danza de la compañía de 1962 a 1969.
En 1967 fundó el Ballet Studio de la Ópera, que trabajó en estrecha colaboración con las Casas de Cultura francesas.
En 1969, inició su trabajo como coreógrafo independiente, creando obras para numerosas compañías en distintas partes del mundo.
De 1971 a 1973 fue director de la Ópera de Zurich. La compañía francesa Ballet Theatre Contemporain presentó en más de treinta países su obra Violostries.
En 1972 trabajó por primera vez con el Ballet Independiente ahora Ballet Teatro del Espacio, y nuevamente en 1975, creando el espectáculo Año Cero.
Convirtiéndose desde 1977 en director asociado y coreógrafo principal de la Compañía creando más de 30 obras, entre otras: La Ópera Descuartizada, Conquistas, La Noche Transfigurada, Pavana para un Amor Muerto, 1991 Año Mozart, A Rudolf Nureyev, Neomilenio, (espectáculo multimedia, en colaboración con el escultor Sebastián); Che, El Miedo, Carmen 2002, Soledades y El Adiós.
Por sus trabajos coreográficos dentro del Ballet Teatro del Espacio, fue premiado tres veces por la Unión de Cronistas de Teatro y Música, la última vez en 1989 por su espectáculo coreográfico Sinfonía Fantástica, que también recibió el premio Claridades ese mismo año.
Realizó dos comedias musicales y numerosas producciones para la televisión.
Es autor del libro La Danse, publicado por Editorial Marabout.
Es Caballero de la Orden de las Artes y Letras distinción que le fue otorgada por André Malraux, Ministro de Cultura del gobierno del General de Gaulle.
A principios de 1985, fue nombrado por decreto Presidencial de la República Francesa Caballero de la Legión de Honor Francesa
En 1994 se le otorgó la Orden del Águila Azteca por su contribución a la evolución y perfeccionamiento del Arte de la Danza en México.
Recientemente dentro del marco del XXV Festival Internacional de Danza Contemporánea Lilia López en octubre de 2005 le fue otorgado el premio Guillermina Bravo, por su trayectoria.
En 2006 fue galardonado con el premio Lunas del Auditorio por la coreografía Carmen 2002.
En 2007 se le otorgó la Medalla de Oro de Bellas Artes, en reconocimiento a su trayectoria.
En 2008 nuevamente fue galardonado con el premio Lunas del Auditorio por la coreografía El Adiós
Críticas de la Prensa
CRITICAS 1989
Estamos ante una obra monumental (Sinfonía Fantástica). Estoy convencido que se trata de la obra cumbre de un coreógrafo serio, profesional, de una trayectoria excepcional, de naturaleza romántica y de formación clásica. Creo que Descombey está trabajando con un grupo de bailarines notablemente bien adiestrados y disciplinados. La Sinfonía Fantástica es un logro completo, en este momento de la danza mexicana y mundial, del Ballet Teatro del Espacio.
Alberto Dallal. La Jornada Semanal. 1989.
Sinfonía Fantástica ... un ejemplo más del excelente trabajo artístico del Ballet Teatro del Espacio.
José Eduardo López Bosch. El Sol de México. 1989.
Ahora Descombey supera a Descombey con un trabajo que estamos seguros trascenderá las fronteras mexicanas y se convertirá, en el transcurso de la próxima
década, en un clásico de la danza actual. Sinfonía Fantástica, con la múscia de Hector Berlioz, es un ballet rotundo. Impecable en el trazo coreográfico, constante de un acontecer dancístico, impactante en su dramático contenido:
Kurt Hermann Wilhelm. Impacto. 1989.
CRITICAS 1993
La ópera descuartizada, una de las obras maestras del genial Descombey, un homenaje a la eterna lucha por la libertad, contextualizada dentro del proceso chileno vivido a principios de los 70 y cuyas sécuelas se viven aún en nuestros días.
¡Bravo! por el Ballet Teatro del Espacio ¡Bravo! por el Patronato de Bellas Artes.
Hugo Leonel de León. La República (Guatemala). Septiembre 1993.
Ballet Teatro del Espacio puede ser comparado favorablemente con las compañías internacionales más destacadas. Tiene el humor y la fantasía de las compañías de Eliot Feld y de Murrai Louis. El lirismo de la de Paul Taylor e incluso, la intensidad apasionada de Martha Graham y José Limon. En realidad Ballet Teatro del Espacio es un tesoro cultural mexicano. Y hasta los neofitos encontrarán el programa conmovedor y memorable.
Brad Bradley. The News. Julio 1993.
CRITICAS 1994
A propósito de Preludios ....
El Ballet Teatro del Espacio, que es de los pocos grupos de danza contemporánea que valen la pena, pues a diferencia de la mayoría si ostenta rigor y una disciplina notables, además de su apreciable originalidad y desenfadada postura ante la danza.
Roberto Frías. La Jornada. Abril 1994.
Hoy, Michel Descombey nos sorprende una vez más con su creación basada en esa música romántica y tranquila que hace flotar en el espacio el ritmo y el cuerpo de los doce bailarines, que comunican sus sentimientos.
José Eduardo López Bosch. Excelsior. Abril 1994.
Preludios no es fácil de digerir, es un producto complejo de un coreógrafo maduro que maneja un lenguaje muy elaborado, lleno de elementos ricos en contenido.
Virginia Bautista. El Financiero. Abril 1994.
A propósito de Rudolf Nureyev..
Un aspecto importante del arte de Michel Descombey es su teatralidad, su impecable oficio escénico. Otro es su lenguaje coreográfico, radiografía de sus mente, de su emoción.
Patricia Cardona. Uno más uno. Julio 1994.
Con gran éxito culminaron en el bello Palacio de Bellas Artes, las presentaciones del Ballet Teatro del Espacio, en el que Beatríz Madrid se llevó nutridas ovaciones en su participación como coreógrafa y bailarina.
Susana Kunkel. Espejo Ovaciones. Julio 1994.
Con un diseño de iluminación notable, montaje musical preciosista y vestuario y escenografía de primer mundo, Descombey hace evidente, una vez más, por qué sigue siendo un artista vigoroso e intenso, dispuesto a seguir causando polémica y capaz de atraer el público al Teatro de Bellas Artes.
