ГалинаВитальевнаДятлева

Мастеранатюрморта

ИсториянатюрмортаНатюрморт — жанр изобразительного искусства, а также произведение этого жанра,

показывающее неодушевленные предметы (посуду и другую домашнюю утварь, фрукты иовощи,различнуюснедь,битуюдичь,букетыцветов,атрибутыкакой-либодеятельностиит.п.).Впереводесфранцузскогоnaturemorteозначает«мертваянатура».

Элементы натюрморта впервые появились в древних наскальных рисунках, гдеизображенныевещиимелиритуальныйсмысл.Разнообразныепредметыможноувидетьивросписях египетских гробниц. Огромный интерес к предметному миру проявлялихудожники античной эпохи. Хотя станковых работ, выполненных древнегреческимиживописцами,донасдошлонемного,изписьменныхисточниковизвестно,чтовДревнейГрецииполучилираспространениенатюрморты-«обманки»,писавшиесясцельюнетолькопоказатьмастерствоавторов,ноиввестивзаблуждениезрителей.Художникидобивалисьтакогоиллюзорногосходстваизображенияснатурой,чтоподобныекартиныивсамомделемоглиобманутьпублику.Одноиздревнихсочиненийсвидетельствует:живописецЗевксистакубедительнонаписалвинограднуюкисть,чтоптицыпыталисьсклеватьягоды.Однаждызнаменитый мастер сам попался на удочку своего коллеги Паррасия, изобразившегозанавеску,которуюЗевксиспопыталсяотдернуть.

Неуступалигрекамвмастерствеидревниеримляне.Так,настенедомадревнеримскогогорода Геркуланума, разрушенного в I веке н. э. извержением вулкана Везувий, быланайдена фреска, представляющая собой самый настоящий натюрморт. С большиммастерством изобразил художник веточку с фруктами и стеклянный сосуд с водой, натонкихстенкахкоторогоиграютсветовыеблики.

В коллекции Эрмитажа хранятся образцы мозаик из Древнего Рима. Одна из них,относящаясякрубежуI–IIвековн.э.,быланайденав1740-егодынедалекоотАветинскогохолмавРиме.Подобныемозаичныекомпозиции,обрамленныеорнаментальнымрисунком,назывались эмблемами. Эмблема, выполненная из разноцветных кусочков мрамора сдобавлением смальты, показывает атрибуты Геракла — палицу, чашу для вина и маскугероя, сделанную из темных камешков. В нижней части композиции изображена паракабанов,впряженныхвповозкусярко-краснымковром.Напередкеповозки—трияблока.Вероятно, это мифические золотые яблоки, способные подарить человеку вечнуюмолодость.ГераклпохитилихизсаданимфГесперидпоприказаниюцаряЭврисфея.Кабанже являлся посвятительнымживотным греческого героя, занявшего своеместо в римскомискусстве.

Натюрморт.ФрагментфрескиизГеркуланума,серединаIв.н.э.

Создавая мозаику, римский мастер, скорее всего, ориентировался на какой-тоживописный образец, возможно, стенную роспись, представлявшую собой натюрморт,составленный из предметов домашней утвари и снеди. Такие композиции былираспространены в древнеримской живописи того времени. Имели место и фрески,показывающиеповозкисатрибутамибогов.Например,вдомеВеттиеввПомпеяхнайденыросписисизображениямидвухкозлов,везущихтележкусатрибутамиДиониса,ибаранасатрибутамиГермеса.

Натюрморт представлен и на римскоймозаике «Июнь», выложенной из разноцветнойсмальты.Вкомпозициипоказанмаленькийбосоногиймальчик,олицетворявшийвДревнемРиме этот летний месяц. Над его кудрявой головкой зритель видит латинскую надпись«Junius» — июнь. Художник, создавший это произведение, воспевает щедрость земли иплодородиелета.Вправойрукеребенка—корзинаслуком(обязательноеблюдонастоле

римлян с древнейших времен). УченыйМарк Теренций Варон, живший в I веке до н. э.,писал:«Отдыханиянашихдедовипрадедовразилочеснокомилуком,ноихдухбылдухоммужестваисилы».

В левой рукемальчик-июнь держит поднос сфруктами.Плоды сложеныи в большуюкорзинувозлестола.Наневысокомстоликесправалежатдвебольшиерыбины,третьяупалакногамребенка.Дарыморяможноувидетьивлевойчастиполотна.Римлянеоченьлюбилиморепродукты, и знаменитый философ Сенека писал, что из-за своего чревоугодия онипостояннобылиготовы«рыскатьпоморскимглубинамивырыватьраковинынаневедомомберегуотдаленнейшегоморя».

Красочное богатствомозаики ужемного веков восхищает зрителей.Не потеряли своюсвежестьияркостькрасныеяблоки,лежащиенаголубомподносе,чешуярыбпереливаетсяжелтыми, коричневыми, красными, синими и зелеными оттенками. Фигура мальчика вохристо-оранжевой тунике и все предметы натюрморта выразительно выделяются насветло-желтомфоне.

ВXV–XVI веках натюрморт имел распространение в основном как частьживописнойкомпозиции.КаксамостоятельныйжанронокончательносформировалсявXVIIстолетиивГолландии.Здесьнатюрмортбылособеннолюбимипочитаем.Голландцыназывалиегонеnaturemorte(«мертваяприрода»),аstilleven,чтоозначает«тихаяжизнь».Втакомназванииотразилось любовное и трепетное отношение голландских художников к чудесному мирувещей.

Мозаика«Июнь».Фрагмент,Эрмитаж,Санкт-Петербург,IIIв.

И.ванКлеве.«МадоннасмладенцемиИосифом»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Ноинтерескнатюрмортупоявилсявголландскойживописигораздораньше.Художникивводили в окружение религиозной сцены такие детали, как цветы, плоды, сосуды. Этипредметыпомогалипривнестивизображениенечтоземное,светлоеирадостное.Так,ИосванКлеве(1464—ок.1540)вкомпозиции«МадоннасмладенцемиИосифом»(Эрмитаж,Санкт-Петербург) показал на парапете, рядом с босыми ножками младенца Христа,разрезанныйапельсинималенькийножиксперламутровойручкой.Тутжележитцветущаяветвь аквилегии. И если такая деталь, как гвоздика в руках Богоматери, имеет

символическийсмысл,тодругиепредметыпредставленынаполотнесединственнойцелью—украситькартину.

Многие голландские художники XV–XVI веков, стремясь сделать изображение болееубедительным, уделяли большое внимание вещам, окружавшим человека. Например,известныйголландскийживописецКвинтенМассейс(1465–1530),исполнившийв1514годусвоюзнаменитуюкартину«Меняласженой»(Лувр,Париж),тщательновыписалпредметы,разложенные на столе перед менялой и его супругой: маленькое зеркало, серебряныемонеты,молитвенниксяркимиминиатюрамиидругиевещи.

Подобные картины, героями которых были менялы и сборщики податей, широкораспространены и в творчестве последователей Массейса. Художник Маринус ванРеймерсвале (ок. 1493—ок. 1570), написавшийполотно «Сборщикиподатей» (Эрмитаж,Санкт-Петербург), акцентирует внимание не только на облике героев (мастер дает оченьточную характеристику персонажей), но и на вещах, лежащих на столе. Зритель видитмонеты,толстуюкнигу,вкоторойодинизсборщиковделаетзапись,ножипечать.Наполкестоят подсвечник с оплывшим огарком, коробка и разнообразные профессиональныеатрибуты.

М.ванРеймерсвале.«Сборщикиподатей»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

ХудожниккругаП.Артсена.«Рыбнаялавка»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Тем не менее подобные натюрморты в произведениях художников XV–XVI веков неиграют самостоятельной роли. Они подчинены бытовым сюжетам и служат в качестведополненийкизображениямчеловеческихфигур.

ВозникновениесобственнонатюрмортасвязаносименемПитераАртсена.Именноегобольшинство исследователей считают основоположником этого жанра. До появленияпроизведенийАртсенаможноговоритьлишьонарастаниичислапредметовврелигиозныхи бытовых композициях. В творчестве этого мастера, а также его более молодогосоотечественника Иоахима Бейкелара (ок. 1530 — ок. 1573) главное место занимаютизображения рыбных и мясных лавок, где акцент с человеческой фигуры перенесен наразнообразную снедь, разложенную на первом плане. Традиции натюрмортнойживописиАртсена получили развитие в искусстве фламандских художников, в частности Ф.Снейдерса. Интерес к теме лавок проявили и голландские живописцы, только ихкомпозиции кажутся более скромными по сравнению с роскошными и яркимипроизведениями Снейдерса. Таково полотно «Рыбная лавка», написанное кем-то изпоследователей или учеников Артсена. Зритель чувствует, что увлеченность передачейразложеннойнастолеснеди(даровморя,разнообразныховощейифруктов)возобладаланадстремлениемохарактеризоватьлюдей,занятыхвыборомпродуктов.

Мотив лавки нашел отражение и в творчестве голландскихмастеров натюрмортаXVIIвека. В эрмитажной коллекции хранится картина неизвестного художника, получившая

название«Торговецрыбой».Авторпоказываетзрителюдваплана,вкоторыходновременноразворачиваетсядействие.Фигурыпродавцаипокупательницыпредставленывозлестоласразложеннойснедью:овощами,крупнойимелкойрыбой,битойдичью.Асправа,вглубинекомпозиции, сквозь проемможноувидеть интерьер комнаты, где продолжается действие:хозяйка, вернувшаяся с продуктами из лавки, начала готовить обед. На столе лежит всекупленное ею. Стеныжилища украшены пейзажами.Хозяин дома, радостно встреченныйсобакой,входитвкомнату.Двапараллельныхпланакажутсянесвязаннымимеждусобой,даи передача перспективы для художника — пока еще трудная задача. В отличие отнатюрмортов XVI века «Рыбная лавка», исполненная мастером XVII столетия, лишенакрасочности,ееколориттяготееткединойтональности.

Неизвестный голландский художник XVII века. «Торговец рыбой». Фрагмент, 1630-е, Эрмитаж, Санкт-Петербург

Неизвестный голландский художник XVII века. «Торговец рыбой». Фрагмент, 1630-е, Эрмитаж, Санкт-Петербург

ТрадицииПитераАртсенабылиподхваченыдругимголландскиммастеромXVIIвека—Кристофелем Пейтлингом (1640 — после 1670). В свободной манере выполнена егокомпозиция«Поварустоласдичью»(Эрмитаж,Санкт-Петербург),гдебитаядичьнастоленаписанавгаммекоричневатыхоттенков.

УжевконцеXVIвекавтворчествеживописцевГолландиипоявилисьновыемотивы.Вакварельных композициях этого времени можно увидеть цветы, фрукты, ярких бабочек идругих насекомых. Красоту окружающего мира стремились передать в своих работах

представители так называемого научного натурализма, сформировавшегося к концу XVIстолетия. В их числе был голландский мастер Георгий Хуфнагель (1542–1600),прославившийсяиллюстрациямиксочинениямученых-естествоиспытателей.Прошливека,ипоегорисункам,необыкновенноточнопоказывавшимцветы,рыб,птиц, земноводныхимлекопитающих, натуралисты последующих поколений продолжали изучать строениеживотных и растений. Хуфнагель создавал лишь акварели, картин с мотивами цветов ифруктоввXVIвекеещенебыло.

ВXVIIвекевживописинатюрмортистовпоявилисьновыетемы.«Маленькийзавтрак»,«Закуска», «Накрытый стол», «Маленький банкет», «Букет цветов» — такие ласковые иблагозвучные названия давали голландские мастера своим картинам. Ни в одной другойстране на нашей планете живописцы не уделяли такого внимания изображениюнеодушевленного мира. Нигде, кроме Голландии, не пользовались такой популярностьюполотна,показывающиецветы,фрукты,овощи,посуду.

В художественной среде было множество специалистов, создававших именнонатюрморты, и во многом благодаря стараниям этих мастеров происходило дальнейшееразвитиереалистическойживописи.

Голландия XVII века, освободившаяся вместе с другими провинциями СеверныхНидерландовотиспанскоговладычества,занялаведущееместовкультурнойжизниЕвропы.Такому положению способствовало и то, что католическая церковь, прежде не дававшаявздохнуть населениюНидерландов, наконец отошла в сторону под напором кальвинизма,установкой которого было завоевание земных благ. Этот интерес к реальному мируспособствовалразвитиюмногихжанров,втомчислеинатюрморта.

Вперед двинулась и наука. Увлечение ввозимыми из других стран диковинами,экзотическимирастениями,птицами,животнымидалотолчоккразвитиюестествознания.ВГолландии, также как и вомногих европейских государствах, появились ботаническиесады,зоопарки.Началииздаватьсятрудыученых,иллюстрированныеатласы,посвященныемирурастений,животных,птиц,насекомых.

Голландская наука вышла на первое место в мире. Печатавшиеся в стране книгирасходилисьсредичитателеймногихевропейскихстран.ЧтобыпоступитьвЛейденскийидругиеуниверситеты,вГолландиюприезжалимолодыелюдисовсехконцовЕвропы.

Большоевниманиев странеуделялосьне толькоестественными точнымнаукам,ноиживописи, обращенной к окружающей действительности. На картинах голландскиххудожников, наряду с битой дичью и уснувшей рыбой, можно увидеть живых птиц,животных, насекомых.Именно потому название «stilleven», появившееся после 1650 года,точнее, чем выражение «nature morte» («мертвая природа»), отражает суть произведений,созданныхживописцамиГолландии.Значительноеместонаихполотнахзанимаютовощи,фрукты, а также предметы, созданные человеком: фарфор, стекло, металлическая посуда,разнообразнаядомашняяутварь.

Большую роль в формировании раннего голландского натюрморта сыграли такиехудожники, какАмброзиус Босхарт и Бальтазар ван дерАст, главными темами искусствакоторыхбылиплоды,цветы,насекомыеираковины.ВМидделбурге,гдежилиэтимастера,работал и Иоганнес Гударт, прославившийся не только как натюрмортист, но и какизвестный энтомолог. Свои исследования в данной области он представил в изданном в1666годутруде,сопровождаемом150авторскимирисункамирастений,насекомых,бабочек,показанныхвмоментихпревращений.

Основной мотив произведений голландских натюрмортистов — тихая жизнь вещей,цветов, спелыхплодов, скрашивающихсуществованиечеловека.К этимжетемамнередкообращались и художники, работавшие в бытовом жанре. В их картинах, так же как и внатюрмортах, отразились особое мироощущение, понимание ценности земной жизни,любовноеибережноеотношениекмирувещей.

Постепенно от натюрморта, попросту фиксирующего вещи, выставленные передзрителем, художники перешли к более тонкому пониманию предметов. Харлемскиеживописцы Питер Клас и Виллем Клас Хеда создавали скромные «завтраки» с простымнаборомнезамысловатыхпредметов.Этосвежиезолотистыебулочки,оловянныетарелкииблюда,стеклянныекувшиныибокалы,написанныевприглушеннойцветовойгамме.

П.деПюттер.«Рыбыикувшиннастоле»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Подобныепроизведения,атакже«кухонные»натюрмортыснесколькимирыбами,как,например,вкомпозицияхроттердамскиххудожниковПитерадеПюттераиВиллемаОрмеа,отражалипуританскиевкусыдемократическойпубликипервойполовиныXVIIвека.

Виллем Ормеа (впервые упоминается в 1638, умер в 1673) часто работал вместе сАдамом Виллартсом (1577–1664). Первый обычно изображал уловы рыбы, второй —морские пейзажи. Совместная работа художников была характерна для голландскойживописи XVII столетия. Известно, что картину «Рыбы на морском берегу» Виллартсу иОрмеа помогал создавать третий мастер— Хемскерк, вписавший в композицию фигурылюдей.Вероятно,поэтомучастикартиныкажутсянескольконесвязаннымимеждусобой.

ЗначительнуюрольвразвитииголландскогонатюрмортасыгралзнаменитыйпортретистФранс Халс, который в своем раннем творчестве уделял большое внимание предметномумиру,очемсвидетельствуютпрекрасныеизображенияяствнаегополотнах,выполненныхвпервойчетвертиXVIIстолетия.ПозднееХалсотошелотдетализациивпередачеокружения,направиввсесвоевниманиенахарактеристикучеловека.

В.ОрмеаиА.Виллартс.«Рыбынаморскомберегу»,1649,Эрмитаж,Санкт-Петербург

В традициях тонального натюрморта работал целый ряд амстердамских живописцев.Рембрандт,писавшийвраннийпериодсвоеготворчествакартинысизображениямиученых,

вводилвкомпозицииразнообразныеатрибуты—книги,глобусыит.п.ЖивявАмстердаме,великий голландский художник создал и несколько настоящих натюрмортов, ставшихобразцомдляегоучениковипоследователей.

«Завтраки»амстердамскихнатюрмортистовблизкикработаммастеровизХарлема,ноотличаютсяболеетеплойцветовойгаммой.Например,полотно«Завтрак»(Эрмитаж,Санкт-Петербург), выполненное Яном Янсом Треком (ок. 1606–1652), написано в единойтональности и очень похоже на картины Класа и Хеды, но его колорит тяготеет кзеленовато-серым тонам, в то время как последние старались использовать золотистые иоливковыеоттенки.

Тональные натюрморты писал и лейденский мастер Франциск Гейсбрехтс. Датырожденияисмертиегонеизвестны,даикартинсохранилосьнемного.Нодошедшиедонасработы,несмотрянакомпозиционнуюпростотуискромностьвещей,изображенныхнаних,поражаютсвоимизяществом.

Я.Я.Трек.«Завтрак»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Ф.Гейсбрехтс.«Натюрморт»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

А.ванОстадеиИ.ванОстаде.«Сарайсиграющимидетьми»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Таков «Натюрморт», хранящийся в коллекции Эрмитажа. На полотне зритель видитмножество предметов. Здесь сыр, булочка, фляга с вином, бутыль, большая рыба спереливающейся голубовато-серебристой чешуей, пучок зеленого лука, свисающий скувшина.Холоднаяцветоваягаммаичеткостьконтуров—вотглавныечертыживописнойманерыГейсбрехтса.

Особым видом натюрморта в искусстве Голландии стали картины с изображениеммясных туш. Такие произведения создавал на начальном этапе своего творческого путиРембрандт.Вэтомжанреработалиихарлемскиехудожники—братьяАдриан(1610–1685)и Изак (1621–1649) ван Остаде, написавшие полотно «Сарай с играющими детьми»(Эрмитаж,Санкт-Петербург).

В Роттердаме был разработан «кухонный» натюрморт, представляющий собойизображениевнутреннегопространствакрестьянскогодомаспредметамидомашнейутвари,разложенной на полу. Обычно художники помещали в композицию фигуру человека —хозяйки,одетойвскромноекрестьянскоеплатье.Новсевниманиенаправлялосьненанее,анавещи.Посуду(тазы,миски,бочки,деревянныекадки,горшки)мастеравыписывалиоченьтщательноисвеличайшиммастерством.Подобныепроизведениявыполнялиифламандскиеживописцы,вчастностиД.ТенирсиА.Броуве,нокартиныголландцевболееспокойныи

созерцательны. Кухонные натюрморты есть и в творчестве Ф. Рейкхалса, работавшего вМидделбурге и Дордрехте, а также в наследии роттердамского художника ХерманаСафтлевена Младшего (1609–1685). Среди работ последнего широко известно полотно«Внутренний вид крестьянской хижины» (1634, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Мастер неотступает от общепринятых традиций в трактовке образов и выделяет многочисленныепредметы крестьянской утвари. В том, как Сафтлевен передает освещение, чувствуетсявлияниеРембрандта.

Х.Сафтлевен.«Внутреннийвидкрестьянскойхижины».Фрагмент,1634,Эрмитаж,Санкт-Петербург

С дальнейшим укреплением голландской буржуазии изменяются требования кживописи. Простой, непритязательный натюрморт уступает место изображениям,поражающим роскошью представленных вещей и богатством красок. Прежде скромные«завтраки» превращаются в красочные картины, на которых зритель видит покрытыековровымискатертямистолысразложенныминанихдорогимипредметами.Здесьблюдаизделфтского фаянса, чаши из китайского фарфора, золотистые апельсины, нежно-желтыеперсики, покрытые росой виноградные кисти, прозрачные стеклянные бокалы с вином,блестящие золоченыекубки, отражающиев своей гладкойповерхностильющийсяизокнасвет. Такие нарядные натюрморты с большим мастерством выполняли Виллем Калф,АбрахамванБейерен,ХендрикванСтрек.

ВовторойполовинеXVIIстолетияогромнойпопулярностьюсталипользоватьсяпышныебукеты цветов, красота которых подчеркивалась блеском золоченых сосудов и белизнойфарфоровых блюд с разложенными на них спелыми плодами. Примерно в это же времяпоявились и первые охотничьи натюрморты с битой дичью. Подобные картинысвидетельствуют, что одним из главных развлечений богатых буржуа того времени былоаристократическое занятие — охота. Таким образом, развитие натюрморта напрямуюзависелоотизмененияжизненногоукладаивкусовобщества.

Почти в каждом крупном голландском городе появлялся свой тип натюрморта. Так, встремительно развивающемся Харлеме сформировался тональный натюрморт, а вАмстердаме, главном центре культурной и хозяйственной жизни страны, успехомпользовались «десерты» Ю. ван Стрека и В. Калфа, пришедшие на смену скромным«завтракам»П.КласаиВ.К.Хеды.ЖивущийнедалекоотСхевенингенскогопобережья,вГааге,А.ванБейеренобратилсякнатюрмортусрыбами.АвЛейдене, славящемсясвоимуниверситетом,сложилисьнатюрмортыvanitasспесочнымичасамиичерепом.Цельтакихкомпозиций — напомнить зрителю о бренности земного бытия, заставить задуматься освоемместевжизни.ИменновЛейденебылосозданомножествополотен,изображавшихученых в окружении книг, письменных принадлежностей, глобусов и других атрибутовнауки,нередкозанимавшихвсепространствопервогоплана.

Г.ванденЭкхаут.«Ученыйвкабинете»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

ПодобныепроизведенияписалиученикиРембрандта,ГерардДоуиГербрандтванденЭкхаут(1621–1674),показавшийнасвоемполотне«Ученыйвкабинете»(Эрмитаж,Санкт-Петербург)старика,расположившегосязаписьменнымстолом.Интереснокомпозиционноерешение этой картины. За отдернутой занавеской зритель видит маленькую комнату смножеством книг. Они лежат на столе, на полке и даже на полу. Свет из окна освещаетбольшой раскрытый фолиант, карту, висящую на стене, лицо ученого, в глазах котороговиднанапряженнаяработамысли.

Картину на сходную тему исполнил и харлемский мастер Томас Вейк. Нокомпозиционноерешениеегополотна«Ученыйвсвоемкабинете»несколькоиное.Фигуруученого художник отодвинул в глубь пространства. Весь первый план заполненразнообразными атрибутами профессии. Большие книги лежат на столе и на полу.Срединих—сосудыикувшины,черепи глобус.Свет, выхватывающийизполумракаотдельныепредметы, рождает впечатление хаоса, окружающего героя. Вещи, в беспорядкегромоздящиеся в кабинете, как будто противопоставлены человеку, спокойному ипогруженномувглубокуюзадумчивость.

Т.Вейк.«Ученыйвсвоемкабинете»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

ВовторойполовинеXVIIвекасвоимироскошными«десертами»прославилисьВиллемван Альст, Корнелис де Хем, Юриан ван Стрек. Живопись последнего напоминаетискусствоБарентавандерМера(1659—между1690и1702).ВтожевремявнекоторыхегокартинахощущаетсяивлияниеРембрандта.Таков«Десерт»(Эрмитаж,Санкт-Петербург)—немногословный, но очень изысканный, восхищающий своей иллюзионистическойубедительностью.

МногиеживописцывторойполовиныXVIIвеканеразобращалисьвсвоемтворчествекжанру цветочного натюрморта, а также к композициям с изображением насекомых. Воснове интереса к данным темам лежит образ жизни голландцев, которые на маленькихучасткахземли,отвоеванныхуморскойстихии,выращивалисамыеразнообразныерастения.Стремясь сделать свой быт более ярким и красочным, жители Голландии с любовьюухаживалив своих садах зацветамиифруктами.Развитие естествознания способствовалопоявлению ботанических садов при университетах. Так ученые и студентымогли изучатьрастительный мир, составлять гербарии, проводить опыты по скрещиванию различныхрастений.ЗначительнуюрольигралЛейденскийуниверситет.БотаникиЛейденасобиралиподходящий природный материал и исследовали его в лабораториях. В университетскихсадахвыводилиновыесортацветов,фруктов,пыталисьразводитьэкземпляры,привозимыеиз других стран. В то время в Лейдене жил известный французский ученый Шарль дел’Эклюз, выращивавший неизвестные в Голландии растения, за что его называли «отцомцветов».

Б.вандерМер.«Десерт»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Огромнойпопулярностьюуголландцевпользовалисьтюльпаны.Луковицыэтихцветовпопали в европейские страны из Турции в конце XVI столетия. В Лейдене тюльпанамизасадили обширные пространства, и энтузиасты начали экспериментировать, разводяразнообразные сорта этого цветка. За редкие разновидности платили порой огромныеденьги. В стране началась настоящая «тюльпанная лихорадка», погубившая не одноголюбителя(такразорилсяизвестныйголландскийпейзажистЯнванГойен).

СнеменьшимвниманиемжителиГолландииухаживали заплодовымидеревьями,для

которыхсоздавалисьоранжереи.ЦитрусовыеивиноградпривозилисьвстрануизколонийвВест—иОст-Индии.

Живописцы,какивсеостальныежителистраны,немоглиоставатьсяравнодушнымиккрасивым цветам и экзотическим фруктам. Очень часто они объединяли в своихкомпозициях плоды и растения, созревающие и цветущие в разное время. Порой, чтобызавершитьоднополотно,мастеруприходилосьждатьнесколькомесяцев.

О.М.ванСкрик.«Цветы,бабочкиизмеи»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

В это же время появился тип натюрморта, посвященный изображению насекомых,

рептилий,показанныхнафонелесаилиполяны,поросшейвысокойтравойикустарником.Очень часто в таких композициях на открытом воздухе были представлены самыеразнообразные твари, и среди них — привозимые в Голландию из других стран.Основоположником такой необычной разновидности натюрморта стал ОттоМарсеус ванСкрик (1619 или 1620–1678). Художник много путешествовал по Европе, побывал воФранции,Англии,Италии.ВернувшисьвАмстердам,онприобрелдомиксучасткомземли,где устроил террарий. Скрик поселил в нем различных пресмыкающихся и насекомых. Внаследии мастера есть множество этюдов и эскизов, посвященных змеям, ящерицам,бабочкам. Эти же мотивы вдохновили его и на создание живописных полотен. КартиныСкрикаоченьдинамичныиполныдвижения,онипоказываютто,чтообычныйчеловекнесможетзапростоувидетьвокругсебя.Таковополотно«Цветы,бабочкиизмеи»(Эрмитаж,Санкт-Петербург).

ПодобныетемывдохновлялииМатиасаВитхоза(ок.1627–1703),побывавшеговИталиивместесоСкриком.С1653годаонжилвАмстердаме,ав1672годупоселилсявХорне.Ноесли на картинах Скрика показаны яркие садовые цветы, то Витхоз предпочитает дикиеколючие растения, среди которых протекает таинственная жизнь зверей и насекомых(«Цветы, еж и лягушка», 1660,Эрмитаж,Санкт-Петербург).Художник тщательно и оченьвыразительно выписывает своих «героев». Красочное богатство композиций делает ихнеобыкновеннопритягательнымидлязрителей.

М.Витхоз.«Цветы,ежилягушка»,1660,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Цветочные мотивы привлекали голландских художников долгое время. Этаразновидность натюрморта, сформировавшись в первой половине XVII века в творчествеАмброзиуса Босхарта и Бальтазара ван дерАста, нашла свое завершение вживописиЯнаДавидса де Хема, Юстуса ван Хейсума и его сына Яна ван Хейсума — известнейшегомастерапозднегонатюрморта.

РоскошнымсадовымцветампосвятилмножествосвоихкартинАбрахамМиньон(1640–1679), немецкий живописец, работавший в Голландии, в Утрехте. В том, как составлены

цветочные букеты в композициях Миньона, чувствуется тонкий художественный вкус инеобыкновенноеколористическоемастерство(«Цветыввазе»,Эрмитаж,Санкт-Петербург).Декоративныеияркиеполотнасихэмалевойживописнойповерхностьювызываливосторгпублики. Современный исследователь Лоренц Боль, восхищенный умением художникавиртуознопередаватьнетолькорастенияиплоды,ноиживотных,насекомых,птиц,писал,что его картины — это «зрелище, в котором можно многое открыть». Таково полотно«Плоды» (Эрмитаж,Санкт-Петербург),изображающеецветы,овощи,фрукты, ягоды,птиц,бабочек, ящерицилягушек. Здесьжеможновидеть связку толькочтопойманнойрыбыиптичьегнездосбелеющимивнемяйцами.

Постепеннопростыемотивывголландскихнатюрмортахбылиокончательновытесненытакимитемами,какредкиецветыипривезенныеиздальнихстранплоды.

Творчество как А. Миньона, Я. Д. де Хема, Я. ван Хейсума, говорит о том, чтохудожникиобратилиськутонченнойтехнике,позволяющейзапечатлетьокружающиймирдекоративно и изысканно. Знакомые, обыденные образы природы отступили передэкзотикой и пышной яркостью. Тем удивительнее видеть картины Адрианса Коорте,работавшегос1685по1723годвМидделбургеиЗирикзе.Онписаллаконичныеискромныенатюрморты, отличающиеся мастерством исполнения («Горшок с земляникой», 1697,Эрмитаж,Санкт-Петербург).

А.Миньон.«Цветыввазе»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

А.Миньон.«Плоды»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Во второй половине XVII века широкое распространение в Голландии получили нетолько цветочные натюрморты, но и картины, показывающие битую дичь. На маленькихполотнахизображалисьмелкиептицы,набольших—принесенныесохотылебеди,зайцыидругие обитатели леса. Подобные темы диктовал художникам образ жизни буржуазии,излюбленным занятием которой по-прежнему оставалась охота. Средние слои населениядовольствовались мелкой дичью, пойманной с помощью силков. Богатые горожанепредпочиталиохотуназайца,акрупныеземлевладельцыстриумфомвезлидомойлебедейи

фазанов. Большой популярностью, особенно среди знатных дам, пользовалась соколинаяохота.Многиеголландскиенатюрмортистыстремилисьзапечатлетьвсвоихпроизведенияхкрасочныетрофеиудачливыхохотников.

В Амстердаме, Делфте и Харлеме мастера, специализировавшиеся на созданиинатюрмортовсохотничьимитрофеями,писалинебольшиекартины,изображавшиемелкуюдобычу. В Утрехте живописцы создавали крупноформатные полотна с битой дичью,представленной крупным планом. В этом городе получили распространение ипроизведения, показывающие целые птичьи дворы с живыми фазанами, павлинами идругимиэкзотическимиптицами,привезеннымивГолландиюпоморюиздалекихстран.

А.Коорте.«Горшоксземляникой»,1697,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Я.Фонк.«Натюрмортсбитойптицей»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Композиции с мелкой битой птицей писал Ян Фонк (ок. 1630— ок. 1660). В своем«Натюрмортесбитойптицей»(Эрмитаж,Санкт-Петербург)мастерпоказалнатемномфоненесколько крупных птиц, подвешенных за лапки, и мелких, разложенных на столе.Оживление в картину, выполненную в коричнево-серых оттенках, вносит пламенеющееоперениевисящейслевакуропаткиикраснаягрудкалежащегодрозда.

Похожие натюрморты создавал и Корнелис Лелиенберг (умер после 1676). На егонебольших полотнах, выполненных в коричнево-серой цветовой гамме, можно увидетьмертвых мелких птиц, разложенных на столе («Битая птица», 1672, Эрмитаж, Санкт-Петербург).ПозднееЛелиенбергобратилсякболеекрупнымдекоративнымкомпозициям,нотематикаегокартиносталасьпрежней.

Подобные мотивы привлекали и голландского художника, известного нам какМонограммист AL. О личности этого мастера ничего не известно. Возможно, онпринадлежал к кругу Лелиенберга. Очень интересна его картина «Битая птица в нише»,хранящаяся в Эрмитаже. Тонкая по колориту и великолепная по своему живописномумастерству,онаотличаетсянеобычнымкомпозиционнымрешением(битаяптицапомещенав нишу), помогающим автору создать некоторую иллюзию реальности. Выполненный вгамме теплых желто-коричневых оттенков, натюрморт оживлен ярко-красной ленточкой,охватывающейножкумертвойптички.

МонограммистAL.«Битаяптицавнише»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

И.Леманс.«Охотничийнатюрморт»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Иногда от таких иллюзорных композиций с охотничьими трофеями художникипереходиликсозданиюнатюрмортов-«обманок»,свосторгомвстречаемыхзрителями.Однаизподобныхработ—картина«Охотничийнатюрморт»изсобранияЭрмитажа,написаннаяИоганнесомЛемансом(ок.1633—ок.1687или1688).Зрительвидитразвешанныенастенепредметы, предназначенные для охоты. Тончайшие светотеневые переходы помогаютмастерупередатьобъемностьисделатьизображениеосязаемореальным.

Натюрморты с охотничьими трофеями писал также Фердинанд Боль (1616–1680).Работавший в технике гризайль, он достигал необыкновенной рельефности, делавшей егокартины очень убедительными.Нарядные натюрморты с битой дичью создавал иВиллемГау Фергюсон (ок. 1632 — после 1695), шотландский художник, живший в Гааге иАмстердаме.

Все эти мастера выполняли небольшие по размерам полотна. Крупноформатныедекоративные картины с изображением мертвых лебедей, зайцев, коз писали такиехудожники, как Я. Веникс и М. де Хондекутер. Основоположником этого жанра былживописецМатеус Блум, о котором известно лишь то, что между 1642 и 1659 годами онработалвАмстердаме.Мастерсоздавалнатюрморты,композициисохотничьимитрофеямии картины, изображавшие птичьи дворы. Произведений Блума сохранилось немного. Наполотнеизэрмитажногособрания«Битаядичь»(1653)зрительвидитпоказанныхкрупнымпланоммертвыхптиц.Вцентре—мертвыйлебедьвбелоснежномоперении.Композициявыполненаглавнымобразомвбелыхичерныхтонах.

В Утрехте и Амстердаме славой талантливого живописца пользовался Мельхиор деХондекутер. Его творчество, тяготеющее к эффектности и парадности, так же как иискусство Я. Веникса, завершало расцвет голландского натюрморта. Наступало XVIIIстолетие,иискусствоГолландиинеумолимоприближалоськсвоемуупадку.

Важноеместозанималнатюрмортивофламандскойживописи.Крупнейшиммастером,работавшимвэтомжанре,былФрансСнейдерс,учившийсяуПитераПауляРубенса.Хотясам Рубенс практически не писал натюрмортов, вещи играют в его композициях весьмазначительную роль. Глядя на полотно «Христос в домеМарфы иМарии» (Национальнаягалерея Ирландии, Дублин), зритель видит несколько разнообразных предметных групп:битые птицы, лежащие на полу; ветка с абрикосами, рядом с которой сидит маленькаяобезьянка; блюдо с виноградом у ног одной из женщин; плетеная корзинка со спелымифруктами и ягодами на столе, покрытом нарядной скатертью, и ваза с цветами. Рубенсоткровеннолюбуетсяяркимикрасочныммиромвещей,окружающихчеловека.

В годы своего ученичества Снейдерс писал цветы, фрукты, животных во многихкомпозицияхРубенса.Внихпредметывыступаюттакимижеравноправнымиэлементами,как и изображения людей и пейзажи. Возможно, Снейдерс приложил руку и крубенсовскому полотну «Христос в доме Марфы и Марии». В зрелые годы художниксоздавал великолепные декоративные натюрморты на больших холстах, показывающиеизобилиедаровприроды.

Многие натюрморты Снейдерса являются своего рода аллегориями. Иногда вкомпозициисизображением«лавок»мастервводитдеталижанровойсцены.Присутствиеживотныхичеловеческихфигурнаполняетнатюрмортыдинамикойипревращаеткартины«мертвойнатуры»впроизведения,воспевающиебесконечноеразнообразиеживогомира.

Интересквещам,окружающимчеловека,прослеживаетсяивитальянскойживописи.ВпортретахДж.Б.Морони,А.Бронзино,Л.Лоттопредмет,будьтокниги,глобус,циркуль,мандолина или флейта, имеет не только декоративное, но и символическое значение.ОднакопоявлениенатюрмортакакжанрасвязаносименемМикеланджелодаКараваджо,исполнившегов1596годусвоюзнаменитую«Корзинусфруктами» (ГалереяАмброзиана,Милан).

П.П.Рубенс.«ХристосвдомеМарфыиМарии»,НациональнаягалереяИрландии,Дублин

Я.Клементи.«Натюрморт»,ГМИИ,Москва

В XVII–XVIII веках в итальянском искусстве произошло обособление местныхживописных школ. В таком жанре, как натюрморт, сложились определенные темы,сформировалисьсвоиметодыиприемы.Художникиписаликомпозициисбукетамицветов,фруктами и овощами, мясными и овощными лавками, кухнями, битой дичью, морскимидарами. Создавались натюрморты с роскошными восточными коврами, изящнымифарфоровыми вазами, картины с атрибутами профессий ученого, музыканта, где главноеместо занимали книги, глобусы, колбы и реторты, нотные тетради, музыкальныеинструментыит.п.

Полотна, похожие на произведения голландцев, создавал итальянский мастер ЯкопоКлементи, прозванный Эмполи (1551–1640). Он специализировался в жанре натюрморта,показывающего разнообразную снедь. На его картине «Натюрморт» (ГММИ, Москва)зритель видит разнообразные овощи и фрукты, булочку, битую птицу, флягу с вином,глиняныйкувшинидругиепредметы,представленныенатемномфоне.

Широкое распространение научных знаний в конце XVII — начале XVIII векавдохновляло итальянских живописцев на создание натюрмортов с атрибутами науки.МладшийсоотечественникКлементи,художникКристофороМонари(1667–1720),написалполотно «Натюрморт с письменными принадлежностями», ныне хранящееся в собранииГосударственного музея изобразительных искусств им. А. С. Пушкина. На картинеизображена тесная группа предметов, расположенных на столе. Здесь книги, перья вчернильнице, перочинный нож, сложенное письмо, керамический сосуд и другие вещи,

рассказывающиеобинтересахизанятияхиххозяина.

К.Монари(Мунари).«Натюрмортсписьменнымипринадлежностями»,ГМИИ,Москва

Сформировавшиеся в Италии разновидности натюрмортного жанра вскоре быливосприняты живописными школами Испании, Франции, Германии. ВоздействиеитальянскогонатюрмортаощущаетсяивнекоторыхпроизведенияхмастеровГолландиииФландрии.

Мир вещей интересовал испанского художника Франсиско Сурбарана. Предметы, вкоторых заложен символический смысл, занимают важное место в его композицияхрелигиозной тематики.Художник создавал такжеи собственнонатюрморты, говорящие овосторженномотношениимастеракокружающемумиру.

Замечательное колористическое мастерство, тонкая передача материальной сущностипредмета, умелая светотеневая лепка объемов свойственны натюрмортам известногоиспанскогомастераАнтониодеПереды,испытавшеговлияниеискусстваДиегоВеласкеса.

ЗначительныйвкладвразвитиенемецкогонатюрмортавнесГеоргФлегель(1566–1638).В цветочных букетах, написанных этим художником, чувствуется влияние голландскихживописцев. На картинах Флегеля можно увидеть редкие сорта цветов, изящные сосуды,фрукты и ягоды в вазах, разнообразные овощи. Таково полотно «Натюрморт с цветами и

закуской» (Эрмитаж, Санкт-Петербург), заставляющее зрителя восхищаться красотойокружающегомира.Втожевремятакиедетали,какпесочныечасыибукетнежныхцветов,чья жизнь недолговечна, напоминают о бренности бытия и сближают картину снатюрмортамитипаvanitas.СовременемкомпозицииФлегелясталиболеелаконичнымиипростыми.Вегозрелыхработахобычнопоказановсегодва-трипредмета,междукоторымичувствуется органическая связь. С помощью локальных красочных пятен и светотеневыхпереходовхудожникдостигаеттакойобъемности,чтоизображениеприобретаетосязаемуюубедительность.Приемыиллюзорности,разработанныенемецкиммастером,вдальнейшембыли использованы живописцами XVIII столетия, увлекавшимися созданиемнатюрмортов-«обманок».

Г.Флегель.«Натюрмортсцветамиизакуской»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

В искусстве Франции расцвет натюрмортного жанра начался несколько позже, чем вГолландии,Фландрии,ИспаниииИталии,—вXVIIIстолетии.Французскомунатюрмортусвойственны такие качества, как декоративность, изящество, легкость красок. Многиемастера,работавшиевэтомжанре,испыталивлияниеголландскогонатюрморта.ОсобеннозаметноеговоздействиевкартинахсохотничьимитрофеямикистиЖана-БатистаУдрииФрансуаДепорта.Французские художники славились виртуозным владениемживописнойтехникой,умениемпередатьфактурулюбогопредмета:металлическогососуда,делфтского

фаянса,хрупкогостекла,пушистогомехаживотногоимягкогооперенияптицы.Ихкартиныпоражают утонченностью линий и подвижностью композиции. Но, несмотря намногочисленные достоинства французских натюрмортов, им, в отличие от произведенийголландцев,свойственныумозрительностьиотвлеченностьотреальнойдействительности.

В.фонВригт.«Битыеутки»,1851,ХудожественныймузейАтенеум,Хельсинки

Вэпохурококос егопышностьюи эффектностьютворил замечательныйфранцузскийхудожник Жан Батист Симеон Шарден, внесший огромный вклад в развитие не толькофранцузского, но и европейского натюрморта. Он сумел увидеть в простых,

непритязательныхмотивахочарованиеипоэзию.ИменноШарденпервымсумелпоказатьсвязь,котораясуществуетмеждучеловекомиокружающимегомиромвещей.Втовремявискусстве Франции доминировали мифологический и исторический жанры, и Шарден,хорошо знакомый с эстетическими убеждениями великого просветителя Д. Дидро, смогпротивопоставитьимтему,обращеннуюкжизниибытупростогочеловека.

В конце XVIII — начале XIX столетия натюрморт стал утрачивать свое прежнеезначение. В моду вошли «высокие» жанры, которые всячески пропагандировалисьакадемистами.Большойпопулярностьюпользовалисьантичныеиисторическиесюжеты.

А натюрморты ставились в академиях лишь как обучающий материал для молодыххудожников.

Большое внимание натюрморту уделяли финские живописцы. В этом жанре работалНилс Шилмарк, братья Вилхелм (1810–1887) и Фердинанд (1822–1906) фон Вригт. Вотличие от старшего брата Магнуса, посвятившего свое творчество главным образомпейзажу, Вилхелм и Фердинанд, помимо картин с изображением природы, писаливиртуозныекомпозиции,показывающиемирвещей.

Одно из наиболее известных произведений Вилхелма фон Вригта — натюрморт сохотничьимитрофеями«Битыеутки»(1851,ХудожественныймузейАтенеум,Хельсинки).

Художникоченьточнопередаетобъемыифактуруизображенныхнаполотнепредметов(блеск керамической миски и металлической кружки, отполированную временемдеревянную поверхность стола, шероховатость разделочной доски, мягкостьпереливающихсянасветуперьевуток).

Множество натюрмортов создал самый младший из трех братьев — Фердинанд фонВригт. Среди его лучших работ — «Натюрморт на швейном столике» (1868,Художественный музей Атенеум, Хельсинки). Полотно восхищает изяществом рисунка икрасочнымбогатством.Наплотнойпурпурнойскатертисчерныморнаментальнымузоромтесно скомпонованы предметы: книги, верхняя из которых украшена золотым тиснением,изящный несессер из коричневой кожи. Композицию завершает букет цветов — желтыеорхидеиироза.Цветы,возвышающиесянадостальнымивещами,какбудтопередаютмысльо том, что живая природа властвует над неодушевленным миром. Это произведениесвидетельствует не только о необыкновенной наблюдательности мастера и о еготрудолюбии, но и о стремлении опоэтизировать предметы, подчеркнуть их неразрывнуюсвязьсчеловеком.

В таком же ключе исполнены и другие натюрморты Фердинанда фон Вригта:«Натюрморт с мертвой птицей» (1867, Художественный музей Атенеум, Хельсинки) и«Натюрморт в ателье» (1868, Художественный музей Атенеум, Хельсинки), где силлюзионистской достоверностью показаны атрибуты профессии живописца и другиепредметы. Прекрасные натюрморты писали во второй половине XIX века и финскиехудожницыФанниКурбергиМарияВиик.

Интерес к натюрморту усилися в конце XIX — начале XX века, когда в Европепоявилось множество новых художественных направлений. Большое внимание вещам,окружающим человека, уделяли представители французского импрессионизма. Кнатюрмортам обращались Эдуард Мане, Огюст Ренуар, Клод Моне, Пьер Боннар.Постимпрессионисты также увлекались этим жанром. Множество натюрмортов можноувидеть в творческом наследии Винсента Ван Гога, Поля Гогена. Значительный вклад вразвитие европейского натюрморта внес Поль Сезанн, которого известные художники

считали своим учителем. Картины с изображением предметного мира, написанныеСезанном,сталиобразцомдлямногихевропейскихирусскихмастеров,работавшихвэтомжанре.

Ф.фонВригт.«Натюрмортнашвейномстолике»,1868,ХудожественныймузейАтенеум,Хельсинки

Ф.фонВригт.«Натюрмортвателье»,1868,ХудожественныймузейАтенеум,Хельсинки

Натюрморты занимали важное место и в живописи символиста Одилона Редона,фовистаАнриМатисса,кубистовХуанаГриса,ЖоржаБрака,ПаблоПикассо,приверженцаметафизического искусстваДжорджоМоранди.Мир вещей, искаженный и неожиданный,предстаетнакартинахсюрреалистаСальвадораДали.

В русском искусстве появление натюрморта связано с иконописью. Разнообразныепредметывходиливобщуюкомпозицию,аиногдастановилисьсамостоятельнойкартиной.Например, на обороте иконы Владимирской богоматери (XII век), хранящейся в

Третьяковской галерее, можно увидеть своеобразный «натюрморт», составленный изкультовыхвещей,—«Престолиорудиястрастей»,выполненныйнеизвестнымхудожникомкруга Андрея Рублева в начале XV столетия. Но в полном смысле назвать подобныеизображениянатюрмортомнельзя,таккакпредметы,представленныенаэтихкартинах,неимелисамостоятельногозначенияиигралирольрелигиозныхсимволов.Виконах,фресках,миниатюрах XVII века ощущается более значительный интерес художников к предметам.Мастератщательновыписываютформувещейиихособенности.Темнеменеевведениевкомпозицию каких-то элементов натюрморта по-прежнему определяется лишь сюжетом.Автор стремится показать зрителю ту обстановку, в которой происходят события. ВПредтеченской церкви Ярославля находится фреска «Пир Ирода», на которой можноувидеть огромный стол, заставленный тарелками, кубками, столовыми приборами иразнообразнойснедью.Этотнатюрмортнаписанещеоченьнеумело,мастернесоблюдаетзаконовперспективы,многиепредметылишеныобъемности.

С гораздо большим мастерством представил предметную группу художник СимонУшаков, автор иконы «Троица ветхозаветная» (XVII век). Иконописец стремится сточностьювоспроизвестиматериал,изкоторогосделаныблюда,кубки,кувшины,показатьузоры, покрывающие посуду. Даже аккуратные складки на скатерти переданы Ушаковымтщательно, любовно.Но в тоже времяпринципыиконописной системы (декоративность,плоскостная абстрактность, обилие золотых тонов) не позволяют мастеру до концаследоватьнатуре.

С.Ушаков.«Троицаветхозаветная»,1671,Русскиймузей,Санкт-Петербург

Появлению натюрморта как самостоятельного жанра в русском искусстве во многомспособствовалоразвитиепортретнойживописинарубежеXVII–XVIIIвеков.Отевропейскиххудожников, работавших в Оружейной палате, русские портретисты научились писать снатуры,или,какониговорили,«сживства».

В этом смысле интересен созданный неизвестным художником «Портрет Васикова»,выполненный в традицияхпарсуны.Мастер специально отодвинулфигурумодели к краюполотна, чтобы зрителю были хорошо видны предметы, разложенные на столе. Скореевсего, живописец намеренно выбрал такую композицию, ведь, если приглядеться кнатюрморту повнимательнее, можно заметить: художник показал вещи, которыехарактеризуютчеловека,страдающегопристрастиемкалкоголю.Наполотне—бочоноксвином, стопки, тарелка с соленым огурцом. Одни исследователи высказываютпредположение,чтонапортретеизображенподьячийАлексейВасильков,известныйсвоимпьянством,другиесчитают,чтоэтоодинизчленов«всешутейшегособора»ипредметынастоле—атрибутыодногоизвеселыхритуалов,придуманныхПетромI.

Неизвестныйхудожник.«ПортретВасикова»,началоXVIIIвека,Русскиймузей,Санкт-Петербург

Вещи, представленные на портретах XVIII века, помогали авторам характеризовать

модели.Известнаисторияотом,какПетр IпослалдворянинаИ.М.ГоловинавВенециюобучаться кораблестроительному делу. Вернувшись, Головин честно признался царю, чтоиз-за своей лени научился за границей «играть на басу», а больше ничего не узнал.ПетрприказалвсемназыватьнерадивогоученикаКняземБасаиповелелнаписатьегопортрет,накотором Головин был изображен в окружении различных музыкальных инструментов.Математическиеидругиеприборыточныхнаукхудожникпоказалсваленнымивотдалениикак ненужные человеку, главное призвание которого— «играть на басу». Современникирассказывали,чтоПетросталсяоченьдоволенвыполненнымпоегозаказупортретом.

Предметы-атрибутыживописцыпродолжаливключатьвпортретыивначалеXIXвека.Лишь в 1730–1740-х годах появились настоящие станковые натюрморты. Известны

именахудожников,работавшихвданномжанре:Г.Н.Теплов,Т.Ульянов,П.Г.Богомолов.Многие произведения анонимны. В настоящее время большая часть натюрмортов,созданных в XVIII веке, хранится в Эрмитаже, Останкинском дворце и музее в Кусково.Возникновениеподобныхпроизведенийбылосвязаносреформами,проводимымиПетромIвобластипросвещения.НатюрмортамивРоссиитоговременизанималисьтеживописцы,которыенемоглипроявитьсебявболеесложныхжанрах(историческом,пейзаже).Срединатюрмортистов было много женщин (в программах петровских художественно-ремесленных школ для девочек важное место отводилось урокам рисования). А такойталантливыймастернатюрморта,какТеплов(кстати,прекраснозарекомендовавшийсебяивдругихжанрах),вдальнейшемставшийстатс-секретаремЕкатериныII,работалдлясебя,аненазаказ.ОнписалпрезидентуАкадемиихудожеств:«Яникогдаживописцемнебывал,да и не чтился быть оным, но обучалсяживопиству для одноймоей забавыи почтения ксему художеству». Тем не менее Теплова, равно как и его товарища по школе ФеофанаПрокоповича Т. Ульянова, не раз приглашали к выполнению крупных государственныхзаказов.

Большой популярностью в XVIII столетии пользовался пришедший из Европы жанрнатюрморта-«обманки».Подобныепроизведенияврусскойживописипоказывалиполки скнигамииразличныепредметы,развешанныенадеревяннойстенке.Распространеныбылитакженатюрмортытипаvanitas(«суетасует»).

Натюрморты-«обманки» делались для того, чтобы ввести в заблуждение зрителя,заставитьегопринятьизображаемоезареальность.Подобныенатюрмортыневставлялисьвраму—онидолжныбыливыглядетькакможноболееестественными.

Чтобы у зрителя появилось желание дотронуться до предметов, представленных на«обманке»,художникиписалиполуопущенныезанавески,отогнутыеуголкилистовбумаги.Фрагменты надписей побуждали человека протянуть руку и отдернуть иллюзорнуюзанавеску, чтобы прочитать фразу целиком. Мастера умело использовали светотень,тщательно выписывали фактуру предметов на таких натюрмортах, стараясь сделать ихосязаемореальными.Спомощьюсветовыхбликовпередавалсяблескстекла,металла.

Большого мастерства в создании натюрмортов-«обманок» достигли Г. Н. Теплов и Т.Ульянов.Чащевсегоониизображалидощатуюстенку,накоторойбылипрорисованысучкиипрожилкидерева.Настенкахразвешаныили заткнутызаприбитыегвоздямитесемочкиразнообразные предметы: ножницы, гребешки, письма, книги, нотные тетради. На узкихполочкахрасставленычасы,чернильницы,флаконы,подсвечники,посудаидругиемелкиевещицы.Кажется,чтоподобныйнаборпредметовсовершеннослучаен,нонасамомделеэтодалеко не так. Глядя на такие натюрморты, можно догадаться об интересах художников,

занимавшихся музицированием, чтением, увлекавшихся искусством. Мастера любовно истарательно изображали дорогие им вещи. Эти картины трогают своей искренностью инепосредственностьювосприятиянатуры.

Многиенатюрморты-«обманки»,несмотрянаточтоихглавнойзадачейбыловведениезрителя в заблуждение, обладают несомненными художественными достоинствами,особеннозаметнымивмузеях,где,развешанныепостенам,такиекомпозиции,конечноже,не могут обмануть публику. Но есть здесь и исключения. Например, «Натюрморт скнигами», выполненныйП. Г. Богомоловым, вставлен в иллюзорный «книжныйшкаф», ипосетителинесразудогадываются,чтоэтовсеголишькартина.Оченьхорош«Натюрмортспопугаем» (1737)Г.Н.Теплова.Спомощьюясных, четких линий, переходящих вмягкие,плавные контуры, легких, прозрачных теней, тонких цветовых нюансов художникпоказываетразнообразныепредметы, развешанныенадощатой стене.Виртуознопереданадревесина, голубоватые, розовые, желтоватые оттенки которой помогают создать почтиреальноеощущениесвежегозапахатолькочтовыструганногодерева.

Г.Н.Теплов.«Натюрмортспопугаем»,1737,Государственныймузейкерамики,усадьбаКусково

Русскиенатюрморты-«обманки»XVIIIвекасвидетельствуютотом,чтохудожникиещенедостаточно умело передают пространство и объемы. Более важно для них показатьфактуру предметов, словно перенесенных на холст из реальной действительности. Вотличиеотголландскихнатюрмортов,гдевещи,поглощенныесветовойсредой,изображеныв единстве с ней, в картинах русских мастеров предметы, выписанные очень тщательно,дажемелочно,живуткакбысамипосебе,внезависимостиотокружающегопространства.

ВначалеXIXвекабольшуюрольвдальнейшемразвитиинатюрмортасыгралашколаА.

Г. Венецианова, выступавшего против строгого разграничения жанров и стремившегосянаучитьсвоихвоспитанниковцелостномувидениюнатуры.

Венециановская школа открыла новый для русского искусства жанр — интерьер.Художники показывали различные помещения дворянского дома: гостиные, спальни,кабинеты, кухни, классные комнаты, людские и т. п.В этих произведениях важноеместоотводилось изображению различных предметов, хотя сам по себе натюрморт почти неинтересовал представителей круга Венецианова (во всяком случае, сохранилось оченьнемного натюрмортов, выполненных учениками знаменитого живописца). Тем не менееВенецианов призывал своих воспитанников тщательно прорабатывать не только лица ифигурылюдей,ноиокружающиеихвещи.

Предмет в живописи Венецианова не является аксессуаром, он неразрывно связан состальными деталями картины и часто является ключом к пониманию образа.Например,подобнуюфункциювыполняютсерпывкартине«Жнецы»(втораяполовина1820-х,Русскиймузей, Санкт-Петербург). Вещи в венециановском искусстве кажутся вовлеченными внеспешнуюибезмятежнуюжизньперсонажей.

ХотяВенецианов,повсейвероятности,неписалсобственнонатюрмортов,онвключалэтот жанр в свою обучающую систему. Художник писал: «Неодушевленные вещи неподлежаттемразнообразнымизменениям,коисвойственныпредметамодушевленным,онистоят, держатся перед неопытным художником смирно, неподвижно и дают ему времяточнее и рассудительнее вникнуть, всмотреться в отношения одной части к другой как влиниях,таквсветеитенисамимцветом,коизависятотместа,занимаемогопредметами».

Конечно, натюрморт играл большую роль и в педагогической системе Академиихудожеств в XVIII–XIX столетиях (в учебных классах воспитанники делали копии снатюрмортов голландских мастеров), но именно Венецианов, призывавший молодыххудожниковобращатьсякнатуре,ввелвсвоюпрограммупервогогодаобучениянатюрморт,составленный из таких вещей, как гипсовые фигуры, посуда, подсвечники, разноцветныеленты, фрукты и цветы. Предметы для учебных натюрмортов Венецианов подбирал так,чтобы они были интересны начинающим живописцам, понятны по форме, красивы поцвету.

Г.В.Сорока.«КабинетвОстровках».Фрагмент,1844,Русскиймузей,Санкт-Петербург

Вкартинах,созданныхталантливымиученикамиВенецианова,вещипереданыправдивоисвежо.ТаковынатюрмортыК.Зеленцова,П.Е.Корнилова.В творчествевенециановцевесть и работы, которые по своей сути не являются натюрмортами, но тем не менее рольвещей в них огромна. Можно назвать, например, полотна «Кабинет в Островках» и«Отражение в зеркале» Г. В. Сороки, хранящиеся в собрании Русского музея в Санкт-Петербурге. Натюрморты в этих произведениях выступают не самостоятельно, а каксвоеобразно скомпонованные мастером части интерьера, соответствующие общему

композиционномуиэмоциональномустроюкартины.Главнымсвязующимэлементомздесьявляетсясвет,мягкопереходящийотодногопредметакдругому.

Глядя на полотна, понимаешь, насколько интересен окружающий мир художнику,любовноизобразившемукаждыйпредмет,каждуюсамуюмелкуювещицу.

Натюрморт, представленный в «Кабинете в Островках», хотя и занимает небольшоеместовобщейкомпозиции,кажетсянеобыкновеннозначительным,выделеннымблагодарятому,чтоавторотгородилегоотостальногопространствавысокойспинкойдивана,аслеваи справа обрезал рамой. Кажется, что Сорока настолько увлекся лежащими на столепредметами, что почти забыл об остальных деталях картины.Мастер тщательно выписалвсе: гусиное перо, карандашик, циркуль, транспортир, перочинный ножик, счеты, листыбумаги,свечувподсвечнике.Точказрениясверхупозволяетрассмотретьвсевещи,ниоднаизнихнезагораживаетдругой.Такиеатрибуты,какчереп,часы,атакжесимволы«земнойсуеты» (статуэтка, бумаги, счеты), позволяют некоторым исследователям причислитьнатюрмортктипуvanitas,хотятакоесовпадениечистослучайно,скореевсего,крепостнойхудожниквоспользовалсятем,чтолежалонастолеегохозяина.

Известным мастером предметных композиций первой половины XIX столетия былхудожникИ.Ф.Хруцкий,написавшиймножествопрекрасныхкартинвдухе голландскогонатюрморта XVII века. Среди самых лучших его работ — «Цветы и плоды» (1836,Третьяковская галерея, Москва), «Портрет жены с цветами и фруктами» (1838,Художественный музей Белоруссии, Минск), «Натюрморт» (1839, Музей Академиихудожеств,Санкт-Петербург).

В первой половине XIX века в России большой популярностью пользовался«ботанический натюрморт», пришедший к нам из Западной Европы. Во Франции в этовремя выходили сочинения ботаников с прекрасными иллюстрациями. Большуюизвестность во многих европейских странах получил художник П. Ж. Редуте, которыйсчитался «самым прославленным живописцем цветов своего времени». «Ботаническийрисунок»былзначительнымявлениемнетолькодлянауки,ноидляискусстваикультуры.Подобные рисунки преподносились в подарок, украшали альбомы, что таким образомставилоихводинрядсдругимипроизведениямиживописииграфики.

И.Ф.Хруцкий.«Цветыиплоды»,1836,Третьяковскаягалерея,Москва

ВовторойполовинеXIXвекабольшоевниманиеизображениюпредметовуделялП.А.Федотов.Хотяоннеписалсобственнонатюрмортов,мирвещей,созданныйим,восхищаетсвоейкрасотойиправдивостью.

Предметы в произведениях Федотова неотделимы от жизни людей, они принимаютсамоенепосредственноеучастиевдраматическихсобытиях,изображенныххудожником.

Глядя на картину «Свежий кавалер» («Утро после пирушки», 1846), поражаешьсяобилиюпредметов,тщательновыписанныхмастером.Настоящийнатюрморт,удивляющийсвоей немногословностью, представлен на знаменитой картине Федотова «Сватовствомайора» (1848).Осязаемореальнопередано стекло:фужерына высокихножках, бутылка,графин.Тончайшееипрозрачное,онокакбудтоиздаетнежныйхрустальныйзвон.

Федотов не отделяет предметы от интерьера, поэтому вещи показаны не толькодостоверно, но и живописно тонко. Каждый самый обычный или не слишкомпривлекательный предмет, занимающий свое место в общем пространстве, кажетсяудивительнымикрасивым.

П.А.Федотов.«Утропослепирушки,илиСвежийкавалер»,1846,Третьяковскаягалерея,Москва

ХотяФедотовнеписалнатюрмортов,онпроявлялнесомненныйинтерескэтомужанру.Чутьеподсказывалоему,какрасположитьтотилиинойпредмет,скакойточкизренияегопредставить, какие вещи будут выглядеть рядом не только логически обоснованно, но ивыразительно.

Мирвещей,помогающийпоказыватьжизньчеловека во всех еепроявлениях,наделяетпроизведения Федотова особой музыкальностью. Таковы картины «Анкор, еще анкор»(1851–1852),«Вдовушка»(1852)имногиедругие.

Во второй половине XIX века жанр натюрморта практически перестал интересоватьхудожников, хотя многие жанристы охотно включали элементы натюрморта в своикомпозиции. Большое значение приобретают вещи в картинах В. Г. Перова («Чаепитие вМытищах», 1862, Третьяковская галерея, Москва), Л. И. Соломаткина («Славильщики-городовые»,1846,Государственныйисторическиймузей,Москва).

НатюрмортыпредставленывжанровыхсценахА.Л.Юшанова(«Проводыначальника»,1864),М. К. Клодта («Больной музыкант», 1855), В. И. Якоби («Разносчик», 1858), А. И.Корзухина («Перед исповедью», 1877; «В монастырской гостинице», 1882), К. Е.Маковского(«Алексеич»,1882).ВсеэтиполотнанынехранятсявсобранииТретьяковскойгалереи.

В 1870–1880-х годах ведущим жанром в русской живописи оставался бытовой, хотяпейзажипортреттакжезанималиважноеместо.Огромнуюрольдлядальнейшегоразвитиярусскогоискусствасыгралипередвижники, стремившиесяпоказатьв своихпроизведенияхправдужизни.Художникисталипридаватьбольшоезначениеработеснатурыипотомувсечаще обращались к пейзажу и натюрморту, хотя многие из них считали последнийнапрасной тратой времени, бессмысленным увлечением формой, лишенной внутреннегосодержания. Так, И. Н. Крамской упоминал об известном французском живописце, непренебрегавшемнатюрмортами, в письме кВ.М.Васнецову: «Не станетже талантливыйчеловек тратить время на изображение, положим, тазов, рыб и пр. Это хорошо делатьлюдям,имеющимужевсе,аунасделанепочатыйугол».

К.Е.Маковский.«Алексеич»,1882,Третьяковскаягалерея,Москва

Темнеменеемногиерусскиехудожники,неписавшиенатюрмортов,восхищалисьими,глядянаполотназападныхмастеров.Например,В.Д.Поленов,находившийсявоФранции,писалИ.Н.Крамскому:«Посмотришь,кактутделоидет,словнопомаслу,работаеткаждыйв своем роде, в самых различных направлениях, что кому по душе, и все это ценится иоплачивается.Унас главнымобразом значениеимеет, что сделано, а тут—как сделано.Например, за медный таз с двумя рыбами платят по двадцати тысяч франков, да еще впридачусчитаютсегомедныхделмастерапервымживописцем,и,пожалуй,небезрезону».

Побывавшийв1883 годуна выставке вПарижеВ.И.Суриковвосторгалсяпейзажами,натюрмортами и картинами с изображением цветов. Он писал: «Хороши рыбы Гиберта.Рыбьясклизьпереданамастерски,колоритно,тонвтонзамешивал».ЕстьвегописьмекП.М.Третьяковуитакиеслова:«АрыбыЖильберта—чудочтотакое.Нусовсемврукивзятьможно,дообмананаписано».

И Поленов, и Суриков могли бы стать прекрасными мастерами натюрморта, о чемсвидетельствуютвиртуознонаписанныепредметывихкомпозициях(«Больная»Поленова,«МеншиковвБерезове»Сурикова).

Большая часть натюрмортов, созданных известными русскими художниками в 1870–1880-х годах, представляет собой произведения этюдного характера, показывающиестремлениеавторовпередатьособенностивещей.Некоторыеподобныеработыизображаютнеобычные, редкие предметы (например, этюд с натюрмортом для картиныИ. Е. Репина«Запорожцы пишут письмо турецкому султану», 1891). Самостоятельного значения такиепроизведениянеимели.

ИнтереснынатюрмортыА.Д.Литовченко,выполненныекакподготовительныеэтюдыкбольшому полотну «Иван Грозный показывает свои сокровища послу Горсею» (1875,Русскиймузей,Санкт-Петербург).Художник показал роскошные ткани из парчи, оружие,инкрустированное драгоценными камнями, золотые и серебряные изделия, хранящиеся вцарскихсокровищницах.

Более редкими в то время были этюдные натюрморты, представляющие обычныебытовые предметы. Такие произведения создавались с целью изучения строения вещей, атакжеявлялисобойрезультатупражнениявживописнойтехнике.

В.Д.Поленов.«Больная»,1886,Третьяковскаягалерея,Москва

Важную роль натюрморт играл не только в жанровой, но и в портретной живописи.Например,вкартинеИ.Н.Крамского«Некрасоввпериод„Последнихпесен“»(1877–1878,Третьяковская галерея, Москва) предметы выполняют функцию аксессуаров. С. Н.Гольдштейн,занимавшийсяисследованиемтворчестваКрамского,пишет:«Впоискахобщейкомпозиции произведения он стремится к тому, чтобы воссоздаваемый им интерьер,несмотря на его собственно бытовой характер, способствовал прежде всего осознаниюдуховного облика поэта, неувядаемого значения его поэзии. И действительно, отдельныеаксессуарыэтогоинтерьера—тома«Современника»,беспорядочноуложенныенастоликеу постели больного, лист бумаги и карандаш в его ослабевших руках, бюст Белинского,висящий на стене портрет Добролюбова — приобрели в этом произведении значениеотнюдьневнешнихпризнаковситуации,нореликвий,тесносвязанныхсобразомчеловека».

Среди немногочисленных натюрмортов передвижников главное место занимают«букеты».Интересен«Букет»В.Д.Поленова(1880,Музей-усадьбаАбрамцево),поманереисполнения немного напоминающий натюрморты И. Е. Репина. Непритязательный посвоему мотиву (мелкие полевые цветы в простой стеклянной вазе), он тем не менеевосхищаетсвоейсвободнойживописью.Вовторойполовине1880-хгодовпохожиебукетыпоявятсявживописиИ.И.Левитана.

По-иному демонстрирует зрителю цветы И. Н. Крамской. Многие исследователиполагают, что две картины — «Букет цветов. Флоксы» (1884, Третьяковская галерея,Москва)и«Розы»(1884,собраниеР.К.Викторовой,Москва)—былисозданымастеромвовремяработынадполотном«Неутешноегоре».

Два«букета»КрамскойпродемонстрировалнаXIIПередвижнойвыставке.Эффектные,яркиекомпозиции,изображающиесадовыецветынатемномфоне,нашлипокупателейещедо открытия выставки. Обладателями этих произведений стали барон Г. О. Гинцбург иимператрица.

НаIXПередвижнойвыставке1881–1882годоввниманиепубликипривлеклакартинаК.Е.Маковского, названая в каталоге «Naturemorte» (теперьонанаходится вТретьяковскойгалерееподназванием«Вмастерскойхудожника»).

На большом полотне изображены лежащая на ковре огромная собака и ребенок,тянущийся из кресла к фруктам на столе. Но эти фигуры— всего лишь детали, нужныеавторудля того, чтобыоживитьнатюрморт—множествороскошныхвещейвмастерскойхудожника.Написанная в традицияхфламандскогоискусства, картинаМаковского темнеменеене трогаетдушу зрителя.Художник,увлекшийсяпередачейкрасотыдорогихвещей,не сумел показать их индивидуальность и создал произведение, главная цель которого—демонстрациябогатстваироскоши.

Все предметы на картине словно собраны для того, чтобы поразить зрителя своимвеликолепием.На столе лежит традиционныйдлянатюрмортанаборфруктов—крупныеяблоки, груши и виноград на большом красивом блюде. Здесь же большая серебрянаякружка,украшеннаяорнаментом.Рядомстоитбело-синийфаянсовыйсосуд,возлекоторогорасполагаетсябогатоукрашенноестаринноеоружие.Отом,чтоэтомастерскаяхудожника,напоминаюткисти,помещенныевширокийкувшиннаполу.Узолоченогокресла—шпагав роскошных ножнах. Пол устилает ковер с ярким орнаментом. Украшением служат идорогие ткани— парча, отороченная густым мехом, и бархат, из которого сшит занавес.

Колорит полотна выдержан в насыщенных оттенках с преобладанием алого, голубого,золотистого.

Из всего вышесказанного ясно, что во второй половине XIX столетия натюрморт неиграл существенной роли в русской живописи. Он был распространен лишь как этюд ккартине или учебная штудия. Многие художники, исполнявшие натюрморты в рамкахакадемической программы, в самостоятельном творчестве больше к этому жанру невозвращались.Натюрмортыписаливосновномнепрофессионалы, создававшие акварели сцветами,ягодами,фруктами,грибами.Крупныемастеранесчиталинатюрмортдостойнымвнимания и использовали предметы только для того, чтобы убедительно показатьобстановкуиукраситьизображение.

Первые зачатки нового натюрморта можно обнаружить в живописи художников,работавших на рубежеXIX–XX столетий: И. И. Левитана, И. Э. Грабаря, В. Э. Борисова-Мусатова, М. Ф. Ларионова, К. А. Коровина. Именно в то время в русском искусственатюрморт появился как самостоятельный жанр. Но это был весьма своеобразныйнатюрморт, понимаемыйхудожниками, работавшимивимпрессионистическойманере, некакобычнаязамкнутаяпредметнаякомпозиция.Мастераизображалидеталинатюрмортавпейзаже или интерьере, и им была важна не столько жизнь вещей, сколько самопространство, световая дымка, растворяющая очертания предметов. Большой интереспредставляюттакжеграфическиенатюрмортыМ.А.Врубеля,отличающиесянеповторимойсамобытностью.

В начале XX века большую роль в развитии русского натюрморта сыграли такиехудожники, как А. Я. Головин, С. Ю. Судейкин, А. Ф. Гауш, Б. И. Анисфельд, И. С.Школьник.НовоеслововэтомжанресказалиН.Н.Сапунов,создавшийцелыйрядкартин-панносбукетамицветов.

В 1900-х годах к натюрморту обратилось множество художников самых разныхнаправлений.Срединихбылит.н.московскиесезаннисты,символисты(П.В.Кузнецов,К.С. Петров-Водкин) и др. Важное место предметные композиции занимали в творчестветаких известных мастеров, как М. Ф. Ларионов, Н. С. Гончарова, А. В. Лентулов, Р. Р.Фальк, П. П. Кончаловский, А. В. Шевченко, Д. П. Штеренберг, сделавшие натюрмортполноправнымсредидругихжанровврусскойживописиXXвека.

НатюрмортвевропейскойживописиXVI–XVIIIвеков

ПитерАртсен

(ок.1508–1575)Питера Артсена совершенно справедливо называют родоначальником натюрморта в

нидерландской живописи. Именно его религиозные и бытовые композиции, в которыхпредметы окружения выполняют особую функцию, положили начало новому дляевропейскогоискусстважанру.ВкартинахАртсена,изображающихмясныеирыбныелавки,внимание направлено не на человеческие фигуры, а на размещенные на первом планепредметыдомашнегообиходаиснедь.

Нидерландский живописец Питер Артсен родился в Амстердаме. Его учителем быламстердамскийхудожникА.Клас.С1527по1555годАртсенжилиработалвАнтверпене,гдеполучилзваниемастера,ав1557годуонобосновалсявАмстердаме.

Главные герои полотен Артсена — простые торговцы, крестьяне, кухарки и слуги,изображенныевокружениидомашнегоинтерьераипредметовобихода.Натюрмортвэтихкомпозициях играет весьма значительную роль. Вещи у Артсена не только повествуют озанятияхизображенныхлюдей,ноиимеюти самостоятельное значение («Мяснаялавка»,1551,ХудожественноесобраниеуниверситетаУпсала,Швеция;«Натюрморт»,1552,Музейисторииискусства,Вена).

