[b] march 2016 online

9772384

386001

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ISSN 2384-3861

March 2016

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땜빵

인생

Youn

Gyu

Hon

g

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지금도 방영되는지

모르겠다. 어릴 때 난 <장학퀴즈>

를 즐겨 봤다. 한 눈에 봐도 공부

잘할 것 같은 형 누나 다섯 명이

문제를 맞히는 이 프로그램에서

가장 재밌는 부분은 경연자들이

답을 못 맞힌 문제를 방청석에 응원

온 학생들에게 돌리는 대목이었다.

맞히면 교복 원단을 줬지 싶다(

하필 교복 원단일까, 옷감이 귀한

시절이었지만). 틀리면 모두의

폭소와 함께 머리를 긁적이던 장면이

왜 그렇게 재미있었는지 모르겠다.

정답을 안다며 손을 든 무리 중에서

차인태 아나운서에게 지목된 학생은

기념품을 챙기든 망신거리가 되었든

간에 일단 방송을 탈 기회는 잡은

셈이었다.

내가 살면서 깨달은 건데,

간혹 찾아온 행운이 처음부터 흡족한

조건을 갖춘 건 아니다. 운이라는

개념을 짜임새 있게 설명하고

분류할 재간이 내겐 없다. 하지만

현실 속에서 행운은 다른 사람에게

가야했던 보상을 내가 주워 담은

경우다. 잘 차려진 식사에 초대된

손님이 자리를 거부할 때 그 몫을

누구에게 대신 돌린다. 우리는 이걸

땜빵이라고 부른다. 이런 낱말은

나도 쓰기 싫다. 순화된 말이 어떤

게 있을까. 대체 인력? 야구를

좋아한다면 대타? 하지만 땜빵만큼

콕 찌르는 다른 표현을 찾기 어렵다.

자신이 땜빵 신세가 된

사실을 달가워할 사람은 없다.

하지만 이 미지근한 행운을 겪지

않고는 더 나은 단계로 올라설 수

없다. 이름난 예술가들의 생애사를

짚어보더라도, 어느 시점에서 이런

스토리를 쉽게 발견할 수 있다.

예컨대 무대 주인공의 갑작스런

사정으로 생긴 빈자리를 무대 뒤에

선 단역이 얼떨결에 맡아서 스타가

된 사건, 뭐 그런 거 말이다. 제도와

조직이란 게 애당초 완성된 기능과

구조를 그려두고 굴러가는 법인데,

특히 사람을 뽑고 가리는 인사

문제에서 처음 계획이 톱니바퀴처럼

맞아떨어지는 법은 좀처럼 없다.

생각해보면 내가 그런

것 같다. 지금까지 살면서 이런

저런 일을 맡아서 하고 있지만,

심사장에서 예컨대 “아, 윤규홍씨는

우리 일에 딱 맞는 사람 같네요,

여러분 일단 이 사람은 뽑아놓고

다음 후보를 생각해봅시다!”란

일은 절대로 없을 거다. <브라켓

> 지면에 새로 연재를 맡게 된

사정도 그럴 것 같지만, 정세용

편집장이 이야기해주지는 않을

것 같다. 미술과 같은 시각 예술도

땜빵 문제는 늘 벌어진다. 미술은

공연 예술이나 출판업과 달리, 팀을

이뤄 결과를 만들어내는 절차가

한정되어 있다. 대부분 일은 기획자,

큐레이터와 작가들 사이에서

이루어진다. 가령 단체전에서

기획자는 작가들을 모은다고 치자.

이 일은 하나의 좋은 전시를 만들기

위해서 적합한 작가들을 뽑는 거지,

제일 탁월한 능력자를 순위 매겨

잘라내는 게 아니다.

