seminario de contextos y sistemas del arte
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Seminario de contextos y sistemas del arte
Alumna: María del Carmen Vázquez Álvarez 1
SEMINARIO DE CONTEXTOS Y SISTEMAS DEL ARTE
PCE 4. Investigar las redes de agentes del arte “La identidad del personaje en el vestuario escénico”
Carmen Jane Style Madrid, 22 de diciembre, 2021
Seminario de contextos y sistemas del arte
Alumna: María del Carmen Vázquez Álvarez 2
INDICE
1. Actor elegido para la investigación……………………………..…….3
2. Informe de la investigación…………………………………………….3
3. Anexo 1. Resumen de la entrevista…...………………………...……7
4. Anexo 2. Diario de bitácora……………………………………………10
4. Bibliografía…………….…………………….…………………………...11
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Alumna: María del Carmen Vázquez Álvarez 3
1. Actor elegido para la investigación
El actor elegido para la investigación es Anne, una diseñadora de vestuario
escénico afincada en Madrid, especializada en teatro, danza y cine en
producciones de época, con amplia experiencia profesional a nivel internacional.
Licenciada en Bellas Artes en la Escuela Nacional de París, ha realizado además
numerosos talleres didácticos como docente, tanto en España, como en Francia.
Por motivos de privacidad personal, no incluyo su nombre completo, porque,
aunque ha aceptado hacer la entrevista por amistad conmigo, y hemos trabajado
juntas en diversas ocasiones, no desea ser nombrada.
2. Informe de la investigación
Me he decantado por realizar mi informe sociológico sobre una diseñadora de
artes escénicas, ya que me resultaba accesible y esta dentro de mi campo de
actuación profesional, ya que soy estilista y diseñadora de moda y vestuario de
teatro, cine y TV.
Me voy a central principalmente en la figura del diseñador, como creador de
personajes, cuya función principal es aportarle la identidad marcada a través del
vestuario. En este proceso intervienen a la vez infinidad de actores humanos como
son el creador narrativo de la obra a representar, director de la obra escénica en
cuestión, guionista, técnicos (luces, montaje, sonido, attrezzo, etc.), maquilladores
y peluqueros, sastres y modistas, actores, etc. Y a la vez otra serie de actores no
humanos como son los tejidos seleccionados, las técnicas de tratamiento de estos
tejidos, máquinas de coser, accesorios, patrones, etc. Todos estos actores deben
trabajar en equipo y conexión para que el resultado sea armonioso y se consigan
los objetivos previamente establecidos.
La construcción del vestuario escénico permite desplazar a los actores de un
cuerpo físico real a un cuerpo poético.
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Todo diseñador, a la hora de abordar un proyecto de vestuario debe iniciarlo cómo
experiencia comunicativa, operando mediante el uso de imágenes, significados,
formas, siluetas, tipologías, colores, texturas y accesorios puestos al servicio de la
creación artística, instaurando en el actor una espacialidad íntima, una vivencia
sensible y funcional que lo introduce en el espacio del personaje, lo consolida y lo
define, generando un espacio de intertextualidad en la construcción sensorial
emotiva de la experiencia del personaje.
El vestir es un hecho básico de la vida social, es común en todas las culturas
humanas, ya que todas las personas visten de alguna manera el cuerpo, ya sea
con prendas, tatuajes, cosméticos o complementos. La ropa y el adorno corporal
son los medios mediante los cuales los cuerpos se vuelven sociales y adquieren
sentido e identidad. El acto individual y personal de vestirse es un acto de preparar
el cuerpo para el mundo social, considerándolo aceptable, apropiado, respetable
en sociedad.
Comprender la manera de vestir en la ficción es entender como se representa el
vestido dentro del sistema y de sus discursos sobre el vestir, es decir lo
contextualiza. De igual forma, define el modo en que experimenta y vive, el papel
que desempeña la indumentaria en la construcción del cuerpo poético.
Las prendas que se eligen para dar imagen al personaje constituyen una forma de
expresar su identidad, de decir a los demás algo sobre el género, clase o postura
del personaje. El vestido funciona como revelador u ocultador de identidad, en un
medio de vulnerabilidad de identidades.
Hoy en día, el problema al que se enfrentan los diseñadores de vestuario es
multidimensional. El vestido como espacio de signos, vulnerable y efímero,
demanda la capacidad profesional de plantear un proceso de diseño
metodológico, que siente fases de evolución y crecimiento en el desarrollo de una
propuesta creativa. Dentro de la escena, el proceso creativo en vestuario tiene la
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responsabilidad de dar nacimiento a un mundo sensible de ideas conformado por
etapas de transformación que conllevan al desarrollo del tejido dramático-poético
que envuelve al personaje.
El trabajo de construcción de identidades se inicia con la lectura del material, el
texto permite descubrir a los personajes, descifrar hábitos, costumbres, perfiles,
fisonomías. Al abordar el análisis de los personajes es necesario tratar de
descubrirlos, permitirles que nos sorprendan a partir de la lectura, dejar que el
texto nos los pinte sin ningún juicio crítico preexistente. El vestuario surge del
relato y la apropiación del mismo desde lo visceral, consiguiendo una percepción
sensible del personaje.