П.Артсен.«Натюрморт»,1552,Музейисторииискусства,Вена

ОсобенноинтересныкартиныАртсена,накоторыххудожникпредставляетоднуилидвекрупномасштабные человеческие фигуры («Крестьяне на рынке», 1550-е, Музей историиискусства, Вена; «Кухарка», 1559, Королевский музей изящных искусств, Брюссель;«Торговец дичью», Эрмитаж, Санкт-Петербург). Изображенные в несколько театральныхпозах, они в первую очередь привлекают внимание зрителя. От персонажей его взглядпереходиткнатюрморту.ИногданаполотнахАртсенапредметыбыта,битаяптица,овощиифруктынастолькоприближеныкпервомуплану,чтозаслоняютсобоймаленькиефигуркиучастниковрелигиозныхсцен,разворачивающихсявглубинепространства.Таковыкартины«Кухня со сценой бегства в Египет» (1551, Художественное собрание университета,Упсала), «Натюрморт со сценой Христа в доме Марфы и Марии» (1552, Музей историиискусства, Вена), «Христос в домеМарфы иМарии» (1559,Музей старинного искусства,Брюссель),гдепредметы,составляющиенатюрморт,обладаютсимволико-нравоучительнымподтекстом.

Многие картины Артсена, в которых традиции старого нидерландского искусствасочетаются с элементами итальянского маньеризма (несоответствие пропорций иукрупненность человеческихфигур, предельная эмоциональная выразительностьжестов ипоз),свидетельствуютобинтересехудожникакживописиИталии.

БытовыекомпозицииинатюрмортыАртсенаоказалиогромноевлияниенадальнейшееразвитиеэтихжанровнетольковнидерландском,ноивевропейскомискусствеXVI–XVIIстолетий.

БальтазарвандерАст

(1593/1594-1657)Вместе с Амброзиусом Босхартом Бальтазар ван дер Аст стал одним из

основоположников совершенноновыхдля своего времени картин с изображениемцветов,фруктов, причудливых раковин, бабочек и других насекомых. Яркие, нарядные полотнаАста, заполненныекрасивымипредметами,пользовалисьбольшимуспехому голландскойпублики.

Голландский живописец Бальтазар ван дер Аст родился в Мидделбурге. Впятнадцатилетнемвозрастеонпотерялродителей,иеговоспитаниемзанялсяродственник,художникАмброзиусБосхарт,ставшийдляюношиучителемживописи.

ОднаизнаиболеезначительныхработАста—картина«Натюрмортсфруктами»(конец1620-х, Эрмитаж, Санкт-Петербург), написанная в период его творческого расцвета.Художник помещает на первый план композиции разнообразныефрукты и цветы, словностараясь приблизить зрителя к этому великолепию, рожденному природой. Здесь гроздьявинограда, спелые яблоки и груши, абрикосы, сливы, смородина. Слева в изящноймаленькойвазестоятцветы,средикоторыхкрупныерозы,тюльпаны,гвоздики,маленькиеанютиныглазкииландыши.

Вокруг плодов и цветов все живет и двигается. Летают бабочки и стрекозы, скачуткузнечики. Два больших попугая примостились на перевернутой корзине. Аст непренебрегает даже самой мелкой деталью картины. И цветы, и фрукты, и насекомых онпишет одинаково тщательно и добросовестно. Маленькая мушка, сидящая на одном изяблок, кажется настолько натуральной, что у зрителя возникает желание согнать ее.Необычныйвидкартинепридаютраковины,разнообразныепоформеиокраске.Локальныецветаделаютизображениеяркими,радостным.

Б.вандерАст.«Натюрмортсфруктами».Фрагмент,конец1620-х,Эрмитаж,Санкт-Петербург

В «Натюрморте с фруктами» отсутствует глубина. Художник старается заполнить какможно большее пространство первого плана, как будто желая показать еще несколькокрасивыхбабочек.

Необычные раковины и экзотические птицы не раз появляются в натюрмортах Аста.Кисти этого художника принадлежит картина «Попугай на раковине» (Эрмитаж, Санкт-Петербург),авторствокоторойисследователидолгоевремянемоглиопределить.

Б.вандерАст.«Попугайнараковине»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Разработанная в ранний период творчества первоплановая композиция использоваласьАстомнапротяжениивсейегожизни,очемсвидетельствуетполотно«Тарелкасплодамиираковины»(1630,Эрмитаж,Санкт-Петербург),написанноеужезрелымхудожником.Вэтомнатюрморте мастер также не распространяет изображение вглубь, показывая на первомпланеразложенные,словнонавыставке,разнообразныераковины,междукоторымибегаетюркая ящерка. На краю стола сидит бабочка, словно прилетевшая полюбоватьсявеликолепным зрелищем. За рядом раковин стоит фаянсовая тарелка с бело-голубым

орнаментом, заполненная виноградом, яблоками, персиками, абрикосами. Здесь же иобычныйперсонаж картинАста—маленькийпопугай.От более раннего «Натюрморта сфруктами»картина«Тарелкасплодамиираковины»отличаетсяприглушеннымколоритом.Раковиныисполненывжелтовато-перламутровыхтонах,фрукты—вжелто-лиловых.Яркимпятномвыделяютсялишькрасныевишни.

ПочтикаждуюсвоюзначительнуюкартинуАстписалвтечениенесколькихлет.Сначалаон делал общий набросок, а затем постепенно заполнял полотно цветами и фруктами,которые расцветали и созревали в разное время. Для каждой детали было заранееприготовленоопределенноеместонахолсте.КакимногиедругиеживописцыГолландии,Аст использовал для своих натюрмортов редкие сорта цветов и плодов, выращиваемых всадахэтойстраны.Поэтомунакартинахголландскихмастеровпочтиневозможноувидетьпростые полевые цветы. Особой популярностью в среде художников пользовалисьэкзотическиераковины,привезенныеиздальнихкраев,итюльпаны.

ПитерКлас

(ок.1597–1661)В натюрмортах Питера Класа ощущается восхищение красотой материального мира.

Художниктщательноизучалнатуру, стремясьпроникнутьв ее сущность.Ив тожевремямногие предметы на его полотнах (раковина, горящая свеча в подсвечнике, лежащий настоле цветок, остановившиеся часы) приобретают значение символов, главный смыслкоторых—бренностьчеловеческогосуществованиянаЗемле.

ГолландскийживописецПитерКласродился вБургштейне (Вестфалия).ЕгоучителембылФлорисванДейк.С1617годахудожникжилиработалвХарлеме.

С появлением на художественной арене ГолландииПитера Класа в искусство пришлановая разновидность натюрморта — «завтраки», отличающиеся особым подборомпредметов и своеобразной их трактовкой. «Завтракам» не свойственна роскошь ивеликолепие, нет в них обилия снеди, и тем не менее этот тип натюрморта оказался вГолландииXVIIстолетиянеобыкновеннопопулярным.Обычныедеталитакихкомпозиций— окорок, молочник со сливками, булочка на блестящем металлическом блюде,полуочищенныйлимонсзакручивающейсякожурой.Всепредметырасполагаютсянастоле,покрытом белой скатертью. Важным дополнением к этим наборам являются стеклянныебокалы с вином. Световые блики, играющие на поверхности стекла, делают картиныосязаемореальными.

Уже в раннем творчестве Класа проявился его необыкновенный талант живописца. Сбольшим вкусом художник выбирает предметы для своих произведений. Очень удачно ирасположение всех деталей каждой картины. Таково полотно «Трубки и жаровня» (1636,Эрмитаж,Санкт-Петербург).Егокомпозицияоченьпростаилаконична.Авторпоказываетзрителю всего лишь несколько предметов (пучок соломы, трубки, жаровню с углями,кувшинибокалсвином),ноделаетонэтопростовиртуозно.

П.Клас.«Трубкиижаровня»,1636,Эрмитаж,Санкт-Петербург

П.Клас.«Завтраксветчиной»,1647,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Оченьхорошнегромкийколорит«Трубкиижаровни»,выдержанныйвоттенкахсерого.Тонкиецветовыеисветотеневыепереходызаставляютсверкатьдажеугливжаровне.

Чаще всего Клас выстраивает композицию своих натюрмортов на овальных формахпредметов.Округлые контурыблюд, бокалови сосудовпересекаются, и ихплавныйритмпридаетизображениюгармониюицелостность.Таковакартина«Завтрак»(1644,Эрмитаж,Санкт-Петербург), где центр смещен вправо, к большому бокалу, на прозрачных стенкахкоторогоиграютяркиеблики.

Класнетолькоумелоиспользуетцветисвет,ноиточнораспределяетобъемыилинии.Предметы, объединенные общей тональностью, оживленные искрящимся светом,составляют единоецелое («Завтрак», 1642, ГМИИ,Москва; «Натюрморт», 1643,Институтискусств, Миннеаполис; «Завтрак», 1647, Маурицхёйс, Гаага; «Натюрморт», 1647, Музейизобразительных искусств, Будапешт; «Натюрморт с сосудами для питья», 1649,Национальнаягалерея,Лондон).

П.Клас.«Опрокинутыйкувшинидругиепредметынаскатерти»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Замечательное колористическое мастерство Класа проявилось в картине «Завтрак светчиной»(1647,Эрмитаж,Санкт-Петербург).Натюрмортисполненвжелтоватыхоттенках,но взгляд зрителя притягивает золотистая корка булочки на металлической тарелке ирозоваяветчина,лежащаянаблюдевцентрестола.Изображениеоживляютсветовыебликинапрозрачныхстенкахстеклянногобокаласвиномисверкающиеоловянныетарелки.

СовременемнатюрмортыКласастановятсявсеболеесовершеннымивпланеживописии свободными по композиционному строю. Особенно интересна картина «Опрокинутый

кувшинидругиепредметынаскатерти»(Эрмитаж,Санкт-Петербург).Пустойопрокинутыйкувшинявляетсяосновойкомпозиции,выстроеннойподиагонали.

П.Клас.«Завтраксрыбой»,1653,Эрмитаж,Санкт-Петербург

В 1653 году был написан «Завтрак с рыбой» (Эрмитаж, Санкт-Петербург),отличающийся от других картин Класа своим вытянутым по вертикали форматом.Впечатлениеуходящеговверхпространстваподчеркиваетрасположенныйвцентреполотнавысокийстеклянныйфужер.

Вэтомпроизведениихудожникпроявилсебянастоящиммастеромтональнойживописи.

Удачно сгруппировав на столе предметы, Клас показал живой блеск металлическойпосуды, сверкание стекла. Особую выразительность натюрморту придает красныйтональныйакцентвцентрекомпозиции—вино,налитоевузкийбокал.

ВиллемКласХеда

(1594–1680/1682)ВначалесвоеготворческогопутиВиллемКласХедаписалкомпозициинарелигиозные

сюжеты, а также портреты. Позднее он увлекся натюрмортами и достиг в этой областитакого совершенства, что современники и потомки высоко оценили его творчество. ВХарлемеХедаимелсобственнуюмастерскую,вкоторойработалимногочисленныеученикиживописца.

ГолландскийживописецВиллемКласХедародилсявХарлеме.Вэтомгородеонжилиработалдосамойсмерти.ТворческийметодХедыскладывалсяподвлияниемПитераКласа,поэтому в живописи обоих голландских мастеров много общего. Но в отличие отнатюрмортов последнего картины Хеды более свободны по композиции, в них большевоздуха и свободного пространства. Художник умело располагает предметы на столе,помещая их то параллельно поверхности стола, то по диагонали. Большую роль в егокартинахиграетсвет,спомощьюкотороговыявляетсяматериальнаясущностьвещей.Однаиз наиболее ранних работ — «Натюрморт» (1621, собрание Бредиуса, Гаага) — имеетсимволический смысл. С помощью определенных предметов художник раскрывает темуvanitas (аллегории бренности земного существования). Во многих более позднихпроизведенияхмастервновьобращаетсякэтомумотиву.

Для своих картин Хеда использует предметы из серебра и золота, красивыеперламутровыераковины,изящныесосудыизвенецианскогостекла.Втожевремявцеломряде композиций голландского мастера мы можем видеть ничем не примечательнуюдомашнююутварьиобычнуюснедь.ЧащевсегоХедарасполагаетпредметывсвоихпочтимонохромных«завтраках»строгопогоризонтали.

В.К.Хеда.«Завтраксомаром»,1648,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Живописец применяет нейтральный фон, серебристо-серые и зеленовато-коричневыеоттенки («Завтрак», 1629, Маурицхёйс, Гаага; «Завтрак с ежевичным пирогом», 1631,Картиннаягалерея,Дрезден;«Десерт»,1637,Лувр,Париж).ОдинизлучшихнатюрмортовХеды— «Завтрак с омаром» (1648, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Художник очень точнопередаетматериал,изкоторогосделанкаждыйпредмет.Виртуознопоказанытонкоестекловысокой рюмки, массивная ножка большого бокала, блеск металлического сосуда иупавшегокубка,теплыйцветлимона,золотистаякожуракоторогосерпантиномизвиваетсяпо столу. Связующую функцию в построении композиции выполняет свет. Переходя содного предмета на другой, он придает изображению теплоту и свежесть. Обладавшийпрекраснымхудожественнымчутьемитонкойнаблюдательностью,Хедамогуловитьтакиедетали, как отблеск на стенке бокала, идущий от оконного проема, или легкое, едвазаметное отражение лежащего на столе золотистого кубка на сияющей поверхностисеребряногокувшина.

В.К.Хеда.«Завтрак»,1652,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Также хорошии натюрморты «Ветчина и серебряная посуда» (1649, ГМИИ,Москва),«Завтраксбокалом-наутилусом»(1649,Художественныймузей,Шверин),«Завтрак»(1652,Эрмитаж, Санкт-Петербург), «Натюрморт с ветчиной» (1656, Музей изобразительныхискусств,Будапешт).Хедачастоберетдлясвоихкартинодниитежепредметы,варьируетсхожиемотивы,норазнообразнаярасстановкаипротивопоставлениевещейделаюткаждоеполотнонеповторимыми необыкновенно выразительным.Живописец вносит лирическуюструю в будничное и обыденное, и его натюрморты, не теряя своей убедительности иреальности,приобретаютпоэтическоеочарование.

ФрансуаРейкхалс

(после1600–1647)Из обычного художника-жанриста Франсуа Рейкхалс очень быстро превратился в

прекрасного мастера натюрморта, создававшего яркие и красочные картины, не

характерные для голландского искусства, в котором в то время господствовала тональнаяживопись.ВследзаРейкхалсомккрасочностииизобилиюобратилисьидругиеживописцы,работавшиевсамыхразнообразныхжанрах.

Голландский художник Франсуа Рейкхалс родился в Мидделбурге. Жил и работал вМидделбурге и Дордрехте, где в 1633 году вступил в гильдию живописцев. Рейкхалс —автор многочисленных жанровых композиций, пейзажей, кухонных интерьеров, но славуемупринеслиименнонатюрморты.

Вплоть до 1917 года из-за неправильной расшифровки подписей на полотнах многиеисследователи приписывали авторство некоторых произведений Рейкхалса Франсу ХалсуМладшему.

СвойтворческийпутьРейкхалсначалссозданиякартинтипакухонногонатюрморта.Кэтому видуможно отнести выполненное в 1637 году полотно «Ферма» (Эрмитаж,Санкт-Петербург),хотявотличиеотдругихработэтогопериодасценавнемразворачиваетсяненафонеинтерьеракрестьянскойкухни,аводворефермы.Тщательновыписаныпомещенныена первый план предметы крестьянского быта (тазы, кувшины) и разнообразные овощи(капуста, огурцы, морковь, тыква). А вот человеческие фигуры получились не слишкомудачными. Их позы, жесты и движения кажутся неестественными и совершенно несоответствующимиобщемуокружению.

С большим мастерством написаны птицы, животные и пейзаж, выполненный внехарактерной для тональной живописи того времени манере (пространство картиныразделенонатрикрасочныхплана).

Годом позже появился еще один кухонный натюрморт Рейкхалса— картина «Кухня»(1638,Эрмитаж,Санкт-Петербург).Художникдетальноточноизобразилнапереднемпланемножество массивных предметов домашнего обихода. Здесь бочонки, ведра, тазы, миски,кастрюли, корзины. Рядом высится массивный деревянный стул. Вместе с утварью лежатразнообразные овощи: капуста, морковь, свекла, тыква. Справа на дальнем плане зрительвидит фигуру женщины. Одетая в неброскую темную одежду, она воспринимается каксвоеобразнаядетальнатюрморта.Цветоваягаммаполотнавыстроенанаоттенкахзеленогоикоричневогоцветов.Значительнаярольотводитсясвету,которыйвыхватываетизполумракакухнибольшойкочанкапусты,перевернутуюдеревяннуюкадкунаполу,огромнуюмиску,лежащуюнакаких-тодругихпредметах.

Ф.Рейкхалс.«Ферма».Фрагмент,1637,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Неспособностьдостаточнохорошоизображатьчеловеческиефигурыпривелактому,чтоРейкхалс всецело отдался одному жанру— натюрморту. Именно в нем он проявил свойяркий талант художника, умение точно следовать натуре. В 1640-х годах, в завершающийпериод своего творчества, Рейкхалс создавал исключительно картины с изображениемфруктов, посуды, разнообразной снеди. Постепенно предметы крестьянского бытаполностьюисчезлииз композициймастера, уступивместонаряднымблестящим сосудам,роскошнымспелымплодамиювелирнымизделиям.НакартинахзрелогоРейкхалсазритель

видитуженеобычныеовощи,вродекапустыитыквы,аизысканныекрасочныедесерты.Кподобному типу произведений относится натюрморт «Плоды и омар на столе» (1640,Эрмитаж,Санкт-Петербург),которыймногиеисследователипричисляюткаллегориямтипаvanitas(«суетасует»).

Ф.Рейкхалс.«Кухня»,1638,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Ф.Рейкхалс.«Плодыиомарнастоле».Фрагмент,1640,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Художник разместил на столе желтовато-розовые персики, спелые груши и яблоки,виноградные гроздья. Центральной точкой композиции становится красный омар,заслоненныйбольшимикрабами.Занимивыстроеныврядсосудыизблестящегометаллаифаянса.Высокуюстекляннуюрюмкусвиномкрасивообрамляютветочкилавровыхлистьев.Написанная холодными цветами, картина оживлена световыми бликами, играющими настенках посудыи плодах.К гармонии красок присоединяетсямелодия ритмичных линий.Стремление художника к орнаментальной декоративности отражено в причудливыхконтурах листьев, изгибах виноградной лозы и закручивающихся усах омара. Поражаетбогатство палитры Рейкхалса, картины которого как будто спорят с тональныминатюрмортамиП.КласаиВ.К.Хеды.Вернувпредметамихяркиекраски,мастероткрылдорогудругимживописцам.ВихчислебылегоученикВ.Калф.

ГерардДоу

(1613–1675)Необыкновенно популярный еще прижизни, ГерардДоу получал большое количество

выгодныхзаказов.Егокартиныпродавалисьдорого,особенновозрослаихстоимостьпослесмертимастера.Так,полотно«Кухарки», стоившеев1706 году770флоринов, ужев1768годувырословценедо6220флоринов.

ГолландскийживописецГерардДоуродилсявЛейденевсемьехудожникапостеклу.ОнобучалсяугравераДолендо,затемумастерапостеклуПитераКаувенхорна.КогдаГерардуисполнилось 15 лет, вместе со своим отцом он начал работать в ателье Рембрандта —соседаДоу.

РанниепроизведенияГерардаДоунаписаныподвлияниемРембрандта.Художникбралте же мотивы и пользовался всеми приемами великого живописца. К этому времениотносится целый ряд портретных работ Доу (портреты отца Рембрандта в образе воина,музей, Кассель; и в образе астронома, Эрмитаж, Санкт-Петербург; матери Рембрандта сБиблией,Государственныймузей,Амстердам;самогоРембрандтапередмольбертом,Музейизящных искусств, Бостон; святых отшельников, Старая пинакотека, Мюнхен; Картиннаягалерея,Дрезден; собраниеУоллес,Лондон).Картинам, выполненным в темнойцветовойгамме, свойственна реалистичность в духе Рембрандта. С огромным мастерством иубедительностьюмастерпоказываетмногочисленныедеталииаксессуары.

В 1631 году Рембрандт оставил Лейден и уехал в Амстердам. С этого времениформирование Герарда Доу как художника шло самостоятельно. Он начал создаватьпроизведения,отличающиесяоригинальностью.Вскореживописецотказалсяотпортретовиобратилсякбытовомужанру.Именноэтипроизведениямастерасыгралибольшуюрольвразвитии голландского натюрморта. Так, на полотне «Служанка в окне» (ок. 1640,МузейБоймансаванБёнингена,Роттердам)вниманиезрителяпривлекаютнетолькочеловеческиефигуры, но и мастерски выписанные вещи— сияющиймедный кувшин в руках девушки,большойглиняныйгоршоксцветком,тарелкиисосуды,размещенныенаполкеназаднемплане.Ужевначале1640-хгодовДоустановитсянеобыкновеннопопулярнымвЛейдене.В1641годушведскийдипломатСпирингпредложилмастерузначительнуюгодовуюпенсию,закоторуюприобреталправопервоочереднойпокупкиполотенДоу.

Г.Доу.«Служанкавокне»,ок.1640,МузейБоймансаванБёнингена,Роттердам

В 1648 году живописец стал членом гильдии Св. Луки. В 1660 году правительствоГолландииприобрелоунего трикартины.Срединих—известная композиция«Молодаямать» (Маурицхёйс, Гаага). Все три полотна были подарены Карлу II во время егопосещенияГааги.

В конце 1640-х годов в творчестве мастера появляется новый мотив— мотив ниши,встречающийсяивживописиРембрандта.НоуДоутакаяархитектурнаядетальиграетроль«обманки». Нередко мастер помещает в нишуженскую фигуру. Это может быть хозяйка,

занятаявязанием,приготовлениемобедаилимытьемпосуды.Иногдавнишеможноувидетьврача. Подобные приемы часто являются лишь предлогом для показа разнообразныхнатюрмортов.Именновизображениипредметов—посуды,домашнейутвари,атрибутов—более всегопроявился талантживописца.Интереснополотно«Больная в кабинете врача»(ок.1650,Эрмитаж,Санкт-Петербург).ФигурыврачаибольнойженщиныДоуизобразилнавторомплане,напервом—вещи,которыеявляютсяатрибутамипрофессиимедика.Книги,письма,пестикиступка,глобус,череп,колбыимеднаямискасвидетельствуютонаучныхинтересах хозяина кабинета. И в то же время все эти предметы можно увидеть внатюрмортахтипаvanitas(«суетасует»).

ОтРембрандтаидетиинтересДоуксветотеневымэффектам.Оченьчастопространствоегокартиносвещаетсяодинокойсвечой.Отсюдасмягченныетонаикрасноватыеотблески,падающиенавсепредметы.

Г.Доу.«Больнаявкабинетеврача»,ок.1650,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Критики, жившие в одно время с Доу, сравнивали его со знаменитыми греческимиживописцамиЗевксисомиПаррасием.В 1665 году в доме художникаХаннотапроходилавыставка картин Доу, хранившихся в собрании современника мастера — Яна де Бейе.Вероятно,этобылаперваяевропейскаяперсональнаявыставка.НанейбылипредставленынаиболеезначительныеработыДоу(«Женщина,страдающаяводянкой»,«Трубач»,обе—вЛувре,Париж; «Вечерняяшкола», Государственныймузей,Амстердам; «Винный погреб»,Картинная галерея, Дрезден). После проведения экспозиции популярность мастера

необыкновенновозросла,аснейиценынаегокартины.В последний период живописная манера Доу стала несколько иной. Его работы,

выполненныевэтовремя,отличаютсяполированной,какбудтоэмалевойфактурой.Вскоректакойтехникеобратилисьидругиеживописцылейденскойшколы.УДоубыломножествоучеников и последователей (Г.Метсю, Я. ванМирис и др.). Высоко ценимый в прежниеэпохи,художникбылнесправедливозабытвXXстолетии.

ЯнДавидсдеХем

(1606–1683/1684)ШирокуюизвестностьЯнДавидсдеХемполучилужевзрелыегоды.Огромныйуспеху

соотечественниковемупринесликартинысизображениемроскошныхфруктовинарядныхбукетов. Двенадцать лет своей жизни художник провел в Антверпене, благодаря чемуголландская тщательность и реалистичность его живописи соединились с барочнойпышностьюфламандскогоискусства.

ГолландскийхудожникЯнДавидсдеХемродилсявУтрехтевсемьехудожника.Первыеурокиживописионполучилу своего отца,Давидса деХема.Вдальнейшем его учителемсталработавшийвУтрехтемастерБальтазар вандерАст.ЖилиработалХемвЛейдене,Антверпене, Утрехте. После 1672 года он вернулся в Антверпен, где и провел последниегодыжизни.

В ранних работах мастера ощущается влияние различных художественныхшкол. СвойтворческийпутьХемначалс«завтраков»вманерехарлемскихживописцев.ВЛейденеонсоздавал натюрморты с изображением книг в жанре vanitas, что говорит о воздействииискусстваРембрандта.

Уже в тридцатилетнем возрасте Хем познакомился в Антверпене с творчествомфламандца Франса Снейдерса, создававшего роскошные красочные натюрморты. С этоговременионначалписатькартинысизображениемяркихцветовифруктов.

Я.Д.деХемиЯ.Б.Веникс.«Плодыивазасцветами».Фрагмент,1655,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Но,несмотрянапышностьикрасочность,идущуюотискусстваФландрии,натюрмортыХема говорят о том, что голландскиймастер не переставал внимательно всматриваться внатуру. Так, картины «Завтрак» (1640, Лувр, Париж), «Натюрморт с омаром» (СобраниеУоллес, Лондон), «Натюрморт с ветчиной, омаром и фруктами» (ок. 1660, Рейксмузеум,Амстердам), поражающие фламандской барочной роскошью, в то же время восхищаюттщательностью передачи светотеневой среды, что характерно для живописи такихзнаменитыхголландскихмастеров,какП.КласиВ.К.Хеда.

Преклонявшийся перед красотой окружающего мира, Хем обратился к созданиюбольшой картины «Плоды и ваза с цветами» (1655, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Зрительвидит разложенныена скамьефрукты, среди которых яблоки, виноград, персики, а такжеорехи,початкикукурузыиразрезаннаядыня.Надвсемэтимвеликолепиемдаровприродывозвышаетсяветкатутовогодерева,аслеваизглинянойвазысклоняютсвоиголовкирозы.Рядомстоитблюдосярко-краснымиягодамиземляники.

Особую выразительность роскошному натюрморту придает пейзажный фон,выполненныйхудожникомЯномБаптистомВениксом.Вдовольналюбовавшисьфруктамиицветами,зрительзамечаетвечернеенебо,озаренноезакатом,искалы.

Хотя Хем поистине виртуозно передал фактуру зрелых фруктов, увядающих цветов,листьевиколосьев,композициякажетсянесколькоперегруженнойдеталями.

Картине«Плодыивазасцветами»,равнокакидругимцветочнымнатюрмортамХема,свойственно сочетание яркой декоративности и рационализма. Таковы «Цветы в вазе»

(Эрмитаж,Санкт-Петербург»), «Mementomori. Череп и букет цветов» (Картинная галерея,Дрезден), «Фрукты и ваза с цветами» (Картинная галерея, Дрезден). Художник детальноточнопередаетцветы,плоды,разнообразныерастенияидаженасекомых.

Я.Д.деХем.«Цветыввазе»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Я.Д.деХем.«Плоды»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Роскошные букеты, написанные звучными красками, имеют не только эстетическоезначение. В каждом из этих натюрмортов заложен особый, символический смысл.Увядающиерозы,порхающиебабочкиимертвыеулиткинапоминаютзрителюобренностибытияинеотвратимостисмерти.

Эрмитажныйнатюрморт«Цветыввазе»,наверное,одноизсамыхлучшихпроизведенийХема. Хотя это полотно не датировано автором, оно, скорее всего, относится кантверпенскому периоду, о чем свидетельствуют присутствующие в нем черты

фламандского искусства. Глядя на картину, мы понимаем, что передать особенностикаждого цветка, будь то пышная роза, пушистая гвоздика или нежный, только чтораспустившийся тюльпан, может лишь человек, обладающий сильно развитойнаблюдательностьюитонкимхудожественнымчутьем.

Я.Д.деХем.«Омарифруктынастоле»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

БольшинствоисследователейсчитаютХемаавторомполотна«Омарифруктынастоле»(Эрмитаж, Санкт-Петербург), хотя некоторые полагают, что картина была написана егопоследователем Питером де Рингом. Натюрморт действительно очень интересен.Вытянутый по ширине, он показывает изысканно накрытый стол на фоне окна, сквозькоторое виден кусочек типичного голландского ландшафта. Художник акцентируетвниманиенадвухяркихпятнах—большомкрасномомаревцентрестолаибокалесалымвином.

Блеск оловянных блюд, игра света на стекле рюмок, золотисто-розовые оттенкиперсиков, оливковая прозрачность ягод винограда— все это удачно сочетается с темнымцветомскатерти,покрывающейстол.

Великолепная живопись и лаконизм композиции, нехарактерный для голландскогонатюрмортаэтоговремени,выделяетполотносредидругихкартинданногожанра.

Винойманеревыполненнатюрморт«Плоды»(Эрмитаж,Санкт-Петербург).Спомощьютончайших цветовых нюансов написаны розовато-желтые и сине-лиловые сливы, нежно-

оранжевые абрикосы, блестящие вишни и почти прозрачные ягоды смородины. Благодарятщательноймоделировкезрелыефруктыиягоды,разложенныенамраморнойповерхностистола,кажутсяосязаемореальными,какбудтотолькочтособраннымивсаду.НеобычныйдляХемасветлыйфон,воспринятыйудругихмастеровэтогожанра,делаетнебольшуюпоразмерамкартинунаряднойипраздничной.

Натюрморты с цветами, принесшие Хему успех у современников, не потерялипопулярности и в современной Голландии, что объясняется большой любовью жителейстраныкцветоводству.

ВиллемКалф

(1619–1693)Творчество Виллема Калфа, работавшего в Амстердаме, открыло новую страницу в

развитии голландского натюрморта. Художник создавал картины с изображениемохотничьих трофеев, скромных кухонь, пейзажи, натюрморты-«завтраки». Славу емупринесли полотна, показывающие спелые южные фрукты и роскошную посуду издрагоценныхметалловидорогогофарфора.

Голландский живописец Виллем Калф родился в Роттердаме. Исследователи еготворчества спорят о том, у кого обучался Калф. Одни называют Хендрика Пота, другиеКорнелисаСафтлевена.БольшоевлияниенаформированиетворческойманерыхудожникаоказалФрансуаРейкхалс.

Известно,чтомежду1640и1646годамиКалфпобывалвоФранции.В 1651 году он женился на Корнелии Плейвер, занимавшейся каллиграфией и

шлифовкойбриллиантов.С1653годаКалфжилиработалвАмстердаме.Ораннемтворчествеживописцапочтиничегонеизвестно.Донаснедошлониодной

работы, выполненной Калфом до поездки во Францию. В Париже художник создалнесколькопрекрасныхкартинсизображениемкухонногоинтерьера.

ШирокуюизвестностьталантливогомастеранатюрмортаКалфполучилв1650-хгодах,вскорепоприбытиивАмстердам.

Втворческомнаследииживописцаестьнесколькокартин,которые,хотяинепринеслиих автору славу, дают прекрасное представление о даровании художника, способногопроявить себя с равным мастерством в различных жанрах. По-видимому, полотна сизображением бедных крестьянских интерьеров — «Уголок кухни» (Эрмитаж, Санкт-Петербург),«Кухня»(Картиннаягалерея,Гетеборг),«Дворкрестьянскогодома»(Эрмитаж,Санкт-Петербург)—былинаписаныКалфомсразужепослепоездкивоФранцию.Вэтихкомпозициях человеческие фигуры помещены в глубь пространства, а на переднем планепоказаны овощи и различные предметы крестьянского быта: бочки, кастрюли, сосуды.Потокисветавыхватываютихизмрака,отражаютсянаповерхностисияющихмедныхтазовипревращаютобыденнуюсценувсказочноезрелище.

В.Калф.«Уголоккухни»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

В.Калф.«Дворкрестьянскогодома»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Со временем простые интерьеры крестьянского жилища в живописи Калфа быливытеснены полотнами с изображением великолепных ювелирных изделий, китайскогофарфора и делфтского фаянса. В этих произведениях ощущается влияние искусстваРембрандта.Тщательноподобранныеизысканныепредметыхудожникпоказывает обычнонатемномфоне.ГлядянакартиныКалфа,зрительвидитпокрытыйроскошнымперсидскимковромуголмраморногостола,накоторомрасположенытакиедорогиевещи,каккитайскаячашавремендинастииМин,серебряныйкубок,узорчатоеблюдобело-голубогоделфтского

фаянса, сверкающее венецианское стекло, кубок-наутилус, искусно сделанный изперламутровой раковины. Эти красивые предметы оживляют окрашенные в теплые тонафрукты: лимон с закручивающейся в спираль аккуратно срезанной кожицей, оранжево-розовыеперсикии другие свежиеплоды («Натюрморт с драгоценными сосудами»,МузейВаллраф-Рихартц-Людвиг, Кёльн; «Натюрморт с китайским фарфором», Государственныемузеи, Берлин; «Завтрак», Рейксмузеум, Амстердам; «Натюрморт с кубком изперламутровой раковины», ок. 1655–1660, ГМИИ, Москва; «Натюрморт с кубком-наутилусом», 1660, Музей Тиссен-Борнемиса, Мадрид; «Десерт», Эрмитаж, Санкт-Петербург).

В.Калф.«Натюрморт»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Среди других шедевров художественной коллекции Эрмитажа находится знаменитый«Натюрморт» Калфа. Это великолепное полотно, напоминающее лучшие картиныРембрандта,былосоздано зрелымхудожником.Спомощьютеплыхкрасочныхоттенковитончайших светотеневых переходов Калф виртуозно моделирует предметы, поражающиезрителя своей убедительностью.Свет выхватывает из темнотыпокрытыйузорнымковромстолик, на котором расставлена изящная посуда. Красивое фаянсовое блюдо со свежимиплодами,стоящеенасмятойбелойсалфетке,нарочитонебрежносдвинутовправо.Позадивозвышаетсясверкающийпозолоченныйкубок.Оранжево-желтыеоттенкинежныхфруктовгармонично сочетаются с прозрачным бокалом и коричневым орнаментом бархатнойскатерти.Свет,отражающийсяотблестящегокубкаистеклянногофужера,создаетиллюзиюреальности. Кажется, что, протянув руку, можно дотронуться до гладкой поверхностиметаллического кубка или ощутить тепло созревших на солнце плодов. Вертикальныйформат, усиленный вытянутым вверх сосудом, делает композицию торжественной инарядной.

Подобно Рембрандту и Я. Вермеру, Калф умело сочетает теплые и холодные оттенки.Прекрасный дар колориста, тонкая наблюдательность, безупречный вкус позволяютживописцупочувствоватькрасотуокружающегомираизапечатлетьеенахолсте.

ВиллемванАльст

(1626–1683)Во второй половине XVII столетия голландский натюрморт потерял свою былую

демократическуюнаправленность.Скромные«кухни»и«простыезавтраки»уступилиместороскошным«десертам»икартинам,изображающимэкзотическиефруктыидорогиесосуды.МножествоподобныхпроизведенийнаписалнеобыкновеннопопулярныйусовременниковхудожникВиллемванАльст.

Голландский живописец Виллем ван Альст родился в Делфте. Сначала он обучался усвоего дяди, художника Эгберта ван Альста, затем у ОттоМарсеуса ван Скрика. РаботалАльствДелфте,гдев1645годусталчленомхудожественнойгильдии,ивАмстердаме.

В1645–1649годахАльстжилвоФранции,откудапереехалвИталию.Здесьоноставалсядо1656года.НекотороевремямастерзанималдолжностьпридворногоживописцагерцогаТосканского.В1657годуонпоселилсявАмстердаме.

ВтворческомнаследииАльстапредставленынатюрмортычетырехразновидностей.Это«завтраки», букеты цветов, композиции с фруктами и картины с охотничьими трофеями.Изысканные и богатые по колориту, его произведения пользовались огромным успехом ужителейГолландии,ипотомуАльстимелмножествоучениковипоследователей.

В.ванАльст.«Натюрмортсфруктами»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Среди лучших работ художника — «Натюрморт с фруктами» (Эрмитаж, Санкт-Петербург), свидетельствующий о необыкновенном колористическом мастерстве автора.Виртуознопереданаблестящаяповерхностьметаллическогоблюдаиизящнойпозолоченнойстатуэтки, стоящей в центре мраморного стола, покрытого темной салфеткой.Иллюзорность, с которой показаны капельки росы на ягодах винограда, желтовато-коричневая скорлупа грецких орехов и бархатистая поверхность спелых персиков, делаетизображение очень убедительным. Создать такое великолепное полотно Альсту помогли

разработанные им приемы наложения друг на друга тончайших красочных слоев. Такимобразоммастер добивался разнообразия цветовыхнюансов и валеров.Ягодыифруктынаего картинах кажутся только что принесенными из сада. И в наше время живописнаяповерхность полотен Альста осталась такой же яркой и свежей, как и несколько вековназад.

В.ванАльст.«Десерт»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Некоторые произведения мастера, особенно в сравнении с натюрмортами В. Калфа,кажутсяизлишнедекоративными.Таков«Десерт» (Эрмитаж,Санкт-Петербург), авторствокоторогоранееприписывалосьхудожникукругаЯнаДавидсадеХема,а затемживописцуВерендалю.Тем неменее богатство колорита и изяществоформпозволяют говорить, что

картинабылавыполненаименноАльстом.Тонковыписанныеветочкисосвежимиягодамиземляники,малины,вишникажутсяслишкомхрупкимирядомсмассивнойперламутровойраковиной, высокими кубками из тонкого стекла и изысканной статуэткой, служащейподставкойдлярюмки.

АбрахамванБейерен

(1620/1621–1690)Крупнейший мастер голландского натюрморта Абрахам ван Бейерен был также

талантливым маринистом. Он создал новый тип картины, в которой трепетный морскойпейзаж, пронизанный влажным воздухом, сочетается с натюрмортом, изображающимбогатыйуловрыбы,крабовидругихдаровморя,сложенныхнаберегу.

Голландский живописец Абрахам ван Бейерен родился в Гааге. Его учителем былизвестный мастер натюрморта Питер де Пюттер, с которым Бейерена связывалиродственныеузы.

Картины Бейерена не пользовались популярностью у современников, и потомунуждающийся художник был вынужден переезжать из города в город, чтобы скрыться отодолевающихегокредиторов.ОнработалвЛейдене(1638),Гааге(1639–1657,1663–1668),Делфте(1657–1663),Амстердаме(1669–1674),Алкмаре(1674–1678)ивОверсхи(с1678).В1640годувГаагеБейеренсталчленомгильдииживописцев.В1656годувместесдругимигаагскимихудожникамионосновалобъединение«Confreriapictura».

В ранних произведениях Бейерена можно увидеть морские пейзажи и ясные покомпозиции натюрморты, где обычные, ничем не примечательные предметы переданы сосязаемой убедительностью («Завтрак», 1647, ГМИИ, Москва; «Завтрак», 1653, Стараяпинакотека,Мюнхен).Написанныевзвучнойгаммежелтых,коричневых,красныхоттенков,динамичныеиискренние,онивосходяткживописнымтрадициямП.КласаиВ.Хеды.

А.ванБейерен.«Закуска»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

В натюрмортах, исполненных в зрелые годы, композиционная простота сменяетсяизысканностью.Изящнаяпосуда,спелыефрукты,винавсверкающихстекляныхбокалах—всеэтипредметы,сбольшимхудожественнымвкусомсгруппированныенастоле,покрытомскатертьюизтонкогоатласаилитяжелогобархата,поражаютроскошьюкрасокимастерскипереданнойфактурой(«Десерт»,Государственныймузей,Амстердам;«Натюрморт»,1650-е,Государственныемузеи,Берлин).

Натюрморт «Закуска» (Эрмитаж, Санкт-Петербург) восхищает своим красочнымбогатством, виртуозной передачейматериальной сущности предметов: дорогой посуды изблестящего металла и стекла, сочных фруктов, пронизанных теплом летнего солнца.Бейерен очень внимательно фиксирует мельчайшие свойства вещей. Изображая лимон,опущенный в бокал, художник с помощью тончайших цветовых градаций показываетразличиемеждуеговерхнейчастьюинижней,погруженнойвпрозрачноевино.ЭтакартинапредставляетБейеренакакзамечательногоколориста,умеющегопередатьцветвразличныхегооттенках.Так,красныйприсутствуетнаполотневвидеглубокоготонаалойскатерти,искрящегосярубиновогоблескаврюмкес вином,красно-оранжевогоцвета апельсина.Нашироком блюде рядом с большим крабом розовеют полупрозрачные креветки, а сквозьтонкую кожицу крупных виноградин просвечивает золотисто-зеленая нежная мякоть.

Лежащиена столечасыпозволяютмногимисследователямпричислить этотнатюрмортктипуvanitas («суетасует»).Возможно,художник, запечатлевшийнаполотневсебогатстводаров земли и творений, созданных руками человека, на самом деле хотел напомнить отщетебытияинепостоянствеземныхблаг,итемнеменеекартинанеможетневызыватьузрителярадостногоисветлогочувства.

ЗначительноеместовтворческомнаследииБейереназанимаютрыбныенатюрморты.Интерес к этому жанру живописец воспринял от своего учителя, Питера де Пюттера.

Уснувшая,неподвижнаярыбанаполотнахмастеравыглядитнеобыкновенновыразительной.Подобныйэффектдостигаетсявомногомблагодарятонкойнаблюдательностихудожника,его хорошо развитому живописному чутью и умению точно построить композицию.Творческое воображение помогает Бейерену постоянно находить оригинальные решениятемы. Он показывает богатый улов рыбы на берегу, на столе, в корзине. На некоторыхполотнах рыба представлена подвешенной на крюки, и это позволяет развернутькомпозициюнепогоризонтали,аповертикали.

А.ванБейерен.«Рыбынаберегу»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Талантливыйпейзажист,Бейеренсоздаеткартины,накоторыхзапервым,предметным,планом открываются восхитительные морские виды, как, например, в полотне «Рыбы на

берегу» (Эрмитаж, Санкт-Петербург). Из поставленных на берегу корзин высыпалисьщедрыедарыморя:крупныеимелкиерыбы,крабы,ракисблестящимиотводыпанцирями.Натюрмортпредставленнафонепокрытогооблакаминебаиморяспарусниками,которыевстречаютлюдинаберегу.

Иногда Бейерен переносит свои рыбные натюрморты в закрытое помещение. Таковыкартины «Рыбы на столе», «Рыбы в корзине» (обе — в Эрмитаже, Санкт-Петербург),«Морские рыбы и краб» (Маурицхёйс, Гаага), где сверкание серебристой рыбьей чешуиподчеркиваетсяблескомметаллическойпосуды:кувшинов,блюд,мисок.Красноватыепятнаотрезанныхкусковрыбы,розовеющиетелакрабоввносяткобщийколорит,выдержанныйвсеребристо-серыхтонах,неповторимоезвучание.Большуюрольвкомпозицияхиграетсвет,придающийвсемпредметамдостоверностьидинамичность.

А.ванБейерен.«Рыбынастоле»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Попадаявглазауснувшихрыб,онвноситвкартиныяркийблескиощущениепраздника.В рыбных натюрмортах Бейерена восхищает не только богатство цветовой гаммы,

сближающеееготворчествосживописьютакогознаменитогонатюрмортиста,какВ.Калф,но и свободный, смелый мазок, делающий картины художника эскизно выразительными,полнымивнутреннегодвижения.

А.ванБейерен.«Рыбывкорзине»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Натюрмортысрыбамипоказывают,насколькодалекоушелБейеренотсвоегоучителя,П.деПюттера,сегостатичнымипокомпозициииоднообразнымипоколоритукартинамитойжетематики.

В последний период своей жизни Бейерен писал главным образом «завтраки» и«букеты», не менее совершенные по мастерству, чем его натюрморты с рыбами. Ксожалению,егожизнеутверждающееискусство,вкоторомотсутствуетморализаторство,ненашлопониманияусоотечественников.ВXVIIIстолетииоБейеренепочтиневспоминали,илишьвконцеXIXвекаегозамечательнуюживописьоценилиподостоинству.

МельхиордеХондекутер

(1636–1695)Крупнейший мастер голландского натюрморта Мельхиор де Хондекутер создавал как

небольшие, так и крупноформатные полотна, восхищающие своей декоративнойкрасочностью. Помимо композиций с охотничьими трофеями, Хондекутер писал такжекартины с живой натурой — птичьи дворы. Эти роскошные полотна, изображающиеэкзотических птиц с ярким оперением, пользовались большим успехом у современниковхудожника.

ГолландскийживописецМельхиордеХондекутерродилсявУтрехтевсемьехудожника.Училсяуотца,ГисбертадеХондекутера,атакжеусвоегодяди,ЯнаБаптистаВеникса.Вмолодые годыжил и работал вУтрехте, в 1659 году переехал в Гаагу, а в 1663 году— вАмстердам.

Главное место в творческом наследии мастера занимают картины с изображениемохотничьих трофеев и птичьих дворов. Произведениям Хондекутера свойственны такиекачества, как монументальность и декоративность, они поражают красочным богатством.Почтивовсехнатюрмортаххудожникарядомсбитойдичьюизображеныживыезвери,чтоделает картины необыкновенно выразительными и динамичными. С большойубедительностью показывает Хондекутер кошку, забравшуюся на стол с битой дичью иукравшую птичку. Вороватое животное, не желающее бросать свою добычу, спренебрежением и в то же время с опаской смотрит на собаку, злобно лающую внизу.Подобные приемы, вносящие в натюрморты живость, художник использовал и в другихкартинах с охотничьими трофеями. К сожалению, некоторые произведения Хондекутерамногоетеряютиз-заизлишнегопристрастиямастеракдекоративности.

М.деХондекутер.«Охотничьитрофеи»,1682,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Помимо полотен с битой дичью, художник с увлечением писал картины, называемыептичьими дворами. Можно спорить о том, относятся ли эти произведения к жанрунатюрморта (хотявышеужеупоминалось,чтодляголландскихживописцевнатюрморт—это не только изображение «мертвой натуры»), но в искусстве Голландии подобныекомпозициипользовалисьнеобыкновеннойпопулярностью.Хондекутервиртуознопередаетграциозные движения павлинов в нарядном оперении, важно вышагивающих пеликанов ицесарок.Какихтолькоэкзотическихпернатыхкрасавцевневстретишьвегокомпозициях!С

такимжемастерствомпоказаныиобычныедомашниептицы:яркиеутки,куры,горластыепетухи,прогуливающиесямеждугордыми«иностранцами»(«Домашниептицы»,«Птицывпарке»,1686—обе—вЭрмитаже,Санкт-Петербург).

Произведения,изображавшиеживыезаморскиедиковины,заставлялизрителейзамиратьв восхищении перед полотнами мастера. Такие картины вскоре практически вытесниликомпозиции с простыми и скромными голландскими мотивами. Подобно многим своимсовременникам-живописцам, Хондекутер стремился приукрасить реальность, сотворитьнечтоэффектноеипраздничное.

ЯнБаптистВеникс

(1621–1663)

иЯнВеникс

(1640–1719)Необыкновенно талантливый и многогранный художник Ян Баптист Веникс оставил

потомкам множество пейзажей, марин, жанровых сцен, натюрмортов с охотничьимитрофеями и животными. Очень часто на своих полотнах Веникс изображал картиныприроды, непохожие на голландские ландшафты.Многие детали в таких композициях—древниеруины,фигурыкупцов,всадников,воинов,горожанвнеобычных,яркиходеждах—рожденывоображениеммастера.КэтимжетемамобращалсяисынЯнаБаптиста,художникЯнВеникс.

ГолландскийживописецЯн Баптист Веникс родился вАмстердаме.Он обучался уА.БлумартавУтрехте,затемуК.МуйартавАмстердаме.

В 1643 году Веникс приехал в Италию, где написал множество картин по заказукардиналаПамфили.Кардиналнеотпускалхудожниканародину,нов1647годупоследнийвсе-такивернулсявАмстердам.Здесьмастержилиработалдо1649года,азатемпереехалвУтрехт.

ХудожественнаяманераВениксасложиласьподвлияниемитальянскихживописцев.Егокартины,изображающиемореспаруснымилодками,людей,развалиныстаринныхзданий,фрукты, битую птицу, животных, всегда оставались яркими, динамичными и оченьэффектными.От пронизанных солнечным светом пейзажей, морских видов, натюрмортоввеетощущениемсчастьяипраздника.Виртуознопереданнаясветотеневаясреда,тончайшиецветовыеградацииделаюткомпозицииВениксанеобыкновенновыразительными.

РаботалЯнБаптистВениксивсоавторствесдругимихудожниками,например,полотно«Плоды и ваза с цветами» (1655, Эрмитаж, Санкт-Петербург) он исполнил совместно сЯномДавидсомдеХемом,написаввэтойкомпозицииморскойпейзаж.

Я.Веникс.«Натюрморт»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

ИзлюбленнымимотивамипроизведенийЯнаБаптистаВениксабыливидыитальянскихпортов,античныеруины,нафонекоторыхразворачивалисьнародныесцены(«Итальянскийпейзажсруинами»,Институтискусств,Детройт;«Римскаякампанья»,Атенеум,ХартфордУодсворт;«Матьсребенкомвитальянскихруинах»,музей,Кассель;«Классическиеруинынаберегуморя»,собраниеУоллес,Лондон;«Пейзажсруинами»,музей,Утрехт;«Пастухистадо»,Художественныймузей,Базель).

Творчество сына Яна Баптиста, Яна Веникса, очень похоже на искусство его отца,

поэтому авторство многих произведений, выполненных ими, до сих пор точно неустановлено. Так, исследователи определили, что ряд натюрмортов и композиций счеловеческими фигурами («Увеселительная прогулка», 1667, Пти Пале, Париж; «Двоевлюбленных в лодке», Лувр, Париж) создан не Яном Баптистом, как это долгое времясчиталось,аегосыном,ЯномВениксом.

ЯнВениксродилсявАмстердаме.В1664–1668годахучилсяусвоегодяди,ГисбертадеХондекутера.ЖилиработалвУтрехте,затемпереехалвАмстердам.Какиотец,ЯнВениксписал пейзажи, виды итальянских портов и натюрморты с дичью. Но в отличие от ЯнаБаптистаВеникс-младший часто использует более теплые оттенки и резкие светотеневыеэффекты.

Уже в семнадцатилетнем возрасте художник исполнил большое полотно «Битая дичь»(1657, Эрмитаж, Санкт-Петербург), поражающее зрителя способностью юного художникасоединить в одной композиции разные детали: фрукты, морские дары и битую дичь.Центральное место в произведении занимают зайцы, являвшиеся излюбленным мотивомнатюрмортовмастера.

С течением времени картины Яна Веникса стали более совершенными. Будучипрекрасным пейзажистом, художник очень часто показывал дичь на фоне парков(«Натюрморт с битым зайцем», Музей западного и восточного искусства, Киев). Такиекомпозиции предоставляли ему прекрасную возможность для колористических эффектов.Благодарясопоставлениюзеленидеревьевитеплыхоттенковшерстиживотныхиоперенияптицизображениестановилосьнеобыкновенновыразительнымикрасочным.

Вениксчастоприбегалккомпозиционнымконтрастам.Так,внатюрморте«Охотничьитрофеи»(Эрмитаж,Санкт-Петербург)неожиданнойдетальюстановитсяголовасобаки,какбудтоохраняющейтрофеи—двухбитыхзайцевиподвешеннуюзалапкуптицу.

Большой оригинальностью отличается «Натюрморт» из эрмитажного собрания. Впроемеарки,сквозькоторуювиденпейзажсантичнымистатуямиидеревьями,изображенабитая птица ифрукты. Рядом сидит обезьяна.Предметы, объемныеи красочные, кажутсяещеболеевыразительныминафонепарковоголандшафта.

В1702–1712годахдлякурфюрстаЙоганаВильгельмаПфальцскогоЯнВеникснаписалцикл, состоящий из 12 полотен со сценами охоты (музей, Аугсбург; Старая пинакотека,Мюнхен; замок Шлайсгейм). Эти произведения предназначались для украшения замка вБенсберге.

ВернувшисьвАмстердам,художниксталполучатьвыгодныезаказыотзнатныхгорожан.ВнастоящеевремяработыЯнаВениксахранятсявтакихкрупныхмузеях,какМаурицхёйсвГааге,ГосударственныймузейвАмстердаме,ЭрмитажвСанкт-Петербурге,ЛуврвПариже,Картинная галерея в Дрездене, Королевский музей изящных искусств в Брюсселе, музейБоймансаван-БёнингенавРоттердамеидр.

ЮрианванСтрек

(1632–1687)

иХендрикванСтрек

(1659–1713)Биографических сведений о семье художников ван Стрек сохранилось немного, но их

восхитительные натюрморты-«завтраки» и «десерты», создающие у зрителя ощущениепраздника, являются украшением самых знаменитых музеев мира. Роскошные южныефрукты,чудесныецветы—вотглавныемотивыработотцаисынаванСтрек.

ГолландскийживописецЮрианванСтрекродилсявАмстердаме.В этомгородеониработал до последних дней своей жизни. Большую известность художнику принесливиртуозновыполненныенатюрмортысфруктамиицветами.

ЯркимпримеромтворчестваЮрианаванСтрекаявляетсяполотно«Закуска»(Эрмитаж,Санкт-Петербург).Чтобыпридатьособуювыразительностьсвоейкартине,Стрекиспользуеторигинальныйприем,изображаяподнятуюзанавеску, открывающуюзрителюугол стола сразнообразными предметами. Здесь два апельсина на веточке с зелеными листьями,зеленыйлук,перьякоторогооченьестественносвисаютсблюда,тонкийножик,лежащийнабелойсалфетке.Заветкойславровымилистьямистоиткрасиваябелаяфаянсоваявазассиним рисунком. Цветовая гамма полотна основана на оттенках желтого (занавеска),оранжевого (апельсины), бело-голубого (ваза) и зеленого (бархатная скатерть). Яркимцветовым пятном выделяется красное вино, до половины заполнившее высокую рюмку.Свет,падающийслева,выхватываетвсюпредметнуюгруппуиотделяетееоттемногофона.Световыебликииграютнаповерхностистекляннойиметаллическойпосуды,переливаютсянаскладкахскатертииатласнойзанавески,придающейизображениюзрелищныйхарактер.Такаяособенностькомпозиции,указывающаянаявноеобращениекзрителю,свойственнаинатюрмортамдругихголландскиххудожников,работавшихвтовремя.

Ю.ванСтрек.«Закуска»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Еще одно важное свойство картины — своеобразие освещения. Все предметыпредставлены в затемненном помещении, и лишь слабый свет, идущий от какого-тоневидимогозрителюисточника,выделяетнекоторыевещии,оживляяизображение,придаетемуосязаемость.

Художник тесно заполняет полотно предметами, стараясь уместить в свободномпространстве еще какую-нибудь деталь, например летящуюпеструю бабочку.Эта тесноталишаеткартинувоздушностиисвободы,свойственныхнатюрмортамВ.Калфа.

Прекрасным живописцем был и сын Юриана ван Стрека, Хендрик, работавший вАмстердаме.

Х.ванСтрек.«Слуганегрунакрытогостола»,1686,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Онучилсяусвоегоотца,азатемуЭмануэлядеВитте.Помимонатюрмортов,художниксоздавалтакжецерковныеинтерьеры,напоминающиеработыдеВитте.

ХотябольшинствонатюрмортовХендрикаванСтреканаписаноподвлияниемотца,ониболее свободны по манере исполнения. Такова картина «Слуга негр у накрытого стола»(1686,Эрмитаж,Санкт-Петербург), в которой удачно сочетаются элементынатюрморта и

интерьера.Тем не менее, глядя на полотно, мы понимаем, что для художника всеже главное—

показать десерт на столе, накрытом ярким восточным ковром. Фигура негра в глубинекомнаты служит всего лишь экзотическим дополнением к роскошному натюрморту,состоящему из спелых фруктов и дорогой посуды. Особую эффектность изображениюпридаетсопоставлениетемногоцветакожислугиисветлыхплодовнаблюдах.

ЯнванХейсум

(1682–1749)Ян ван Хейсум — один из самых выдающихся мастеров позднего голландского

натюрморта.Наегокартинахпредставленычудесныебукетыроз,тюльпанов,астридругихцветов, гроздья винограда, спелые гранаты, персики и другие фрукты. СовременникиХейсумабыливвосторгеотэтихроскошныхкрасочныхкартин,рождающихвдушесветлыеирадостныечувства.

ГолландскийживописецЯнванХейсумродилсявАмстердаме.Онбылстаршимсыномизвестного художника-натюрмортиста Юстуса ван Хейсума, которому еще в детскомвозрастепомогалписатькартины.ОтецсталпервымучителемЯна,вскорепревзошедшеговмастерствесвоегонаставника.

ВтворческомнаследииЯнаванХейсума—множествопейзажейицветочныхбукетов,представленныхвсамыхразнообразныхаспектах.Интересно,чтохудожникнетолькооченьточнопередаетвнешниехарактеристикикаждогоцветка,ноипоказываетихвес.Мывидим,какгнетсястебельподтяжестьюсклоненнойвнизголовкирозы.Мастервиртуознопередаетфактуру предметов: бархатистую поверхность спелых персиков, тонкую, прозрачнуюкожицувинограда.

Натюрморты представляют Хейсума как необыкновенно талантливого колориста. Спомощью тончайших цветовых градаций живописец позволяет зрителю увидеть, каккрепятся светлые лепестки цветов к темной серединке. В передаче особенности каждогоцветка, плода, самой маленькой ягоды чувствуется тонкая наблюдательность мастера,кропотливоивнимательноизучавшегонатуру.

Я.ванХейсум.«Цветы»,1722,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Я.ванХейсум.«Цветы»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Ярким примером великолепных натюрмортов является картина «Цветы» (Эрмитаж,Санкт-Петербург), написанная Хейсумом в 1722 году. Строгая симметрия построения ивытянутый вверх формат делают полотно нарядным и торжественным. Большая каменнаяваза полускрыта роскошным букетом. Художник разместил цветы не хаотично, а сопределеннымрасчетом:внизурасполагаютсясамыекрупные(розы,макиидр.),надними— более мелкие (тюльпаны, нарциссы). Пышный букет увенчан листьями и тонкимистеблями,составляющимиизящныйузор.Внизунавыпавшемизвазыстеблесидитсветлая

бабочка—обычныйэлементбукетовХейсума.Частыйперсонажегонатюрмортов—муха,мирноползущаяпонежномулепесткутюльпана.

Художник тщательно выписывает мельчайшие детали, будь то цветочная пыльца,прозрачные капельки росы на плодах или едва заметные прожилки на крылышкенасекомого, но это ничуть не мешает общему декоративному эффекту картины. ПодобноЯнуДавидсудеХему,Хейсумчастоиспользуетдлякомпозицийсветлыйфон,чтовообщенехарактерно для голландского натюрморта. Но, создавая в 1722 году «Цветы», он изменилсвоему правилу и воспользовался темным фоном, благодаря чему выразительностьнарядногонатюрмортазначительноусилилась.

Я.ванХейсум.«Цветыиплоды»,1723,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Не менее красивы и букеты, написанные Хейсумом на светлом фоне. Тщательнопродуманакомпозицияпрекрасногонатюрморта«Цветыиплоды»(1723,Эрмитаж,Санкт-Петербург), где букет из алых маков и разноцветных гвоздик гармонично сочетается слежащими на мраморном столе фруктами. Художник так правдиво и верно передаетфактурупредметов,чтонежно-розовыеперсики,сливы,абрикосы,виноград,пламенеющиезерна очищенного граната, орехи и спелые ягоды малины на ветке кажутся осязаемореальными.Особуюпрелестькомпозициипридаюткрасивоизогнутыевиноградныелозы.

СветлыйфоннатюрмортовХейсумаделалегопроизведенияпраздничными,и,вероятно,поэтому яркие, радостные картины мастера пользовались у современников огромнымуспехом. Хейсум не испытывал недостатка в заказах и продавал свои работы за большиеденьги. Писал он медленно и тщательно, и иногда на создание одной картины уходилонескольколет.

Егобукетысоставленыизцветов,распускающихсявразноевремя.Художникписалихтолькоснатуры,чтоувеличивалосрокработынадполотном.Хейсумревностноотносилсяксвоемуискусствуинепринималучеников,нежелаяраскрыватьтворческиесекреты.ТемнеменееунегобыломножествопоследователейнетольковГолландии,ноивдругихстранахЕвропы.

ФрансСнейдерс

(1579–1657)Творчество Франса Снейдерса сыграло значительную роль в развитии фламандского

натюрморта. Художника с полным правом можно назвать одним из основоположниковэтогожанравживописиФландрии.Егополотна,изображающиебитуюдичь,плоды,рыб,отличаются внушительными размерами. Искусство Снейдерса воспевает богатство ищедростьземли,онорадуетглазипризываетзрителянаслаждатьсяжизнью.

ФламандскийживописецФрансСнейдерс родился вАнтверпене в богатой семье. Егоотец был владельцем таверны, и мальчик с ранних лет мог видеть обилие разнообразнойснеди. Возможно, эти детские впечатления и побудили будущего художника статьнатюрмортистом.

В 1592–1593 годах Снейдерс обучался живописи в антверпенских мастерских ПитераБрейгеля Младшего и Гендриха ван Балена, воспитанника знаменитого Антониса ВанДейка. В 1602 году Снейдерс стал членом гильдии Св. Луки. В этом же году художникприехалвИталию,гдепробылдо1608года.ВернувшисьвАнтверпен,онсблизилсясП.П.Рубенсом. Снейдерс работал в мастерской великогоживописца и помогал ему выполнятьзаказы. Он писал в картинах Рубенса цветы, фрукты, фигуры животных. Работал он и сдругимихудожникамиизательеРубенса—А.ВанДейком,Я.Йордансом,К.деВосом,Я.Бокхорсом.

Ф.Снейдерс.«Птичийконцерт»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Первые самостоятельные работы Снейдерса представляют собой небольшиенатюрморты, изображающие несколько предметов. Это вазы, наполненные спелымифруктами,корзинкисразнообразнымиплодами.Отличавшиеся тщательнойдетализацией,онибылиещеоченьдалекиотроскошныхикрасочныхкомпозиций,написанныхмастеромвзрелыегоды.

ПодвлияниемРубенсахудожественнаяманераСнейдерсаизмениласьвлучшуюсторону.Живописец обратился к монументально-декоративному натюрморту. В этом жанре длястолового дворца архиепископаА. Триста в Брюгге в 1618–1621 годах он написал сериюполотен, получивших название «Лавки», или «Кладовые» («Овощная», «Фруктовая»,«Рыбная»,все—вЭрмитаже,Санкт-Петербург).

В таком же ключе исполнены и картины «Натюрморт с лебедем» (ГМИИ, Москва),«Натюрморт с битой дичью и омаром», «Лавка дичи», обе — в Эрмитаже, Санкт-Петербург). Огромные, вытянутые по горизонтали полотна были предназначены длябольших парадных залов в домах богатых фламандцев. Разнообразные дары природыхудожник показывал в укрупненном масштабе. Зритель видит на деревянных столах иширокихприлавкахтушиживотных,битуюптицу,кабаньиголовы,омаров,рыбу,фруктыиовощи.Грандиозноеизобилиеразнообразнойснедикажетсяограниченнымлишьрамой.Спомощью цветовых контрастов, сопоставления форм, светотеневых эффектов Снейдерссоздаетяркиеипраздничныеизображения,оживляемыеприсутствиемлюдей,собак,кошек,находящихся в движении.В натюрмортахСнейдерсаможно увидеть, как кошкашипит набросившуюся на нее собаку, как юркая обезьянка ворует фрукты или как лошадь жуетовощи.Этизабавныесценкипридаюткартинаммастерамажорныйхарактер.

Ф.Снейдерс.«Чашасфруктаминакраснойскатерти»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Ф.Снейдерс.«Натюрмортслебедем»,ГМИИ,Москва

Ф.Снейдерс.«Натюрмортсбитойдичьюиомаром»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Животных на своих полотнах Снейдерс писал сам, а вот фигуры людей выполненыдругимихудожниками.

Несмотря на обилие вещей, тесно заполняющих пространство холстов, и кажущуюсяхаотичность их расположения, композиции Снейдерса тщательно продуманы и четкоорганизованы,врезультатечегосоздаетсявпечатлениегармоничного,законченногоцелого.Натюрмортыпоражаютсвоейяркойдекоративностью,красочнойэффектностью.Наобщемоливковомфоне выразительно выделяются разнообразные по оттенкам предметы. Таковы«Чаша с фруктами на красной скатерти» (Эрмитаж, Санкт-Петербург), «Натюрморт ссобакой,щенками,кухаркойиповаром»(Картиннаягалерея,Дрезден).

Помимо собственно натюрмортов, Снейдерс создавал и близкие к ним сцены охоты,птичников («Охота на кабана», Национальный музей, Познань; «Птичий концерт»,Эрмитаж,Санкт-Петербург;«Бойпетухов»,Государственныемузеи,Берлин).

Снейдерс пользовался огромной популярностью у современников. Стремясьудовлетворитьбогатыхзаказчиков,онварьировалсвоинаиболееудачныеработы.

ЯнФейт

(1611–1661)

ТалантливыйфламандскийхудожникЯнФейтсоздалмножествокартин,изображающихплоды, цветы, битую дичь. Писал мастер и картины с анималистическими мотивами, иохотничьисцены,накоторыхчеловеческиефигурывыполненыдругимиживописцами.

Ян Фейт, фламандский живописец-анималист, автор множества прекрасныхнатюрмортов, родился в Антверпене. Его учителями были Я. ван де Берх, а затем Ф.Снейдерс, в мастерской которого Фейт некоторое время работал. Снейдерс оказывалматериальную поддержку начинающему живописцу. В 1629 году в Антверпене Фейтвступилвгильдиюхудожников.

Мастермногопутешествовал.В1633–1634годахонработалвПариже,затемвВенециииРиме (1635),дваждыпобывалвГолландии (1642,1655).С1641годажилвАнтверпене.ЖенилсяФейтондовольнопоздно—в1654году.

Большинство работ художника, созданных после 1638 года, представляют собойнебольшиепоразмерамполотна,изображающиеовощиифрукты,яркиецветы,битуюдичь,сценыохоты(«Фруктыипопугай»,1647,Эрмитаж,Санкт-Петербург;«Битаядичь,фруктыисобака»,1649,Метрополитен-музей,Нью-Йорк;«Битаядичь»,ГМИИ,Москва;варианты—вГосударственныхмузеях,Берлин,иНациональнойгалерее,Стокгольм;«Петухииндюк»,«Натюрмортсоспаржейигрибами»,обевКоролевскоммузееизящныхискусств,Брюссель;«Собака и битая дичь», «Собака, обнюхивающая куропаток», обе в Картинной галерее,Дрезден;«Охотничьитрофеи»,Государственныйхудожественныймузейим.А.Н.Радищева,Саратов). Эти произведения показывают тонкую наблюдательность автора, тщательноизучавшего натуру. Фейт умело выстраивает свои композиции, четко организуетпространство.

Я.Фейт.«Натюрмортсцветами,фруктамиипопугаем»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Помимоохотничьихсобак,Фейтлюбилизображатьнасвоихполотнахорлов.Средиегошедевров такие картины, как «Трапеза орлов» (Королевский музей изящных искусств,Антверпен), «Мертвый павлин» (Музей Бойманса ван-Бёнингена, Роттердам), «Кот,наблюдающийзамертвымиптицами»(ГалереяБрера,Милан).

Порой простые мотивы в композициях Фейта (кролик, свернувшийся в клубок кот,грибы, битая дичь, цветы на камне) напоминают произведения Ж. Б. С. Шардена с ихсозерцательностьюипоэтичностью.

Замечательноколористическоемастерствохудожника.Вегокартинахнетподчеркнутыхцветовыхконтрастов,всетонагармоничносочетаютсядругсдругом.ЛюбимыецветаФейта— разнообразные оттенки серого, желто-розовый, красный, лиловый. С большиммастерством передана фактура вещей. Осязаемо реальным выглядит жемчужно-сероеопереньептиц,пушистыйзаячиймех,покрытыекапелькамиросыягодывинограда.

Фейтнеосталсяравнодушеникцветам—мотиву,частовстречающемусявживописифламандских натюрмортистов. Среди его лучших работ — «Натюрморт с цветами,фруктамиипопугаем»(Эрмитаж,Санкт-Петербург).Натемномоливковомфонепоказаныразнообразные цветы, восхищающие своей красотой и свежестью, плоды, виноградныегроздья,венчающиеэточудесноеизображение.

Я.Фейт.«Охотничьитрофеи»,Государственныйхудожественныймузейим.А.Н.Радищева,Саратов

Оживляет полотно маленькая птичка — попугай, усевшийся на тонкую веточку.Пользовавшийся большой известностью при жизни, Фейт имел немного учеников, нобольшоеколичествоподражателей.

Какидругиефламандскиемастера,Фейтпостоянносотрудничалсосвоимиколлегами.ОнсоздавалкартинывсоавторствесК.Схютом,Я.Йордансом,В.Боссхартсом.Этимастераписали в композициях художника человеческие фигуры. Фейт был прекраснымрисовальщикомигравером.Известныегодинамичныеиживыерисункинацветнойбумаге,хранящиесявЭрмитаже,атакжеэтюд«Собаки»изКоролевскогомузеяизящныхискусстввАнтверпене.

ДавидТенирсМладший

(1610–1690)ДавидТенирсМладшийотличалсянетолькобольшимталантом,ноинеобыкновенной

работоспособностью.Художникоставилпотомкамболее700своихработ.Онбылоднимизсамых популярных живописцев во Фландрии XVII столетия. Среди заслуг мастера —созданиев1663годупоегоинициативеАкадемиихудожестввАнтверпене.

Фламандский живописец Давид Тенирс Младший родился в Антверпене в семьехудожника.Егопервымучителембылотец,ДавидТенирсСтарший.

Большое влияние на молодого художника оказал Адриан Браувер, с которым онпознакомилсявначале1630-хгодов.ДружескиеузысвязывалиегосП.П.Рубенсом.ЖилиработалТенирсвАнтверпене,гдев1632годусталчленомгильдииживописцев.В1649годуонзанялдолжностьдеканагильдии.

В 1651 году Тенирс поселился в Брюсселе. Здесь он работал при дворе испанскогонаместника эрцгерцогаЛеопольда-Вильгельма.Кроме того, художник занимал должностьдиректоракартиннойгалереиэрцгерцога.

Творчество Тенирса необычайно многообразно. Он писал натюрморты, пейзажи,портреты, композиции религиозной и аллегорической тематики, картины санималистическими мотивами, сцены охоты («Искушение св. Антония», 1633–1636,Королевский музей изящных искусств, Брюссель; «Караульня», 1642; «Групповой портретчленов антверпенского магистрата и старшин стрелковых гильдий», 1643; «Вид вокрестностяхБрюсселя»,«Приморская гавань»,«Пейзажскрестьянскимдомом», все—вЭрмитаже,Санкт-Петербург).

Д.ТенирсМладший.«Обезьянывкухне»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Целый ряд полотен Тенирса посвящен теме «кухонь», где в кухонный интерьер сфигурамилюдейиживотныхвключеныэлементынатюрморта(«Кухня»,1644,Маурицхёйс,Гаага). Необыкновенно забавными выглядят картины с изображением кухонь, в которыххозяйничают обезьяны («Обезьяны в кухне», Эрмитаж, Санкт-Петербург; «Обезьяны,играющиевкарты»,ГМИИ,Москва).

Работая придворным художником эрцгерцога Леопольда-Вильгельма, Тенирс написалряд полотен под названием «Герцог Леопольд-Вильгельм в своей картинной галерее вБрюсселе».Этипроизведенияинтереснытем,чтонанихизображенымногие знаменитыекартины,находившиесявгалерееиспанскогонаместника.Крометого,Тенирссделалкопиипочтивсехкартинэтогособрания.

Пользовавшийся большой популярностью у современников, Тенирс имел множествознатныхибогатыхзаказчиков.Ихпривлекалозамечательноемастерствохудожника,атакжето, что он всегда прислушивался к пожеланиям своих клиентов. Творчество Тенирсапритягивало к себе зрителей и в XVIII веке. Королевские собрания многих европейскихгосударствстремилисьприобрестиегокартины.

Теперь полотна Тенирса украшают самые знаменитые музеи и картинные галереиЕвропы. Большое количество прекрасных работ фламандского живописца хранится вЭрмитаже.

МикеланджелодаКараваджо

(1573–1610)Алтарные композиции, создаваемые Караваджо, нередко отвергались заказчиками,

считавшими их слишком натуралистичными и грубыми. Римская церковь Санта-Марияделла Скала отказалась от заказанной Караваджо картины «УспениеМарии» (1605–1606,Лувр, Париж). Простонародный облик изображенных на полотне апостолов вызвалвозмущение церковнослужителей. Отвергнутая картина по настояниюП.П. Рубенса былаприобретенагерцогомМантуанским,придворекоторогоработалзнаменитыйфламандец.