내 전공이 그런 탓이라,

제법 사실에 근거한 조사를

벌여봤다. 자기가 땜빵이라도

라인업에 끼일 확률은 10에서

15% 정도다. 이게 어떻게 산출된

수치인가 하면, 예를 들어 계약

기간을 채우지 않고 공연장이나

미술관에 사표 내는 직원의 숫자, 새

차나 신혼여행 상품을 예약해놓고

펑크 내는 비율, 개인교습과

학원 과외에서 하루 이틀 만에

포기하는 수강생들의 수가 다

비슷했다. 통계는 놀랍다. 물론

이게 나머지에게 곧장 행운으로

이어진다는 말은 아니다. 큰

이벤트에 초대받거나 캐스팅되는

예술인들의 사례도 그와 같은 조직

행동 법칙에 지배 받는다는 뜻이다.

이런 현실 앞에서 우리는 별 수 있나,

언제 누가 어디서라도 갑자기 나를

원하면 언제라도 뛰어갈 준비를

해두는 수밖에 없다. 열심히 손끝

숙련도를 올리고, 머릿속 개념을

다듬고, 작업량을 불려가는 게 험한

예술계에서 살아남는 방법이다.

(윤규홍, 예술사회학) [b]

땜빵

인생

땜빵 인생

Youn Gyu Hong윤규홍/예술 사회학

Youn

Gyu

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artists

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Issue 28March 2016

Sybille Cavasin [email protected] Eun Ji [email protected] Booth [email protected] Nash [email protected] C. Heinzel [email protected] Gyu Hong [email protected]

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본 사업은 2015 대구문화재단 우수기획사업으로 지원받았습니다.

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Copyright for Magazine © 2016 [b]racket magazineCopyright for works of art by 2016 [b]racket magazineUsed by permission. All Rights Reserved.

PublisherEditor in Chief / Chung, Sae yong2232-26, Dalgubul-daero, Jung-gu, Daegu, S.Koreatel +82 10 3811 [email protected]

Seo Young Bae [email protected] Helena Song [email protected] Youn Ju [email protected] DeRemer [email protected] Brown [email protected] Do Hun [email protected]

6

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Seo Young Bae

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서영

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An image of nature changes constantly by light’s reflection or the slightest stir in “The Green Forest” (page 6-7). Glance at just the right moment and a scene can become so overwhelmingly beautiful and captivating. What makes this specific scene resonate with the individual? Is it purely aesthetical or is there a meaningful link between this and another lifetime? Ideas of transmigration and other Buddhist principles are explored throughout Seo Young Bae’s work. This Korean artist questions these moments in daily routine and focuses on a recurring theme titled “No End, No Beginning.”

Seo believes that when we detach the three evils from ourselves; greed, hatred and ignorance, we are left with absolute truth. He explains that in the main idea of Buddhism we exist as a collective consciousness and are, in essence, the same. Seo has no intention of providing a definite answer to achieving selflessness. Instead, he intends to explore and open up a discussion of

ideas that have played a major role throughout his life. “I want to improve through self-reflection,” Seo said. “All of us seek truth. We do not need to shave our hair to become a Buddhist monk, or abstain from marriage to become a nun.” Seo believes that through self-reflection people can improve as human beings.

In Seo’s mind, we cannot separate history, politics, economics, culture, art and philosophy; making introspection necessary. When we do not consider ourselves or the collective ‘we,’ the individual can become a foil for better or for worse. In Seo’s installation “너를 들러리로

만들어주마 You Shall Serve As a Foil” (page 8), the literary term ‘foil’ refers to a character, used to highlight or underpin certain aspects of another character. “Assuming that the men of power couldn’t be put in the position of the less-privilege is a total illusion,” he said. In this piece Seo invites viewers to sit down and become the subject, illustrating how the individual can serve as a foil for

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a self-centered society and vice versa. The illusion of power is constantly changing hands, as are the participants changing seats, echoing Seo’s theme “No End, No Beginning.”

Seo’s artistic nature is deeply rooted in his upbringing. Creative ideas and artistic relatives were just part of his childhood during meal and story times. He admits that he has always felt a sense of creativity but had difficulty expressing his thoughts through art. Sometime during his 4 years in the military, Seo came to the realization that he was “meant” and perhaps even “doomed” to follow art as

a profession. Art became his “Karma.”

