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Editor en WebMónica [email protected]
Ilustrador del MesOmar Méndez
Revista Ilustres, Año 1 Núm. 2, 1 de febrero de 2019. Es una publicación bimestral editada por Revista Ilustres, en la Ciudad de México www.revistailustres.com. Editores responsables: Lic. Diana Vielma, Lic. Irving Couto. Reserva de Derecho al Uso Exclusivo: 04-2018-022718261900-102, otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Responsable de la última actualización de este número, Mtro. Irving Couto G. Ciudad de México. la presente publicación tuvo su última actualización en febrero de 2019.
Las opiniones expresadas por los autores de esta publicación no coinciden necesariamente con la postura de Revista Ilustres. Queda estrictamente prohibida la reproducción total o parcial de los contenidos e imágenes de la publicación.
DirecciónIrving [email protected]
Dirección EditorialDiana [email protected]
Editor Julio Bá[email protected]
revistailustres.com Suscripciones y contacto (55)30117830 revistailustres Revista Ilustres
Carta Editorial
Diseño a través de la Iluminación
Diálogo Entre el Surrealismo y
Evolución Richard Kelly:
El Mundo de las Imágenes
La Luz Como
De Galería
Publicidad Holográfica
del Diseño y la Iluminación
y la Iluminación
IMPA
La Luz Dentro
Entrevista
La Arquitectura Como Soporte
El movimiento en el Baile
Psicoterapia de Arte
un Pionero en la Iluminación
y su Incursión en el Arte
en el Inconsciente
Elemento del Diseño
Omar Méndez
Instituto Mexicano de Psicoterapia de Arte
Dentro del Diseño
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41.02.19
EditorialLa diferencia entre ver y obser-var no se trata simplemente de algunas letras, va más allá de eso. Son muchos los factores que intervienen para que algo tome forma y pueda ser apre-ciado, desde las características de una mirada que puede no ser tan perfecta pero que capta líneas, tonos, colores y formas que al conjuntarse se convierte en algo hermoso o terri-ble, hasta las téc-nicas del creador que toma algunos elementos y mate-riales para crear la obra en donde plas-me una idea y pue-de ser disfrutada por el espectador.
Estas característi-cas son determi-nadas, entre otros factores, por la luz, de lo cual tratará este número de la revista Ilustres.
Les contaremos de la iluminación y la luz artificial en el arte que al utilizarse de ciertas formas recrean escenarios tan bellos y espectaculares como la imagi-nación de cualquiera de nosotros y más.
Asimismo, usted podrá saber un poco sobre la Psicoterapia de arte, una técnica que sirve como herramienta en el proceso terapéutico de los pa-cientes para que ellos puedan crear obras a través de diversos procesos en donde se van re-conociendo a sí mismos y puedan plasmar sus pen-samientos e ideas en una obra ilus-trativa y que ésta sea considerada como un camino y efecto creativo.
En esta terapia también es importante el proceso de ver y observar pero más hacia dentro de cada uno, encontran-do y organizando ideas y sentimien-tos que serán plasmados en algo que más que un diagnóstico será el resul-tado de la creatividad de la persona.
Póngase cómodo y disfrute de este nue-vo número de la revista Ilustres y, si es posible, compártalo con todas las per-sonas que usted desee para que juntos conozcan sobre estos temas que darán lugar a un buen número de pláticas en las reuniones de amigos y que en fami-lia también encontrarán un buen espa-cio para saber un poco más de la ilus-tración, el diseño y el arte. Bienvenidos.
Julio BáezEditor
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2.19ADiálogo entre el Surrealismo y Psicoterapia de Ar te
Por Julio Báez
Poco a poco reemplazó la sugestión hipnótica el método catártico por la asociación libre y la interpretación de los sueños. Asimismo, la búsqueda inicial centrada en el recuerdo de los traumas psicógenos como producto-res de síntomas fue abriendo paso al desarrollo de una teoría etiológica de las neurosis más diferenciada. Esto se convirtió en el punto del partida de la práctica terapéutica y técnica de inves-tigación conocida como Psicoanálisis.
Estudió en París con el neurólogo Jean- Mar-tin Charcot las aplicaciones de la hipnosis en el tratamiento de la histeria. Junto a Joef Breuer desarrolló el método catártico, que consiste en provocar un efecto terapéutico a tra-vés de la purga o descarga de afec-tos patógenos ligados a suce-sos traumáticos.
Para iniciar el tema de la Psicotera-pia de arte podríamos empezar por con-tarles, antes que cualquier otra cosa, quién era Freud, mejor conocido como el Padre del Psicoanálisis y su apor-te para el tema de la este tipo de terapia.Sigmund Freud fue un médico neurólogo austriaco nacido en 1856 y parte de las ma-yores figuras intelectuales del siglo XX. Su campo de investigación comenzó en la neu-rología, derivando hacia la psicología de las afecciones mentales, investigaciones que iría descubriendo en su consultorio privado.
Inicios de la Psicoterapia de ArteLa interpretación de los sueños – Freud
61.02.19 RT
El psicoanálisis designa, por un lado, el modelo teórico descriptivo y explicativo de los modelos, procesos y fenómenos implicados en la vida anímica humana. Este modelo se basa en el tratamiento clínico de pacientes que presentan histe-rias, fobias y diversos padecimientos psíquicos. Por otro lado, el psicoanálisis se refiere también a la terapia psicoanalítica misma, es decir, un conjunto de proce-dimientos y técnicas terapéuticas desarrolladas a partir de esta teoría para el tra-
tamiento de patologías mentales.En 1899, Fred publica la que se considera su obra más importante, La interpretación de los sueños, que inaugura el psicoaná-lisis, una nueva disciplina y forma de en-tender la psique humana. La publicación da inicio a la teoría freudiana del análisis de los sueños, descrita por el auto como: “La vía regia hacia el conocimiento de lo inconsciente dentro de la vida anímica.””
Freud expresa que los sueños son una realización alucina-toria de deseos y, por conse-cuencia, una vía privilegiada de acceso al inconsciente, mediante el empleo del método interpre-tativo fundado en la asociación libre de los símbolos más im-
portantes del sueño. Es un documento importante, ya que Freud ex-pone sistemáticamente su primera teoría sobre el aparato psíquico.