Es importante poder ir generando un listado de características, deduciendo los
íconos, las imágenes y los símbolos de las metáforas que los autores a través del
lenguaje del texto nos plantean, y aquellas que, por asociación libre, o por intuición
el diseñador y el director hayan creado de los personajes. Se inicia aquí una etapa
de orden y jerarquización de las ideas, tratando de plantear los ejes conceptuales,
claves de la identidad de los personajes.
Determinado el estilo visual, la idea central plantea el punto de vista del director a
través de un concepto, una imagen, una época, un suceso, etc. Comienza
entonces un proceso de investigación y documentación que permite modelar en
torno a los personajes y al tema, e ilustrar las claves en imágenes de sus perfiles
psicofísicos. Las claves muestran las sensaciones, conceptos, texturas, colores
que se quieren representar, y están en relación con las formas, materiales,
tipologías y técnicas con los que asociaremos a los personajes.
El escenario del personaje engloba caracteres de formas, épocas, hábitos,
espacios, posturas y objetos que definen el espesor, textura y psicología del
personaje, determinando así su identidad visual. Definiendo visualmente una
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manera de ser, pensar y parecer del personaje en su vida de relación.
La etapa siguiente es la documentación del tema disparador de la puesta en
escena, investigación y recopilación de información de imágenes, videos, textos,
música, referentes que nos permiten documentar la temática de la puesta y
construir a partir de aquí su escenario conceptual.
El proceso siguiente es la transferencia del conjunto de cualidades, rasgos, que
deben ponerse en juego para trasladar las claves al vestuario. A partir de la
combinación del escenario conceptual de la idea global y el escenario del
personaje es que el vestuarista comienza su labor creativa en la construcción de la
espacialidad primaria del personaje.
El vestuario comunica mensajes, discursos a través de su forma y su material. Las
cualidades de la forma, las tipologías y la técnica con las que se trabaja tienen la
capacidad de comunicar y transmitir temas, conceptos, situaciones, momentos,
historias, estilos, ideologías, conformando así un entramado, un organismo vivo y
vulnerable.
Estos rasgos transferidos a la superficie y estructura del vestuario permitirán
desarrollar un lenguaje apropiado para comunicar la vivencia y experiencia de vivir
el espacio material que conforma visual y sensorialmente al personaje.
Una vez construido el estilo e identidad del personaje, se comienza con la
ubicación en el espacio ficcional, la expectación. Aquí el vestido abandona su
espacio de construcción intima con el actor y pasa a su espacialidad socializada.
Comparte en espacio y tiempo el accionar con los personajes, con los
espectadores, técnicos, etc. De esta manera el vestuario se sitúa y se relaciona en
escena, comunicando a los espectadores, los últimos actores en cuestión.
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3. Anexo I. Resumen de la entrevista
La entrevista ha sido desarrollada en el taller de Anne en un emblemático barrio
de la ciudad de Madrid. He aprovechado el hecho de que ambas estábamos
colaborando juntas en un taller de envejecimiento y tintado de tejidos con
productos naturales.
Transcripción de la entrevista:
Anne, descríbeme tu campo de actuación dentro del mundo de las artes visuales. Soy diseñadora de vestuario escénico especializada en diseño y
coordinación de vestuario para producciones teatrales, musicales y cine de época. ¿Cómo llegaste al lugar en el que te encuentras y cuál ha sido tu formación? Nací en Francia, y tras finalizar mis estudios secundarios me matriculé en la
Escuela Nacional de Bellas Artes de París. Al finalizar me especialicé en diseño
teatral y comencé a realizar colaboraciones para producciones de danza y teatro. Desde entonces he estado diseñado vestuario para numerosas obras,
especializándome actualmente en cine y series de TV.
¿Cómo empezaste a diseñar vestuario teatral? Todo comenzó cuando era una
niña. Tenía mis muñecas y les hacía ropa. También dibujaba mis propios figurines,
a modo de juego. Mi madre era costurera y gracias a ella aprendí a coser, y fue de
esta manera como empecé a hacerme ropa para mí. Muchos años después,
cuando terminé el colegio, no me planteaba ser diseñadora de moda, sino que
prefería trabajar en el teatro, porque me fascinaba, pero opté por estudiar Bellas
Artes y fue después cuando me especialicé en estudios de diseño de vestuario
escénico.
¿Cuándo comenzaste a desarrollar trabajos profesionales? Cuando acabé mis
estudios me trasladé a Milán y comencé haciendo prácticas con Lindsay Kemp,
bailarín, actor, mimo y coreógrafo británico. Le gustó mi trabajo y colaboramos en
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numerosas ocasiones durante años. Al principio me encargaba de labores
principalmente de sastrería, y poco a poco fui desarrollando los diseños de los
protagonistas de sus obras. ¿Cuál es la lección más importante que aprendiste de tu mentor? Me enseñó
a ser imaginativa y a lanzarme a realizar cualquier idea que tuviera. Aprendí a
hacer maravillas con simples pedazos de tela barata y conseguir que los trajes se
vieran de maravilla en escena. Y, sobre todo, me enseñó a ser valiente, constante,
y a no perder la ilusión.