Responsable en buena parte de que Nureyev haya sido nombrado director de la Opera de París, cuando en 1982, después de declinar la propuesta, propuso a su vez a Nureyev, (Descombey se hace dueño del foro y despliega su experiencia: los bailarines y la coreografía son las estrellas, la producción se mantiene en lo exacto para no sobresalir, y el público resulta complacido).
Rosarios Manzanos. Proceso. Julio 1994.
Michel Descombey es un creador liberado de las habituales, limitaciones impuestas por la descreción y el pudor; este espectáculo es un acto de valentía y de entrega sin fronteras a una idea indudablemente generosa.
Paco Ignacio Taibo I. El Universal. Julio 1994.
Las palabras no bastan para describir la emoción que invadió el Palacio de Bellas Artes la noche del sábado, durante la presentación del Ballet Teatro del Espacio.
Bailarines de interpretación impecable, coreografías con una estructura dramática y escénica bien definidas, iluminación ad hoc y que decir de la música, como siempre, el Ballet Teatro del Espacio sorprende...
Un programa vivencial, en donde los bailarines demuestran sus dotes dancísticos.
El Ballet Teatro del Espacio demuestra, una vez más, su capacidad creativa, su dedicación y esfuerzo, en una palabra su profesionalismo.
América Juárez. Reforma. Julio 1994.
CRITICAS 1995
El coreodrama Ana Frank es considerado por conocedores como una verdadera pieza coreográfica.
Fernando Maldonado. Movimiento Actual. 1995
.El domingo pasado, el Ballet Teatro del Espacio culminó en el Palacio de Bellas Artes una corta temporada que resultó un éxito rotundo.
Al final del espectáculo, el público que abarrotó totalmente la sala brindó a los 30 intérpretes de la compañía una larga y muy emotiva ovación que premió merecidamente la calidad tecnica y artística de una agrupación que, bajo la dirección de Gladiola Orozco y Michel Descombey, realizan desde hace muchos años un trabajo ejemplar.
Con ello, quedo demostrado que cuando se conjugan la eXcelencia del trabajo técnico y artístico con una obra de la magnitud activa y temática de "1991, Año Mozart" de Michel Descombey que presentó el Ballet Teatro del Espacio en esta oportunidad, si existe un público activo, ávido y, finalmente, agradecido para la danza.
Novedades. Agosto 1995.
Con un espectáculo prodigioso del Ballet Teatro del Espacio que se presentó en el Teatro
de la Paz se clausuró el XV Festival Internacional de Danza Contemporánea con el aplauso de un público que abarrotó el foro.
El Sol de San Luis. Agosto 1995.
Conquistas sigue siendo una de las obras capitalesde Descombey gústele a quien le guste y duélale a quien le duela. Es una importante reflexión las conquistas históricas, militares, religiosas y culturales de México.
"A Rudolf Nureyev", aquí toda lacompañía realiza un verdadero "tour de force" y terminan poniendo a todo el público de pie y aplaudiendo por minutos y minutos. Nos impresiona la forma en que Descombey utiliza el Adaggio de la Rosa del ballet "La Bella Durmiente" (Tchaikovski/Petipa) en un momento exclusivamente para el cuerpo de baile masculino.
La fuerza y la perfección de este momento es inolvidable. Un gran éxito, una noche de danza memorable, como todas que ofrece esta compañía y deseosos de que comience otra temporada y asistir a otra noche íntegra de danza de impecable calidad.
Kurt Hermann Wilhelm. Claridades. Mayo 1995.
La escenografía y vestuario es de la excelente coreógrafa G. Orozco. La intérprete Jessica Sandoval es una verdadera Ana Frank, impregna el escenario de ingenuidad, de desesperanza, arrebato, angustia, pánico, tensión, recuerdo.
La danza contemporánea es un tipo de expresión artística que está basado en la técnica del ballet clásico, y que conllevaba menor rigidez de movimientos. Surge como una reacción a las formas clásicas y probablemente como una necesidad de expresarse más libremente con el cuerpo. Es una clase de danza en la que se busca expresar, a través del bailarín, una idea, un sentimiento, una emoción, al igual que el ballet clásico, pero mezclando movimientos corporales propios del siglo XX y XXI.
Esta danza es cien por ciento interpretativa, sus movimientos se sincronizan con la cabeza tratando de comunicar un mensaje. Amplía el rango de movimiento, y utiliza el espacio con mayores posibilidades.
Una característica distintiva es el uso de multimedia para acompañar las coreografías, como video e imágenes usados de fondo.
Su origen se remonta hasta finales del siglo XIX y podríamos decir que ha tenido una evolución muy peculiar. En los inicios se buscaba una alternativa a la estricta técnica del ballet clásico, empezaron a aparecer bailarines danzando descalzos y realizando saltos menos rígidos que los tradicionales en el escenario. Con el tiempo, fueron apareciendo variaciones en las que la técnica clásica brillaba por su ausencia e incluso se introducían movimientos de otros estilos de baile, como movimientos aflamencados, movimientos tribales, acrobacias, contacto físico. Hasta el final de la Segunda Guerra Mundial, este renovado estilo de danza se llamó danza moderna, pero su evolución desde finales de los años 1940 en adelante llevó a que se prefiriese a partir de entonces emplear la expresión danza contemporánea. Hoy en día, las técnicas modernas dejan paso a un torbellino de mezclas de estilos, llegándose incluso a no dejar claro a que estilo se asemeja o que patrones se siguen. Se dice que en la danza contemporánea (hoy día) "todo vale".
Se pueden distinguir en los inicios dos escuelas, la Americana y la Europea.
Escuela Americana
Primera Generación. Pioneros americanos.
Isadora Duncan
Loïs Fuller
Guillermina Bravo
Diana Presuel
Segunda Generación. Los fundadores de la "Modern Dance" en Estados Unidos
Generación Histórica precedentes de la Denishawn
Louis Horst
Martha Graham
Doris Humphrey
Charles Weidman
Los otros creadores de técnicas
José Limón
Lester Horton
Anna Sokolow
Tercera Generación.
Merce Cunningham
Paul Taylor
Alwin Nikolais
Alvin Ailey
Eleo Pomares
Donald McKayle
Isadora Duncan fue una legendaria bailarina norteamericana (1878-1927).