En La interpretación de los sueños, Freud utiliza sus propios sue-ños como ejemplos para demostrar su teoría sobre la psicología de los sueños. Él distingue entre el contenido del sueño “manifiesto” o el sueño experimentado al nivel de la superficie y los “pensamien-tos de sueños latentes”, que no son conscientes pero se expresan a través del lenguaje especial de los sueños. Freud mantiene que todos los sueños representan la reali-zación de un deseo por parte del soñador, hay sueños donde aparece el incumplimiento de un deseo o como él dice “los sueños son realizaciones disfra-zadas de deseos reprimidos”. Por eso, propo-ne que el valor del análisis de los sueños radica en la revelación de la actividad subconsciente de la mente.
La teoría de interpretación de los sueños de Freud representa las primeras teorías relacionadas con la naturaleza de la psico-logía de los sueños inconscientes, la importancia de las expe-riencias de la infancia y el método que él llama “psicoanálisis”.
Es desde 1947 cuando Margaret Naumburg —psicóloga norteamericana, artista y autora de la mayoría de los prime-ros libros sobre Arteterapia— publica varios principios psi-coanalíticos relacionados a la Arteterapia y, a partir de eso, se comienza a considerar seriamente esta disciplina como independiente de la psicología y del arte, para asumir un nue-vo papel en el manejo, control y cuidado de las emociones.
A Margaret Naumburg se le atribuye la introducción del arte como modalidad terapéutica en la década de los 40 del siglo XX. Entre los años 1941 y 1947 trabajó en NY State Psychiatric Institut con niños y adultos, experiencia que le serviría para publicar una serie de casos de estudio donde utilizaba el arte como diagnóstico y terapia para dicha institución.
Sus acercamientos a esta terapia estaban basados primordialmente en la teoría Freu-diana —aunque era un tanto escéptica acerca de los acercamientos de los signi-ficados simbólicos del método del análisis de este científico—. Su enfoque diná-mico orientado fue su principal contribución a la comunidad de la terapia artística. Este acercamiento proponía “la liberación de imágenes espontáneas” del paciente a través de dibujar símbolos y asociación libre en las ilustraciones reali-zadas. Es a partir de los estudios de Naumburg que la Arteterapia se comienza a considerar como independiente de la psicología y a su vez del arte, para asumir un nuevo rol en el manejo, control y cuidado de las emociones de los pacientes.
La Arteterapia dinámicamente orientada está ba-sada en reconocer que los pensamientos y sen-timientos del hombre provienen del inconscien-te. Es así que a partir de La interpretación de los sueños de Freud, el mundo de las imágenes del inconsciente se vuelven un tema principal en el psicoanálisis y se vinculan de forma directa con la psicología y el arte. A partir de ahí, la Artetera-pia ha ido en desarrollo y dichas imágenes cons-tituyen un nuevo camino para el psicoanálisis.
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2.19RT
La Psicoterapia de Arte, en comparación de la Artetera-pia, se refiere al uso intencional de la creación artísti-ca como herramienta dentro de un proceso terapéutico.La Psicoterapia de arte es una alternativa innovadora que ofre-ce la oportunidad de que el paciente se conozca, se acepte y se mejore a sí mismo, sin la necesidad de luchar contra las barre-ras de la expresión verbal. La creación del arte se utiliza sólo como una herramienta que acompaña al proceso terapéutico.
Para este tipo de terapia no es necesario que el paciente tenga talento artístico o experiencia previa en el manejo de materiales de arte, pues la atención del terapeuta no se encuentra centrada en la estética de las creaciones, sino en lo que el paciente exprese a través de su arte mediante la guía de métodos psicoanalíticos proporciona-dos por el terapeuta. Lo más importante en este tipo de psicoterapia es el proceso creativo, la manera en que el pa-ciente se involucra en su trabajo, la elección de materiales y el significado que le da su creación. Es así que la interpre-tación de esta terapia viene de la persona, no del terapeuta, quien es solamente una guía para interpretar lo que el pa-ciente quiere comunicar a través de los ejercicios creativos.Esta terapia ha tomado gran importancia en diversos paí-ses como España y Canadá en el tratamiento de trastor-nos psicológicos, control de estrés, neurosis, depresión, desórdenes alimenticios, desórdenes del sueño, reha-bilitación, salud mental, espiritual, etc. También se con-sidera de gran apoyo para niños, adolescentes, adultos, personas de la tercera edad y personas con discapacidad, pues permite la expresión a través de imágenes sin nece-sidad de verbalizar o explicar ciertos temas o sensaciones que cuestan trabajo o se pueden decir mediante las pa-labras, esto brinda libertad de acción, ya que no se ne-cesita tener conocimiento de arte para poderlo practicar.
En cuanto a los ni-ños, ellos pueden utilizar la Psicote-rapia de arte para aprender a expresar-se y tener un sano desarrollo emocional. Los adolescentes pueden encontrar un cambio en esta terapia para canalizar sus inquietudes, dudas, rebeldía e ilusiones, así como para visualizar sus sueños mediante imágenes que ellos mismos crean.
Para el adulto, la Psicoterapia de arte sirve para la toma de decisio-nes que en ocasiones y por diversas razones puede ser un tema compli-cado, en el encuentro de su individualidad y en la mejora de la autoesti-ma. Para el adulto mayor, esta psicoterapia puede ser una esperanza e ilusión de vida en donde puede reflejar su pasado como sus nuevas expectativas.
El terapeuta del arte se considera una persona capacitada tanto en el área artística, el uso de materiales y técnicas, así como en la psicoterapia y cuenta con conocimientos en desarrollo humano, educación y formación de personas, teorías psicológicas, de comportamiento y espirituales. Su práctica debe enfocarse a guiar a las personas en la búsqueda construcción e interpretación de sus propias imágenes mentales.
Artes expresivas, cuyo propósito es el de comunicar, expresar, decir, manifes-tar, discutir, aportar, censurar, promo-ver, cuestionar, innovar, difundir, etc.
Arte terapéutico, cuya finalidad es el uso del arte de manera catártica y de expresión de imágenes personales profundas, posi-blemente conflictivas, para buscar cami-nos y soluciones, así como integrar procesos como el duelo, la pérdida, la despedida, etc.
En la psicoterapia del arte, Freud utilizó las imágenes de sus pacientes manifestadas a través de sueños en el psicoanáli-sis, a partir de entonces, otros psicólogos entre los que des-taca Carl Jung, propusieron el uso de dichas imágenes y el proceso de manifestarlas como parte fundamental del proce-so de análisis y trabajo personal psicoanalítico. Así, la terapia del arte vincula dos grandes áreas que son la psicología y las artes, de la primera toma el conocimiento de la mente huma-na, sus procesos y desarrollo; de las artes toma el proceso creativo, los materiales y las técnicas, así como su historia.