ИтальянскийживописецМикеланджелодаКараваджо(настоящееимя—МикеланджелоМеризи)родилсявгородкеКараваджовЛомбардии.

В 1584 году Караваджо стал обучаться у миланского художника Симоне Петерцано.Около1590годаонпереехалвРим.

Свой творческий путь Караваджо начал как художник, писавший гирлянды и цветы вмастерскойДжузеппеЧезаред’Арпино.Пребываниевательед’Арпинобылонедолгим,ноэта школа оказала большое влияние на становление молодого художника. Во многом отд’АрпиноидетинтересКараваджокмирувещей,любовноевниманиекпредметам.Около1595годапоявиласьзнаменитаякартинаКараваджо«Юношаслютней»(Эрмитаж,Санкт-Петербург), вызвавшая восторг у современников художника. Мастер уделяет равноевнимание изображению лютниста и натюрморту, состоящему измножества предметов настоле.Передиграющиммузыкантомлежитскрипкасосмычкоминотныететради.Однаизнихраскрыта, и зрительможетпрочитать каждый знакна ее страницах.На темномфоне

стены четко вырисовывается стеклянная ваза с яркими цветами, рядом с ней рассыпаныфрукты, овощи и листья. Восхищает виртуозная передача изящного сосуда из тонкогостекла,играсветанаегогладкойповерхности.

В Риме покровителем Караваджо стал кардинал дель Монте, заказавший художникунатюрморт «Корзина с фруктами» (1596, Галерея Амброзиана, Милан). Это полотно —одинизпервыхнастоящихнатюрмортоввевропейскойживописи.

Важную роль в создании лаконичной и в тоже время очень изящной картины играетосвещение. Вероятно, мастер писал свое полотно против света— на светлом фоне ярковыделяетсякорзинкасфруктами,авиноградныелистья,свисающиеизнее,выглядятпочтичерными силуэтами. Такой контраст светлого фона и темных очертаний корзинки,обрамленной орнаментом темно-зеленых листьев, делает произведение оченьвыразительным.

М.даКараваджо.«Юношаслютней».Фрагмент,ок.1595,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Тщательно выписывая и укрупняя каждую деталь, Караваджо подчеркивает силузвучания всех элементов этой гармоничной композиции, отмеченной праздничным,жизнеутверждающимнастроением.

Интерес к миру вещей заметен и в других произведениях Караваджо («Мальчик сфруктами», ок. 1593, Галерея Боргезе, Рим; «Вакх», ок. 1593–1594, Галерея Уффици,Флоренция).

Со второй половины 1590-х годов Караваджо создает главным образом картины намифологическиеибиблейскиесюжеты(«ЖертвоприношениеАвраама»,1594–1596,ГалереяУффици,Флоренция; «Юдифь иОлоферн», 1595–1596, собраниеВ. Коппи, Рим; «ГоловаМедузы горгоны», Галерея Уффици, Флоренция). В этих, как и в более зрелых, работахмастер уделяет большое внимание светотеневым эффектам, вносящим в композициюощущение напряженного драматизма. Таковы монументальные полотна из цикла,посвященногосв.Матфею(«ЕвангелистМатфей,внимающийангелу»,«ПризваниеапостолаМатфея»,«МученичествоапостолаМатфея»,все—в1597–1598-х,церковьСан-ЛуиджидеиФранчези,капеллаКонтарелли,Рим).

ВпоследнийпериодсвоейжизниКараваджоработалглавнымобразомнадалтарнымикомпозициями («Семь дел милосердия», 1507, церковь Монте делла Мизерикордия,Неаполь;«Погребениесв.Лючии»,1608,церковьСанта-Лючия,Сиракузы;«КазньИоаннаКрестителя»,1608,собор,Ла-Валлетта;«Поклонениепастухов»,1609,Национальныймузей,Мессина).

М.даКараваджо.«Корзинасфруктами»,1596,ГалереяАмброзиана,Милан

Жизнь Караваджо была так же драматична, как и его картины. В 1606 году,поссорившисьвовремяигрывмячсоднимизучастниковэтогоразвлечения,художникубилсвоегопротивниканадуэли.Обвиненныйвубийстве,онпокинулРим,откудаперебралсянаостровМальта. Но и здесь несчастья не оставляли Караваджо. Поссорившись с крупнымвельможей, он был арестован. Вскоре живописцу удалось покинутьМальту и попасть наСицилию. Преследования наемных убийц не позволяли Караваджо оставаться на одномместе, и 1608–1609 годы он провел в скитаниях по сицилийским и южноитальянскимгородам.

В 1609 году Караваджо, поселившийся в Неаполе, подвергся нападению и получилсерьезное ранение. В 1610 году он отправился в Рим в надежде получить помощь своихпокровителей.Нодобратьсядонегохудожникнесмог.ПоследнимпристанищембольногоживописцасталгородокПортод’Эрколе,гдеКараваджоумеротлихорадки.

Реалистичное искусство Караваджо, отразившее бунтарский нрав художника, оказалоогромное влияние на дальнейшее развитие европейской живописи. К творчеству

знаменитогоитальянцаобращалисьтакиеизвестныемастераXVIIстолетия,какЯ.Йорданс,П.Рубенс,Х.Рибера,Д.Веласкес,Ф.Сурбаран,Рембрандт.

ХуанСанчес-Котан

(1561–1637)Санчес-Котан всегда оставался загадкой для исследователей. Находившийся в самом

расцвете творческих и физических сил, известнейший толедский живописец неожиданнодля всех решил стать картезианскиммонахоми вступил в обительПаулар.В ту пору емубылосороклет.НоивэтотпериодСанчес-Котаннеоставлялкисти,продолжаясоздаватьпрекрасныекартины.

Испанский живописец Хуан Санчес-Котан родился в Оргазе. Учился у толедскогохудожникаБласадельПрадо,известноговтовремяблагодарясвоимнатюрмортам.

ВраннийпериоджизниСанчес-Котаннаписалцелыйрядкомпозицийнарелигиозныесюжеты.Онипользовалисьуспехомусовременников,но,ксожалению,ниоднаизалтарныхкартин до нас не дошла. В завещании, составленном художником перед пострижением вмонахи,перечисленомножествоегонатюрмортов,написанныхвстилебодегонес(bodegon— «харчевня, трактир»). Среди них такое известное полотно, как «Овощи и дичь» (1602,собраниегерцогадеГернани,Мадрид).

В1604годуСанчес-КотансталмонахомобителиСьеррадеГуадаррама.В1612годуегоперевели в картезианский монастырь в Гранаде. Здесь он и умер, почитаемый своимисоотечественниками.

Не все произведения Санчес-Котана имеют точную датировку, поэтому можно лишьпредположить, что большая часть натюрмортов предшествовала его религиозномутворчеству. Натюрмортам художника свойственны такие качества, как строгость илаконичность композиционного решения, музыкальность линий, четкое распределениеобъемов, тончайшие светотеневые переходы. Таковы «Бодегон с артишоком» (Музейизобразительныхискусств),Гранада;«Натюрмортстыквой»(Музейискусства,Сан-Диего,Калифорния).

Необычен«Натюрморт» (ок. 1600–1610, частное собрание), изображающийлежащиеивисящие овощи и фрукты. Эта простая и ясная композиция, исполненная свежо инепосредственно,поражаетсвоейиллюзионистическойубедительностью.Каждыйпредметнаполотне, выписанныйтщательнои точно, кажетсямонументальнымивесомым.Чтобысделать изображение более выразительным, художник использует эффект драматическогоосвещения.Фруктыи овощи, показанные на глухом черномфоне, подвешенына веревкахили лежат на подоконнике. Хотя в картине есть что-то от голландской живописи,чувствуется, что мастер уходит от северных традиций, ведь в искусстве Голландиинатюрморт—этопреждевсегостолсрасставленнойнанемдорогойпосудойсовощамиифруктами.Санчес-Котантакподаетпростыепредметы,чтозрительпонимает:онивовсенепредназначеныдлятрапезы.Мастервложилвсвоюкомпозициюинойсмысл,очемговорятстрогость и упорядоченность расстановки вещей. Простому жанру Санчес-Котан придаетзначимость, как будто возносит натюрморт на более высокую ступень иерархическойлестницы.

Х.Санчес-Котан.«Натюрморт»,ок.1600–1610,частноесобрание

Став монахом, художник начал создавать произведения, посвященные исключительносвятойобители.Одинизглавныхшедевровмастера—циклизвосьмибольшихкомпозиций,рассказывающих об основании ордена Св. Бруно и преследовании английских католиковпротестантами.

Крометого,вкартезианскоммонастыревГранадеСанчес-Котанвыполнилфрескидлязала капитула, трапезной и нескольких капелл. Стены монастырских келий он расписалобразамиМадоннысгирляндамицветовипейзажамисфигурамиотшельников.

БольшинствоработСанчес-КотанахранитсявмонастыреимузееГранады.Несмотрянаприсутствующиевнихчертыархаическогоискусства,онипоказываютинтересхудожникактакойпроблеме,какпередачаосвещенияиперспективы.ВнекоторыхработахчувствуетсявлияниеитальянскогомастераКамбьязо, с творчествомкоторогоСанчес-Котан, вероятно,познакомилсявЭскориале(«Мадонна,будящаямладенцаХриста»,Музейизобразительныхискусств,Гранада).Поразительно,скакимискреннимчувствомитрогательнойнаивностьюхудожниктрактуетрелигиозныесюжетыисценыхристианскогомученичества.

Санчес-Котан оказал значительное воздействие на многих испанских художников.Преждечемнаписатьбольшойциклалтарныхкомпозиций,КардучоспециальноприезжалкСанчес-Котану изМадрида, чтобы познакомиться с его творчеством. Есть свидетельства,чтомонаха-живописцанавещаливеликийСурбаран.Натюрморты-бодегоныСанчес-Котанаповлиялиинатакихиспанскихмастеров,какФелипеРамиресиБласдеЛелеема.

ФрансискоСурбаран

(1598–1664)Франсиско Сурбаран отразил в своей созерцательной живописи важнейшую для

испанского искусстваXVII века темумонастырскойжизни. Заказчиками художника былипредставителидоминиканскогоордена,францисканцы,картезианцы,иеронимиты.Нарядусмногочисленнымиалтарнымикомпозициямиисценамиизжизнисвятых,Сурбараннаписалцелый ряд натюрмортов, свидетельствующих о глубоком интересе художника кокружающемумиру.

ИспанскийживописецФрансискоСурбаранродилсявЭстремадуре,вгородкеФуэнтедеКантос. В 1614 году его отец, небогатый торговец, определил сына в мастерскуюсевильскогохудожникаП.деВильянуэве,занимавшегосяраскраскойстатуйиздерева.

ЖивявСевилье,СурбарансблизилсясД.Веласкесом,скоторымпознакомилсявательехудожникаФ. Пачеко. Значительное влияние на молодого живописца оказало творчествоКараваджо.

ВсяжизньСурбарана прошла вИспании. В 1617–1618 годах онжил в Эстремадуре, вмаленьком городке Льеренне, а в 1629 году поселился в Севилье, где вскоре получилизвестность. Он выполнил целый ряд крупных заказов для монастырей Севильи. РаботыСурбаранапришлисьподушезаказчикам,игородскойсоветпредложилживописцунавсегдаостаться в городе, что вызвало протесты со стороны севильской корпорации художников,недовольнойуспехомпровинциальногомастера.

Ф.Сурбаран.«Натюрмортсапельсинамиилимонами»,1633,собраниеКонтини-Бонакосси,Флоренция

В1634 годуСурбаранприехалвМадрид, гдеизучалкартинывКоролевскомсобранииживописи и создавал полотна для дворца Буэн-Ретиро. Вскоре он вернулся в Севилью ипродолжил трудиться над заказами длямонастырей вИспании и в испанских колониях вЮжной Америке («Св. Лаврентий», 1636, Эрмитаж, Санкт-Петербург; «Рождество»,«Благовещение»,«Поклонениеволхвов»,«Обрезание»,все—в1638–1639,Музейизящныхискусств,Гренобль;«ЧудоспадреСальмероном»,«Искушениесв.Иеронима»,«Бичеваниесв. Иеронима», 1638–1645, капелла монастыря, Гваделупа, близ Касереса; «Мастерская вНазарете», 1630-е, Музей искусств, Кливленд; «Св. Касильда», Прадо, Мадрид; «Св.Доротея»,1635–1645;«Св.Инесса»,1635–1645,обе—вМузееизящныхискусств,Севилья;«Св.Марина»,1635–1645,Национальнаягалерея,Лондон)

Ф.Сурбаран.«ДетствоМадонны»,Метрополитен-музей,Нью-Йорк

В1650-х годах художник переживал творческий спад, что, возможно, было связано состремлениемподражатьмолодомуиспанскомуживописцуБ.Э.Мурильо.

Значительное место в наследии Сурбарана занимают натюрморты, показывающиелюбовное вниманиемастера к вещам, окружающимчеловека.Создавая своинатюрморты,художникиспользуеттежеприемы,чтоивсюжетныхкомпозициях.Выстраиваяпредметыводнойфронтальнойплоскости,Сурбараннаделяетихпредельнойобъемностью.Строгаяпластика форм делает изображение реальным и убедительным. Лаконичные по своему

композиционному строю, эти картины восхищают почти музыкальной ритмичностью,гармонией цветового решения и общей целостностью («Натюрморт с мельницей дляшоколада»,Музейзападногоивосточногоискусства,Киев).

ОднинатюрмортыСурбаранапоражаютсвоейкажущейсяпростотой,причастностьюкобыденной жизни («Натюрморт», ок. 1634, Прадо, Мадрид), другие, красочные имонументальные,вызываютощущениепраздничнойторжественности(«Натюрморт»,1633,МузейНортонСаймон,Пасадена,США).

ИнтерескмирувещейхорошозаметеннетольковнатюрмортахСурбарана,ноивегокомпозициях с человеческими фигурами. Такова картина «Детство Мадонны»(Метрополитен-музей,Нью-Йорк), в которой вещи, окружающиеюнуюМарию, помогаютсоздать удивительно живой и лиричный образ. Художник не только очень убедительнопередает фактуру каждого предмета, изображенного на полотне, но и стремитсяодухотворить его. Белые лилии и розы в большой вазе и меленькие голубые и желтыемаргаритки, рассыпанные по полу, корзинка с рукодельем, книга и ножницы на столе,вышивка с воткнутой в нее иглой— в каждом атрибуте сокрыт глубокий символическийсмысл.В1658годуСурбаранвернулсявМадрид.Егославаосталасьвпрошлом,изаказчикизабылиокогда-тознаменитомхудожнике.УмерСурбаранвглубокойбедности.

АнтониодеПереда

(1608–1678)Многие картины Антонио де Переды, будь то натюрморты или аллегорические

композиции, напоминают зрителю о бренности всего земного, быстротечности жизни инеотвратимости смерти. На полотне «Сон рыцаря» («Жизнь есть сон»), хранящейся вмадридской Академии Сан-Фернандо, ангел, вознесенный над спящим юношей, держитленту, на которой можно прочитать латинское изречение: «Земное подобно стреле, онолетитбыстроиубивает».

Испанский живописец Антонио де Переда родился в Вальядолиде, в семьепровинциальногохудожника.ОбразованиеонполучилвМадриде,вмастерскойП.Куэваса.МанераписьмаПередысформироваласьподвлияниемискусстваХусепедеРиберыиДиегоВеласкеса.ЖилиработалхудожниквМадриде.

В творческом наследииПереды—множество картин на религиозные и историческиесюжеты («Взятие Генуи маркизом Санта-Крус», 1634, Прадо, Мадрид; «Благовещение»,1637, «Освобождение апостола Петра из темницы», «Св. Иероним», все — в МузееСерральбо, Мадрид). Огромный интерес к миру вещей побудил художника обратиться кжанру натюрморта, в котором он стал непревзойденным мастером. На его полотнах мывидим множество дорогих и красивых предметов, соединенных в тесные группы. Здесьблестящие металлические блюда, ковшики, стеклянные сосуды, изящные керамическиекувшины и вазочки, украшенные цветочным орнаментом. Такова картина «Натюрморт споставцом» (Эрмитаж, Санкт-Петербург), где выразительность и нарядность создается спомощью сопоставления оттенков: бордовой скатерти, темного сундучка-поставца имногочисленныхвещейнастоле,окрашенныхвсветлыетона.

А.деПереда.«Натюрмортсчасами»,1652,ГМИИ,Москва

А.деПереда.«Натюрмортспоставцом»,ок.1652,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Переда внимателен к каждому предмету, он тщательно передает даже самые мелкиедетали: щербинки на краях бокала и бело-синего кувшина, складочки на скатерти иотражениеоконногопроемавкругломстеклянномсосуде,наполненномводой.

Какидругиеиспанскиехудожники,Переданеразобращалсякжанруvanitas.Втакомстиле исполнен «Натюрморт с часами» (1652, ГМИИ, Москва), изображающий часы —символнеумолимоговремени,морскиераковины,воплощающиевнешнююоболочку,из-подкоторой давно ушла жизнь. К этому же типу натюрморта принадлежит и полотно,получившее название «Vanitas» («Аллегория бренности», ок. 1650–1651, Художественно-исторический музей, Вена), где фигура крылатого ангела окружена вещами,символизирующимивласть,богатство,знания,удовольствияиразвлечения(монеты,книги,оружие,игральныекартыит.д),ипредметами,указывающиминабыстротечностьжизни(черепа, песочные часы, погасшая свеча). Здесь Переда, как и во многих других своихкартинах,помещаетлатинскуюназидательнуюнадпись«Nilomne»—«Всеничто».

ФрансуаДепорт

(1661–1743)ФрансуаДепортобладалудивительнойспособностьютонкочувствоватьприроду,иэто

являлось наиболее сильной стороной его таланта. Особенно ярко передают мастерствоживописцанепосредственныеисвежиеэтюды,выполненныеснатуры.Ихсохранилосьнетакужмного,ноименноони,нынехранящиесявнесколькихфранцузскихмузеях,даютнамнаиболееточноепредставлениеозамечательномискусствеДепорта.

Французский живописец Франсуа Депорт родился в городке Шампинель в семьекрестьянина.Оноченьраноначалрисовать,иегоспособностинеосталисьнезамеченными.В возрасте 12 лет Франсуа поступил учеником в парижскую мастерскую фламандскогохудожникаР.Бернартса.

В начале своего творческого пути Депорт занимался главным образом портретами. В1695годуонсталпридворнымхудожникомпольскогокороля,ноужев1696годуЛюдовикXIV отозвал мастера в Париж и назначил его живописцем королевской охоты. СпустянескольколетДепортнаписал«Автопортретвохотничьемкостюме»(1699,Лувр,Париж)ипредставилеговПарижскуюакадемиюхудожеств.Благодаряэтомуполотнуонсталчленомакадемии.

С конца 1690-х годов Депорт создавал в основном картины со сценами королевскойохоты,натюрмортысбитойдичью,фруктами,дорогойпосудой(«Собакаидичь»,Эрмитаж,Санкт-Петербург; «Натюрморт с дичью и овощами», Эрмитаж, Санкт-Петербург). Этипроизведения,выполненныевтрадицияхпышногопридворногоискусстваФранции,втожевремясвидетельствуютовнимательномизучениихудожникомфламандскойживописисееглубочайшиминтересомкматериальномумирувещей.

Ф.Депорт.«Натюрмортсбитымзайцемифруктами»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Ф.Депорт.«Плоды»,Государственныйхудожественныймузейим.А.Н.Радищева,Саратов

Таковакартина«Натюрмортсбитымзайцемифруктами»(Эрмитаж,Санкт-Петербург).На фоне освещенного солнцем пейзажа с фигурой всадника художник изобразил битуюптицу, зайца, корзину с фруктами и виноградом. И если ландшафт передан несколькоусловно, предметы на первом плане показаны с осязаемой убедительностью. Депорттщательно выписывает фактуру вещей: бархатистую поверхность спелых персиков,запотевшие блестящие виноградины, сочную мякоть дыни, пушистый, мягкий мех зайца.Оживлениевкомпозициювноситсобака,пестраябабочка,муха,севшаянадыню.

Мастерски исполненные картины Депорта пользовались большим успехом усовременников.

ЖанБатистУдри

(1686–1755)ЗамечательноемастерствоЖанаБатистаУдривсегданаходиломножествопоклонников

всредевысокородныхлюбителейохотывомногихстранахЕвропы.Художникабуквальнозавалили заказами, и, чтобы справиться с ними, ему часто приходилось делать вариантыкартин,пользовавшихсянаибольшимуспехом.

Французский живописец и рисовальщикЖан Батист Удри родился в Париже в семьехудожника. В 1707 году Жан Батист стал учеником Никола де Ларжильера, в ательекоторогоонпознакомилсястворчествомголландскихифламандскихмастеров.

Ларжильер научил своего воспитанника многим колористическим приемам, поэтомумолодой художник быстро достиг совершенства в передаче световых и цветовыхсоотношений. Необыкновенное мастерство Удри показывают его картины-«обманки»(«Белаяутка»,1753,частноесобрание),создающиеиллюзиюреальности.

ХотялюбимымжанромУдрибылнатюрморт,свойпутьвкачествеживописцаонначалс наиболее популярных в то время жанров — религиозных композиций и парадныхпортретов,дававшихемусредстваксуществованию(«Св.Иероним»,1708,несохранилась;«ГрафиграфиняКастельбланко»,ок.1716,Прадо,Мадрид).

Ж.Б.Удри.«Фрукты»,1721,ГМИИ,Москва

В конце 1710-х годов Удри обратился к натюрморту. Он пробовал себя в различныхвидах этого жанра («Натюрморт с обезьяной и скрипкой», 1719, Национальный музей,Стокгольм;«Фрукты»,1721,ГМИИ,Москва),новскорепонял,чтоегоглавноепризвание—картинысосценамиохоты.Вскоренаталантливогохудожникаобратилвниманиекороль,который в 1723 году предложил мастеру написать для дворца в Шантийи трикрупноформатных полотна с мотивами охоты. В настоящее время эти работы хранятся вМузееКондевШантийиивМузееизящныхискусстввРуане.Отличительныеособенностикартин Удри со сценами охоты — гармоничность композиционного строя, богатствокрасок, иллюзионистическая убедительность (серия «Королевские охоты», 1733–1746,Фонтенбло; Лувр, Париж; «Экзотические животные», музей, Шверин; «Собаки в стойкеперед дичью», Национальный музей, Стокгольм). Полотна мастера приобретались дляукрашения дворцов во Франции (Версаль, Марли, Фонтенбло), а также королевскихрезиденцийвдругихстранахЕвропы.

Помимо станковых работ, Удри создал множество картонов для ковровых мануфактурГобеленовиБове,гдеонзанималдолжностьхудожественногодиректора.

ЖанБатистСимеонШарден

(1699–1779)КогдаШардена попросили раскрыть тайну изготовления красок, которыми он пишет

свои картины, художник ответил: «А кто вам сказал, что пишут красками? Пользуютсякрасками, но пишут чувствами». Именно умение чувствовать окружающий мир, талант итрудолюбиепомоглимастерусоздатьстольковеликолепныхпроизведений.

Французский живописец Жан Батист Симеон Шарден родился в Париже в семьестоляра.НачальноеобучениебудущегохудожникапрошловмастерскойПьераЖакаКаза.Здесь Шарден занимался главным образом копированием картин религиозной тематики.ПисатьснатурыонначалвательеНоэляНиколаКуапеля,иэтоположительносказалосьнадальнейшемегостановлении.ЗначительноевлияниенаживописцаоказалиЛ.М.Ванлоо,скоторымШардензанималсяреставрациейфресокXVIстолетияводворцеФонтенбло.

Яркий талант художника и его увлечение бытовым жанром обнаружились в первойсамостоятельной работе Шардена — вывеске на доме цирюльника-хирурга. Мастеризобразилсценуоказанияпомощираненомунадуэли.Участиевнейпринимаетнетолькохирург,ноизеваки,случайнооказавшиесяздесь.

Первые натюрморты в живописи Шардена появились в середине 1720-х гг. К этомувремени художник уже являлся членомАкадемииСв.Луки (с 1724 года).В 1728 году онпродемонстрировал на выставке несколько своих работ. Среди них были композиции«Буфет» и «Скат» (ныне обе хранятся в Лувре), принесшие мастеру большой успех ичленствовКоролевскойАкадемии.

Ж.Б.С.Шарден.«Кормилица»,1738,Национальнаягалерея,Вашингтон

КарьераШарденапродвигаласьудачно:в1743годуонсталсоветником,ав1755году—казначеемакадемии.ХудожникпостоянновыставлялсвоикартинывСалоне(впервые8егополотенпоявилисьтамв1737году).

В1731 годуШарденобвенчался сдочерьюкупцаМаргеритСентар.Вскоре вмолодойсемье появился ребенок. Судьба не была благосклонна к художнику, пережившемуодновременную смерть первой жены и дочери, а также гибель ребенка, родившегося вовтором браке. Тем не менее его жанровые композиции всегда показывают счастливую

семейную жизнь, полную любви и покоя («Ребенок с волчком», 1738; «Молитва передобедом»,1740;«Утреннийтуалет»,1741,все—вЛувре,Париж;«Маленькаяучительница»,Национальнаягалерея,Лондон).МногиемотивыэтихпроизведенийбыливзятыиздетскихвоспоминанийШардена,воспитанноговдобропорядочнойпатриархальнойсемье.

Ж.Б.С.Шарден.«Молитвапередобедом»,1744,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Расцвет творчества Шардена приходится на 1730–1740-е годы. Полные искреннегочувства, простые и естественные произведения мастера показывают повседневную жизньобычного человека, его труд, отдых, семейные взаимоотношения («Прачка», ок. 1737,

Эрмитаж, Санкт-Петербург; «Женщина, чистящая овощи», 1738, собрание Лихтенштейна,Вена; «Рукодельница», Национальный музей, Стокгольм; «Гувернантка», 1739, собраниеЛихтенштейна,Вена; «Вернувшаяся с рынка», 1739; «Трудолюбиваямать», 1740, оба— вЛувре, Париж). В этих работах художник поэтизирует будничную жизнь, показываетзрителюеепривлекательныестороны.

Жанровыекомпозициисвидетельствуютобогромноминтересехудожникакмирувещей,окружающихчеловека.Яркимпримером этого являетсяполотно«Молитвапередобедом»(1744,Эрмитаж,Санкт-Петербург).Вкомнате,гдесобралиськобедуматьиеемаленькиедочери, находится множество разнообразных предметов, написанных мастером с неменьшимвниманием,чемфигурылюдей.Накомодестоитстеклянныйкувшиниблестящееблюдо,наполке—бутыли,миска,мельницадлякофе.Наспинкедетскогокреслицависитигрушка—барабан.Напервомпланемывидимстоящуюнаполумаленькуюжаровню,накоторой хозяйка готовит обед для семьи.Жизнь вещей на полотне неразрывно связана сжизнью людей. Мать ласково смотрит на девочку, произносящую молитву со словамиблагодарностикБогуза«хлебнасущный».

Глубокогонравственногосмыслаполнаиболееранняякартина—«Кормилица»(1738,Национальная галерея, Вашингтон). Прекрасный натюрморт, представленный в центрекомпозиции,играеттакуюжеважнуюроль,какивпредыдущемполотне.Каждаяпростаяискромная вещь в этой маленькой группе на столе несет дополнительную символическуюнагрузку.

В 1750-х годах натюрморт занимал главное место в творчествеШардена. Живописецизображалсамыеобычныебытовыепредметы,снедь,посуду,домашнююутварь.Картины,представляющиевещи,такжекакижанровыесцены,демократичныивтожевремяполнывнутреннейзначимости.

Все предметы, которые зритель видит в натюрмортах Шардена, символизируютпрочность семейной жизни, упорядоченность ее уклада. Простые тарелки и миски,кастрюля с отодвинутой крышкой, яблоки и луковицы, ступка, бутыль с вином — всенапоминает о скромной трапезе обыкновенного человека («Банка с оливками», 1760;«Натюрморт»,МузейКоньяк-Же,Париж;«Трубкиикувшин»,«Кухонныйстол»,«Медныйбак», все — в Лувре, Париж). Поразительно, с каким вниманием относится художник ккаждой, казалось бы, ничем не примечательной вещи, будь то большой, сверкающиймеднымибокамибакилипростаямиска.

Шарден располагает предметы для своих натюрмортов так, чтобы они казалисьестественными,отмеченныминезримымприсутствиемчеловека.Всевещи,расставленныена столе, очень тщательно подобраны по своим размерам, они не кажутся ни чрезмернобольшими,нислишкоммелкими,иэтодаетвозможностьзрителюхорошорассмотретьих.Втожевремяонидостаточноудаленыотнасипотомуоченьубедительны.

Хотя натюрморты написаны объемно, с использованием тончайших светотеневыхпереходовизвучных,живыхоттенков,вкартинахнетиллюзорности.Этоне«обманки»,аоченьточныеиреалистичные«портреты»вещей.

Шарден всегда долго и тщательно работал над своими натюрмортами. Если в раннихпроизведениях этого жанра он, стремясь оживить картины, вводил в них изображенияживотныхилидекоративныеэлементы,товзрелыйпериодтворчествамастеротказалсяотподобнойпрактикииограничилсянаборомнесколькихобычныхпредметов.Такиеполотна,статичные и спокойные, верно предают созерцательно-философский дух искусства

Шардена.В своих натюрмортах художник предстает как талантливый колорист. С помощью

мелких, динамичных мазков, разнообразных по насыщенности цветовых градаций ирефлексовонсоздаетудивительнокрасочноеивыразительноеизображение.

Особое место в живописиШардена занимают натюрморты, показывающие предметы-атрибуты, связанные с музыкой, искусством, наукой. Почти все они были написаныхудожникомдлягалереизамкаШуази,атакжемузыкальногозалаБельвю.

Ж.Б.С.Шарден.«Натюрморт»,МузейКоньяк-Же,Париж

Ж.Б.С.Шарден.«Натюрмортсатрибутамиискусств»,1760-е,ГМИИ,Москва

На полотне «Натюрморт с атрибутами искусств» (1760-е, ГМИИ,Москва) изображенагруппапредметов,средикоторыхвыделяетсягипсоваяголоваМеркуриявцентрекартины.Рядом лежат инструменты для черчения и рисования, книги в кожаных переплетах,гравюры,свернутыеврулон.Новедущуюрольвкомпозициииграетвсе-такиМеркурий—античное божество, считающееся покровителем искусств. Возможно, его изображениеявляется также символом скульптуры как вида пластического искусства (жанрмифологической скульптуры занимал одно из главных мест в академической системеобучения XVII века). Принадлежности для рисования наводят на мысль о высокомпредназначении рисунка.Войти вмир науки и искусства позволяют книги, открывающиедлячеловекапутьксовершенству.

Удивительна красочная гармония полотна. Цветовая гамма почти монохромна.Оливковые,серые,голубоватыеоттенкипрекрасносочетаютсядругсдругом,илишьяркиекорешкикнигспорятсжелтовато-белымгипсомисветлымилистамигравюр.

Дени Дидро писал о колористическом мастерстве художника: «Вот кто чувствует доконца гармонию красок и рефлексов! О Шарден! Не белую, красную и черную краскирастираешьтынасвоейпалитре:самуюматерию,самыйвоздухисамыйсветберешьтынакончиксвоейкистиикладешьнаполотно!»

Живописная поверхность полотен Шардена необыкновенно разнообразна. Иногдакраски создают шершавую и плотную фактуру, на которой можно заметить следыэнергичнойкистимастера.Надругихучасткаххолстацветасливаютсявоедино,чторождаетвпечатлениеотполированнойповерхности.Глядяна«Натюрморт с атрибутамиискусств»,зрительощущаетшероховатостькожикнижныхпереплетовигладкиеочертаниягипсовогобюста.

Ж.Б.С.Шарден.«Натюрмортсатрибутамиискусств»,1766,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Уделяятакоевниманиеинструментамдлярисования,Шарденнепоместилнаполотноглавныйсимволживописца—палитру.

Возможно, здесь сказалось желание показать истоки живописного мастерства, ведькаждый художник начинал свой нелегкий путь в искусство с карандаша, помогающегопостичь тайны рисунка. Этот долгий и трудный процесс описал в «Салоне 1865 года»Д.Дидро:«Летсеми-восьминамдаюткарандашвруки.Мыначинаемрисоватьпообразцамглаза, рты, уши,потомногиируки.Мыдолго гнем спинунад альбомом,преждечемнаспоместятперед«Геркулесом»иликаким-нибудьторсом…Послетогокаквысохлидниипроводилиприлампеночипереднеподвижнойинеодушевленнойнатурой,васзнакомятсживописнойприродой.Внезапновсяработапредыдущихлеткажетсясведеннойнанет.Выне были более растеряны, когда впервые взяли карандаш… Это терзание нашей жизни».Видимо, именно такому невероятно сложному процессу учения, тяжкому трудуюности ипосвященакартинаШардена.

Ухудожникаестьещеоднополотностемженазваниеминаэтужетему—«Натюрмортс атрибутами искусств» (1766), хранящийся в Эрмитаже. Эта композиция, теснозаполненная разнообразными предметами, среди которых книги, инструменты длячерчения, палитра, небольшая скульптурная фигура, повествует о труде живописца,скульптора,архитектора.

Впоследниегодыжизни,когдаинтерескеготворчествузначительноснизился,Шарденнаписал несколько психологичных и искренних портретов («Автопортрет», 1775, Лувр,Париж; портрет второй жены художника, Франсуазы-Маргариты, 1775, собрание Уайкс,

Париж). В это время Шарден переживал далеко не лучшие времена (прерваны егоотношениясакадемией,ослаблозрение),нопродолжалсоздаватьзамечательныекартины.

НилсШилмарк

(1745–1804)Необыкновенно талантливый и разносторонний художник Нилс Шилмарк с большим

успехом работал в жанре портрета, пейзажа, натюрморта. В картине «Девочка сземляникой» (1782, Художественный музей Атенеум, Хельсинки) он сумел, не нарушаяобщейцелостности,соединитьдваразныхжанра—портретипейзаж.

Финский живописец Нилс Шилмарк учился в Стокгольме у известного шведскогохудожникаП.Хиллестрёма.В1773годуонвернулсявФинляндию.

СначалаШилмаркработалвкачествепортретиставкрепостиСуоменлинна(Свеаборг),являвшейся в то время центром художественной жизни страны и местом, где трудилосьмножество известных живописцев не только из Финляндии, но и из других государств.ЗатемШилмаркпереехалвХельсинки,ачерезнекотороевремя—вЛовийс.

В Финляндии художник очень быстро завоевал славу прекрасного портретиста. Егозаказчиками были военные, городская знать, дворяне. ВсегоШилмарк написал около 130портретных изображений своих современников. Этим произведениям свойственны такиекачества,каккомпозиционнаяпростотаистрогость,гармоничностьколорита,благородствообразов («Портрет Анны Магдалены Юстандер», 1779–1781, Городской историческиймузей,Турку).

Шилмарк стал одним из основоположников новых для финской живописи жанров:натюрморта и пейзажа. К числу подлинных шедевров европейского искусства XVIII векаможно отнести целый ряд его натюрмортов. Замечательное мастерство художникадемонстрирует «Натюрморт с чашей» (1795–1797, Художественный музей Атенеум,Хельсинки). Восхитительна цветовая гамма этого полотна, выдержанная в холодныхголубых и серебристо-серых оттенках, придающих изображению благородную строгость.Оживляюткартинутеплыесветло-коричневыетонаосвещенногоробкимсолнечнымсветомстола, на котором представлена естественно расставленная группа предметов. Широкаячаша,расписаннаяцветами,расположенавцентрекомпозиции.Вокругнеестоятрюмкинатонкихножкахичернаябутыль.Напереднемпланележатлимоны.Долькиодногоизнихопущены в чашу.Шилмарк виртуозно передает фактуру каждой вещи, и зритель ощущаетневесомость прозрачной занавески на окне, прохладное, гладкое стекло бокалов, чутьшершавуюдеревяннуюповерхностьстола.

Н.Шилмарк.«Натюрмортсчашей»,1795–1797,ХудожественныймузейАтенеум,Хельсинки

Дарование художника проявилось и в его пейзажах, изображающих торжественную испокойную природу Финляндии («Хейнола, резиденция губернатора», «Хейнола и рекаЮрянкё»,оба—в1787,ХудожественныймузейАтенеум,Хельсинки).

НоваторскоеискусствоШилмаркавобластипейзажаинатюрмортаненашлопониманияусовременников,идостойнуюоценкуеготворчествополучилолишьчерезмноголетпослесмертихудожника.

МастеранатюрмортавевропейскомискусствеXIX–XXвеков

ФрансискоГойя

(1746–1828)ТворчествоФрансискоГойискладывалосьнарубежеXVIII–XIXстолетий,всложнейших

исторических условиях. Художник был современником Великой французской революции,национально-освободительной войны испанского народа с Наполеоном. Все эти событияналожили отпечаток на искусство талантливого мастера, создавшего замечательныепроизведения,проникнутыенациональнымдухом.

Испанский живописец, рисовальщик и гравер Франсиско Хосе де Гойя-и-ЛусиентесродилсявместечкеФуэндетодос(провинцияСарагоса)всемьеремесленника-позолотчика.

ВчетырнадцатилетнемвозрастеГойярешилстатьхудожникомиотправилсявСарагосу,где поступил в мастерскую живописца Хосе Лусано-Мартинеса. В 1766 году, когдаФрансискоисполнилосьдвадцатьлет,оноставилсвоегоучителяиуехалвМадрид,кновомунаставнику—Франсиско Байеу. Дважды молодой художник делал попытки поступить вАкадемию Сан-Фернандо в Мадриде (1764 и 1766), но его рисунки не нравилисьпрофессорамакадемии.

В 1770 году Гойя оставилМадрид и отправился в Италию. Во время путешествия онсделал множество набросков, эскизов, рисунков. Художник принял участие в конкурсе,проводимомПармскойакадемиейнатему«ГаннибалсвысотыАльпвзираетнапокоренныеимземлиИталии»,исталобладателемвторойпремии.

В1771годуГойявернулсянародину,вСарагосу.Вскореонполучилздесьсвойпервыйзаказ (росписи купола собора Нуэстра Сеньора дель Пилар), затем последовали и другиепредложения.В1773годухудожникженилсянасестреФ.Байеу—Хосефе—ипереехалвМадрид.

В1776–1780-хгодах,чтобызаработатьденегдляобеспечениясемьи,Гойяработалнадкартонами для шпалер Королевской мануфактуры Санта-Барбара в Мадриде («Танец наберегу Мансанареса», 1776; «Зонтик», 1777; «Продавец посуды», 1778–1779; «Игра впелоту», 1779, все — в Прадо, Мадрид). Эти жизнерадостные и красочные панно,изображающие сцены из народной жизни, принесли ему успех и членство в мадридскойАкадемииСан-Фернандо (1780), куда он не смог поступить вюности. В 1785 году Гойюназначили вице-директором академии, а в 1795 году он занял должность директораживописногоотделения.

Ещев1786годуГойясталпридворнымживописцем.Вэтовремяонначалвторуюсериюкартоновдляковров,нонаэтотразглавноевниманиехудожникуделилнезрелищности,аэмоциональной выразительности, и потому цвета композиций уже не такие насыщенные,каквпрежнихпанно,аболеесдержанные(«Игравжмурки»,1788;«Ходули»,1792,обе—вПрадо,Мадрид).

Ф.Гойя.«Ощипаннаяиндейка»,1808–1812,Стараяпинакотека,Мюнхен

Получивший широкую известность, Гойя не знал недостатка в крупных заказах.Прославилсяоникакпортретист,создавшиймножествоизображенийаристократов,членовкоролевскойсемьи,атакжесвоихдрузейиединомышленников(«МаркизаАннаПонтехос»,1786; «КорольКарл III в охотничьем костюме», 1786–1788; «Семья герцогаОсуна», 1788;портретыхудожникаФ.Байеу,1795;ученогоипублицистаХ.М.Ховельяноса,1798,все—вПрадо,Мадрид).

1790-е годы принесли художнику трудности как в личном, так и в творческом плане.Гойяперенестяжелейшуюболезнь,врезультатечегоначалтерятьслух.Нанекотороевремяоноставилживопись.Немогланеповлиятьнамастераисложнаяполитическаяобстановка:правительстванесколькихевропейскихстранпринялирешениеначатьинтервенциюпротивФранции,гдевспыхнулабуржуазнаяреволюция.ВИспаниивозниклафеодальнаяреакция,ивсепрежниелиберальныереформыбылисвернуты.

К творчествуГойя вернулся лишь в 1793 году.В 1798 годупоявилась его графическаясерия «Капричос», соединившая вымысел и реальность. Знаменитые офорты мастераобличалилицемериеижестокостьвластьимущих,невежествои слепойфанатизмнарода,тупость и алчность церковной верхушки (листы «Ты, который не можешь», «Что можетсделать портной», «Точь-в-точь», «Сон разума рождает чудовищ», «Какие золотые уста»,«Этомупраху»идр.).

КэтомужевремениотносятсяичудесныефрескивцерквиСан-АнтониоделаФлоридавМадриде(1798),выполненныеГойейвсегозатримесяца.

В1799годуГойясталглавнымживописцемкороля.Вэтомжегодупоявился«ПортреткоролевыМарии-Луизы вмантилье» и «Конный портрет короляКарла IV», а в 1801 годухудожникзакончилзнаменитый«ПортретсемьиКороляКарлаIV»(Прадо,Мадрид).

В 1807 году на территориюИспании вошли французские войска, а в мае 1808 года вМадриде началось народное восстание. Оно было подавлено французами, но вскореразразиласьвойназанезависимость.Этисобытия,оставившиенахудожниканеизгладимоевпечатление,черезнескольколетнашлиотражениевкартинах«Восстание2мая1808года»и«Расстрелвночьсо2на3мая1908года»(обе—в1814,Прадо,Мадрид).

Между1808–1812годамипоявиласьсериянатюрмортовГойи,необычныхпосюжетуисовершеннонепохожихнатрадиционныекартиныэтогожанраповыборупредметов.Внихнет любования окружающим миром, восхищения его красотой. Художник апеллирует кчувствам зрителей, пытается затронуть тонкие струны человеческой души. Такова«Ощипанная индейка» (1808–1812, Старая пинакотека, Мюнхен), относящаяся к циклунатюрмортов,написанныхмастеромдлясобственнойкухни.Картинаотличаетсянамереннопостроенной композицией. Ощипанная тушка птицы прислонена к ручке сковородки иподдерживается глиняной миской, которая сразу не бросается в глаза. Этот странныйнатюрморт не вызывает положительных чувств и воспринимается скорее как нечтожестокоеипротивоестественное.Художниккакбудтоподчеркиваетнелепостьпозыптицы,убитойилишенной яркогооперения.Не способствуютпробуждениюаппетитаи рыбынасковороде, кажущиеся живыми и подвижными. Убедительность передачи натуры Гойядоводитвсвоихнатюрмортахдопредельнойэкспрессии.

В1810годумастерначалсвоюзнаменитуюсерию«Бедствиявойны»(1810–1820),кудавошли 85 офортов, рассказывающих о событиях борьбы испанского народа с войскамиНаполеона в 1808–1812 годах. Сюжеты, показанные художником (пожары, мародерства,смертьлюдейотголодаиран),свидетельствуютотом,чтоавторвыступаетпротиввойны,считая, что оправдать ее не могут даже самые благородные и веские причины. Война вкомпозицияхГойитакжеужаснаиотвратительна,какощипаннаятушкамертвойптицы.

Жесточайшая реакция, начавшаяся после поражения двух испанских буржуазныхреволюций,нашлаотражениевпозднемтворчествеГойи.СвойзагородныйдомКинтадельСордо («дом глухого») художник расписал живописными композициями, полнымииносказаний,фантастическихобразовимрачныхнамеков.Нынебольшаячастьэтихкартин,перенесенныхнахолст,хранитсявмадридскоммузееПрадо.

Здоровье старого художника ухудшалось. В 1824 году он полностью оглох. Гойя сталплохо видеть, но продолжал писать. Он создавал главным образом портреты друзей изнакомых.Одна из последних значительных его работ— картина «Молочница из Бордо»(1826,Прадо,Мадрид).

ФанниКурберг

(1845–1892)Искусство замечательной художницы Фанни Курберг стоит несколько особняком в

финской живописи XIX века. Ее картины с изображением природы, написанные

темпераментными, динамичными мазками, полны внутреннего драматизма. ТворчествоКурберг интересно для современных зрителей и искусствоведов тем, что в нем яркопроявилисьчерты,свойственныепейзажуинатюрмортуновоговремени—XXстолетия.

Становление финской художницы Фанни Курберг происходило в Германии, вДюссельдорфе, где вместе с другими крупнейшими мастерами финского искусства онапостигалатайныживописи.Важнуюрольвформированииеетворческойманерысыграланестолько дюссельдорфская школа, начинавшая терять свой прежний авторитет, сколькоискусствобарбизонцевипарижскихживописцев.

Пейзажи Курберг восхищают своей экспрессивностью и эмоциональнойвыразительностью(«Лунныйпейзаж»,1879,ХудожественныймузейАтенеум,Хельсинки).С помощью вихреобразных мазков и сумрачных красок художница создает картины, вкоторых внимание обращено на противоборство природных сил и борьбу стихий. Встремительном ритме движутся по небу клубящиеся тучи, ветер вздымает волны и гнетветвидеревьев.

Ф.Курберг.«Композиция»,1877,ХудожественныймузейАтенеум,Хельсинки

Натюрморты Курберг по праву занимают видное место среди шедевров финскойживописи. Ярким примером этому являются полотна «Натюрморт с овощами и рыбой»(1876,ХудожественныймузейАтенеум,Хельсинки),«Натюрмортсгрибами»(1877,МузейПохьянмаа, Вааса), но особенно хороша «Композиция» (1877, Художественный музейАтенеум, Хельсинки), напоминающая представленный крупным планом небольшойфрагментповседневнойжизни.

Ф.Курберг.«Натюрмортсгрибами»,1877,МузейПохьянмаа,Вааса

Тщательно скомпонованная тесная предметная группа состоит из самых простых,обыденныхвещей.Зрительвидитвысокуюбутыльтемногостекла,краснуюкерамическуюкруглуюемкостьснеобычнымизолотистымиручками,лежащуюнабокублестящуюмеднуюкастрюлюималенькийножик.Этотнаборкухоннойпосудыгармоничнодополняютовощи:небольшойкочанкапустыиголовкирепчатоголука.Свеличайшиммастерствомхудожницапередает характерные свойства предметов, обретающих на холсте материальность иосязаемость.Художественнаямоделировкаформделаетизображениепохожимначудесныенатюрморты знаменитого французского мастера — Ж. Б. С. Шардена. В то же время вкартинахКурберготсутствуетшарденовскаясозерцательность.Посвоейэкспрессивностиеенатюрморты, равно как и пейзажи, вомногом предвосхищают изобразительное искусствоXXстолетия.

МарияВиик

(1853–1928)Творческое дарование Марии Виик проявилось в задушевных и искренних портретах,

полных тихой грусти, проникновенных жанровых композициях, а также в скромных, ноудивительно красивых и лиричных натюрмортах. В этих произведениях национальныетрадициигармоничносоединенысэлементамифранцузскойживописнойшколы.

Талантливая художница Мария Виик принадлежит к числу самых ярких мастеровживописиФинляндииконцаXIX—началаXXвека.ВтворческомнаследииВиик—целыйрядодухотворенныхпортретныхобразов («ПортретХильдыВиик»,1881,ХудожественныймузейАтенеум,Хельсинки)ижанровыхкомпозиций,средикоторыхвыделяетсяполотно«Впуть» (1889, Художественный музей Атенеум, Хельсинки), показывающее скромнообставленнуюкомнату,накрытыйстолифигурыдвухженщин—старойимолодой.Дочь,одетая в темное платье, собирается в дальнюю дорогу, мать, печально глядящая на своедитя, помогает ей в сборах. Солнечные лучи, проникающие сквозь небольшое окно,окрашиваютвсепредметыинтерьеравтеплыежелтовато-коричневыетона.

Художница не останавливается на передаче обычной сценки из повседневной жизнипростых людей, ее замысел гораздо глубже и драматичнее. Виик стремится рассказать отрудностях этой жизни, и потому ее картина проникнута искренним сочувствием изадушевностью.

М.Виик.«Натюрморт»,1880,ХудожественныймузейАтенеум,Хельсинки

Виик обладала собственным неповторимым стилем. Художественный язык еепроизведений прост и лаконичен, персонажи демократичны и духовно значимы. Эти жечерты присущи и натюрмортам художницы, занимающим важное место в ее творческомнаследии. Необыкновенно выразителен «Натюрморт» (Художественный музей Атенеум,Хельсинки),созданныйВиикв1880году.Хотяэтакартинаиотноситсякнатюрмортномужанру, она в то же время включает в себя изображение небольшого интимного уголкаинтерьера.Подобноесмешениежанровбылосвойственноевропейскойживописипоследней

четвертиXIXвека.Наполотнеизображенозеркаловдеревяннойрамеиотражающиесявнемпредметы—

столик, покрытый белой льняной скатертью, широкий сосуд и стеклянный бокал сромашками. Ярким пятном на белом фоне стола выделяется зеленый листок, как будтослучайно занесенный в окно ветром. Угол зеркала закрыт широкополой соломеннойшляпой,украшеннойбукетикомкрасныхцветов.Справойсторонызеркаласостеныспадаеттонкимискладкамитемнаяткань.Этинемногочисленныепредметы,казалосьбы,ничемнесвязанные между собой, тем не менее придают композиции целостность. Еще однодостоинство натюрморта — виртуозно переданная фактура вещей. С осязаемойубедительностью показана гладкая поверхность зеркала, хрупкое стекло бокала, неровнаяматерия скатерти, плотное соломенное плетение шляпы. Скромная, лишенная внешнейэффектностикартина,выполненнаявсдержанной,гармоничнойцветовойгамме,воспеваеткрасотутихойповседневнойжизниирождаетузрителярадостныеисветлыечувства.

ОдилонРедон

(1840–1916)Вживописи и графике Одилона Редона реальность переплетается с фантастическими

образамиимистическимисимволами.Люди-цветы,демоны,падшиеангелы,скелеты—всеэто персонажи его загадочных картин и рисунков. Один из современных художникукритиков писал, что Редон, находясь «где-то на грани между реальностью и фантазией,нашелнеобитаемуюобластьинаселилеегрознымипризраками,чудовищами».

Французский живописец, рисовальщик и декоратор Одилон Редон родился в Бордо варистократическойсемье.ДетствоегопрошловименииПейрельбад.ПервыеурокирисункаОдилон получил у местного художника Горена. В пятнадцатилетнем возрасте Редонсоздавалпрекрасныеакварелииделалкопиисгравюранглийскихмастеров.

НекотороевремяюношаобучалсяархитектуревПариже,нокурсанезавершил.ПозднееонпосещалШколускульптурывБордо,затем—студиюЖеромавПариже.МноговремениРедонпроводилвЛувре,гдекопировалкартинызнаменитыхживописцев.

Значительное воздействие на становление молодого художника оказало творчествоЛеонардодаВинчи,Ж.Ф.Коро,Э.Делакруа,Ф.Гойи.Новомногомегобудущуюжизньопределиладружба со смотрителемботанического сада вБордоАрманомКлаво, которыйобладалбольшойбиблиотекойиразрешилпользоваться ейРедону.Онпознакомил своегоюногодругаслитературнымтворчествомГюставаФлобера,ШарляБодлера,ЭдгараПо, струдами немецких философов и индийской поэзией, а также с удивительным миромрастенийимикроорганизмов.

В 1863 году состоялось знакомство Редона с гравером Родольфом Бреденом. Этотхудожник занимался созданием небольших офортов, изображающих необычные растения,деревья, людей. Полное мистики творчество Бредена настолько увлекло Редона, чтопоследний поступил в его мастерскую и начал осваивать приемы создания литографии игравюрынаметалле.

До1870годаРедонделалрисункиуглемичерно-белыелитографии.Онотдавалмноговремениработеснатуры.Вконце1870-хгодовхудожникпобывалвГолландии,гдеизучал

творчество Рембрандта. Вернувшись на родину, он показал себя полностью сложившимсямастером,имеющимнеповторимыйстиль.

О.Редон.«Цветывкитайскойвазе»,Метрополитен-музей,Нью-Йорк

В1880-хгодахувиделисветальбомылитографийРедона«Вмечте»(1879),«ЭдгаруПо»(1882),«Истоки»(1883),«ПамятиГойи»(1885),«Ночь»(1886),«ГюставуФлоберу»(1889),«Цветызла»(1890),«Сновидения»(1891).Этипроизведенияпередаютпопыткухудожникауйти от реальности. Редон почти не использует в них цвет. Основными средствамивыразительности, а также способами передачи авторского замысла становятся рисунок и

светотеневаясреда.В произведениях Редона встречаются персонажи, характерные для изобразительного

искусства Европы конца XIX столетия — демонические фигуры, роковые красавицы,символы смерти. Фантазия художника населяет композиции странными образами, средикоторых — растение, увенчанное человеческой головой или огромным глазом; игрок, струдом несущий громадную игральную кость, воплощающую его губительную страсть;цветы-фантомы и животные-монстры («Болотный цветок», Государственный музейКрёллер-Мюллер,Оттерло;«Улыбающийсяпаук»,1881,Лувр,Париж).

НаиболеечастовстречающиесясимволывтворчествеРедона—человеческийглаз,свет,голова, растение («Глаз, подобно странному шару, поднимается в бесконечность», 1882,Музейсовременногоискусства,Нью-Йорк;«Профильсвета»,1881–1886,частноесобрание;«Глазсцветкоммака»,1892,собраниеКлодаРоже-Маркса,Париж).

Создавая свои литографии, Редон не раз обращался к сюжетам из Библии и античноймифологии.Иногдавегопроизведенияхпереплетаютсямотивыизразныхисточников.Так,рисунок «Голова мученика» (ок. 1894) навеян греческой легендой о смерти Орфея иевангельскойисториейобИоаннеКрестителе.Отрубленнаяголовамученикавкомпозициисимволизирует у Редона идею жертвенности и в то же время напоминает зрителю обессмертиичеловеческойдуши.

О.Редон.«Женщинасредицветов»,1909–1910,собраниеХ.ХаррисДжонас,Нью-Йорк

А в графической работе «Ворон» (1882, Национальная галерея Канады, Оттава)соединены мотивы из народного сказания и стихотворения Эдгара По. Источникомвдохновения при создании литографии «Книжник» (1892, Национальная библиотека,Париж),являющейсяизображениемРодольфаБредена,сталазнаменитаялегендаодоктореФаусте.

Редон придумывал своим рисункам длинные названия, которые порой не пояснялиизображения, а напротив, заставляли зрителя долго гадать, что же пытался сказать

художник: «Под крылом тени черное существо совершило тайный укус», «Стенаоткрывается, и появляется череп», «Глаз, подобно странному шару, поднимается вбесконечность»ит.п.

ВграфическомтворчествеРедонаконцаXIXвекапреобладаютобразымировогозла,итем не менее в этих работах встречаются светлые изображения молодых женщин, детей,стариков. Некоторые произведения навеяны чудесной музыкой Вагнера. С помощьюизящных, легких линий и потоков света, идущего как будто из глубины рисунка, мастерсоздаетодухотворенныеивыразительныекомпозиции.

Первая персональная выставка Редона состоялась в 1881 году, и только тогда зрителивпервые познакомились с его работами. Эта экспозиция, так же как и более поздняя,открытая в 1982 году, не имела большого успеха.Слава пришла к Редону немного позже,после показа его произведений в «Салоне XX» в 1886 и 1890 годах. Восторг публики,критиков и других художников (в частности, набидов) вызвала графика мастера,продемонстрированная в 1899 году в галерее Дюран-Рюэля. В Осеннем салоне,проходившемвначале1900-х,егокартинызанялицелыйзал.

После двадцатилетия работы в черно-белой графике в 1895 году Редон началиспользовать в своих произведениях цвет. Демонические фигуры и мистические образыотошлиназаднийплан,уступивместосветлымиоптимистичнымизображениям.

Живописные композиции Редона показывают женщин среди цветов, натюрморты сяркимибабочками,экзотическимираковинами,букетамиввазах(«Женщинасредицветов»,1909–1910,собраниеХ.ХаррисДжонас,Нью-Йорк;«Мечта»,ок.1912,собраниеЛ.Йэгли-Ханлозера, Винтертур; «Профиль женщины в окне», ГМИИ, Москва; «Раковина», 1912,Музей Орсе, Париж). Эти картины передают восхищение мастера окружающим миром.Стремясь запечатлеть всю прелесть природы, художник использует звонкие, насыщенныекраскиипридаетреальнымпредметамиобразамфантастическиечерты.

Изумительные цветочные натюрмортыРедона свидетельствуют о его умении видеть ипониматьнатуруинапоминаютобувлечениихудожникатеориейЧарльзаДарвинаидружбес Арманом Клаво. Восхищение вызывает полная свежей прелести композиция «Цветы вкитайской вазе» (Метрополитен-музей, Нью-Йорк). Способность автора мыслитьотвлеченными образами помогает превратить изображение обычных полевых цветов —маргариток, васильков, ромашек, маков — в систему мерцающих красочных пятен,свободными мазками нанесенных на пространство полотна, не имеющее определенныхграниц. Редон стремился «поставить логику видимого на службу невидимому», и это емуудалось.Такпоявилиськартины,показывающиецветы,или,повыражениюсамогоРедона,«крупныеароматныесущества,этивосхитительныепорождениясвета».

Точное время создания «Цветов в китайской вазе» неизвестно, хотя исследователипредполагают, что Редон написал картину до 1906 года (именно в этом году она былапоказананавыставкевНью-Йорке).

Работая над натюрмортами с букетами, Редон ставил цветы в разные вазы, которых унего было несколько. Изящный сосуд, изображенный в композиции «Цветы в китайскойвазе»,появилсяещеводной,болеепозднейкартинесцветами,датированной1916годом.

Живопись Редона кажется до краев наполненной светом: краски на его полотнахпереливаются и мерцают, словно драгоценные камни. В этом художник подобен своемусоотечественнику, прославившемуся необыкновенным колористическим мастерством, —Эжену Делакруа. Как и последний, Редон виртуозно соединяет цвета чистого спектра со

звучными полутонами. Живописная поверхность его картин состоит из обобщенныхкрасочныхпятениплавныхтонкихлиний.ЦветапредметоввнатюрмортахРедонаусловныи далеки от природных, их расплывчатые контуры как будто растворены в окружающемпространстве. Переводя взгляд от вещей на первом плане, зритель видит, что за ними извибрирующейглубиныпоявляютсяновыеформы.

Редонписалтакжепортреты.Моделямибылиегодрузья,художникиизгруппы«Наби»(П. Серюзье, П. Боннар, Э. Вюйар, М. Дени). Занимался мастер и монументальнойживописью. Он расписывал стены вилл, монастырей. Помимо этого, Редон декорировалширмы,делалкартоныдлягобеленов.

ЭдуардМане

(1832–1883)С молодых лет и до самых последних дней своей жизни Эдуард Мане продолжал

восхищаться живописью старых мастеров. Особенно привлекали его Диего Веласкес иФрансиско Гойя. Художник тщательно изучал их творчество, копировал полотна,заимствовалсюжетыимотивы.

Французский живописец и график Эдуард Мане родился в Париже, в состоятельнойсемьеюриста.

Благодаря брату своей матери, полковнику Фурье, Эдуард увлекся изобразительнымискусством. Дядя водил мальчика в Лувр и платил за его обучение на занятиях порисованию в коллеже Роллен. Однажды маленького художника на целый месяц лишилиправапосещатьколлежзато,чтовместокопированияантичныхгравюронделалрисунки,изображавшиеегошкольныхтоварищей.

Отец и мать Эдуарда желали видеть своего сынаюристом и потому не поощряли егозанятий искусством. Но юридическая карьера вовсе не устраивала Мане, решившегопоступитьвморскоеучилище.Потерпевпоражениенаэкзаменах,в1848годуонвкачествеюнги отправился в учебное полугодовое плавание на судне «Гавр и Гваделупа». Многопозже, уже будучи зрелым художником, Мане отразил свои морские впечатления в рядепрекрасныхмарин.

Возвратившись во Францию, Эдуард предпринял еще одну попытку стать морскимофицером, но опять не выдержал экзамена. После этого провала отец наконец разрешилсынузаниматьсяживописью.

Э.Мане.«Блюдосустрицами»,1862,частноесобрание,США

В 1850 годуМане начал учиться в ателье популярного в то время мастера Т. Кутюра,прославившегося своими картинами исторической и античной тематики. В мастерскойКутюрамолодойхудожникпробылпочтишестьлет,ивсеэтовремяоноткрытопротестовалпротивнавязываемыхученикамметодовобучения.Салонноеискусство,пропагандируемоенаставником,совершеннонепривлекалоМане,ионпостоянноссорилсясКутюром.

Более интересными для начинающего художника были посещения Лувра, где Эдуардкопировал полотна мастеров прошлого: Ф. Липпи, Тициана, Я. Тинторетто, Рембрандта,Джорджонеидр.ИзсовременныхживописцевегокумиромбылЭ.Делакруа.В1857годуМаневстретился с автором знаменитой«Свободынабаррикадах»ипопросилразрешенияскопировать его картину «Данте и Вергилий». Ныне эти копии хранятся в ЛионскойхудожественнойгалерееивМетрополитен-музеевНью-Йорке.

К сожалению, свои рисунки и натурные этюды, выполненные во время обучения уКутюра, Мане уничтожил. Сохранились лишь работы, сделанные им уже в 26-летнемвозрасте.Самое раннее из этих произведений—композиция «Любитель абсента» (1858–1859, Новая глиптотека Карлсберга, Копенгаген), изображавшая опустившегося ценителяискусства, встреченного художником в Лувре. Полотно, выполненное в традициях Д.

Веласкеса, Мане предложил в Салон, но жюри отвергло произведение, героем которогоявлялсяобыкновенныйпьяница.

Вдухезнаменитогоиспанскогомастеравыполненыикартины,написанныеМанев1860году. Это «Мальчик с собакой» (собрание Гольдшмидт-Ротшильда, Париж), «Испанскийпевец», («Гитарреро», Метрополитен-музей, Нью-Йорк), «Портрет родителей» (Лувр,Париж),«ПортретмадамБрюне»(частноесобрание,Нью-Йорк).В1861годувСалонебылипродемонстрированы два из перечисленных произведений — «Портрет родителей» и«Испанский певец». Особенно понравилась публике и критикам последняя картина, ивскореположительныеотзывыомолодомхудожникепоявилисьвпрессе.

Э.Мане.«Завтракнатраве»,1863,МузейОрсе,Париж

Но,несмотрянаэтотуспех,Манепродолжалискатьсвоюдорогувискусстве.Онмечталсоздатьнечтодействительнооригинальноеизначительное.В1862годухудожникнаписалдванатюрморта(«Блюдосустрицами»,частноесобрание,США;«Гитараишляпа»,МузейКальве, Авиньон) и несколько портретов («Викторина Мёран в костюме эспада»,Метрополитен-музей, Нью-Йорк; «Лола из Валенсии», Лувр, Париж). В это же времяпоявилась и композиция «Музыка в Тюильри» (Национальная галерея, Лондон),объединившая элементы нескольких жанров: пейзажа, бытовой сцены и группового

портрета. Картина интересна и тем, что художник показал на ней своих современников(поэтаШ. Бодлера, писателя Т. Готье, критика З. Астрюка, композитораЖ. Оффенбаха,живописцаА.Фантена-Латура).

ПоклонникискусстваДжорджонеиТициана,Манемечталосозданиибольшогополотнавдухеэтихитальянскихмастеров.Первымопытомподобногопроизведениябылсозданныйеще в 1861 году эскиз «Нимфа, застигнутая во время купания» (Национальная галерея,Осло).А уже в 1863 годупоявился знаменитый«Завтракна траве» (МузейОрсе,Париж).Зрители, художники, критики недоумевали, не понимая, почему в пикнике на открытомвоздухе принимают участие одетые в современные костюмы мужчины и обнаженныеженщины.Однивиделив композициикакой-то аллегорический смысл, другие считали ееоткровеннойэротикой.ИмператорНаполеонIII,поинициативекоторогобылоткрытСалонОтверженных, где демонстрировались картины, отвергнутыежюри официального Салона,сказал,чтопроизведения,подобные«Завтракунатраве»,оскорбляютнравственность.

Но ни эротики, ни аллегории в этой картине не было. Мане было чуждо салонноеискусство с его эротическими мотивами. Так же не привлекали его и аллегорическиесюжеты приверженцев академизма. «Завтрак на траве» — всего лишь интерпретациязнаменитого «Сельского концерта» Джорджоне. Композиционное решение своей работыМане позаимствовал с гравюры, сделанной по картону Рафаэля. Пасторальный сюжет,разработанныйДжорджоне,французскиймастерпостаралсяприблизитьк современности.На полотне изображены два художника со своими натурщицами, расположившиеся наполяне в лесу, чтобы отдохнуть от работы и позавтракать. Нежная, бело-розовая кожаобнаженных женщин прекрасно гармонирует с темными сюртуками мужчин и зеленьюдеревьев.Рядомпоказанапредметнаягруппа:наряднаяшляпасбольшимбантом,платьеикорзинка,изкоторойвысыпалисьфрукты,ягодыизолотистаябулочка.

Резко отрицательное отношение публики и критиков к «Завтраку на траве» сталопричиной того, что следующее свое крупное полотно— «Олимпию» (1863,Музей Орсе,Париж)—Манепочтидвагоданерешалсяпоказатьзрителям.Лишьв1865годуееувиделипосетители Салона. Моделью при создании этого полотна была Викторина Мёран,позировавшая мастеру и для «Завтрака на траве». В течение многих лет она оставаласьпостояннойнатурщицейМане.

Помимо выставки в Салоне Отверженных, в 1863 году в жизниМане произошло ещенескольковажныхсобытий.ВгалерееМартинепрошлаегоперсональнаявыставка.Крометого, художник, получивший наследство от отца, смог вести более независимый исвободный образ жизни. В этом же годуМане женился на пианистке Сюзанне Леенхоф.Связь с ней длилась уже довольно давно, и их единственному сыну Леону, которогоокружающиесчиталимладшимбратомСюзанныикрестникомЭдуарда,былоуже11лет.

В 1864 годуМане написал лишь несколько пейзажей и натюрмортов. В это время онпереживал душевныйи творческий кризис. Град обвинений, обрушившихся на него послевыставки в галерее Мартине, просто подавил его. Чтобы поднять свой дух, мастеротправилсявИспанию,народинусвоихкумиров—ВеласкесаиГойи.Тольков1866году,благодаряучастиюженыидрузей,Манесмогвновьобратитьсяктворчеству.Именнотогдапоявилась его картина «Маленький флейтист» (Музей Орсе, Париж), для которой емупозировалавсетажеВикторинаМёран.

Интерескмирувещей,окружающихчеловека,отразилсянетольковнатюрмортахМане,но и в его композициях с фигурами («Завтрак в мастерской», 1868, Баварские

государственныесобраниякартин,Мюнхен),атакжевпортретныхработах.Так,портретЭ.Золя (1868, Музей Орсе, Париж) представляет собой ярчайший пример характеристикимодели посредством многочисленных натюрмортных деталей. Знаменитый писательизображен в своем кабинете. Очень подробно автор показал предметы, находящиеся вкабинете писателя.На столеможно видетьфарфоровую чернильницу, бумаги, множествокниг в голубых, зеленых, желтых, коричневых переплетах. Стены помещения украшеныпроизведениями изобразительного искусства. Здесь репродукция «Олимпии», гравюра скартиныД.Веласкеса«Вакх»ияпонскаягравюра.Практическикаждаявещь,находящаясявкомнате, может сказать очень много о своем хозяине, его духовном мире, интересах иувлечениях.

Виюле1870 года разразиласьфранко-прусская война.В сентябре этогоже годаМанеотправил жену и сына на юг, а сам вступил в Национальную гвардию, твердо решивзащищатьосажденныйПариж.Весной1871годаонпринялучастиевПарижскойкоммуне.События,свидетелемкоторыхонстал,нашлиотражениевтворчествемастера(«Баррикада»,1871, Музей изобразительных искусств, Будапешт; «Расстрел коммунаров», 1871, МузейФолькванг,Эссен).

Вначале1870-хгодовработыМаненаконецсталипользоватьсяуспехомупублики.Ихначалипокупать.В1871годуизвестныйвоФранцииторговецкартинамиП.Дюран-Рюэль,пропагандировавший искусство импрессионистов, приобрел две картины Мане: «ПортБулониприлунномсвете»и«Натюрмортслососем».СпустянекотороевремяДюран-РюэльсталвладельцемцелогорядапроизведенийМане.Вихчислебылитакиеизвестныеработы,как «Любитель абсента», «Маленький флейтист», «ВикторинаМёран в костюме эспада»,«Молодой человек в костюме махо» и др. За 22 полотна художник получил 35 тысячфранков (для сравнения: каждую свою картину салонный французский живописец Э.Мейссонье оценивал в 200–300 тысяч франков). Мане был обрадован и в то же времяудивлен таким небывалым успехом. На самом деле Дюран-Рюэль, обладавший тонкимхудожественным чутьем, вовсе не продешевил. Он понимал, что пройдет совсем немноговремениитворенияМанезначительновырастутвцене.ВскореДюран-Рюэльперепродал17произведениймастеравСША.

Э.Мане.«БарвФоли-Бержер»,1881–1882,институтКурто,Лондон

В 1872 году Мане побывал в Голландии, где познакомился с картинами старыхголландских мастеров и современных живописцев. Особенно привлекали его полотна Ф.Халса и Я. Б. Йонгкинда. Путешествуя, художник делал зарисовки и писал этюды. ВАмстердамепоявилсяегоморскойпейзаж«ВидГолландии»(1872,Художественныймузей,Филадельфия).

В1873годуМане,летомжившийссемьейнапобережьевБерке,выполнилрядкартинсизображением рек и морских пляжей («На пляже», Музей Орсе, Париж; «Женщины напляже»,Художественныйинститут,Детройт).

Вконцелета1874годахудожникпобывалвАржантёе,гдесблизилсясО.РенуаромиК.Моне. Хотя Мане и не разделял взглядов последнего на искусство, он всегда старалсяпомочьбедствующемуживописцуиегосемье.МанетайноприобреталпроизведенияКлодаМонеилижеискалдругихпокупателей.ВАржантёебылонаписаномножествопейзажейсизображением речных просторов («Аржантёй», 1874, Музей искусств, Турне; «В лодке»,1874, Метрополитен-музей, Нью-Йорк; «Сена у Аржантёя», 1874, собрание ледиЭберконуэй,Лондон).

В1875годуМанепродемонстрировал«Аржантёй»вСалоне.Критикирезкоотозвалисьо пейзаже, и в 1875 годужюриСалона отвергло две картинымастера. В ответ художникустроилвыставкувсобственноймастерской.Разгромныестатьивпрессе,сделавшиеМанесвоеобразную рекламу, привлекли внимание зрителей, которые тут же устремились в его

студию.Во второй половине 1870-х годов появилось несколько портретов, написанных Мане

(«Парижанка», 1875, Национальный музей, Стокгольм; «Художник», 1875, Музейсовременногоискусства,Сан-Паулу;«Автопортретспалитрой»,ок.1877,частноесобрание,Нью-Йорк).

В1880годуболезньлишилахудожникавозможностисвободнодвигаться.Вскореонуженемогпокидать свойдом.Зная, чтожить емуосталосьнедолго,Манепродолжалупорноработать, стремясь сделать как можно больше. Несмотря на испытываемые физическиестрадания,живописецсоздавалпо-прежнемуяркиеипраздничныекомпозиции.Последнимегошедевромсталополотно«БарвФоли-Бержер»(1881–1882,институтКурто,Лондон).

Роскошныйнатюрмортнапереднемплане,изображавшийбутылкисвином,стекляннуювазу с ярко-оранжевымиапельсинамиибокал смаленькимбукетикомцветов, воплотил всебе жизнелюбие и оптимизм умирающего художника, его восторженное отношение кокружающемумиру.

Завершив «Бар вФоли-Бержер»,Мане окончательно слег.Он уже практически немогпередвигатьсяпосвоемудому.Умерзамечательныйфранцузскийхудожник30апреля1883года.

ПьерОгюстРенуар

(1841–1919)Удивительна палитра Огюста Ренуара, любившего голубые, светло-зеленые, розовые

оттенки.Красочнаягаммаегокартинвызываетвпамятиполотнамастероврококо.Светлыетона в произведениях Ренуара сочетаются с черным, но, приглядевшись, зрительнеожиданно замечает, что черного как такового в композициях нет, есть лишь темныеоттенкизеленого,синего,вишневого,иллюзорнопревращающиесявчерный.

Французский живописец, график, скульптор Пьер Огюст Ренуар родился в Лиможе всемьепортного.Когдамальчикуисполнилосьчетырегода,егородителипереехаливПариж.Ренуар начал рисовать в раннем детстве. Тринадцатилетним подростком он попал вмастерскую по росписи фарфора. Одновременно будущий художник занимался в Школерисункаиприкладногоискусства.