Escuela Europea
Primera Generación. Pioneros Europeos.
Filósofos y pensadores
FRANÇOISE DELSARTE(francés, 1811-71) fue el inspirador de la Gimnasia Moderna, conocida primeramente con el nombre de Gimnasia Expresiva (Bode) o, posteriormente, Gimnasia Rítmica. Afirma que los estados espirituales se deben representar a
través de actitudes y movimientos del cuerpo como unidad, y no únicamente del rostro. La preocupación por la técnica es mucho mayor que en el anterior. Divide el cuerpo en tres zonas variables:
• Los miembros inferiores, expresan fuerza
• El torso y brazos, expresan lo espiritual y emocional
• Y la cabeza – cuello, el gesto, reflejan el estado mental
Sus ideas fueron llevadas a EE.UU. por uno de sus discípulos, STEELE MACKAYE, que junto con GENEVIEVE SEBBINS difundieron e introdujeron estas ideas por las mejores escuelas de Nueva York.
En Europa es HEDWIG KALLMEYER, alumna de SEBBINS, quien difunde sus ideas. En 1930, funda en Alemania el Instituto de Cultura Expresiva y Corporal, donde enseña como forma de EF para la mujer, el sistema de Delsarte, y con ello logra su inclusión en la escuela; además publica "Belleza y salud", que supone una reacción contra los movimientos gimnásticos tradicionales.
Delsarte desarrolla las Leyes del Movimiento Armonioso, que son:
1.- Ley de la postura armónica: posición equilibrada y natural como la posición de reposo perfecta de las estatuas griegas.
2.- Ley del movimiento opuesto: todo movimiento exige por principios de equilibrio un movimiento opuesto de los otros segmentos.
3.- Ley de la función muscular armónica: la fuerza muscular debe estar en relación directa con el tamaño de los músculos.
EMILE JAQUES-DALCROZE fue el creador de la gimnasia rítmica, euritmia. Fue un hombre polifacético: músico, coreógrafo, actor, compositor y pedagogo. Sus conocimientos musicales y corporales le llevaron a percatarse de la necesidad del aprendizaje de estas dos actividades para el desarrollo de la persona y a partir de aquí empezó a investigar las leyes del ritmo musical mediante el movimiento corporal.
Las observaciones que efectuaba en sus alumnos de solfeo del Conservatorio de Ginebra fueron el origen de su método de gimnasia rítmica:
• Observó que algunos progresaban auditivamente de una manera normal; sin embargo, les faltaba la capacidad de medir los sonidos, la sensación de duración y el ritmar las sucesiones.
• Comprobó que frecuentemente reaccionaban con movimientos involuntarios de ciertas partes del cuerpo a consecuencia de la música (pe: golpeando el suelo con los pies), deduciendo así que podía existir alguna relación entre la acústica y los centros nerviosos superiores.
• No todos los niños reaccionaban de la misma manera. Muchos no conseguían coordinar sus movimientos, al no responder correctamente el cuerpo a las órdenes nerviosas.
Basándose en estas observaciones concluyó que:
• Todo lo que en la música es de naturaleza motriz y dinámica, depende no sólo del oído, sino también del tacto.
• Consideró que la musicalidad puramente auditiva era incompleta.
• La arritmia musical es fruto de una arritmia de carácter general.
• No es posible crear armonías musicales sin poseer un estado musical armónico interior.
El Método de Dalcroze es un método de enseñanza musical a través del ritmo y el movimiento. Utiliza una gran variedad de movimientos como analogías para hacer referencia a los conceptos musicales, para desarrollar un sentimiento integrado y natural para la expresión musical. Para su método, señala tres elementos centrales: Ritmo, Solfeo e Improvisación. Su finalidad consiste en armonizar las facultades de percepción, conciencia y acción por parte del alumno. Pretende regularizar las reacciones nerviosas del niño, desarrollar sus reflejos, proporcionarle automatismos temporales, luchar contra sus inhibiciones, afinar su sensibilidad y reforzar sus dinamismos.
Para Dalcroze la rítmica no es un arte en sí, sino un medio o instrumento para llegar a las demás artes. Su aportación fue revolucionaria al ser el primero que señala la importancia de la música en el desarrollo personal y por marcar los inicios de lo que más adelante sería la musicoterapia.
Los contenidos de trabajo empleados son: - ejercicios de reacondicionamiento físico - ejercicios para la educación de la mente - estudio activo y creador del ritmo corporal. - estudio activo y creador del ritmo musical.
Creadores de Técnicas
RUDOLF LABAN interesado en las ciencias esenciales para la comprensión del movimiento, estudió matemáticas, física, química, anatomía y fisiología. Viajó alrededor del mundo en busca de la actividad natural y cultivada. El ballet reclamó su mayor atención. Fue enemigo declarado de las “puntas” y creía que el gesto expresivo tenía que dar origen a una liberación total del alma y del cuerpo, en la misma línea que Isadora Duncan.
Laban elabora e interpreta los conceptos sobre el movimiento y la danza, definiendo tres sistemas: • Labanotación: es una forma de recordar los movimientos por medio de símbolos. Consigue establecer una técnica de lenguaje escrito y fiable de los movimientos, de los dinamismos, del espacio y de todas las acciones motrices del cuerpo.
• La técnica del icosaedro: permite a los estudiantes de danza ver los puntos hacia y desde los cuales se mueven, mejorando su precisión en el movimiento.
• La danza expresiva, libre, creativa o danza educativa moderna: establece un conjunto de principios y conceptos sobre el movimiento con la finalidad de servir como guía de investigación y de reflexión sobre la manera de efectuar y concebir el movimiento. De esta forma el individuo, a partir de unos temas específicos, ha de explorar y familiarizarse con el movimiento, llegando a descubrir su propia técnica y elaborando su propio lenguaje corporal.
Para Laban la danza es una forma de expresión corporal de un individuo o grupo, y cada uno tiene su propia danza; por eso la técnica de la misma ha de facilitar diversas posibilidades de acción que le hagan reforzar su personalidad.
Una sesión de danza se compone de:
l. Training corporal: acondicionamiento corporal y físico.
2. Estudio del movimiento: es el centro de la sesión; se experimentan y realizan todos los movimientos personales y grupales.