Korea’s rigorous education system also affected Seo’s art. He found the focus in school was less on the abstract and more on representing the visible. In contrast, Seo decided to focus his work on attempting to express intangible ideas. He was intrigued by the conflicting ideas between the East and West of dominating power and social structures, which seemed to have no value for the individual. Seo started a process of purification and self-reflection, aiming to share his results and experiences with others.

Now in his late forties, Seo finds happiness in simplicity and his supportive and inspiring wife. These days he is able to better express ideas that he struggled with in his youth. “My work stems from incessant contemplation of leaving selfish individualism behind and what we can share in the midst of interdependent lives,” Seo said. He admits that his life has been one of many inspirational and challenging phases. What he has learned, Seo brings to life in his art and challenges us with the messages he puts forth. [b]

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Zin Helena Song

Sybille Cavasin

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Song

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A configuration of shapes bestrew geometric wooden blocks and thick linen canvases. There is no evidence of the artist’s hand, brushstroke or fingerprint-each smooth swatch of paint has been carefully applied and is seemingly perfect. Patterns, lines and fluorescent lights lead our eyes around the paintings, interrupting our focus with bursts of bright colors, deep shadows and gradient hues. Zin Helena Song’s beautiful, non-objective works are sure to intrigue, astound and even perplex viewers with their curiously anonymous and minimalist nature.

Shapes of all sizes obscure the work in shades of pink, amber, amethyst, grey,

beige, and steely blue; meeting at every edge. The diverse arrangement of colors suggest areas of light and shadow, and upon closer inspection, one can see optical illusions of space. The thickness of the work cast shadows on the walls, emphasizing their object-ness and presence in the room. Their simplicity, color and form boldly call attention to the materiality of art, allowing us to focus on the pieces themselves. Instead of thinking about what the work could mean, we stay in the moment as the shapes guide our eyes across the paintings. It feels as if we can rediscover the work over, and over, and over again.

Song begins a new piece with her sketchbook and in a

woodshop, sometimes building as many as 20-30 geometric wooden blocks of various shapes and sizes. She lays them out in her studio and observes them carefully, pairing colors together in her mind until she has an ideal vision of their final form. “When I was a child, my room was full of my mother’s design and pattern books. I used to read them as if they were children’s stories. I guess this kind of imagery inspired me and naturally led me to the abstract style I have now,” she said.

Though very successful and immersed in her craft, Song did not always dream of becoming an artist. She realized her true potential and passion for art as a student living in New York. “Living in America

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had a huge impact on my life as well as my work,” said Song. “My experiences there made me realize that I should feel gratitude for my strengths and love myself for who I am.” The creative environment and abundance of artists changed Song’s perception of what it meant to be a professional artist. Now art is her life, not just a means of making a living. “Furthermore,” she adds “the satisfaction I get from my work is available to

viewers as well; I can give them an opportunity to feel and enjoy what I feel when making art. It makes me really happy.”

Minimalist art has a reputation of being impersonal and cold, but Song’s work feels different. Passion seeps through in the delicate way she constructs her paintings. Her choice of color, shapes and simplicity strip art down to a natural and simple state. We cannot find representation

within the work, all we are meant to do is observe. But it is the viewer’s presence and attention that complete the paintings, creating an ephemeral relationship between spectators and art. Song’s work speaks to the fact that an emotional experience or a change in our perspective is always available to us, if only we allow ourselves the chance to see it. [b]

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Jung Youn Ju

Mary C. Heinzel

The hurt and weathered faces in Jung Youn Ju’s oil paintings make her latest exhibition “Stand Mute” speak volumes. Her subjects act as mirrors of our experiences and emotions, allowing the viewer to viscerally feel their struggles. Familiar emotions on each face make it all too easy to empathize with the subjects and keeps our eyes locked on her paintings waiting to see what happens next.