La Arteterapia o Terapia del Arte además de ser el uso de las expresiones artísticas con fines terapéuticos, que tiene fina-lidad ayudar a las personas que experimentan alguna crisis, trauma, enfermedad o simplemente buscan conocer su inte-rior y tener una vida más plena, también forma parte de las dis-ciplinas utilizadas en las llamadas “intervenciones creativas” que se han utilizado en la psicoterapia, la medicina, la conse-jería y la rehabilitación por más de 50 años con el objetivo de promover la expresión personal a través de las terapias ex-presivas que usan las artes creativas como el dibujo, pintura, modelado, escritura, música, danza, teatro, poesía y el juego.
Los materiales a utilizarse pueden ser tan variados como la cantidad de personalidades, es decir, que a cada persona se le ofrece un material diferente y que le parezca el más adecuado para plasmar lo que tiene en mente, mismos que pueden incluir colores, crayolas, pinceles, acuarelas, gises, óleo, pintura en aerosol, carbón, plastilina, yeso, canicas, botones, piedras, plástico, diversos tipos de papel, recortes de revistas, etc.La sesiones de este tipo de terapia pueden ser individuales o grupales, en las primeras se trabaja de manera personal y cercana con cada paciente, acompañándolo en la bús-queda de soluciones. En la terapia grupal se tratan temas comunes y se tiene la posibilidad de retroalimentar a los compañeros, aprender de los demás y encontrar apoyo con el grupo.Para esta terapia hay diferentes niveles de profundidad en el trabajo personal, de esta forma el arte permite su uso como:
81.02.19 E
• Cuando la persona busca conocerse mejor y entenderse a sí mismo.
• Definir la dirección de la vida.• Tomar decisiones.• Expandir la conciencia.• Desarrollar la sensibilidad.• Mejorar las relaciones interpersonales.
Se recomienda utilizar la Terapia del Arte en casos de:
• Depresión.• Timidez.• Estrés.• Ansiedad.• Separaciones o divorcios complicados.• Pérdida de seres queridos.• Víctimas de secuestro.• Desórdenes del sueño.• Abuso psicológico.• Violencia intrafamiliar.• Desórdenes alimenticios como: anorexia, bulimia, obesidad, etc.• Permite al paciente expresar sus sen-
timientos, pensamientos y emocio-nes, actuando como una manera de liberación.
• Es una forma efectiva para ayudar a personas que tienen dificultades para expresarse y comunicarse.
La Terap ia de l a r te es ut i l i zada en var ios casos. A lgunos e jemplos son :
De esta forma, a través de la Arteterapia los ilustradores pueden encontrar ins-
piración y crear interesantes imágenes durante los procesos de la terapia que
servirán para el diagnóstico de la mis-ma. Esto es un medio terapéutico de
reconciliación de conflictos emocionales que promueve la toma de conciencia,
desarrollando habilidades sociales, ma-nejando la conducta, resolviendo pro-
blemas, reduciendo la ansiedad, orien-tándose en la realidad y aumentando la
autoestima.
En las raíces de la Psicoterapia de arte es importante recalcar la influencia del expresionismo alemán y del surrealismo. Este último por la experimentación con técnicas y recursos plásticos inspirados en el psicoanálisis: la escritura automática de Breton es comparable a la asociación libre de Freud, los dibujos au-tomáticos, la combinación y relación entre motivos se acercan al método crítico-paranoico de Salvador Dalí. La “Compagnie de l´art brut” es creada el 1 de julio de 1949 por iniciativa de los artistas Jean Dubuffet, J. Paulhan, Ch. Rarteterapeutaon, H.-P.roché, M. Tapié y André Bretón. Los objetivos de esta compañía, en palabras de Dubufett, son “investigar aquellas producciones artísticas realizadas por personas oscuras y que presentan una forma de invención personal, de espontaneidad, de libertad, más allá de convenciones y hábitos recibidos. La creación artística es insignificante si no parte de una alienación y no propone una nueva manera de mirar el mundo y ofrece una nueva manera de vivir”. Para Dubufett la creación artística abre el diálogo con uno mismo más allá del contexto cultural..
• Promueve el autoconocimiento emocional y la regulación de la conducta.
• Es útil en áreas como rehabilitación, educación y salud mental.
• Ayudar a mejorar la calidad de vida.
• Es muy efectiva con personas que sufren problemas sensoriales, físicos, motores o de adaptación social.
• Es útil para padecimientos como Síndrome de Down, Alzheimer y autismo.
• Es funcional para niños con problemas de aprendizaje.
• Se puede emplear en el tratamiento de fobias.• Se ha demostrado ser efectiva en la ayuda de
pacientes con enfermedades terminales.
Freud utilizó las imágenes de sus pacientes manifes-tadas a través de sueños en el psicoanálisis, a partir de entonces, otros psicólogos entre los que destaca Carl Jung, propusieron el uso de dichas imágenes y el proceso de manifestarlas como parte fundamental del proceso de análisis y trabajo personal psicoanalítico. Así, la Psicoterapia de arte vincula dos grandes áreas que son la psicología y las artes, de la primera toma el conocimiento de la mente humana, sus procesos y desarrollo; de las artes toma el proceso creativo, los materiales y las técnicas, así como su historia.
La Psicoterapia de arte, además de ser el uso de las expresiones artísticas con fines terapéuticos, tiene como finalidad ayudar a las personas que ex-perimentan alguna crisis, trauma, enfermedad o simplemente buscan conocer su interior y tener una vida más plena, también forma parte de las disciplinas utilizadas en las llamadas “intervencio-nes creativas” que se han utilizado en la psicoterapia, la medicina, la consejería y la rehabilitación por más de 50 años con el objetivo de promover la expresión personal a través de las terapias expresivas que usan las artes creativas como el dibujo, pintura, modelado, escritura, música, danza, teatro, poesía y el juego.
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2.19EEl mundo de las Imágenes
La teoría del inconsciente de Sigmund Freud supuso un hito para la historia de la psicología que él mismo nos explica de la siguiente manera: “El inconsciente es el círculo más grande que incluye dentro de sí el círculo más pequeño del consciente; todo consciente tiene su paso preliminar en el inconsciente, mientras que el inconsciente puede detenerse con este paso y toda-vía reclamar el pleno valor como actividad psíquica”.