3. Composición: verifica el dominio del tema trabajado anteriormente.
4. Decontracción: observación de las composiciones anteriores para favorecer el espíritu crítico, y relajación activa o pasiva.
Otras aportaciones de Laban son:
• Los coros de movimiento: que se caracterizan por el énfasis que pone en los movimientos idénticos de varios danzantes para expresar emociones.
• Una técnica de los movimientos considerándolos desde cuatro aspectos: -Tiempo: le interesa la rapidez y la lentitud y los cambios entre las dos (aceleración y desaceleración). -Peso: considera el movimiento fuerte y ligero. Los factores tiempo y peso dan la cualidad dinámica al movimiento. -Espacio: lo relaciona tanto con el modo en que nos movemos como con la dirección en que lo hacemos. -Flujo: este factor penetra en todo el movimiento y confiere la sensación de ser detenido o sujetado.
MARY WIGMAN alemana, discípula de R. V. Laban, aporta como elemento la “intuición creadora”. Considera que el oficio de bailarín es una vocación. Influyó en la formación de bailarines, creando su propia escuela. Su influencia sobre la evolución de la gimnasia moderna se basa en la expresividad exagerada de los gestos y en la alternancia entre contracción y relajación, manteniendo actitudes continuadas tensas y crispadas que varían hacia movimientos dinámicos y alegres ritmos.
Utiliza distintas etapas en su enseñanza y entrenamiento de la danza: parte de la danza sin ningún acompañamiento musical, luego introduce instrumentos de percusión (en los que destacan los tambores) y finalmente llega la música.
Kurt Joos.
Segunda Generación.
Herald Kreutzberg.
Gret Palucca.
Vera Skonel.
Dore Hoyer.
Los Sajarov: Alexandre Sajarov y Clotilde von Derp.
Tercera Generación.
En plena Guerra Fría se desarrolla la Danza contemporánea-clásica de muy distinta manera en los distintos países europeos. La influencia de las Escuelas de LABAN Y MARY WIGMAN se ejerce sobre numerosos artístas y aparecen en todas partes unos cuantos intérpretes-coreógrafos que no llegan a crear escuela. Tampoco la situación económica (Europa se recupera de dos guerras) como geopolítica (Europa dividida por el "Telón de acero" propician la creación de escuelas o movimientos estables de Danza.
También es importante el establecimiento de diversos coreógrafos y pedagogos norteamercicanos, provenientes de la Modern Dance en Francia, España, Suecia, Alemania y Austria. La difusión de las técnicas GRAHAM, LIMÓN, HORTON Y CUNNINGHAM serán importantes en el futuro desarrollo de la Danza actual europea.
No es hasta los años 80's que la Danza Contemporánea Europea, sus intérpretes y creadores toman consciencia y comienzan a desarrollarse compañías con sus particularidades en cada uno de los países:
Danza contemporánea en Alemania
Danza contemporánea en Austria
Danza contemporánea en España
Danza contemporánea en Francia
Danza contemporánea en Italia
Isadora Duncan
(San Francisco, 1878 - Niza, 1927) Bailarina norteamericana. Hija de un matrimonio desunido y finalmente divorciado, su instinto la inclinó hacia el baile desde niña. En su autobiografía, titulada Mi vida, escribió: "Nací a la orilla del mar. Mi primera idea del movimiento y de la danza me ha venido seguramente del ritmo de las olas..." A los diez años abandonó la escuela para dedicarse a su pasión y a los diecisiete se dirigió a Nueva York, donde se incorporó a la compañía de Agustin Daly.
Al actor y empresario no acabaron de convencerlo los experimentos e innovaciones que Isadora le proponía continuamente, deseosa de llevar a la práctica un nuevo método de interpretar plásticamente poemas por medio de la improvisación, que había concebido ya por aquel entonces. Sintiéndose infeliz, la Duncan abandonó la compañía dos años más tarde y partió con su familia hacia Inglaterra, donde se proponía
estudiar los movimientos de la danza antigua en los jarrones griegos del Museo Británico. Fue una época de formación, de lecturas entusiastas y de ensayo de nuevas danzas; en busca, sobre todo, de nuevos cauces para la expresión coreográfica y de sendas alternativas para profundizar cada día más en su arte.
Los éxitos comenzaron a llegar de forma inmediata. Con un estilo basado en la danza de la Antigua Grecia, dio una serie de recitales en Londres que despertaron el entusiasmo hacia su persona. La prensa declaraba: "En esta época actual de elaboración y artificialidad, el arte de la señorita Duncan es como un soplo de aire puro procedente de la parte más alta de una montaña poblada de pinos, refrescante como el ozono, bello y verdadero como el cielo azul, natural y genuino. Es una imagen de belleza, alegría y abandono, tal como debió ser cuando el mundo era joven y hombres y mujeres bailaban al sol movidos por la simple felicidad de existir."
Efectivamente, Isadora Duncan afirmaba que el baile debía ser una prolongación de los movimientos naturales del cuerpo, que ella consideraba hermosos y bastante más bellos que los que efectuaban los bailarines clásicos, a los que tildaba de forzados y antinaturales; por ello, se negaba a constreñir los pies en las zapatillas de baile. Sentía una admiración estética por la belleza del cuerpo humano, influida por los cánones de las estatuas y pinturas de la Grecia clásica. Su método coreográfico era una especie de filosofía basada en el convencimiento de que el baile
ponía al individuo en comunicación armónica con el ritmo intrínseco de la naturaleza y los cuerpos celestes.
A partir de ese momento, Isadora no dejó de viajar, reclamada por los mejores teatros de Europa. En París se imbuyó del espíritu de Rodin y de Bourdelle. Más tarde descubrió Italia y el Renacimiento, y se embelesó con el leve y sutil Botticelli, cuya influencia en su arte es palmaria a partir de aquellos años. Por fin, en 1902, realizó uno de sus sueños: viajar a Grecia y peregrinar a las fuentes del arte de Occidente. Cerca de Atenas, en la colina de Kopanos, comenzó a construir un templo consagrado a la danza, pero los ingresos percibidos por sus giras se revelaron insuficientes para cubrir los gastos y la empresa hubo de abandonarse.