Чтобызаработатьнадальнейшееобучение,Ренуаррасписывалвеера,гардины,гербы.В1862 году он поступил вШколу изящных искусств в Париже и в мастерскую Глейра. УГлейра молодой живописец познакомился с К. Моне, А. Сислеем, Ф. Базилем. ВместедрузьярисовалиэтюдывокрестностяхПарижа.

БольшоевоздействиенаформированиетворческогометодаРенуараоказаликартиныА.Ватто, Ф. Буше, О. Фрагонара, с которых живописец делал копии в Лувре. НекоторыеранниеработыРенуарасвидетельствуютовлиянииГ.Курбе(«ХарчевняматушкиАнтони»,1866,Национальныймузей,Стокгольм),новтожевремялегкаяисветлаяпалитраотличаетегоживописьотискусстваКурбе.

П.О.Ренуар.«Плодыюга»,1881,Художественныйинститут,Чикаго

Общение с будущими импрессионистами способствовало выработке у Ренуарасобственного, неповторимого стиля. Исторические и мифологические мотивы в еготворчестве уступилиместо темам современности. Большое вниманиемастер стал уделятьпередаче световоздушнойсреды.Егополотнанаполнилисьвоздухом, светомидвижением(«Лягушатник»,1868–1869,Национальныймузей,Стокгольм).

Ренуар часто писал этюды вместе с К.Моне на берегу Сены или в Аржантёе, но егоинтересовала не столько природа, сколько люди. Многие картины художника передаютатмосферудружественныхчеловеческихвзаимоотношений(«Всаду»,1875,ГМИИ,Москва;«Послеобеда»,1879,Штеделевскийхудожественныйинститут,Франкфурт-на-Майне).

Ренуар мечтал показать свои работы в Салоне, ножюри раз за разом отвергало их. В1874 году художник принял участие в первой выставке импрессионистов,продемонстрировав полотна «Танцовщица» (Национальная галерея, Вашингтон), «Ложа»(Институт Курто, Лондон) и др. С течением времени Ренуар приобрел известность какталантливыйпортретист.Особенновыразительныегоженскиеидетскиепортреты,атакжекомпозициисобнаженнымифигурами(«Обнаженная»,1876,ГМИИ,Москва;«Женщинанасолнце»,1876,МузейОрсе,Париж;«ПортретмадамШарпантье»,1877,МузейОрсе,Париж;

«Этюд к портретуЖанны Самари», 1877, ГМИИ,Москва; «Девушка с веером», ок. 1881,Эрмитаж,Санкт-Петербургидр.).

ЦветиграетважнуюрольивнатюрмортахРенуара.Художниканепривлекалипростыеовощи и фрукты, он искал в них нечто необычное, делающее картину выразительной ияркой. Таков натюрморт «Плоды юга» (1881, Художественный институт, Чикаго),совершеннонепохожийнапроизведенияэтогожанракистидругихживописцевконцаXIXвека.Посуществующейтрадициинаодномполотнеизображалисьлишьтефруктыиовощи,которыенепротиворечатдругдругувменю.ИменнотакписалкартинынепревзойденныймастернатюрмортаПольСезанн.Ренуаржевыбралдлясвоейкомпозицииплоды,радующиевзгляд, хотя они никак не сочетаются на столе хозяйки. Так, лежащие на голубом блюдебаклажаны, помидоры, красный перец невозможно приготовить вместе с лимонами игранатами.Номастеруважнопоказатьсвежестьплодов,ихизобилиеивеликолепныецвета.Ярко-красные оттенки перцев, помидоров, гранатов противопоставлены зеленому цветулисточков и темно-синему оттенку блестящих баклажанов. Необычность красочной инарядной картины вызывает в памятиживописьЭженаДелакруа, которогоРенуар считалсвоимучителем.

В 1881 году Ренуар побывал в Алжире, откуда привез множество рисунков, этюдов икартин.ВэтомжегодуонсовершилпутешествиевИталию.ЗдесьхудожникпознакомилсястворчествомРафаэля и с этого времениначал более строго относиться к рисунку.Если впроизведениях прежних лет основным средством выразительности был цвет, то теперьлинии стали также играть значительную роль («Купальщица», 1881, Институт Кларк,Уильямстоун; «Танцы в Буживале», 1883, Музей изящных искусств, Бостон; «Большиекупальщицы»,1884–1887,Музейискусств,Филадельфия).

В1903годуРенуар,страдающийартритом,поселилсянаюгеФранции,насобственнойвиллевКань-сюр-мер.Болезньнеоставлялаего,ивскореногиирукиотказалихудожнику.Но не теряющий надежды и оптимизма мастер продолжал работать, привязывая кисть круке. Глядя нажизнеутверждающие полотна Ренуара, исполненные в последние годы егожизни, трудно поверить, что они написаны тяжелобольным человеком («Материнство»,1916,частноесобрание,Париж;«Большаяпрачка»,1917,частноесобрание,Кёльн).

КлодМоне

(1840–1928)Характерхудожникараскрылсяужевкарикатурах,которыеюныйКлодМоневыставлял

ввитринелавкиокантовщика.Этирисункисвидетельствуютонаблюдательностимастера.Крометого,налицопрактичностьчеловека,сумевшегосделатьсеберекламу.ПомещенныеввитринумагазинаработыМонебыстронаходилипокупателей.

Французский живописец Клод Оскар Моне родился в Париже в семье бакалейщикаКлодаОгюстаМоне.В1845годуродителивместесдетьми(Оскарбылвторымребенком)переехаливГавр,гдеоткрылисобственнуюлавку.

Первым увлечением талантливого мальчика стала карикатура. Внимательно изучиврисунки в газетах и журналах, Моне начал делать шаржи на школьных товарищей ипреподавателей.Своитворенияюныйхудожникподписывал«КлодМоне».

Карикатуры вскоре принесли живописцу известность у жителей Гавра, охотнопокупавших их в лавке окантовщика, благодаря чему к девятнадцати годам Моне сумелскопитьнеплохойкапитал.

КарикатурыМонеувиделхудожникЭженБуден.Онпонял,чтоуюношиестьнастоящийталант. Буден и стал учителем Клода. Вместе они писали натурные этюды в Онфлёре,живописномгородкевНормандии,кудасъезжалисьмногиефранцузскиемастерапейзажа.ПозднееМоневспоминалосвоемнаставнике:«…Буденснеисчерпаемойдобротойвзялсязамоеобучение.Глазамоинаконецраскрылись,япо-настоящемупонялприродуивтожевремянаучилсялюбитьее».

Клод ОгюстМоне не одобрил выбора своего сына, но ему в конце концов пришлосьсмириться. Стараясь помочь молодому художнику, он обратился в муниципалитет ипопросилвыделитьдляКлодастипендию,чтобытотмогобучатьсявПариже.Просьбаотцанебылаудовлетворена,ноюношавсеравноуехалвстолицу.

В Париже Моне начал посещать студию Сюиса, где познакомился и подружился сКамилемПиссарро.КлоддажеинепыталсяпоступитьвШколуизящныхискусств,емубылапо душе свободная обстановка в ателье Сюиса, куда приходили многие французскиехудожники-реалисты. Отец, разгневанный отказом сына поступать в настоящее, по егомнению, учебное заведение, перестал присылать ему деньги.Клоджил лишьна средства,заработанныевГавренакарикатурах.

К.Моне.«Цветыифрукты»,1869

В1860годуМонепризвалинавоеннуюслужбу,ионоказалсявАлжире.Черездвагодахудожниктяжелозаболелибылотправлендомой,вГавр.ЗдесьКлодвновьначалездитьнаэтюды со своим учителем Эженом Буденом. Летом художник познакомился с Я. Б.Йонгкиндом,голландскиммастером,работавшимвоФранции.ПоследнийоказалнаМоненеменеезначительноевлияние,чемБуден.ВПарижМоневернулсяосенью1862года.Онначал посещать студию модного французского художника О. Тульмуша — таково быложелание его отца. Тульмуш, восхищавшийся натюрмортами, которые писал Клод

(«Охотничьи трофеи», 1862,Лувр,Париж), предложил емупродолжить обучение у своегопрежнегонаставника—мастераисторическойимифологическойживописиШ.Г.Глейра,который был преподавателем вШколе изящных искусств.У ГлейраМоне сблизился сО.Ренуаром, Ф. Базилем, А. Сислеем. В 1864 году вдвоем с Базилем они сняли маленькуюмастерскую. Вместе молодые художники ездили писать этюды в Фонтенбло. Ранниепроизведения КлодаМоне свидетельствуют о влиянии Будена, которого художник всегдасчиталглавнымсвоимучителем.Приглушенныеоттенкисеро-голубыхизеленовато-желтыхцветов, тщательно продуманная композиция — вот главные черты его картин «Маяк вОнфлёре» (1864, частное собрание, Швейцария), «Берег близ Онфлёра» (1864, частноесобрание).

В1865годувжизниМонепроизошливажныесобытия.ОднаизегокартинбылапринятавСалон(критики,расхваливавшиеполотно,из-засходствазвучанияфамилийприписалиегоавторствоЭдуардуМане,истехпормастерсталподписыватьсвоиработыполнымименем:«Клод Оскар Моне»). В этом же году художник познакомился со своей будущей женой,дочерью состоятельного буржуа, Камиллой-Леонией Донсье. Камилла вместе Ф. БазилемпозировалаМонедляегокартины«Завтракнатраве».ПолотносоздавалосьвФонтенбло,вШайи.Художникнезавершилегоиоставилвуплатузажилье,когдавозвращалсявПариж.К сожалению, композиция была утрачена, и представление о ней дают лишьподготовительные эскизы и уменьшенная копия из Московского музея изобразительныхискусствим.А.С.Пушкина.

ВПарижеМонеисполнилпрекрасныйпортретКамиллы(«Дамавзеленом»,Кунстхалле,Бремен) и показал его в Салоне. Следующую работу, полотно «Женщины в саду» (1867,Лувр, Париж), жюри отвергло. Не приняло оно и другие произведения мастера. Невыставляясь, Моне оставался неизвестным зрителю и не мог продать ни одной своейкартины.

Емуприходилосьвестиполунищенскоесуществование.Денегнехваталонинакраски,нинахолсты.

В конце 1860-х вместе с О. Ренуаром Моне ездил на этюды в «Лягушатник» —знаменитую купальню на берегу Сены, где отдыхали в выходные парижане. Здесь былинаписаныэтюды,вкоторыхвыразилосьстремлениемастерапередатьсвоевпечатлениеоточаровательного уголка природы («Лягушатник», 1869, Метрополитен-музей, Нью-Йорк).Авторскоевосхищениекрасотойокружающегомираощущаетсяивисполненномв этожевремянатюрморте«Цветыифрукты»(1869),изображающемвиноградныегроздья,спелыефруктыироскошныйбукетсадовыхцветоввкерамическойвазе.

Впериодфранко-прусскойвойны (1870–1871).МоненаходилсявАнглии.ВместесК.Писсарро он жил в Лондоне. Огромный интерес у них вызывало творчество английскогоживописца Дж. М. У. Тёрнера. Из английской столицы Моне вместе с пейзажистомШ.Добиньи отправился в Голландию. Красота голландской природы вдохновила его насоздание полотен с изображением каналов и мельниц («Фоорзан близ Заандама», 1871,частноесобрание;«МельницавАмстердаме»,1874,частноесобрание).

ПоокончаниивойныМоневозвратилсявПариж.Именновэтовремябылисозданыегознаменитые шедевры «Впечатление. Восход солнца» (1872, Музей Мармоттан, Париж),«Сиреньна солнце» (1873,ГМИИ,Москва), «БульварКапуцинок» (1873,ГМИИ,Москва),«Поле маков у Аржантёя» (1873, Музей Орсе, Париж). Первое полотно дало названиеновому направлению, появившемуся во французской живописи, — импрессионизму

(impressionпо-французски—«впечатление»).Как и Дж. М. У. Тёрнер, Моне не стремился к передаче материальности предметов,

главнымдлянегобылопоказатьтусреду,вкоторойонинаходятся.Окутанныетрепетнымвоздухомвещивегокомпозицияхкажутсяживымиидинамичными.

Монеписалмного,ноегожизньнестановиласьлегче.ПриданоеженыКамиллыбыстрорастаяло,такжемгновеннокончилисьиденьги,полученныевнаследствопослесмертиееотца. Картины не находили сбыта, а нужно было платить за аренду дома, покупать еду,холсты и краски. К тому же в 1876 году Камилла тяжело заболела. Друзья живописца,особенноЭдуардМане, старалисьпомочьбедствующей семье.Вмарте 1878 года уКлодаМонепоявилсявторойсын,авсентябре1879годаегоженаумерла.

ВторойженойхудожникасталаАлисаГошеде,соседкаМоне.ОнаухаживалазабольнойКамиллой,азатемзаееосиротевшимидетьми.

Вначале1880-хгодовделаКлодаМоненаконецпошлиуспешно.В1883годувПарижеоткрылась персональная выставка художника. Критики отмечали высочайшее мастерствоМоне, егоумениепередаватьсветовоздушнуюсреду.Материальноеположениеживописцазначительноулучшилось,ивскореонсмогкупитьдлясвоейновойсемьидомвЖиверни,вчудесномместечкенаберегуЭпта,притокаСены.

В конце 1883 года вместе с О. Ренуаром Моне совершил путешествие. ХудожникипобывалинаюгеФранции,наЛазурномберегу,затемотправилисьвИталию.Именновэтовремя начался отход мастера от принципов импрессионизма. Теперь главным средствомвыразительностивживописиМоне сталцвет, благодарячему его картиныприобреливиддекоративныхпанно.

В1890-х годаххудожникувлекаетсяживописнымисериями с одинаковымимотивами.Появляются«Стога»(«Стогсенавснегу.Хмурыйдень»,1891;«Стога.Конецдня.Осень»,1891,обе—вХудожественноминституте,Чикаго),«Руанскиесоборы»(«Руанскийсоборвполдень»,1894,МузейОрсе,Париж).В1900–1910-хгодахбылинаписанысерии«Нимфеи,пейзаживоды»,видыЛондона,«Кувшинки»,видыВенеции.

ВпоследниегодыжизниМонеинтересовалимотивыцветов,заросшихпрудовистарыхдеревьеввсаду(«ИрисывЖиверни»,«Белыекувшинки.Гармониясинего»,1918–1921,обе—вМузееМармоттан,Париж;«Плакучиеивы»,1923,частноесобрание).

Старый художник, так долго добивавшийся признания, наконец стал знаменитым. ЕгобольшойдомвЖивернипосещалисамыеизвестныелюдиФранции.НоМоненезабывалисвоихдрузей,скоторымикогда-тоучаствовалвпервыхимпрессионистическихвыставках.

ФедеригоЗандоменеги

(1841–1917)Федериго Зандоменеги, влюбленный в живопись французских импрессионистов и

написавший ряд произведений в духе Э. Дега и О. Ренуара, всегда оставался истиннымвенецианцем. Звучные краски и стилизованные формы его картин вызывают в памятиполотнапредставителейраннегопостимпрессионизма.

ИтальянскийживописецФедеригоЗандоменегиродилсявВенециивсемьескульптораПьетроЗандоменеги.Известнымскульпторомбылиегодед,ЛуиджиЗандоменеги.С1862

по 1866 год Федериго жил во Флоренции. Здесь он познакомился с представителяминаправления маккьяйоли. Однако они не оказали воздействия на молодого художника,предпочитавшего создавать произведения в духе веризма, и потому многие его ранниеработы имели явную социально-критическую направленность («Лодка в высохшем доке»,1869, Галерея современного искусства, Флоренция; «Нищие на ступеньках монастыряАракоеливРиме»,1872,Центральнаяквестура,Милан).

С 1874 года Зандоменеги жил в Париже. Здесь он познакомился с творчествомимпрессионистов.ОсобенновосхищалиегокартиныО.РенуараиЭ.Дега.Сэтоговременихудожник начал работать в импрессионистической манере. Свои полотна он посвящалсюжетам окружающей жизни. Уголки города, набережные и речные пейзажи становятсяосновнымимотивамипроизведенийЗандоменеги(«ВдольСены»,1878;«НаСене»;«БерегаСены»,все—вГалереесовременногоискусства,Флоренция;«Последнийвзгляд»,Галереясовременного искусства, Ка Пезаро, Венеция; «Мулен де ла Галетт», 1879, частноесобрание, Милан). Важное место в его творчестве данного периода занимали такжепортреты, натюрморты с цветами, композиции с женскими фигурами («Портрет ДиегоМартелли», 1879, Галерея современного искусства, Флоренция; «Пионы», 1906; «Цветы»;«Этюдженскойфигуры»,все—вГалереесовременногоискусства,Милан).

Ф.Зандоменеги.«Пионы»,1906,Галереясовременногоискусства,Милан

Живя воФранции, Зандоменеги никогда не забывал о своих венецианских корнях.Онсоздавал картины, отличающиеся психологизмом, стилизованностью, фактурнойплотностью и звучностью красок. Мастера интересовали валёры, он никогда не разлагалсвет на спектральные тона, и потому в его живописи нет импрессионистическогокрасочногомерцания.

ВинсентВанГог

(1853–1890)В мае 1889 года Винсент Ван Гог оказался в психиатрической клинике Сен-Поль в

городке Сен-Реми-де-Прованс, где провел год. Поразительно, как много прекрасныхпроизведений создал больной художник за это время. В конце своего пребывания вбольницеВанГогвновьобратилсякнатюрморту.Вэтомжанреоннеработалужедавно,стехпоркакоставилПарижиАрль.

ГолландскийживописециграфикВинсентВанГогродилсявгородкеГроот-ЗюндертвСеверном Брабанте в семье пастора. Уже в десятилетнем возрасте Винсент прекраснокопироваллитографииивыполнялрисункиснатуры.Враннейюностибудущийхудожникпродавал произведения искусства в фирме «Гупиль» в Гааге. Эта работа дала емувозможность побывать в 1873 году в Лондоне, где он смог познакомиться с творчествомзнаменитых английских мастеров: Дж. Констебла, Дж.М. У. Тёрнера, Т. Гейнсборо, Дж.Рейнолдса. В 1874 году Ван Гог отправился в Париж выполнять поручение руководствафирмы.

В 1876 году карьера Ван Гога в фирме «Гупиль» закончилась. Он потерял работу ивскореустроилсяучителемванглийскуюшколувРангейте.В1877годуВанГогпоступилнамиссионерские курсы вЛакене и в следующем году начал проповедовать вмаленькомшахтерском городке Боринаж на юге Бельгии. Именно там он впервые ощутил в себепризваниекизобразительномуискусству.

Первые рисунки Ван Гога были выполнены углем. Художник изображалшахтеров, ихженидетей.

В.ВанГог.«Натюрмортсгипсовойстатуэткойикнигами»,1887,МузейКрёллер-Мюллер,Оттерло

ВинсентпыталсяпомочьнищимибесправнымжителямБоринажа,новскорепонял,чтоневсилахизменитьсуществующееположение.Церковныевластинеподдерживалиего,ав1880 году он и вовсе лишился своего места. Провожая любимого пастора, покидавшегоБоринаж,людиплакалииговорили:«Никогдаунасбольшенебудеттакогодруга».

В1880годумолодойхудожникпоселилсявБрюсселе.ВанГогпостояннопереезжалсместанаместо.ОнжилвЭттене,вГааге,гдепосещалстудиюголландскогоживописцаА.Мауве,вДренте,вАнтверпене.НекотороевремяВанГогобучалсявАкадемиихудожестви

вчастнойшколерисунка.Онмногозанималсясамостоятельно,копируяработыРембрандта,П.Рубенсаидругихзнаменитыхмастеров.

До1881годахудожник,увлекшийсярисунком,практическинеобращалсякживописи.Его ранние произведения, написанные масляными красками, изображают ландшафтыБрабанта,бытземледельцев,трудткачей.

В.ВанГог.«Подсолнухи»,1888,частноесобрание,Мюнхен

В.ВанГог.«Натюрмортссосновойветкойиперчатками»,1889,собраниеванБлаадерен,Амстердам

Зимой 1883 года художник работал в голландской деревушке Нуенен, где писалнатюрморты с птичьими гнездами, портреты крестьян, композиции со сценамикрестьянского труда. Мертвые, покинутые обитателями гнезда, печальные ландшафты,пустынные поля, изображенные на этих полотнах, передают трагическое мироощущениеВанГога.

Почти все картины, созданные в первой половине 1880-х годов, выполнены в темнойцветовой гамме с преобладанием коричневых, черных, темно-зеленых, серых и синихоттенков(«Крестьянка»,1885,МузейКрёллер-Мюллер,Оттерло;«Едокикартофеля»,1885,ФондВ.ВанГога,Амстердам).

В такой же манере исполнены и натюрморты мастера, изображающие простуюдомашнююутварь,самыеобычныепредметы(«Натюрмортспятьюбутылкамиичашкой»,1884; «Натюрморт с трубкой ишляпой», 1885, оба— в Государственном музее Крёллер-Мюллер,Оттерло).

Несколькоотличаетсяотэтихработ«НатюрмортскнигойиБиблией»(1885,МузейВанГога, Амстердам), полный глубокого философского смысла. Композиция рассказываетзрителю о пасторской деятельности недавно умершего отца художника. Светотеневаямоделировка форм, серебристые оттенки, преобладающие в колорите картины, говорят отом,чтоВанГогвнимательноизучалживописьголландскихмастеровXVIIвека.

В 1886–1888 годах Ван Гог жил в Париже. В дальнейшем формировании егохудожественнойманерысвоюроль сыграло знакомство с творчествомимпрессионистовипуантилистов. Работы, созданные мастером в парижский период, свидетельствуют о егоинтересе к проблемам цвета и выразительности мазка. Раздельнымиимпрессионистическими мазками, звучными сочетаниями светлых, чистых оттенковпереданасвежестьпарижскойвеснывкартинах«СадыМонмартра»и«БульварКлиши»(обе—1887,МузейВанГога,Амстердам).

Изменчиваякрасотаокружающегомирапоказанавпоэтическомполотне«Натюрмортсгипсовойстатуэткойикнигами»(1887,МузейКрёллер-Мюллер,Оттерло).

Большинство натюрмортов Ван Гога, написанных в конце 1880-х, построено насочетаниях красочных и фактурных противопоставлений («Ваза с цинниями и геранью»,1887,НациональнаягалереяКанады,Оттава;«Фритиляриивмеднойвазе»,1887,МузейВанГога, Амстердам). С помощью раздельных пуантилистских мазков художник создаетудивительно яркие букеты, словно погруженные в подвижное, трепещущее воздушноепространство.

В Париже Ван Гог выполнил несколько произведений, в которых отразилось егоувлечениеискусствомяпонскойгравюры(«Полепшеницысжаворонком»,1887,МузейВанГога,Амстердам; «Портрет папашиТанги», 1887,Музей Родена,Париж). В этоже времяпоявился и ряд автопортретов («Автопортрет в соломеннойшляпе», 1887,Метрополитен-музей, Нью-Йорк; «Автопортрет в галстуке и сюртуке», 1887, Музей Крёллер-Мюллер,Оттерло).ВсеговПарижеВанГогнаписалоколодвадцатитрехавтопортретов.

В.ВанГог.«Букетроз»,1890,собраниеГарримана,Нью-Йорк

Ранней весной 1888 года художник оставил столицу и уехал на юг, в Арль. Здесьпоявились пронизанные солнцем, светлые и ясные пейзажи, изображающие южнуюприроду,инатюрморты(«Цветущаяслива»,«Веткацветущегоминдалявстакане»,оба—в1888,МузейВанГога,Амстердам).

В некоторых арльских натюрмортах, так же как и в пейзажах, любимый художникомжелтый цвет приобретает символическое звучание. Наделенный пластическойвыразительностью, он становится воплощением животворной силы дневного светила. Всериинатюрмортов«Подсолнухи»(1888,частноесобрание,Мюнхен;1889,МузейВанГога,Амстердам) ярко-золотистые цветы, похожие на маленькие солнца, как будтораспространяютвокругсебятеплоисвет.

Всепредметынаполотне«Натюрмортссосновойветкойиперчатками»(1889,собраниеван Блаадерен, Амстердам) пронизаны светом горячегоюжного солнца. На фоне теплогозолотистогопескаизображенакорзинкасоранжевымиапельсинамиижелтымилимонами.Немногословный натюрморт дополняют две пушистые сосновые ветки, хвоя которыхнаписана вихрящимися, динамичными мазками, и темные перчатки — нескольконеожиданная деталь для этой композиции. Вероятно, именно эти перчатки мастериспользовал,чтобысрезатьколючиеветви.

Такимжеэмоциональновыразительнымвыступаетикрасныйцвет.Разнообразныеегооттенки появляются в лучах осеннего солнца («Красные виноградники в Арле», 1888,ГМИИ,Москва).

ВАрлеВанГогапосетилегостарыйдруг,ПольГоген.Носовместнаяработа,откоторойВинсент ожидал многого, не удалась. Не смог он осуществить и свою главную мечту—создать ассоциацию живописцев, чье искусство могло бы противостоять равнодушию ижестокостисовременногомира.

Усталость, разногласия с Гогеном и крах мечты о новом объединении привели кобострению душевного заболевания, которым страдал Ван Гог. В декабре 1888 года онпопыталсянапастьнасвоегодругасбритвойвруках,ипоследнемупришлосьперебратьсявгостиницу. В приступе безумия Ван Гог этой же бритвой отрезал себе ухо. Больногоживописцаувезливпсихиатрическуюлечебницу,гдеонпробылпочтигод.

Своигорькиечувства,связанныесразрывомсГогеном,ВанГогстремилсявыразитьвпредметных композициях («Кресло Гогена», 1888,МузейВан Гога,Амстердам). Вещи накартинах мастера (стулья, курительные трубки, старые башмаки, книги) порой кажутсяживымисуществами, рассказывающими зрителюоботношениииххозяина к окружающейдействительности.

В 1889 году, выписавшись из лечебницы, художник написал свои знаменитыеавтопортреты,проникнутыеглубокимдраматизмом («Человекструбкой»,собраниеФайэ,Париж; «Автопортрет с перевязанным ухом», собрание Блок, Чикаго; вариант — вИнститутеКурто,Лондон).

В апреле 1889 года Ван Гог вновь оказался в больнице, но уже по собственномужеланию.Онузнал,чтоегомладшийбратТео,которыйвсегдапомогалему,поддерживалматериально и духовно, женился. Чувство безысходной тоски и одиночества заставилоВинсента отправиться в психиатрическую клинику в Сен-Реми. В перерывах междуприступами болезни художник написал, наверное, самые выдающиеся свои произведения.Здесьбылисозданысериипейзажейсоливами («Оливковаяроща», 1889,МузейКрёллер-Мюллер,Оттерло), кипарисами («Дорога с кипарисами и звездой», 1890,МузейКрёллер-Мюллер,Оттерло),портреты(«ДокторРей»,1889,ГМИИ,Москва).

В.ВанГог.«Ирисы»,1890,Метрополитен-музей,Нью-Йорк

Перед самым выходом из больницы, в мае 1890 года, Ван Гог исполнил серию изчетырехнатюрмортов,кудавошлидваполотна«Ирисы»идва—«Розы».ХудожникписалбратуТео:«Внастоящеевремяулучшениепродолжается.Яработаю…наддвумяхолстамисдвумя букетами фиолетовых ирисов. Один из них — на розовом фоне, где эффектгармоничен и мягок благодаря сочетанию зеленых, розовых и лиловых тонов. Второй…совершеннопротивоположенпервому.Помещенныйнасверкающемлимонно-желтомфонес другими тонами желтого в вазе и подставке, на которой он стоит, он создает эффектконтрастныхдополнительныхцветов,которыеусиливаютдругдруга».

Ксожалению,накартине«Ирисы»изМетрополитен-музеявНью-Йоркефоннастольковыцвел, что уже не похож на прежний, розовый. Второе полотно с ирисами находится вМузее Ван Гога в Амстердаме. Хотя цвета этих композиций изменились, их описание,сделанное Ван Гогом, свидетельствует о его интересе к экспрессивным возможностямкрасочныхпротивопоставленийиоттеночной гармонии, чтопроявилосьи вболеераннихнатюрмортах, например в серии «Подсолнухи», где ярко-желтые цветы показаны наразнообразныхпоцветуфонах.

Подобные эксперименты с красочными контрастами и сопоставлениями заметны и в

полотнахсерии«Розы»(«Букетроз»,1890,собраниеГарримана,Нью-Йорк).Вмае1890годаВанГогвышелизклиникиСен-Поль.ОнпоселилсявгородкеОвер-сюр-

Уаз в провинции Иль-де-Франс. Здесь художник провел последние месяцы своей жизни.Оверскиепроизведениясовершенноразличныпосвоемуэмоциональномузвучанию.Полнытрагизмасумрачные,пустынныепейзажи«ЧасовнявОвере»(1890,Лувр,Париж)и«Воронынад полем пшеницы» (1890, Музей Ван Гога, Амстердам). Совершенно непохоже на этикартинылиричноеисветлоеполотно«ПейзажвОверепоследождя»(1890,ГМИИ,Москва)иискреннийизадушевный«ПортретдоктораГаше»(1890,Лувр,Париж).

Жизнь замечательного художника оборвалась 29 июля 1890 года: находясь в глубокойдепрессии,онсмертельноранилсебяизревольвера.

ПольГоген

(1848–1903)Поль Гоген пришел к занятиям живописью довольно поздно. Он был моряком, затем

биржевыммаклеромитольков1870-хгодахпонял,чтоегопризвание—изобразительноеискусство.Художникписалпейзажи,композициисчеловеческимифигурами,натюрмортыипортреты.

ПольГоген,французскийживописец,гравер,скульптор,керамист,родилсявПарижевсемье журналиста. Систематического художественного образования он не получил. Ранооставшийся без отцаПоль воспитывался в семье матери, являвшейся представительницейзнатного перуанского рода. Выросший в имении дяди в Лиме, Гоген видел вокруг себяэкзотическую природу и своеобразие быта местных жителей. Возможно, именно этидетские впечатления в дальнейшем подвигли художника на поиски рая, который он,впрочем,такникогдаинесмогнайти.

С 1855 года Гогенжил воФранции, вОрлеане.Онмечтал сбежать изшколы и статьморяком.Желаниеегоисполнилось:в1865–1871годахбудущийхудожникплавалнасудахиз Европы в Южную Америку. В 1871 году Гоген получил должность банковскогослужащего.Вскореонженилсяиспустянекотороевремясталотцомпятерыхдетей.

Начав коллекционировать произведения искусства, Гоген решил попробовать себя вживописи. Он увлекся импрессионизмом и принял участие в нескольких выставкахпредставителейэтогонаправления,проходившихв1880,1881,1882,1886годах.В1883году,желаяцеликомпосвятитьсебяискусству,Гогенбросилработувбанке.

Ранниепроизведениямастеранаписаныподвлияниемдругихфранцузскиххудожников.Так,«Зимнийпейзаж»(Музейизобразительныхискусств,Будапешт)выполненвманереК.Писсарро, а «Семья Гогена» (Новая глиптотека Карлсберга, Копенгаген) — в духе О.Ренуара.

Но очень скоро появились первые самобытные картины Гогена, которые невозможноспутатьсработамидругихживописцев.

В 1886 году художник приехал в Понт-Авен, маленький городок в Бретани. Здесь оннаписалцелыйрядпрекрасныхпейзажей,воспевающихкрасотуфранцузскойприроды.Ноживописьнедавалаемудостаточныхсредствксуществованию,ивапреле1887годаГогенуехал на Мартинику, а затем устроился рабочим на строительство Панамского канала.

Вскоре он заболел болотной лихорадкой. Добравшись доАнтильских островов, художникпровелтамнесколькомесяцев.

П.Гоген.«Натюрмортсощенками»,1888,Музейсовременногоискусства,Нью-Йорк

Именно в этотпериоднаметился отходГогена отимпрессионизма.Егопалитра сталаболее звучной, а формы — условными. В декоративных композициях, созданных в этовремя,отразилосьувлечениемастераяпонскимискусством.Внатюрмортах,относящихсяк1886–1889 годам, хорошо видны приемы, характерные для японской графики, —«кадрирование»композиции,срезанностьфигур(«НатюрмортспортретомЛаваля»,1886).

Вдухеяпонскойгравюрыисполнени«Натюрмортсголовойлошади»(ок.1886,частноесобрание, Париж), хотя это полотно написано еще в импрессионистической манере спомощью мелких раздельных мазков. Предметы, представленные на полотне, взяты изразных культур. Здесь японские веера и кукла из японского театра, гипсовый слепок,похожийнаскульптурусфронтонадревнеримскогоздания,икнига—символевропейскойкультуры.

Известное полотно Гогена «Натюрморт со щенками» (1888, Музей современногоискусства, Нью-Йорк) навеяно гравюройУтагава Куниёси «Кошки». В тоже время такиедетали, как три рюмки с лежащими возле них плодами, миска и салфетка с фруктами,вызываютвпамятинатюрмортыПоляСезанна.

«Натюрморт со щенками» свидетельствует о рождении нового стиля — синтетизма,разработанного Гогеном по возвращении в Понт-Авен, где художник возглавил группуживописцев (Э. Бернар, Ш. Лаваль, Э. Шуффенекер, П. Серюзье и др.), названнуюпонтавенскойгруппой.Новыйметодзаключалсявтом,чтонахолстнаносилсячерныйилитемно-синий контур, пространство заполнялось ровным цветом. Такая техника позволяламастеру сделать картины более выразительными и экспрессивными («Борьба Иакова сангелом»,1888,Шотландскаянациональнаягалерея,Эдинбург;«НочноекафевАрле»,1888,ГМИИ,Москва).

П.Гоген.«Подсолнечники»,1901,Эрмитаж,Санкт-Петербург

ВэтотпериодГогенпродолжалписатьнатюрмортысмотивамивосточногоискусства.Одна из самых известных работ мастера в подобном жанре — «Натюрморт с японскойгравюрой» (1889, частное собрание, Нью-Йорк), смысл которого трудно разгадать.Живописецпротивопоставилнаполотнедвабукета—пышныесадовыецветыввазеисосудс лицом самого автора, где стоят увядшие полевые цветы. Часть фона в центре холстазанимает гравюра с головой актера японского театра Кибуки. Критик А. Орье, такжепытавшийсяпонять,чтохотелсказатьГогенсвоимстраннымнатюрмортом,писал,чтодляхудожника«предметыкактаковыенеимеютцены.Онимогутсуществоватьдлянеготолькокак знаки. Они — буквы необъятного алфавита, составлять из которых слова способентолькоталант…».

Таинственныйсмысл,неразгаданныйнами,заключенив«Натюрмортесвеером»(1889,Музей Орсе, Париж), где мастер применил прием, называемый «изображение визображении».Исследователипредполагают,чтороспись,украшающаявеер,быласделанасамимГогеном,такжекакикерамическиесосуды,показанныевнатюрморте.

В 1889 году по инициативе Гогена импрессионисты и «синтетики» организоваливыставкувкафеВольпини.Онанепринеслахудожникамуспеха.Глубокоеразочарование,атакже постоянная нужда заставили Гогена покинуть Францию и уехать в Океанию,подальшеотцивилизации.

На островахОкеании Гоген провел несколько лет. В 1891–1893 и 1895–1901 годах онжилнаТаити,в1901–1903—наостровеДоминик.

Это время стало самым плодотворным для мастера, создавшего множество картин искульптур.Здесьбыланаписанаиавтобиографическаякнига«Ноа-Ноа».

Чтобы передать все очарование этого земного рая, колорит природы Полинезии и ееобитателей,Гогенискали находилновыеприемы.Спомощьючистых красок—желтой,красной,лиловой,зеленой—онсоздавалиллюзиюяркогосолнечногоосвещениядаженатеххолстах,гденебылонисолнца,нинеба(«Женщинасцветамивруках»,1899,Эрмитаж,Санкт-Петербург). Тепло дневного светила несут в себе желтые цветы подсолнухов,принесенныевкомнату(«Подсолнечники»,1901,Эрмитаж,Санкт-Петербург).

СозданныевпоследниегодыжизниГогенадекоративно-плоскостныемонументальныекомпозиции были близки к формировавшемуся в то время новому стилю модерн.Творчество французского художника оказало большое влияние на многих европейскихживописцев,работавшихвначалеXXстолетия.

ПольСезанн

(1839–1906)Сезанн подолгу наблюдал за предметами и пришел к выводу, что симметрия является

самообманомчеловека.Еслиначатьподробноискрупулезноизучатьформу,тообязательнозаметишь,чтоосвещеннаясторонапредметакажетсянесколькоразбухшейисоответственноувеличенной, а тень, наоборот, способствует сокращению, уменьшению неосвещеннойстороны.Тожесамоекасаетсявертикальностиикажущейсяустойчивостивещей,которыеспособен выпрямить лишь разум и принятая условность. Например, в сезанновском«Натюрморте с синей вазой» бока предмета заметно непропорциональны, а стены домаявнокренятся,словновесьмиршатается.

Французский живописец и график Поль Сезанн родился в небольшом городке Эксе всемье ремесленника. Его отец сначала занимался изготовлением шляп. Через некотороевремяемуудалосьзначительноразбогатетьиосноватьсобственноебанковскоедело.

С ранних лет Поль начал проявлять незаурядные способности к рисованию. Родителисумели дать ему прекрасное образование в экском коллежеБурбон.В годы учебыСезаннпознакомился с будущим знаменитым писателем Эмилем Золя. Дружеские отношениясвязывалиэтихлюдейнапротяжениивсейжизни.

ВколлежеСезаннинтересовалсянетолькорисованием,ноилитературой,вчастностион очень любил античных авторов, читал их в подлиннике, а Вергилия считал лучшимпоэтом. Каждый вечер Сезанн брал уроки рисования в Муниципальной художественнойшколеуЖ.Жибера.ОкончивколлежБурбонв1858году,Сезаннпоступилнаюридическийфакультет университета в Эксе. Завершив учебу в 1861 году, Поль посетил Париж, послечегопоступилнаработувбанкотца.Черезгодонпонял,чтобанковскоеделонеявляетсяегопризванием,ипереселилсявПариж.

Каждый деньСезанн посещал студиюСюиса, обучаясь рисованиюмоделей, работал вЛувре,копируяпроизведениязнаменитыхмастеровпрошлого.Вэтовремяоннаходилсяподсильнымвпечатлениемкартин,исполненныхЭ.ДелакруаиГ.Курбе.

В 1863 году художник впервые побывал в Салоне Отверженных, где открыл для себяработымолодыххудожников-новаторов,проложившихновыепутивискусстве(Манеидр.).

П.Сезанн.«Натюрмортсморскойраковинойичернымичасами»,ок.1869–1870,частноесобрание,Париж

Произведения Сезанна 1860-х годов знаменуют собой так называемый барочный, илиромантический, период. Искусствоведы именно так обозначают его из-за некоторойчрезмерности выразительных художественных форм и эмоциональной экспрессивности.Характерными образцами барочного периода считаются такие полотна, как «Оргия» (ок.1864–1868, собрание Леконт, Париж), «Негр Сципион» (ок. 1865, Музей искусств, Сан-Паоло), «Вскрытие» (ок. 1867–1869, собраниеЛеконт,Париж), «Магдалина» (1869,МузейОрсе,Париж).Подобныекартинымастерисполняетширокоисвободно,стремительными,широкими, уверенными пастозными мазками. Порой у зрителя может возникнутьвпечатление, что мысль художника опережает его руку и живописные средства не всостоянии выразить обуревающую творца сложную и противоречивую гамму чувств. Врезультате часто оказывается, что замысел не совпадает с итогом труда. Таким образом,именно в этот, ранний, период уже в полной мере проявилась трагедия мастера,сопровождавшая его на протяжении всей жизни, а именно: постоянные сомнения вправильности выбранного пути и зачастую мучительное неверие в собственные силы.Известно,чтоСезаннмогвтечениедолгоговременинеподходитьккистямикраскам,ноочевиднобыло,чтоонбольшенеможетжитьбезискусства,посколькуиначенеспособенвыразить себя и иначе не сможет общаться с окружающиммиром:живопись необходимаемукакпосредник.

П.Сезанн.«Натюрмортссинейвазой»,1883–1887,МузейЖедеПом,Париж

В студии Сюиса произошло знакомство Сезанна с импрессионистами, в частности сПиссарро.ВместесПиссаррохудожникработалв1872–1873годахвПонтуазеиОвере.Этосотрудничество оказалось благотворным для дальнейшего формирования оригинальнойтворческойманерыСезанна, темболеечтоПиссарро всегдаотличали такие качества, какдоброжелательность и внимание. Сезанн начал больше работать на пленэре. Он писалмножество пейзажей, преимущественно в светлой цветовой гамме, принимал участие ввыставкахимпрессионистов.Однаков этовремяпроявилось его существенноеотличиеот

импрессионистов, поскольку для Сезанна важнее было не передать мимолетноевпечатление от увиденного, а показать гармонию человека с окружающим егопеременчивым миром и подчинить ускользающую стихию разумным законам. Вместохарактерного для импрессионистов струящегося растворения реального мира живописецстремилсяпоказатьзримуюматериальностьпредметов,вернутьимхарактернуюплотностьиобъем.Именнопоэтомуоднимизизлюбленныхжанровмастерасталнатюрморт.

ВсемнатюрмортамСезаннасвойственнаосновательностьпостроения,гармонияцветаипластической выразительности, что способствует передаче гармонии всего сущего.Перспектива этих полотен называется перцептивной, то есть глубина пространства накартине значительно приближена к естественному восприятию зрителя. Вероятно, здесьсказались особенности мировоззрения мастера: искусство импрессионистов воплощалоидею постоянной изменчивости мира, тогда как для Сезанна гораздо важнее быловоплотитьпротивоположное—найтикакие-тонепреходящиеценностииутвердитьнекуюнезыблемость мира. В этом смысле символичным представляется его «Натюрморт сморской раковиной и черными часами» (ок. 1869–1870, частное собрание, Париж). Еслиприглядетьсякизображеннымнаполотнечасам,томожнозаметить,чтоунихотсутствуютстрелки.Бытьможет,мастерхочеттакимобразомпоказатьостановившеесявремяивластьвечности?ПоказанныенаэтомполотнепредметыбылисобственностьюЭмиляЗоля,ачасыизчерногомрамораявлялисьпамятьюоегоумершемотце.Часы,огромнаяраковина,ваза,чашка и лимон стали замечательным мотивом для натюрморта. Эта работа по силехудожественного исполнения, а также по благородной простоте и пластичности формыпредставляетсяоднимизшедевровСезанна.

П.Сезанн.«Натюрмортскомодом»,1883–1887,Баварскиегосударственныесобраниякартин,Мюнхен

Любимымжанромимпрессионистовявлялсяпейзаж,но,какужеупоминалосьвыше,дляСезанна это — натюрморт, в каждом из которых он настойчиво стремился утвердитьнезыблемость, постоянство бытия. Таковы его «Ваза с фруктами» (ок. 1878, собраниеЛеконт, Париж), «Натюрморт с драпировкой» (ок. 1799, Эрмитаж, Санкт-Петербург),«Яблоки и апельсины» (ок. 1895–1900, Музей Орсе, Париж). На этих полотнах зрительнаблюдает не видимость переменчивого предмета, который может предстать иным взависимости от освещения или точки зрения, а постоянную суть конструкцииизображаемогообъекта.Мастервоссоздаетобъемприпомощицветаиделаетегонастолькоубедительным, что зрители, видя предмет лишь с одной стороны, ясномогут представитьегоцеликом.Геометриясезанновскихформотличаетсявнушительностьюимассивностью:плодыотчетливошаровидные,сосуды—цилиндрические,складкисалфеток—конические.Художникопределил,чтовосновемногообразияприродныхформнаходятсяшар,конусицилиндр и именно на их разнообразных сочетаниях и зиждется незыблемое устройствоВселенной.

Общеизвестны слова мастера, произнесенные в старости: «Трактуйте природупосредствомцилиндра,шара,конуса—ивсевперспективномсокращении,тоестькаждаясторона предмета, плана должна быть направлена к центральной точке. Линии,

параллельныегоризонту,передаютпротяженность,тоестьвыделяюткусокизприродыили,если хотите, из картины, которую вечный всемогущий Бог развертывает перед нашимиглазами. Линии, перпендикулярные к этому горизонту, дают глубину. А поскольку вприродемы,люди,воспринимаембольшеглубину,чемповерхность,тонеобходимовводитьв колебания света, передаваемые красными и желтыми тонами, достаточное количествоголубых,чтобыдатьпочувствоватьвоздух».

П.Сезанн.«Персикиигруши»,1888–1890,ГМИИ,Москва

Известно, что художник подолгу, любовно и с огромным терпением расстанавливалпредметы, которые должны были составлять композицию натюрморта. Сезанн тщательноразмещал разнообразные фрукты, кувшины, ножи, салфетки, кружки, бокалы и бутылки,следязасоразмерностьюсветаитени,подкладываяоднузадругоймонетыподперсикиилияблоки, пока наконец на столе не появлялся необходимый мотив, который мог быудовлетворитьеговзглядиум.Любимымвыражениеммастерабыло:«Композицияцвета…Вэтомвсе.ТаккомпоновалВеронезе».«Вапельсине,яблоке,шаре…каждомпредметеестьсамаявыпуклаяточка,котораяближевсегонашемуглазу,иэтовсегданезависимоотсамыхрезкихдаже эффектов: света, тениицветовыхощущений.Краяпредметовбегуткцентру,помещенномунанашемгоризонте».

Кконцу1880–1890-х годовнатюрмортыСезанна становятсяболее сложными, кажутсячересчурперегруженнымиутварьюразличныхразмеровиразнообразнымифруктами.

П.Сезанн.«Натюрмортсдрапировкой»,ок.1899,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Частоздесьжеприсутствуетизлюбленнаямастеромцветастаядрапировка,ниспадающаятяжелыми складками. Таков натюрморт «Персики и груши» (1888–1890, ГМИИ,Москва),гдеощущаетсявнутренняянапряженность.

Нередко в композиции включен простой столик с выдвижным ящиком, однако накаждомполотнеонслужитплощадкойдлясовершенноиногодейства.Натюрморт«Персикиигруши»отличаютпростотаформичистотацвета.

Мягкимиволнамиструитсясмятаясалфетка,брошеннаянастол;словносопротивляясьее движению, лежат массивные груши; тарелка с персиками слегка накренилась, амолочник, указывающий носиком в левый верхний угол полотна, покоится непоколебимопрямо. Динамичность этой работе сообщает заметная на фоне натюрморта нижняя частьстены с широкой синей полосой, проходящая под углом к краю столика. Пространствополотна раскрывается подобно вееру, оно обтекает и обволакивает все изображенныепредметы,создаваямеждуниминекуюнапряженность.

Мастер не стремится соблюдать правила прямой перспективы; в ней свободносовмещаются сразу несколько точек зрения. До Сезанна подобный прием в живописи неприменялся.

ПроизведенияСезаннаникакнельзяназватьбезмятежными.Внихвсегдаприсутствуетдраматизм мироощущения, проявляющий себя в тревожности ритмов, и рефлексия, всю

жизньпреследовавшаяхудожника,еговечноенедовольствособой.Внутреннее напряжение передается и неспокойными цветовыми сочетаниями. Долгие

годы Сезанн находился в творческом поиске; подчас его приводило в отчаяниенесоответствие замысла и результата, а потому художник уничтожал некоторые своикартины.

Ивсежевпоследнийпериодтворчестваонсоздалрядпроизведенийпоистиневеликих,в которых адекватно соотносились творческая идея и ее пластическое воплощение. Такиеработы превращаются в диалог художника не только со зрителями и с миром, но и свысшимисилами,ввысокиераздумьяосущностиВселенной.

ПолотнаСезаннаобладаютмагическимвоздействиемназрителя,посколькунесутвсебенепередаваемо гармоничное сочетание форм и объемов, ритмов и цвета, отражающихэнергиюдухаживописца.

Воспринимается именно этаживая энергия, а не мазки и художественный стиль.ПрижизниСезаннбылмалоизвестенинепризнан.

Толькопослепосмертнойвыставки, состоявшейсяв1906году,имямастераприобреломировуюизвестность,аегооткрытиявизображениипространстваицветовоговоплощенияпредметов оказали несомненное влияние на дальнейшее развитие европейского искусстваXXстолетия.

ПьерБоннар

(1867–1947)Пьера Боннара порой называют последним французским импрессионистом, хотя сам

художник не был согласен с такой оценкой. Он считал, что импрессионисты слишкомнатуралистичны в передаче света. Претила ему и небрежность композиционногопостроения,свойственнаяихпроизведениям.

Французскийживописец, граверирисовальщикПьерБоннарродилсявФонтенэ-о-Розблиз Парижа в семье служащего военного министерства. Родители уделяли большоевниманиеобразованиюсвоихдетей.СтаршийбратБоннарасталхимиком,сестравыбраламузыку,аПьераготовиликкарьереюриста.Ноонпренебрегжеланиемродителейирешилпосвятитьсебяизобразительномуискусству.В1888годуБоннарпоступилвШколуизящныхискусств в Париже. Кроме того, он посещал академиюЖюлиана, где познакомился с Э.Вюйаром,П.Рансоном,М.ДенииП.Серюзье.

В 1889 году Боннар представил на конкурс на Римскую премию свою композицию«ТриумфМардохея»,ножелаемойнаградыэтополотноемунепринесло.ОтецопределилПьера к своему другу— помощнику прокурора. Но сын вовсе не собирался становитьсяюристомипродолжалрисовать,отдаваялюбимомуделукаждуюсвободнуюминуту.

Значительное влияние на формирование молодого художника оказал Поль Гоген,которого Боннар считал своим кумиром. Увлекало его и искусство японской гравюры.ВпервыешедеврымастеровЯпонииБоннарувиделнавыставке,проходившейв1890годувПариже. Свой творческий путь молодой художник начал с плаката, рекламировавшегошампанское (1889). В этот период он работал главным образом в сфере театрального иприкладного искусства, графики и литографии. Живопись в то время совсем не

интересовалаего.

П.Боннар.«Зеркалонадумывальником»,1908,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Произведения, созданные Боннаром в 1890-х годах, свидетельствуют о его увлеченииимпрессионизмом. Особенно привлекали мастера картины Эдгара Дега. В это времяпоявились литографии, выполненные Боннаром в импрессионистической манере(«Бульвар»,«Площадьвечером»),ииллюстрацииклитературнымпроизведениям(романП.Нансена«Мария»,1896).

Вконце1890—начале1900-х годовБоннар создалрядполотенна сюжетыизжизни

театра, цирка. Как и Дега, его интересовали скачки («Скачки в Лоншане», 1897, частноесобрание). В этот же период появляются одухотворенные портреты, в которых моделиизображены на фоне интерьера («Молодая женщина около лампы», до 1900, Музейискусств,Берн).

Главные мотивы живописи Боннара 1900-х годов — поэтичные картины природы,шумныеилиспокойныепарижскиеулицы(«Началовесны»,1903–1904;«УголокПарижа»,1905;«Ранняявесна»,1909;«УтровПариже»,1911;«ВечервПариже»,1911;«Осень»,1912,все—вЭрмитаже,Санкт-Петербург).

ВажноеместовтворчествеБоннаразанимаютнатюрморты.Иногдарядомспредметами,переданными художником с осязаемой убедительностью, неожиданно и как бы случайновозникают человеческие фигуры, похожие на трепетное видение («Зеркало надумывальником»,1908,Эрмитаж,Санкт-Петербург).Чащевсегохудожникпоказываетвещина фоне интерьера гостиной, спальни, столовой («Столовая», 1934, Музей СоломонаГуггенхейма,Нью-Йорк).Палитрамастеранасыщенаоттенкамиголубого,серого,лилового.

Боннар принимал активное участие в разнообразных выставках, проходивших как воФранции, так и за рубежом. В 1871 году несколько его картин было показано в СалонеНезависимых, а в 1903 году—вОсеннем салоне.К этомувременион сталужедовольноизвестнымхудожником,уважаемымвкругузнаменитыхживописцев.

В 1912 году Боннар поселился в собственном доме возле Вернона, рядом сЖиверни.НедалекоотнегожилК.Моне,скоторымхудожникчастовстречался.

В1916годуБоннарпобывалнаюгеФранции,исэтоговремениеготворческаяманеразначительно изменилась, что выразилось в более свободных, динамичных мазках инасыщенныхкрасочныхоттенках.Стойпорыосновнымжанромвживописимастерасталпейзаж. В 1923 году появился знаменитый триптих «Лазурный берег» (собраниеФилипс,Вашингтон),написанныйподвпечатлениемпоездкинаюг.

В1925годухудожниккупилдомвгородкеЛе-КанневозлеКанн.Егоженабылабольна,иврачирекомендовалиейсменуклимата.Вместеснейхудожникпобывалвразныхуголкахстраны.Вконце1920-хгодовонпосетилАркашон,Сен-Оноре-Ле-Бене,Ла-Боле,ав1930-хнекотороевремяжилвБенервиль-сюр-Мере,Трувиле,Довиле.

Боннар жил в Ле-Канне, когда началась Вторая мировая война. Это было невероятнотяжелоевремя.Нехваталоедыиуглядляотопленияжилья, а зима1940–1941годовбыланепривычно холодной. Соседи помогали старому мастеру, делились продуктами, а онпытался расплачиваться с ними собственными живописными творениями. Боннара непугали трудности, единственное, что его очень удручало, — это невозможность достатькраски.Но он продолжал писать. В это время появилась композиция «Букет мимоз» (ок.1941,частноесобрание).

В годы войныБоннарпережилпотерюблизкихи друзей.В 1940 году умерЭ.Вюйар,зимой1942годанесталоМарты,женыхудожника.В1943годускончалсяМ.Дени,ав1944— К. Руссель. Но несчастья не могли сломить мастера, продолжавшего творить. Ониспользовал акварель и тушь, так какмасляных красок не было, но и в этой технике емуудавалось создавать удивительно красочные и свежие композиции («Террасы», 1941,частноесобрание,Франция).

Картины, выполненные Боннаром в 1940–1942 годах, были настолько хороши, чтоторговцы и коллекционеры предлагали за них поистине огромные денежные суммы. Нохудожникнеоценивалсвоитворениятаквысокоиотказывалсяпродаватьих.Онговорил,

что не желает «обворовывать людей». Боннар расставался с картинами, лишь когда по-настоящемунуждалсявсредствах.

Летом 1945 года Боннар приехал в Париж. В это время его племянник, Ш. Террас,организовал в Фонтенбло выставку современных живописцев. На экспозиции былопредставлено десять полотен Боннара. В 1946 году зрители увидели картины мастера вОсеннем салоне и на выставке «Искусство и Сопротивление». Несмотря на возраст иухудшающееся здоровье, Боннар продолжал работать. За недолгое время пребывания вПариже он написал «Цирковую лошадь» (1946, собраниеШ.Терраса,Париж) и завершил«МастерскуювЛе-Каннеимимозы»(частноесобрание),начатуюещев1938году.

ВернувшисьизПарижадомой,вЛе-Канне,художникзаболел.Ноонпродолжалписать.Последней его работой стала композиция «Миндальное дерево в цвету» (1946–1947,

Музей современного искусства, Париж), показавшая восхищение умирающего живописцавечнойкрасотойокружающегомира.

ЮзефПанкевич

(1866–1940)Искусство Юзефа Панкевича свидетельствует о его увлеченности творческими

экспериментами. На разных этапах своей жизни он обращался к различнымхудожественным направлениям. Так, ранние его работы говорят о его интересе кимпрессионизму, а картины,написанныев 1890-х годах, отмеченыромантическимдухом.ПозднееПанкевичобратилсякфовизмуивнекоторойстепениккубизму,авкомпозицияхпослевоенногопериода—кклассицизму.

ПольскийживописециграверЮзефПанкевичродилсявЛюблине.В1884–1885годахонобучалсявВаршавеуГерсонаиКаминьского, ав1885–1886годах—вПетербургскойакадемии художеств. До 1889 года жил и работал в Варшаве, затем переехал в Париж.Панкевич много путешествовал, он объездил почти всю Францию, побывал в Италии, вПиренеях.С1914годаидоконцаПервоймировойвойнымастернаходилсявИспании.

Дружеские отношения связывалиПанкевича с художникамиП. Боннаром,Ж.Сёра,П.Синьяком,писателемМ.Жакобом,критикомФ.Фенеоном.Еготалантпроявилсявсамыхразныхжанрах:портретном,пейзажном,натюрморте.

Большинствораннихработмастераисполненовманереимпрессионизмасприменениемпуантилистской техники. Таковы картины «Цветочный базар возле церкви Мадлен вПариже» (1890, Национальный музей, Познань), «Своз сена», «Пейзаж с хатами» (1890),«Пейзаж Казимежа-над-Вислой», «Пейзаж с кустарником» (Верхнесилезский музей,Бытом).

В 1890-х годах под впечатлением ноктюрнов А. Герымского художник написал рядчудесных романтических пейзажей, пронизанных тонким поэтическим чувством. Этикомпозициипоказываютобъятыеночныммракомтаинственныеландшафтысмерцающимикое-где огоньками («Лебеди в Сасском саду», Национальный музей, Варшава; «Ночнойизвозчик», 1896, Национальный музей, Краков; «Парк в Дубое близ Пинска», 1897,Национальныймузей,Варшава).

Ю.Панкевич.«Натюрморт.Цветывголубойвазе»,1923,Национальныймузей,Варшава

В это же время появились и необыкновенно правдивые и искренние портреты,свидетельствующие об интересе художника к проблеме искусственного освещенияпортретируемого («Портретдевушки»,1897,музей,Кельцы;«Портретматерихудожника»,1901,Национальныймузей,Краков).

Экспериментысцветомвыразилисьвкартинах,созданныхПанкевичемв1900-хгодах:натюрмортах, напоминающих работы таких французских художников, как П. Сезанн, П.Боннар,А.Матисс;пейзажах,передающихяркоеочарованиефранцузскогоюга;интерьерах.

Не избежал живописец и влияния синтетизма П. Гогена, о чем свидетельствуют четкиеконтуры и широкие красочные плоскости в композиции «Японка» (1908, Национальныймузей,Краков),написаннойвкрасноватыхоттенках.

В духе А. Матисса исполнены необыкновенно красочные натюрморты Панкевича,относящиеся к 1900–1910-м годам («Натюрморт с ножом», 1909, Национальный музей,Краков;«Натюрмортсфруктами»,1909,Верхнесилезскиймузей,Бытом).

В работах, созданных художником в 1910-х годах, ощущается не только интерес кфовизму,ноиувлечениетакимнаправлением,каккубизм,хотякубистскиеприемымастериспользуетдовольноосторожноивнебольшихдозах(«ТеррасавМадриде»,«Виднаулицу»,«Испания1915»,«Заутреннимтуалетом»).

После окончания Первой мировой войныПанкевич возвратился воФранцию. С этоговременионначалписать картиныв духе классицистическогоискусства.Его композиции,выполненные с помощью тонких красочных слоев, вызывают в памяти произведения О.Ренуара.

В1920-хгодахПанкевичобращаетсякмотивамцветовидеревьевсгустымикронами.Он пишет тюльпаны, натюрморты с фруктами и букетами («Натюрморт. Цветы в

голубойвазе»,1923,Национальныймузей,Варшава).К этому времени относится и ряд портретов, а также несколько композиций с

обнаженной натурой («Лежащая женщина», 1925). Большинство произведений мастерасвидетельствует,чтопроблемацветапо-прежнемуволнуетхудожника.

ХуанГрис

(1887–1927)Если в аналитический период Грис создавал архитектонику своих композиций из

разнообразных описательных деталей, то в период синтетического кубизма он пошел вобратном направлении — от архитектоники к предмету. Об этом свидетельствует егознаменитая фраза: «Сезанн из бутылки сделал цилиндр, я из цилиндра делаю бутылку».Таким образом белый параллелограмм на его холсте превращался в книжную страницу,прямоугольник—встол,овал—вгрушуилилимон.

Французский живописец испанского происхождения Хуан Грис (настоящее имя —ВикторианоГонсалес)родилсявМадриде.В1902годупонастояниюсвоихродителейГриспоступилвмадридскуюШколуискусствиремесел,нопроучилсяонтамнедолго.Черездвагодаюношаоставилшколу,чтобыцеликомпосвятитьсебятворчеству.Вэтовремямолодойхудожник сотрудничал в рядежурналов, для которых делал иллюстрации в декоративныхтрадицияхискусствамодерн.Крометого,ГрисобучалсяуживописцаХ.М.Карбонеро.

Под воздействием немецких изданий «Simplicissimus» и «Jugend» (в этих журналахсотрудничалдругхудожника,ВиллиГейгер)Грисобратилсяксамомупередовомудлятоговременихудожественномунаправлению,распространенномувИспании,—югендстилю.

НочерезнекотороевремяидеиюгендстиляпересталиудовлетворятьГриса.В1906годувпоискахновогоискусствахудожникотправилсявПариж.ПоселившисьнаМонмартре,онсблизился со своим соотечественником П. Пикассо и его кругом. Вскоре Грис снялмастерскуюрядомсательеПикассо.

Чтобы заработать себе на жизнь, молодой художник начал делать юмористическиерисункидлярядафранцузскихжурналов.Кживописионобратилсялишьв1911году.

В кубистических композициях, написанных в это время, прослеживается влияние П.ПикассоиЖ.Брака(«Натюрморт»,1911,Музейсовременногоискусства,Нью-Йорк;«Столв кафе», 1912, Художественный институт, Чикаго; «Гитара и цветы», 1912, Музейсовременногоискусства,Нью-Йорк;«Пикассо»,1912,частноесобрание,Чикаго).

В этих произведениях приемы кубизма сочетаются с традициями, воспринятымимастеромвобласти графическогоискусства.Грис совмещает в однойкомпозицииразныепланыиракурсы,используетплоскостныеформы, которые создаются спомощьюпрямыхлиний, сегментов овалов, полукружий. В отличие от своих учителей-кубистов мастериспользуетхолодныекрасочныеоттенки(голубые,серебристо-серые).

В 1913 году, подобно Пикассо и Браку, Грис переходит от аналитического кубизма ксинтетическому. С этого времени в егоживописи появляются такие детали, как надпись,группа цифр, наклейка. Более интенсивной становится палитра мастера. Беспредметныеэлементы,соединяясь,превращаютсявгармоничныеицелостныеконструкции(«Скрипкаигравюра», 1913,Музей современного искусства, Нью-Йорк; «Ваза с фруктами и графин»,1914, Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло; «Завтрак», 1914, Музей современного искусства,Нью-Йорк).

Наиболее ярко синтетический метод проявляется в картинах и особенно коллажах,исполненных в 1913–1914 годах («Рюмки, газета и бутылка вина», 1913; «Натюрморт срозами»,бывшеесобраниеГертрудыСтайн,Париж;«Натюрморт»,МузейКрёллер-Мюллер,Оттерло;«Натюрмортсостаканомпива»,собраниеСамюэляА.Маркса,Чикаго).

Х.Грис.«Рюмки,газетаибутылкавина»,1913

Темнеменее переход к большому синтетизмупроизошелне сразу.Некоторые работыГриса показывают, что художник вновь интересуется архитектоникой и совершенно неберетвовниманиесампредмет(«Натюрмортпередоткрытымокном.ПлощадьРавиньян»,1915; «Лампа», 1916, обе— вМузее искусства,Филадельфия). Иногда вещи на картинахГриса предстают несколько схематичными или стилизованными («Скрипка», 1916,Художественный музей, Базель; «Натюрморт с игральными картами», 1916, галереяВашингтонского университета; «Шахматная доска», 1917,Музей современного искусства,

Нью-Йорк).ПолностьюсинтетическуютехникуГрисосвоилкначалу1918года.Картины,созданные

им в 1918–1920 годах, отличаются строгостью, необыкновенной пластичностью иэкспрессивной выразительностью («Натюрморт с компотницей», 1918, Художественныймузей,Берн).

Натюрмортам, написанным в 1921–1923 годах, присущи такие качества, как тонкийлиризм и звучность цветовой гаммы («Канигу», 1921, галерея Олбрайт-Нокс, Буффало;«Нотная тетрадь», 1922, галерея Мери Харриман, Нью-Йорк). Полотна, созданные впоследниегодыжизниГриса,сталиегошедеврамии,наверное,лучшимиработамикубизма(«Стол художника», 1925, собрание Рейтер, Гейдельберг; «Голубой ковер», 1925,Национальный музей современного искусства, Париж; «Гитара и нотный лист», 1926,собрание Даниэля Сейденберга, Нью-Йорк). Хотя первенство в создании кубистическойживописипринадлежитП.Пикассо,Грисвомногомобогатилееидовелдосовершенства.

Удивительно, но картины, написанные тяжелобольным художником, страдающим отнищеты, полны спокойствия и светлого безмятежного чувства. В 1920 году Грис заболелплевритом и, несмотря на постоянные поездки на юг, так и не смог от него излечиться.Умерживописецв1927годувБулонь-сюр-Сен,гдеонпроживалс1922года.

ФернанЛеже

(1881–1955)Фернан Леже, известный французский живописец и график, являлся крупным

монументалистом своего времени.Он занимался оформлением залафизической культурынаВсемирнойвыставке,проходившейвБрюсселев1935году,создалживописноепаннодляпарижскойВсемирнойвыставки,открывшейсяв1937году,расписывалапартаментыН.О.РокфеллеравНью-Йорке.

ФранцузскийхудожникФернанЛежеродилсяАржантане(Орн).В1897–1899годахонобучался на архитектурном факультете в Канне, затем поступил вШколу декоративногоискусствавПариже.ЗанималсятакжевШколеизящныхискусствиакадемииЖюлиана.

В1908годуЛежесталчленоминтернациональнойгруппировки«Улей» («Лярюш»)исблизилсяспредставителямикубистскогообъединения«Золотоесечение».Ранниеработымастера, выполненные в 1900—начале 1910-х годов, представляют собой композиции, вкоторыхформыприобретаютвидцилиндровиконусов,аколориттяготееткоднотонности,чтопридаеткартинамхарактер гризайли («Свадьба», ок. 1910–1911,Национальныймузейсовременногоискусства,Париж;«Обнаженныевлесу»,1909–1911,ГосударственныймузейКрёллер-Мюллер,Оттерло).Спомощьюприемовкубизмавыполненыипроизведения1913–1914 годов.Так, серия «Контрастыформ» (1913) написана строгими, четкими линиямииусловными,почтичертежнымиштрихами.

ВначалеПервоймировойвойныЛежеоказалсянафронте.В1914–1916годахонвоевалв саперных войсках. Под Верденом художник получил сильное отравление газом. Емупришлосьдолголечиться,илишьпослеэтогоонсмогвернутьсякживописи.

Произведения, созданные Леже в 1918–1920 годах, свидетельствуют о его увлеченииабстрактным искусством. Он создает полотна, на которых из сочетаний динамичных

геометризированных фигур рождаются изображения разнообразных механизмов итехническихконструкций(«Деревяннаятрубка»,1918,частноесобрание,Париж;«Диски»,1918,Национальныймузейсовременногоискусства,Париж).Втакойжеманереисполненыинатюрморты(«Натюрмортспивнойкружкой»,1921–1922).

Ф.Леже.«Натюрмортспивнойкружкой»,1921–1922

Кэтомужепериодуотносятсяипроизведенияурбанистическойнаправленности,гденапервый план выходят яркие цветовые плоскости («Город», 1919, Музей искусств,Филадельфия; «На палубе буксира», 1920, Национальный музей современного искусства,

Париж).СвоимтворчествомЛежеактивнопропагандировалэстетическиевоззрениятехницизма,

онпризывалхудожниковобращатьсякмотиваминдустриальногомира.В1920годумастерсблизилсяспуристамиА.ОзанфаномиШ.Э.Жаннере(ЛеКорбюзье).Вэтомжегодуонпознакомился и с основателями объединения «Стиль» («ДеСтейл»)П.Мондрианом и Т.ВанДусбургом.

Какибольшинствоего товарищей,Лежеувлексяидеейсинтезаискусств.В1920–1930годахонпринималактивноеучастиевсозданиииреализациимногочисленныхпроектоввобласти дизайна, оформительского искусства, архитектуры, книжной графики.Не обошелхудожниксвоимвниманиемтеатрикинематографию.В1924годувместесА.Экстером,М.Лорансеном и А. Озанфаном Леже стал основателем свободной художественной школы-студии.В1929годусовместносОзанфаномоноткрылСовременнуюакадемию.Впериодс1932по1935годмастерзанималсяпреподавательскойдеятельностьювакадемии«Большаяхижина».

Если до середины 1920-х годов Леже интересовали в основном предметы, то вдальнейшем в его работах центральное место заняли изображения людей. Человеческиефигуры в композициях мастера приобретают сходство с деревянными или глинянымиигрушкаминародноготворчества,чтоделаетполотнапохожиминапроизведениянаивногоискусства(«Чтение»,1924,Национальныймузейсовременногоискусства,Париж;«Танец»,1930,музей,Гренобль).ТакимобразомпуристскиеприемытрансформируютсявживописиЛежевнекийвариантпримитивизма.

В начале 1930-х годов в творчестве Леже появились картины, в которых возникаютнарочито укрупненные предметы, свободно парящие в пространстве («Предметы вконтрасте», 1930, Национальный музей современного искусства, Париж; «Джоконда иключи», 1930, Национальный музей Фернана Леже, Биот). В подобных «монтажных»композицияхвыразилсяопытхудожникавсферекинематографическогоискусства.

В1930-егодыЛежемногопутешествовал.ОнпобывалвразличныхстранахЕвропыивСША. К этому периоду относится целый ряд его работ в области монументально-декоративнойживописи.В станковых композициях этих лет появились новые тенденции.Все предметы на полотнах (вещи, фигуры людей иживотных, элементы пейзажа) как бысливаютсяводнороднуюструктуруснесколькимивыделяющимисянаобщемфонеяркимикрасочными пятнами («Адам и Ева», 1935–1939, Художественный музей, Дюссельдорф;«Композиция с двумя попугаями», 1935–1939, Национальный музей современногоискусства,Париж).

В период Второй мировой войны Леже жил и работал в США. Он преподавал вЙельскомуниверситете,атакжевколледжеМиллсавКалифорнии.Главнымитемамиеготворчествавэтовремясталиспорт,эстрада,цирк,праздникииразвлечения(«Ныряльщикинажелтомфоне»,1941,Художественныйинститут,Чикаго).

В 1945 году Леже вернулся во Францию. Вскоре он вступил во французскуюкоммунистическую партию. С этого времени в его живописи стали преобладать мотивытруда и отдыха простых людей («Досуги», 1948–1949,Национальныймузей современногоискусства, Париж; «Строители», 1950, Национальный музей Фернана Леже, Биот;«Загородная прогулка», 1954, собрание Мэг). Для произведений данного периодахарактерныкачества,присущиенародному творчеству: звучностькрасок,праздничностьинарядность(«Большойпарад»,1954,МузейСоломонаГуггенхейма,Нью-Йорк).

В конце 1940–1950-х годах Леже вновь вернулся к монументальному творчеству(мозаикиивитражидляцерквиПлато-д’Асси,1947–1949;мозаикадлякриптыпамятникаамериканцам в Бастони, 1951, Бельгия; витражи для церкви в Оденкуре, 1951; панно длябольшого зала заседаний здания ООН, 1952, Нью-Йорк; витражи и мозаика дляуниверситета в Каракасе, 1954; роспись здания «Газ де Франс» в Альфорвилле, 1955). Впоследнийпериоджизнихудожникзанималсятакжесценографией,керамикой,прикладнойграфикой,создавалэскизыдлягобеленов.

ЖоржБрак

(1882–1963)В 1950-е годы излюбленный Браком образ птицы становится самостоятельным,

независимымотжанранатюрморта.ОчертаниямиптицонрасписываетплафонвЭтрусскомзалеЛувра(1953),создаеткомпозиции«Черныептицы»(1956–1957,галереяМэг,Париж),«Расправив крылья» (1956–1961, Национальный музей современного искусства, Париж).Подобный мотив обогащается ассоциациями, поднимаясь таким образом до уровнямногозначногосимвола.

ФранцузскийживописецЖоржБракродилсявгородкеАржантёй-сюр-Сен.В1897–1899годах он получил художественное образование в Школе изящных искусств в Гавре. ВдальнейшемБраксовершенствовалсявживописноммастерствевПариже.Онбралурокивакадемии Эмбера и в Школе изящных искусств в течение 1902–1903 годов. Вскоре онпознакомилсяспредставителямигруппыфовистов.С1905по1907годБракбылчленомиххудожественного объединения. В это время главной темой его живописи становятсяпейзажисхарактернойнапряженнойгармонией.

В 1907 году состоялось знакомство Жоржа Брака с Пикассо. За долгие годысотрудничества художники выработали оригинальный творческий метод, который сталосновойдляформированиянаправления«кубизм».

Творчество Брака 1909–1911 годов называют «аналитический кубизм». В его работахпреобладаютнатюрморты,вкоторыхониспользуетскупуюколористическуюгаммусерых,зеленых и охристых оттенков. Предметы на полотнах мастер словно разделяет напризматические небольшие грани, в результате чего композиции представляют собойподвижныекристаллическиеструктуры.Таковыкартины«Скрипкаипалитра»(1909–1910,Музей Соломона Гуггенхейма, Нью-Йорк), «Женщина с мандолиной» (1910,Государственная галерея современного искусства, Мюнхен), «Натюрморт со скрипкой»(1911,Национальныймузейсовременногоискусства,Париж).