Freud fue el primero en hablar de los traumas emociona-les, los conflictos mentales y los recuerdos escondidos en la mente. A partir de ahí, entre 1900 y 1905 desarrolló un modelo topográfico de la mente median-te el cual describió las características de la estructura y función de la mis-ma. Para ello uti-lizó una analogía tomando como punto de partida un iceberg, en donde cada parte significa-ba un punto impor-tante de la mente:
En la superficie está la conciencia, donde ocurren to-dos esos pensamientos donde focalizamos nuestra atención, que nos sirven para desenvolvernos y que usamos de forma inmediata y rápida accesibilidad.
En al preconsciente se concentra todo aquello que nuestra memoria puede recuperar fácilmente.
En la tercera parte está el inconscien-te. Amplio, vasto y misterioso sitio que ocupa la mayor parte de nuestra mente.
El inconsciente no está más allá de la conciencia, no es una entidad abstracta sino un estrato real, amplio, caótico y esencial de la mente, al cual no se tiene acceso. Este mundo inconsciente se revela de muy diversas formas: a través de los
sueños, en nuestros lapsus o en los actos fallidos. Además, el incons-ciente, para Freud, es interno y externo. Interno porque se extiende en nuestra conciencia y externo porque afecta a nuestro comportamiento.
Freud fue el primero que hizo del inconsciente el sistema constitutivo del ser humano. Dedicó toda su vida al estudio de este tema hasta el punto de afirmar que la mayoría de nuestros procesos psíquicos son en sí mismos inconscientes y que los procesos conscientes no son sino actos aislados o fracciones de todo este sustrato subterráneo que habita debajo del iceberg.
El supuesto de que lo relativo a los temas esencialmente psíquicos es in-consciente no disminuye para Freud la importancia de la conciencia. Al con-trario: ella “continúa siendo la luz que ilumina nuestro camino y nos lleva a través de la oscuridad de la vida mental. Como consecuencia del carácter especial de nuestros descubrimientos, nuestro trabajo científi-co en la psicología consistirá en traducir los procesos inconscientes en pro-cesos conscientes, llenando así las lagunas de la percepción consciente”.
Esto nos ayuda a entender la Psicoterapia del arte como un canal o forma de comunicación que va de dentro hacia fuera mostrando aque-llos sentimientos o sensaciones que cada paciente tenga guardados o no pueda expresar a través de imágenes o ilustraciones que ser-virán para dar un entendimiento a sus pensamientos o inquietudes.
Así, es importante destacar que en la Psicoterapia de arte no se aprende a hacer arte o alguna técnica artística como tal con objetivos estéticos, ya que el producto a crear no es el objetivo central, sino que el proceso creativo y la experiencia plena es la base sobre la que se sustenta la terapia. El paciente, entonces, se acerca aún sin tener conocimiento previo de ninguna técnica y con la seguridad de que será el psicoterapeuta, al aplicar la Psicoterapia de arte, quien facilitará el uso de los materiales de una forma cercana y segura.
Además, cabe resaltar que el uso del arte en esta psicoterapia debe ir acompañado de un proceso en el que el propósito sea terapéu-tico. Como sabemos, el arte es en sí mismo una forma de terapia, sin embargo, el seguimiento y apoyo de un profesional en esta discipli-na es lo que hace la diferencia en cuanto a las metas terapéuticas, las cuales serán marcadas y analizadas principalmente por el paciente.
Iniciar un proceso terapéutico siempre será de utilidad para la persona, pareja o familia y utilizar el arte con este fin permitirá desarrollar la expresión y facilitar la verbalización a través de la simbolización y el uso de di-ferentes técnicas y materiales. Es importante que el proceso que utilice el arte con fines terapéuticos sea guiado por un profe-sional con experiencia tanto en psicoterapia, como en el proceso creativo y el uso de materiales y técnicas artísticas. Esta especialización per-mitirá el mejor desempeño para lograr excelentes resultados terapéuticos.
en e l Inconsciente
101.02.19
OIMPA
Instituto Mexicano de Psicoterapia de Arte
El Instituto Mexicano de Psicoterapia de Arte (IMPA) es una asociación que ofrece actividades docente, psicoterapéuticas, sociales y culturales a través del arte.Su filosofía integra los aspectos didácticos, clínicos, culturales y sociales, así como la investigación para promover un fundamento teórico como una aplicación práctica en el tratamiento de la Psicoterapia de arte.
En lo relacionado a este tema en la revista Ilustres, la Psicoterapeuta Paola Cal-derón Godin tuvo algunas sesiones con nuestro ilus-trador invitado Omar Mén-dez donde nos cuenta un poco acerca de los resulta-dos de estas conversaciones.
“Las sesiones con Omar se dieron a modo de encuentro en-tre el psicoanálisis, la Psicoterapia de arte y la ilustración.
Más allá de quienes se encontraban en ese espacio, de lo que se trataba era de lo que las palabras iban trazando a modo de boceto. A partir de la discusión de diversos temas, fue evidente que lo que acontecía en el consultorio era un en-cuentro surreal. En esos diálogos lo complejo fue representar eso que se movía de forma subjetiva para representarlo en una ilustración. Es decir, plasmar los fragmentos de sue-ños para que el otro entienda algo sin verme implicado ahí.
Por medio de estos encuentros y diálogos, Omar pudo descubrir qué temas eran los que atravesaban su esti-lo de ilustración. Así como plantearse preguntas en rela-ción a lo que producía. Fue una forma de darse cuenta cómo el arte puede crear lugares sublimes y asombrosos. Esa es la función del arte, no sin lo psicoterapéutico, llegar a esos lugares a los que no se puede llegar de otra manera. A partir de estas sesiones fue como surgieron las ilustra-ciones de Omar, que si bien representaban algo claro, tam-bién podían llevar signos y símbolos de su experiencia personal.”
Paola Calderón es Psicoanalista y psico-terapeuta de arte, Maestra en Psicoaná-lisis y doctorante en Psicoanálisis por el Colegio de Psicoanálisis Lacaniano A.C., tiene una Licenciatura en Psicolo-gía por la Universidad Iberoamericana (UIA) CDMX, un Diplomado en rehabilita-ción neurológica infantil por REAPRENDE, un Diplomado en filosofía y psicoanálisis en al cultura por la UIA, y el Diploma-do en Psicoterapia de arte por el IMPA.