Jung varies her color palettes to represent various moods and emotions, rather

than concentrating on the local colors of the subjects she painted. “Every time I paint I just follow my emotions and paint in a different way; my emotions are a plentiful source of inspiration,” she said. Her paintings draw out the ”emotional experience rather than physical reality [by using] powerful colors and dynamic compositions.” She chooses to work with oil paint for its “rhythms and sequences.” For a powerful effect she often leaves her subjects incomplete.

Instead of sharp lines, the edges of necks and foreheads are big streaks and drips implying that the emotions conveyed in the eyes and across the face are more important than the rest of the body.

One can see a deep influence of German Expressionism in Jung’s exaggerated brushstrokes, distortion of form and strong colors, which she utilizes to convey her criticism and sentiments about the world around her. Though Jung’s style

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정연

주

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belongs to the Expressionists, her artwork is displayed in the French Salon style where paintings are hung frame to frame, floor to ceiling in a style that allows emotion to emanate from the paintings. Some portraits rest amidst white canvas space to allow the eyes a resting place. Others are hung on their side or upside down to illustrate how disoriented we feel when trying to handle our entangled emotions.

In one portrait, a man stares back with watery eyes. His cheekbones are under smeared, murky tones of browns, blacks and greens. Thick smudges of peachy flesh tone and turquoise under one eye contrasts with the opposite side of his face that is receding into morbid, dark strokes of greens. The streaks and smudges of paint are fraught with emotions, not only the artist’s but also our own. The man looks as though everything is weighing him down and the tears welling up in his eyes are about to fall down his face.

In another piece a female face is hung on its side. Her face dominates the top of the canvas, the bottom is an expanse of white. Just below her partially painted forehead there is a sharp, muddy green eyebrow with saturated pink surrounding the one, visible

dark eye. The majority of the face is awash with broad strokes of saturated colors interspersed throughout. Her jaw is composed of brush strokes of viridian green and her cheeks splashed with bright red, orange and turquoise. Hanging this painting sideways forces the subject’s gaze down, making her look dejected and lonely.

Though Jung’s paintings are close in proximity they are alone and trapped within their own thoughts and space. Emotions manifest themselves in colors: a man stewing in anger is surrounded by red. In another, a brokenhearted woman is painted in a cooler palette of blues, greens and purples making her gaunt face seem even more forlorn and lonesome. The woman’s sadness is so strong that blue overtakes one of her eyes and begins to drip like tears down her cheek.

Jung combines her brushstrokes and use of colors to encapsulate many of the feelings that are prevalent in the human experience such as anger, sadness, loneliness and despair. After seeing Jung’s work it is easy to feel what the subject feels in that moment or we may even see our own eyes looking back from the haunting smudges on canvas. [b]

20

Sarah DeRemer

Seo Hee Joo, PhD

상상은 우리를 새로운 세계로

인도하는 안내자이다. 예술가에게

상상은 주요한 창작 요인 중

하나이다. 문학이나 영화에서

그리고 미술 등에서 상상은 우리를

항상 생각하지 못한 세계로

이끈다. 이러한 상상, 현실을

넘어선 무엇인가를 주제로 삼거나

표현하는 예술을 초현실주의라고

한다. 우리는 시각예술의 역사에

등장하는 초현실주의자들을 잘

알고 있다. 초현실주의자들에게

영향을 미쳤던 조르조 데 키리코

(Giorgio de Chirico)는 파편화되고

고독한 현대인의 내면을 신비로운

분위기로 표현했었고 대표적인

초현실주의자였던 살바도르 달리

(Salvador Dali)는 프로이트로부터

영향을 받아 인간의 무의식 세계를

탐구하였다. 우리는 그들의 작품을

통해서 미지의 세계와 만났으며

그들의 예술적 상상으로 우리 사고의

폭은 확장되었다.