Con motivo de su primer viaje a San Petersburgo, en 1905, la ya entonces famosa Isadora fue invitada por la no menos célebre bailarina rusa Anna Pavlova a visitar su estudio. Allí tuvo el privilegio de contemplar a la gran diva realizando sus ejercicios. La propia Isadora lo relata en sus memorias: "Encontré a Pavlova de pie con su vestido de tul practicando en la barra, sometiéndose a la gimnasia más rigurosa, mientras que un viejo caballero con un violín marcaba el tiempo y la exhortaba a realizar mayores esfuerzos; era el legendario maestro Petipa. Me senté y durante tres horas observé tensa y perpleja los sorprendentes ejercicios de Pavlova, que parecía ser de acero elástico. Su hermoso rostro adoptó las líneas severas del mártir. No paró ni un solo instante. Todo su entrenamiento parecía estar destinado a separar por completo la mente de los movimientos gimnásticos del cuerpo. La mente debía alejarse de esa rigurosa disciplina muscular. Esto era justamente todo lo contrario de las teorías sobre las que yo había fundado mi escuela un año antes. Lo que yo pretendía es que mente y espíritu fuesen los motores del cuerpo y lo elevasen sin esfuerzo aparente hacia la luz."
No debe sorprender este completo desacuerdo con las más antiguas normas del ballet por parte de quien concebía la danza como un sacerdocio, como una forma sublime de emoción espiritual y como una liturgia en la que alma y cuerpo debían ser arrastrados por la música para transformarse en puro arte.
Para Isadora, era el amor a la naturaleza y a la vida lo que había de transmitirse a través del movimiento, siguiendo el ejemplo de las nubes, el mar o las copas de los árboles mecidas por el viento. Enemiga del ballet, al que consideraba un género falso y absurdo, manifestó que la danza debe establecer una armonía calurosa entre los seres y la vida y no ser tan sólo una diversión agradable y frívola. Danzaba descalza, con una simple túnica griega de seda transparente sobre su cuerpo desnudo, como una sacerdotisa pagana transportada por el ritmo. Hoy es considerada la iniciadora de la modern dance norteamericana y su figura es evocada con fervor en todos los escenarios del mundo.
Durante esos años, las más importantes ciudades europeas pudieron extasiarse ante la nueva estrella, a la que llamaron "la ninfa". En todos lados tuvo amigos pintores, poetas e intelectuales y estuvo rodeada de admiradores que deseaban conocerla. Apasionada, bellísima y maravillosa, ejercía un poder de seducción irresistible entre cuantos la rodeaban. Se comenzó a asociar muchos nombres masculinos con el de Isadora, y pronto nacería la leyenda de un maleficio que parecía emanar de su persona y abatirse sobre todos los seres a los que entregaba su amor, un maleficio que acabaría de forma terrible con su propia vida.
La primera "víctima" fue el polaco Iván Miroski, consumido por unas fiebres malignas poco después de separarse de Isadora. Luego, extraños percances y desapariciones salpicaron sus relaciones
con sus amantes, fuesen ocasionales o duraderos. En 1913, la oscura influencia se cebó en sus propios hijos, Deirdre y Patrick, cuando Isadora estaba triunfando en París.
Un día, agobiada por los ensayos, confió los niños a la institutriz para que los llevara en automóvil a Versalles. Ella misma relata que quizás tuvo un presagio del drama: "Al dejarlos en el coche, mi Deirdre colocó los labios contra los cristales de la ventanilla; yo me incliné y besé el vidrio en el sitio mismo donde ella tenía puesta la boca. Entonces, el frío del cristal me produjo una rara impresión e hizo que me recorriese un estremecimiento". Minutos después, el auto bordeaba el Sena y, al girar para cruzar uno de sus puentes, los frenos no respondieron a la voluntad del chófer.
El coche se precipitó en las oscuras aguas y los dos niños perecieron ahogados. Isadora declaró: "Si esta desgracia hubiera ocurrido antes, yo hubiese podido vencerla; si más tarde, no habría sido tan terrible, pero en aquel momento, en plena madurez de mi vida, me aniquiló". En efecto, la bailarina anuló todos sus compromisos y decidió interrumpir su carrera, dedicándose por entero a la enseñanza y tratando de olvidar su desgracia sumergiéndose en un trabajo agotador.
Varias veces pensó en quitarse la vida, pero siempre la disuadió la idea de que otros niños, empezando por los alumnos de la escuela que había creado en 1904, estaban necesitados de ella. Comenzó a participar en campañas benéficas y trató de llevar sus enseñanzas a diferentes países, lo que la condujo hasta Moscú en 1921, después de que el gobierno soviético mostrase su interés por recibirla.
Con el inicio de nuevas peregrinaciones volvieron los romances. En la Unión Soviética conoció a Sergei Esenin, poeta y cantor oficial de la Revolución de 1917, y se entusiasmó con el ambiente pletórico de ilusiones que se respiraba en el país y que Sergei encarnaba a la perfección. Esenin se enamoró locamente de Isadora y consiguió que ésta renunciara a su propósito, repetidamente afirmado, de no contraer matrimonio.
Pero su unión resultó catastrófica. Después de viajar por Europa y Estados Unidos, Sergei se hundió en una profunda apatía originada por una fase de infecundidad creativa que achacaba al hecho de vivir lejos de su patria. Lo cierto es que cuando el matrimonio regresó a Moscú, el poeta continuó en el mismo estado y se sumergió de forma imparable en la misantropía y el alcoholismo.
Medio loco, su comportamiento empezó a ser escandaloso hasta para la propia Isadora. Esenin acostumbraba a desaparecer dejando tras de sí un rastro de botellas vacías y muebles rotos. La
paciencia de "la ninfa" llegó al límite. A finales de 1924, Isadora, ya divorciada, abandonó la Unión Soviética. Un año más tarde supo, por la noticia publicada en los periódicos, que su ex marido se había quitado la vida.
La aventura rusa de la Duncan no sólo terminó en fracaso desde el punto de vista sentimental. Si bien al principio se había compenetrado a la perfección con sus interlocutores, entusiasmados con la idea de poner en marcha su Escuela de Danza Futura, más tarde esta iniciativa no fue bien acogida por ciertos dirigentes soviéticos que ya empezaban a mostrar los síntomas del anquilosamiento burocrático que luego sería proverbial en el sistema comunista.