Coordinadora académica y de investiga-ción en el Instituto Mexicano de Psico-terapia de Arte (IMPA). Docente y super-visora de prácticas clínicas en el IMPA. Ha trabajado como psicoterapeuta y ta-llerista para diversas poblaciones como migrantes en Nueva York, personas con discapacidad y sus familiares, crisis, sui-cidio, abuso, intervenciones hospitalarias y personas en situación de exclusión. Participa en clases de arte desde los 12 años y es apasionada del arte, la ópe-ra, literatura, los libros y la naturaleza. www.imparte.com.mx
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OOmar Méndez
También he participado y he sido seleccionado en varias ocasiones para el Behance Portfolio Review, una vez en la categoría de Bran-
ding y dos en la categoría de ilus-tración.
También he sido ilustrador interino para Editorial Nahuatl.
Soy Omar Méndez alias OMEN.
Estudié Diseño Gráfico en la Benemérita Uni-versidad Autónoma de Puebla. Soy diseñador gráfico e ilustrador multidisci-plinario que vive en Puebla, México.
Mi trabajo se centra en el desarrollo de arte para productos, editoriales, campañas de pu-blicidad, publicaciones independientes y ac-tualmente desarrollo diseño de usuario y ui ux.
Mi estilo se destaca por sus composiciones con elementos de la naturaleza con elementos intrínsecos, en escenas sentimentales y carga-das de sutil estética, siempre expresando los sentimientos de la belleza y lo sublime.
En otros ámbitos, obtuve el Reconocimiento Perro de Plata por parte de IMAGENPALABRA Colombia y la Benemérita Universidad Autóno-ma de Puebla en el año 2015.
121.02.19M¿Qué significa para ti la ilustración
surrealista?
Para mí la ilustración surrealista, es más un reflejo de quien eres, ya que muchos de los ilustradores surrealista se basan solo en sus pensamientos, en sus intereses e incluso miedos, para crear estos mundos y personajes de otras realidades, también creo que te enseña a dar significado a cada uno a objetos y elementos simples que hay dentro de la ilustración. Esto vuelve a este tipo de ilustración mucho más personal y significativa para el ilustrador y es asom-brosa para el espectador por que observa otros mundos que quizás ellos jamás po-drían imaginar.
¿Cómo defines tu estilo?
Yo definiría mi estilo como una mezcla de surrea-lismo con naturalismo, aunque creo que estas co-rrientes por sí solas pueden llegar a generar puntos opuestos. Me gusta pensar que combinar estas ideas de los mundos oníricos con elementos naturales, las bestias quiméricas o híbridas, los espacios irreales y el cuerpo humano puede servir para generar imáge-nes que lleguen a atrapar al espectador.
Por otro lado, actualmente he estado experimentan-do un poco con la ilustración científica; y la manera tan precisa y su estilo de ilustración son cosas que han llevado a que yo tenga, creo, un estilo de ilustra-ción que se puede diferenciar. ¿Cómo definiría con palabras mi estilo? pienso que sería algo como: surrealismo natural melancólico.
¿Porqué mezclar la anatomía humana con la naturaleza dentro de tus ilustraciones?
Creo que estos dos elementos siempre han sido re-ferencia en todo obra o ilustración, a mí me gusta unirlos porque cada uno está relacionado al otro.La expresividad del cuerpo humano y la ambienta-ción que puede dar la naturaleza pueden crear escenas con sentimientos sutiles, con estética y pueden llegar a expresar estos dos conceptos que se me hacen muy interesantes que es lo bello y lo sublime
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¿Cómo se define Omar dentro del ámbito de ilustración?
Para ser sincero, creo que soy aun un pequeño cachorro en la escena general de la ilustración; me gustaría pensar más que soy de estos nuevos ilus-tradores que comienzan a dar a conocer su trabajo con un estilo de ilustración que puede dar algo di-ferente al mundo de la ilustración.
Si pudieras vivir en alguno de los escena-rios que ilustras ¿cuál elegirías?
De hecho, la serie de ilustraciones que estoy tra-bajando lleva el nombre de “The Garden” (El Jardín) por tener la referencia del jardín del Edén, en éste sólo viven aves del paraíso y todo tipo de flora. La idea detrás es que este paraíso solo lo podemos encontrar en nuestra mente, dentro de nosotros mismos y que cada uno tiene su propio mundo onírico al que quisiera ir, que no tenemos que buscar el lugar perfecto, porque este lugar está dentro de nosotros y, en esencia, éste es el lugar en donde me gustaría vivir.
Tu trabajo nos hace llegar a diversos mundos, en sí ¿qué es lo que buscas transmitir en cada ilustra-ción?
Creo que es que se sientan identificados un poco con la escena de cada ilustración, que identifiquen las sensaciones sutiles que hay en cada una y comprendan un poco la idea de cada una de ellas; creo que también es la idea de transmitir los complejos conceptos de qué es bello y qué es sublime, esto es parte también de mi estilo de ilustración y que la gente llegue a percibir estos sentimientos.
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¿Sentiste algún cambio personal des-pués de la psicoterapia de arte? ¿Y desde qué perspectiva lo cuentas?
Sí, en el aspecto personal fue una experiencia in-teresante, ya que me ayudó a entender un poco más ciertos aspectos que yo había pasado por alto y otros más que los conocía pero que no te-nía una definición exacta de qué es lo que eran, lo que me ayudó es a entender a mí propio “yo”.
En el ámbito profesional, en mi estilo de ilus-tración también me ayudó a encontrar con me-jor esencia los conceptos que pretendía dar a conocer con mi obra, algunas cosas que po-drían dar mayor fuerza y mejores conceptos.
¿Qué te dice tu yo interno después de la psicoterapia de arte? Que necesito trabajar más en ilustración jejeje. Creo que este tipo de experiencias te ayudan a tomar decisiones un poco más drásticas; en mi caso, tomar la decisión de que ya des-de ahora me puedo dedicar más en cuerpo y mente a la ilustración, incluso de sólo tener un trabajo de medio tiempo sólo para poder dedicar mayor tiempo a únicamente la ilustra-ción y, claro, a buscar más oportunidades de realizar ilustración con trabajos independientes.
¿Crees que puedes ilustrar con otro len-guaje visual después de las charlas de psicoterapia de arte?