¿Cuáles son las diferencias que, como diseñadora, separan al cine del teatro? En el teatro diseñas para que tu trabajo sea visto desde bastante distancia
y también de cerca, así que tiene que funcionar tanto mirándolo desde arriba como
desde lejos, por eso ha de ser exagerado, brillante, grande y más atrevido. En cine
todo tiene que ser más reducido, todo se hace para ser contemplado desde cerca.
El vestuario teatral está concebido para ser usado noche tras noche; en una
película, la ropa tiene que usarse también, pero con menor intensidad.
La construcción del personaje es idéntica: tanto en cine como en teatro estás
ayudando a la audiencia a creer que esa persona es el personaje y que se levantó
por la mañana y decidió ponerse esa determinada ropa. La vestimenta tiene que
dar información sobre el personaje.
En el diseño de vestuario, ¿qué es lo realmente importante? Lo importante es
que hagas las cosas lo mejor que seas capaz. Y entender que de nada vale tener
un vestuario fantástico en una película en la que el guion sea fallido, o preciosos
vestidos con un pésimo decorado, o increíbles ropajes mal iluminados. Todos los
componentes tienen que trabajar juntos para construir algo que funcione. Se trata
de un trabajo en equipo donde todos los elementos estén en armonía.
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Durante la fase de preparación, ¿los actores te ayudan? Depende, a veces sí y
a veces no. Con los actores siempre hay un diálogo. Es necesario que confíen en
ti para desarrollar el personaje. Si pierdes la confianza de un actor o actriz, tienes
un serio problema porque todo se hace muy complicado. Para los diseñadores de
vestuario, el 90% del trabajo es psicológico. Tienes que captar las necesidades y
resolver muy rápido. A los intérpretes lo que más les cuesta comprender es que
vestimos a su personaje, no a ellos.
¿Sueles estar presente en los ensayos o rodajes? Sí, pero no todo el tiempo.
Muchas veces, mientras se rueda se continúa diseñando. Acudo a los rodajes
cuando hay cambios de vestuario y el personaje aparece caracterizado de forma
diferente en un cambio de escena o ambiente, o cada vez que hay un nuevo
personaje. Estoy siempre allí para vestir a los actores y asegurarme de que se
ponen las prendas de forma correcta.
¿Qué piensas del auge de las series televisivas? Antes no quería hacer
trabajos que se vieran en una pantalla pequeña. Pero las cosas están cambiando,
no solo los tamaños de los televisores, también la calidad de las producciones.
Aunque a mí me sigue gustando más la sensación de entrar en un teatro o en una
sala de cine. Cuando ves la tele en tu sala, cualquier cosa a tu alrededor puede
distraerte, y a mí me gusta la sensación de estar completamente perdida en la
oscuridad. Es una experiencia única y a la vez comunitaria.
Háblame de tu faceta como formadora. Cuando tengo descanso entre rodajes
me gusta compartir mis conocimientos en pequeños talleres formativos para
profesionales del sector. Me gusta enseñar, y también aprendo mucho de mis
alumnos. ¿Qué sacrificios has hecho por tu trabajo? No ver a los seres queridos durante
periodos largos de tiempo. Creo que eso es lo más duro, especialmente cuando
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hay rodajes fuera. Es un sacrificio para mí, pero también para mi familia y mis
amigos.
Y ahora que estás asentada profesionalmente, ¿este sacrificio ha merecido la pena? No lo sé. No puedo decir que no haya merecido la pena, pero lo que si
sé es que soy feliz con mi trabajo y con mi vida, quizás porque mi trabajo es mi
vida.
4. Anexo II. Cuaderno de bitácora
Aunque personalmente conozco a Anne hace años, porque he colaborado como
ayudante en algunas de sus producciones, aproveche mi asistencia a uno de sus
talleres para proponerle la entrevista.
Inicialmente fue un poco reacia, ya que no le gusta nada la exposición mediática,
pero aceptó, por ser un proyecto de la Universidad, siempre y cuando no citara su
nombre.
No lo planteé como una entrevista, sino como una conversación entre descansos y
cafés en un fin de semana.
Como admiradora de la artista, y porque seguimos un camino similar enfocado al
diseño y creación de vestuario escénico, el proyecto ha resultado muy gratificante
y satisfactorio para mí. Me ha ayudado a entender cual es su proceso de
construcción de identidades de los personajes, y todos los actores que conforman
el camino.
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5. Bibliografía
Gracia Palomera, D. Orientaciones metodológicas para la investigación social.
Waelder, P. El sector de las artes plásticas y visuales.
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