오늘의 초현실주의자들은

20세기 초현실주의자들과 달리

사진이라는 매체를 활용하여 현실과

비현실 사이의 경계에 우리가 서

있게 한다. 매기 테일러(Maggie

Taylor) 같이 회화적인 느낌의

사진 작업도 있지만 다수의 작품은

디지털 기술로 더욱 정교하고

치밀한 작업 과정을 통해서 우리의

상상을 생생한 현실처럼 보여준다.

한국에서 사진가로 활동하고 있는

사라 디레머(Sarah Deremer)의

사진도 그러하다. 그녀는 한국에

오기 전, 미국에서 이미 주목

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받는 예술가였다. 그녀의 작품이

몇몇 잡지에 소개되면서 국내의

초현실사진 애호가들 사이에서도

알려져 있는 예술가이다. 작품에

대한 일반적인 견해는 실제 그러한

생명체/동물들이 존재하고 있다고

믿을 만큼 사실적이라는 부분에

있다. 다시 말하자면, 상상의

결과물이라고 말하기에는 그녀의

작품에 등장하는 다양한 생명체/

동물들은 이 세계 어딘가에 존재하는

것으로 생각 될 만큼 현실성을

가지고 있다는 것이다.

사라 디레머의 작품이

이러한 감상을 이끄는 데는 그녀의

배경에 있다. 그녀는 동물을

사랑한다. 그녀에 의하면 “자신은

동물에서 특별한 관계를 느낀다”

는 것이다. 이 특별한 관계라는

것은 동물에 대한 애정과 그 애정을

통한 교감일 것이다. 이것이 그녀의

예술세계를 이루고 있는 기본적인

철학이다. 그리고 그녀는 독특하게

수의약학 연구와 관련 실무를

병행했다. 그녀는 이 공부를 통해서

동물에 대한 관심과 애정이 더욱

깊어졌고 동물 신체와 그 움직임에

대한 해부학적 지식이 풍부해졌다.

이 지식은 동물이 등장하는 그녀의

작품에 현실성을 부여하는 힘이

되었다. 그녀의 상상으로 탄생된

생명체/동물의 표정, 움직임, 형태는

자연스럽고 아름다운 색은 작품을

매력적으로 만들었다. 여기에 예술적

상상은 자신이 창조한 생명체/

동물에 생명을 불어넣었다.

22

그녀는 자신의 작품

주제를 크게 세가지로 설명한다.

하이브리드 애니멀(혼혈동물, Hybrid

Animal), 동물, 음식의 조합이다.

그녀의 작품에는 이 세 가지 주제가

조화를 이루고 있다. 작년 서울에서

열렸던 전시에서 그녀는 동물과

음식이 묘하게 섞여있는 작품을

선보였다. 동물-음식 연작은 우리가

생각했던 동물의 이미지를 뛰어넘고

있다. 동물, 채소, 과일과 동물이

조화된 작품은 생동감 넘치는

아름다운 색으로 표현되었다.

동물-음식 연작은 동물의 형태를

채소의 토막이나 과일의 껍질을

칼로 깎은 형태 등으로 표현하여

혐오스러움 또는 동물에 대한 학대를

연상시킨다는 점에서 비판을 받기도

했다. 그러나 생경함과 충격으로

다가오는 독특한 상상으로 좋은

평가를 받기도 했다. 이 작품들을

자세히 보면 여기에 등장하는 채소나

과일이 동물 형상을 하고 있는

것으로 보일 수도 있고 그 반대로

보일 수도 있는 것이다. 그녀의

작업의 주된 소재 동물이기는 하지만

이 작품들에서는 우리의 상상이

요구되는 것으로 보인다. 여러분은

동물-음식 연작이 어떻게 보이는 가?