Sí podría dibujar con otro lenguaje visual, pero creo que no se sentiría tanto que es parte de mi estilo. Pienso que es parte de la profesión de ilus-tración, hay ocasiones que uno tiene que ilustrar o dibujar conceptos fuera de nuestro círculo habitual y muchas de estas experiencias suelen ayudarte a ampliar y experimentar sobre los alcances que puedes tener en tu propio estilo y en tu ilustración.
¿Porqué decidiste participar como ilus-trador en la revista Ilustres?
Porque desde que iba en la universidad la ilus-tración fue una de las ramas del diseño que me atrajo, me inspira y siempre ha sido un hobbie; pero hace tiempo decidí que ser ilustrador y dedicarme a esto sería algo que me gustaría hacer, así que comencé a participar en eventos y a desarrollar mi estilo. Así fue como llegué a la Revista Ilustres, y me pareció una buena opor-tunidad para mostrar mi trabajo.
¿Qué le quieres compartir a los lectores de la Revista Ilustres? Que sigan trabajando para lo-grar sus objetivos, que partici-pen en la revista Ilustres y tam-bién que conozcan la revista, ayuda a dar a conocer nuevos ilustradores y nuevo talento.
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2.19R Contacto:
Instagram: @omen_09Behance: Behance.net/omr_09
www.omendesign.mx
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Diseño a Través de la IluminaciónY su incurs ión en e l ar te
Por Julio Báez
En esta segunda parte de la revista Ilustres hablaremos de la luz y su uso dentro del dise-ño y del arte; dentro de este tema abordare-mos algunas disciplinas artísticas como la ar-quitectura, música, danza —representada en el Dance— y como éstas se conjugan con ele-mentos del diseño a través de la iluminación.
Comencemos con una breve explicación acerca de la luz en el arte, específicamente en la pintura, donde cumple con varios objetivos plásticos como estéticos. Por un lado es un factor esencial en la representación técnica de la obra, pues su presen-cia determina la visión de la imagen proyectada, ya que afecta a determinados valores como el color, la textura y el volumen; por otro lado, la luz tiene un
valor estético impor-tante, ya que al com-binarse con la som-bra y ciertos efectos de luz y color puede determinar la com-posición de la obra y la imagen que quiere proyectar el artista.
La luz puede tener un componente simbólico, especial-mente en la religión, donde generalmente se asocia con la divinidad y con los ángeles. Existen muchas obras con esta temática, como los cuadros de El Bosco o de Caravaggio donde esos detalles de la luz que, literal o metafóricamente, nos cuentan historias solamente mediante trazos de pintu-ra sobre un lienzo, que al pasar de los años y con otras tecnologías como la electricidad podemos llegar a ver esas mismas representaciones en animación o proyectadas en pantallas haciendo que la misma historia prevalezca pero con técnicas más avanzadas como el 3D o el 4D, el map-ping o las proyecciones en pantallas como el cine o el video.
La incidencia de la luz en el ojo humano produce im-presiones visuales, entonces, su presencia es básica para la captación del arte. De esta forma, vemos que la luz es parte esencial para el arte, el diseño y la ilustra-ción, porque es indispensable para la composición de la imagen, ya que los juegos de luces y sombras son la base del dibujo y, en su interacción con el color, su-ponen el aspecto primordial de las pinturas y el diseño.
De la luz dependen aspectos como el contraste, relieve, textura, volumen, los degradados o la calidad de la imagen. El juego de luces y sombras ayu-da a definir la situación y orientación de los objetos en el espacio. Para su correcta representación se deben tener en cuenta su forma, densi-dad, extensión y las diferencias de intensidad. También se debe tener en consideración que, aparte de sus cualidades físicas, la luz puede generar efectos dramáticos y otorgar a la imagen un cierto ambiente emocional
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EvoluciónRichard Kelly: un Pionero en la Iluminación
La luz eléctrica fue considerada como un nuevo ma-terial en el diseño de construcción desde la década de 1920 en países como España y se convirtió en una he-rramienta del diseño en ese siglo. La implementación de la luz permitió dar una nueva visión a la estructura y espacio, siendo Richard Kelly una figura influyente en esa época, quien dedicó su vida a aportar a la teo-ría y práctica del diseño de iluminación arquitectónica.
Kelly comenzó su práctica antes de entrar a la universidad en la década de 1930. Durante su carrera, diseño algunos de los edificios más importantes del siglo XX en países como Canadá y Estados Unidos, referentes actuales para
la estructura de la luz, como son: La Casa de Cristal de Philip Jo-hnson, Kimbell Art Museum de Louis Kahn, Centro Técnico de GM de Eero Saarinen y Seagram Building de Miles van del Rohe.
La influencia de Kelly está basada en la teoría de la per-cepción, principios de iluminación de escenarios y los efec-tos de la luz de la naturaleza. Hoy en día, su terminología se utiliza para describir los conceptos de numerosas soluciones de iluminación, sobresaliendo los tres distintos tipos de ilumi-nación: Focal glow —luz para mirar—, play of brilliants —luz para contemplar— y ambient luminescence —luz para ver.
181.02.19
La Luz Como Elemento del Diseño
Teoría del Color
El color es la sensación que se produce por la reflexión de la luz en los objetos y se trans-mite por la vista del espectador. La luz es una onda de radio, de la cual percibimos una pequeña parte llamada “espectro visi-ble” y dependiendo de la frecuencia es que percibimos las tonalidades de las cosas.
Las personas que trabajan directa o indi-rectamente con los colores, digamos artis-tas, terapeutas, diseñadores gráficos, arqui-tectos, modistas, etc., deben saber y tener en cuenta los efectos que producen los co-lores en otras personas. Los colores y sen-timientos no se combinan por casualidad, son experiencias universales de un todo inconfundible que nos diseña desde la in-fancia en nuestro lenguaje y pensamiento.
Los colores nunca aparecen aislados, sino que van en una gama de tonos en cada ocasión y se asocian a un efecto particu-lar. Estos se relacionan siempre con sen-timientos e impresiones semejantes que emanan del ambiente creado por el co-lor, que pueden ser de calma, medita-ción, plenitud, alegría, opresión, enojo, etc.
Todos los colores tienen significado y el efec-to de cada uno está determinado por su contexto, es decir, por la conexión de sig-nificados en la cual los percibimos. El color de la ropa se aprecia de forma diferente al de una habitación, alimento o una obra de arte y, también, a partir de eso se van for-mando criterios para determinar si resul-tan agradables, correctos o de buen gusto.