De regreso a Europa, tampoco los empresarios capitalistas parecieron entusiasmarse con sus proyectos. Además, sus opiniones ateas, su actitud favorable hacia la Revolución Rusa y su evidente aceptación del amor libre no eran cualidades que la opinión pública occidental, a la defensiva después de la eclosión comunista, valorase positivamente.
Isadora decidió volver a los escenarios y ofreció una serie de recitales que resultaron un fracaso; el público fidelísimo que hasta la muerte de sus hijos la había llevado en volandas comenzó a fallarle; las salas la recibieron semivacías, silenciosas y heladas. Isadora se refugió en Niza, donde terminó su autobiografía y preparó El arte de la danza, libro en el que pretendía ofrecer una síntesis de sus enseñanzas.
Se encontraba absorbida por esta tarea cuando, el miércoles l4 de septiembre de 1927, decidió tomarse un respiro y dar un paseo en su Bugatti. El dramático accidente tuvo lugar cuando el automóvil recorría veloz la Promenade des Anglais: su largo chal rojo, el mismo que había agitado ante la multitud que la esperaba a su regreso de la Unión Soviética, se enredó en los radios de una de las ruedas posteriores del automóvil; Isadora no pudo liberarse del abrazo homicida y murió estrangulada. Ni siquiera ella hubiera podido imaginar un final más acorde con su existencia extravagante y romántica.Ella explotó la capacidad de las nuevas tecnologías, al bailar en una nube de seda iluminada por los nuevos sistemas eléctricos de la iluminación teatral. Isadora Duncan utilizó los ideales del antiguo arte griego para inspirar formas más naturales de danza. Duncan utilizó el cuerpo humano como un instrumento de expresión emocional. Su vida y su muerte hicieron de Isadora una figura mística de la danza.
RutH St Denis
En 1915, Ruth St. Denis funda con su esposo Ted Shawn, estudiante de teología, fundan la escuela Denishawn en Los Angeles, USA. En esta escuela se exploran movimientos de la danza india, la danza española y bailes africanos. Además incorporaba movimientos de las artes marciales como el tai chi. En esta escuela estudiaron grandes exponentes de la danza como Martha Graham, Doris Humphrey y Charles Wiedman. Lamentablemente la escuela cerró en 1932 trás la separación de Ruth y Ted.
Siglo XIX - Ruth Saint -DenisSiglo XIX - Ruth Denis nació en 1878 en una zona rural de New Jersey. Bailarina y coreógrafa fundadora del ballet moderno en Estados Unidos.
Desde niña fue alentada por su madre a estudiar danza que incluyó clases de ballet, danzas sociales y skirt dance (=técnica francesa basada en la manipulación de la falda, que podía tener hasta 12 metros de tela). Empezó su carrera profesional en 1892 como skirt dance en vaudevilles, donde David Belasco, un reconocido director de Broadway la contrató para bailar en su compañía y fue quien le puso el nombre artístico "Saint Denis".
En sus viajes por Europa, se interesó mucho en las culturas orientales, en el drama y la danza de Japón, India y Egipto. En 1905 abandonó la compañía de Belasco y comenzó su carrera como solista con la obra "Radha", un ballet creado por ella e inspirado en la cultura y mitología de la India. En 1914 se casó con el bailarín Ted Shawn y fundaron la primera escuela de danza Denishawn, donde crearon variantes de muchos estilos de danzas. Realizaron giras por todo el mundo hasta 1931 año en que se divorciaron.
Su estilo coreográfico fue creciendo tomando elementos de fuentes occidentales como orientales, buscaba expresar las emociones y los conflictos humanos con la dinámica, el ritmo, la música y los gestos más leves de los bailarines.
Ruth fundó "La Sociedad de Artes Espirituales", donde promovió el usode la danza en la religión. Casi al final de su vida formó una iglesia "St. Denis Religious Art Church" cuya misión era la realización divina a través de las artes. Decía: "En la medida que nos elevemos en la comprensión de nosotros mismos, las discrepancias se disolverán en el ritmo universal de la Verdad y el Amor. Somos el microcosmos, el Universo en miniatura".Ruth Saint Denis murió en 1968.
Mary Wigman
Mary Wigman, asistente de Laban (creador de la notación Labiana), crea su propia escuela en 1920. Ella fue famosa por crear una serie de solos famosos (Hungarian Dances, Danses de la nuit) e impulsar la danza contemporanea en Europa.
Los cuatro aspectos básicos de la danza de M. Wigman son: expresionismo, espacio, la danza sin música y el principio de tensión-relajación. Poseía un alto sentido de la introspección, su mundo interno reflejaba el caos que le tocó vivir.
Al igual que el barroco, el romanticismo y el realismo, el expresionismo ha existido siempre en diferente medida en todas las expresiones artísticas. Como corriente, se sitúa entre 1880-1930. Fue un movimiento esencialmente germánico que se extendió luego a los demás países europeos. Los expresionistas, a diferencia de otros movimientos artísticos, nunca estuvieron agrupados, siendo notable su tendencia a la soledad. Expresionista es todo lo que sacude la armonía preestablecida, lo que se inscribe en la forma con ferocidad y asimetría, es lo puntiagudo, lo zigzagueante, lo desgarrado. Sus temas son: la locura, la repetición, la presencia del doble, el salvajismo sexual y primario, el espanto, la mueca, la gestualidad sin pudor, la agitación de la metrópoli, la muerte. Más importante que la apariencia de las cosas resultan los sentimientos, la superposición a la realidad de la expresión subjetiva.
La aventura expresionista es la de toda una generación que apenas salida de la adolescencia debió enfrentarse a una gran guerra, crisis económica, confusión moral, lucha de clases, ley de la selva hecha cotidianeidad donde millones de individuos son pisoteados y dislocados. Dentro de este contexto se ubica Mary Wigman (1886-1973) como el más alto exponente de la danza expresionista alemana. Nació en la ciudad de Hannover y comenzó a estudiar danza a los 20 años. Sus ideas, teorías y práctica dancística provienen de sus estudios con Jaques Dalcroze, Rudolf von Laban y las investigaciones realizadas sobre el gesto y el movimiento de Francoise Delsarte, un gran estudioso y pedagogo francés del siglo XIX.