С1912по1914годпродолжаетсяпериод«синтетическогокубизма».Произведенияэтоговремени мастер строит с использованием самых разнообразных материалов, а такжевкраплений языковых систем различных типов. Брак нередко обращается к коллажу,применяя журнальные наклейки, обрывки газет, рекламные листки, обои и клеенкуразнообразнойфактуры.Частоонподмешиваетвкраскуопилки,песокилиметаллическуюстружку для создания рельефного эффекта. Изображения художник сопровождаетграфическими надписями — цифрами, нотными знаками, буквами. Предметы в егонатюрмортахкажутсярасслаивающимисянаглазахпоцвету,форме,рисункуифактуре.

Ж.Брак.«Кларнетибутылкароманакамине»,1911

Графические и чисто визуальные знаки в композициях Брака вступают в сложныевзаимоотношениядругсдругом,ониперестраиваютсяисоздаютпричудливыепластическиеисмысловыекомбинации(«Вальс»,1912,ФондП.Гуггенхейм,Венеция;«Бокал,скрипкаинотная тетрадь», 1913, Музей Валлраф-Рихартц-Людвиг, Кёльн). Свой новый методхудожник использовал не только на полотнах, но и на листах бумаги, компонуя и пробуяразличные техники коллажа («Ария Баха», 1912–1913, Национальная галерея, Вашингтон;«Натюрмортнастоле»,1914,Национальныймузейсовременногоискусства,Париж).

Когда началась Первая мировая война, Брак ушел на фронт. В мае 1915 года он былраненвголову.Едвапоправившисьпослетяжелойоперации,художниквновьприступилкзанятиям живописью. После 1917 года он разрабатывал сюжеты большими сериями,поскольку в одном произведении немог воплотить всю возможнуюпластику выбранногомотива.Наиболееизвестнымиработамиэтоговремениявляются«Натюрмортынакругломстоле» (1918–1942), «Камины» (1922–1927), «Биллиарды» (1944–1952). КолористическаягаммаБракастановитсяболеесветлой.Онпредпочитаетиспользоватьтончайшиенюансыголубых,серых,оливковых,охристыхитерракотовыхоттенков.Большинствопредметовнаполотнах очерчиваются мягкими, округлыми, изогнутыми контурами, которые визуальнокажутся упругими. Художественные планы располагаются в основном в параллельнойплоскости; они тесно сближены. Мастер применяет резкую тень, которая делит объемыпополам (Вашингтон; «Круглый стол», 1922, Метрополитен-музей, Нью-Йорк; «Круглыйстол»,1929,частноесобрание).

Ж.Брак.«Натюрмортсгитарой»,ок.1922

Ж.Брак.«Птицаигнездо»,1955,Музейсовременногоискусства,Париж

С 1931 года Брак жил то в Париже, то в собственном доме в городке Варжанвилле,расположенном неподалеку от Дьеппа. В другие европейские страны он выезжал лишьизредка.На протяжении 1930-х годовмастер не оставлял своего любимого натюрморта илишьотчастиобращалсяккомпозициямсфигурамилюдейвинтерьере.Всечащекартинынаполняются высоким философским смыслом и тонкими душевными переживаниями(«Пасьянс»,1942,частноесобрание,Лозанна).

ПериодоккупацииФранциивовремяВтороймировойвойныхудожникпереживалоченьтяжело. Трагическое мироощущение чувствуется в его натюрмортах, которые близки понастроениюидухуклассическималлегориям(«Графинирыбы»,1941,Национальныймузейсовременного искусства, Париж; «Натюрморт с лестницей», 1943, частное собрание).Особенно интересна серия «Биллиард», созданная в это время. Контурные линии,обрисовывающиепредметы,множатся,благодарячемуузрителясоздаетсяощущение,будтопереднимнервновибрирующаяструнаилилегкиебабочкистрепетнымикрыльями.Такимобразом,статичныйнапервыйвзглядмотивстановитсядраматичнымсюжетом,глубокимипсихологически выразительным («Биллиард», 1944, Национальный музей современногоискусства,Париж;«Биллиард»,1945,частноесобрание).

С1949по1956годБракзанималсясозданиемсерииподназванием«Мастерские».Сюдавошли восемь больших полотен в жанре натюрморта. Пространства этих композицийотличаются масштабностью, свойственной интерьерным мотивам. В центре размещенынатюрморты с атрибутами искусств. Они представляются поистине монументальными.

Формыпредметов тесно сплетаютсядруг с другом, а тяжелыеи вязкие краски землистыхоттенковпронзаетсияющееизображениебелойптицыкакаллегориитворческогоозаренияи свободного полета мысли художника («Мастерская II», 1949, Художественное собраниеземли Северный Рейн-Вестфалия, Дюссельдорф; «Мастерская III», 1949–1951, частноесобрание, Вадуц; «Мастерская IX», 1952–1956, Национальный музей современногоискусства,Париж).

АнриМатисс

(1869–1954)СобытияПервоймировойвойныизменилимироощущениехудожника.ВживописиАнри

Матисса появились трагические ноты. Эмоциональный надлом выразился в сумрачных,полныхпечалиимеланхолиикомпозициях;преждеяркаяимногообразнаяцветоваяпалитрасузиласьдонесколькихтемныхоттенков.Основнымиформамиэтихкартинсталипростыегеометрические фигуры: круг, овал, прямоугольник, пересекающиеся или параллельныелинии(«ВиднаНотр-Дам»,1914,Музейсовременногоискусства,Нью-Йорк).

Французский живописец, рисовальщик, скульптор и декоратор Анри Матисс (полноеимя — Анри Эмиль Бенуа) родился в городке Ле-Като-Камбрези в Нормандии в семьехлеботорговца. Получив юридическое образование, будущий художник работал в Сен-Кантенеадвокатом.

В1891годуМатиссприехалвПариж,чтобыполучитьобразованиехудожника.Сначалаон обучался в академии Жюлиана, затем— в Школе декоративных искусств (1892) и вШколеизящныхискусствуГюставаМоро(1893–1899).

Много времени молодой художник проводил в Лувре, где копировал произведениявеликих мастеров прошлого. Ранние натюрморты Матисса отражают его увлечениеклассическимискусством.МногиекартиныживописцапоманереисполнениянапоминаютпроизведенияЖ.Б.С.Шардена(«Бутылкашидама»,1896,ГМИИ,Москва).

А.Матисс.«Краснаякомната(Гармониявкрасном)»,1908,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Познакомившись с живописью импрессионистов, постимпрессионистов, а такжеполотнамианглийскогопейзажистаДж.М.У.Тёрнера,Матиссначинаетприменятьболеенасыщенные краски. Его картины становятся светлее и воздушнее («Булонский лес», ок.1902, ГМИИ, Москва; «Люксембургский сад», ок. 1902, Эрмитаж, Санкт-Петербург).ЗначительноевоздействиенаформированиетворческогометодаМатиссаоказалоискусствоПоляСезанна.ВдухеСезаннаисполненыфигурныекомпозицииинатюрморты1900года(«Обнаженнаянатура.Слуга»,1900,Музейсовременногоискусства,Нью-Йорк;«Посуданастоле»,1900,Эрмитаж,Санкт-Петербург).ЗнакомствосПолемСиньякомв1904годутакжеповлияло на молодого мастера, создавшего несколько произведений в пуантилистскойтехнике («Роскошь, покой и наслаждение», 1904, Национальный музей современногоискусства,Париж).

В начале 1900-х годов по инициативе Матисса образовалось художественноеобъединение.Егопредставителей,показавшихсвоиработынавыставках1905и1906годов,сталиназыватьфовистами.

Фовистыиспользоваливсвоейживописияркиекраски,которыенакладывалинахолстдинамичными,размашистымимазками,врезультатечегоматериальностьформисчезалав

цветовом окружении. Таковы картины Матисса «Женщина в шляпе» (1905, частноесобрание,Сан-Франциско),«ВидКоллиура»(1906,Эрмитаж,Санкт-Петербург)идр.

Ксередине1900-х годовполностьюсложилсянеповторимыйстильхудожника.В1908годуоноткрылучебнуюмастерскую.В этомже году вышлакнига «Заметкиживописца»,где Матисс выразил свое творческое кредо. В полотнах, созданных им в этот период,заметен интерес к негритянской скульптуре и восточному искусству (в 1906 годуМатисспобывалвАлжире, а в 1910 годупосетилвыставкуисламскогоискусства,проходившуювМюнхене).

Написанные во второй половине 1900-х годов натюрморты и интерьеры поражаютгармониейкрасокилиний:яркиецветовыеплоскости,ограниченныечеткимиконтурами,придают полотнам вид причудливого орнамента. Большие вазы и другие объемныепредметы,украшающиекомнаты,какбудтотеряютсвоюматериальностьикажутсятакимижеизящнымиилегкими,какузорынаковрахисосудах («Статуэткаивазынавосточномковре»,1908,ГМИИ,Москва;«Краснаякомната(Гармониявкрасном)»,1908;«Натюрмортсголубойскатертью»;панно«Танец»и«Музыка»длямосковскогоособнякаС.И.Щукина,1910,все—вЭрмитаже,Санкт-Петербург).В1909годуМатиссприобрелдомвИсси-ле-Мулино.Здесьонсоздаетмножествоинтерьеров,композиций,показывающихмастерскую.Художникодухотворяетвещи:полотнаистатуикажутсяожившими,ведущимимолчаливыйдиалогсокружающимиихпредметами («Фрукты,цветы,панно„Танец“»,1909,Эрмитаж,Санкт-Петербург; «Мастерская художника», 1911, ГМИИ, Москва; «Красная мастерская»,1911, Музей современного искусства, Нью-Йорк; «Настурции на фоне „Танца“», 1912,ГМИИ,Москва).

В 1910–1913 годах художник совершил путешествия в Испанию, Марокко и Танжер.Впечатленияотувиденногопреобразилисьвчудесныенатюрморты,портреты,пейзажи,гдеэлементыэкзотикивплетенывобщийдекоративныйстройживописиМатисса(«Испанскийнатюрморт»,1910–1911;«Севильскийнатюрморт»,1910–1911,оба—вЭрмитаже,Санкт-Петербург; «ГоспожаМатисс в манильской шали», 1911, Художественный музей, Базель;«Вид из окна. Танжер», «Зора на террасе», «Вход в казба», 1912, ГМИИ, Москва). Вкомпозициях художника появляются вазы с роскошными цветами на фоне разноцветныхзанавесокистен,окрашенныхяркимикрасками(«Вазысирисами»,1912;«Букетцветовнаверанде», 1913, обе— в Эрмитаже, Санкт-Петербург; «Голубая ваза с цветами на синейскатерти»,1913,ГМИИ,Москва).

А.Матисс.«Фрукты,цветы,панно„Танец“»,1909,Эрмитаж,Санкт-Петербург

А.Матисс.«Голубаявазасцветаминасинейскатерти»,1913,ГМИИ,Москва

Картины,написанныеМатиссомвгодыПервоймировойвойны,отличаютсясумрачным,почти монохромным колоритом. На холстах появляются схематичные геометрическиеформы. Увлечение абстрактным геометризмом отразилось в интерьерах и натюрмортах,созданных Матиссом в 1916 году («Окно. Интерьер с незабудками», Институт искусств,Детройт;«Яблоки»,Художественныйинститут,Чикаго).

С1918годаМатиссбольшуючастьвременипроводилвНицце.Лазурноемореияркоеюжное солнце оказалиблаготворное влияниена художника, и вскоре егоживопись вновь

сталажизнерадостнойисветлой.ВНиццепоявилосьмножествозалитыхсолнечнымсветоминтерьеровипышныхбукетов.

В1920-х годах в творчествеМатиссапоявляетсяновая тема—«одалиски».Художникпишетженщин,одетыхвэкзотическиевосточныенаряды,вокружениикрасочныхковровидрапировок с орнаментальными узорами («Одалиска в красных шароварах», 1924–1925,МузейОранжери,Париж;«Одалиски»,1928,Музейсовременногоискусства,Стокгольм).В1930годуМатисспобывалнаТаитиивСША,гдеемупредложилисоздатьпаннодляМузеяБарнсавМерионе.Первыйвариантэтогопроизведения(«Танец»,1931–1933)нынехранитсявМузеесовременногоискусствавПариже.

В этот период художник выполнял главным образом рисунки пером, офорты илитографии. Иногда, чтобы сделать эти произведения более выразительными, онпроцарапывал узор на цветной основе («Розовая обнаженная», 1935, Музей искусств,Балтимор).

А.Матисс.«Яблоки»,1916,Художественныйинститут,Чикаго

А.Матисс.«Натюрмортсраковиной»,1940,ГМИИ,Москва

В1939годуМатисснавсегдаоставилПарижипоселилсявНицце.Здесьонсоздалцелыйряд рисунков и станковых работ, среди которых главное место занимают портреты инатюрморты с фруктами, цветами, изящными вазами и причудливыми раковинами(«Натюрмортсраковиной»,1940,ГМИИ,Москва;«Натюрмортсмагнолией»,1941–1942).

С1943годаМатиссжилиработалвВансе.Впоследнийпериоджизнимастерсоздалмножество полотен с интерьерами, в которых центральное место занимают букеты ифрукты на столах («Красный интерьер, натюрморт на голубом столе», 1947,Художественное собрание земли Северный Рейн-Вестфалия, Дюссельдорф; «Египетскаязанавесь»,1948,частноесобрание,Вашингтон),атакжеполныхсветаивоздухакомпозицийс женскими фигурами («Две девушки. Коралловый фон, голубой сад», 1947, частноесобрание;«Молчаниевдомах»,1947,частноесобрание).

АндреДерен

(1880–1954)ИзлюбленнымижанрамиАндреДерена были пейзаж и натюрморт.Но в годыПервой

мировойвойныхудожник,оказавшийсянафронтеиувидевшийкартинысмертиистрашныхразрушений,изменилсвоимпристрастиям.Сэтоговремениглавноеместовеготворчествезаняликомпозициисфигурамилюдейипортреты(«Тайнаявечеря»,1913,Художественныйинститут,Чикаго;«ЛюсиКанвейлер»,1913,Музейсовременногоискусства,Париж).

Французский живописец, график, скульптор Андре Дерен родился в городке Шатунедалеко отПарижа.Первые урокимастерства он получил у провинциального художникаЖакомена.В1898годуДеренприехалвПарижиначалобучатьсявакадемииКарьера.ЗдесьонсблизилсясА.Матиссом,А.Марке,Ж.Пюи.

В1900годуДереноставилакадемиюисталзаниматьсясамостоятельно.Вэтомжегодуон познакомился и подружился с М. Вламинком. Молодые художники вместе писалинатурныеэтюдывсамыхживописныхместахнедалекоотШату.

В 1905 году Дерен вошел в объединение фовистов, демонстрировавших своипроизведения в отведенном им зале Осеннего салона. Вместе с А. Матиссом художникпобывал в Коллиуре, приморском городке Южной Франции. В этот период он написалмножествопо-фовистскияркихпейзажей,напоминающихкрасочныекартиныА.МатиссаиВ. Ван Гога («Порт в Коллиуре», 1905, Музей современного искусства, Париж;«Виноградники весной», ок. 1906, Художественный музей, Базель; «Дорога среди гор»,1907,Эрмитаж,Санкт-Петербург).

Такие же насыщенные и звонкие краски свойственны и полотнам, выполненнымДереном во время пребывания вАнглии («Лондонский мост», 1906,Музей современногоискусства,Париж;«Темза»,Городскоймузей,Амстердам).

В 1907 году Дерен познакомился с П. Пикассо. Последний оказал значительноевоздействиенатворческийметодмолодогохудожника.Сэтоговременицветоваягаммаегонатюрмортов и пейзажей стала более сдержанной, упростились и формы предметов.Влияние кубистов, а также П. Сезанна ощущается в таких произведениях Дерена, как«Монтрёй-сюр-Мер. Гавань» (1910, Эрмитаж, Санкт-Петербург), «Старый мост в Кане»(1910, Национальная галерея, Вашингтон), «Натюрморт на столе» (1910, Музейсовременногоискусства,Париж),«Столистулья»(ок.1912,Эрмитаж,Санкт-Петербург)идр.

После Первой мировой войны Дерен обратился к портретному жанру, а также кпроизведениям с человеческими фигурами. В этот период значительное место в еготворчествезанималииллюстрацииклитературнымпроизведениямиработавтеатральнойсфере(оформлениеспектаклейбалетнойтруппыС.П.Дягилева).

А.Дерен.«Столистулья»,ок.1912,Эрмитаж,Санкт-Петербург

В 1921 году Дерен побывал в Риме. Итальянские впечатления отразились в егонемногочисленных пейзажах того времени, стилизованных под живопись старыххудожниковИталии.

В 1920-х годах Дерен занял видное место в ряду представителей неоклассицизма. Онписал композиции с изображением танцовщиц и персонажей комедии дель арте, а такжекартины с обнаженными фигурами («Обнаженная с кошкой», 1923, частное собрание;«Обнаженнаяскувшином»,1923–1924,МузейОранжери,Париж;«ПьероиАрлекин»,1924,частноесобрание,Париж).

Всегдастремившийсяузнатьчто-тоновоедлясебя,Дерентщательноизучаликопировалантичные росписи, произведения мастеров Кватроченто, картины представителейболонской школы. Особенно привлекало его творчество Караваджо, К. Коро, О. Ренуара.Мотивы,методыиприемыэтиххудожниковониспользовалвсвоихнатюрмортах,пейзажах,

композицияхсчеловеческимифигурами(«Двеобнаженныеженскиефигурыинатюрморт»,1935, собрание П. Леви, Франция; «Натюрморт», 1939, галерея П. Матисса, Нью-Йорк;«Мрачныйпейзаж»,ок.1950,собраниеП.Леви,Франция).С1935годаДеренжилиработалв Шамбурси, где занимался главным образом эскизами для театральных постановок ииллюстрациями к литературным произведениям Овидия, Петрония, Ф. Рабле, Ж.Лафонтена, Г. Арпа, М. Жакоба, Г. Аполлинера. В этот период он также увлекалсяпластическимискусствомикерамикой.

ЭмильНольде

(1867–1956)ЭмильНольде,обладавшийтяжелым,нелюдимымхарактером,никогданезадерживался

надолговхудожественныхобъединениях,вкоторыеонвремяотвременивступал.Недолгопробылоничленом«Моста»и«Синеговсадника».ДоконцасвоихднейНольдеоставалсямастером-одиночкой. И хотя многие причисляли его к экспрессионистам, сам Нольдеотрицалэкспрессионистическуюнаправленностьсобственноготворчества.

НемецкийживописециграфикЭмильНольде(настоящаяфамилия—Ханзен)родилсяна севере Германии, в местечке Нольде (Северный Шлезвиг) в бедной семье. Егохудожественное дарование проявилось рано, но родители не имели средств на обучениесына. Тогда юноша заработал их сам, написав серию открыток с изображением горныхвершинввидесказочныхвеликанов.

В 1884–1888 годах Нольде обучался в Школе художественной резьбы в городеФленсбурге.В1898–1900годахонзанималсявхудожественнойшколеФ.ФеравМюнхене,ав1899годупосещалакадемиюЖюлианавПариже.В1900-хгодахонпобывалвАвстрии,Швейцарии,ДаниииИталии.

Формирование молодого художника происходило под влиянием творчества такихзнаменитых европейских мастеров, как Тициан, Рембрандт, Ф. Гойя, Ж. Ф. Милле, О.Домье,А.Бёклин.ПривлекалоегоиискусствоВ.ВанГога,П.Гогена,Э.Мунка.

Ранние живописные работы Нольде поразили современников своей красочнойвыразительностью и динамизмом («Сад у Бурхарда», 1907, Вестфальский музей историиискусства и культуры, Мюнстер; «Сад цветов», 1908, Художественный музей,Дюссельдорф).

К началу 1910-х годов полностью сформировался художественный стиль Нольде. Егополные экспрессии и драматической напряженности картины выделяются средипроизведенийдругиххудожниковэтоговремени.Таковасерия«Осенниеморя»(1910–1911),написаннаягустымипластамизвучныхкрасок.Вкомпозициях,посвященныхночнойжизниБерлина, появляются гротескные образы и фантасмагории («В ночном кафе», 1911; «Застолом с вином», 1911; «Танец среди свечей», 1912, все — в Фонде Нольде, Зебюлль).Мотивы,рожденныевоображениеммастера,заполняютикартинысперсонажами-масками(«Воитель и женщина», 1913; «Принц и наложница», 1918, обе — в Фонде Нольде,Зебюлль).

Э.Нольде.«Красныемаки»,ок.1920

Вэтотжепериодхудожниквыполнилицелыйрядкомпозицийнарелигиозныесюжеты(«Тайная вечеря (Причастие)», Государственный музей искусств, Копенгаген; «Троица»,Государственные музеи, Берлин; «Поругание Христа», Музей «Моста», Берлин). В 1911–1912годахпоявиласьоднаизсамыхизвестныхработмастера—полиптих«ЖизньХриста».ДевятичастнаякомпозицияпредназначаласьдляцерквиНойкирхевНибюлле.

В 1913–1914 годах Нольде вместе с этнографической экспедицией побывал в НовойГвинее.ПопутионпосетилРоссию,Корею,КитайиЯпонию.ЖивописецпознакомилсясновойдлянегоприродойибытомжителейВостокаиОкеании.

Яркие впечатления от увиденного нашли отражение в пейзажах и натюрмортах счеловеческимифигурами(«Тропическоесолнце»,1914;«Семья»,1914;«Натюрморт»,1915,все—вФондеНольде,Зебюлль).

В 1916 году Нольде поселился в СеверномШлезвиге, недалеко от того места, где онродилсяивырос.Онжилвпростомкрестьянскомдоме.

В 1927 году по проекту художника был выстроен дом Зебюлль, в котором Нольдеоставалсядопоследнихднейжизни.ОтсюдамастерсовершалпутешествияпоЕвропе.ОнпобывалвоФранции,Италии,Испании,Англии,Швейцарии.

В 1920–1930-е годы Нольде продолжал писать картины с прежними мотивами:натюрмортыибукетыцветов(«Красныемаки»,ок.1920),пейзажисизображениемсуровойсевернойприроды,композициибиблейскойтематики(«ИскушениеИосифа»,1921;«Иудау

первосвященников»,1922,обе—вФондеНольде,Зебюлль).После установления в Германии власти нацистов 1106 произведений Нольде было

конфисковано. Многие картины мастера фашисты уничтожили. Художнику запретилизаниматьсятворчеством,ноНольдепродолжалработать.Вэтовремяонсоздавалглавнымобразом акварельные натюрморты с букетами цветов, пейзажи, композиции с фигурамилюдей («Море и красное солнце», «Мужчины и женщины», обе — в Фонде Нольде,Зебюлль).

ДжорджоМоранди

(1889–1964)Огромную роль в становлении Моранди-натюрмортиста сыграли представители

метафизическойживописи—ДжорджоДеКирикоиКарлоКарра, с которымихудожникпознакомился во время пребывания в Риме. В натюрмортах, созданныхМоранди в конце1910-хгодоввБолонье,отразилосьегособственноепониманиеметафизическогоискусства.

Итальянский живописец и график Джорджо Моранди родился в Болонье.Художественное образование он получил в Болонской академии художеств. Сюношескихлет его привлекалиживописные традицииитальянского искусства.Моранди внимательноизучалтворчествоДжотто,Мазаччо,П.Учелло,ПьероделлаФранчески.Ивтожевремяонне остался чужд современной живописи, в частности его привлекали французскиеимпрессионисты, П. Сезанн и представители европейского авангарда. Ранние работыМорандивыполненыподвлияниемП.Сезанна(«Пейзаж»,1911,частноесобрание,Милан;«СнежныйпейзажвБолонье»,1913,частноесобрание,Рим).Ксожалению,большуючастьсвоихпервыхсамостоятельныхпроизведенийМорандисжегв1913году.

К натюрмортам художник обратился позднее, в 1916 году. Написанным в это времякартинамсвойственнычеткиеритмыитонкостьцветовыхнюансов.

1918годознаменованзнакомствомМорандисмастерамиметафизическойживописи—Дж. Де Кирико и К. Карра. В этот период появились метафизические натюрмортыхудожника, в которых предметы, теряющие свою индивидуальность, похожи на моделиопределенных вещей. На картинах мастера можно увидеть странные, безликие образы:гладкую голову манекена, вытянутые бутылки, коробки, рулоны бумаги. Они лишьотдаленно напоминают реальные вещии выглядят, скорее, как ихмуляжи («Натюрморт»,1918, Эрмитаж, Санкт-Петербург; «Большойметафизический натюрморт», 1918, собраниеДжези,Милан;«Натюрморт»,1918–1919,частноесобрание,Флоренция).

Дж.Моранди.«Натюрморт»,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Интересны два натюрморта, находящиеся в собрании Р. Джукера, на которыхизображены разнообразные предметы: шары, линейки, обручи. Показанные повисшими впространстве открытой витрины, они кажутся такими же бесплотными, как и их тени.Коробку, где пересекаются линейные силуэты и тени, Моранди превращает в некийпространственныйлабиринт.

Вначале1920-хгодовхудожникотошелотприемовметафизическойживописииначалсоздавать пейзажи и натюрморты, напоминающие его ранние работы. Эти картиныпоказывают, насколько внимательноМорандиизучаетпластические свойства однотипныхпредметов.

Тонкостью цветового решения отличаются пейзажи, выполненные в Роффено иГридзане, куда живописец отправлялся каждое лето. Очень выразительны и поэтичныкартины,передающиесеребристыекраскиосвещеннойюжнымсолнцемзелени,золотистыестены зданий, светлые, почти белесые в солнечных лучах лужайки и дороги («Пейзаж»,

1928, частное собрание, Флоренция; «Пейзаж», 1936, частное собрание, Болонья; «Белаядорога»,частноесобрание,Милан).

В период Второй мировой войны Моранди писал простые и ясные по композицииландшафты, полные тревожного чувства («Снежный пейзаж», 1941, частное собрание,Флоренция;«Пейзажсдомами»,1943,частноесобрание,Рим).

Наиболее ярко созерцательность живописи Моранди проявилась в его натюрмортах,изображающих обычные предметы: коробки, бутылки, графины, вазы, чашки. Художникобъединяет их в группы или выстраивает рядами на столе. Ровный нейтральный фонпозволяет направить все внимание зрителя на первый план, где сосредоточены ничем непримечательные предметы, тем не менее показывающие все многообразие мира вещей(«Натюрморт»,Эрмитаж,Санкт-Петербург).

Натюрморты, исполненные художником в 1920–1930-х годах, свидетельствуют обинтересемастеракпередачесветотеневойсреды.Бутылки,графиныикувшины,окутанныесумрачной дымкой, напоминают мраморные изваяния («Натюрморт», 1930, частноесобрание,Рим;«Большойнатюрморт»,1935,собраниеМаттиоли).

Чтобы придать изображению обыкновенных вещей монументальность иторжественность,Морандичередуетразныеповысотепредметы,используетвертикальныеблики и светотеневые контрасты («Натюрморт», 1938, частное собрание, Милан;«Натюрморт», 1949, частное собрание, Турин; «Композиция из бутылей», 1949, частноесобрание,Милан).

Натюрморты 1950–1960-х годов, показывающие тесно сгруппированные вещи,восхищают гармонией цветовых градаций. Тончайшими оттенками переливаются хрупкиестеклянные сосуды, окрашенные в холодные тона кувшины, кружки; коробки нанейтральном фоне кажутся отчужденными и замкнутыми («Натюрморт», 1946, галереяТейт, Лондон; «Натюрморт с чашками», 1953, частное собрание; «Натюрморт», 1957,частное собрание, Париж; «Натюрморт», 1960, частное собрание). От погруженных втишинуи спокойствие обыденныхпредметовна картинахМоранди веет какой-то тайной.Проникнутые созерцательностью, непритязательные и простые композиции показываютстремлениемастеравыразитьчистую,поэтическуюкрасотумиравещей.

Дж.Моранди.«Натюрморт»,частноесобрание

Настроение спокойного размышления, наполняющее натюрморты Моранди, сближаетеготворчествосискусствомтакиххудожников,какЖ.Б.ШардениП.Сезанн.Обладавшийзамкнутымхарактером,Морандине принимал участия в бурнойжизниинтеллектуальныхкругов.Накороткоевремяобратившийсякметафизическойживописи,онникогдабольшенеинтересовалсяэкспериментальныминачинаниямихудожниковсвоейэпохи.

Большую известность Моранди принесли и его офорты. В 1930–1956 годах художникруководилкафедройгравюрывАкадемиихудожестввБолонье.В1948годуонсталчленом

римскойНациональнойакадемииСв.Луки.

АмедеОзанфан

(1886–1966)Делом своей жизни Амеде Озанфан считал воспитание молодых художников.Живя в

Лондоне в 1935–1938 годах, он создал собственнуюшколу.В1938 году, переехав вСША,мастер основал Школу изящных искусств Озанфана, где изложил весьма оригинальнуютеорию преформизма, заключающуюся в том, что образы великого искусства заложены вподсознаниичеловечества.

Французскийживописец, графики теоретикискусстваАмедеОзанфанродилсявСен-Кантене. Образование он получил в сенкантенской художественной школе, а затем вПариже,вакадемииживописиЛаПалет,кудапоступилв1906году.ЗдесьОзанфанизучалнетолькоживопись,ноиархитектуру.

В1910–1912годахмолодойхудожникпобывалвИталии,Голландии,БельгиииРоссии.В течение двух лет (с 1915 по 1917) занимался изданием журнала «Элан» («Порыв»).Озанфан стал теоретиком нового направления в искусстве — пуризма, основанного наубеждении, согласно которому формы в живописи должны быть ясными и четкими,похожиминаочертанияразличныхустройствсовременнойтехники.ИдеипуризмаОзанфанизложил в сочинении «После кубизма», написанном в соавторстве сЛеКорбюзье (Ш.Э.Жаннере). Произведениям Озанфана свойственны простота живописных средств,графичность, стремление к монохромности, художественный схематизм. Таковы егопредметные композиции «Натюрморт. Посуда» (1920, Эрмитаж, Санкт-Петербург),«Графин,гитара,стаканибутылкинасеромстоле»(1920,Художественныймузей,Базель,«Перламутр№1» (1922,Национальныймузейсовременногоискусства,Париж),«Графиканачерномфоне»(1922,ГМИИ,Москва),«Фуга»(Художественныйинститут,Чикаго)).

А.Озанфан.«Натюрморт.Посуда»,1920,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Пытаясь объединить в одном произведении разнообразные виды искусств, Озанфансоздалнесколькосвоеобразныхнастенныхкомпозиций,наиболееинтереснымиизкоторыхявляются «Четыре расы» (1928) и «Жизнь» (1933–1938), исполненныедляНациональногомузеясовременногоискусствавПариже.

Произведения,созданныемастеромв1950-хгодах,свидетельствуютотом,чтоОзанфанотошел от прежних строгих принципов пуризма. Его живопись этого периода отличаетсявоздушностью, богатством цветовой гаммы, тонкостью передачи композиционных

элементов.

ПаблоРуисПикассо

(1881–1973)ПервоначальнообращениеПикассокжанрунатюрмортабылосвязаносугнетенностью

егопсихическогосостояния,когдавозникаложеланиенайтивэтоммиренечтопрочноеиоперетьсяначто-тореальноеинезыблемое, апозже такимобразомвозникновыйспособобразного мышления, получивший название кубизма. Надо сказать, что именно поэтомунатюрмортстализлюбленнымжанромкубистскойживописи.

Французский художник испанского происхождения Пабло Руис Пикассо родился вМалаге в семье учителя рисования. Первые урокиживописи он получил у своего отца. В1895 году Пикассо поступил в Академию художеств «Ла Лонха» в Барселоне. ЭкзаменвысшейступениобученияПабловыдержалблестяще.Емубыловсего16лет,ноужевэтомвозрасте юный художник демонстрировал поистине совершенное владение приемамиакадемической живописи, о чем ярко свидетельствовали полотна «Первое причастие»(1895–1896, музей Пикассо, Барселона), «Знание и милосердие» (1897, музей Пикассо,Барселона). В 1897 году Пабло успешно выдержал экзамен на старший курсМадридскойКоролевской академии Сан-Фернандо. Однако в Мадриде художник оставался недолго ипредпочел вернуться в Барселону, где мог общаться в богемных обществах художников илитераторов.

П.Р.Пикассо.«Арлекиниегоподружка»,1901,ГМИИ,Москва

В1900годуПикассовпервыйразпопалвПариж.До1904годаонжилтовПариже,товБарселоне, пока наконец окончательно не выбрал Париж. В ранний, парижский, или«голубой»,(1901–1904)периодтворчестваонисполнялработыподнесомненнымвлияниемимпрессионистов—А.Тулуз-Лотрека,П.Сезанна,П.Боннара,Э.Дега.Вэтовремямастерсоздалтакиевыдающиесяполотна,как«Арлекиниегоподружка»(1901,ГМИИ,Москва)и«Пьяница (Любительница абсента)» (1901, Эрмитаж, Санкт-Петербург). В подобные«витражные» произведения, названные так из-за сильного и гибкого темного контура,

делящегопространствокартинынакрупныепланы,мастервключаетэлементынатюрморта,создающиеиконцентрирующиенастроениеполотен.Натюрмортывоссоздаютконкретнуюи реалистичную вещественность той эпохи. Так, на столе перед артистичным и нервнымАрлекином стоит большая, наполовину недопитая рюмка абсента — горького ликера спривкусом полыни и такого же, полынного, ярко-зеленого цвета. Это не простоизображение предмета, а аллегория горечи обманутых надежд и неудавшейся жизни.Напитоксимволизируетнепонятость,отверженностьАрлекинакакхудожника-творца.

П.Р.Пикассо.«Пьяница(Любительницаабсента)»,1901,Эрмитаж,Санкт-Петербург

П.Р.Пикассо.«Натюрмортспорроном»,1906,Санкт-Петербург,Эрмитаж

Какв«Пьянице»,такив«Арлекине»Пикассопонялсмыслспиртного,во-первых,какспособ сублимации и замены отвратительной реальности призрачной внутреннейдуховностью, во-вторых, как идентичность алкоголя и «проклятых» артистов (например,Аполлинер,близкийПикассоподуху,назвалодинизсборниковсвоихстихов«Алкоголи»),в-третьих,напиткапрозренияи глубочайшеймеланхолии.Чтожекасается«Пьяницы», тоздесь сюжет приобретает особенно универсальный, поистине обобщающий исимволическийаспект,которыйконцентрируетвсебезеленыйабсентврюмке,—зеленаягоречьискорбь.Женщина,изображеннаянакартине,кажетсяпогруженнойвбеспамятство,галлюцинацииидепрессию,очемкрасноречивосвидетельствуетеепоза,словнозавязаннаяузлом. Перед ней возвышается как воплощение мирового зла или некий алхимическийатрибутядовито-зеленый,горькийнапиток,зловещемерцающийнаднерюмки.

Следующий период творчества художника (1904–1906) называется «розовым». В этовремямастер преимущественно изображает странствующих акробатов и комедиантов.Егоколорит становится теплым, почти солнечным. Золотистые тона удачно сочетаются сбледными голубыми и пепельными оттенками. Фигуры, написанные жидкой краской,кажутсятонкими,почтипризрачными.

Силуэтыартистовсловноколеблются,чтовызываетузрителяассоциациисдрожащимпламенем свечи или вьющимся побегом растения («Актер», 1904, Метрополитен-музей,Нью-Йорк;«Девочканашаре»,1905,ГМИИ,Москва;«Семьяакробатовсобезьяной»,1905,Художественныймузей,Гётеборг).Особенновыразительнойпредставляетсяработа«Семьябродячих акробатов» (1905, Национальная галерея, Вашингтон), которая буквальнопронизана ощущением одиночества и отрешенности несколько странных персонажей,

облаченныхвартистическиекостюмысредибезлюдныхпустынныхдюн.

П.Р.Пикассо.«Композициясчерепом»,1908,Эрмитаж,Санкт-Петербург

В этот период Пикассо создал «Натюрморт с порроном» (1906, Санкт-Петербург,Эрмитаж),гдепредставилчетыренепритязательныхпредметакрестьянскогообихода—двастеклянныхидваглиняных.

Вся группа вещей показана развернутой в манере Сурбарана. Композиция исполненавнутреннейдинамики,построенанаигреконтрастовиритмическомединстве.Кажется,чтона пространстве стола происходит встреча двух пар— глиняной (приземистый горшочек

подкрышкойипростаяглинянаякрынка)истеклянной(изящныйграфинчикитреугольныйпоррон). В этой работе созревает новая художественная концепция Пикассо —подчеркнутаяпростотаивыразительностьобъемовиусложнениевцеломхудожественнойструктуры.

В1906годулирическипрозрачный«розовый»периодхудожникаушелвпрошлое,инаегополотнахпоявилисьмонументальныеобнаженныефигуры.Таковы«Две обнаженные»(1906, Музей современного искусства, Нью-Йорк), «Сидящая обнаженная» (1906,Национальная галерея, Прага), которым свойственна тяжеловесная иберийская илинегритянская пластика. Формы этих персонажей кажутся вырубленными мощнымивзмахами прямых линий, с моделировкой «насечкой». Своей кульминации новыйхудожественный метод достигает на полотне «Авиньонские девицы» (1907, Музейсовременного искусства, Нью-Йорк), где резкие деформации знаменуют собой переход ккубизму.

П.Р.Пикассо.«Зеленаямискаичернаябутылка»,1908,Эрмитаж,Санкт-Петербург

П.Р.Пикассо.«Бидонимиски»,1908,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Более ранняя стадия кубизма Пикассо называется аналитической (1908–1912). В этотпериод формы дробятся на мелкие грани или плоскости, в результате чего возникаетсвоеобразная кристаллическая структура. Цветовая гамма достаточно скупа: в нейпреобладают серые, охристые и тусклые зеленые тона. Кристаллы разрастаются до такойстепени,чтопочтисовершенновытесняютобразнатуры.

Натюрморты этого периода Пикассо создавал, не используя натуру, исключительноблагодаря силе воображения. Мастер говорил: «В то время я работал совсем без всякой

модели. То, что я искал, было совсем другое». Он хотел найти силу художественногоизображения не в сюжетах и мотивах, а лишь в красках, формах, мазках, в их энергии.Итогомтворческихисканийживописцасталаего«Композициясчерепом»(1908,Эрмитаж,Санкт-Петербург). Искусствоведы склонны рассматривать сюжет картины в качествевариациинатемуvanitas («суетасует»),распространеннуювработахстарыхмастеров.Наполотнепоказанчерепкаксимволбренностибытия,арядомснимрасположеныпалитра,кисти, книга, картина и курительная трубка — символы чувственных человеческихрадостей.

П.Р.Пикассо.«Горшок,рюмкаикнига»,1908,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Надо сказать, что все эти предметы представляются естественными в обычноймастерской художника, а их беспорядочность расположения, как на картине, оченьхарактерна для мастерской самого Пикассо. Кроме того, в натюрморте нисколько нечувствуется некое мудрое назидание, скорее мрачная личная экзальтация, о чемкрасноречивосвидетельствуютатмосферамрачнойвозбужденности,холодныерезкиетона,столкновение острых, почти ощутимо колющих плоскостей, неожиданные падениядиагональныхритмов.Черепкажетсябольшимзолотымслиткомипридаетзавершенностьметафорам, звучиткакреквием.Передчерепомрасположеннеожиданно экстравагантныйпредмет, то ли ведерко, то ли горшок. Вероятно, этот предмет, по-французскиназывающийся jarr, то есть «глиняный горшок», является посвящением литератору ссозвучной фамилией — Альфреду Жарри. Этот духовно близкий Пикассо человекнеожиданноибезвременноумер.Подобноеобстоятельство,естественно,немоглооставитьживописцаравнодушным.Темболеечтосопоставлениеэтихдвухпустыхсосудов—черепаи горшка — кажется не только гротескным, но и невыразимо горестным. Впрочем, самЖарривошелвисториюфранцузскойлитературыкаквечноэпатирующийпубликугамэн,истильегомышлениясовпадалснастроениемкартиныПикассо.

Так развивается своеобразная новая поэтика Пикассо, который способен строитьживописныйобразнанеожиданносмелых,дерзкихассоциациях,посколькувданномслучаевизуальныйконтекстсловвоспринимаетсявзначенииживописныхобразов.Послеэтого,пообразномувыражениюмастера,онстанет«живописатьполотнословами».Первымшагомвэтомнаправлении,несомненно,явилсяреквиемАльфредуЖарри.

П.Р.Пикассо.«Букетцветоввсеромкувшинеибокалсложкой»,1908,Эрмитаж,Санкт-Петербург

П.Р.Пикассо.«Компотница,фруктыирюмка»,1909,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Натюрморты становятся объемными почти скульптурно. О сути своих предметныхкомпозиций сам Пикассо высказался так: «Бутылка на столе так же значительна, какрелигиозная картина», вероятно имея в виду драматизм окружающего пространства(«Зеленая миска и черная бутылка», «Бидон и миски», обе — в 1908, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Эти произведения действительно воспринимались как некие религиозныеоткровения. Несмотря на то что композиции подобных «черных икон» составляют немистические или аллегорические предметы, а самые обыденные, привычные в хозяйстве,

они, несомненно, созданы в результате потребности самовыражения. Скорее всего, этинатюрмортытоженеписалисьснатуры.

Натюрморт «Зеленая миска и черная бутылка» представляется исполненным такойвысокойдраматическойэкзальтации,чтоегоживописныйэффектможетсравнитьсятолькосполотнамитворцовабстрактногоэкспрессионизма.Этаработабыласозданаподвлияниемсобытия, потрясшего Пикассо, — самоубийства немецкого художника Вигельса — инасыщенатраурнымичернымиикраснымитонами.

Произведение «Бидон и миски», написанное вскоре, напротив, свидетельствует оволевой собранности, поскольку здесь присутствует пластическая логика в противовесиллюзорностиперспективногопостроения.Формыгруппируютсявокругединогостержня.Композиция по-прежнему достаточно напряженна, но в ней присутствует непоколебимоеравновесие.

П.Р.Пикассо.«Столиквкафе(Бутылка„Перно“)»,1912,Эрмитаж,Санкт-Петербург

П.Р.Пикассо.«Скрипка»,1912,ГМИИ,Москва

Впростойиобъективнойманереисполненнатюрморт«Горшок,рюмкаикнига»(1908,Эрмитаж, Санкт-Петербург). Живописец явно любуется ясным мотивом и отношениями,возникающими между объектами на полотне. В композиции присутствуют всего трипредметаитриплоскости.Произведениеусловно,иегохарактернапоминаетканоничностьвизантийскихиконилистрогостьнатюрмортовСурбарана.Впространствекартиныможноотметить лишь один элемент чуда — это причудливое преломление края горшка встекляннойповерхностирюмки.

Как дляЖоржа Брака, так и дляПикассо учителем натюрморта являлсяПольСезанн.Брак говорил: «В начале всего— контакт с Сезанном. Это было более чем влияние, этобыло посвящение в таинство. Сезанн первый порвал с научной, механистическойперспективой, практиковавшейся художниками в течение веков». Впрочем, для БраканатюрмортыСезаннаявлялисьлишьидеальноорганизованнымвритмическомотношениипространством, где вещи не играют важной роли, тогда как для Пикассо Сезанн былродствененсвоимглубоколичностнымотношениемксюжетам,гдедажегрушинатарелкеовеяны гаммой самых драматических переживаний. Поэтому и сезаннизм Пикассозаключается прежде всего в переживании сюжетного мотива каждого конкретногонатюрморта.

П.Р.Пикассо.«Скрипкаигитара»,1912,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Один из замечательных образцов натюрмортов — «Букет цветов в сером кувшине ибокалсложкой» (1908,Эрмитаж,Санкт-Петербург).Этотбукеткажется составленнымиздиковинныхэкзотическихрастений:настолькоихвенчикиразнообразныипо-тропическитаинственны.В тоже время детали растений чрезмерно крупны и просты и напоминаютискусственные цветы из воска. Кажется, что мастер просто зачарован подобнойнежизненностью восковых растений. В них присутствует одушевленность иного плана—абстрактная, потому так гармонируют цветок и прозрачная, словно созданная из льда,

рюмка. Букет настолько торжественно представляется живописцем, что кажется по-лубочному аляповатым. Он возвышается на столешнице мощного неуклюжего комода свыдвижным ящиком и кажется завораживающе живым: во все стороны цветы раскинулисвои «уши» и «глаза», а их лиственные аккорды громко звучат в аскетической и строгойатмосфереиспанскогофона.

В конце 1908 — начале 1909 года Пикассо писал натюрморты с определеннымисюжетнымиразработками.Например,оСезанненапоминает«Натюрмортсошляпой»,гдегруша, лимони сезанновскаяшляпа расположены средимассивных складок драпировки спышнымлиственнымузоромвдухеСезанна.Вэтовремямастерпредпочитаетизображатьпривычные зрителю, обыденные вещи, например фрукты или столовую утварь. Однакоподобные строго ритмически организованные произведения обращаются к эстетическомучувству и воображению зрителя, а потому их воздействие напоминает впечатление отпейзажей—эпических,драматических,интимных…

Примером таких композиций служит натюрморт, хранящийся в Эрмитаже, —«Компотница, фрукты и рюмка» (1909). Эта работа построена как панорамный вид свершиныхолма: группапредметовразмещенанапустынномпространстве круглого стола.Картина осталась незаконченной, благодаря чему сохранилась ее призрачность, аматериальностькакбынереализованадоконца.Втожевремячередованиепустотиплановв пейзажах этого времени напоминает принципы, часто использующиеся в жанренатюрморта.Так,«Домиквсаду»трехмерениосязаем.Здесьанализотсутствует,асмятыеформы и причудливые линии свидетельствуют о желании мастера сделать акцент напространственной стесненности, чтобы показать напряженность в столкновениипротивоборствующих сил. Одной из таких сил является стихийная мощь природы с еепышной зеленью и энергичной жестикуляцией засохшего дерева, а другой — сухаягеометрияирежущаяформастроений.

ПьерДэкспишет:«Наэтойстадиикаждыйпредметилиперсонаж—этопреждевсегоопределенныйпространственныйритм,некаятрехмернаяструктура,котораясыграетсвоюпартию в композиции благодаря вкладу в живописную структуру целого, а не своейсобственной реальностью. И вот снова он на границах абстракции. Он станет трактовать«Дамусвеером»и«КоролевуИзабо»совсемтак,какнатюрморты».

Впроизведенияхпериодасинтетическогокубизма(1912–1915)мастерначинаетширокодополнять живописные элементы графическими изображениями — разнообразнымибуквенными надписями, цифрами, нотами или рисунками игральных карт. Таковы«Композиция с виноградной гроздью и грушей» (1914, Эрмитаж, Санкт-Петербург),«Человек с трубкой» (1914, Музей Пикассо, Париж). Картина «Столик в кафе (Бутылка„Перно“)» (Эрмитаж, Санкт-Петербург) была исполнена весной 1912 года. Буквы,пересекающие ее, представляют собой рекламные надписи, которыми оформлено стеклокафе,представляющеесобойзаднийпланнатюрморта.Композициясоставленаизбутылкиабсента«Перно»ирюмки,поверхкоторойположенкусочек сахара, стоящихнаовальномдеревянном столике.Пикассо здесь увлеченновымвзглядомнаматериальныймир сквозьсложные призматические преломления, контрастом между прозрачностью стекла иплотностьюдерева.

П.Р.Пикассо.«Кларнетискрипка»,1912,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Рекламные надписи, вернее их хаотичные обрывки, относятся к теме продажиспиртного, апотомунавеваютраздумьяобопьяняющейгоречиобыденнойжизни.СловноподписьюподэтимнатюрмортомзвучатстрокидругаПикассо,Аполлинера:

Тычитаешьпроспекты,каталоги,афиши,поющиегромко.Вотпоэзияэтогоутра,адляпрозыестьгазеты,Естьвыпускипо25сантимов…Итыпьешьалкоголь,жгучий,кактвояжизнь,Твояжизнь,чтопьешьтыкакводку.

Уже со второй половины 1912 года кубизм Пикассо претерпел изменения: изаналитическогопревратилсявсинтетический.

Осенью1912годамастербылпоистинеодержимоднимсюжетом:оннаписалнеменее15картинсизображениемскрипокигитар.Егозавораживалаидеяпоказатьженственныйигармоничныйобразизсамыхразнообразныхэлементовформ,ритмовифактурыпредметов.НеслучайнонекоторыеизподобныхполотеннадписаныпризнаниемвлюбвикподругеЕве(«J’aimeEva»).

Однойизпервыхработданногоцикластала«Скрипка»(1912,ГМИИ,Москва).РусскийкубистАлексейГрищенкописалобэтойкартине:«Судивительныммастерствомразрешенановая концепция картины, где формы предмета, глубоко переработанные художником,построены в ясную, стилистически завершенную и живо волнующую композицию; гдеживописью введены и конструктивно спаяны аналитически добытые элементы в однонеразъединимое, синтетическое целое; где перспектива дана реально глубиннымисечениями предмета, где каждый кусочек холста вышел из-под руки настоящегоживописца». Образ скрипки в этой работе формируется уже самой овальной границейкартины. Замечательно показана волнистая текстура и медовые тона инструмента,исполненыизяществадетали—эфыипрогибыдеки.Формыскрипки,ритмическидробясь,постепеннорасходятсяккраямкартины.

П.Р.Пикассо.«Рюмкаиразрезаннаягрушанастолике»,1912,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Овальнаяформа полотна, которое не способно стоять, а может лишь висеть на стене,побуждала мастера создавать новые композиции, как будто плавающие в пространстве.Богатый ансамбль инструментов представлен на картине «Музыкальные инструменты»(1913,Эрмитаж,Санкт-Петербург), где по характернымпризнакам зрительможет угадатьрозовато-белуюскрипку,желто-коричневуюгитару,темнуюмандолину,вцветовойпалитрекоторойприсутствуютзеленый,синийикремовыйоттенки.

МузыкальныеинструментыкаксюжетпродолжализаниматьвоображениеПикассоещемного месяцев. Осенью 1912 года в Париже он изображает серию гитар («Скрипка игитара»,1912,Эрмитаж,Санкт-Петербург).Вэтожевремясоздаются«Скрипкаирюмкинастоле»,«Кларнетискрипка»(1912,Эрмитаж,Санкт-Петербург).

Наиболее интересной представляется композиция «Кларнет и скрипка» с ее чернымпланом,отступающимзакоричневый,связанныйснимнебольшимкремовымквадратиком.Такимобразомдостигаетсяпространственнаяглубинакартины,благодарякоторойзрительможетпонятьпространственноесоотношениеинструментов,хотяонипоказаныотдельноот

их очертаний и даже их взаиморасположение обратно.Один из силуэтов— эбеновый—кларнет, а кофейный, с прожилками дерева — скрипка. Как цвета, так и очертанияпредметов действуют независимо друг от друга, играя таким образом с воображениемзрителя.Подобная зримаяметафора была в свое время разъяснена как поэтический образГарсиа Лоркой: он «основан на взаимообмене обличьем, назначением и функциямиразличныхпредметовприродыиееидей».

Сам Пикассо так разъяснял особенности живописной техники коллажа, которую онприменялвсвоихнатюрмортах:«Помиморитмов,разницатекстур—этооднаизтехвещей,которыесильнеевсегопоражаютнасвприроде:проницаемостьпространствапротивостоитнепрозрачности заключенного в нем предмета, матовость пакета табака — фарфоровойвазе;исверхтого—отношениеформы,цветаиобъемактекстуре.Кчемудобиватьсяэтихразличий однообразными мазками масляной живописи и пытаться «передать» видимоечерез множество мучительных и риторических условностей: перспективу и т. п. Цельколлажейбылавтом,чтобыпоказать,чторазличныематериалымогутвойтивкомпозицию,становясь в картине реальностью, соперничающей с натурой». Таким образом, каждыйкомпонентколлажейПикассостановитсяметафоройииносказанием.

Вкомпозиции«Компотницасгроздьювиноградаиразрезаннаягруша»(1914,Эрмитаж,Санкт-Петербург) использован вертикально наклеенный кусок бумаги, которыйпредставляет фарфоровую компотницу; снизу приклеена выкройка из серой бумаги.Компотница с гроздью винограда, груша и визитная карточка художника размещены накаминнойполке.Фактураплодовпереданамастеромприпомощибархатистыхопилок,анапрозрачностьпространствауказываютгеометризированныепланы.Такхудожникуудаетсяубедительнопередатьатмосферукомнаты,наполненнойтепломисолнцем.

П.Р.Пикассо.«Харчевня(Окорок)»,1912,Эрмитаж,Санкт-Петербург

Композиция «Харчевня (Окорок)» (1912, Эрмитаж, Санкт-Петербург) — натюрморт,исполненный в виде ресторанной вывески. Формат этой работы овальный, что даетвозможностьхудожникунедуматьоверхеинизепроизведения,атакжеозаполненииуглов.Расположениепредметовоченьнепринужденно;натюрмортпохожнаресторанныйстолик,беспорядочно и изобильно заставленный едой. В самом центре Пикассо разместилроскошныйрозовыйокорок.Справаотнегонаходитсябутылкапива,аслева—прозрачныйбокал, сквозь который легко читается меню, сделанное на черной грифельной доске. Напервомпланенаходитсялимон,ноживилка—наскомканнойсалфетке.Настекле—синяянадпись «Ресторан». Реалистично выглядят окорок, лимон и салфетка на деревянномстолике, острый нож и тяжелая вилка. По сравнению с ними бутылка и бокалпредставляются схематичными, прозрачными, почти призрачными. Вероятно, это, помнениюхудожника,простофантомы,когдаониненаполнены.Можнозаметитьвданномсюжетеаналогиисизобильнымистоламифламандскихживописцев,однакоихплотскомуизобилиюПикассохочетпротивопоставитьиное—пиршествонапирудуха.

П.Р.Пикассо.«Музыкальныеинструменты»,1913,Эрмитаж,Санкт-Петербург

РусскиехудожникиначалаXXстолетиябылибуквальнопотрясеныэнергиейкубистскихкартин Пикассо. Так, Перцов замечал: «Жутким ощущением какого-то внеземногопрозрения, психическим ожогом адского пламени веет от кубистических полотенПикассо… Теоретически немыслимо допустить, чтобы простая натюрморт — какая-тобутылка, какая-то ваза с фруктами, какая-то аптекарская посуда — могли бы бытьпропитаны чувством мирового отрицания и безмерной безнадежности. Но войдите вкомнатуПикассо—ивыувидитеэточудо…»

СПерцовымтакжесоглашаетсяЧулков:«УПикассоестьнатюрморт—глиняныесосудыи бутыль на краю стола, задвинутого в угол. Аскетическая строгость цвета, предельнаяпростота рисунка, решительное отсутствие преднамеренности и в то же время —невероятная,изумительнаявыразительностьформыи занеюнеобычайная значительностьпереживаний, совершенно адекватных этой гениальнонайденнойформе!Яне знаюболеестрашнойкартины,чемэтанатюрмортПикассо».Чтожекасаетсяпредметныхдеформаций,тоонихзамечательнонаписалС.Аксенов:«Пикассосмотритвупорнасвоипредметытакблизко,каксмотрятналицолюбовницы».

В 1920-х годах Пикассо продолжал работать в манере кубизма. В натюрмортах этоговремени он использует античные статуи, которые кажутся героями классических драм всовременных модернизированных театральных постановках: «Натюрморт с античнойголовой» (1925, Национальный музей современного искусства, Париж), «Мастерская сгипсовойголовой»(1925,Музейсовременногоискусства,Нью-Йорк).

1925–1926 годы были ознаменованы для Пикассо встречей с сюрреалистами. Новыевеянияпсихическогоавтоматизмаи«конвульсивнойкрасоты»вполноймерепроявилисьвтаких его произведениях, как «Мастерская модистки» (1926, Национальный музейсовременного искусства, Париж), «Большой натюрморт на круглом столе» (1931, МузейПикассо,Париж).Живописныелиниисвободноложатсянахолст,свиваютсявпричудливыеузлы, рождая отвлеченные конфигурации. В их переплетении проявляются подобияреальных форм, акцент на которых ставится с помощью цвета. В этот период дажепортретные работы Пикассо напоминают натюрморты, а фигуры становятся некимподобием механических монстров, словно созданных из отполированных, гладковыточенных деталей: «Сидящая купальщица» (1930,Музей современного искусства, Нью-Йорк),«Фигурынаберегуморя»(1931,МузейПикассо,Париж).

Работам Пикассо 1930-х годов свойственно мрачное, трагическое мироощущение,связанноекакссобытиямиличнойжизнимастера,такисдраматическимходоммировойистории. Тема насилия звучит в кровавых сценах коррид, изображенных на полотнах, вобразеМинотавра, символизирующего стихийныеразрушительныеинеуправляемые силы.Центральнымпроизведением этогопериода является композиция «Герника» (1937,ЦентрискусствкоролевыСофии,Мадрид)—протестпротиввоеннойагрессииимассовойгибелилюдей.

П.Р.Пикассо.«Компотницасгроздьювиноградаиразрезаннаягруша»,1914,Эрмитаж,Санкт-Петербург

ВгодыВтороймировойвойныПикассожилвоккупированномПариже.Егоживописьисполненагнетущихобразовсмертиинасилия:«Натюрмортсголовойбыка»(1939,Музейискусств, Кливленд), «Натюрморт с бычьим черепом» (1942, Художественное собраниеземлиСеверныйРейн-Вестфалия,Дюссельдорф),«Бойня»(1944–1945,Музейсовременногоискусства,Нью-Йорк).

ВпозднийпериодтворчестваПикассопостоянноискалновыесферыдеятельности.Онтворилвтехникелитографииилиногравюры,создавалскульптурныекомпозициииздерева,

сочинялдраматическиепроизведения.Сконца1940-х годовмастержил главнымобразомнаюгеФранции,вокрестностяхКанна,гдеимелвиллы«Галуаз»и«Калифорния»,атакжевзамкеВовенаргнеподалеку отЭкса.С 1961 года художникбольшенеприезжал вПариж,предпочитаяособнякНотр-Дам-де-ВивМужене.

В 1963 году в Барселоне был основан Музей Пикассо, основу коллекции которогосоставилиранниепроизведенияхудожника,собранныедругомПикассоХ.Сабартесом.

В1985годуМузейПикассопоявилсяивПариже.Внемпредставленыработы,завещанныемастеромгосударству.

МаркЗахаровичШагал

(1887–1985)В годы Второй мировой войны Марк Шагал, живший в США, написал целый ряд

трагическихкартин,отразившихегоотношениекстрашнымсобытиямвЕвропеиРоссии.Гармоничный и счастливый мир, представленный в прежних произведениях художника,уступаетместоизображениямразрушенийипожарищ («Прикрикепетуха»,1944,частноесобрание; «Падение ангела», 1947, Художественный музей, Базель). В этих композицияхпоявилисьновыедлятворчестваШагаламотивыиобразы,идущиеизЕвангелияиВетхогоЗавета.

Французский живописец русского происхождения Марк Захарович Шагал родился вгородкеЛиозно недалеко отВитебска.В 1907 году он приехал вПетербург и поступил вшколу Общества поощрения художеств, возглавляемуюН. К. Рерихом. В 1908–1910 годахмолодойхудожникобучалсяуЛ.С.Бакставшколе-мастерскойЕ.Н.Званцевой.

Первые произведения Шагала, посвященные темам провинциального быта, а такжепортреты выполнены в традициях примитивного искусства («Свадьба», 1909, частноесобрание;«Рождение»,1910,Кунстхауз,Цюрих).

В период с 1910 по 1914 годШагал жил и работал в Париже. Здесь он сблизился сизвестными авангардистами:Ф.Леже, Р.Делоне, Б.Сандаром,Г.Аполлинером.Влияниеэтих художников отразилось в произведениях, написанных Шагалом с использованиемкубистских приемов. Деформация объемов и символические образы стали главнымиотличительными чертами таких картин мастера, как «В честь Аполлинера» (1911–1912,ГородскоймузейВанАббе,Эйндховен),«АдамиЕва(Искушение)»(1912,Художественныймузей,Сент-Луис).

В парижский период Шагал писал главным образом произведения, навеянныевоспоминаниямиородине(«Яидеревня»,1911,Музейсовременногоискусства,Нью-Йорк;«ОРоссии,ослахидругих»,ок.1911–1912,Национальныймузейсовременногоискусства,Нью-Йорк;«Солдатпьет»,1911–1912,МузейСоломонаГуггенхейма,Нью-Йорк).

М.Шагал.«Часы»,1914,Третьяковскаягалерея,Москва

Огромное воздействие на формирование образного мира живописи Шагала оказалоучение хасидов (мистическое направление в иудаизме, получившее распространение встранахВосточнойЕвропыипредполагавшеебожественноеприсутствиевсамыхобычныхвещах и явлениях). Свою роль в становлении творческого метода художника сыграли икультурыдвухстран,скоторымибыласвязанажизньШагала,—РоссиииФранции.

ЖивописецнаходилсявБерлине,когданачаласьПерваямироваявойна.ЕмупришлосьсрочновыехатьизГерманииивозвратитьсявРоссию.Любовьиженитьбав1915годуна

БеллеРозенфельд,ставшейглавноймодельюхудожника,способствовалипоявлениюкартинс фигурами влюбленных («Зеленые любовники», после 1914, частное собрание, Москва).Воображение помогало художнику создавать необыкновенные композиции, в которыхсчастливые пары взмывают в воздух («День рождения», 1915, Музей современногоискусства, Нью-Йорк; «Над городом», 1917, Третьяковская галерея, Москва; «Прогулка»,1917,Русскиймузей,Санкт-Петербург).

Многие полотна Шагала, созданные в это время, передают интерес живописца кпредметномумиру.Вещи,окружающиечеловека,накартинахмастерапоройприобретаютзначение символов. Маленькие фигурки людей теряются на фоне комнат, в которых всепространство занято гигантскими часами или зеркалом, где отражается огромнаякеросиновая лампа, возвышающаяся на постаменте в виде мраморной колонны («Часы»,1914,Третьяковскаягалерея,Москва;«Зеркало»,1915,Русскиймузей,Санкт-Петербург).

М.Шагал.«Зеркало»,1915,Русскиймузей,Санкт-Петербург

Спокойнаяисветлаякрасотавещейпредстаетнаполотне«Интерьерсцветами»(1918,Музей-квартираИ. И. Бродского, Санкт-Петербург). Свет, проникающий в окно комнаты,освещаетокруженныйвенскимистульямистол,накрытыйполосатойскатертью.Нанеммывидим простой натюрморт: в беспорядке сложенные книги и украшенную яркиморнаментомвазуслиловымбукетом.

СтремлениеШагалапередатьнежнуюпрелестьполевыхцветовотразилосьвнаписаннойранее картине «Ландыши» (1916, Третьяковская галерея, Москва), соединившей в себе

элементы жанров натюрморта и интерьера. Центральное место в композиции занимаетогромная корзина, полная благоухающих ландышей. Белизна скромных лесных цветовгармонирует с розовым оттенком пышных декоративных бантов, украшающих корзину,заслонившуюсобойвсе,чтонаходитсявкомнате.

ПослеОктябрьскойреволюциихудожникбылвовлеченвбурнуюжизньизменившейсястраны. Он занимался организационной и педагогической работой. В Витебске поинициативе Шагала, назначенного комиссаром искусств, был открыт музей и Народноехудожественное училище. Живописец принимал активное участие в оформлении первогореволюционного праздника в городе. В 1920 годуШагал переехал изВитебска вМоскву.Для Еврейского камерного театра он выполнил несколько монументальных панно, внастоящеевремяхранящихсявТретьяковскойгалерее.

В1922годухудожникоставилРоссиюиуехалзаграницу.СначалаонжилвБерлине,ав1923 году переехал в Париж. В это время он полностью определился со своимихудожественными пристрастиями. В картинахШагала, выполненных в 1920–1930-е годы,соединились реальные и воображаемые образы, фольклорные мотивы и собственныепереживания. Обычная, ничем не примечательная жизнь провинциальных городков идеревушек трансформируется в необыкновенное, чудесное зрелище, где предметы ичеловеческиефигурыкакбудтопарятвпространстве(«Крестьянскаяжизнь»,1925,галереяОлбрайт-Нокс, Буффало; «Петух», 1929, Музей Тиссен-Борнемиса, Мадрид). Палитрахудожника становится более светлой, а линии — плавными и легкими. Герои этихжизнерадостных полотен — циркачи и бродячие актеры, музыканты и влюбленные(«Зеленый скрипач», 1923–1924, Музей Соломона Гуггенхейма, Нью-Йорк; «Акробаты»,1926, частное собрание; «Новобрачные у Эйфелевой башни», 1928, частное собрание;«Акробатка», Национальный музей современного искусства, Париж; «Влюбленные всирени»,1930,частноесобрание,Нью-Йорк).

М.Шагал.«Интерьерсцветами»,1918,Музей-квартираИ.И.Бродского,Санкт-Петербург

ВажноеместовтворчествеШагалазанималиграфическиеработы.Начинаяработунадиллюстрациями к Библии, в 1931 году художник отправился на Ближний Восток, чтобысвоимиглазамиувидетьместа,связанныесбиблейскимилегендами.ОнпосетилТель-Авив,Сирию,Палестину,Египет.СприходомквластивГерманиинацистоввживописиШагалапоявляютсямотивы,навеянныеразмышлениямиосудьбееврейскойнации(«Одиночество»,1933,Музей,Тель-Авив;«Белоераспятие»,1938,Художественныймузей,Чикаго).

Трагическое мироощущение мастера, связанное с событиями Второй мировой войны,пронизываеткартиныамериканскогопериода(«Искушение»,1943,частноесобрание).

В1948годухудожникоставилСША,гдеонжилс1941года,ивернулсявоФранцию.Номрачныенастроенияпо-прежнемунаполняютегокомпозиции,хотяпоройвнихпоявляютсяилирическиеноты.Таковыполотна«МостыСены» (1954,Кунстхауз,Гамбург), «Марсовополе» (1954–1955, Музей Фолькванг, Эссен) из цикла, посвященного Парижу. Художникпоказываетстолицу,окутаннуюнежно-голубымсвечением,спарящиминаднейангелами.

В 1952 и 1954 годах Шагал побывал в Греции. Впечатления от этих путешествийвылились в произведения с мифологическими мотивами («Падение Икара», 1975,Национальныймузейсовременногоискусства,Нью-Йорк;«МифобОрфее»,1977,частноесобрание). Шагал является автором целого ряда монументальных работ (росписи в фойе

франкфуртскоготеатра,1959,в«Метрополитен-Опера»,1964,вРеймсскомсоборе,1974идр).

Помимо живописи, Шагал увлекался керамикой, занимался сценографией илитературнымтворчеством.

СальвадорДали

(1904–1989)Один из самых крупных представителей сюрреализма Сальвадор Дали, помимо

огромного количества живописных произведений, оставил после себя множество работ вобласти графики, скульптуры, прикладного искусства.Он был причастен кмиру театра икино.Хорошоизвестныеголитературные,автобиографическиеитеоретическиесочинения.

ИспанскийхудожникСальвадорДалиродилсявгородкеФигерасе(Каталония)всемьенотариуса. Отец Сальвадора имел большую библиотеку, где было множество книг поискусству. Из них мальчик и черпал свои первые знания. Он очень рано проявилспособности к рисованию. Но уже тогда его рисунки, а также методы их созданияшокировали зрителей. Сам Дали вспоминал в своей автобиографической книге, что вдвенадцатилетнем возрасте он нарисовал на двери дома натюрморт с вишнями. Ягодывыгляделитакимиреальными,чтохотелосьпротянутьрукуивзятьих.Когдакто-тозаметил,что у вишен должны быть хвостики, Дали, евший настоящие вишни, начал вдавливатьчеренкивкартину.Вщеляхстаройдверижилидревоточцы.Сальвадордоставалнасекомыхиздревесиныизаменялихплодовымичервями.

Оченьреалистичноиточнопереданыовощиифруктыв«Натюрморте»(Центрискусствкоролевы Софии, Мадрид), мастерски исполненном четырнадцатилетним Сальвадором в1918году.

С.Дали.«Натюрморт»,1918,ЦентрискусствкоролевыСофии,Мадрид

ОбразованиеживописцаДалиполучилвМадридскойакадемиихудожеств.Значительноевлияние на формирование его творческого метода оказало метафизическое искусствоДжорджоДеКирикоисочинениеЗ.Фрейда.Враннихпроизведенияххудожникаотразилсяинтерес к различным направлениям в искусстве. В духе фовизма исполнено полотно«Ярмарка в день Святого Креста Господня» (1921, Музей Дали, Фигерас). Увлечениедивизионизмомощущаетсявкартине«КупальщицывЭсЛьяне»(1923,частнаяколлекция).Приемы метафизической живописи нашли отражение в таком произведении, как«Натюрморт(Бутылкаромассифоном)»(1924,ФондФедерикоГарсиаЛорки,Мадрид),гдегруши,ничутьнепохожиенанастоящиеплоды,инепонятныеконструкцииразныхразмеровочерченырезкимиконтурами.ЭтополотновосходитктворчествуКарлоКарраиДжорджоМоранди. Вероятно, молодой художник прекрасно знал и метафизическое искусствоДжорджо Де Кирико. Позднее, в 1928 году, Дали писал: «Пора свести счеты состерилизованнойгеометрией,холоднойгеометриейсухихинкрустацийиплоскихобъемоввдухеДжорджоМоранди,совсемиегонатюрмортами,изкоторыхвыкачанвоздухвославупостоянствапамяти».

Художник переходил от одного направления к другому в поисках собственного стиля.Продолжая экспериментировать, он написал «Пуристический натюрморт» (1924, МузейДали,Фигерас),вкоторомотразилосьвлияниеОзанфанаиЛеКорбюзье—представителейпуризма (нового направления посткубизма). У этих мастеров Дали взял такойизобразительныйприем,какпреломлениепредметов,словностремящихсядругкдругу.

С.Дали.«Натюрморт(Бутылкаромассифоном)»,1924,ФондФедерикоГарсиаЛорки,Мадрид

С.Дали.«Пуристическийнатюрморт»,1924,МузейДали,Фигерас

Спустя два года появился совершеннонепохожийна прежниенатюрморт «Корзинка схлебом» (1926, Музей Дали, Сент-Питерсберг, Флорида, США). В этой удивительнокрасивой картине уже заметно стремление к новому — сюрреализму. Постепенночерствеющийнарезанныйхлеб, какбудтовнезапнопоявившийсяизокружающегомракавкорзиненасмятойсалфетке,застыл,какстекло,влучахяркогосвета.Ещемгновение,ионпревратится в драгоценный камень. Вероятно, это полотно много значило для самогохудожника, который по прошествии пятидесяти лет писал: «Хлеб по природе своейгетерогенен, ему ведь приходится терпеть и литургическое надувательство со стороныкорзины, и конвульсивный анархизм драпировки». В 1945 годуДали вновь возвратился кпрежнейтеме,написавещеодну«Корзинкусхлебом» (МузейДали,Фигерас).Натомжесамом черном фоне, но уже без драпировки, на краю гладкого стола словно монументзастылаплетенаяизтонкихпрутьевкорзинкасхлебом,кажущимсяещеболеесовершенным,чемпрежде.

В1926годубылсоздани«Натюрмортсдвумялимонами»(частноесобрание),простойи

лаконичный по композиции, но в то же время не менее значительный, чем «Корзинка схлебом»,идажемонументальный.

Странноепугающееощущениевызываютуходящиевдальстеныифигурасочертаниямичеловеческоголицанакартине«Натюрморт(Приглашениекосну)»(1926,собраниеМарыиДжузеппе Альбаретто, Турин). Это полотно было навеяно публичным представлениемиспанскимпоэтомФедерикоГарсиаЛоркойсценысвоейсмерти.

С.Дали.«Корзинкасхлебом»,1926,МузейДали,Сент-Питерсберг,Флорида,США

ИсовсеминымпредстаетДаливкомпозиции«Натюрмортвлунномсвете»(1928,Центрискусств королевыСофии,Мадрид).Кубизм в духеЖоржаБрака трансформируется в егокартиневнечтосовершеннонеобычноеинеожиданное.Формыперетекаютоднавдругую,ииз темнотырождаются ускользающие образы-символы.Вподобном ключеисполнена иеще одна, более ранняя картина — «Кубистическая фигура» (ок. 1927, Музей Дали,

Фигерас).Соднойстороны,этонатюрмортслежащиминастоле,надрапировке,скрипкой,нотной тетрадью и скульптурной гипсовой головой на подставке. Но другое названиекартины—«Кубистический автопортрет»— говорит о том, что художник действительнопредставилавтопортрет,расслаивающийсянахолстенамножествопрофилей.

В1929годуДаливпервыеприехалвПариж.Здесьонпознакомилсяссюрреалистамиивскоре примкнул к их объединению. Именно в это время проявился его своеобразныйхудожественный метод, получивший название «параноико-критический». В его основележали бредовые ассоциации и образы расстроенной психики. Все эти фантазиивоплощались на холсте с такой убедительностью, что возникало ощущение ихсуществованиявреальнойдействительности.