El diseño tienen como objetivo de comunica-ción el crear mensajes mediante formas; así, se necesita conocer la reacción de las perso-nas ante las mismas, que tiene entre sus ele-mentos determinantes los colores. Estos de-ben ser estimulantes para el espectador pero no causar un malestar o perturbación vi-sual y cumplir con el objetivo de comunicar.
La luz viaja por el espacio. Ésta hace visibles los espa-cios y cobra relevancia en los volúmenes, superficies, planos e interviene sobre el espacio arquitectónico y modifica cada uno de los elementos que alcanza. Co-nocer las super-ficies sobre las que incide la luz es esencial para comprender lo que ocurre con la iluminación, así estamos cons-cientes de que lo que vemos no es la luz, sino el en-cuentro de ésta con la materia.
Al pensar en la iluminación como parte del diseño es preciso tener en cuenta los detalles que permitirán observar al mismo como una pieza que acompaña y se integra en el todo, ha-ciendo de este conjunto de elementos un código de comunicación y un lenguaje que transmitan la idea y la intensión que se necesita.
Gracias a ella podemos ver distintos tipos de colores en el diseño, ya sean fríos o cálidos. Estos colores pueden trans-mitir un estado de ánimo, describir la realidad o codificar la información. Con los contrastes, la armonía y las buenas combinaciones de las gamas cromáticas se pueden generar distintas experiencias para el espectador, ya sea en películas, campañas publicitarias, videos musicales, activaciones, etc.Al pensar en cualquier proceso de comunicación visual,
la luz es un elemento que está presente en todo momento: se co-noce por su naturaleza energética y por su carácter imprescindible para que dicha comunicación se pueda producir. Además, participa direc-tamente en el proceso comunica-tivo, pues tiene connotaciones que se integran al mensaje a comunicar.
Las denotaciones y connotacio-nes atribuidas a la comunicación visual dependen de los sistemas de comunicación utilizadas por cada artista, donde son ellos los
que tienen una visión propia de la realidad, por lo que su mirada, a través del estilo, se vuelve en algo más perso-nal y distintiva. Entonces, de esta manera podemos en-tender que la forma también es el mensaje que se quie-re transmitir. Esto, a través del manejo de la iluminación.En el diseño, la iluminación juega un papel muy importan-te, ya que de ella se desprenden otros elementos como el volumen, la textura, el color, perspectiva, etc. Y toman-do como un punto principal, el color es esencial en el lenguaje visual, por sí mismo puede expresar un estado de ánimo y es el protagonista de muchas obras de arte.
La luz es generadora de estados anímicos, ya que
provoca sensaciones y emociones en el usua-rio; según sea el color y la intensidad y la poten-cia inducirá a una reac-
ción en el mismo.
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La Luz Dentro del DiseñoEl manejo de la luz en el diseño es un elemento esencial, ya que todos los objetos, cuando son representados gráficamente, reflejan dos elemen-tos importante de la expresión: la luz y la sombra.
La luz es la onda de energía que al ser capta-da por el ojo humano produce en nuestro senti-do visual la apreciación de las formas. Mientas que la sombra es el producto de la incidencia de la luz sobre el cuerpo. Cuando un objeto se di-buja y no se representa su sombra, no sabemos si es un elemento plano o con volumen, ya que sólo los efectos de la luz y sombra nos dan una visión de las características reales del mismo.
Un ejemplo en donde es utilizada la iluminación en todo momento es en la industria del diseño de modas, como la iluminación de showrooms o escaparates donde se muestran los maniquíes con la ropa de moda. El escaparate es una ven-tana de cristal en la que se muestran los produc-tos más destacados o las promociones que las tiendas ofrecen cada temporada. Si estos esca-parates son atractivos, se conseguirá atraer clien-tes y transmitir una buena imagen de la marca.
Existen varios tipos de escaparates, como los de fondo abierto, cerrado o semiabiertos. En cuanto a la ilumina-ción de los escaparates, no debemos olvidar que ésta es fundamental para que cumpla su cometido al 100%.
El escaparate debe ser una extensión de la tienda, mos-trar lo que hay dentro del establecimiento para crear una conexión con el cliente, por lo que cuando se realiza el di-seño del mismo se debe tomar en cuenta y combinar adecuadamen-te una serie de elementos visuales y espaciales que ayuden a lograr una mejor visibilidad, persona-lidad y atractivo para conseguir ventas. Todo eso a través de ele-mentos del diseño como colores específicos, cálculos espaciales, composición horizontal o vertical, ritmo, proporción y equilibrio.
La iluminación es uno de los pun-tos más importantes, ya que puede hacer que un escaparate llame o no la atención. Por lo que se debe tener una iluminación adecuada al producto expuesto. Debemos partir de que se debe emplear una luz en-volvente y general, además de otras que puedan ser orientadas hacia dife-rentes puntos del escenario a mostrar.
Combinar distintos tipos de ilumina-ción directas e indirectas puede tener buenos resultados, como conseguir volumen sin crear sombras o alterar los colores; así se podrá conseguir dar una buena imagen de la marca, tienda o producto creando un impac-to visual al consumidor para que en-tre y consuma el producto mostrado.
201.02.19
Publicidad HolográficaUn formato que utiliza elementos de iluminación es la publicidad holográfica, que mediante tec-nología LED proyecta hologramas con apariencia 3D de diversos tamaños y dimensiones, capaz de controlarse vía remota mediante Wi-Fi, 3G y 4G.Este tipo de publicidad se puede definir como el nuevo formato de marketing que están utilizando grandes marcas para promocionar productos y ser-vicios; está basada en iluminación y es una tema al que hay poner especial atención porque hay bas-tantes países enfocados en esta tecnología, mis-ma que podría convertirse en la siguiente tendencia en publicidad después de la realidad aumentada.
La publicidad holográfica se basa en la representación de imágenes tridimensionales basadas en el empleo de la luz para lograr un efecto único e impactante y que se posicione en la mente de los espectadores.Hay algunos ejemplos de este tipo de publicidad y aplicación de la holografía en la actualidad que son bastante interesantes, uno de ellos es lo que hace la marca francesa de lencería Empreinte, que lan-zó una campaña en una tienda de París, cercana
a la mítica Place Vendôme, que nos muestra una holograma de una mujer en lence-ría. En las noche, cuando la tienda está cerrada y vacía, la misteriosa mujer apare-ce en su interior para desaparecer poco después rodeada de estrellas y mariposas.