Los cuatro aspectos básicos de la danza de M. Wigman son: expresionismo, espacio, la danza sin música y el principio de tensión-relajación. Poseía un alto sentido de la introspección, su mundo interno reflejaba el caos que le tocó vivir. Estuvo estrechamente vinculada a las ideas expresionistas de la plástica y la literatura alemana. Para ella la expresión proporcionaba vida, fuerza y sentido a la forma, ésta debía surgir sólo a partir de la primera. La danza fue su medio de auto expresión y autorrealización. Utilizó máscaras para enfatizar la expresión de su rostro. Debido a su amplio conocimiento sobre la expresión facial, lograba impresionantes transformaciones en su cara, cuando no llevaba máscaras. Obtuvo importantes logros en la técnica de la improvisación.
Gustaba de los movimientos en los niveles bajo y medio: arrodillada, agachada, gateando, arrastrándose, deslizando, cayéndose, en ocasiones completamente acostada en el suelo. En otros momentos concebía la danza al estilo oriental, sentada, utilizando el torso, los brazos y las manos. Consideraba fundamental la relación del bailarín con el espacio: penetrar, conocer, entender y dominar el espacio para recrearlo en formas visibles. Para M. Wigman tiempo, espacio y energía son elementos que un bailarín debe conocer profundamente para dar vida a una danza. Fue una de las primeras que realizaron coreografías totalmente en silencio, sostenía que la danza es un acto independiente de la música.
En ocasiones utilizaba instrumentos de percusión de procedencia oriental o de cuerdas arcaicas. Su técnica está vinculada al principio de tensión-relajación basado en el ritmo respiratorio. La fuerza o energía del cuerpo que se opone a la ley de gravedad o coopera con ella, que dirige su energía hacia el centro o la periferia del cuerpo son las cuestiones que el bailarín debe abordar y controlar. En 1920 estableció una escuela en Dresden, desde donde transmitió su experiencia y lo aprendido de sus maestros; su carrera como coreógrafa comenzó en 1914 y se prolongó hasta la década del 60. Desde 1920 se dedicó a preparar a un grupo de bailarines que se afianzaron y realizaron por esa época numerosas giras, alcanzando cierta notoriedad en Europa, que no llega mantenerse como tal debido a la situación política. En 1940 el régimen nazi cierra su escuela. La Danza Moderna Alemana o Danza Libre fue interrumpida en ese entonces pero no obstante había creado un cambio definitivo logrando convertirse en un arte independiente y distinto del ballet. [email protected] // www.luciernaga-clap.com.ar // Selección Fotográfica por Danza Ballet.
Martha Graham,
Martha Graham, ex-alumna de St.Denis, funda en 1927 su propia escuela basada en la relajación-contracción del cuerpo. Sus obras están inspiradas en la historia americana (Primitive Mysteries, Frontier, Appalachian Spring) y en la mitología (Cave of the Heart, Errand into the Maze, Hérodiade, etc.). Dejo de bailar en el escenario a los 75 años y su última coreografía (Mapple Leaf Rag) la creo a los 96 años, una verdadera Matusalem de la danza.
Martha Graham (Pittsburgh, Pensilvania 11 de mayo de 1894 — Nueva York, 1 de abril de 1991), fue una bailarina y coreógrafa estadounidense de danza moderna cuya influencia en la danza es equiparada a la que tuvo Picasso en las artes plásticas, Stravinsky en la música o Frank Lloyd Wright en la arquitectura.1 Para ella, la danza moderna no era producto de la inventiva, sino del descubrimiento de principios primigenios.
Martha Graham nació en Pittsburgh y se mudó a California siendo una niña. Después de ver a Ruth St. Denis bailar en los años 1910 tomó un interés por el baile aunque no fue hasta los 22 años (1916) cuando se interesó profesionalmente, entrando en el Denishawn. En esta histórica escuela Ruth St. Denis pide a Ted Shaw que la tome como alumna ya que le es imposible enseñarle. Ted Shaw no tarda en descubrir las capacidades excepcionales de su nueva alumna.
Se abrió paso sola pero con el constante apoyo de Louis Horst, un músico que trabajaba como acompañante al cual ella conoció mientras estudiaba en Denishawn y que se convirtió en su amante y mentor musical. En 1923, después de una intensa colaboración como ayudante y como bailarina solista de Ted Shaw, Martha Graham abandona el Denishawn. Viaja a Nueva York para bailar en Greenwich Village Follies y en el Eastman Theater. En 1925 Graham se convirtió en instructora de baile en la Escuela de Música y Teatro Eastman en Rochester,
Nueva York. Durante dos años en esta escuela, experimenta y encuentra los principios de su danza. Descubre a Mary Wigman a través de libros y fotografías; asiste a una demostración de la bailarina Ronny Johansson en el estudio de Ted Shaw, queda impresionada de la utilización del suelo que hace la bailarina y a partir de ello se percata del control que puede efectuarse sobre los músculos del torso. Incorpora este método de trabajo para resolver técnicamente problemas fundamentales sobre el equilibrio y es así como descubre a la pelvis como la fuente de energía del bailarín.
En 1926 Graham fundó su propia compañía, La Compañía de Danza Martha Graham. Su estilo único de danza moderna reflejaba el arte moderno de su época. Las presentaciones de Graham la hicieron famosa por sus innovaciones en la danza moderna. El estilo de Martha Graham es ampliamente reconocido por sus características contracción y relajación, la caída al piso controlada, los saltos del hombre, y un desarrollo de imágenes que van con los movimientos.
En la Universidad de Bennington en 1932, Graham fundó el primer grado de bachiller de las artes en danza. En 1951 creó la división de danza en la Escuela Juilliard
En 1936 llegó el trabajo definitivo de Graham, que marcó el comienzo de una nueva era en la danza contemporánea. "Steps in the Street" trajo al escenario los serios problemas que experimentaba el público en general de manera dramática. Influenciada por el desplome de Wall Street, la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial, la danza se enfocó en la depresión y el aislamiento, reflejados en las oscuras escenografías y vestuarios. Esto definió el nuevo estilo de baile y fijó el estándar que muchos coreógrafos siguen hoy en día.