С.Дали.«Натюрмортсдвумялимонами»,1926,частноесобрание

На полотнах Дали зритель видит чудовищные фантасмагории, устрашающие фигуры(«Мрачнаяигра»,1929,частноесобрание,Париж).Фрагментычеловеческихтелсоединеныс неживыми предметами. Образы, созданные Сальвадором Дали, поражают своейабсурдностью.Иногдатруднопонять,какойсмыслвкладывалхудожниквсвоикомпозиции,хотя некоторые из них вызывают определенные ассоциации. Символы давно прошедшеговремени предстают на полотне «Постоянство памяти (Мягкие часы)» (1931, Музей

современного искусства, Нью-Йорк). Зритель видит мрачный пустынный пейзаж сразвешанными мягкими циферблатами, как будто лишенными своей материальнойсущности.

Многие часто повторяющиесямотивы связаны с личными переживаниями и детскимистрахамихудожника(«Мягкаяконструкциясваренымибобами:предчувствиегражданскойвойны»,1936,Художественныймузей,Филадельфия;«Осеннееканнибальство»,1936–1937,галереяТейт,Лондон;«Изобретениемонстров»,1937,Художественныйинститут,Чикаго).

В это же времяДали создает произведения, где формы наслаиваются друг на друга иобразы получают неоднозначное истолкование («Метаморфоза Нарцисса», 1937, галереяТейт,Лондон;«Возникновениелицаифруктовойвазынапляже»,1938,Уэдсворт,Атенеум;«Рынок рабов с невидимым бюстом Вольтера», 1940, Музей Дали, Сент-Питерсберг,Флорида).Художникпо-своемутрактуетпривычныехудожественныемотивы,основываясьна фрейдистских идеях и собственном понимании бессознательного («Призрак ВермеераДельфтского,которыйможноиспользоватькакстол(феноменологическаятеория„мебели-пищи“)»,1934,МузейДали,Сент-Питерсберг,Флорида;«Археологическаяреминисценция„Анжелюса“Милле»,1934–1935,частноесобрание).

С.Дали.«Натюрморт(Приглашениекосну)»,1926,собраниеМарыиДжузеппеАльбаретто,Турин

С.Дали.«Натюрмортвлунномсвете»,1928,ЦентрискусствкоролевыСофии,Мадрид

ПолитическиеубежденияДали,приветствовавшегомонархизмитоталитаризм,привелик разрыву испанского художника с остальными сюрреалистами. Выйдя в 1939 году изобъединения, возглавляемогоА. Бретоном,Дали продолжал считать себя единственным вмиреистиннымсюрреалистом.

С 1940 года Дали жил в США. Америка с распростертыми объятиями принялаэксцентричногохудожника.Вскореблагодаряумелопроведеннойсаморекламе,тщательноорганизованным зрелищным шоу, участию в наиболее прибыльных отраслях

оформительского и прикладного творчества к Сальвадору Дали пришла невероятнаяпопулярностьнетольковСША,ноивовсеммире.

С.Дали.«Живойнатюрморт»,1956,ФондМорзе,Кливленд

В 1948 году Дали вернулся на родину, в Испанию. Здесь он объявил о своейприверженности к католической религии и создал несколько проникнутых мистическимчувством композиций на религиозные сюжеты— стилизации в духе барочного искусства(«МадоннадеПорт-Льигат», 1950, частное собрание; «ХристосХуана де ляКруса», 1951,Художественная галерея и музей, Глазго; «Тайная вечеря», 1955, Национальная галерея,Вашингтон). В Испании мастер написал также целый ряд полотен исторической имифологической тематики («Атомная Леда», 1949, Музей Дали, Фигерас; «ОткрытиеАмерики Христофором Колумбом», 1958–1959, Музей Дали, Сент-Питерсберг, Флорида).Здесь же был выполнен его «Живой натюрморт» (1956, Фонд Морзе, Кливленд), гдепредметы(стакансвином,бутылка,нож,вазы,фрукты)поволевоображенияавторапарятнадстоломтакже,каклетящаянадводойласточка.Далиписал:«Когдаяпокажувазочкукружащейся в пространстве вместе с веером и фруктами, цветной капустой, птицей,бокалом,бутылкой,изкоторойизливаетсясодержимое,иножомнапротивокна,азаокномбудет простираться бескрайняя морская гладь, покрытая зыбью, когда я выставлю руку,

сжимающую в пальцах рог носорога, — все это будет означать, что я решился и началпостигатьпространство-времяпутемсозерцаниялевитации,котораяразрушаетэнтропию».

В духе романтического искусства выполнены многие картины 1970-х годов («Дикийпейзаж с обнаженными», 1970, частное собрание). С 1983 года и до последних днейиспанскийхудожникжилнародине,вФигерасе,гдеосновалмузейсвоегоимени.

Натюрмортврусскойисоветскойживописи

ФедорПетровичТолстой(1783–1873)

Натюрмортная графика Ф. П. Толстого, известного русского скульптора, медальера,рисовальщикаиживописца,наверно,наиболеевыдающаясяиценнаячастьеготворческогонаследия, хотя сам художник говорил, что создавал эти произведения «в свободное отсерьезныхзанятийвремя».

Федор Петрович Толстой родился в Петербурге. Его способности к рисованиюпроявились очень рано. В 1796 году тринадцатилетний Федор выполнил один из первыхсвоих натюрмортов. По-детски наивная акварель «Тюльпан и прожженное пятно»,написаннаявманеремодныхвтовремя«обманок»,нынехранитсявТретьяковскойгалерее.ПрекраснорисовалаистаршаясестраТолстого,ВераПетровна,амать,хотяинеобладалаталантомхудожницы,искусно вышивалапейзажиичудесныецветы.С1804 годаТолстойпосещалмедальерный классАкадемии художеств.С 1806 года он работал вЭрмитаже.Вакадемические годы художник увлекся лепкой и создал серию восковых портретов (А.Ф.Дудиной, К. А. Леберехта, П. А. Толстого и др.) и прекрасных рельефов на сюжеты изантичной истории («Триумфальный въезд Александра Македонского в Вавилон», 1809 идр.). Эти произведения принесли ему первый успех, и в 1810 году талантливый мастерполучил должность медальера петербургского Монетного двора. Самые известные егоработывэтойобласти—21медальонсаллегорическимисценамивпамятьовойне1812годаизаграничныхвоенныхпоходахрусскойармиив1813–1814годах.

Ф.П.Толстой.«Букетцветов,бабочкаиптичка»,1820,Третьяковскаягалерея,Москва

Всфере графическогоискусстваизвестностьТолстомупринесла серияиллюстрацийкпоэмеИ.Ф. Богдановича «Душенька» (1820—начало 1830-х). Замечательноемастерствохудожника проявилось и в произведениях, выполненных в технике силуэта. Это преждевсего работы с изображением батальных эпизодов времен войны с Наполеоном, а такжесценизнародногобытаиармейскойжизни.

Толстойпроявилсебяпрекраснымпедагогом.С1825годаонработалвПетербургскойакадемии художеств, в 1828 году стал вице-президентом, в 1842 — профессором по

медальернойчасти,ав1859–1868годахбылзаместителемпрезидента.Но самых значительных успехов художник достиг в областях искусства, которые в то

времясчиталисьнесерьезными.Вероятно,поэтомунатюрмортыТолстогодолгоевремянепривлекаливниманияисследователей.

Главное свойство натюрмортных рисунков Толстого — их иллюзорность. Художниктщательно копировал натуру. Он пытался, по его собственным словам, «со строгойотчетливостьюпередатьснатурынабумагукопируемыйцветоктак,каконесть,совсемималейшими подробностями, принадлежащими этому цветку». Чтобы ввести зрителя взаблуждение, Толстой использовал такие иллюзионистские приемы, как изображениекапелекросыилиполупрозрачнаябумага,прикрывающаярисунокипомогающаяобманутьзрение.

Тем не менее подобные произведения Толстого, гармоничные и удивительно ясные,можно смело отнести к лучшим творениям искусства в жанре натюрморта. Локальнаятрактовка цвета, линейно-плоскостное решение делают предметы в работах мастерастатичными, похожими на барельефы. Художник как будто освобождает изображенныевещи от всего случайного, будь то невыгодные условия для освещение и загораживание(«Сирень и канарейка», 1819, Третьяковская галерея,Москва). Ягоды смородины кажутсяподсвеченными,чтобызрительмогвидетьихпрозрачностьисвежесть(«Ягодыкраснойибелойсмородины»,1818,Третьяковскаягалерея,Москва).

Ф.П.Толстой.«Сиреньиканарейка»,1819,Третьяковскаягалерея,Москва

Но,несмотрянатакуюидеализациюнатуры,всепредметывработахТолстогообладаютнеповторимой индивидуальностью. Художник так тщательно копирует натуру, что егонатюрморты сближаются с ботаническим рисунком. Вероятно, здесь сказалось увлечениемастера энтомологией. Во многих листах, выполненных Толстым, действительно естьсходство с гербарием. Таков натюрморт «Букет цветов, бабочка и птичка» (1820,Третьяковская галерея,Москва), где даже бабочка и птичка не выглядятживыми. Скореевсего, при создании этой композиции Толстой воспользовался предметами из своего

кабинета, в котором, по словам дочери художника, «…междушкапами висели коллекциибабочек и насекомых… из-под стеклянных колпаков блестели своими металлическимиперьямичучелыколибри…».

НекоторыеграфическиенатюрмортыТолстогоничемнеотличаютсяот«ботаническогорисунка».Наэтихлистахизображеныпредметы,показанныевнесреды,афоннеявляетсяпространством.Другиеработыпредставляютсобойконкретныйнатюрморт,выполненныйвграфической технике. Некоторые произведения настолько иллюзорны, что реальныйпредмет (например, листок бумаги, на котором изображен цветок) выглядит какнарисованная поверхность. Ярким примером подобного является натюрморт-«обманка»«Ягодыкраснойибелойсмородины»,гдеветочкисягодами«положены»авторомналист,накотороместественносмотрятсятенииупавшиесосмородиныкапелькиросы.

Хотя сам Толстой считал свои натюрморты лишь забавой, любительским увлечением,многиеизнихбыли созданыпо заказуиприносилимастерунемалоденег.Пообразномувыражениюдочерихудожника,«целаясемьяпиталасьоднойсмородиной».

Непреувеличивая значения«малого»жанра, считавшегосявтовремяуделомженщин-художниц,Толстой темнеменеене относился кнатюрморту спренебрежениемиуделялемуедвалинебольшевнимания,чемдругим,«высоким»,жанрам.Онписалосвоихцветахи бабочках: «Какой медалью сообщу я другим развивающиеся мысли, мечтания мои привидепорханиярезвогомотылька, токружащегосяоколоцветка, то гоняющегося залегкойбабочкой? Каким рисунком выскажу я эту чистую радость, это светлое удовольствие,которыминаполняетсямоядушаисердцевминуты,когда,отбросиввсезаботы,беспечнолюбуюсьяпрелестьюприродыивсамыхничтожныхеепроизведениях…».ДляТолстогонесуществовало незначительных мотивов и тем, и «малый» жанр был так же важен, как и«большой»,апотомумилые«пустячки»ввидебукетовсбабочкамииптицамистановилисьпроизведениямибольшогоискусства.

ИльяЕфимовичРепин(1844–1930)

Илья Репин, один из самых знаменитых русских художников, автор великолепныхпортретов,жанровыхкомпозиций,картиннасюжетырусскойистории,написалинескольконатюрмортов, показывающих его глубокий интерес к окружающему миру, стремлениеправдивоиточнопередатьвсе,чтосвязаносжизньючеловека.

ИльяЕфимовичРепинродилсявнебольшомгородкеЧугуевеХарьковскойгубернии.Егоотецбылпростымсолдатом,исемьябудущегохудожникажилавбедности.

Маленький Илья рано обнаружил необыкновенные способности к рисованию, номатериальное положение родителей не давало ему возможности обучатьсяизобразительному искусству. Мальчику пришлось поступить в топографическую школу вЧугуеве. После того как она закрылась, Репин стал посещать иконописную мастерскуюгорода Бунакова. Пятнадцатилетним подростком вместе с другими мастерами-иконописцамионзанималсясозданиемфресковыхросписейвукраинскиххрамах.ЕслибынеВеликаяОтечественнаявойна,вовремякоторойвсеонибылиразрушены,мыисейчасмоглибылюбоватьсяросписями,сделаннымиРепиным.

БлагодаряэтойработеюношанакопилденегнапоездкувПетербург,кудаонотправился

в1863годувнадеждепоступитьвАкадемиюхудожеств.Спервойпопыткиемунеудалосьстатьстудентомакадемии,ионначалпосещатьзанятиявРисовальнойшколеприОбществепоощренияхудожников.ЗдесьРепинпознакомилсясИ.Н.Крамским,работавшимвшколепреподавателем.Сэтоговременииначаласьдружбадвухвеликихрусскихживописцев.

В 1864 году Репин стал вольнослушателем Петербургской академии художеств. Всвободное от занятий время он посещал художественную Артель, основанную молодымиживописцами (в числе которых был и И. Н. Крамской), оставившими академию в знакпротеста против царивших там рутинных методов обучения. Репин, как и многие другиенуждающиеся ученики академии, мог заработать, помогая членам артели в выполнениизаказов.ОгромноевлияниенастановлениемолодогохудожникаоказалнетолькоКрамской,но и известный критик, приверженец реалистического искусства В. В. Стасов, бывшийчастымгостемвартели.

В 1871 году Репин написал программную работу на евангельскую тему — полотно«ВоскрешениедочериИаира» (Русскиймузей,Санкт-Петербург).Засвоепроизведениеонполучил первую награду — Большую золотую медаль, дававшую ему возможностьпродолжитьобучениевЕвропе.Этакартина,ставшаялучшейсредивсехдипломныхработзагодысуществованияакадемии,показаланастоящийталантодногоизсамыхзнаменитыхвбудущем художников России. За границу Репин отправился в 1873 году. Он побывал наВсемирнойвыставкевВене,посетилФранцию,Италию.БольшоевпечатлениенамолодогоживописцапроизвелотворчествоГ.Курбе,Э.Мане,Я.Матейко,М.Мункачи.Летом1874года художник жил и работал в Нормандии, где написал картины «Девочка-рыбачка»(Художественныймузей,Иркутск)и«ЛошадьдлясборакамнейвВёле»(Государственныйхудожественныймузейим.А.Н.Радищева,Саратов).ДомойизпутешествияРепинпривезтакжеполотна«Парижскоекафе»(1875,частноесобрание)и«Садко»(1875–1876,Русскиймузей,Санкт-Петербург).

И.Е.Репин.«Яблокиилистья»,1879,Русскиймузей,Санкт-Петербург

Вернувшисьна родину в 1876 году,Репиннекоторое времяпровел вЧугуеве, а в 1877году обосновался в Москве. Здесь было создано несколько предметных композиций,которые представляют для зрителей и исследователей огромный интерес как образцыпередвижническогонатюрморта1870-хгодов.

СвоинатюрмортыРепинневыставлял,вероятно,онибылинаписаныимдлясебя,анедля публики. К 1878 году относится его чудесный «Букет цветов» (Музей-усадьбаАбрамцево), а зимой 1879 года появился натюрморт «Яблоки и листья» (Русский музей,Санкт-Петербург).

История картины «Яблоки и листья» несколько необычна. Натюрморт, сочетавшийфруктыилистья,былпоставлендляученикаРепина,В.А.Серова.Предметнаякомпозициянастолько понравилась учителю, что он решил сам написать такой натюрморт. Цветы иплоды привлекали многих художников, предпочитавших из других вещей именно эти,наиболее поэтично и красиво показывающие мир природы. Даже И. Н. Крамской,пренебрежительноотносившийсякподобномужанру,такжеотдалданьнатюрморту,создавэффектнуюкартину«Букетцветов.Флоксы»(1884,Третьяковскаягалерея,Москва).

Хотя набор предметов в натюрморте «Яблоки и листья» необыкновенно прост, Репинотказывается от этюдности и создает настоящую картину весьма значительных размеров.Композиция построена на чередовании нескольких планов. Первый как будто вводитзрителя в пространство полотна, второй (главный) — показывает яблоки, третий жепредставляеттемныйфон,накоторомчетковырисовываютсяфруктыизеленыелистья.

В отличие от натюрмортов первой половины XIX века произведение Репина лишенопредметной сложности. Стол на его картине— всего лишь подходящая поверхность дляплодовилистьев,анеизысканныйпостамент,хотятемныйфонпридаетполотнунекотороесходствосакадемическиминатюрмортами.Всепредметывкомпозициипочтиодинаковыпо размерам, но все же художник выделяет главные: чувствуется, что яблоки, яркие исвежие, важнее для него, чем листья, и потому написаны тщательнее. Репин формируетлистья в основном с помощью цвета, а фрукты «лепит», используя блики и светотеневыепереходы.Мывидим, как точнопереданобъемяблок,ихблестящая, гладкаяповерхность.Чувствуется,чтостолиразбросанныепонемулистья—лишьфонкглавнымпредметам—яблокам.

И. Е. Репин. «Царевна Софья Алексеевна через год после заключения ее в Новодевичий монастырь, вовремяказнистрельцовипыткивсейееприслугив1698году»,1879,Третьяковскаягалерея,Москва

Такие художники первой половины XIX века, как, например, И. Хруцкий, тщательноразрабатывали каждую деталь натюрморта, будь то крошечный лепесток цветка илималенький зеленый листочек на стебельке. Для Репина предметы — это частноеживописное явление, а не придуманная красивая картинка, как у мастеров натюрмортапредшествующихлет.Ниодинизнихнепоказалбынасвоемполотнетакиепростенькиефрукты,«украшенные»червоточинамиицарапинами.НодляРепинаподобныеизъянынеимеютровноникакогозначения,онивсеголишьестественныедеталиживойреальности.И

тем не менее лаконичный и скромный натюрморт «Яблоки и листья» не менеепривлекателен для современного зрителя, чем «Цветы и плоды» И. Хруцкого,изображающиероскошныеплодыиспелыеягоды.

В творческом наследии Репина немного натюрмортов, но предметы играют весьмазначительную роль в его картинах.В 1879 году художник, увлеченный русской стариной,написал композицию с историческим сюжетом, получившую название «Царевна СофьяАлексеевна через год после заключения ее в Новодевичий монастырь, во время казнистрельцовипыткивсейееприслугив1698году»(Третьяковскаягалерея,Москва).Вещивэтом полотне играют необыкновенно важную роль: они помогают раскрыть характер егогероини, передать ее эмоциии сложныечувства.Сдвинутый со своегоместа стул, смятаяскатерть на столе — все эти детали указывают зрителю на яростный гнев, охватившийцаревну,которуюПетрIзаточилвмонастырь.

Репин виртуозно передает фактуру предметов: парчовое платье Софьи, густо-красныйбархат обивки стула, расшитую золотом тяжелую скатерть, покрывающую стол. Вещи,лежащие на столе, помогают понять сложный и сильный характер царевны. Вместорукоделия, обычного атрибута русской женщины того времени, зритель видит раскрытуюкнигуичернильницу спером.Все этохарактеризуетСофьюкакнеобыкновенноумнуюихорошообразованнуюличность.

Чтобы воссоздать дух эпохи, Репин очень долго и внимательно изучал предметы бытаXVIIвека,которыеонмогвидетьвэкспозицииОружейнойпалаты.

Элемент настоящего натюрморта представляет еще одна историческая композицияхудожника—картина«Запорожцыпишутписьмотурецкомусултану»(1878–1891,Русскиймузей, Санкт-Петербург). Стремившийся достоверно показать событие, Репин точнопередалтакиедетали,какодеждаказаков,оружие,бытовыепредметы.Осязаемореальнымивыглядятблестящиесабли,вложенныевукрашенныерезныморнаментомножны,поднятыевверх ружья. Живописно-выразительная предметная группа расположена на простомдощатомстоле:рассыпавшаясяколодакарт,сверкающийкувшинсвином,принадлежностидляписьма.

И.Е.Репин.«Осеннийбукет»,1892,Третьяковскаягалерея,Москва

Подобнодругимпередвижникам,Репиннеразобращалсяктакомумотивунатюрморта,как цветы. К таким произведениям, кроме уже упомянутого «Букета цветов» изабрамцевского музея, можно отнести и картину «Осенний букет» (1892, Третьяковскаягалерея,Москва),гдехудожниксравнымвниманиемизображаетосеннийпейзаж,молодуюженщину, стоящую на фоне золотистых деревьев, и скромный букет из желтых и белыхцветоввееруках.

ВалентинАлександровичСеров(1865–1911)

Хотя Валентин Александрович Серов, работавший в жанрах пейзажа, портрета иисторической композиции, написал немного натюрмортов (по большей части учебныхштудий),предметвеготворчествевсегдаигралважнуюрольинередко занималтакоежеравноправноеположение,какидругиеэлементыкомпозиции.

Валентин Александрович Серов родился в Петербурге в семье композитора имузыкальногокритика.Егоотец,АлександрНиколаевичСеров,былавторомизвестнойвтовремя оперы «Юдифь». Мать будущего художника прекрасно играла на фортепьяно исочиняла небольшие музыкальные произведения. Дом Серовых посещали живописцы,музыканты и другие деятели искусства. В доме родителей пятилетний мальчик впервыеувиделИ.Е.Репина,втегодыстудентаАкадемиихудожеств.

ОтецСерова рано умер, имать увезла сына за границу.Онначал обучатьсяживописисначала в мастерской К. Кёпнинга в Мюнхене (1873–1874), а затем в Париже, в студииРепина. Знаменитый художник сразу заметил талант мальчика. Впоследствии Репинвспоминал:«Вмастерскойонказалсястаршелетнадесять…Егобеспощадностьвломкенесовсем верных, уже законченных им деталей приводила меня в восхищение; я любовалсязарождающимсяГеркулесомвискусстве.Да,этобыланатура!»

ПроучившисьуРепинадвагода,Сероввозвратилсянародину.В1876–1878годахонжилвКиеве,гдепосещалгородскуюрисовальнуюшколу.В1878годуюныйхудожникпереехалвМоскву и поселился уИ. Е. Репина.Днем он обучался в гимназии, а по утрам и вечерамстарательно рисовал. К этому времени относится ученический натюрморт «Яблоки налистьях», (1879,Музей-усадьбаАбрамцево),выполненныйподруководствомРепина.Еслисравнитьэтуработуспроизведением,написаннымнатужетемуРепиным,можноувидеть,что натюрморт Серова отличается большей этюдностью, чем полотно его учителя.Начинающийхудожникиспользовалнизкуюточкузрения,поэтомупервыйивторойпланысовмещены,афонуменьшен.

В 1880 году Серов поступил в качестве вольнослушателя в Петербургскую академиюхудожеств, в класс замечательного педагога П. П. Чистякова. Во многом благодаряпоследнемуисформировалсянеповторимыйстильСерова.

В1885годудвадцатилетнийживописецоставилакадемиюизанялдолжностьхудожникав Русской частной опере С. М. Мамонтова. Спустя некоторое время он перешел вМариинскийтеатр,азатемвантрепризуС.П.Дягилева.

ПервыесамостоятельныеработыСеровавыполненывпортретномжанре.Егомоделямибыли родственники, друзья, знакомые, учителя («Портрет П. П. Чистякова», 1881;«Автопортрет», 1885; «ПортретЕ.Г.Мамонтовой», 1887, все—вТретьяковской галерее,Москва;«ПортреткомпозитораА.Н.Серова,отцахудожника»,1889,Русскиймузей,Санкт-Петербург).

В.А.Серов.«Яблокиналистьях»,1879,Музей-усадьбаАбрамцево

В1888годуСеровпринялучастиевVIIIпериодическойвыставкевМоскве,гдепоказалдве картины: «Девочка с персиками» (1887, Третьяковская галерея,Москва) и «Девушка,освещенная солнцем» (1888, Третьяковская галерея, Москва). Моделью для второгопортретасталадвоюроднаясестраСерова,МарияСимонович,дляпервогопозировалаВераМамонтова.Картиныбыливосторженновстреченызрителямиикритиками,аза«Девочкусперсиками» Серов получил премию Московского общества любителей художеств.Интересното,чтоэтакартинавыходитзарамкипортретногожанраинеслучайноназванаона«Девочкасперсиками»,ане«ПортретВерыМамонтовой».Втожевремякомпозициянеявляетсяижанровойсценой,хотянекоторыеэлементыжанровостивнейприсутствуют.Мыможемвидеть,чтоздесьсоединилисьчертыпортрета,интерьераинатюрморта.Авторуделяетравноевниманиеизображениюдевочкиврозовойкофточкеинемногочисленным,но умело сгруппированным предметам.На белой скатерти лежат нежно-желтые персики,кленовые листья и блестящий нож. Любовно выписаны и другие вещи, находящиеся надальнем плане: стулья, большая фарфоровая тарелка, украшающая стену, фигуркаигрушечного солдата, подсвечник на подоконнике. Солнечный свет, льющийся из окна иложащийсянапредметыяркимибликами,придаетизображениюпоэтическоеочарование.

Несомненно, именно эта внимательность к миру вещей, умение точно и любовнопередаватьиххарактерныеособенностиипомоглиСеровусоздатьмножествопрекрасныхпейзажей («Заросший пруд», 1888; «Октябрь.Домотканово», 1895, Третьяковская галерея,Москва) и портретов («Портрет художникаИ.И.Левитана», 1893, Третьяковская галерея,Москва).

Серов принимал активнейшее участие в культурной жизни России. Он был членомТовариществапередвижныххудожественныхвыставок(1894–1899),авыйдяизнего,вступилв«Мирискусства».Важноеместовегожизнизанималаипедагогическаядеятельность.С1897по1909годонпреподавалвМосковскомучилищеживописи,ваянияизодчества.

МихаилАлександровичВрубель(1856–1910)

Когда зритель смотрит на натюрморты Врубеля, ему поневоле вспоминаются слова,произнесенныесамиммастером:«Иопятьменяобдает,нет,необдает,аслышитсямнетаинтимнаянациональнаянотка,которуюмнетакхочетсяпойматьнахолстеиворнаменте.Это музыка цельного человека, не расчлененного отвлечениями упорядоченного,дифференцированногоибледногоЗапада».

Русский живописец Михаил Александрович Врубель родился в Омске. Его отец былвоеннымюристом.Всясемьячастоменяламестожительства,иМихаилуприходилосьжитьтовПетербурге,товАстрахани,товСаратове.Матьумерла,когдаМихаилбылещеоченьмал.Егоисеструвоспитываламачеха,котораяпринялачужихдетейкаксвоихродных.НоВрубеляпростонельзябылонеполюбить:настолькоонбылмягокинеженпохарактеру.Недаромзнакомыевспоминали,чтовдетствеМихаилбыл«кумиромвсехдевочек».

В 1874 году Михаил начал обучение на юридическом факультете Петербургскогоуниверситета.ЧерезшестьлетонпоступилвАкадемиюхудожеств.ЭтобылотяжелоевремявисторииРоссии.ТеррористыубилицаряАлександраII,былиразгромленынародовольцы,и атмосфера в обществе царила поистине удушающая. Однако именно в такой тягостнойобстановкерождалосьновоеискусство,высокоеиодухотворенное.Врубельговорил,чтоегоглавноймечтойбылокаждойсвоейкартиной«иллюзионироватьдушу,будитьееотмелочейбудничноговеличавымиобразами».

Врубель познакомился и подружился с людьми, близкими ему по духу: Серовым,Коровиным и Репиным, Поленовым и Мамонтовым. Его любимым преподавателем вАкадемии художеств был Павел Чистяков, учивший молодого живописца «рисоватьформой». Чистяков считал, что объемные формы не следует создавать в пространстветушевкой и контурами, их следует строить линиями. Благодаря ему Врубель научился непросто показывать натуру, а словно вести с ней задушевную, почти любовную беседу. Втаком духе выполнен чудесный натюрморт мастера «Шиповник» (1884). На фонеизысканной драпировки с цветочными мотивами художник разместил изящную округлуювазочку, расписанную восточными узорами. Отчетливо выделяется нежный белый цветокшиповника,оттененныйсине-зеленойтканью,алистьярастенияпочтисливаютсястускломерцающимчернымгорлышкомвазы.Этакомпозицияисполненаневыразимойпрелестиисвежести,которойзрительпростонеможетнеподдаться.

ПослеокончанияобучениявАкадемиихудожествВрубельпосетилВенецию,гденанегоособенносильноевпечатлениепроизвелаискуснаятехникастарыхмастеров—КарпаччоиБеллини. Можно сказать, что именно Венеция и великолепная пышная природа Италиисделали художника тем несравненным колористом, каким его знает публика. Врубельвосхищался нежной прелестью цветов и выразил свою любовь в поэтичных натюрмортах«Натюрморт. Цветы, пресс-папье и другие предметы» (1885), «Белый ирис» (1886–1887),«Краснаяазалия (двацветка)» (1886–1887),«Белаяазалия» (1886–1887),«Орхидея» (1886–1887).Перваяработакажетсянезавершенной,посколькулеваячастькартиныпредставляетсобой лишь намеки на предметы, их контуры. Правая часть, где Врубель разместилскомканныелегкиелистыбумаги, тяжелоепресс-папьеначерномбархатеипричудливуювазочку со скромным букетом полевых цветов, написана так детально и тщательно, что

зритель может почти физически ощутить легкость белой вазочки, сделанной в формераскрытоговеера,имассивностьпресс-папье,напоминающегоогромнуюморскуюраковинуилитяжелуюлапусказочногосущества,ощутитьтонкийароматжелтыхирозовыхсоцветий.

М.А.Врубель.«Шиповник»,1884

В иной манере написана композиция «Красные цветы и листья бегонии в корзине».ЗдесьявственночувствуетсявлияниепреподавателяВрубеля,Чистякова.Ниединойлиниеймастер не намекает на очертания листьев и цветов бегонии: он показывает их яркимицветовымипятнами,спомощьюконтрастов«лепит»пышныйбукетцветов,выбивающийся

изкорзины,едванамеченнойнаполотне.О пребывании в солнечной Италии напоминает «Натюрморт. Гипсовая маска, рожок

канделябра» (1885, Музей русского искусства, Киев). В этой композиции Врубельиспользовал слепок с головы древнего философа, на фоне которого загадочно мерцаетблестящей зеленью канделябр, вероятно, расположенный в комнате юного философа,увлеченногоантичнойисториейифилософией.

С 1889 года художник проживал в Москве. В это время он был увлечениллюстрированием произведений Лермонтова. Особенно привлекательным стал для негообраз Демона, который виделся мастеру не исступленным духом зла, а ангелом, неспособным к ненависти. Не случайно картина «Демон» (1890, Третьяковская галерея,Москва)принеслаВрубелюмировуюизвестность:ниодинживописецнерешилсяпоказатьДемоналишеннымжестокости;лишьвглубокихглазахврубелевскогоперсонажазастыланененависть к отторгающему его миру, где в камни превратились даже облака и стольлюбимыеживописцемцветы,аглубокаятоска.

М.А.Врубель.«Натюрморт.Гипсоваямаска,рожокканделябра»,1885,Музейрусскогоискусства,Киев

М.А.Врубель.«Натюрморт.Цветы,пресс-папьеидругиепредметы»,1885,Музейрусскогоискусства,Киев

В 1900 году Врубель исполнил еще две работы, принесшие ему исключительнуюпопулярность,—«ЦаревнаЛебедь»и«Сирень»(обе—вТретьяковскойгалерее,Москва).Впоследнейработецветынетолькоявляютсяобрамлениемженскоголица,онисамипосебе—полноправныеперсонажиполотна.«Сирень»полностьюподчиненаживописнойстихии,и ее эффект создается невероятной концентрацией, настоящим холодным пожаромфиолетовых и голубых роскошных оттенков, которые словно освещают черно-изумрудныйфонкомпозиции.Сиреньвыглядитсказочной,светящейся;ееформакакбудторождаетсяузрителя на глазах. Порой кажется, что мазки составляют причудливый узор цветов илистьев,новдругвследующуюминутусоцветиярассыпаются,распадаясьнабеспокойныймерцающийузор.Зрительпоневолеувлечентаинственнойглубинойполотна,где,кажется,должнонепременноскрыватьсячто-топоканеясноеинеоткрытое,ивдругвновьпереднимвстаетживаяигустаястенасиреневыхкустов.Исследователисчитают,чтотолькоСезаннуудавалосьдостичьподобнойгармониисинихизеленыхоттенков,обладающихневероятнойвыразительной силой. Сирень, погруженная в фантастический сумрак и освещаемаятревожнымполусветом,свидетельствуетовозможностисосуществованияприродыреальнойисозданнойпоэтическимвоображениеммастера.

С 1902 года началась роковая полоса в жизни художника. Врач Бехтерев поставилдиагноз:Врубельнеизлечимоболен.Художниксменилнемалобольнициврачей,впериодоблегченияжилвдеревне.Черезгодумердвухлетнийсынживописца,послечегоВрубельпокидал больницы только зимой, да и то ненадолго. Однако даже в больничной палатемастернепрекращалработать.Впериодболезнионсталбольшеписатьснатуры,причемего рисунки отличаются не только чеканностью формы, но и совершенно особенной

одухотворенностью.Кажется,чтокаждоедвижениерукихудожникавыдаетегостраданияистрасти.

М.А.Врубель.«Красныецветыилистьябегониивкорзине»,1886–1887,Музейрусскогоискусства,Киев

М.А.Врубель.«Сирень»,1900,Третьяковскаягалерея,Москва

Особеннопримечателенв этомотношениирисунок«Натюрморт.Подсвечник, графин,стакан». Это сокрушительный триумф яростной объективности. Каждый предметнатюрморта несет в себе скрытую взрывчатую силу. Материал, из которого изготовленывещи, будь то бронза подсвечника, стекло графина или матовый отблеск свечи, ощутимодрожит от колоссального внутреннего напряжения. Пульсация передается художникомкороткимиперекрещивающимисяштрихами,из-зачегофактураприобретаетвзрывчатостьинапряженность. Таким образом предметы приобретают невероятную заостренность, вкоторой и заключается истинная суть вещей. Врубель тонко продумал, гиперболизировалперспективу.Тканьрисункаорганическисоставляютобъемы,изгибыисложныерефлексы.Каждаявещьодушевлена,посколькулишенавнутреннейустойчивости, апотомуееформасловновозникаетвборьбелинийиоттенков.Интересно,чтомастер«лепит»объемытакимобразом, что штрихи представляются лучами, идущими прямо на зрителя, а их темныйисточник сконцентрирован где-то в самой глубине листа. Линии как будто пронзаютпредметынасквозь,преломляясьвних,ипоказываютихструктуру,оттеняясоразмерностьдруг с другом, пространством и воздушной средой. Врубель провел в психиатрической

лечебнице четыре года. Последним его произведением стал портрет Валерия Брюсова(1906).В процессе работынад этой картиноймастер ослеп.В 1910 году он скончался отвоспаления легких. На похоронах художника священник произнес: «Художник МихаилАлександрович Врубель, я верю, что Бог простит тебе все грехи, так как ты былработником».

М.А.Врубель.«Натюрморт.Подсвечник,графин,стакан»,1905

БорисМихайловичКустодиев(1878–1927)

НатюрмортыипейзажисуществуютнакартинахБорисаКустодиевавполномсогласии.Яркие атласные ткани, сверкающие медью самовары, блеск фаянса и фарфора красныеломти арбуза, виноградные грозди, яблоки, аппетитные кексы — все это разнообразиеможноувидетьнажизнерадостныхполотнахмастера.

Борис Михайлович Кустодиев родился в Астрахани в семье учителя словесности илогики, работавшего в духовной семинарии. Любовь к искусству передала Борису мать,прекрасно рисовавшая и увлекавшаяся музыкой. После смерти мужа ей пришлосьзарабатывать на жизнь вышиванием, чтобы прокормить четверых детей. Кустодиевыснимали флигель во дворе купеческого дома, и мальчик с ранних лет мог наблюдать зажизньюпровинциальногокупечества.Егоинтересоваласуета астраханскогопорта,работарыбаков, моряков, грузчиков, купцов, торговавших лесом и рыбой. Особеннопривлекательными будущему художнику казались яркие и шумные ярмарки. Впечатлениядетства навсегда остались в памяти Кустодиева, спустя годы запечатлевшего всемногообразиегородскойжизнинасвоиххолстах.

Кустодиев мечтал получить художественное образование, но из-за трудногоматериальногоположениясемьиэтобылоневозможно.

В 1887 году он поступил в Астраханское духовное училище, а в 1892 году — всеминарию.Номечтастатьживописцемнеоставлялаего.

Первым учителем юноши стал дальний родственник, художник-любитель В. А.Кастальский, познакомивший Кустодиева с азами рисунка. Затем он занимался увыпускника Петербургской академии художеств, воспитанника П. П. Чистякова и В. Г.Перова — П. А. Власова, основавшего Астраханский кружок любителей живописи ирисования.

В1896годуКустодиевпоступилвВысшеехудожественноеучилищеприПетербургскойакадемии художеств. В это время академия уже пережила реформирование, и во главебольшинстваклассовстоялипередвижники.

Дарование талантливого юноши было замечено наставниками. Уже в первый годзанятий Кустодиев участвовал в Выставке опытов художественного творчества. Эскиз «Вмастерскойхудожника»принесемупремиюакадемии.

Б.М.Кустодиев.«Раковины»,1918,Третьяковскаягалерея,Москва

Большую роль в формировании творческого метода Кустодиева сыграл И. Е. Репин, вмастерской которого юноша занимался. Свой самостоятельный путь в живописи БорисМихайловичначалспортретовсовременников(художникаИ.Я.Билибина,скульптораД.С.Стеллецкого, гравераВ.В.Матэидр.).Этипроизведения,представленныенанесколькихвыставках (в Петербурге, 1896, 1897, 1900, 1901; Мюнхене, 1901; Вене, 1901), принеслиКустодиеву,тогдаещеобучавшемусявакадемии,известностьвсределюбителейискусства,критиков и живописцев. К ученическому периоду относятся и прекрасные историческиекомпозиции,выполненныевдухепроизведенийС.В.Иванова(«Бунтпротивбоярнастарой

Руси»,1897;«Укружаластрельцыгуляют»,1901,Русскиймузей,Санкт-Петербург).За картину «На базаре» (не сохранилась), написанную по заданной теме, Кустодиев

получилзолотуюмедаль,дававшуюемувозможностьпродолжатьобучениезаграницей.В1903 годухудожникуехалвЕвропу.ВПарижеон занимался вчастной студииР.Менара.Затем Кустодиев отправился в Испанию. В мадридских музеях он копировал картиныизвестных мастеров, в частности Д. Веласкеса. Живописец был восхищен работамизнаменитостей и архитектурными памятниками, но ему хотелось скорее оказаться народине. Не дождавшись конца командировки, в 1904 году он оставил Европу и вернулсядомой, вПетербург.Впечатленияотпутешествияпочтиникакне сказалисьна творчествехудожника,которогоувлекалилишьродныемотивы.

В период первой русской революции 1905–1907 годов Кустодиев создал множествографических и живописных работ. Он писал портреты, жанровые композиции, делалиллюстрациикпериодическимизданиям.

Но главное место в его творчестве этого времени занимали сцены с изображениемжизни и быта провинциальных городов и деревень. Особенно привлекали мастера темывеселых праздников и гуляний, шумных Маслениц, многолюдных и красочных ярмарок(«Ярмарка», 1906, Третьяковская галерея, Москва; «Праздник в деревне», 1907,Третьяковскаягалерея,Москва).Этипроизведения,проникнутыечувствомлюбвиклюдям,кродномукраю,егоприроде,прошломуинастоящему,сближаюттворчествоКустодиевасискусствомтакихзамечательныхрусскихмастеров,какВ.И.СуриковиА.П.Рябушкин.

Жизньибытпровинциихудожникизучал,живякаждоелетовсвоемимении«Терем»наВолге.Небольшиеволжскиегородки,ихпраздникиивеселыенародныегуляньясталидлянего истинной Россией. В 1909 году Кустодиев работал преподавателем в частнойхудожественной студии Е. С. Зарудной-Кавос. В это время у него обнаружились первыесимптомытяжелогонедуга—опухолиспинногомозга.Мастератерзалисильныеболи,нооннеоставлялживописиипродолжалупорнотрудиться.

В конце 1900-х годов известность художника вышла за пределы России. В 1907 годупортрет В. В. Матэ кисти Кустодиева принес автору Большую золотую медаль VIIМеждународной выставки в Венеции. А спустя три года министр искусств Италиипредложил Борису Михайловичу исполнить автопортрет для галереи Уффици воФлоренции.В этожевремяКустодиев стал академикомживописивПетербурге, а в 1912году вошел в совет Академии художеств. Болезнь не оставляла его, но он продолжалпринимать самое активное участие в выставках, проходивших как в России, так и зарубежом.

В 1912 году Кустодиев находился в лечебнице одного из известных швейцарскихкурортов. Здесь он работал над картиной «Купчихи», изображавшей четырех пышнотелыхкрасавиц на фоне улицы провинциального русского городка, похожей на театральнуюдекорациюиз пьесыА.Н.Островского. С этого времени тема купчих начинает заниматьважное место в творчестве мастера. В 1915 году была исполнена знаменитая «Купчиха»,нынеукрашающаяколлекциюРусскогомузея.

ВкартинахКустодиевамноговымысла.Саммастерписал:«Моикартиныяникогданепишу с натуры, это все плод моего воображения, фантазии. Их называютнатуралистическими только потому, что они производят впечатление действительнойжизни,которую,однако,ясамникогданевиделикотораяникогданесуществовала».Темнеменеекомпозициихудожникаоченьточноияркопоказываютчертырусскогобыта.

ВтворчествеКустодиеванемногонатюрмортов,новего«Купчихах»,«Торговыхрядах»,«Чаепитиях» можно увидеть необыкновенное разнообразие чудесных вещей. Глядя накартину «Чаепитие вМытищах» (1918), невозможно не восхищаться ярким великолепиемпоказанных на полотне предметов. Сверкающий самовар, ярко-красная мякоть арбузов,глянцевые яблоки и прозрачный виноград, стеклянная вазочка с вареньем, позолоченнаясахарница и чашка, стоящие перед купчихой, — все эти вещи вносят в изображениепраздничное настроение. Такое же великолепие предметного мира можно увидеть и надругихполотнахКустодиева,гдеслюбовьюивниманиемвыписаныбелоснежныескатерти,нарядныевышитыесалфетки, графины,рюмки,бутыли, зеркала,крашеныеяйцаикуличи,поблескивающиевушахразодетыхкрасавицсерьгиижемчужныеожерельянаихшеях.

Красивые вещи придают композициям неповторимое очарование. Но каксамостоятельнаятемапредметныегруппынестольчастопривлекалихудожника.ДовольноредкиевтворчествеКустодиеванатюрмортытемнеменеепредставляютегонеобыкновенноталантливым мастером этого жанра, о чем свидетельствует картина «Раковины» (1918,Третьяковскаягалерея,Москва).Некаждыйживописецспособенвиртуознопередатьтакуюдостаточно сложную тему, как перламутр. Кустодиеву удалось показать изысканнуюкрасоту,созданнуюсамойприродой.

ВпослереволюционныйпериодКустодиевучаствовалвподготовкеПетроградакпервойгодовщинеОктябрьскойреволюции.ВэтовремяонписалпаннодляукрашенияРужейнойплощади, создавал плакаты и картины на революционные сюжеты («Праздник в честь IIКонгресса Коммунистического Интернационала на площади Урицкого», 1921, Русскиймузей,Санкт-Петербург).

Занимался художник и книжной графикой («Леди Макбет Мценского уезда» Н. С.Лескова, 1923). Большой интерес представляют театральные работы Кустодиева,оформившегоцелыйрядспектаклей.

КонстантинАлексеевичКоровин(1861–1939)

Творческое наследие Константина Коровина очень велико. Он стал автороммногочисленных пейзажей, натюрмортов, портретов, композиций с человеческимифигурами, декоративных панно, эскизов декораций и костюмов для театра. Художникоставилнамсвоимемуарыирассказыосовременниках.

Константин Алексеевич Коровин родился в Москве. Его родители были хорошообразованнымилюдьми.Матьхудожникаувлекаласьакварельюиигройнаарфе.Неплохорисовалиегоотец.Матьобучаласыновей,КостюиСережу,азамрисунка.

БлагополучиесемьидержалосьнаМихаилеЕмельяновиче—дедеКонстантина,икогдаонумер,Коровиныразорились.ИмпришлосьоставитьМосквуипереехатьвселоБольшиеМытищи. Природа Подмосковья произвела огромное впечатление на мальчиков,впоследствии ставших художниками. Творчество Сергея Коровина, близкое к идеямпередвижников, проникнуто печалью. Более жизнерадостной и светлой была живописьмладшегобрата,Константина.

В1875годуКонстантинКоровинпоступилвМосковскоеучилищеживописи,ваянияизодчества, где уже обучался старший, Сергей. Константин попал на архитектурноеотделение, но вскоре перешел на живописное. Коровин занимался у таких известныхмастеров,какВ.Г.Перов,И.М.ПрянишниковиА.К.Саврасов.

Константин восхищался своими наставниками, но не пытался слепо копировать ихтворчество. Уже первые работы показывают стремление Коровина к эмоциональному инепосредственному воспроизведению натуры. Из всех учителей ближе всего молодомухудожнику был Саврасов, призывавший своих учеников почаще оставлять мастерские иотправлятьсяработатьнаоткрытыйвоздух.ПодруководствомСаврасоваКоровинвыполнялнатурныеэтюдывсамыхживописныхместахПодмосковья.

К.А.Коровин.«Сирень»,1915,Русскиймузей,Санкт-Петербург

В пейзажном классе училища Коровин сблизился с И. И. Левитаном. Картины обоихмолодыххудожников,представленныенаученическойвыставке,обратилинасебявниманиеизвестныхживописцев.

Первые этюдыКоровина напоминают пейзажи настроения, исполненные Саврасовым.Новнекоторыхизнихужезаметностремлениекяркойкрасочности(«Ранняявесна»,1870-е,Третьяковскаягалерея,Москва).

В1882годуКоровиноставилМосквуипереехалвПетербург,гдепоступилвАкадемию

художеств.Нооченьбыстроразочаровавшисьвакадемическойсистемеобучения,онвскоревернулсявМоскву,вучилище.

В 1882 году место ушедшего из училища Саврасова занял недавно вернувшийся из-заграницы пейзажист В. Д. Поленов. Он познакомил своих студентов с творчествомимпрессионистовихудожниковбарбизонскойшколы.СестраПоленова,ЕленаДмитриевна,открыла для учащихся кружок, в котором можно было познакомиться с выходящими зарубежомжурналамипоискусству.

ХотяяркоедарованиеКоровинабылоотмеченоегонаставниками(молодойживописецнеразполучалнаградызасвоиработы),носистемаобразованиявучилищебыланаправленана академическую выучку, а необычное творчество Константина Алексеевича невписывалось в эти рамки. В результате Коровин, так же как и его товарищ Левитан,завершилобучениесозваниемнеклассногохудожника.

Закончив училище, Коровин не перестал встречаться со своим учителем Поленовым.Вдвоем они ходили на этюды, и опытный наставник продолжал руководить молодымживописцем.ИменноПоленов помог Коровину начать карьеру театрального художника вРусскойчастнойоперепромышленникаимеценатаС.И.Мамонтова.

К.А.Коровин.«Рыбы»,1916,Русскиймузей,Санкт-Петербург

ВдомеМамонтовавМосквеивегоподмосковномименииАбрамцевособиралисьсамыезнаменитыерусскиехудожники:И.Е.Репин,В.В.Васнецов,В.Д.Поленов,И.И.Левитан,М.А.Врубель,В.А.Серов.В1884годуКоровинтакжевошелвАбрамцевскийкружок.

Во второй половине 1880-х годов художник побывал в Европе. В Париже он своимиглазамиувиделживописьимпрессионистовипостимпрессионистов.ВосхищениеКоровинавызвало искусство символистов, в частности П. Пюви де Шаванна. Живописец дажеисполнилнесколькопроизведенийвманересимволизма,нооченьскороотказалсяотэтого

метода и вернулся к прежнему, сближающему его творчество с импрессионистическимискусством.Таковыполотна«Зачайнымстолом»(1888,Государственныймузей-усадьбаВ.Д.Поленова),«Влодке»(1888,Третьяковскаягалерея,Москва),написанныенадачеВ.Д.Поленова.

Особыйинтереспредставляеткартина«Зачайнымстолом»,показаннаямастеромнаVIIIПериодической выставке Московского общества любителей художеств, проходившей вдекабре 1888 года. Об этом полотне позднее И. Э. Грабарь писал: «Среди целого рядаотличных пейзажей Коровина была и его нашумевшая в свое время картина «За чайнымстолом».ВнейвылилсяужевесьбудущийКоровин».

Подобнофранцузскимимпрессионистам,Коровиниспользовалприемфрагментарности,при котором изображение напоминает случайно попавший в кадр маленький эпизодобыденной жизни. В полотне соединились сразу несколько жанров: групповой портрет,жанровая сцена и натюрморт. Портретное сходство— не главное для художника. Нет вкомпозиции и сюжетного действия. Коровина привлекает главным образом живописнаясторона картины. Ему важно показать очарование восхитительного утра и завтрака наоткрытом воздухе в окружении природы. Поэтому мастер и уделяет столько вниманиянатюрморту.Намедномсамоваре, стоящемвцентре стола,наподстаканникахиз серебраиграют яркие блики и рефлексы. Живописец мастерски передает белизну изящнойфарфоровойпосуды,прозрачностьхрупкогостекла,нежно-кремовыйоттеноксливокиалыйцветягод,лежащихнаблюде.

Именноэточувствовосхищениякрасотойокружающегомира,удивительнаясвежестьинепосредственностьвосприятияипривлекаютзрителейккартине«Зачайнымстолом».

Одно из самых значительных произведений Коровина, созданных в этот период, —полотно «У балкона. Испанки Леонора и Ампра» (1888, Третьяковская галерея,Москва),открывшее замечательное колористическое мастерство художника, музыкальность егоживописного языка. В 1889 году Коровин показал свою работу на XVII Передвижнойвыставке, проходившей в Петербурге. Позднее произведение было представлено наВсероссийскойвыставкевНижнемНовгороде(1896).ПродемонстрированноенаВсемирнойвыставке, состоявшейся в 1900 году в Париже, оно принесло автору золотую медаль.Директор Люксембургского музея Л. Бенедикт писал, что картина «поражает своейтонкостью, она прелестна по своим скромным и мягким тонам и обличает живую иостроумнуюнаблюдательностьхудожника».

Коровинначалпостояннопоказывать своиработынапередвижныхвыставках, гдеонипользовались неизменным успехом. Передвижники всячески поощряли талантливогоживописца и ожидали от него чего-то очень значительного. Но художник, обладавшийбольшим дарованием, был импульсивен по натуре и, начав работу, вскоре терял к нейинтересибралсязановую.

Вконце1880-хгодовКоровинсблизилсясВ.А.СеровымиМ.А.Врубелем.Оноченьдорожилдружбойсэтимивыдающимисямастерамиипосвятилимнеоднустраницусвоихвоспоминаний.Такиетеплыеиискренниевзаимоотношенияоказалиогромноевлияниенатворчество Коровина. Вместе с Серовым живописец работал над картиной «ХождениеХристаповодам»(1890),заказаннойП.М.Третьяковымдляоднойизкостромскихцерквей.

В 1890-х годах Коровин написал множество прекрасных пейзажей, передающихнеброскую красоту природы средней полосы России и Севера («Зимой», 1894,Третьяковскаягалерея,Москва;«Гаммерфест.Северноесияние»,1894–1895,Третьяковская

галерея,Москва). Путешествие на Север художник совершил по совету С. И.Мамонтова,занимавшегося проектом прокладки железной дороги в Архангельск. Вместе с СеровымКоровин проехал вдоль Сухоны и Северной Двины, посетил Мурманск и побывал вНорвегии. Суровая красота северной природы произвела на Коровина неизгладимоевпечатлениеидалатолчокновомувзлетуеготворчества.

Огромное значение в этот период для художника приобретает цвет. Мастер вводит всвои картины яркие красочные пятна, которые по светосиле очень точно соответствуютокружениюкомпозиции.В этомсмыслеособенноинтересен этюд«НаСенежскомозере»(1898, Русский музей, Санкт-Петербург). Яркие лучи летнего солнца падают на террасу,освещая золотистые половицы. В тени навеса расположен своеобразный рыбацкийнатюрморт: несколько крупных рыб с серебристой чешуей и красными плавниками,рыболовныеснастиустены,одежданатабурете.Азатеррасойсинеетозеро,яркозеленеютдеревья на берегу. Все детали полотна, написанного сочными красками, делают картинурадостнойипраздничной.

Большой успех Коровину принесли пейзажи, посвященные Парижу. Художник назвалсвою серию «Парижские ночные бульвары» или «Огни Парижа» («Париж. БульварКапуцинок», 1906; «Париж ночью. Итальянский бульвар», 1908, обе — в Третьяковскойгалерее,Москва).ОнчастобывалвстолицеФранции,ивыставка,прошедшаяздесьв1900году, сделала ему имя.Но хотяКоровин и называл себя постимпрессионистом, он всегдаоставалсясамобытнымрусскимживописцем.

Значительное место в творческом наследии Коровина занимают портреты, полныеглубокойдуховности (И.А.Морозова,1903;Н.Д.Чичагова,1902,оба—вТретьяковскойгалерее,Москва).Настоящимшедевроммастераявляется«ПортретФ.И.Шаляпина»(1911,Русский музей, Санкт-Петербург). Художник изобразил знаменитого певца за накрытымстолом. Перед ним — яркий букет цветов в вазе, фрукты, вино. Через открытые двери,ведущие на террасу, в комнату проникает свет, заливающий все вокруг. Ладная, высокаяфигура Шаляпина, его улыбающееся лицо, интерьер, написанный в теплых, золотистыхтонах, нарядный натюрморт на столе, свежая зелень сада за дверью террасы— все этидеталипридаютизображениюмажорноезвучание.

Интерес к красоте окружающегомира выразилсяи в другой картине этогопериода—натюрморте «Розы и фиалки» (1912, Третьяковская галерея, Москва). В этой картинеКоровинберетсярешитьсложнуюхудожественнуюпроблему.Наполотнеизображенстол,накрытый к десерту. На большом подносе — букеты роскошных алых роз и фиалок,апельсин, блестящий кофейник. Рядом стоит вазочка с сахаром. Хотя натюрмортпредставленнафонеокна,предметызалитыискусственнымсветом.Мастерподчеркиваетматериальность отдельных вещей, но это ничуть не мешает общему целостномувпечатлению. С помощью широких, энергичных мазков Коровин передает большиекрасочные соотношения. Отблеск электрического света ложится на гладкую поверхностьметаллического кофейника и подноса, охватывает пурпурные головки роз, ярковыделяющиеся на фоне зарождающихся сумерек. Огни вечернего Парижа, мерцающие заокном, перекликаются с искусственным освещением комнаты. Теплые, густые краскибукетовнапоминаютзрителюодомашнемуюте.Яркимцветовымпятномвыделяетсясредидругихпредметоворанжевыйапельсин.

Натюрморт вообще занимал значительное место в творчестве Коровина. Уже в самыхраннихегоработах—портретах,пейзажах,интерьерах—нередкоприсутствовалибольшие

предметные группы. Наряду с другими мастерами, уделявшими большое вниманиепредметному миру, Коровин вошел в число художников, предопределивших расцветнатюрмортногожанраврусскойживописиначалаXXстолетия.

Особенно много натюрмортов было создано мастером в 1910-х годах. Излюбленныетемы этих произведений — цветы, фрукты, рыба. Именно в натюрмортах проявилосьоптимистическое мироощущениеКоровина. Глядя на его картины, зритель понимает, чтодляхудожникаважнеечувственнаяживописность,чемпредметностьизображения.Особуюрольиграетсреда,вкоторойнаходятсявещи.Чащевсегопредметнаягруппарасполагаетсяне на фоне драпировок, а в глубоком пространстве. Чувствуется, что все показанныемастером вещи не расставлены специально, они выглядят естественными, как будтохудожник, случайноувидевшийподобныймотив, запечатлел егонахолстебез каких-либоизменений. Коровин всегда стремился к декоративности цвета, но колорит его картинтрудноназватьусловным,ипотомуизображениенелишеносвежестииубедительности.

ОдноизсамыхизвестныхполотенКоровинавнатюрмортномжанре—«Сирень»(1915,Русский музей, Санкт-Петербург). К этой теме художник обращался и прежде. Как и вкартине «Белые ночи» (начало 1890-х), пышный букет сирени показан на фоне окна взатемненной комнате. Но от более ранней работы, выполненной в традициях тональнойживописи, полотно отличается своей красочностью. Коровин удивительно точно передалоттенки сирени, отдельные веточки которой светятся в полумраке комнаты, а другиевыглядят на фоне оконного проема темным силуэтом. Зеленоватые цвета окруженияподчеркивают звучность тонов сирени. В холодной красочной гамме яркими желтымипятнамивыделяютсялимоны,придающиеизображениюнарядныйвид.Мажорноезвучаниевносят в композицию и золотистые оттенки фарфорового кофейника. Рефлексы теплогоцветаотражаютсянагладкойповерхностистекляннойбанкисцветами,стаканаиззеленогостекла,голубоватогососудасузкимгорлом.

К.А.Коровин.«Розы»,1930

Хотя Коровин не стремится выписать каждую деталь картины, он очень точноулавливаетнюансыцвета.Так,листьясвежесрезаннойсиренивыглядятяркимиисвежимивотличие от выгоревшей на ярком солнце зелени за окном. Благодаря тонкой разработкесиних, желтых, сиреневых оттенков появляется впечатление осязаемости предметов —пушистой массы букета, источающего нежный аромат, упругой плотности лимонов,хрупкостистеклаифарфора.

С помощью цвета и энергичных, свободных мазков Коровин «лепит» объемы в

натюрморте «Рыбы» (1916, Русский музей, Санкт-Петербург). На общем темном фоневыделяются яркие красные, зеленые пятна. Серебристая чешуя рыб мерцает зеленовато-голубыми и розовыми оттенками. Красноватые, желтые, сиреневые рефлексы лежат настекле большой бутыли. И хотя материальность по-прежнему важна для художника,главным для него становится колористическое единство изображения, в котором четкимцветовым центром являются блестящие спелые помидоры. Этот же мотив художникиспользовал в композиции «Рыбы, вино и фрукты» (1916), где группа предметов, как накартинах голландских мастеров XVII века, выделена светом, льющимся из темногопространства интерьера. Свет оживляет вещи и уподобляет их драгоценностям. Словноперламутрсверкаетрыбьячешуя,золотятсяяблоки,мерцает,какрубин,виновстекляннойбутылке.Противопоставлениесветаитениделаетформычеткимииясными.

Коровин был не только талантливым художником, но и прекрасным педагогом. Онработал в портретно-пейзажном классе Московского училища живописи, ваяния изодчества,атакжевСтрогановскомучилище.

К.А.Коровин.«Розыифиалки»,1912,Третьяковскаягалерея,Москва

В 1921–1922 годах к шестидесятилетию живописца силами Третьяковской галереи иГлавполитпросветабылиорганизованыперсональныевыставкимастера.Зрителиикритикивосторженноотзывалисьоних.

В 1923 году Коровин вместе с семьей выехал за границу. Он обосновал свой отъезднеобходимостьюлечениясына-инвалидаижеланиемоткрыть своювыставкувоФранции.Художникнадеялсявернутьсянародину,ноегомечтамнесужденобылоосуществиться.

Во Франции «русский импрессионизм» Коровина оказался невостребованным.

Художник не умел выгодно продавать свои полотна, и его частенько обманывали. Чтобыхоть немного заработать, Коровину порой приходилось соглашаться на самые кабальныеусловия.

Лучшими произведениями мастера, созданными вдали от родины, стали эскизыкостюмов и декораций для русских классических балетов и опер. Коровин с большимуспехомоформилнесколькоспектаклейдлятеатровПарижа,Турина,Буэнос-Айреса,Нью-Йорка, Копенгагена. 1929 год принес художнику удачу: он занимался сценографией«Русских оперных сезонов» в Париже и организовал выставку своих работ в галерее«Студио».

Станковые работы мастера покупались очень плохо. Чтобы хоть как-то заработать,Коровинтиражировалварианты«Парижскихогней».Тяжелоприходилосьидругимрусскимхудожникам,таккакэкономическийкризисвЕвропезначительноухудшилихматериальноеположение. Чтобы преодолеть конкуренцию, они вынуждены были публиковать своипроизведения,подписываяихфранцузскимипсевдонимами.

ТаквоФранциипостепенноугасалталантбольшогомастера—К.А.Коровина.ОннесмогвернутьсявРоссиюиумервПариже11сентября1939года.

НиколайНиколаевичСапунов(1880–1912)

Известный театральный художник Николай Сапунов очень часто писал картины помотивамсвоихсобственныхдекораций.Главныетемыегоработ—праздники,карнавалы,народныегулянья,маскарады,карусели.Такиесюжетыпозволялимастеруразворачиватьнахолстенастоящиекрасочныефеерии.

Живописец Николай Николаевич Сапунов получил художественное образование вМосковском училище живописи, ваяния и зодчества. В 1907 году он стал членомсимволистского объединения «Голубая роза», принимал участие в выставках этойгруппировки.

ЗначительноеместовтворчествеСапуновазанималитеатральныеработы,отличавшиесякрасочностьюидекоративностью(«ШарфКоломбины»А.Шницлера,«ГолландкаЛиза»М.А.Кузмина,обе—1910;Доминтермедий,Санкт-Петербург).

Н.Н.Сапунов.«Натюрмортсвазойицветами»,1910

Ранние живописные работы мастера говорят о его стремлении соединить вместевпечатления отмузыкии изобразительного искусства («Ночной ландшафт», «Ноктюрны»,«Пастораль»,«Пиковаядама»,все—1903–1904).

Вболеепозднихегокартинах,показывающихнародныегуляньяимаскарады,отразилсяинтересхудожникакяркой,праздничнойсторонежизни(«Карусель»,1908,Русскиймузей,Санкт-Петербург;«Ночнойпраздник»,непозднее1909,Государственныйхудожественныймузей им. А. Н. Радищева, Саратов; «Ночь», 1900-е, Русский музей, Санкт-Петербург;

«Весна.Маскарад»,1912,Третьяковскаягалерея,Москва).Дажетакоеобыденноезанятие,как чаепитие, превращается на холсте Сапунова в необычное красочное действо(«Чаепитие»,1912).Вэтихкомпозициях,равнокакивнатюрмортах,Сапуновсближаетсяспредставителями «Мира искусства». Для мирискусников важно показать предметы,красивые вещи сами по себе, а не как таинственные оболочки неведомых сущностей, чтохарактерно для живописи символистов. Нарядные позолоченные вазы с изящнымирисунками,пышныецветочныебукеты,гроздьявинограда,яблоки,груши,абрикосы—всеэтопросточудесныевещи,поражающиезрителясвоимвеликолепием,внихнетникакогодополнительноготайногосмысла.

Н.Н.Сапунов.«Голубыегортензии»,1910,собраниеВ.Я.Андреева,Москва

Н.Н.Сапунов.«Вазы,цветыифрукты»,1912,Третьяковскаягалерея,Москва

Любимые мотивы натюрмортов Сапунова— цветы в вазах из фарфора или цветногостекла, изображенные на мерцающем фоне шелковых драпировок и занавесей. Этикомпозицииизобилуютразнообразнымиоттенкамиголубого,золотистого,розового,синегои сиреневого («Пионы», 1908, Третьяковская галерея, Москва; «Натюрморт с вазой ицветами», 1910; «Голубые гортензии», 1910, собрание В. Я. Андреева,Москва; «Цветы ифарфор»,1912;«Вазы,цветыифрукты»,1912,Третьяковскаягалерея,Москва).

Но, несмотря на блеск позолоты, сверкание фарфора и стекла, картины Сапунова

вызываютнеоднозначное чувство.А.Эфрос, биографживописца, отмечал: «…уСапуновавсе предметы точно покрыты какой-то пылью времени, паутиной тления; не от этого лидаже купы живых цветов у нашего мастера дают впечатление натюрморта, «мертвойприроды»втесномзначениислова».

Жизньталантливогохудожникаоборваласьнавзлете—в1912году,катаясьналодке,онутонул.

АлександрЯковлевичГоловин(1863–1930)

Александр Головин, талантливый живописец, автор портретов, натюрмортов,прославилсякакзамечательныйтеатральныйхудожник,оформившийогромноеколичествоспектаклей. Современники вспоминали, что когда в 1916 году на премьере «Грозы» А.Островского на сценеАлександринского театра поднялся занавес, зрители ахнули, увидевдекорацииГоловина,идружнозааплодировали.

ХудожникАлександрЯковлевичГоловинродилсявМоскве.Талантбудущегохудожникабыл замечен наставниками еще в гимназические годы. В 1881 году юноша поступил вМосковскоеучилищеживописи,ваянияизодчестванаархитектурноеотделение,новскореперевелсянаживописное,вкласспейзажаинатюрморта,возглавляемыйВ.Д.Поленовым.

В1889годувместесПоленовымиегосестрой,художницейЕ.Д.Поленовой,Головинпобывал на Всемирной выставке в Париже. В столице Франции он впервые увиделживопись импрессионистов, оказавшую огромное воздействие на формирование еготворческогометода. Занедолгое времяпребывания вПарижеАлександрЯковлевичуспелпоучиться в популярной среди живописцев академии Коларосси. В 1897 году он вновьприехалвПариж,чтобыпоступитьвстудиюВитти.

Под влиянием импрессионистов Головин начал писать пастелью и темперой. Егокартинысталиболеевоздушнымиидекоративными.

В 1900 годумастер, всегда стремившийся выразить себя вмонументальномискусстве,вместе сК.А.Коровиным оформил русский павильон наВсемирной выставке вПариже.СовместносМ.А.Врубелемонвыполнилфризыдлягостиницы«Метрополь»вМоскве.

С1900годаГоловинработалвБольшомтеатре.Егопервойзначительнойработойсталиэскизы костюмов и декораций к опере «Ледяной дом»А. Н. Корещенко (1900). Большойуспехупубликиимелооформление«Псковитянки»Н.А.Римского-Корсакова(1901).Послеэтой работы художника пригласили на должность главного декоратора ИмператорскихтеатроввПетербурге.

В 1901 году Головин стал членом объединения «Мир искусства». В этом же году онпознакомился с С. П. Дягилевым, который предложил мастеру работу над созданиемкостюмов и декораций для спектаклей его антрепризы в Париже. Александр Яковлевичоформил«БорисаГодунова»М.П.Мусоргского(1908)и«Жар-птицу»И.Ф.Стравинского(1910).

А. Я. Головин. «Розы и фарфор», 1920-е, Государственный художественный музей им. А. Н. Радищева,Саратов

НонастоящимшедевромдекораторскогоискусстваГоловина стало оформление оперыЖ.Бизе«Кармен»(1908).Подвлияниемэтойработыхудожниксоздалживописнуюсерию«Испанок» («Испанка», 1900-е, Государственный художественный музей им. А. Н.Радищева,Саратов).

1900-е годы были временем начала сотрудничества Головина с В. Э. Мейерхольдом,занявшим в 1908 году должность режиссера Императорских театров. Новым словом втеатральномискусствесталооформлениеспектаклей«Увратцарства»К.Гамсуна (1908),

«ДонЖуан»Ж.-Б.Мольера(1910),«ОрфейиЭвридика»К.В.Глюка(1911).ЗамечательныиболеепоздниеработыГоловина(«Гроза»А.Н.Островского,1916;«Каменныйгость»А.С.Даргомыжского,1917).СамымзначительнымтворениемГоловинаиМейерхольдаявлялсяспектакль,поставленныйподрамеМ.Ю.Лермонтова«Маскарад».

После Октябрьской революции в театральной жизни произошли изменения. На местопрежних режиссеров и живописцев приходили новые. Работы у Головина значительнопоубавилось.Ивсежеяркийталанттеатральногохудожникавновьзаблисталв1927годувспектакле«Безумныйдень,илиЖенитьбаФигаро»попьесеП.Бомарше.

В творческом наследииГоловина немало театрализованных портретов современников.ЕгокистипринадлежатживописныеобразыФ.И.ШаляпинавроляхМефистофеля(1905),Олоферна(1908)иБорисаГодунова(1911),В.Э.Мейерхольда(1917).

Однимизлюбимыхжанровмастерабылнатюрморт.Головинписалкрасивыесадовыецветыивазысизысканнымрисунком(«Натюрморт.Цветыифарфор»,ок.1912).Виртуозновыполненополотно«Розыифарфор»(1920-е,Государственныйхудожественныймузейим.А. Н. Радищева, Саратов). В центре композиции — роскошный букет роз в дорогойфарфоровойвазе, украшеннойпозолотой.Ввысокойбанке стоятболее скромные садовыецветы. Рассыпанные по столу лепестки придают изображению естественность инепосредственность.Дополняютэтумаленькую«оранжерею»настолерастениявглиняныхгоршкахипестраятканьсбахромой,небрежноброшеннаянастол.

СергейЮрьевичСудейкин(1882–1946)

ПрекрасныйтеатральныйхудожникСергейСудейкинпереносилтеатральныемотивыивсвоеживописное творчество.Даженазвания его картин говорят о театральномискусстве:«Балетнаяпастораль»(1906,частноесобрание,Москва),«Петрушка»(1915,собраниеВ.Я.Андреева,Москва), «СадАрлекина» (1915–1916, Государственный художественныймузейим.А.Н.Радищева,Саратов).

Живописец, театральный художник и график Сергей Юрьевич Судейкин получилобразование в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1897–1909) и вПетербургскойакадемиихудожеств(1909–1911).

В первых самостоятельных произведениях молодого художника отразилось влияниесимволистского искусства («Ночное празднество», 1905, собрание М. К. Кошуро и В. А.Дудакова,Москва).

В 1900-х годах Судейкин делал иллюстрации для журнала «Весы». В 1904 году онпринял участие в выставке символистского объединения «Алая роза», а в 1907 годупредставилсвоикартинынаэкспозиции«Голубойрозы».

СовременемвтворчествеСудейкинаглавноеместозаняласценография.В1905годудлятеатра-студии на Поварской художник оформил постановку «Смерть Тентажиля» М.Метерлинка.В1906годуонсоздалдекорацииикостюмыкдрамеМ.Метерлинка«СестраБеатриса»,поставленнойвтеатреВ.Ф.КомиссаржевскойвПетербурге.

Во второй половине 1900-х годов появился целый ряд живописных работ Судейкинаразнообразной жанровой направленности («На даче», 1908, Государственный музей-заповедник Петергоф; «На диване», 1908, собрание В. Я. Кунина, Санкт-Петербург;

«Декоративный мотив», 1909; «Романтический пейзаж», 1909, обе — в Русском музее,Санкт-Петербург;«Пейзажсзамкомитремяфигурами»,1900-е,собраниеИ.Б.Качуриной,Москва).

Очень часто художник использовал распространенные романтические сюжеты, втрактовке которых заметна некоторая доля примитива, а также гротеска и театрализации(«Пастораль», 1905, собрание И. А. Мясниковой, Москва; «Венеция», 1907; «Северныйпоэт»,1909,собраниеД.Л.Сигалова,Киев).

С.Ю.Судейкин.«Фарфоровыефигуркиирозы»,1910-е,Русскиймузей,Санкт-Петербург

С.Ю.Судейкин.«Саксонскиефигурки»,1911,Русскиймузей,Санкт-Петербург

О мире театра напоминают и знаменитые натюрморты Судейкина. Основные мотивыэтих композиций— цветы и изящные фарфоровые фигурки пастухов и пастушек, дам икавалеров, которые кажутся персонажами спектакля, разворачивающегося перед глазамизрителя. Такова картина «Фарфоровые фигурки и розы» (1910-е, Русский музей, Санкт-Петербург).Двефарфоровыефигуркиивазасрозамиизображенынафоне,напоминающемтеатральнуюсценусаркой,изящнымиколоннамиипричудливымифарфоровымивазамисбукетами, выполняющими функцию театральных кулис. В подобной манере исполнены инатюрморты «Саксонские фигурки» (1911, Русский музей, Санкт-Петербург) и «Цветы ифарфор»(начало1910-х,частноесобрание,Москва).

Расцвет творчествамастера пришелся на 1910-е годы, когда появились такие полотна,как«Идиллия»(Государственныймузей-заповедникПетергоф),«Наскамейке»(собраниеВ.Я. Кунина, Санкт-Петербург), «Парк» (Русский музей, Санкт-Петербург), «Пастораль»(Государственныймузей-заповедникПетергоф).

В1911годуСудейкинвошелвхудожественноеобъединение«Мирискусства».С 1912 года Сергей Юрьевич принимал участие в Русских сезонах С. П. Дягилева в

Париже. К этому же времени относится и его работа по оформлению стихотворныхсборниковМ.А.Кузьмина«Курантылюбви»(1910)и«Осенниеозера»(1912).Совместнос

В. Э. Мейерхольдом Судейкин занимался созданием Дома интермедий. Кроме того, онрасписывал стены кабаре «Бродячая собака» и создавал панно для театра-кабаре «Привалкомедиантов».