En la música también hay grupos que han hecho uso de este tipo de tecnología en sus presenta-ciones, siendo una de las referencias inmediatas la presentación del rapero Tupac Shaku en Coachella en 2012, quien apareció junto a Snoop Dogg y Dr Dre dejando a todos sorprendidos. Otra artista que hace uso de la holografía en sus presentaciones y, digamos, que casi por obligación es Hatsune Miku, la primera estrella digital del J-Pop, un género musical conocido como Pop Japonés surgido en los 90´s. Hatsune Miku fue creada por Crypton Future Media y se diseñó como un holograma unido a un potente programa homónimo de voz artificial. Esta artista virtual presenta un show con el que ha logrado formar una gran legión de seguidores, en el que estos, aficionados a la unión del ate y la tecnología y los amantes de la música electrónica tienen una cita con los últimos avances en pro-yección de video tradicional basado en proyecciones holográficas y sonido envolvente.
Es en estos eventos, desde los años 60 cuando vemos propuestas visuales donde se proyectaban con máquinas de acetatos imágenes sobre los grupos tocando o en la parte trasera de los escenarios como parte del moviendo sicodélico de aquellos años. Con los años estas tecnologías de iluminación fueron evolucionando con el uso de reflectores, es-trobos, pantallas, lásers y podemos recordar, por ejemplo, videos musicales como Billie Jean (1983) de Michael Jackson o, más recientemente, Derezzed (2010) de Daft Punk o los performances del DJ Deadmau5, quien utiliza una cabeza con luces responsivas que van al ritmo de la música, además de un escenario con luces que cambian en todo momento.
Existen varios otros grupos que han sabido sacar el mejor partido acerca de la tecno-logía de iluminación. Una de estas bandas es Muse, quienes en sus conciertos utili-zan drones con estructuras lumínicas para crear atmósferas antes de empezar a tocar.Nine Inch Nails, banda estadounidense liderada por Trent Reznor, quienes siempre han ex-perimentado con la tecnología tanto en sus conciertos, discos y videos musicales no dejan de sorprender, ya que en sus recientes giras se han destacado por el manejo de luces y pan-tallas responsivas de gran formato que, al ritmo de la música cambian de imagen, brillo, luz e intensidad para lograr una mejor interacción con la banda y, sobre todo, con el público.Radiohead también se ha hecho visible en cuanto al uso de la tecnolo-gía en cuando a pantallas y luces en sus conciertos, ya que utilizan una mez-cla de ambas, resaltando especialmente las luces tubulares que prenden y apa-gan al ritmo de la música, además de proyectar imágenes relativas a los videos.Otro ejemplos de un grupo que ha hecho uso de la iluminación más allá de los pa-rámetros normales es Pink Floyd, especialmente en su gira de 1995 llama-da Pulse donde uno de los atractivos principales era una pantalla circular ubica-da en el escenario, además de juegos de luces que iban al ritmo de la música.
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Existen otras formas y posibilidades de utilizar la luz para crear; luces de colores que dan lugar a obras de arte. Técnicas como el mapping —el uso de proyecciones de luz y cinemáticas sobre superficies rea-les con forma determinadas, como casas, edificios o fachadas— están posicionándose como elementos importantes en el sector del arte. El mapping es una técnica audiovisual considerada un medio artístico y una forma de expresión basada en la proyección de imágenes sobre su-perficies y que puede ir acompañada de efectos sonoros y ópticos que hacen más realista la proyección.
El video mapping busca conseguir un efecto artístico y fuera de lo co-mún basado en los movimientos que crea la animación 2D y 3D sobre las superficies. El más habitual es el que se puede aplicar sobre edifi-cios monumentales acompañados de instalaciones sonoras para con-seguir un espectáculo mayor. Así se permite una interacción con el público y se crea una relación entre el arte, la tecnología y la sociedad.
El video mapping se utiliza desde hace tiempo, pero es en los últimos años cuando se le está dando un uso más enfocado a la publicidad y los espectáculos. Es una técnica que puede ser utilizada tanto en exteriores como en interiores, donde el espacio es más reducido pero ofrece una ma-yor libertad para trabajar, además de tener un costo menor, ya que se pue-de realizar con menos equipo consi-guiendo resultados de buena calidad.
La Arquitectura Como Soportedel Diseño y la I luminación
221.02.19
Dentro de las artes escénicas, como el baile, la dan-za o el teatro también es importante la iluminación, ya que con esta se crean las atmósferas necesa-rias para cada escena o movimientos. Así como en la pintura, dentro de estas formas artísticas hay muchas formas de utilizar la iluminación y todas son importantes según el punto de vis-ta de los creadores de cada una de las obras
Otras de las formas de utilizar la luz artificial proyectada o manipulada para crear efectos específicos es en el baile, el diseño de la ilu-minación es un factor muy importante para completar la idea del coreógrafo. Con la pla-neación de los diseños tanto en la coreogra-fía, luces y vestuario, entre otros, se dan los cambios y sensaciones que perciben los es-pectadores. Con la iluminación se comunica el color, ambiente y la atmósfera de la escena, lo que guía el interés del público hacia la danza, los bailarines, vestuario y sus movimientos.
Los efectos escénicos van de la mano de las luces, proyecciones y efectos especiales.Esto tiene un valor estético y para el disfrute visual. Una de estas técnicas es la luz en movimiento como la que el grupo de baile ucraniano Light Balance de-sarrolla en sus performances, mismas que han roto fronteras por su forma creativa de presentar su es-pectáculo donde el ingrediente principal es la luz.
Esta agrupación, formada en 2012 e integrada por bai-larines ucranianos de entre 18 y 33 años, liderados por Denys Baldin y Mikyta Sukhenko, ha sido la sensación desde que ganaron un Golden Buzzer, una especie de pase automático a la final del popular programa Ame-rica´s Got Talent. Todos ellos son excelente baila-res, pero lo que los hace destacar es el extraordina-rio espectáculo que crean a través de sus trajes con luces y la perfecta coor-dinación de movimientos.
El movimiento en el Baile y la I luminación
Cada traje está hecho a mano como un complejo de luz multicanal desarrollado a partir de un cableado es-pecial recubierto con ma-terial fluorescente conoci-do como Cold Neon o “Luz fría de neón”.
Este sistema se maneja por un controlador y un sof-tware creado en Ucrania que permite la sincroniza-ción entre música, movi-miento y efectos de luz.
Los shows son presentados en escenarios completa-mente oscuros que sirven para crear la ilusión de que se está contemplando una pantalla digital.
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241.02.19