풍선 동물원 연작은 긴

풍선을 꼬아서 만든 강아지나

꽃 등의 형상을 대형 조각품으로

제작하는 제프 쿤스(Jeff Koons)의

작품을 떠올리게 한다. 대중적이고

일상적인 소재를 고급예술로

가져와 키치(Kitsch)를 보여주는

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제프 쿤스와 다르다. 제프 쿤스가

스테인리스라는 재료로 작품을

제작했다면 그녀는 동물의 실제

사진을 조합하고 변용하여 디지털

포토그래프(Digital Photograph)로

제작되었다는 점이다. 실제 동물의

사진 이미지가 풍선으로 만들어진

동물의 형태에 그대로 살아있어

작품의 개념은 확연히 다르게

다가온다.

그녀의 작업에서 또

다른 흥미로운 상상은 초현실적

실험들(Surreal Experiments)

연작과 초현실적 모험들

(Surreal adventures) 연작이다.

이 작품들에는 동물이 동물과

교감하고 사람들과 교감하고 동화적

상상의 세계를 펼쳐 보인다. 다른

작품들이 동물의 이미지를 해체하고

재구성하는 실험적 작업을 보였다면

이 작업들에서는 우리의 내면에

있는 동화적 상상을 끌어내 동물과

만나고 있다. 그래서 정서적 교감이

충만해지고 작품의 이미지로 빨려

들어간다. 이렇듯 그녀의 작품들은

우리를 단순히 사진의 세계가 아니라

그 너머의 다른 곳으로 이끌고 있다.

앞에서 언급했듯이, 오늘의

초현실 사진가들은 다양한 디지털

기술의 활용으로 이전의 초현실주의

작가들에서 볼 수 없었던 작품들을

제작한다. 여기에 소설미디어

(Social Media)는 초현실주의

작품이 대중에게 다가갈 수 있는

역할을 하고 있다. 소설미디어에서

예술작품은 감상되고 공유되고

확산되고 있다. 이것이 사회적

변화와 과학기술의 발전이 가져온

예술환경의 변화이다. 디지털 기술을

활용하는 사라 디레머의 작업은

이러한 환경에 적합하다고 할 수

있다. 예술 창작 과정이 즐겁고

행복하다는 그녀는 지속적으로

초현실주의를 탐구할 것이고

소설미디어를 통해서 감상자들과

소통할 것이라고 한다. 그리고

그녀는 새로운 상상을 위해서 내년에

동남아시아를 여행할 계획이라고

말했다. 이 여행은 그녀에게 작업의

심상을 풍부하게 할 것이고 우리는

새로운 작품을 소설미디어를 통해서

만나게 될 것이다. [b]

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Andy Brown

An Eun Ji

미대를 졸업해본 사람이라면 졸업을

위한 작품발표에 대한 부담감과

불안함에서 오는 스트레스를

경험했을 것이다. 앤디 브라운도

2002년 졸업을 앞두고 고민에

빠졌다. 차 한잔을 하며 생각을

멈추니 비로소 빈 캔버스위로

자연스럽게 어떤 심상이 떠올랐다.

다 우려낸 티백이 버려질 쓰레기가

아닌, 새로운 가치를 안고 영국

여왕의 얼굴이 되었던 것이다. 홍차

티백으로 덧입혀 엘리자베스 여왕의

초상이 완성된 일련의 작품은 BBC

를 비롯 유럽각지의 주요 언론사에

언급될 만큼 주목을 받았다. 그의

작업에서 여왕은 꽤 중요한 의미를

차지한다. 영국 사람답게 그는

여왕을 주제로 홍차를 재료로 화면을

채운다. 앤디가 영국 출신이라는

사실이 마치 당연한 듯 말이다.

그런데 그렇게 뻔하게 영국/여왕/

홍차의 단순한 나열이라면 재미없다.

그가 마시고 우려낸 홍차 티백의

우린 정도, 즉 홍차농담(濃淡)에는

그만의 유머가 보인다.

왕실의 위엄을 상징하는

왕관은 보석과 화려한 치장이

아닌 자신이 마시다 만 홍차로

우스꽝스럽게 꾸며져 있고, 여왕의

밝은 피부는 쓰지도 않은 티백봉투로

놓여졌다. 또 다른 여왕의 초상이

이번에는 손으로 죽죽 찢어낸

색종이로, 점점 더 과감한 생략과

단순화로 눈 코 입 이목구비도 없이

폐합의 법칙으로 지각되는 형상이다.