La vida en el baile de Graham gradualmente llegó a un descanso comenzando en los años 1950. En 1948, el Centro Martha Graham de Danza Contemporánea fue establecido. Una de sus estudiantes era la heredera Bethsabée de Rothschild de la cual se hizo amiga cercana. Cuando Rothschild se mudó a Israel y estableció la Compañía de Danza Batsheva en 1965, Graham se convirtió en la primera directora de la compañía, preparó a la primera generación de bailarines, y coreografió trabajos exclusivos para el grupo israelí.
Su última presentación de danza llegó a finales de los años 1960, y después de eso se enfocó en la coreografía. Algunos críticos dicen que aunque hay poco registro existente de sus bailes, éstos son más memorables que su trabajo como coreógrafa. Graham continuó trabajando en el arte hasta que en 1991 murió por causas naturales a los 96 años.
Fue premiada con la Medalla Presidencial de la Libertad en 1976 por el presidente de los Estados Unidos Gerald Ford (la Primera Dama Betty Ford, había bailado con Graham en su juventud.), recibio el Premio Kennedy y la Medalla Nacional de las Artes.
En 1998, la revista TIME, la nombró "Bailarina del Siglo", y una de las personas más importantes del siglo XX.
Doris Humphrey
Otra ex-alumna de St Denis, Doris Humphrey pone en práctica la técnica de control y abandonamiento, de la busqueda de equilibrio en el desequilibrio del cuerpo con sus coreografías (The Shakers, New Dance Trilogy, Salón México). Victima de artritis en 1945, se dedica a dirigir la compañia de su alumno más destacado, José Limón.
(Oak Park, Illinois, 1895-Nueva York, 1958) Bailarina, pedagoga y coreógrafa estadounidense. Discípula de Ruth Saint Denis y de Ted Shawn, se unió a Charles Weidman. Pionera del ballet moderno, su técnica explota hábilmente las infinitas posibilidades de equilibrio y de ritmo del cuerpo humano. Sus composiciones parten de temas dramáticos (Llanto por la muerte de Ignacio Sánchez Mejías) o de abstracciones (Passacaglia). Su libro El arte de bailar(1959) es una de las obras de coreografía más importantes.
José Limon
Mexicano de origen, José Limón crea un estilo viril y feroz (La Pavane du Maure)que a la vez busca una profunda espiritualidad (There is a time). Su compañia es una de las pocas en Estados Unidos que han sobrevivido a su muerte.
osé Arcadio Limón Traslaviña (Culiacán, Sinaloa, 12 de enero de 1908 - Flemington, Nueva Jersey, 2 de diciembre de 1972), fue un bailarín, maestro de danza y coreógrafo mexicano-estadounidense. Es considerado el precursor de la danza moderna, además de iniciador de las técnicas coreográficas que aún hoy se siguen y de que fue el primero en resaltar el rol masculino entre las compañías de danza.
Cuando se le cuestionó acerca de su acercamiento a la danza, Limón recordaría una presentación de los bailarines Harald Kreutzberg e Ivonne Georgia,1 la primera función dancística a la que asistió, comentando "lo que presencié simple e irrevocablemente me cambió la vida. Vi la danza como una visión de poder inefable. Un hombre puede, con dignidad y torrencial majestuosidad, bailar. Bailar como las visiones de Michelangelo y como baila la música de Bach".2 En tal declaración encerró la determinación que lo guiaría a emprender la carrera de le dio fama y reconocimiento el resto de su vida.
Comenzó su carrera cercano a los 20 años de edad, pero eso no le impidió destacar en el mundo de la danza y alcanzar alturas únicas. Inició sus estudios formales en la ciudad de Nueva York con Doris Humphrey y Charles Weidman. En 1946 estableció su propia compañía de danza en Estados Unidos, la Compañía de Danza José Limón, que se consolidó siendo la primera compañía estadounidense en dar una gira por Europa. Además, en su presentación debut (1947) fue catalogado por el New York Times como "el más fino bailarín masculino de su tiempo".3
La pieza más famosa creada por José Limón es The Moor's Pavane, con música de Purcell (1949), que rápidamente se convirtió en una pieza replicada por muchos ballets y compañías alrededor del mundo. En 1969 José Limón creó la fundación que lleva su nombre José Limón Dance Foundation.
En 1971 la esposa de José Limón fallece de cáncer, y un año después el bailarín moría a causa de un cáncer de próstata.
Merce Cunningham
Merce Cunningham, ex-alumno de Martha Graham, crea su compañía en 1953 donde enfatiza una posición vertical en piernas y brazos elegantes. Utiliza muchos ejercicios con demi-pliés y ejercicios en pointé en distintas direcciones (Points in Space). Otros coreografos norteamericanos destacados, que le imprimieron a la danza un goze por la vida y un particular sentido del humor, fueron Paul Taylor, Alwin Nikolais, el étnico Alvin Ailey o Twyla Tharp que dirigió al legendario Mikhaïl Barychnikov.
Merce Cunningham
(16/04/1919 - 26/07/2009)
Coreógrafo y bailarín estadounidense de danza moderna
Nació el 16 de abril de 1919 en Centralia, Washington (Estados Unidos). Cursó estudios de folclore, claqué y bailes de salón en su ciudad natal, y hacia 1940 se inició en el ballet. Se encontró con el compositor vanguardista John Cage en una clase de danza en Seattle (Washington) en 1938, y juntos formaron una larga y productiva asociación. Desde 1939 hasta 1945 trabajó como bailarín solista en la compañía de la coreógrafa Martha Graham. En 1953 fundó la suya propia. En rechazo a los temas psicológicos y literarios de Graham, consideró el movimiento su único objetivo, así, su técnica coreográfica consistía en la combinación aleatoria de una serie de secuencias previamente seleccionadas. Colaboraba de forma habitual con compositores contemporáneos y con pintores vanguardistas como Robert Rauschenberg y Andy Warhol. Hay que destacar entre sus trabajos: Suite por azar (1952), con la primera partitura electrónica del compositor estadounidense Christian Wolff, Cómo pasar, Puntapié, Caer y correr (1965), y Canfield (1969). En 1974 se inició en la representación de lo que llamó eventos, extractos de algunas danzas, que se ejecutaban a la vez. Sus trabajos posteriores incluyen Duetos (1980), Canales/Insertos (1981) y Entradas 2(1984). Falleció el 26 de julio de 2009 en Nueva York.