С1920годаживописецжилвПариже,гдеосновнойегоработойсталасценография.ОноформлялдлябалетнойтруппыА.П.Павловой«Спящуюкрасавицу»П.И.Чайковского,атакже«Феюкукол»И.Байера.

В1923годуСудейкинпереехалвСША.Тамонсотрудничалс«Метрополитен-Опера»вНью-Йорке, создавал декорации и эскизы костюмов к балетам И. Ф. Стравинского«Петрушка»(1924),«Соловей»(1925),«Свадебка»(1929)иопереН.А.Римского-Корсакова«Садко»(1929).

КонстантинФедоровичБогаевский(1872–1943)

В творчестве Константина Богаевского отразилась вся сложность развития русскойреалистической живописи рубежа XIX–XX веков. Он был продолжателем традицийзнаменитого пейзажиста А. И. Куинджи и в то же время обращался к новымхудожественнымвеяниямсвоейэпохи.

Константин Федорович Богаевский родился в Феодосии в семье чиновника. Его отецпостоянно болел и потому рано ушел на пенсию, и матери приходилось подрабатывать:вышиватьивязатьдлябогатыхжительницгорода.

Богаевскийоченьранопроявилспособностикрисованию.Ужевшестилетнемвозрастеонпрекрасно копировалпейзажи со старыхлитографий.Первымучителеммальчика сталземскийслужащийИ.Е.Шмитт,укоторогосемьяснималафлигель.Наставникпоказывалребенкуиллюстрациивкнигахижурналах.КогдародителиБогаевскогопереехалиподЯлту,ШмиттуговорилихоставитьКонстантинаунего.Вегодоме,гдесобиралисьпредставителифеодосийской интеллигенции, будущий художник постоянно слышал разговоры омузыке,литературе,живописи.

Обучаясь в гимназии, Богаевский начал брать уроки у местного живописца А. И.Фесслера, воспитанника Айвазовского. Иногда с мальчиком занимался сам Айвазовский,правда,этизанятиязаключалисьлишьвтом,чтознаменитыймаринистпредлагалученикукопироватьсвоикартины.ГораздобольшедалемуФесслер,обучавшийрисоватьснатурыипомогавшийразвиватьнаблюдательность.

В1891годуБогаевскийпоступилвПетербургскуюакадемиюхудожеств,переживавшуюв то время основательное реформирование. Во главе многих мастерских встали такиекрупныепредставителиреалистическогоискусства,какИ.Е.Репин,А.И.Куинджи,И.И.Шишкин,В.В.Матэ,В.А.Беклемишев.

Богаевский, учившийся сначала в гипсовом классе, радовал наставников своимиуспехами,носживойнатуройонработатьнеумел,даинечувствовалкэтомупризвания.Обладавший слабым здоровьем молодой художник часто пропускал занятия, и вскоре егоотчислили из академии. К счастью, рисунки Богаевского увидел А. И. Куинджи. ОнпредложилКонстантинуобучатьсявегомастерской.

Куинджиотносилсяккаждомусвоемувоспитанникукаккяркойиндивидуальности.ОносвободилБогаевскогоотрисованиянатурщиковипредложилемузанятьсякопированиемкартинА.П.БоголюбоваиФ.А.Васильева.

В1898годуКуинджисученикамиотправилсязаграницу.Вместесдругимимолодымихудожниками Богаевский побывал вПариже, Дрездене, Вене, Берлине, Кёльне,Мюнхене,где посещалмузеи и картинные галереи.Огромный интерес русскихживописцев вызвалотворчество французских импрессионистов, финских и норвежских модернистов.Константина Федоровича особенно привлекли немецкие романтики с их экспрессивно-выразительнымискусством.

К.Ф.Богаевский.«Натюрморт»,1924,Картиннаягалереяим.И.К.Айвазовского,Феодосия

Возвратившись в Россию, Богаевский увлекся живописью М. А. Врубеля, а затемтворчествомпредставителейобъединения«Мирискусства».Эстетикамирискусниковнашлаотражение в ранних работах Богаевского, изображавшего на своих картинах загадочные имрачные романтические ландшафты древнего Крыма— Киммерии, воспетой Гомером в«Одиссее».А.А.Рылов,восхищавшийсяэтимиполотнамиБогаевского,писал:«Яихоченьлюбил. Бывало, по вечерам он ставил на мольберт картину за картиной, холстов подвадцати,привезенныхимизФеодосии.Сидишьвкреслепереднимииточноперелетаешьиз одной неведомой дикой страны в другую. Видишь угрюмые скалы, кривые дубки,взбирающиеся на утес, бушуют морские волны у берега, громоздятся тучи грозовые надпещерными городами, развалины крепостных стен генуэзских рисуются на скалах.Пустынные каменистые земли залиты знойным солнцем, или вечерними лучами, или желуннымфосфорическимсветом».

Картины, написанные Богаевским в первой половине 1900-х годов, свидетельствуют о

высокоммастерствемолодогохудожника(«Древняякрепость»,1902,Картиннаягалереяим.И.К.Айвазовского,Феодосия;«СтарыйКрым»,1902,Русскиймузей,Санкт-Петербург).

БольшуючастьгодаБогаевскийпроводилвФеодосии,приезжаявПетербурглишьдляучастия в ежегодных Весенних выставках, организуемых в залах академии. Здесьдемонстрировали свои картины многие ученики Куинджи. В Петербурге Богаевскийпродолжалработать,занимаясьглавнымобразомакварелямиикарандашнымиэскизамидлябудущихкартин.ДружескиеузысвязывалиегонетолькосучителемА.И.Куинджи,ноиспрежнимитоварищами,особенносА.А.РыловымиМ.П.Латри.

В 1904 году силами учеников Репина и Куинджи было создано Новое обществохудожников,кудавошелиБогаевский.ВэтомжегодуКонстантинаФедоровичапризвалинавоеннуюслужбу.ПочтиполторагодаонпробылвКерченскомкрепостномбатальоне.Здесьу него почти не было времени для занятий живописью, единственное, что мог себепозволитьмастер,—небольшиезарисовкикарандашомилитушью.

Сложная политическая обстановка в стране, революция, закончившаяся жестокимтеррором, — все это не могло не отразиться в творчестве Богаевского 1905–1907 годов.Именно тогда появились проникнутые трагизмом картины «Солнце» (1906, Картиннаягалерея,Вологда)и«ЗвездаПолынь»(1907,несохранилась).

Полотна, исполненные Богаевским в дальнейшем, свидетельствуют об изменении егохудожественной манеры. Высветлились краски, более четкими стали линии, появилиськонтрастныесопоставленияоттенков.Плотная,густаяживописнаяфактурауступиламестолегким, почти прозрачным красочным слоям («Берег моря», 1907, Третьяковская галерея,Москва;«Южнаястрана.Пещерныйгород»,1908,Художественныймузей,Севастополь).

В 1908 году Богаевский продемонстрировал свои произведения на выставкахТоварищества московских художников и Союза русских художников. Эти работы вызвалиогромный интерес зрителей и критиков. В этом же году работы русского мастера былипоказаны на экспозициях мюнхенского Сецессиона, парижского Осеннего салона.ИтальянскаяпубликатожесмоглаполюбоватьсякартинамиБогаевского,представленныминамеждународныхвыставках,проходившихвРимеиВенеции.

В конце 1908 года художник, получивший стипендию имени Е. Д. Поленовой, смоготправитьсявпутешествиезаграницу.ОнпобывалвБерлине,Мюнхене,Нюрнберге,затемотправилсявИталию.БогаевскийувлеченноизучализарисовывалпамятникиархитектурыРима,Сиены,Помпеев,Кампаньи,Пестума.

В Венеции художник познакомился с творчеством В. Карпаччо и Я. Тинторетто, а воФлоренции увидел картины С. Боттичелли. Огромное впечатление на него произвелифрески Микеланджело. Все увиденное повлияло на дальнейшее творчество Богаевского,осознававшего, что нельзя останавливаться на достигнутом, нужно совершенствоваться иидтивперед.

В1910годунавыставкеНовогообществахудожниковпоявилиськартины,отразившиезаграничные впечатления мастера («Воспоминание об Италии», 1910; «Воспоминания оМантенье»,1910).

В 1911 году Богаевский получил приглашение принять участие в выставке «Мираискусства». Художник показал две свои работы — «Гора Св. Георгия» (1911, Музейизобразительных искусств, Казань) и «Пейзаж с померанцами» (1911, местонахождениенеизвестно).

В этот же период Богаевский попробовал свои силы в области монументальной

живописи. Он написал три декоративных панно для особняка крупного московскогопромышленникаМ.П.Рябушинского.Заказчикосталсядоволенкартинами,носамавторнебылудовлетворенработой,емуказалось,чтооннесумелвоплотитьвсесвоизамыслы.

Последующие полотна Богаевский также счел неудачными, и в 1914 году он совсемперестал писать. Вскоре разразилась Первая мировая война. Художника отправили нафронт.ОнпопалврабочуюротуподСевастополь.

К творчеству Богаевский вернулся уже после революции. В это время в СимферополеначалработунедавнооткрытыйОбластнойкомитетподеламмузеевиохранепамятниковискусства и старины, и художник, так же как и другие известные люди, стал приниматьучастие в его деятельности. Помощь Богаевского потребовалась и в организацииФеодосийскихгосударственныххудожественныхмастерских,вкоторыхобучалисьмолодыеживописцы.

ПозднееКонстантинФедоровичначалпреподаватьвХудожественнойнароднойстудииприКартиннойгалерееим.И.К.Айвазовского.

В начале 1920-х годов Крымский комитет по делам музеев и охране памятниковискусства и старины поручил Богаевскому сделать зарисовки исторических памятниковФеодосии,Алупки,Ялты,Судака,Бахчисарая.Наэтуработуушелнеодингод.Врезультатепоявилось множество набросков, этюдов и рисунков, выполненных акварелью, темперой,тушью, карандашом. Рисунки легли в основу альбома литографий, изданных в 1923 году(«Сугдайя»,«Атлантида»,«Пейзажсозером»,«Вечернеесолнце»идр.).

В 1923 году Богаевский создал четыре крупноформатных панно для Всероссийскойсельскохозяйственной и кустарно-промышленной выставки, проходившей в Москве.Примерновэтожевремяхудожникувлексятехникойакварели.Егоакварельныеработыповыразительности и мастерству исполнения не уступают произведениям, выполненныммаслом. Таковы листы «Натюрморт» (1924, Картинная галерея им. И. К. Айвазовского,Феодосия), «Радуга» (1926, собрание С. В. Пазухина, Москва), «Старый Крым» (1928,Картиннаягалереяим.И.К.Айвазовского,Феодосия),«Порт»(1934,собраниеА.А.Тица,Харьков).ЭтиимногиедругиеакварельныекомпозицииБогаевскийпоказалнавыставкаххудожественногообъединения«Жар-цвет».

Послетогокакв1929году«Жар-цвет»прекратилсвоесуществование,БогаевскийсталчленомСоюза советских художников.Он вновь обратился кмаслянойживописи.В такойтехнике были исполнены картины «Феодосия» (1930, Третьяковская галерея, Москва),«Старая гавань» (1931, Художественный музей, Симферополь), «Тавроскифия» (1937,Картиннаягалереяим.И.К.Айвазовского,Феодосия)идр.

К этому времени относится и увлечение мастера индустриальным пейзажем(«СтроительствоДнепрогэса»,1930,Картиннаягалереяим.И.К.Айвазовского,Феодосия).

В 1940-е годы Богаевский создавал главным образом акварели («Вечернее солнце»,«Пейзажсводопадом»,1942).

Жизнь замечательного художника трагически оборвалась в 1943 году. 17 февраляБогаевскийпогибврезультатевзрывабомбы.

ОльгаВладимировнаРозанова(1886–1918)

Представительница русского авангарда Ольга Владимировна Розанова была одним из

наиболее активных создателей нового искусства в России первой четверти XX столетия.Автормногочисленныхкартин,онапринималаучастиевсамыхразнообразныхвыставкахидиспутах.Крометого,художницаявляласьизвестнымтеоретикомискусствасвоеговремени.

Ольга Владимировна Розанова получила образование в художественной студии К. Ф.Юона и в Строгановском художественно-промышленном училище в Москве (1904–1910).Уже в первых работах Розановой заметен интерес к декоративно-плоскостной живописи(«Натюрморт»,1910,Государственныйхудожественныймузейим.А.Н.Радищева,Саратов).

В 1911 году Розанова приехала в Петербург и начала посещать школу-студию Е. Н.Званцевой. Уже в это время молодая художница активно включилась в создание нового,авангардного,искусства.Егоидеионаутверждалаивсвоемтворчестве,ивтеоретическихработах.Так, в статье «Основынового творчества и причины его непонимания»Розановадоказывала, что только в абстрактнойживописи возможно в полной мере применить всеформальныеэлементыискусства,напримерцвет,фактуру,линию,объем.

В 1913–1914 годах Розанова обратилась к идеям и художественным приемамкубофутуризма. Она создавала иллюстрации к сочинениям таких представителейфутуристическогонаправлениявлитературе,какВ.В.ХлебниковиА.Е.Крученых.

О.В.Розанова.«Натюрморт»,1910,Государственныйхудожественныймузейим.А.Н.Радищева,Саратов

В 1916 году художница стала членом московского объединения «Супремус»,основателем которого был К. С. Малевич. Хотя Розанова поддерживала принципысупрематическогоискусства,еекартинысильноотличалисьотпроизведенийМалевича.

Полотнамхудожницысвойственнадекоративность,ихотяоникажутсянеобычными,внихнеттогомистическогочувства,которымпроникнутыкомпозицииМалевича.

В 1917–1918 годахРозанова выполнилацелыйряд абстрактныхцветовых композиций,названных«цветописью» («Композиция»,«Цветоваякомпозиция»,«Зеленаякомната»,все

—в1917).Ранняя смерть оборвала начинания художницы в сфере создания новой живописи.

Розанованеимелаучениковипоследователей.

КузьмаСергеевичПетров-Водкин(1878–1939)

Первый,хотяинесколькоскандальныйуспехПетрову-Водкинупринеслополотно«Сон»(1910, Русский музей, Санкт-Петербург), исполненное в духе символистской живописифранцузского мастера П. Пюви де Шаванна. С резкой критикой этого произведения,выступилИ.Е. Репин.Полемика вокруг картины сослужиламолодому художнику добруюслужбу: на Петрова-Водкина обратили внимание критики и публика, и вскоре он сталприниматьактивноеучастиевсамыхразнообразныхвыставках.

КузьмаСергеевичПетров-ВодкинродилсявволжскомгородкеХвалынске.Егоотецбылпортовымгрузчиком,аматьприслуживалавбогатомдоме.

Первые урокиживописи будущий художник получил у иконописцев. Рисование, равнокакилитература,былиеголюбимымишкольнымипредметами,испустягодыондолгонемоготдатьпредпочтениеодномуизних.ПервыелитературныеопытыПетрова-Водкинанеувенчались успехом, и потому он в конце концов выбрал изобразительное искусство.Отправившись в Самару, юноша стал заниматься в Классах живописи и рисования Ф. Е.Бурова. В 1895–1897 годах он обучался в Центральном училище технического рисованиябарона Штиглица в Петербурге. Но более всего его привлекала живопись, и, оставивПетербург,Петров-ВодкинпереехалвМосквуипоступилвМосковскоеучилищеживописи,ваянияизодчества,вмастерскуюВ.А.Серова.

Художникмечталпобыватьзаграницей,ноденегнапоездкуунегонебыло.В1901годуна велосипеде немецкой фирмы он отправился в Германию, рекламируя надежностьсредства передвижения этой фирмы. Останавливаясь в пути, художник делал в путевомальбомезарисовки.Своепутешествиеонописалвкниге«ПространствоЭвклида».

ПрибыввМюнхен,Петров-ВодкинзаписалсяврисовальнуюшколуА.Ашбе,гдеучилисьмногие художники из России. В Германии живописец впервые близко познакомился спроизведениями известных немецких и французских мастеров. Вернувшись в Москву,Петров-ВодкинпродолжилобучениевУчилищеживописи,ваянияизодчества.

К.С.Петров-Водкин.«Яблокинакрасномфоне»,1917,Русскиймузей,Санкт-Петербург

ТворческаяманераПетрова-Водкинаформировалась в переломное для европейского ирусского искусства время. В этот период появилось множество новых течений,представители некоторых из них обращались к символике и стилизации прошлого.Подобные веянияне обошли сторонойиПетрова-Водкина. Значительное влияниена негооказали представители «Мира искусства» (членом этого объединения художник являлся в1911–1924годах)иевропейскиесимволисты,особенноП.ПювидеШаванн,Ф.фонШтукиА.Бёклин.

НеизгладимоевпечатлениенамолодогоживописцапроизвелопутешествиепоИталии,совершенное в 1905 году. Петров-Водкин посещал музеи, выставочные залы, любовалсяруинамиантичныххрамов, восхищалсякрасотойфлорентийскихдворцови архитектурныхсооруженийРима.

Интересно, что русского мастера, побывавшего во многих знаменитых картинныхгалереях,привлеклинестолькопредставителиВысокогоипозднегоВозрождения,сколькохудожники Проторенессанса и раннего Возрождения (Джованни Беллини, Пьеро деллаФранческа,Джоттоидр.).ИхмонументальноеиторжественноеискусстводоглубиныдушипоразилоПетрова-Водкина.

К.С.Петров-Водкин.«Селедка»,1918,Русскиймузей,Санкт-Петербург

К.С.Петров-Водкин.«Розовыйнатюрморт»,1918,Третьяковскаягалерея,Москва

В 1906 году художник завершил обучение вМосковском училищеживописи, ваяния изодчестваиотправилсявПариж.ЗдесьПетров-Водкинпопыталсязанятьсясозданиемпьесирассказов,норисованиенастолькоувлеклоего,чтоонвскоребросилсвоилитературныеопыты.

В 1907 году художник предпринял еще одно путешествие — в Африку. Яркиевпечатленияотувлекательнойпоездкипобудилиегоксозданиюмногочисленныхрисунков,акварелей, этюдов. Эти произведения так понравились художественному критику иредакторуиздания«Аполлон»С.Маковскому,чтоонорганизовалвыставку«африканского»творчестваПетрова-Водкинавпомещенииредакциижурнала.

В этот же период художник увлекся искусством древнерусской иконы XIV–XV веков.Старинные лики русских святых, а также фресковая живопись Джотто, Пьеро деллаФранчески и других мастеров раннего итальянского Возрождения оказали огромноевоздействие на монументальное творчество Петрова-Водкина («Купание красного коня»,1912,Третьяковскаягалерея,Москва;«Мать»,1913,Третьяковскаягалерея,Москва).

Петров-Водкин, выходец из беднейших слоев русского общества, восторженно принялОктябрьскуюреволюцию.Вместесдругимихудожникамионучаствовалвукрашенииулиц

и площадей столицы к революционным праздникам. Петров-Водкин создал несколькопанно,средикоторыхсамымудачнымсчитаетсяпосвященноеСтепануРазину.

В1918годувместозакрытойАкадемиихудожествбылосозданоВысшеехудожественноеучилище.ЕгостудентыизбралиПетрова-Водкинапрофессоромфакультетаживописи.Черезнекоторое время училище было реорганизовано, а на его основе сформировалисьПетроградскиесвободныехудожественныемастерские,иПетров-Водкинсталоднимизихруководителей.

В этот период, помимо жанровых композиций символико-революционнойнаправленности («1918 год в Петрограде» или «Петроградская мадонна», 1920,Третьяковская галерея, Москва; «После боя», 1923, Музей вооруженных сил, Москва;«Смерть комиссара», 1928, Русский музей, Санкт-Петербург), Петров-Водкин создалмножество натюрмортов, показавших его необыкновенное живописное мастерство.Немногочисленные, простые предметы художник располагает обычно на столе, покрытомкрасной, синей, розовой бумагой. Чтобы зримо передать пространственные соотношениямеждуразложеннымивещами,Петров-Водкинприподнимаетплоскостьстола.Точказрениясверху позволяет зрителю хорошо рассмотреть все изображенное на полотне, как быощупатьвзглядомфрукты,стаканы,вазочкиигибкиеяблоневыеветки(«Яблокинакрасномфоне»,1917,Русскиймузей,Санкт-Петербург;«Розовыйнатюрморт»,1918,Третьяковскаягалерея,Москва).

К.С.Петров-Водкин.«Утреннийнатюрморт»,1918,Русскиймузей,Санкт-Петербург

К.С.Петров-Водкин.«Бокалилимон»,1922,частноесобрание,Санкт-Петербург

В такойже манере выполнен и его знаменитый натюрморт «Селедка» (1918, Русскиймузей, Санкт-Петербург), на котором всего несколько предметов, бережно разложенныхрукойхудожника.Краюшкачерногохлеба,двекартофелиныиселедканасинейбумаге—скудный паек голодных лет Гражданской войны. Блестит и переливается чешуя селедки,убедительнымвыглядитбугристыйкартофельихлеб.Этискромныепродуктыизображенына перламутрово-розовом фоне импровизированной скатерти, подчеркивающейисключительностьиценностьпростойпищи.

Сравнивая лаконичную и строгую картину Петрова-Водкина с роскошнымиголландскими натюрмортами с их изобилием снеди, спелыми экзотическимифруктами идорогойпосудой, с особойостротойможнопочувствоватьвыразительностьиправдивостьэтой композиции, ставшей своеобразным документом, повествующим зрителю о суровомпрошломстраны.

Необычныйракурсприближеннойкзрителюплоскостистоладаетмастерувозможностьпоказать вещи панорамно и объемно. Всего несколько предметов мы видим на полотне

«Утренний натюрморт» (1918, Русский музей, Санкт-Петербург), но как исключительнокрасиво это полное мажорного звучания произведение. Скромный завтрак, состоящий издвухяицистаканачая,совершеннонепохожнаизысканные«завтраки»сдорогойпосудойна полотнах П. Класа и В. К. Хеды. Оживляют композицию голубые и желтые полевыецветывпростенькойвазочкеирыжаясобака,стоящаявозлестола.

Оченьхорошинемногословныйнатюрморт«Бокалилимон»(частноесобрание,Санкт-Петербург), написанный художником в 1922 году. Изысканно и в то же время строгосмотрятся на синем фоне стола желтый лимон и стеклянный бокал на тонкой ножке, дополовинынаполненныйпрозрачнойжидкостью.

Поэтическим чувством веет от картины «Черемуха в стакане» (1932, Русский музей,Санкт-Петербург), исполненной Петровым-Водкиным в последний период жизни. Оченьестественно расположенные на синей поверхности стола предметы (художественныйжурнал, на котором стоит стакан с веточкой черемухи, блюдце с чайной ложечкой,стеклянная чернильница и несколько писем) помогают понять интересы и вкусы авторанатюрморта.

К.С.Петров-Водкин.«Черемухавстакане»,1932,Русскиймузей,Санкт-Петербург

Помимонатюрмортовиэпическихкомпозиций,Петров-Водкиннаписалрядпортретовсвоих современников (Анны Ахматовой, 1922, Русский музей, Санкт-Петербург; АндреяБелого,1932,КартиннаягалереяАрмении,Ереван).

В1928годуврачизапретилизаболевшемухудожникуработатьсмаслянымикрасками.Вэто время он начал писать литературно-биографические повести «Хлыновск» и«Пространство Эвклида» (1928–1932), которые украсил собственными иллюстрациями.Последним значительным произведением Петрова-Водкина стало полотно «Новоселье»

(«РабочийПетроград»,1937,Третьяковскаягалерея,Москва).Живописецнадеялсяпоказатьсвою картину на выставке, но жюри не приняло ее. «Новоселье» долгие годы лежало взапасниках Третьяковки и лишь в 1965 году было продемонстрировано публике наперсональнойвыставкемастеравМосквеиЛенинграде.

ИльяИвановичМашков(1881–1944)

ИльяИвановичМашков,несомненно,являетсяоднимизсамыхзнаменитыххудожниковрусскогоисоветскогоискусствапервойполовиныXXвека.Отношениектворчествуэтогопрямогоиискреннегочеловекадемонстрируеттакаяегофраза:«Еслихудожникускажут—погибнетлиегонаследие,егоработыилионсам,художникпредпочтетпогибнутьсам».

Живописец Илья Иванович Машков, один из крупнейших представителей кубизма,училсявМосковскомучилищеживописи,ваянияизодчества(1900–1909)уК.А.КоровинаиВ. А. Серова. Большую роль в его становлении сыграло искусство великих мастеровпрошлого (Тициана, П. Веронезе, Д. Веласкеса), а также творчество французскихимпрессионистовипостимпрессионистов.

Первые самостоятельные работы были выполнены Машковым в 1908 году, когда онвернулсявРоссиюиз-заграницы.Егоранниепроизведения,представленныенавыставках«Золотогоруна»и«СалонаИздебского»в1909–1910 годах,поразилипубликуикритиковсмелостьюидинамизмом.

И.И.Машков.«Синиесливы(фруктынаблюде)»,1910,Третьяковскаягалерея,Москва

В 1911 году Машков вступил в объединение «Бубновый валет», пропагандировавшеематериальность мира. Представители этой художественной группировки делали в своемтворчествеупорнат.н.ремесло—уличнуювывескуикартинувдухенародноголубка.

Отличительное свойство ранних натюрмортов и портретов Машкова —непосредственностьвосприятияиналетпримитивизма(«Ягодынафонекрасногоподноса»;«Натюрморт с ананасом», оба— 1908; «Портрет мальчика в расписной рубашке», 1909;«Синие сливы (фрукты на блюде)», 1910, Третьяковская галерея,Москва; «Автопортрет»;«Портретдамысфазанами»,оба—1911).

В середине 1910-х годов исчезает прежняя живописная стихийность, свойственнаяраннимпроизведениямМашкова.Чувствуется,чтохудожниквсесвоевниманиенаправляетна тщательное изучение предметов. Среди подлинных шедевров этого периода следуетотметить богатые по колориту, отличающиеся замечательным живописным мастерством:«Камелия» (1913, Третьяковская галерея, Москва), «Натюрморт с парчой» (1914),«Натюрмортсфарфоровымифигурками»(1922).

И.И.Машков.«Камелия»,1913,Третьяковскаягалерея,Москва

Расцвет творчестваМашкова пришелся на 1920-е годы. В этот период были написанычудесные картины, среди которых «Натюрморт с веером» (1922, Русский музей, Санкт-Петербург), «Снедь московская. Хлебы» (1924, Третьяковская галерея, Москва), «Снедьмосковская. Мясо» (1924, Третьяковская галерея, Москва) и др. Все, представленное наполотнах, настолько осязаемо, что зритель ощущает «вкус и аромат» окружающего мира.Эти произведения дают нам понять, что для живописца предмет не является простообъектом,погруженнымвпространство.Мастеруоченьваженхарактервещи,еесвойства,

материал,изкоторогоонасделана.В 1928 году Машков вступил в АХРР — Ассоциацию художников революционной

России. Возможно, установка на документализм, доходчивость формы, пропагандируемаяэтим объединением, сыграла свою роковую роль и приглушила фантазию мастера. Егокартинысталиболеескованнымииробкими.Темнеменееивэтовремяпоявлялисьвесьмаоригинальныеисильныепроизведения, средикоторых,например,прекрасныйнатюрморт«Крымские фрукты и магнолия» (1934, Русский музей, Санкт-Петербург) и картины сизображениембукетов.

Но даже и более слабые по сравнению с прежними работами парадные портреты иэмблематическиенатюрморты(«Советскиехлебы»,1936,Музейизобразительныхискусств,Волгоград;вариант—МузейизобразительныхискусствТатарии,Казань)поражаютсвоимживописныммастерствомиискренностью.

И.И.Машков.«Натюрмортсвеером»,1922,Русскиймузей,Санкт-Петербург

И.И.Машков.«Снедьмосковская.Хлебы»,1924,Третьяковскаягалерея,Москва

И.И.Машков.«Снедьмосковская.Мясо»,1924,Третьяковскаягалерея,Москва

Машковбылпрекраснымпедагогом,инапротяжениимногихлетегоокружалиученики.В 1904–1917 годах он возглавлял частную художественную студию, пользовавшуюсябольшой популярностью у начинающих живописцев. До 1925 года Машков преподавал вГосударственных свободных художественных мастерских, а затем — во Вхутемасе иВхутеине. С 1925 года он руководилЦентральными курсамиАХРР. Занятия проходили вогромной мастерской Машкова, специально построенной для него в 1906 году. Один изучеников живописца, художник П. П. Соколов-Скаля, писал о ней: «Студия была оченьвысокая, более 7 метров высоты, площадью более 100 кв. метров. Одну стену занималогромадноеокно—холодныйсеверныйсветлилсянаскульптурыипредметынатюрмортов,пахлохорошимилакамиикакой-тоособой,нисчемнесравнимойпрелестьюмастерскойхудожника». Машков приучал своих воспитанников самим смешивать краски, делатьподрамникиирамыдлякартин,ноглавное—оннаучилихвидетьипониматьнатуру.

Осознававший, что многие произведения, созданные им в последний период, гораздониже его возможностей, Машков с середины 1930-х годов перестал участвовать вхудожественной жизни столицы. Он редко покидал надолго свой дом в станицеМихайловской на Дону. И хотя наследие Машкова весьма значительно, в сознаниисовременныхзрителейоносталсяхудожником1910-хгодов.

АристархВасильевичЛентулов(1882–1943)

Аристарх Лентулов был дерзок и смел не только в живописи, но и в жизни. НавступительномэкзаменевАкадемиихудожествпреподаватель,глядянакартину,спросил:«Гдевывидитенаносумоделизеленыйцвет?».Лентуловвозразил:«Авыразвеневидите?Втакомслучаемневасжаль».

АристархВасильевичЛентуловродилсявселеВороньеблизПензывсемьесвященника.Отец будущего художника погиб, когда мальчику было всего два года. Аристарх мечталстатьживописцем,номать,оставшаясясчетырьмядетьминаруках,немоглаплатитьзаегообучение. Как сын священнослужителя, Лентулов начал учиться бесплатно в духовномучилище, а затем в семинарии. Но страсть к изобразительному искусству заставила егоотказатьсяотэтойпрофессииипоступитьвПензенскоехудожественноеучилище.

Через два годаюношабыл уже студентомКиевского художественного училища.Денегкатастрофически не хватало, и ему приходилось подрабатывать: делать копии с полотенизвестныхмастеров,даватьчастныеуроки.ХотякумирамиЛентуловабылиМ.А.ВрубельиФ. А. Малявин, молодой живописец шел собственным путем. Позднее он писал: «Моястрастьксолнцуияркомусветусопутствоваламне,чтоназывается,соднямоегорождения.Вэтомотношениияпроизводилисключительноинтересныеопыты.Впейзажеядопускалконтрастысветаитени,отчерноговтенидочистогохромавсвету».

В1908–1910годахЛентуловбралурокиухудожникаД.Н.Кардовского,воспитанниказнаменитого И. Е. Репина. Аристарх Васильевич часто бывал в Эрмитаже, где изучалискусство знаменитых мастеров Европы. В то же время его привлекали авангардистскиевыставки, «лучистская» живопись М. Ф. Ларионова, искусство представителей «Голубойрозы».Вэтотпериодхудожникнаписалцелыйрядпейзажейипортретов(«Автопортретвкрасном»,1908–1909).

В 1910 годуЛентулов стал однимиз организаторов «Бубнового валета».Онпринималактивное участие в выставках «Голубой розы», «Венка», «Золотого руна». В 1911 годуЛентулов приехал в Париж и начал посещать академию живописи Ла Палет— частнуюхудожественнуюстудию,гдепропагандировалисьидеикубизма.

А.В.Лентулов.«Овощи»,1933

В работах, созданных мастером после возвращения в Россию, ощущается влияниекубизмаифутуризмаиодновременночувствуетсяинтересклубочныммотивам,иконописии древнерусской архитектуре. Эти динамичные композиции составлены из сходящихся ирасходящихсяяркихкрасочныхповерхностей(«Звон»,1915;«УИверской»,1916).

Вначале1920-хгодовЛентуловперешелктональнойживописи(«ЗакатнаВолге»,1928;«Солнценадкрышами.Восход»,1928).

Как и другие представители «Бубнового валета», стремившиеся показать в своихкартинах материальность мира, Лентулов много внимания уделял такому жанру, какнатюрморт. Его натюрмортам, так же как и портретам, и пейзажам, свойственножизнеутверждающее начало, ощущение полноты жизни. Такова картина «Овощи» (1933),где предметы (бочка с большим глиняным кувшином, сколоченный из досок стол скочанамикапустыи гирляндойизкрасногоперца)изображенынафонепейзажа.Зрительвидит вдали зеленый луг, сиреневые горы, снежныешапки которых упираются в голубоенебо. Художник не случайно вводит в композицию такой ландшафт, придающийнатюрмортумонументальностьизначительность.Мастеркакбудтохочетсказать:всеэтищедрыедарыземлипомогаютчеловекужитьипокорятьгорныевершины.Кажется,чтоеслибыпредметыбылинаписанывпомещении,картинапотерялабызначительнуючастьсвоегоочарования.

Лентулов достигает большой убедительности в изображении предметов и пейзажаблагодаряинтенсивным,широкиммазкам.Теплыеблики,лежащиенавещах,чередуютсясхолодными оттенками сияющего неба. Глядя на полотно, ощущаешь упругость капусты иароматглянцево-красногоперца.Всеэлементынатюрмортасвязаныединымосвещениемивзаимными цветовыми рефлексами. Объединяет детали композиции и общая воздушнаясреда. Кажется, что все изображенное на холсте только что сорвано и срезано, а затемсоставленоавторомвкрасивуюгруппу.

Ещеоднодостоинствоэтогонатюрморта—оченьудачныйформатполотна.Правильновыбрана высота горизонта, связка перца в правой части композиции уравновешенакувшином слева.Свежесть и непосредственность картине придают дополнительныецвета—красный,желтый,зеленый,сиреневый,голубойиоранжевый.

Лентулов получил большую известность как театральный художник. Он работал стакими знаменитыми режиссерами, как А. Я. Таиров, Ф. Ф. Комиссаржевский и В. И.Немирович-Данченко. Среди лучших произведений Аристарха Васильевича в областисценографии—оформлениеспектакля«Испанскийсвященник»(1934,пьесаФ.БомонтаиДж.ФлетчеранасценевторогоМХАТа).

Лентулов занимался и педагогической деятельностью. С 1920 года он преподавал воВхутемасе, а в 1937–1943 годах работал в Московском государственном художественноминституте.

НиколайАндреевичТырса(1887–1942)

Хотя в творческом наследии Николая Андреевича Тырсы немало живописных работ,делом всей своей жизни он все-таки считал графику. Он создал множество прекрасныхрисунков и акварелей с натуры, работал в промышленной графике. Художникэкспериментировал в области стеклоделия, где спроектировал более двадцати изделий:разнообразных графинов, ваз, стаканов, отличавшихся простотой и изяществом. Тонкоехудожественное чутье позволило мастеру исполнить и целый ряд замечательныхнатюрмортов.

Николай Андреевич Тырса получил художественное образование в ПетербургскойакадемиихудожествивстудииЛ.С.Бакста.

Значительное место в творчестве мастера занимала графика. Первой его работой втехникекнижнойиллюстрациисталасериярисунковдля«КомедииоцареМаксимилиане»(1921).

В дальнейшем Тырса занимался главным образом иллюстрированием произведенийдетской литературы («Осада дворца»В.А.Каверина, «РеспубликаШКИД»Г. Белых иЛ.Пантелеева,«Снежнаякнига»В.В.Бианки,«Военныекони»Н.С.Тихонова,«Детство»М.Горького,книгиБ.С.Житкова).

Н.А.Тырса.«Букет»,1939

В середине 1920-х годов художник начал увлеченно работать в технике акварели. Онсоздавал очаровательные свежие пейзажи, натюрморты, композиции в стиле «ню».Натюрморты, созданные Тырсой, показывают его тонкий художественный вкус и живойтемперамент. Звучность красок и динамичность линий делают картины с изображениембукетов удивительно жизнерадостными и праздничными. Излюбленный мотив егонатюрмортов — нарядные цветы в керамической вазе и расписная вятская игрушка(«Букет»,1939).

Работаявжанрахпейзажаинатюрморта,художникнезабывалиокнижнойграфике.В1930–1940-х годах он выполнил ряд чудесных иллюстраций к «Пиковой даме» А. С.Пушкина(1936),«АннеКарениной»Л.Н.Толстого(1939),«Героюнашеговремени»М.Ю.Лермонтова(1940).

15 июня 1941 года в Ленинграде открылась первая персональная выставка Тырсы. Ксожалению,продлиласьоналишьнеделю,таккакначаласьВеликаяОтечественнаявойна.Многие начинания талантливого художника остались незавершенными: блокадной зимой

1942годаонумер.

ЕвгенийЕвгеньевичЛансере(1875–1946)

Хотя Евгений Лансере известен как художник-монументалист и талантливый мастеркнижной графики, создавший, в частности, изумительные иллюстрации к повести Л. Н.Толстого «Хаджи-Мурат», он прекрасно проявил себя и в областиживописи и станковойграфики. Немногочисленные натюрморты, исполненные Лансере, поражают мастерствомисполненияиубедительностью.

График и живописец Евгений Евгеньевич Лансере родился в Петербурге, в семье,которая с давних времен была связана с искусством. Его дед, Н. Л. Бенуа, являлсяархитектором, отец, Е. А. Лансере, — скульптором, дядя по матери, А. Н. Бенуа, —художником, критиком, историком искусства. Известной художницей была и сестрамастера,З.Е.Серебрякова.

В 1892–1895 годах Евгений учился в Рисовальной школе Общества поощренияхудожников,ас1895по1898годсовершенствовалсвоемастерствовПариже,вакадемияхФ. Коларосси и Р. Жюлиана. Лансере принимал активное участие в работе объединения«Мирискусства».ЕготворческийметодсформировалсяподвлияниемА.Н.БенуаиК.А.Сомова.

Значительное место в художественном наследии Лансере занимают иллюстрации кжурналамикнигам.Мастероформлялжурнал«Мирискусства»,книгуА.Н.Бенуа«ЦарскоеСело в царствование императрицыЕлизаветыПетровны» (1910) и др. К 1905–1908 годамотносятсяегосмелыеполитическиерисунки,выполненныедляжурналов«Жупел»,«Адскаяпочта», «Зритель». В этот же период Лансере работал в области станковой графики. Онвыполнил множество реалистичных и правдивых рисунков. Живой интерес к историиРоссиивыразилсяв егокрасочныхижизнерадостныхстилизациях («Петербург.УстарогоНикольского рынка», 1901; «Петербург начала XVIII века», 1906; «Ботик Петра I», 1906;«КорабливременПетраI»,1911).Вконце1910-хгодоввтворчествеЛансерезазвучалатемаКавказа, что было связано с его пребыванием сначала вДагестане (1917–1920), а затем вТбилиси, где художник работал рисовальщиком в Этнографическом музее. Он принималучастие в экспедициях от Кавказского археологического института, занимал должностьпрофессораТбилисскойакадемиихудожеств.

Е.Е.Лансере.«Капуста»,1917,Третьяковскаягалерея,Москва

Лансере писал натюрморты и прежде, но именно в кавказский период художник,восхищенныйкрасотойюжнойприроды,выполнилцелыйрядкомпозиций,изображающихщедрыедарыюжнойземли.Вэтовремяпоявилиськартины«Дыняибрюква»,«Яблоки»идр. Необычен натюрморт «Капуста» (1917, Третьяковская галерея, Москва). Некоторыеисследователиполагают,чтоэтоскореефрагментпейзажа,т.к.вотличиеотдругиховощейкочаныкапустывыглядятещенесрезанными,оникакбудтопродолжаютрастивземле,очемсвидетельствуютихсвежиеиупругиелистья.Итемнеменеемотив,представленныйнаполотне, относится именно к натюрморту: предметы показаны тесной группой, рядом сзеленымилиловымкочанамилежаткоричневыеклубникартофеляизолотистыелуковицы.В том, как переданы овощи, чувствуется увлеченность мастера темой, его восторг передсвоеобразнойкрасотойисвежестьюдаровприроды.Кявнымдостоинствамполотнаможноотнестизвучныекраскинатюрморта,ясностьформ,разнообразиеритмов.

В 1933 году Лансере оставил Кавказ и переехал в Москву. Здесь он занималсямонументальной живописью (плафоны ресторана Казанского вокзала, гостиницы«Москва»).Однойизсамыхзначительныхработпоследнегопериодажизнимастерасталасерия«Трофеирусскогооружия»(1942),созданнаявсуровыевоенныегодыипроникнутаяидеейпреемственностипоколений.

АлександрВасильевичШевченко(1882–1948)

На становление художественного метода Александра Шевченко (сам живописецименовал его тектоническим примитивизмом) оказали огромное воздействие русская

иконопись, народный лубок, а также творчество знаменитого французского мастеранатюрмортаПоляСезанна.

Александр Васильевич Шевченко, автор многочисленных натюрмортов, пейзажей,жанровыхкомпозиций,получилхудожественноеобразованиевчастныхстудияхвПариже,гденаходилсяв1905году.В1905–1907годахонобучалсявСтрогановскомхудожественно-промышленном училище в Москве, а в 1907–1909 годах — в Московском училищеживописи,ваянияизодчестваутакихизвестныхмастеров,какВ.А.СеровиК.А.Коровин.

Некоторое время Шевченко увлекался неопримитивизмом и лучизмом. В 1912–1914годах он принимал активное участие в выставках «Ослиный хвост», «Мишень», «№ 4».Художникявлялсячленомобъединений«Мирискусства»,«Ослиныйхвост»,«Маковец»,атакже Общества московских художников. По инициативе Шевченко было созданохудожественноеобъединение«Цехживописи».

Классические натюрморты и пейзажи мастера свидетельствуют о его тонкойнаблюдательности и необыкновенном чувстве цвета. Элементы кубизма и некотораяпримитивистская упрощенность форм не лишают композиции цельности и гармонии(«Пейзаж с домом», 1910-е; «Натюрморт с яблоками», 1910-е; «Вывесочный натюрморт.Вино и фрукты», 1913, Третьяковская галерея, Москва; «Натюрморт», 1919,Государственный художественный музей им. А. Н. Радищева, Саратов). Интересеннатюрморт из саратовского музея. Яркие цветовые акценты (красная кружка и желтыеяблоки) в центре композиции, тяготеющей к единой тональности, вносят в изображениемажорнуюноту.

А.В.Шевченко.«Вывесочныйнатюрморт.Виноифрукты»,1913,Третьяковскаягалерея,Москва

А.В.Шевченко.«Натюрморт»,1919,Государственныйхудожественныймузейим.А.Н.Радищева,Саратов

Композиции с человеческими фигурами, так же как и пейзажи, и натюрморты,показывают, что основные черты живописи Шевченко — это композиционная ясность,гармония красок, обобщенность форм («Музыканты»; «Женщина у зеркала», обе— 1913;«Автопортрет»,1920-еидр.).

Стремление к монументальности усиливается в произведениях, выполненных в 1930-хгодах. Таков натюрморт «Кувшин и фрукты» (1931), написанный более звучными, чем впрежнихработах,красками.Предметынастолелишеныобъемовитемнеменеенетеряют

своейматериальнойсущности.ВэтигодыШевченкопобывалнаКавказеивЗакавказье.Впечатления,полученныево

время посещения Аджарии, Дагестана, Азербайджана, выразились в эпическихкомпозициях,передающихидеалспокойногоибезмятежногобытия.

В 1940-х годах тяжелобольной художник практически не принимал участия вхудожественнойжизнистраныинесоздалничегозначительного.

ВладимирЕвграфовичТатлин(1885–1953)

ВживописирусскогоавангардаТатлинзанимаетособоеместо.ЕслиКазимирМалевичбылпророкомновогоискусства,аВасилийКандинский—егоидеологом,проповедникомдуховного,тоТатлин,имевшийзолотыерукииумвеликогоизобретателя,былмастеровымавангардизма.

Владимир Евграфович Татлин, живописец-авангардист, основоположникконструктивизма,неполучилсистематическогохудожественногообразования.В1905–1910годах он проходил обучение в Пензенском художественном училище, затем посещалавангардные студии вМоскве и Петербурге. Большое влияние на него оказали занятия вкружке М. Ларионова. И тем не менее можно сказать, что Татлин вошел в искусствосамостоятельно.Ужевраннихегоработахзаметнонеобыкновенноемастерствоживописца(«Гвоздика», 1908). Татлин внимательно исследовал творчество Поля Сезанна, изучилдревнерусскоеискусствоиживописьнеопримитивистов.Излюбленныммотивомегоработстало море. Татлин изображал все, что было связано с морской стихией, — моряков,рыбаков,продавцоврыбы.Вероятно,здесьсказалсяличныйопытмастера,вмолодыегодыходившегонакораблеюнгойиматросом.

В 1910 году в произведениях Татлина проявился интерес к конструктивизму,выразившийсявпружинящихконтурах,резкихразворотахфигур,трактовкелиниикакчастиокружности. И в этот же период художник выполнил ряд натюрмортов, отмеченныхсезанновскойсосредоточенностьюивнутреннейструктурностью(«Букет»,1911–1912).

В.Е.Татлин.«Букет»,1911–1912

В 1911 году были написаны такие известные произведения, как «Продавец рыб» и«Матрос».

Последнееполотноблизкокжитийнойкомпозициирусскойиконы—слеваисправаотпортрета (по существу, это автопортрет) более мелкие изображения того же персонажа,одетоговматросскуюформу.

В 1913 году художник работал над «Натурщицами» (несколько произведений из этойсериихранятсявРусскоммузееиТретьяковскойгалерее),показывающими,чтостечением

времени Татлин все более отходит от натуры. В последних полотнах цикла человекпредстаетужекакнекийсовершенныймеханизм.

Начиная с 1913 года мастер увлекается объемно-пространственными абстракциями,сооруженнымиизжелезаидерева.Онвключаетвнихдеталиизстекла,штукатурку,обои,атакжеэлементыготовыхвещей.ПодобныеработыбылипоказаныТатлинымнаэкспозициивегостудиив1914году,затемпродемонстрированынавыставках«ТрамвайБ»,«1915год»,«Магазин». Именно эти произведения впервые представили конструктивистскоенаправление в русском авангарде («Башня III Интернационала», 1919–1920; «Махолет„Летатлин“»,1929–1932).

В.Е.Татлин.«Гвоздика»,1908

В1920-х годахТатлин принимал активное участие в общественнойжизни страны.Онработал в Наркомпросе, в Институте художественной культуры в Москве, преподавал вКиевскомхудожественноминституте,затемвоВхутемасе.

Татлин стремился охватить самые разнообразные сферы культуры, он конструировалновыеформывархитектуре,книгопечатании,театре.Послетогокакрусскийавангардбылфактическиразгромлен,главнымделомхудожникасталаименносценография.Оноформилспектакли «Не сдадимся» (Камерный театр, 1935), «Дело» (Центральный театр Краснойармии,1939–1940)имногиедругие.

В поздний период своей жизни Татлин по-прежнему обращался к живописи, новозможностей для нее у художника оставалось все меньше. Его панно для Всесоюзнойсельскохозяйственной выставки в 1938 году были объявлены «политически вредными» иуничтожены.ХудожникВикторБорисовичЭльконин,увидевшийнесколькопозднихработТатлина, вспоминал: «В его картинах ощущалась бережность, даже, можно сказать,ответственностьзакаждоеприкосновениекистикповерхности,иэтобылоудивительноидаже странно среди художественнойбезответственности, царившей вокругнего.Я сказал,чтомнеегоживописьоченьнравится.Онвоскликнул:„Нет,тычто!Ну,тысерьезно?Нет,атутжевсе говорят,чтоэтоерунда“».Лишьв1970-е годы,ужепослесмертиТатлина, еготворчествонаконецполучилодостойнуюоценку.

РобертРафаиловичФальк(1886–1958)

Как и другие представители «Бубнового валета», Роберт Фальк в своей живописистремилсясочетатьновейшиепринципыевропейскогоискусствасрусскимифольклорнымитрадициями, но, в отличие от соратников, он писал более лиричные и задушевныекомпозиции. Фальк никогда не создавал сюжетные работы, его привлекали предметы иприрода.Художник писал: «Я стремился сдвигамиформы акцентировать эмоциональнуювыразительность».

Живописец и театральный художник Роберт Рафаилович Фальк занимался в частныхмастерскихК.Ф.ЮонаиИ.И.Машкова(1903–1904),затемобучалсяуВ.А.СероваиК.А.Коровина в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1905–1910). Он былучастником таких художественныхобъединений, как «Мирискусства», «Бубновыйвалет»,Обществомосковскиххудожников,АссоциацияхудожниковреволюционнойРоссии.

Живописную манеру Фалька отличают интенсивность цвета, резкость контуров,стремление передать объемность. Значительное воздействие на художника оказалосезанновское искусство, к которому мастер подошел творчески. Переосмыслив наследиеСезанна, Фальк начал создавать проникнутые драматизмом картины с обобщеннымигеометризированными формами («Портрет Мидхада Рефатова», 1915; «Негр», 1917;«Краснаямебель»,1920).

Постепенно черты кубизма оставляют творчество художника, начавшего уделятьбольшоевниманиепередачесветовоздушнойсреды,окутывающейпредметыичеловеческиефигуры. Таковы портретные композиции 1923–1924 годов, пронизанные ощущением

тишиныипокоя(«Женщинавбелойповязке»,дваавтопортретаидр.).В этот же периодФальк работал над оформлением спектаклей для Государственного

еврейскоготеатравМоскве(«Ночьнастаромрынке»,1925и«ПутешествиеВениаминаIII»,1927).

В 1928 году художник, занимавший должность декана живописного факультетаВхутеина, уехал во Францию с целью изучения классического наследия. Картины,созданные в Париже, отличаются интимностью и созерцательностью, им свойственнынеобыкновеннояркиекрасочныесочетания.Глубоколиричныженскиепортретныеобразы(«ПортретЛ.М.Эренбург»,1933–1934;«Больная»,1935;«Парижанка»,1936).

Фалькпробылзаграницейцелыхдесятьлет.В1938годуонвернулсявМоскву.ВпериодВеликой Отечественной войны художник жил в Средней Азии. Среднеазиатскиевпечатления нашли отражение в красочных композициях «Золотой пустырь. Самарканд»,«Регистан»,«Ухауса.Самарканд»(все—1943).

Р.Р.Фальк.«Натюрмортснегритянскойскульптурой»,1944,частноесобрание

Художник в своих натюрмортах очень тщательно разрабатывал каждыймотив. В этихпроизведениях отсутствует внешняя декоративность, нет в них необычных предметныхсопоставлений и контрастов («Натюрморт с негритянской скульптурой», 1944, частноесобрание).НатюрмортыФалькатребуютпродолжительногосозерцания,толькотогда,когдазритель внимательно всматривается в детали картины, в цветовые оттенки, предметначинаетоживатьнаегоглазах.

Наслаиваямазки одинна другой, художник добивается необыкновенного впечатления,

тончайшихцветовыхпереходовикрасочныхпереливов.ПредметывнатюрмортахФальканепросто написаны на определенном фоне, они погружены в окружающую среду и уже немогутсуществоватьбезнее.

Впослевоенныйпериодживописецсоздавалодухотворенныеистрогиепортреты(С.М.Михоэлса,1947–1948;В.Б.Шкловского,1948;К.А.Некрасовой,1950;А.Г.Габичевского,1951 и 1952–1953), а также натюрморты («Голубка и роза», 1952; «Картошка», 1955). Непринятыйофициальнымискусством,Фалькнемогучаствоватьввыставках,нопродолжалупорноработатьвсвоеймосковскоймастерской.

ПетрПетровичКончаловский(1876–1956)

Великолепные пейзажи, натюрморты, портреты Петра Кончаловского поражализрителей своей красочностьюиоптимизмом.Спомощьютончайшихцветовыхнюансовиплавных линий художник умел запечатлеть чувственнуюпрелесть окружающегомира.ДоглубокойстаростиКончаловскийоставалсябодрымижизнерадостным,иэтопомогалоемусоздаватьтакиежемажорныеипраздничныеполотна,какивдалекоймолодости.

Петр Петрович Кончаловский родился в Славянске в семье известного писателя. ЕгородителивладелиимениемвХарьковскойгубернии.Тамипрошлораннеедетствобудущегохудожника. За участие в революционной деятельности отец мальчика был арестован исослан на Север, вАрхангельскую губернию.Имение конфисковали, и семья переехала вХарьков,гдевосьмилетнийПетрначалзаниматьсявшколеживописиРаевской.

В 1889 году Кончаловские перебрались в Москву. Отец хотел, чтобы сын закончилестественныйфакультетМосковского университета, ноюноша мечтал стать живописцем.Он обучался в вечернем классе Строгановского училища. В 1896 году вместе с К. А.КоровинымКончаловский отправился вПарижи поступил в академиюЖюлиана, где егоучителямибылиЖ.-Ж.Бенжамен-КонстаниЖ.П.Лоранс.В1898годуонвернулсядомойивскоресталстудентомПетербургскойакадемиихудожеств.Завершивобучениевакадемиив1907 году, Кончаловский получил звание художника. И профессора, и критики отмечалинесомненноедарованиемолодогоживописца,аонмучительнопыталсянайтисвоюдорогувискусствеираззаразомуничтожалнаписанное.

В 1907 году творческие искания привелиКончаловского вПариж, на выставкуВ.ВанГога. Картины знаменитого голландца просто потрясли его. Позднее художник писал:«ПроизведенияВанГогараскрылимнеглазанамоюживопись.Яяснопочувствовал,чтонетопчусьбольшенаместе,какраньше,аидувперед,знаю,какдолженхудожникотноситьсякприроде.Некопироватьее…анастойчивоискатьвнейхарактерное…»

В1910годуКончаловскийвместесИ.И.Машковым,А.В.Куприным,А.В.Лентуловыми Р. Р. Фальком организовал новое художественное объединение, получившее название«Бубновый валет». Его представители изучали принципы и методы кубизма и увлекалисьживописьюП.Сезанна.Многовремениониотводилиизучениюнатуры.

ВлияниеСезанна ощутимо в большинстве ранних работ Кончаловского. Кроме того, вних явственно чувствуются черты примитивизма. Его натюрморты, написанные в этотпериод, отличаютсяфактурной плотностью и яркостью колорита.С помощью глубоких извучных оттенков художник пытается показать не столько цвет вещи, сколько ее

материальную сущность («Палитра и краски», 1912; «Сухие краски», 1913, Тртьяковскаягалерея, Москва; «Красный поднос», 1913). Особую выразительность приобретаютнатюрморты, в которых темные цвета фона противопоставлены сочным оттенкам,окрашивающим предметы. Таково полотно «Пиво и вобла» и многочисленные букетыцветов.

П.П.Кончаловский.«Персики»,Государственныйхудожественныймузейим.А.Н.Радищева,Саратов

П.П.Кончаловский.«Сухиекраски»,1913,Третьяковскаягалерея,Москва

Главное свойство портретов, выполненных в начале 1910-х годов, — их остраяхарактерность («Портрет художника Г. Б. Якулова», 1910; «Семейный портрет», 1912;«МатадорМануэльГорта»,1913).Втожевремяяркиекраскиэтихпроизведенийвызываютв памяти полотна А. Матисса, помогавшего Кончаловскому в его работе над портретомЯкулова.

В начале Первой мировой войны Кончаловский попал на фронт. Занятия живописьюпришлосьнавремяпрервать.

В 1920-х годах живописная манера Кончаловского значительно меняется. Цветоваягамма его картин по-прежнему ярка, но схематизм цвета, а также формы практическиисчезает из этих работ. С помощью тончайших цветовых нюансов мастер показываетзримуюкрасотумиравещей.Таковоясноеилаконичноеполотно«Зеленаярюмка» (1933,Третьяковская галерея, Москва). Тщательно построенная композиция, свободнорасполагающаясянастоленемногочисленнаяпредметнаягруппа(смятаяажурнаясалфетка,стеклянная рюмка на тонкой ножке, блестящий кофейник, лимон и нож) — все этонапоминаетзрителюнатюрморты-«завтраки»старыхголландскиххудожников.

Кончаловскийвиртуознопередаетсвежестьспелыхплодов,световыебликиикрасочныерефлексы на гладкой поверхности посуды («Персики», Государственный художественныймузейим.А.Н.Радищева,Саратов;«Подсвечникигруша»,1946;«Клубника»,1955).

П.П.Кончаловский.«Осеннийбукет»,1920-е,Государственныйхудожественныймузейим.А.Н.Радищева,Саратов

П.П.Кончаловский.«Зеленаярюмка»,1933,Третьяковскаягалерея,Москва

Излюбленным мотивом его натюрмортной живописи были цветы («Осенний букет»,1920-е, Государственный художественный музей им. А. Н. Радищева, Саратов; «Сирень вкошелке на полу», 1955, Третьяковская галерея,Москва). Кончаловский говорил: «Цветокнельзяписать«таксебе»,простымимазочками,егонадоизучатьтакжеглубоко,какивседругое. Цветы — великие учителя художников: для того чтобы постигнуть и разобратьстроениерозы,надоположитьнеменьшетруда,чемприизучениичеловеческоголица.Вцветахестьвсе,чтосуществуетвприроде,тольковболееутонченныхисложныхформах;ивкаждомцветке,аособенновсирениилибукетеполевыхцветов,надоразбираться,каквкакой-нибудь лесной чаще, пока уловишь логику построения, выведешь законы изсочетаний,кажущихсяслучайными.Яищуих,какмузыкантиграетгаммы…»

П.П.Кончаловский.«Сиреньвкошелкенаполу»,1955,Третьяковскаягалерея,Москва

Необыкновенное дарование художника проявилось и в его портретных работах, оченьразных по своему эмоциональному настрою. Жизнерадостны и оптимистичны такиепроизведениямастера,как«Автопортретсженой» (1923,Третьяковскаягалерея,Москва),«Портрет композитора С. С. Прокофьева» (1934, Третьяковская галерея, Москва).Ощущением глубокого драматизма проникнут «Портрет режиссера В. Э. Мейерхольда»(1938,Третьяковскаягалерея,Москва).Кончаловскийбылталантливымпедагогом.В1918–1921 годах он преподавал в Государственных свободных художественных мастерских вМоскве,ав1926–1929годах—воВхутеине.

ИгорьЭммануиловичГрабарь(1871–1960)

Игорь Грабарь, человек всесторонне развитый и высокообразованный, был не толькопрекраснымхудожником,ноиизвестнымтеоретикомискусства.В1906–1916годахподегоредакцией издавалась многотомная «История русского искусства». Значительнадеятельность Грабаря и в области архитектуры: в 1909–1914 годах он выступал какстроитель подмосковного санатория «Захарьино». Игорь Эммануилович некоторое времявозглавлялТретьяковскуюгалерею,гдев1914–1915годахпровелполнуюсистематизациювсехэкспонатоввисторическойпоследовательности.

Игорь Эммануилович Грабарь родился в Будапеште. Отец будущего художника былюристом. В 1894 году юноша начал обучаться в студии И. Е. Репина в Петербургскойакадемиихудожеств.В1896–1901годахонжилзаграницей.ВМюнхенеГрабарьпосещалмастерскую А. Ашбе, а в 1901 году он поступил в Мюнхенский архитектурныйполитехникум.

В Европе Грабарь познакомился с творчеством импрессионистов ипостимпрессионистов.ОгромноевоздействиенанегооказалоискусствоП.Гогена,В.ВанГогаиП.Сезанна.

Вернувшисьв1901годувРоссию,Грабарьвошелвхудожественноеобъединение«Мирискусства». Обратившись к традициям русского реалистического пейзажа, мастер сумелотойти от эстетических установок этой группировки и создать произведения, искренне изадушевнопоказывающиеприродусвоейродины.Таковыполныеяркогосветаитрепетноговоздухакартины«Лучсолнца»(1901,Третьяковскаягалерея,Москва),«Сентябрьскийснег»(1903,Третьяковскаягалерея,Москва),«Февральскаялазурь»(1904,Третьяковскаягалерея,Москва),свидетельствующиеобинтересемастеракимпрессионизму.

И.Э.Грабарь.«Яблоки»,1905,Государственныйхудожественныймузейим.А.Н.Радищева,Саратов

И.Э.Грабарь.«Сиреньинезабудки»,1905,Художественныймузей,Ярославль

Грабарь был признанным мастером натюрморта. Нередко его композиции, помимопредметных групп, включали элементы пейзажа и интерьера («Хризантемы», 1905,Третьяковскаягалерея,Москва;«Дельфиниум»,1908,Русскиймузей,Санкт-Петербург).

НатюрмортыГрабаря,такжекакипейзажи,передаютувлечениехудожникапленэрнойживописью. Вибрирующим светом окутаны предметы на картинах «Яблоки» (1905,Государственный художественный музей им. А. Н. Радищева, Саратов), «Сирень инезабудки» (1905, Художественный музей, Ярославль). Радостным чувством проникнутоизображениеблагоухающихнежныхцветов,напитанныхсолнцемспелыхфруктовнастоле,нарядныхфарфоровыхтарелокиблестящихкувшинов.

Впотокахяркогосолнечногосветакакбудтотаетстеклостаканов,рюмокивазочекнаполотне «Неприбранный стол» (1907, Третьяковская галерея, Москва). Прозрачные тени,

ложащиеся на голубую скатерть, голубоватые рефлексы на тарелках, блики на стенкахстаканов,рюмок,вазсфруктами—вседелаетизображениесвежимиживым.

Помимонатюрмортовипейзажей,Грабарьписалпрекрасныепортреты,большаячастькоторых появилась в 1920–1930-х годах. Он создал целую галерею портретов своихсовременников:музыкантов,ученых,друзейиблизких(«ПортретС.С.Прокофьева»,1934,Третьяковскаягалерея,Москва;«ПортретМ.И.Грабаря,сынахудожника»,1935).

И.Э.Грабарь.«Неприбранныйстол»,1907,Третьяковскаягалерея,Москва

В послеоктябрьский период Грабарь возглавлял Отдел по делам музеев и охране

памятников искусства и старины. Долгие годы он занимал должность директораЦентральных государственных реставрационных мастерских. В результате деятельностиэтих мастерских было открыто множество памятников древнерусского искусства: икон ифресковыхросписейвПскове,Новгороде,ВладимиреидругихстаринныхгородахРоссии.В1926–1930 годах Грабарь являлся редактором отдела изобразительных искусств Большойсоветскойэнциклопедии.

Важное место в жизни Грабаря занимала исследовательская и художественно-критическая деятельность. Иногда он так увлекался этой работой, что надолго оставлялживопись.Исследуярусскоеискусство,Грабарьиздалрядтрудов,посвященныхтворчествуА.РублеваиИ.Е.Репина.ДвухтомнаямонографияГрабаря«Репин»(1937)в1941годубылаудостоена Сталинской премии. С 1944 года художник занимал должность директораинститутаисторииискусствАкадемиинаукСССР.

МноговремениГрабарьотдавалпедагогическойдеятельности.Онруководилзанятиямипоживописи,атакжевозглавлялхудожественныеучебныезаведения.

АлександрВасильевичКуприн(1880–1960)

Александр Куприн был не только автором большого количества прекрасныхнатюрмортов и пейзажей, но и замечательным педагогом, воспитавшим множествоизвестных художников. Его ученики всегда помнили слова своего наставника: «Смотритешире.Занимайтесьнежилописью,аживописью».

АлександрВасильевичКупринродился вБорисоглебскеТамбовской губернии в семьеучителя,преподававшеговуездномучилище.Возможно,именнояркиевпечатлениядетскихлетвомногомопределилидальнейшуюсудьбухудожника,написавшегоспустямноголет:«Всекругомкакбыулыбалосьмне.Япомнюпышныепионы,гордостьмоейматери,розы,декоративные кустарники, гудящих шмелей, барахтающихся внутри лилий и петуний,бабочек, собирающих своими тонкими, спирально изогнутыми хоботками сладкий сокдушистыхцветов, задорноечириканьеворобьев, гнездившихсяподкарнизаминашихокон,наконец, особый звук, когда бондари, наши соседи, набивали обручи на новые кадки ибочки…»

ВдомКуприныхчастоприходили гости.Ониигралинароялеипели.Мальчика тожеобучали музыке, и, став взрослым, он не только музицировал, но и сочинял музыку.Послушатьпрекраснуюигрухудожниканаоргане,стоявшемвегомосковскоймастерской,приходилидрузьяизнакомыеКуприна.

ПервымучителемживописидлямаленькогоАлександрасталН.Евсеев,преподавательклассическойгимназии,обучавшийазамрисункаидругихзнаменитыххудожников—М.С.РодионоваиИ.И.Машкова.ВскоревместесродителямимальчикпереехалвВоронеж.Вшестнадцать лет Куприну пришлось на время оставить учение: умер отец, и семья сталаиспытывать материальные затруднения. Юноша начал работать в конторе при железнойдороге.Всесвободноевремяонотдаваллюбимомузанятию—изобразительномуискусству.Будущий художник писал натурные этюды и делал зарисовки, внимательно наблюдая заприродой.

Когда в Воронеже появилась Рисовальная школа Общества любителей художеств,

Купринсмогобучатьсявнейбесплатно.В1902годумолодойживописецприехалвПетербургипоступилвчастнуюстудиюЛ.Е.

Дмитриева-Кавказского. Для того чтобы заработать денег на проживание и обучение, онкопировалкартиныизвестныхмастеровиделалмозаичныепанно.ОсвоейжизниКупринписалвВоронеж:«ТеперьвПитереприходитсякруто.Спать, гулятьи закрыватьглазанеполагается. Скоро побегу очертя голову искать заработка. Для этого нужно немногообозлиться».

ЖивописецсделалпопыткупоступитьвПетербургскуюакадемиюхудожеств,ноемуэтонеудалось.

В 1904 году Куприн приехал в Москву, чтобы стать студентом Училища живописи,ваяния и зодчества, но сначала он начал посещать студию К. Я. Юона. В 1906 годуАлександрВасильевичпоступилвучилище,гдеегонаставникамисталиН.А.Касаткин,А.Е.Архипов,Л.О.ПастернакиК.А.Коровин.Завершивобучениев1910году,Купринвместесдругимихудожникамипринялучастиевсозданииобъединения«Бубновыйвалет».Отом,как это произошло, он писал: «Я был у Ларионова и Гончаровой. Сидели, рассматриваярепродукции с картин французов. Ларионов взял в руки карту бубнового валета. „Вотпочему бы не назвать нашу выставку, наше объединение «Бубновый валет». Это было быпротестом против обоснованного какой-то идеологией названия вроде «Мир искусства»,«Голубая роза», выражающих устремление к утонченной извращенности с погоней замодой“». «Бубновый валет» приглашал на свои выставки иностранных мастеров — А.Матисса,П.Пикассо,Ф.Леже.

А.В.Куприн.«Цветы»,1916,Государственныйхудожественныймузейим.А.Н.Радищева,Саратов

Произведения,написанныеКупринымвэтотпериод, свидетельствуютоегоувлечениикубизмом. Натюрмортам художника свойственны такие качества, как декоративность, атакжестремлениеканалитическомупроникновениювпредмет («Натюрмортскнигамиисо свечой», 1911–1912; «Натюрморт с тыквой», 1912, оба — в Третьяковской галерее,Москва; «Цветы», 1916, Государственный художественный музей им. А. Н. Радищева,Саратов;«Натюрмортсостатуэткой»,1919).

Если в 1910-х годах Куприн предпочитал главным образом мертвую натуру (цветы и

фруктынаегокартинахэтоговременичащевсегоискусственные),товнатюрмортах1920-хгодахпоявляютсяживыецветы(«Осеннийбукет»,1924,Третьяковскаягалерея,Москва).Нодаже те композиции, где главное место отводится предметам домашнего обихода, полныжизниидвижения,светаивоздуха,поэтомувыражение«мертваянатура»малоподходиткнатюрмортам Куприна («Натюрморт с красным подносом и кувшином», 1934,Третьяковскаягалерея,Москва).

А.В.Куприн.«Большойнатюрмортстыквой,вазойикистями»,1917,Третьяковскаягалерея,Москва

Вконце1920-хгодовзначительноеместовтворчествеКупринаотводитсяпейзажу.Егополотна, изображающие в основном крымские ландшафты, очень тонко передаютизменчивостьприроды(«Тополя»,1927;«Крым.Беасальскаядолина»,1937,Третьяковскаягалерея,Москва).

Подобно многим художникам Советской России, Куприн писал индустриальныепейзажи, сюжеты для которых он находил намосковских заводах, нефтяных промыслах вАзербайджане.

Педагогическая деятельность также играла немаловажную роль в жизни мастера,преподававшеговГосударственныхсвободныххудожественныхмастерскихвМоскве(1918–1920), в НижнемНовгороде (1920–1922), во Вхутемасе-Вхутеине вМоскве (1922–1930), вМосковском текстильном институте (1931–1939). С 1946 по 1952 год Куприн занималдолжность заведующего кафедрой живописи в Московском высшем художественно-промышленномучилище(бывшееСтрогановское).

ВасилийВасильевичРождественский(1884–1963)

Картины Василия Рождественского поражают зрителя своей пестротой идекоративностью, эти красочные композиции кажутся очень подвижными и живыми.Творчествомастера необыкновенномногогранно, художник писал тематические картины,бытовыесцены,пейзажи,натюрморты.

Первые уроки рисования Василий Васильевич Рождественский получил в Тульскомдуховном училище. В 1900 году он поступил вМосковское училище живописи, ваяния изодчества. Завершив обучение в 1911 году, молодой художник начал искать собственныепутивискусстве.ВместесИ.И.Машковым,П.П.Кончаловским,А.В.Купринымонсталоснователем «Бубнового валета», объединения, поставившего цель разработать новыйживописныйязык,соответствующийдухувремени.

Художественной манере Рождественского свойственны такие качества, какдекоративность, яркость колорита, динамичность, ритмичное движение контрастныхкрасочныхпятен(«КрасныепартизанывДагестане»,1927;«Белаяночь.Деревня»,1930).

В.В.Рождественский.«Азиатскийчай»,1926,Русскиймузей,Санкт-Петербург

Художник много путешествовал по стране, писал природу Севера, Урала, Алтая,СреднейАзии.Егоинтересовалисценыбытаитруда,человеческиетипы.Подобнодругимпредставителям «Бубнового валета», Рождественский уделял большое вниманиенатюрморту. Его натюрморты, созданные во время поездок, должны были, так же как ипроизведениядругихжанров,показыватьнеповторимуюкрасотуисвоеобразиетехмест,гдепобывалмастер.СтрадициямиВостоказнакомитзрителякартина«Азиатскийчай»(1926,Русский музей, Санкт-Петербург), изображающая необычную группу предметов,

разложенных на ковре с ярким орнаментом. На жестяных подносах лежат ярко-красныегранатыидыни,рядомстоятдвепиалыизтонкогофарфора.Тутжебольшойметаллическийчайникикальян.

Рождественскийписалосвоихпроизведениях:«Мнехотелось,чтобыхолст«Алтайскиецветы» не только украшал помещение, но и знакомил зрителя с алтайской флорой;скромный букет на окне северной деревни скажет о цветах Беломорья… картина«Азиатский чай» расскажет о восточном чаепитии». Свои слова художник подтверждаетполотнами.Каждыйнатюрморт,созданныйимв1920–1930-хгодах,своеобразеникрасив,окрашеннациональнымколоритом.

АлександрАлександровичОсмеркин(1892–1953)

Художник А. А. Дейнека писал об Осмеркине: «Его живопись так похожа на автора.Рассеянный мягкий лирик, любитель поэзии, человек абсолютного живописного слуха,артист,лишенныйкакогобытонибылоделячества,самозабвенновлюбленныйвискусство,длякоторогоонобылочем-тонеизмеримобольшим,чемлюбыепрактическиесоображения,вопросытщеславия,онпрошелсрединасДон-Кихотомвискусстве».

Александр Александрович Осмеркин родился в украинском городе Елисаветграде(Кировоград) в семье выходца из крестьян, землемераАлександраПавловичаОсмеркина.Первым учителем живописи стал для мальчика его дядя, архитектор Яков ВасильевичПаученко,закончившийМосковскоеучилищеживописи,ваянияизодчества.

ВдетствеАлександрмечталстатьартистом.Вдомеегородителейчастоустраивалисьлюбительскиеспектакли,главнымвдохновителемкоторыхбылдядя.МноголетспустяэталюбовьктеатрувыразиласьвсценографическихработахОсмеркина.

Я.В.Паученко получал изПетербурга различные художественные издания, имальчикмог часами рассматривать в них иллюстрации. Особенно его поразила репродукция скартины М. А. Врубеля «Муза», напечатанная в журнале «Нива». С этого времени иначаласьвлюбленностьмолодогохудожникавтворчествознаменитогоживописца.

А.А.Осмеркин.«Натюрмортскувшином»,1918,собраниеГ.Н.Осмеркиной

Важную роль в становлении мастера сыграла литература. Осмеркин прекрасно зналпоэзию Баратынского, Тютчева, Фета, но настоящим кумиром для него являлся А. С.Пушкин. Друзья Осмеркина вспоминали, что художник прекрасно знал и декламировалмножество произведений великого русского поэта. Пушкину он посвятил ряд картин,выполненныхв1928годувТригорском,МихайловскомиПушкинскихгорах.