홍차는 영국에 17세기 커피하우스

붐이 일어나면서 거의 모든 시민들이

즐겨 마시는 국민차(茶)로 자리매김

한 듯하다. 찻잔에 티백을 띄워 놓고

작품 구상을 했을 그의 스튜디오

외에도 홍차의 향기가 스미는 곳이

있다. 제인 오스틴, 찰스 디킨스의

소설이나 이상한 나라의 앨리스

소설이 바로 그 곳이다. 작품이

완성되기까지의 시간을 함께 해준

홍차는 창작의 과정에서 오는 불안과

긴장을 풀어주며 이들을 위로하기에

충분했을 것이다. 엘리자베스

여왕의 이마의 주름만큼이나 많은

홍차티백은 앤디의 작업시간을

가늠할 수 있게 한다. 작업과 작업

사이를 연결해주는 티타임의 함축된

시간만큼 그의 작품에서는 세피아

톤의 노스텔지어가 느껴진다. 또한

빛 바랜 티백은 정치적 권력은 없고,

상징성만 남은 위태로운 영국 왕실을

연상케 한다. 차 한 잔의 여유에서

영감이 떠올라 활용한 티백은 똑같은

주제로 다양한 배열을 통해 여러

작품에 반복해서 나타난다. ‘God

Save the Queen’시리즈에서 그가

하나의 모티브를 어떻게 재구성하며

자신만의 시그니처로 완성해

나가는지 엿볼 수 있다.

지금은 서울 반포에 위치한

덜위치컬리지에서 미술수업을

하며 최근에는 갤러리 장은선에서

‘Glow’ ANKR(Artist Network

Korea) 그룹전을 가졌다. ANKR

그룹은 1000명이 넘는 아티스트들이

소셜 네트워크를 통해 서로 다른

개성과 장르를 가지고 작업하는

작가들의 소통 창구로써 이 전시를

기획하였다고 한다. 앤디의 최근작은

말이 통하지 않는 여러 여행지에서

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받은 느낌을 스냅 사진 형식의

빠른 스케치로 태블릿을 활용한

그림들이다. 데이비드 호크니가

1978년에 펴낸 책으로 <펜과 연필

그리고 잉크와 함께 한 여행>을

다녔다면 앤디는 태블릿과 함께 한

여행 스케치로 자신을 기록한다.

시대가 변한만큼 호크니도 스마트

화구로 그린 아이패드 드로잉을

그려서 그날그날 친구들에게 메시지

전송을 한단다.

화면에 그려진 비트의

조합은 물감이나 안료의 상호작용에

의한 결과와는 다른 IT색채의

가감법에 의해 한층 가볍고 경쾌한

느낌을 준다. 시각의 평면적인

표현이란 의미에서 스마트 폰에 깔린

앱으로 그려지는 그림도 회화의 한

영역일 것이다. 사각프레임이라는

회화의 툴(틀)안에서 ‘보여짐’을 위해

취하는 액션이 큰 붓을 잡고 그리던,

색을 번호로 입력해서 그리던 그것은

그려진 것 자체 대상물을 보는 것이

아니라 환영을 보는 대상이라는

점에서 같은 회화이다. 단순히

이분법적 사고방식으로 한 가지

방식만을 고집하지 않고 다양한

재료와 매체로 작품세계를 펼치는

앤디는 요즘 스포츠 영역에도 관심을

두고 접목시키고 있다.

프로야구 넥센 히어로즈

광팬이라고 자처하는 그는

최근 야구를 관람하고 난 후 빈

야구장의 전경을 그리거나 축구,

크리켓 등 스포츠 여러 경기장을

설정하여 그림에 담기도 한다. 그의

그림을 보고 있으면 아무도 없는

경기장임에도 웅성거림이 들리는

듯하다. 밝은 색감과 경쾌한 스트록

흔적이 마치 바로 전 북적북적했던

관람객들이 앉은 자리인 듯 보인다.

경기장 내에는 드라마틱했던 경기로

이긴 자와 진 자, 또는 무승부로

희로애락이 가장 많이 드러나기도

한다. 경기규모의 웅장함과 인생의

온갖 희로애락이 겹치는 가운데 한

연극무대를 보고 나온 감상처럼

일상을 살아간다면 아드레날린

과다분비로 신경안정제가 필요할

것이다. 작년 첫 회 멍 때리기 대회가

있었다. 가만히 앉아 멍 때리는

것조차도 경쟁인 셈이다. 경기가

끝난 후 집으로 돌아가 홍차를 한잔

하며 여유 있는 심심함이 그리운

요즘, 작가 앤디가 생각난다. 아마도

그는 가장 맛있는 홍차를 추천해 줄

수 있지 않을까? [b]

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Lim Do Hun

Lindsay Nash

30 Lim

Do

Hun

임도

훈

30 Lim

Do

Hun

임도

훈

Lim Do Hun is a sculptor who thinks more about what he will look like dead than how he does now, alive, a 30-year-old working and living in Daegu.

His art encircles this theme of life and death, and all that comes between. “My work is the story of life in war and the unrest between birth and extinction,” Lim said, explaining his series “Romance War-Birthday Gift.” (page 28, 29). Many of the pieces are sculptures of weaponry with a gift bow wrapped around it. There is a pistol with a bow tied around the barrel. Bombs arranged like a bouquet of flowers wrapped up, as if a gift for someone. A stainless steel sculpture of a large gun, with a large piece missing.

Lim also put a similar touch on his sculpture of a tank, showing the insanity of these instruments of death as gifts to humanity. It’s a halting irony that feels all too real in today’s violent gun and war culture.

Art interested Lim early in life. “I thought a lot about funny ideas. I wanted to express them as a work of art, which finally made me a sculptor,” he said. He began with drawings, but felt that his two-dimensional drawings were fake. He needed another dimension to bring them to life.

He narrowed in on small iron balls, which he uses to create sculptures both large and small, in silver and bright colors. These pieces capture the variety of emotions

experienced during life and the strengthening and weakening our minds and bodies undergo as our days progress. The small balls represent the perfect combination of life to Lim, each piece representing only a small part of a much larger organism that is constantly moving and changing. His sculptures also work to illustrate how anxiety can spawn at any time and how we can overcome that anxiety by starting a conversation about our fears.

Lim uses shapes of life in his sculptures, including animals, the human body and others that lend the appearance of both happiness and sadness in everyday experiences. But Lim’s aim is much broader. “The main subjects of my work are

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birth and death,” he said. “We can think we are living at any point or we are dying at any other point. As we live in this irony, I chose the subjects birth and death in my art.” Though common themes for many artists, Lim takes this delicate balance and creates additional layers to see the struggle in different ways.

In his piece “Romance War-Coward” (not pictured), Lim shows this duality and focus on irony with his depiction of an unshackled lion, missing part of its body, most notably its heart. It leaves one wondering about the bonds that tie us down, steal our hearts, and leave us wounded in the aftermath. Non-completion is a theme in many of his sculptures, with pieces missing from the animal or human forms that create an achingly beautiful depiction of Lim’s struggle through art between life and death, and all the time between.

“Romance War-Bigbang” (page 30) also illustrates the feeling of non-completion in human form, the right side of a woman’s hips, chest and shoulders missing as she reaches upward toward something more or something that she lost or hopes for. Perhaps something that will make her complete.

Lim sees great beauty in life’s finality and everyday struggles. He has a way of taking something as dark as human finality and the anxiety present in our lives and creating something very beautiful in its place. And, in doing so, he illustrates the very beauty of life we are all trying to discover as we move toward an inevitable death. [b]

[b] march 2016 online

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