В конце 1900-х годов Осмеркин поступил в Киевское художественное училище, нопробыл там недолго. Он оставил Киев и приехал в Москву, бывшую центром нового

искусства. Здесь молодой художник начал посещать студию И. И. Машкова, являвшегосяодним из организаторов объединения «Бубновый валет». В мастерской Машкова онпознакомилсяспредставителямиэтойгруппировки:П.П.Кончаловским,Р.Р.Фальком,А.В. Лентуловым, А. В. Куприным и др. Чтобы заработать на жизнь, Осмеркин делалтеатральныедекорации.

ЗанятиявстудииМашкова,общениевновойхудожественнойсреде,совместнаясП.П.Кончаловским работа в Государственных свободныхмастерских (в дальнейшемВхутемас-Вхутеин)оказализначительноевлияниенаформированиетворческогометодаОсмеркина.Позднееонговорил:«Япроделалвесьпутьаналитическихисканийвживописи.Здесьбылииимпрессионизм,икубизм,ит.д.».

А.А.Осмеркин.«Натюрмортсбандурой»,1920,Русскиймузей,Санкт-Петербург

В духе кубизма исполнены натюрморты, относящиеся к концу 1910— началу 1920-хгодов («Натюрморт с кувшином», 1918, собрание Г. Н. Осмеркиной; «Натюрморт скеросиновойбанкой»,конец1910—начало1920-х;«Натюрморт»,начало1920-х,оба—вРусскоммузее,Санкт-Петербург).

Цветовая гамма ранних произведений Осмеркина сдержанна и проста. Большинстворабот этого времени выполнены в охристых, изумрудных, лазурных тонах. Лаконичен икомпозиционныйстройегоработ.Художникоченьтщательновыбираетпредметыдлясвоих

натюрмортов.Обычноихнемного,как,например,вкартине«Натюрмортсбелойпиалой»(1921,Русскиймузей,Санкт-Петербург).Настоле,покрытомзеленойскатертьюстемнымилистьями, всего несколько предметов. Это высокий светлый кувшин, пиала, трубка ираскрытаякнига,накоторойлежиткарандаш.Натюрмортпредставленнаохристо-желтомфоне, подчеркивающем форму каждой детали композиции. Насыщенность красок делаетизображениеудивительнодинамичным,подвижным.

Осмеркинпередаетматериальностьвещей,ихфактуруспомощьюкрасок,приэтомцветиграетидругую,объединяющую,роль.

Очарование материального мира мастер показывает с помощью звучных оттенков имузыкально-ритмичных, плавных линий, как, например, на картине «Натюрморт сбандурой» (1920, Русский музей, Санкт-Петербург). В центре композиции — бандура,лежащаянастоле,игитара,показаннаячутьправее.Дополнениемэтойудачноподобраннойпредметной группы являются блестящийжестяной поднос, смычок и тетрадь, надпись накоторой невозможно прочитать, так как ее заслонила бандура. Благодаря выступающейвпередчастистоласоспинкамистульеввсеэтипредметыкакбудтоотодвинутынавторойплан.

А.А.Осмеркин.«Натюрмортсбелойпиалой»,1921,Русскиймузей,Санкт-Петербург

Важную роль играет здесь светотеневая среда. Густые илиже почти прозрачные тенивносят в изображение динамизм, подчеркивают четкую расстановку предметов на холсте.Колористическое мастерство Осмеркина, его умение подчеркнуть значимость и красотукаждогоэлементакартиныпоставилимолодогохудожникаводинрядсужеполучившимиширокуюизвестность представителями «Бубнового валета».И.Эренбург писал о том, чторанние полотна Осмеркина «отмечены некоторым стремлением к обобщенным формам.Однаковотличиеотмногихсовременниковонникогданепредавалживойплотимираради

геометрическихсхем».Егоранниепроизведения«преждевсегоживописны».Большой интерес представляет «Натюрморт с черепом» (1924, Русский музей, Санкт-

Петербург), в котором можно уловить сходство с натюрмортом типа vanitas кистистаринных европейских мастеров, где череп, сопоставленный с самыми разнообразнымипредметами,напоминаетзрителюобренностибытияинеотвратимостисмерти.НесмотрянаприсутствиенаполотнеОсмеркинаэтогосимволасмерти,картинаневызываетмрачных,пессимистических чувств. Череп, изображенный художником, вовсе не является здесьповодомдляпечальныхраздумий.Он—всеголишьживописныйкомпонент,выполненныйвтемныхтонахипротивопоставленныйизящномубеломумолочникуизфарфора.Именнона этих двух контрастных пятнах, самом темном (череп) и самом светлом (молочник),Осмеркинивыстраиваеткомпозициюнатюрморта,колориткотороговыдержанвсеровато-охристых тонах. Значительную роль в формировании стиля художника сыгралипроизведенияфранцузскихмастеров концаXIX—началаXX века.Осмеркин видел их всобраниях известных меценатов Морозова и Щукина. Он говорил: «Галереи Щукина иМорозова—мояакадемия».БлагодаряиммастерсмогпознакомитьсяслучшимиработамиА.Дерена,П.Сезанна,В.ВанГога,А.Матисса,П.Пикассо.Особеннояркоевпечатлениенарусского живописца произвело искусство Дерена и Сезанна, оказавшее влияние напейзажные работы Осмеркина, выполненные в 1920-х годах («Пейзаж», 1920, Русскиймузей,Санкт-Петербург).

А.А.Осмеркин.«Натюрмортсчерепом»,1924,Русскиймузей,Санкт-Петербург

БольшоеместовтворчествеОсмеркинаэтогопериодазанималипортретныеработы(двапортрета жены художника, Е. Т. Барковой, 1921 и 1925, оба— в Русском музее, Санкт-Петербург; «Портрет М. Н. Аветова», 1924, Русский музей, Санкт-Петербург), жанровыекомпозиции(«КраснаягвардиявЗимнемдворце»,1927,Русскиймузей,Санкт-Петербург).

Осмеркин занимался не только станковыми работами. Он принимал участие вукрашении улиц Москвы к революционным праздникам. Художник создал два большихдекоративныхпанновдухекубизмадлятеатраМоссовета.

ПолотнаОсмеркинапостояннодемонстрировалисьнаразнообразныхвыставках:в1919году — на V Государственной выставке картин нового искусства, в 1922 году — на IСоветской выставке в Берлине, затем на экспозиции «Московских живописцев» (1926),выставке«Бытие» (1927), «ХудожникиРСФСРза15лет» (в1932 году—вЛенинграде, в1933году—вМоскве)ит.д.В1920–1930-хгодахживописецсоздалмножествопейзажей,портретов,натюрмортов(«Ветлы.Упруда»,1925;«Цыгане.Братисестра»,1927,оба—вТретьяковскойгалерее,Москва;«Ленинградскорабля»,1930,собраниеЛ.А.Осмеркиной;«Серый день», 1935, Русский музей, Санкт-Петербург; «Натюрморт. Волга. Рыбы», 1938,Музей изобразительных искусств Карелии, Петрозаводск). В 1936 году вместе с С. С.ПрокофьевымиА.Я.ТаировымОсмеркинработалнадоформлениемспектакля«ЕвгенийОнегин» дляМосковскогоКамерного театра. В следующем году он создал декорации дляпостановки «Маленьких трагедий» А. С. Пушкина в Большом драматическом театре вЛенинграде.

А.А.Осмеркин.«Сирень»,1951,собраниеГ.Н.Осмеркиной

Вработах,выполненныхОсмеркинымвКрыму,кудамастерприезжалвместесосвоимиучениками, отразилось влияние пушкинской поэзии, а также живописи одного извеличайших русских художников XIX столетия — А. А. Иванова. Ландшафты древнейТавриды настолько покорили Осмеркина, что он включил их даже в свои натюрморты,созданные по крымским мотивам («Натюрморт. Крым. Козы», конец 1930-х,местонахождение неизвестно). С одинаковым любовным вниманием выписаны фрукты,лежащие на столе, тяжелые гроздья спелого винограда, нависающие над ними, и горы,

окутанныенежнойсеребристойдымкой.Начиная с 1918 года Осмеркин занимался преподавательской деятельностью в

Государственных свободных художественных мастерских, позднее — во Вхутемасе иВхутеине. С 1932 года он жил в Ленинграде, где во Всероссийской академии художестввозглавлял мастерскую живописного факультета. Осмеркина высоко ценили ученики,вспоминавшие,чтоегоклассбылсамыминтереснымвовсейакадемии.Художниксравнымвниманиемиуважениемотносилсяксвоимвоспитанникам,поощрялсамостоятельностьитворческие поиски. Он развивал колористическое мастерство учеников, помогал во всехтонкостяхосвоитьживописнуютехнику.

Осмеркин придумывал такие постановки, которые не могли оставить молодыхживописцев равнодушными и вызывали желание творить. Он писал: «Разум и чувстводолжныруководитьрукойхудожника, толькотакимпутемремесло,необходимоемастеру,непревращаетсяврукоделие.Одноремесло, взятоебез зрительноговоображения, ведеткпассивностихудожественногомышления.Беззрительноговоображениянельзяорганизоватькартину как целое, добиться в ней правильного соподчинения деталей.В преподавании ястремлюсь развить у студентов колористическое чувство как первооснову живописи. Явначале воспитываю у них любовь к материалу, любовь к краскам: ультрамарину,изумрудной, охрам, кадмию, слоновой кости и т. д.». Осмеркин воспитал множествоталантливыхучеников,средикоторыхтакие,какЕ.Е.Моисеенко,И.И.Годлевский,Г.А.Савинов,А.Ю.Никич,Г.В.Павловскийидр.

В годы Великой Отечественной войны Осмеркин жил в Загорске (Сергиев Посад). Вэтом городе художник написал множество натюрмортов, портретов, архитектурныхпейзажей,представляющихсоборыипалатыТроице-Сергиевойлавры(«КладезнаяТроице-Сергиевой лавры. Загорск», 1944, Мордовская картинная галерея им. Ф. В. Сычкова,Саранск). В этотже периодОсмеркин занимался оформлением спектакля по пьесеА.Н.Островского «Горячее сердце» для Казанского драматического театра. Дух маленькихкупеческих городков, изображенных в пьесах Островского, ощущается и в картинахОсмеркина, показывающих тихие провинциальные улочки, цветок герани на окне, стол ссамоваром («Улица в Загорске», «Пейзаж с мостом. Загорск», «За чашкой чая», все— вконце1940-х,собраниеГ.Н.Осмеркиной).

А.А.Осмеркин.«Натюрмортсходиками»,1952,Русскиймузей,Санкт-Петербург

В последний период своей жизни Осмеркин писал светлые, наполненные солнцемкартины,непохожиенаегопрежние,темныеисдержанныепоколоритуполотна.Радостьюбытия проникнуты композиции, посвященные природе («Сирень на фоне обоев», 1951;«Букетполевыхцветовсподсолнухом»,1951;«Черемуха.Плесково»,1953,все—вРусскоммузее,Санкт-Петербург).

Колористическое мастерство, разработанное в результате тщательного изученияискусства П. Сезанна, особенно ярко выявилось в работе Осмеркина «Сирень» (1951,

собраниеГ.Н.Осмеркиной).Художникстремитсявыявитьматериальнуюсущностьнатуры,ивтожевремяонаневыглядитизолированнойотокружающейсреды,самойживописнойплоскости. Живописный артистизм Осмеркина проявился и в ярком, жизнерадостномполотне, получившем название «Натюрморт с ходиками» (1952, Русский музей, Санкт-Петербург). Розовый фон картины, цветастые занавески, вид накрытого к чаю стола сблестящим самоваром, веселыми разноцветными чашками, вазочками с кусочками сахара,баранкамииаппетитнымибулочкамирождаетвдушезрителяощущениепраздника.Глядяна полотноОсмеркина «Натюрморт с подсолнечником и рябиной» (1952, собрание Г. Н.Осмеркиной),мывидимвосторгхудожникапередкрасотойприроды,восхищениеееяркимикрасками.Картинапостроенанапротивопоставленииярко-желтыхподсолнечниковиалыхгроздьеврябины.Кажется,чтовиртуознонаписанныемастеромкрасныеягодыпропитанытеплымиласковымсолнцемосени.

Преждевременная смерть оборвала творческие начинания художника, который мог бысоздатьещемножествопрекрасныхпейзажей,натюрмортов,портретов.

ВладимирВасильевичЛебедев(1891–1967)

Владимир Лебедев на протяжении всей своей жизни стремился совершенствоватьхудожественное мастерство. Он никогда не останавливался на достигнутом, стараясьосвоитьновуютехникуилипознакомитьсяснедавнопоявившимисявискусствевеяниями.Уже будучи профессором Государственных свободных художественных мастерских вМоскве,Лебедевначалпостигатьпринципыиметодыновогонаправления—кубизма.

ВладимирВасильевичЛебедевродилсявПетербурге.В1910–1911годахонобучалсявВысшем художественном училище при Академии художеств, в батальной мастерской,возглавляемой Ф. А. Рубо. В 1912 году молодой живописец посещал студию М. Д.Бернштейна,ав1912–1914годахзанималсявПетербургскойакадемиихудожеств.

Вконце1910—начале1920-хгодовЛебедевувлексякубизмом,очемсвидетельствуетряд его работ, написанных в это время. С помощью приемов кубистской живописивыполненакомпозиция«Натюрмортспалитрой» (1919,Русскиймузей,Санкт-Петербург),гдепредметы,лишенныеобъемов,напоминаютгеометрическиефигуры.

Важное место в творчестве художника занимала графика. Для своих произведений ониспользовалкарандаш,тушь,акварель,работалвтехникелитографии.ВграфическихсерияхЛебедевапреобладаютбытовыеигротескно-сатирическиесюжеты(«Матросы»,1921–1922,Третьяковскаягалерея,Москва;«Прачки»,1920–1925;«НЭП»,1925–1927).

Лебедевсталоднимизоснователейпетроградских«ОконРОСТА».Онтакжеразработалсобственную систему художественного оформления детских книг. В его иллюстрациях клитературным произведениям для детей соединились условность яркого рисунка-кадра снепосредственностью и жизненностью изображения (иллюстрации к книге Р. Киплинга«Слоненок»,1922;С.Я.Маршака«Цирк»,1925;«МистерТвистер»,1933идр.).В1924–1933годахмастервозглавлялхудожественнуюредакциюДетиздатавЛенинграде.

В.В.Лебедев.«Натюрмортспалитрой»,1919,Русскиймузей,Санкт-Петербург

В творческом наследии Лебедева множество живописных работ бытовой тематики иженских портретов («Портрет Н. С. Надеждиной», 1927; «Портрет Т. В. Шишмаревой»,1934;«ПортретС.Д.Лебедевой»,1936,все—вРусскоммузее,Санкт-Петербург),вкоторыхсвободная манера исполнения сочетается с конструктивной композиционнойустойчивостью.

ВпериодВеликойОтечественнойвойныЛебедевжилвМоскве,гдеработалвплакатноймастерской «Окон ТАСС», в Воениздате и в журнале «Красноармеец». К этому времениотноситсябольшоеколичествокнижныхиллюстраций,выполненныххудожником.

Книжной графикой Лебедев продолжал заниматься и в последующие годы. ОсобенноудачнымиполучилисьегорисункикпроизведениямС.Я.Маршака.

ПавелВарфоломеевичКузнецов(1878–1968)

Творчество Павла Кузнецова сравнивали с искусством П. Гогена, В. Э. Борисова-Мусатова,М.С.Сарьяна.Ноегоудивительнопоэтичныеполотна,наполненныевоздухоми

светом, невозможно спутать с картинами какого-либо другогоживописца. Кузнецов умелтонкочувствоватьнатуру,ипотомуегонатюрморты,пейзажи,композициисчеловеческимифигурами,такиеразныеинеобычные,всегдапритягиваютксебезрителей.

Павел Варфоломеевич Кузнецов родился в Саратове. Первые уроки рисунка емупреподал итальянский художник Сальвини Баракки, работавший в Студии живописи ирисованияприСаратовскомобществелюбителейизящныхискусств.

В 1897 году Кузнецов приехал в Москву обучаться в Училище живописи, ваяния изодчества.Большуюрольвстановлениимолодогохудожникасыгралитакиезамечательныепедагоги, как К. А. Коровин и В. А. Серов. В 1900 году С. П. Дягилев предложилначинающему мастеру показать несколько своих работ на выставке «Мира искусства».Критикисразужеобратиливниманиенаработыталантливогоживописца.

В ранних произведенияхКузнецова ощущается увлечение творчествомВ. Э. Борисова-Мусатова.Егокартиныпроникнутычувствоммеланхолииигрусти(«Всаду.Весна»,1904–1905, собрание Д. В. Сарабьянова, Москва; «Фонтан», 1905, собрание Т. В. Рубинштейн,Москва;«Голубойфонтан»,1905–1906,Третьяковскаягалерея,Москва).

П.В.Кузнецов.«Бухарскийнатюрморт»,1913,Государственныйхудожественныймузейим.А.Н.Радищева,Саратов

В 1904 году Кузнецов вместе с П. С. Уткиным возглавил новое художественноеобъединение «Алая роза», представители которого в своей творческой деятельностиопиралисьнаидеииметодыевропейскогосимволизма.

В1905годуКузнецовпобывалвПариже,гдеобучалсявхудожественныхмастерских.В1906годуонпринялучастиевработеОсеннегосалона.До1914годаживописецпостоянновыставлялздесьсвоикартины,ав1909годудажевошелвсоставжюри.

Во французской столице художника привлекла живопись импрессионистов ипостимпрессионистов.НеизгладимоевпечатлениенанегопроизвеликартиныПоляГогена.

В 1907 году Кузнецов встал во главе символистского объединения «Голубая роза».Центромэтойгруппировкиявлялисьживописцы,ранеевходившиев«Алуюрозу».

Через три года художник понял, что символизм в искусстве практически изжил себя.Кузнецовотошелотруководства«Голубойрозой»,хотяинепрервалотношенийсчленамиобъединения. Его захватили совершенно новые темы и образы. В поисках впечатленийКузнецов путешествовал по заволжским степям и Средней Азии. Последней точкой этихпоездок стала Бухара. Увиденное побудило мастера к созданию полотен, на которых всепространствозанималибескрайниестеписостадамиовециодинокимиюртами,пустынискараванамиверблюдов.

Живописца интересовали природа и быт народов разных стран. Но все, что Кузнецоввидел в реальности, он преображал с помощью собственной фантазии, и на холстепоявлялся иной мир, необыкновенно красивый и гармоничный. Зритель понимает, чтоперед ним — изображение какой-то определенной местности, где живут киргизы иликочевники-калмыки, и в то же время это не конкретный край, а вся Земля с еенеобозримыми просторами («Мираж в степи», 1912, Третьяковская галерея, Москва;«Водоем», 1912, Русский музей, Санкт-Петербург; «В степи», собрание В. А. Дудакова,Москва;«Встепи.Заработой»,1913,Третьяковскаягалерея,Москва;«Восточныйпейзаж»,1910-е,Дагестанскийкраеведческиймузей,Махачкала).

СтранствияКузнецова по степям продолжались до началаПервоймировой войны.Номотивыстепей,атакже«бухарские»темыещедолгопоявлялисьвеготворчестве.

Пейзажи мастера восхищают своей гармонией. В композициях нет резких цветовыхконтрастов, декоративная обобщенность существует рядом с тончайшими цветовымипереходами,делающимиполотнаоченьвыразительными.

П.В.Кузнецов.«Утро»,1916,Третьяковскаягалерея,Москва

В такойманере исполнены и натюрморты начала 1910-х годов. Разноцветные астры втемно-синей вазе на полотне «Бухарский натюрморт» (1913, Государственныйхудожественный музей им. А. Н. Радищева, Саратов) — это маленькая частичка яркого,наполненногосолнечнымсветомгорода,поразившеговоображениехудожника.

Впериодс1914по1917годКузнецовнаходилсянавоеннойслужбе.ПослеОктябрьскойреволюции он занимался общественной и педагогической деятельностью: работал вКоллегии Наркомпроса в Москве и Саратове, преподавал в Свободных художественных

мастерских и Вхутемасе. Кузнецов принимал участие в реформировании Училищаживописи,ваянияизодчества,гдедо1930годаработалвклассемонументальнойживописи.В 1924 году вместе с другими живописцами он основал художественное объединение«Четыреискусства».

КузнецоввходилвКомиссиюпоохранепамятниковискусстваистаринывМосковскомКремле.ТакжекакимногиедругиехудожникиреволюционнойРоссии,онукрашалгородкновымпраздникам,выполнивцелыйряддекоративныхпанно.ВпослеоктябрьскийпериодПавел Варфоломеевич продолжал писать картины: пейзажи, портреты, натюрморты(«Утро»,1916,Третьяковскаягалерея,Москва).Восторженноеотношениемастераккрасотеокружающего мира выразилось в картине «Натюрморт с зеркалом» (1917, Третьяковскаягалерея,Москва).Поражающаясвоимизяществомпредметнаягруппарасположенанафонеомытого дождем городского пейзажа за окном. На столе, покрытом темным платком сяркимицветами, стоит зеркало, в сиреневойповерхности которого отражается роскошнаяпозолоченнаяваза,украшеннаярисунками.Рядомснейнесколькофарфоровыхпредметов— кофейник, чашка на блюдце, маленькая вазочка для цветов и статуэтка. Эта наряднаякомпозициярадуетглазсвоимизвонкимиичистымикрасками.

В тот же период Кузнецов выполнил несколько прекрасных портретов своей жены,художницыЕ.М.Бебутовой,вкоторыхзаметноувлечениемастеракубизмом.

В1920—начале1930-хгодовживописецпобывалвПариже,совершилпутешествиепоКрыму,Армении,Азербайджану.ПарижскиевпечатленияотразилисьвпейзажахКузнецова,а также в его композициях с образами комедиантов («Мост через Сену», 1923,Третьяковскаягалерея,Москва;«Парижскиекомедианты(Национальныйпраздниквчестьреволюции)»,1925,Третьяковскаягалерея,Москва).

Не менее интересны картины, изображающие крымские ландшафты («Сочи», 1920-е,собрание семьи П. В. Кузнецова, Москва; «Крым», 1925, собрание О. М. Дурылиной,Москва; «Крымский пейзаж. Мисхор», 1925, собрание семьи П. В. Кузнецова, Москва;«Горыуберегаморя.Гурзуф»,1927,собраниеО.М.Дурылиной,Москва).Впечатленияотпосещения Азербайджана и Армении выразились в целом ряде картин, главные темыкоторых—нефтяныевышкивБакуистроительствоЕревана(«СтроительствовАрмении»,1930–1931,Русскиймузей,Санкт-Петербург).

П.В.Кузнецов.«Натюрмортсзеркалом»,1917,Третьяковскаягалерея,Москва

СрединатюрмортовКузнецовазначительноеместозанимаюткартинысизображениембукетов («Цветы», 1939).Некоторые исследователи сравнивают натюрмортное творчествохудожника с искусством М. С. Сарьяна. Думается, что они не совсем правы. Сарьянприменял для своих натюрмортов яркие противопоставления тонов, Кузнецов же избегалэтого.

Он добивался того, чтобы красочная поверхность его полотен светилась и у зрителяпоявлялосьощущение,чтоцветысамирождаютсяизэтогомерцающегопространства.

ВпоследниегодыжизниКузнецовсоздавалпейзажи,портреты,натюрморты,работаянасвоей даче в Подмосковье или в московской мастерской, а также в Прибалтике, куда ончастоприезжал,чтобыписатьморе.

ЗинаидаЕвгеньевнаСеребрякова(1884–1967)

РусскийзрительоткрылдлясебятворчествоЗинаидыЕвгеньевныСеребряковой,когдажизньхудожницы,ужемноголетнепокидавшейФранции,близиласькзакату.В1965годув Москве была организована персональная выставка Серебряковой, на которой публиканаконец познакомилась с прекрасными портретами, пейзажами, натюрмортами,жанровымикомпозициямизамечательногомастера.

Зинаида Евгеньевна Серебрякова родилась в Петербурге. Ее предки (Бенуа, Лансере,Кавосы), выходцы из Италии и Франции, издавна славились своим художественнымдарованием. Дед Зинаиды Евгеньевны по линии матери, Николай Леонтьевич Бенуа, былизвестнымархитектором,отец,ЕвгенийАлександровичЛансере,—скульптором.

Девочка воспитывалась в доме деда, так как ее отец рано умер, и матери вместе сдетьми,которыхвсемьебылошестеро,пришлосьпереехатькродителям.ВдомеБенуавсенапоминалообискусстве:вещи,разговоры,развлечения.Членыбольшойидружнойсемьи,а также родственники и знакомые, посещавшие дом Николая Леонтьевича, играли наразличныхмузыкальныхинструментах:рояле,скрипке,виолончели,фисгармонии.

Значительную роль в воспитании детей играл театр. Дом Бенуа стоял недалеко отМариинки,ивсясемьячастопосещаласпектакли.Театральныепредставленияустраивалисьидома,детиивзрослыестарательноготовилиськним,разучиваяроли.

Но самым главным увлечением девочки было рисование, вскоре ставшее настоящейстрастью.Она ежедневноделала в своем альбоме зарисовки.Взрослыепоправляли ее по-детски робкие рисунки и помогали советами. Зинаиду привлекало все, что она видела вПетербурге и в Нескучном, имении, куда семья приезжала каждое лето. Именно всамостоятельнойикропотливойработеснатурыиоттачивалсяталантюнойхудожницы.

В1901годуЗинаидаЛансересталастуденткойшколы-мастерскойМ.К.Тенишевой.Нообучалась там она всего месяц, так как школа вскоре прекратила свое существование. В1903–1904 годах девушка занималась в художественной студии О. Э. Браза, гдепознакомиласьсприемамисозданияреалистическогорисунка.

НеизгладимоевпечатлениенаЗинаидуЕвгеньевнупроизвелопутешествиевИталию,тамвтовремяжилдядяпоматери,АлександрНиколаевичБенуа.Вместесматерьюибратьямиюная художница любовалась красотами чудесной южной страны, знакомилась с еедостопримечательностямиипамятникамиархитектурыиискусства.

В1905году,впреддвериипервойрусскойреволюции,художницавышлазамужзасвоегородственника, Бориса Анатольевича Серебрякова. Вскоре супруги уехали в Париж. ВстолицеФранции,являвшейсявтовремяоднимизглавныхцентровхудожественнойжизниЕвропы,ЗинаидаЕвгеньевнасобираласьпродолжитьобучение.

З.Е.Серебрякова.«Заобедом»,1914,Третьяковскаягалерея,Москва

З.Е.Серебрякова.«Крестьяне»,1914,Русскиймузей,Санкт-Петербург

Время пребывания в Париже стало самым счастливым для нее. Она посещала музеи,картинные галереи, копировала произведения знаменитых живописцев и делаласобственныезарисовкиполюбившихсяуголковгорода.

Парижские ателье и мастерские, в которых Серебрякова надеялась приобрести новыезнания и опыт, сильно разочаровали ее, так как в этих студиях учениками практическиниктонезанимался,и,посуществу,онибылипредоставленысамисебе.

Вместо того чтобы проводить время в этих так называемых учебных заведениях,

художницаотправляласьвЛуврилидругиемузеи.В 1906 годуСеребряковы вернулись на родину. Вскоре в семье появился первый сын,

затемвторой.Домашниезаботыотнималимногосил,нохудожницавыкраивалавремядлятворчества.Большуючастьвременионапроводилавместе сдетьмивНескучном.Темамидля картин Серебряковой, написанных здесь, стали простые природные ландшафты,крестьянкииихдети.

В1909годувНескучномпоявилсязнаменитыйавтопортретхудожницы,принесшийейогромный успех, — «За туалетом» (Третьяковская галерея, Москва). В следующем годуСеребрякова показала полотно вместе с рядом других своих картин на выставке«Современный женский портрет», организованной силами Союза русских художников.Картина была замечена публикой и критиками, и вскоре ее приобрели для собранияТретьяковки. Живописец и художественный критик А. Н. Бенуа писал об этой работеСеребряковой: «Здесь полная непосредственность и простота: истинный художественныйтемперамент, что-то звонкое, молодое, смеющееся, солнечное и ясное, что-то абсолютнохудожественное…»

УжевэтойжизнеутверждающейкомпозициизаметеногромныйинтересСеребряковойкмиру вещей, окружающих человека. Детали интерьера и предметы натюрморта,разложенные на туалетном столике, помогают автору в раскрытии образа. Зритель видитпередсобоймолодуюженщину,полнуюсилиздоровья.Двебелыесвечиввысокихмедныхподсвечниках подчеркивают стройность ее изящной и в то же время сильной фигуры.Множествофлакончиков,коробочексукрашениямисвидетельствуютотом,чтохудожница,занятая детьми, домашней работой и живописью, не забывает и о своей женскойпривлекательности.

Можно долго гадать, почему подобное произведение, полное мажорного звучания,совсем не похожее на проникнутые драматизмом картины, созданные после пораженияреволюции1905–1907годов,нашлотакойоткликвдушахзрителей.Вероятно,уставшихотпотрясений и жизненных невзгод людей привлекло чувство светлой радости,пронизывающеекомпозицию.

«Затуалетом»—неединственноеполотно,отразившеемироощущениехудожницы,длякоторойсчастьезаключалосьвтихойсемейнойжизнивместесмужемидетьми.Домашниедела и забота о близких ничуть не мешали ей создавать новые художественныепроизведения. В 1913 году у Серебряковых было уже четверо детей: сыновья Евгений иАлександридочериТатьянаиЕкатерина.

Вэтотпериодглавноеместовтворчествехудожницызанялапортретнаяживопись.Онаписала в основном своих родных и друзей, а также композиции с обнаженной натурой(«Купальщица»,1911;«Баня»,1913,обе—вРусскоммузее,Санкт-Петербург).

В1914годуСеребряковасовершилапутешествиепоШвейцариииИталии.ОнапобывалавоФлоренции,Венеции,Милане,Падуе.

ВернувшисьвРоссию,художницаначалаработатьвместесА.Н.БенуаиЕ.Е.ЛансеренадсозданиемросписейдляКазанскоговокзала.Неоставлялаонаистанковойживописи.Вэто время Серебрякова исполнила целый ряд портретов, пейзажей, композиций скрестьянскимимотивами.Однаизсамыхинтересныхработ,созданныхвданныйпериод,—полотно«Заобедом»(1914,Третьяковскаягалерея,Москва),соединившееэлементытакихжанров, как портрет, бытовая сцена и натюрморт. Фрагментарность композиции (фигураженщины, разливающей суппо тарелкам, обрезана краем холста), явнопозирующие дети,

тщательнаядетализация—всеэтопридаеткартинесходствосфотографическимкадром.Художницалюбовновыписываетнетолькофигурыилицадетей,ноипредметы:стулья,

посуду на столе.Очень убедительно переданафактура вещей. Легко угадать материал, изкоторогосделаныпредметы—фаянсовыетарелки,сахарницаибольшаянаряднаясупница,стеклянныйграфинистаканы,керамическийкувшинипластмассовоекольцодлясалфетки.

Все детали композиции (спокойные лица детей, красивая посуда, любовнорасставленная на столе хозяйкой) говорят о том, что перед нами картина счастливойсемейнойжизни.

Вещи играют важную роль и в других произведениях Серебряковой. Ярким примеромэтогоявляетсякартина«Крестьяне»(1914,Русскиймузей,Санкт-Петербург).Поэтическиймир крестьянского труда и быта раскрывают не только фигуры обедающей в полесупружеской четы, но и немногочисленные предметы: кувшин, из которого женщинаналиваетвкрынкумолоко,большойкаравайврукахеемужа.

Апофеозомчеловеческоготрудасталиидругиекартинынасюжетыизжизникрестьян—«Жатва»(1915,Художественныймузей,Одесса),«Белениехолста»(1917,Третьяковскаягалерея,Москва).

С началом Гражданской войны Серебрякова с детьми и своей матерью поселилась вХарькове.В1919годуизМосквыксемьеприехалБорисАнатольевичСеребряков.Вдорогеон заболел сыпным тифом и вскоре скончался. Чтобы заработать на жизнь, художницаустроилась в археологический музей при Харьковском университете. Здесь она делалазарисовкипредметов,найденныхвовремяраскопок,иписалапортретыработниковмузея.

З.Е.Серебрякова.«Накухне»,1923,Музейизобразительныхискусств,НижнийТагил

В1920годусемьявозвратиласьвПетроград.Вэтосложноевремя,когдаединственнымсредствомк существованиюявлялся академическийпаек,Серебрякова стараласьизыскатьвозможности для живописи. Она писала в основном автопортреты, портреты детей иродных. И хотя жизнь художницы была полна лишений, на ее произведениях это почтиникак не отразилось. Ее картины, в особенности трогательные детские портреты,проникнутыжизнеутверждающимчувством(«Катявголубомуелки»,1922,собраниеИ.С.Зильберштейна; «Тата в танцевальном костюме», 1924, собрание Т. Б. Серебряковой,

Москва).Портретные работы, созданные в это время, разнообразныпо своейформе.Среди них

двойныеитройныепортреты(«Автопортретсдочерьми»,1921,Историко-художественныймузей, Рыбинск; «Девочки у рояля», 1922, собраниеТ. Б.Серебряковой,Москва), а такжепортретысэлементамидругихжанров.

Особый интерес представляют портреты с деталями натюрморта. Так, картина «Накухне»(1923,Музейизобразительныхискусств,НижнийТагил)—посуществунастоящийнатюрморт, где фигура маленькой Кати отходит на второй план. Внимание зрителейнаправлено на дары природы, разложенные хозяйкой на столе: свежую рыбу, свеклу,морковь,яйцавберестянойкоробке.

Темакухнипродолженахудожницейвкартине«Татасовощами»(1923,собраниеЛ.И.Лойцянского,Санкт-Петербург), гденапервыйпланвыступаетизображениедевочки.Темнеменеекухонныйнатюрмортзанимаетздесьтакженемаловажноеместо.

В1920-егодыглавнымжанромвтворчествеСеребряковойстановитсяпортрет.Старшаядочьхудожницы,Таня,поступилавхореографическоеучилищеприАкадемическомтеатреоперыибалета,гдеработалдядяЗинаидыСергеевны—АлександрНиколаевичБенуа.Онвходил в число директоров и оформлял спектакли. Благодаря ему Серебрякова получиладоступзакулисыисмогланаписатькрасочныеиоченьвыразительныепортретыартистовбалета (А. Д. Даниловой, 1922; Г. М. Баланчивадзе (Д. Баланчина), 1922, оба — вГосударственномцентральномтеатральноммузееим.А.А.Бахрушина;Е.Н.Гейденрейх,1923,собраниеЕ.Б.Серебрякова,Санкт-Петербург).

З.Е.Серебрякова.«Татасовощами»,1923,собраниеЛ.И.Лойцянского,Санкт-Петербург

КартиныхудожницынепользовалисьпопулярностьювРоссии.Онипродавалисьплохоисредствнасодержаниесемьипрактическинеприносили.Чтобызаработать,СеребряковаустроиласьвмастерскуюнаглядныхпособийприОтделенародногообразования.

Внадеждепоправитьматериальноеположениев1924годуЗинаидаСергеевна,оставивдетей с матерью, уехала в Париж. Но и здесь удача не сопутствовала ей. Затяжнойэкономический кризис в Европе снизил покупательскую способность, и заказчиков умногих, даже известных,живописцев значительно поубавилось.Серебряковамесяцами не

моглапродатьниоднойсвоейработы.Художнице приходилось работать над заказными портретами. Но Серебрякова,

привыкшая писать духовно близких ей людей (родственников, друзей), в изображенияхчужих для нее заказчиков часто не могла уловить то, что делает образ по-настоящемувыразительным и живым. Тем не менее и среди этих работ есть откровенно удачные(портреткомпозитораС.С.Прокофьева,1926;балетмейстераС.М.Лифаря,1961,оба—вГосударственномцентральномтеатральноммузееим.А.А.Бахрушинаидр.)

З.Е.Серебрякова.«Рыбаназелени»,1935,Русскиймузей,Санкт-Петербург

За границей Серебрякова много путешествовала. Она посетила Бретань, ЮжнуюФранцию, Англию, Германию, Бельгию, Швейцарию, Италию, а также Марокко. Яркиевпечатления вылились в прекрасные пейзажи и картины с изображением национальныхтипов («Версаль. Крыши города», 1924, Третьяковская галерея,Москва; «Бретань.Пляж вКамаре»,1926;«Кассис.Крышигородка»,1928,оба—вРусскоммузее,Санкт-Петербург;«Марокканкавбелом»,1928,Русскиймузей,Санкт-Петербург;«Марракеш.Видстеррасынагоры»,1928,Художественныймузей,Калуга;«Итальянскаякрестьянкаввинограднике»,1936,собраниеТ.Б.Серебряковой,Москва).

Красотаокружающегомираотразиласьивнатюрмортах.Рыба,спелыефруктыиовощи,переполняющиекорзины,—вотглавные«герои»картинСеребряковойвэтомжанре(«Рыбана зелени», 1935; «Корзина с дынями и кабачками», 1938, обе— Русский музей, Санкт-Петербург). Восхитительны виноградные кисти, впитавшие в себя тепло южногоитальянского солнца, окруженные узорными листьями («Виноград», 1936, собрание Т. Б.Серебряковой,Москва).

З.Е.Серебрякова.«Виноград»,1936,собраниеТ.Б.Серебряковой,Москва

Несмотря на ряд мастерски выполненных работ, в общем ее творчество за границей

уступало произведениям, созданным в России. Вероятно, сказалось и то, что художница,оторванная от семьи и родины, не могла привыкнуть к жизни на чужбине. Она мечталапоселиться в деревнеиписать картинына своюлюбимуюкрестьянскуютему, нодолжнабылажитьвгородеисоздаватьзаказныепортреты.

Больших усилий стоила Серебряковой организация выставок. В 1927 году онапродемонстрироваласвоиработывгалерееШарпантьевПариже,в1928—наэкспозициивЛенинграде.В1929–1931 годах зрителиувиделикартинырусскойхудожницывПарижеиБрюсселе. Все эти выставки не принесли Зинаиде Евгеньевне успеха: их посещали лишьдрузья и знакомые. Европейская публика восхищалась картинами модернистов, а работыСеребряковой,далекиеотмодныхтечений,осталисьнезамеченными.

З.Е.Серебякова.«Корзинасдынямиикабачками»,1938,Русскиймузей,Санкт-Петербург

В 1934–1935 годах вместе с сыном Александром Зинаида Евгеньевна работала надмонументальными панно для дома Брувера, бельгийского промышленника, благодарякоторомуонасмогласовершитьпутешествиевМарокко.Кнесчастью,четырекомпозиции,ставшиеподлиннымишедеврамиСеребряковой,погибливовремяВтороймировойвойны.

Главными жанрами последнего периода жизни художницы стали пейзажи инатюрморты.

Мечтавшая вернуться на родину, Серебрякова так и не смогла побывать в России. ВоФранциижилидвоееедетей,АлександриЕкатерина,ставшиехудожниками.Ктомужеонабоялась, что русская публика, так же как и французская, не поймет и не признает ееискусство. Но она ошибалась. Состоявшаяся за два года до смерти Серебряковойперсональная выставка в Москве показала публике всю силу ее дарования. Зрители икритики, которые знали художницу лишь по одной ее картине из Третьяковки — «Затуалетом»,восторженноотзывалисьоживописи,ставшейдлянихнастоящимоткрытием.

ВтораявыставкаЗинаидыЕвгеньевнысостояласьвМосквеспустя20летпослесмертихудожницы.НепонятоесовременникамитворчествоСеребряковой,искреннееикрасочное,пронизанное светлыми, радостными чувствами, оказалось нужным новому поколениюзрителей.

АлександрАлександровичДейнека(1899–1969)

Необыкновенно многогранный художник Александр Александрович Дейнека былталантливымживописцем,графиком,скульптором.Онработалвплакатнойижурнальнойграфике, писал прекрасные пейзажи и натюрморты, создавал монументальные панно. В1937 году за панно, украсившееСоветский павильон, Дейнека получил Большую золотуюмедальнаМеждународнойвыставкевПариже.Вторуюзолотуюмедальпринеслоемупанно«За мир во всем мире» и картины «Оборона Петрограда» (1927, Центральный музейВооруженных сил, Москва), «Окраина Москвы 1941 года» (1941, Третьяковская галерея,Москва),«Эстафетапокольцу„Б“»(1947),показанныев1958годунаВсемирнойвыставкевБрюсселе.

Александр Александрович Дейнека родился в Курске. Его творческое дарованиепроявилосьвраннемдетстве.Своипервыерисункисизображениемлошадей,солдат,дамподзонтиками,женщинскоромысламионнаклеивалнакрышкусундучкасвоейматери.

В шестнадцатилетнем возрасте Дейнека поступил в художественное училище вХарькове, а в 1920 году приехал в Москву и стал студентом Вхутемаса. Здесь егонаставниками былиВ. А.Фаворский иИ. И. Нивинский.Юношу увлекла интересная, нотрудная жизнь в голодной Москве послевоенного времени. Учащиеся Вхутемасавспоминали, что в мастерских стоял жуткий холод. Топить приходилось старымиподрамниками, а когда они заканчивались, студенты вместе со своими преподавателямиотправлялисьвлесзадровами,которыепривозилинасанях.Но,несмотрянавсеневзгоды,Дейнекаиегомолодыетоварищивериливсвоюудачуивсветлоебудущее.

Обэтомвремени,полномнадеждитворческихисканий,художниквспоминал:«Учимсяв библиотеках, музеях, выставках, на диспутах, уМаяковского иЧеремных.Учусь уВ.А.Фаворского,прекрасногомастераипоследовательногометодиста.Несмотрянанекоторыйдикий характер вуза в период моей учебы, несмотря на проклятый голод и холод (я жилзимойпри5градусаххолодаизарабатывалночьюнажизнь),тамвеласьбольшая,серьезнаяработанадформой,композицией».

В1925годуДейнеказакончилВхутемасбеззащитыдиплома.Вскореонсталоднимиз

членов-учредителейОбществастанковистов(ОСТа).Чтобызаработатьнажизнь,художниксотрудничал во многих печатных изданиях. Уже тогда сложился неповторимый стильмастера в области графики. Даже мать, которая не умела читать и не могла разобратьподписейкиллюстрациям,сразужеузнаваларисункисынавжурналах.

Дейнека много времени уделял графическим работам, и потому в его живописныхпроизведениях чувствуется чисто графическая трактовка формы. Главные свойствапейзажей и натюрмортов художника — выразительность контуров, четкостьпространственных планов, композиционная ритмичность. Его картины наполненыдвижениемпостоянноизменяющейсяжизни(«Настройкеновыхцехов»,1926;«Бег»,1934;«ОборонаСевастополя»,1942,Русскиймузей,Санкт-Петербург).

Этижесвойстваприсущиинатюрмортаммастера.Хотяширокуюизвестностьи славуДейнекепринеслимонументальныепанно(мозаичныеплафоныдлястанции«Маяковская»Московского метрополитена им В. И. Ленина, 1938, панно для Дома Красной армии вМинске,плафонвТеатреКраснойармиивМоскве,фрескидляВсесоюзнойхозяйственнойвыставки,все—в1939)истанковыеживописныеработы(«Спящийребеноксвасильками»,1932,частноесобрание;«Будущиелетчики»,1938,Третьяковская галерея,Москва),нельзяне сказать о том, что именно Дейнека вместе с такими художниками, как К. С. Петров-Водкин,П.П.Кончаловский,И.И.Машков,А.А.Осмеркин,И.Э.Грабарь,М.С.Сарьян,стоялуистоковновогонатюрмортаврусскойживописи.

А.А.Дейнека.«Желтыецветы»,1954

Натюрморты Дейнеки, так же как и его работы в других жанрах, отличаютсякомпозиционным лаконизмом, четкостью линий, ясностью форм, звучностью красок(«Желтыецветы»,1954).

Дейнекамногопутешествовал.ОнпобывалвСША,Германии,АвстрииивоФранции.Оннетольколюбовалсяархитектуройчужихгородов,посещалмузеи,ноиупорноработал.Во многих американских и европейских городах художник устраивал свои выставки,имевшиебольшойуспех.

Дейнека был необыкновенно талантливым педагогом. С 1928 года он работал воВхутеине,Московском полиграфическом институте, с 1934 года— вМГХИ имени В. И.Сурикова(Московскийгосударственныйхудожественныйинститут),с1945—вМИПИДИ(Московский институт прикладного и декоративного искусства), с 1953 — в МАРХИ(Московскийархитектурныйинститут).

НатанИсаевичАльтман(1889–1970)

Обладавший блестящим дарованием, Натан Альтман удивлял современников тем, что,прекраснознаявсехудожественныенаправлениятоговремени,используяихидеииметодынепримкнулполностьюникодномуизэтихтечений.

ЖивописециграфикНатанИсаевичАльтманродилсявВинницевнебогатойсемье.В1902 году он поступил в Одесское художественное училище на живописное отделение.Обучался Альтман у К. К. Костанди и Г. А. Ладыженского. Одновременно он посещалзанятияскульптурногоотделения,гдеегонаставникомбылЛ.Д.Иорини.Ноакадемическаясистема,царившаяздесь,неустраиваламолодогохудожника,ив1907годуАльтманбросилучилище. Тем не менее он прекрасно воспринял художественные приемы и живописнуютехнику. Ранние работы Альтмана свидетельствуют о его необыкновенном мастерстве инесомненном художественном даровании («Дама на террасе», 1906; «Бабушка», 1908;«Весна»,1908;«Дворкостелавпраздник»,1910).

В1911годуАльтманприехалвПариживошелвобъединениехудожниковискульпторов«Улей» («Ля рюш»), где было немало выходцев из России. Он познакомился с такимизнаменитостями, какМ.Шагал, А. Архипенко и др. Большое воздействие на дальнейшееформирование его творческой манеры оказало французское искусство. Особеннопривлекали Альтмана представители постимпрессионизма и кубизма. Влияние кубизмаощущается во многих его произведениях, выполненных в 1911 году («Автопортрет»,«Еврейскиепохороны»).

В 1912 году Натан Исаевич поселился в Петербурге. Здесь был написан знаменитыйпортрет Анны Ахматовой (1914), выполненный в духе кубизма. Несмотря на явноеувлечениемастеракубистскимиприемами, образы, созданныеим, обладаютнесомненнойпритягательностьюиобаянием.

Интереснакартина«Подсолнухи»,созданнаяАльтманомв1915году.Этопроизведениестало своеобразным творческим итогом, отразившим художественные искания мастера всередине1910-хгодов.Нафонегеометризованныхпейзажныхформизображеныогромныежелтыеподсолнухи,похожиенаяркиесолнечныедиски.Картинадалекаотнатуры,нодляхудожникаэтоинеявляетсяважным,главноездесь—передатьязыксимволов.Символичнои то, что подобное полотно появилось незадолго до начала Октябрьской революции,которуюхудожникпринялсразуибезоговорочно.

Н.И.Альтман.«Подсолнухи»,1915

Н.И.Альтман.«Цветовыеобъемыиплоскости»,1918

В послеоктябрьские годы Альтман работал в отделе ИЗО Наркомпроса, в редакцияхжурнала «Пламя» и газеты «Искусство Коммуны», преподавал в Государственныхсвободныхмастерских,участвовалвоформленииреволюционныхпраздниковвПетроградеи Москве. Художник принимал также самое живое участие в разнообразныххудожественных объединениях в Петербурге: «Квартира 5» (1915–1917), «Свободаискусству»(1917),«Искусство,революция»(1917),«Союздеятелейискусств»(1917–1918),«Дом искусств» (1919–1922), являлся членом московского Общества скульпторов (1926–

1928).Не только станковые, но и монументальные произведения, созданные мастером в эти

годы,тяготеютксимволике.Картины,написанныеАльтманомв1918–1921годах,отражаютпостоянныетворческие

искания художника. На его полотнах предстает странный мир необычных вещей.Живописецкакбудтоспециальносдвигаетпредметы,освобождаяместодлячего-тонового,невиданногоранее.Наполотне«Цветовыеобъемыиплоскости» (1918)весомые, тяжелыебутылки,прочностоящиенастоле,существуютрядомсихлегкимнаклоннымотражениемвосколкезеркала.Глядянакартину,зрительчувствует,чтоавторсомневаетсявреальностиизображенияизадаетсебеивещамвопрос,вчемсутьновойэпохииновойпластики.

Втакомжеключеисполненыиабстрактныекомпозицииэтогопериода:«Материальнаяживопись», «Петрокоммуна», «Россия. Труд». Все эти картины представляют собой, посуществу, плакаты, хотя в них ощущаются лирические переживания художника, егосмятениепередхаосоминеупорядоченностьюновойжизни,вступившейвсвоиправа.

Значительных успеховАльтман достиг и в области скульптуры.В 1920 году художникисполнилскульптурныйпортретВ.И.Ленинавбронзе.ОнвстречалсясвождемреволюциивегорабочемкабинетевКремле,гдемогподолгулепитьирисоватьЛенина.

В1920-егодыАльтманзанималсяграфикой.Онсоздавалпортретыизвестныхписателейи иллюстрировал произведения художественной литературы. Прославился Альтман и кактеатральный художник. Большой успех ему принесла работа с режиссером Е. Б.Вахтанговым.

Н.И.Альтман.«Мимоза»,1927,Третьяковскаягалерея,Москва

В 1928 году Альтман уехал вместе с театром в Европу. Гастроли закончились, ихудожник остался во Франции. Под влиянием французских импрессионистов он написалцелый ряд чудесных, пронизанных светом и воздухом пейзажей. Важное место в еготворчестве этогопериода занимаютпортретыинатюрморты.Срединаиболееинтересныхработмастера—«Натюрмортсфляжкойкьянти»(1928–1935).Выбираянеобычнуюточкузрения,художниквозноситстол,накоторомстоиттарелкасвиноградомибутылкасвином,надкрышамидомов,ипростойнатюрмортприобретаетмонументальныйиторжественный

вид.Живя во Франции, Альтман создал прекрасные иллюстрации к «Петербургским

повестям»Н.В.Гоголя(1933–1934,изданыв1937),выполнилсериюлитографийнасюжетыВетхогоЗавета.

Н.И.Альтман.«Натюрмортсфляжкойкьянти»,1928–1935

В1935годуживописецвернулсявРоссию,нополитическаяобстановка,сложившаясявто время в стране, стала препятствием для его творчества. Альтман занимался главнымобразомсценографиейикнижнойграфикой.Средилучшихтеатральныхработмастера—

декорации к спектаклям «КорольЛир» (ГБДТ, 1941), «Отелло» (1944) и «Гамлет» (театрдрамыим.А.С.Пушкина,1954).ЗамечательныиегоиллюстрациикпроизведениямЭ.Золя,Шолом-Алейхемаидр.

МартиросСергеевичСарьян(1880–1972)

В1924годуМартиросСарьянпринялучастиевМеждународнойвыставке,проходившейв Венеции. Итальянский критик Дж. Спровиери так отозвался о полотнах армянскогомастера: «Его картины являются ярким выражением такого сильного и самобытноготемперамента,чтонемогутнепроизвестисильнейшеговпечатленияназрителя.Икраскиего, и рисунок заслуживают большого внимания с точки зрения исканий современногоискусства.ЕстьвСарьяненечто,напоминающееМатисса».

ХудожникМартиросСергеевичСарьянродилсявгородкеНахичевань-на-Донувбеднойармянскойсемье,гдебылодевятьдетей.В1887годусемьяперебраласьвНахичевань.Этотгородвтовремяполучилизвестностькакодинизглавныхцентровармянскойкультуры.

Сарьян увлекался рисованием еще будучи подростком. Он мечтал серьезно учитьсяживописи,чтобыстатьнастоящимхудожником.СтаршийбратОванесдалМартиросуденег,и в 1897 году юноша отправился в Москву и поступил в Училище живописи, ваяния изодчества.Здесьегонаставникамисталитакиезнаменитыеживописцы,какИ.И.Левитан,В. А. Серов, К. А. Коровин. Свои первые произведения молодой художникпродемонстрировалнаXXIIIвыставкеученическихработ,которыерегулярноустраивалисьруководством училища.Живя вМоскве, Сарьян постоянно ездил на родину.Он привозилоттуда огромное количество рисунков, этюдов и картин. Яркая природа Армениивдохновлялаегоипомогалавыработатьсвойсобственный,неповторимыйстиль.Многолетспустя художник вспоминал: «Караваны верблюдов с бубенцами, спускающиеся с гор,кочевники с загорелыми лицами, стада коров, буйволов, лошадей, осликов, коз; базары,уличнаяжизньпестройтолпы;мусульманскиеженщины,молчаливые,скользящиевчерныхпокрывалах, в фиолетовыхшароварах, в деревянных башмаках, выглядывающие с плоскихкрыш квадратных домов; большие темные миндалевидные глаза армянок— все это былонастоящее, о чем я грезил в детстве. Я почувствовал, что природа — мой дом, моеединственное утешение… Природа многоликая, многоцветная, выкованная крепкой,неведомойрукой,—мойединственныйучитель».

В ранних произведенияхСарьяна ощущается его увлечение символизмом. В 1907 годухудожник принял участие в выставке «Голубой розы», на которой представили картинытакиехудожники,какН.П.Крымов,Н.Н.Сапунов,П.С.Уткин,П.Ф.Кузнецов.В1908–1909годахМартиросСергеевичпоказывалсвоиработынавыставках«Золотогоруна».

М.С.Сарьян.«ЦветысЧамлыча»,1910,собраниеР.Г.Дрампяна,Ереван

Большинство полотен Сарьяна, выполненных в это время, изобилует сказочнымиобразамиисимволами.Таковыдекоративныеикрасочныекомпозиции«Озерофей»(1906,Третьяковская галерея, Москва), «У гранатового дерева» (1907, Третьяковская галерея,Москва)идр.

Интерес к символизму вскоре угас, и картины Сарьяна стали более ясными илаконичными. Несмотря на необычную, словно струящуюся живопись, чувствуется, что восновеэтихпроизведенийлежатнатурныевпечатлениямастера.

ЗначительнуюрольвформированиихудожественнойманерыСарьянасыгралоискусствофранцузских импрессионистов и постимпрессионистов (их картины Сарьян видел навыставках). Привлекало его творчество П. Гогена и А. Матисса. Звучная живописьпоследнего, крупнейшего представителя фовистов («диких»), была особенно близкаармянскому мастеру, всегда восхищавшемуся яркими красками природы своей родины.ХудожественныйкритикА.Н.Бенуаоченьточноподметил,чтоСарьянобладал«большойчуткостьюккраскам,которыеунегоособенноприятны,изысканныпоприродеивтожевремяизысканнодики».

М.С.Сарьян.«Натюрморт»,1910,Художественныймузей,НижнийНовгород

М.С.Сарьян.«Натюрморт.Виноград»,1911,Третьяковскаягалерея,Москва

В 1910–1913 годах Сарьян побывал в странах Востока. Он посетил Турцию, Египет иИран. Яркие, насыщенные цвета экзотической восточной природы напомнилиживописцуландшафтыЗакавказья.

Любуясь природой и восточными диковинами, художник писал пейзажи, картины счеловеческими фигурами («Продавец лимонада», 1910, Русский музей, Санкт-Петербург;«Восточныеженщины»,1910,КартиннаягалереяАрмении,Ереван;«Улицаквечеру»,1910,собраниеГ.Басмаджяна,Париж).

Удивительную, необычную красоту чужого мира передают многочисленныенатюрморты Сарьяна. Художник вспоминал, что, возвращаясь с прогулок по улицам ишумнымбазарамКонстантинополя,онприносилдомойбананы,апельсины,букетыцветов,разнообразные горшочки и коврики. Все эти предметы мастер раскладывал на столе иначинал писать натюрморты. Так рождались красочные картины с яркими цветами испелыми плодами («Красные цветы», 1910, Музей узбекского искусства, Ташкент;«Натюрморт», 1910, Художественный музей, Нижний Новгород; «Натюрморт. Зеленыйкувшин и букет», 1910, Третьяковская галерея, Москва; «Натюрморт. Виноград», 1911,Третьяковскаягалерея,Москва).

Сарьяноченьлюбилписатьцветы.ВКонстантинополехудожник занималкомнату,изокна которой была видна стена большого дома, увитая ветвями с роскошными цветами,

похожими и на акацию, и на сирень. Это была глициния, изумившая мастера гармониейкрасочныхоттенков.КрасотучудесныхцветовСарьян запечатлелна своемхолсте.В1910году «Глицинии» к радости художника впервые были куплены Третьяковской галереейвместе с двумя другими полотнами— «Фруктовой лавочкой» (1910) и картиной «Улица.Полдень.Константинополь».

ВТурцииСарьянвместесосвоимприятелемС.Нерсесяномсовершилпутешествиенагору Чамлыча. С горы, покрытой душистыми травами и благоухающими цветами,живописецпривезроскошныйбукетивскорезапечатлелегонахолсте(«ЦветысЧамлыча»,1910,собраниеР.Г.Дрампяна,Ереван).

ВЕгиптеСарьянаочаровалиэкзотическиецветы—белыелотосы.ХудожниквспоминалосвоемпосещенииботаническогосадавКаире:«Бродяпосаду,ялюбилподолгустоятьнаберегу озерца, где росли цветущие лотосы. На гладкой зеркальной поверхности воды ихбелыечашибылиособеннохороши.Явздумалукрастьодинизцветков,чтобынарисоватьего,нонезнал,какэтосделать,чтобынезаметили.Ивотоднаждыякрадучисьподошелкозеру и только было протянул руку, чтобы сорвать цветок, как внезапно раздался чей-тогрозныйокрик.Этобылсторож.Ясейчасжеотскочилипоспешнопокинулсад».НолотосСарьянвсе-такинаписал(«Лотос»,1911,Художественныймузей,Иваново).

ВЕгиптехудожниксоздавалглавнымобразомкартинысизображениемприроды.Вэтихполотнах преобладают коричнево-желтые и синие оттенки, напоминающие цветбезжизненных песков пустыни и безоблачного неба. В немногочисленных натюрмортахзритель видит все теже тона египетской земли. Таков «Натюрморт (Коричневая гамма)»(1912, Картинная галерея Армении, Ереван), где выложенные горками фрукты и ягоды,окруженныекоричнево-серымфоном,вызываютвпамятивеличественныесилуэтыдревнихпирамид.

Целый ряд пейзажей, портретов и натюрмортов был написан Сарьяном в Персии. Внатюрмортах мастера появляются дополнительные мотивы. Это человеческие фигуры(«Натюрморт»,1913,Государственныйхудожественныймузейим.А.Н.Радищева,Саратов),фарфоровые тарелки, вазы, статуэтки, расставленные среди апельсинов, гранат и яблок(«Натюрморт (Светлая гамма)», 1913, Картинная галерея Армении, Ереван), домашниеженскиетуфли(«Персидскийнатюрморт»,КартиннаягалереяАрмении,Ереван).Картины,привезенные мастером с Востока, были показаны на многочисленных выставках, в томчисле организованных «Миром искусства», Московским товариществом художников,Союзом русских художников. Публика и критики с большим интересом встретили этиработы.

М.С.Сарьян.«Натюрморт»,1913,Государственныйхудожественныймузейим.А.Н.Радищева,Саратов

М.С.Сарьян.«Натюрморт(Светлаягамма)»,1913,КартиннаягалереяАрмении,Ереван

ВживописиСарьянанетглубинностипространства,главныесвойстваегопроизведений— плоскостная декоративность, обобщенность рисунка, локальность цвета. Художникпочтиникогданесмешивалкраски.Этуособенностьсвоегометодаонпрокомментировалтак: «Краски, как и люди, обладают своей неповторимой индивидуальностью, и надо ееуважать.Краски в картине должныбыть как солисты в ансамбле, а не какпевчие в хоре,которых воспринимают не поодиночке, а группами или даже всех вместе. Что заудовольствие видеть вместо отдельных интересных лиц безликую толпу». РаботалСарьяноченьбыстро.Большинствоегополотенвыполненовсегозаодинсеанс.Неделалмастерипредварительныхэскизов.

В начале Первой мировой войны Сарьян оставил Москву и приехал в Армению.Причинойэтогосталитрагическиесобытия,связанныессудьбойегонарода:в1915годуврезультате кровавых погромов были уничтожены сотни тысяч армян, проживавших вТурции. Оставшиеся в живых спасались бегством и уезжали в Закавказье. Художник,пытавшийсяпомочьбеженцам,тяжелозаболел,идрузьяувезлиеговТифлис,гдевтовремяжилимногие известные деятели армянского искусства и культуры.В этот периодСарьянпродолжал писать портреты, пейзажи, натюрморты, основными мотивами которых были

цветыифрукты(«Желтыецветы(ДжанГюлюм)»,1914,музей«КоллекцияА.Я.Абрамяна»,Ереван; «Цветы Калаки», 1914, Картинная галерея Армении, Ереван). Необычнакомпозиция,названнаямастером«Большойвосточныйнатюрморт.Маски»(1915,МузейМ.С. Сарьяна, Ереван), где в кажущемся беспорядке разложены разнообразные фрукты,статуэтки,женскиетуфли,маски.

В 1916 годуСарьян связал свою судьбу с дочерьюизвестного армянского писателя—Лусик Агаян. В семье появились сыновья — Саркис, впоследствии ставший историкомармянской и итальянской литературы, и Газарос, в дальнейшем выбравший профессиюкомпозитора.

В 1921 году семья переехала в Ереван. Здесь было создано множество пейзажей,портретов, жанровых композиций. Не оставлял художник и натюрморт. На его полотнахпоявлялись прежние мотивы — спелые плоды, лежащие на тарелках или же попростуразложенные по всей поверхности стола («Натюрморт. Плоды», 1925, не сохранился;«Натюрморт»,1927,несохранился).ИногдаСарьянобъединялнаодномполотнедважанра— портретный и натюрморт («Портрет Лусик Сарьян», 1925; «Натюрморт савтопортретом», 1927, не сохранился). Интересен «Натюрморт» 1925 года, хранящийся вМузее М. С. Сарьяна в Ереване. Художник обыгрывает внешнее сходство предметов —оранжевыхабрикосовипушистыхпомпоновнаголубыхженскихтапочках,изрительдолгогадает,чтожеэто:детальобувиилиспелыефрукты.

М.С.Сарьян.«ЦветыКалаки»,1914,КартиннаягалереяАрмении,Ереван

М.С.Сарьян.«Натюрморт»,1925,МузейМ.С.Сарьяна,Ереван

НосамымлюбимыммотивомСарьянавсегдаоставалисьбукетыцветов.Мастерписал:«Чтоможетбытькрасивеецветов,украшающихжизньчеловека?Вгорахиливущельях,вполях или даже в городе, утомленный сутолокой, проходишь мимо цветочниц и, увидевцветы,сразужезаражаешьсярадостнымнастроением.Какхорошибукеты!..Чистотукрасок,прозрачностьиглубину,которыемывидимвцветах,можновидетьтольковоперенииптицивплодах».

ЖивописьСарьянапользоваласьбольшимуспехомнетольковРоссиииАрмении,ноивдругихстранах.ЕгополотнабылипоказанынавыставкахвИталии,Франции.В1928годувПариже прошла персональная выставка армянского художника. К глубокому сожалению,картины,отправленныеизстолицыФранциидомой,сгореливовремяпожаранапароходе.Погиблиимногиеизвышеперечисленныхнатюрмортовмастера.

МартиросСарьянактивноучаствовалвдеятельностиОбществахудожниковиОбществаохраны памятников старины, а также работал директором ГосударственногохудожественногомузеяАрмениивЕреване.

АркадийАлександровичПластов(1893–1972)

В1917году,послесвершенияреволюции,АркадийПластовуехализМосквыксебенародину, в деревню Прислониху. Он активно участвовал в деятельности сельского совета,комитетабедноты,трудилсявполе,гдевыполнялзнакомуюсдетствакрестьянскуюработу.

АркадийАлександровичПластовродилсявдеревнеПрислонихеСимбирскойгубернии.Дед и отец мальчика были иконописцами. Они и стали первыми учителями будущегоживописца.

В 1908 году Пластов поступил в духовную семинарию в Симбирске. Его дарованиезаметил учитель рисования Д. И. Архангельский. Он познакомил юношу с творчествомизвестныхрусскихиевропейскиххудожников.

В1912годуПластовприехалвМоскву,чтобыпоступитьвУчилищеживописи,ваянияизодчества. Но, не выдержав экзамена, юноша стал вольнослушателем скульптурногоотделенияСтрогановскогоучилища.

Москва очень понравилась Пластову. В свободное время он бродил по ее улицам,любовался старинными зданиями и храмами, посещал музеи. Особенно привлекала егоТретьяковскаягалерея.

Два года занятий в Строгановском училище под руководством художника Ф. Ф.Федоровского сделали свое дело, и Пластов наконец стал студентом скульптурногоотделения Московского училища живописи, ваяния и зодчества. Его наставниками былискульпторС.М.Волнухин,живописцыА.М.Васнецов,П.Д.Корин,А.Е.Архипов,Л.О.Пастернак.С 1917по 1925 годПластовжил в родной деревнеПрислонихе.Онпринималактивноеучастие в работеновых сельскихорганов, трудился вполеи рисовал.Моделямиегопроизведенийбылиодносельчане.

В 1925 году Пластов вернулся в Москву. Он работал над плакатамисельскохозяйственнойтематики.АлетомхудожникуезжалвПрислонихуписатьнатурныеэтюды.Пожар,случившийсяв1931году,уничтожилвдеревненесколькодомов,втомчислеидомПластова.Сгореливсеегоработы.Чтобывосполнитьутраченное,живописецначалупорнотрудитьсянадновымикартинами.

В1935годунавыставкевМосквеПластовпродемонстрировалрядсвоихработнатемусельской жизни («Сенокос», «Колхозная конюшня», «Стрижка овец»). В 1937 годупоявиласькомпозиция«Колхозныйпраздник».Этомуполотнупредшествовалакропотливаяработаимножестворисунковиэскизов.

Однихтолькоэтюдовк«Колхозномупразднику»Пластовнаписалболеедвухсот.Главные героипроизведениймастера—людисела, труженики,живущиев согласиис

природой. Художник внимателен не только к людям, но и к тому, что их окружает.ПредметынакартинахПластова—непростообычныевещи,ягоды,грибы,цветы.Мастервкладываетвизображениеособыйсмысл,всегдасоотносимыйсчеловеческимбытием.Так,на полотне «Подсолнухи» (1941) зритель видит освещенные солнечным светом огромные

цветы.Нафонепокрытоголегкимиоблакаминебаонисаминапоминаютмаленькиеяркиесолнышки.Желтыебликииголубыерефлексыделаютэтирастенияудивительноживыми.Ив то же время мы ощущаем, что это не просто цветы: растущие в поле подсолнухи наполотне Пластова становятся воплощением силы и плодородия земли. Ароматом свежейхвоивеетоткорзинысгрибами,принесеннымиизлесакем-тоиздеревенскихгрибников.Корзина настолько полна, что грибы высыпаются на гладкое сиденье деревянного стула(«Груздивкорзине»,1950).

А.А.Пластов.«Подсолнухи»,1941

А.А.Пластов.«Груздивкорзине»,1950

Натюрморт занимает важное место и в жанровых картинах Пластова («Жатва», 1945,Третьяковская галерея, Москва; «Ужин трактористов», 1951, Художественный музей,Иркутск). В чудесной композиции «Летом» (1954, Русский музей, Санкт-Петербург) напервом плане зритель видит настоящий натюрморт — две большие корзины с грибами,кувшин,эмалированнуюкружку,вкоторуюдевочкассыпаетягодыспелойземляники.Всепредметы выглядят осязаемо реальными нафоне сочной зеленой травы и нежно-лиловыхцветов. Глядя на это полотно, ощущаешь восхищение автора красотой родной земли, еебогатствомищедростью.

Пластов был также прекрасным портретистом, хотя сам он не считал себя таковым иникогда не выставлял свои портреты. Зрители увидели их лишь на посмертной выставкехудожникав1975году.

ЕвсейЕвсеевичМоисеенко(1916–1988)

ЕвсейМоисеенко много путешествовал. Во второй половине 1970-х годов он посетилцелый ряд европейских стран. Художник побывал в Испании, Франции, Бельгии,Нидерландах,Греции.Любуяськрасотойархитектуры,посещаямузеиикартинныегалереи,художник не забывал о работе. Он сделал множество рисунков, набросков, эскизов. Вовремя путешествий появилось также несколько картин, среди которых— «В мастерскойЭльГреко»,«Гренада»(обе—1975),«Антигона»(1977).

Живописец Евсей Евсеевич Моисеенко родился недалеко от города Гомеля, в селеУваровичи. В 1931 году он стал студентом Московского художественно-промышленногоучилища. В 1936 году молодой художник поступил в Институт живописи, скульптуры иархитектурыприАкадемиихудожестввЛенинграде.

ВеликаяОтечественнаявойнапомешалаМоисеенкозавершитьобучение.В1941годуонотправилсянафронтдобровольцем.

В1945 году художникпродолжил занятия в институте.В 1947 годуполотно «ГенералДоватор»принеслоемузваниехудожника-живописца.

Е.Е.Моисеенко.«Натюрморт»,1978

Обладавший очень экспрессивной, темпераментной творческой манерой, Моисеенкоумел быть элегичным («Черешня», «Комиссар», обе — 1969). Его картины отличаютсяпродуманностью композиции и тщательной разработкой живописной фактуры, и в то жевремяоникажутсясвободными,импровизированными.

Яркий талант Моисеенко и его художественный артистизм проявились в жанровыхкомпозициях, портретах («А. А. Осмеркин», 1970) и натюрмортах («Натюрморт», 1978;«Натюрмортслилиями»,1978;«Натюрмортсиконой»,1979).

АкопАкопян(род.в1923)

ПрекрасныйживописецАкопянпринималучастиевкрупныххудожественныхвыставкахФранции и Египта, его картины украшали музеи Каира и Александрии. Тем не менеепостоянный заработок художнику приносила не живопись, а деятельность в качестведекоратораинтерьера.

Армянский художник Акоп Акопян родился в Египте, в городе Александрии, в семьефотографа.ЕгопервоезнакомствосизобразительнымискусствомпроисходиловначальнойармянскойшколеМелконянанаКипре.ЗатемюношаобучалсявКаирскомхудожественноминституте.В1952годуАкопянвпервыеприехалвПариж, где занималсявчастнойшколеживописи и рисунка, а также в академии Гранд-Шомьер.Французское искусство оказалоогромноевлияниенаформированиетворческойманерыАкопяна.Особенноявнотрадициифранцузскойшколыживописи ощущаются в раннем творчествемастера, но и в его болеепозднихработахонитакжехорошозаметны.

Ранние картины Акопяна представляют собой небольшие по размерам полотна,изображающие интерьеры с одинокими человеческими фигурами. Люди в этихкомпозицияхлишеныиндивидуальности.

Художнику важно дать социальную характеристику персонажей — домохозяйки,прачки, официанта, портного. Именно «маленький человек» являлся героем не толькоевропейскойживописи,ноилитературыикинематографиивсерединеXXстолетия.ГероипроизведенийАкопянавыглядяточеньодинокими,онинесмотрятназрителя,нестремятсяоткрыть ему свои чувства и переживания («Официант», «Портной», оба — в 1959,КартиннаягалереяАрмении,Ереван).

Излюбленным жанром молодого художника был также натюрморт. Обычно Акопянвыбиралдлясвоихкомпозицийпростыеискромныепредметыповседневногобыта:бутыли,примусы, кофейники, миски. Глядя на тесно сгруппированные в пространстве полотнавещи,зрительощущаетихнерасторжимуюсвязьсхозяевами(«Натюрмортсвеником»,1959,собрание Л. Элояна, Ереван; «Уголок кухни», 1960, Картинная галерея Армении, Ереван;«Натюрмортсгитарой»,1960,собраниеО.Шокарева,Ереван).

А.Акопян.«Натюрмортсгитарой»,1960,собраниеО.Шокарева,Ереван

В жанровых картинах, написанных мастером в конце 1950 — начале 1960-х годов,натюрморттакжезанимаетважноеместо («Женщинавкухне»,1959;«Женщина,жарящаярыбу», 1962, обе — в собрании А. Акопяна). Но здесь незримая связь между вещами ичеловеком практически отсутствует. Изображая предметы, мастер лишь фиксируетсуществующийвдействительностиуголокинтерьера.

Один из часто встречающихся в натюрмортах Акопяна мотивов — гроздья чеснока,окрашенныевсеребристо-белыеоттенки.Такжекакярко-желтыйподсолнухуВ.ВанГога,чеснок у Акопяна— явная примета его натюрмортной живописи («Чеснок на балконе»,1957, собрание А. Акопяна; «Натюрморт с чесноком и плетеной корзинкой», 1961,КартиннаягалереяАрмении,Ереван).

Картинам со связками чеснока свойственны ясность и строгость композиционногостроя, цельность и красочная гармония. В отличие от натюрмортов прежних лет в этихполотнахотсутствуетпредметнаяскученность,даисамипредставленныездесьвещиболееразнообразныиинтересны.Крометого,полотнасосвязкамичеснокадинамичныинестользамкнуты. Посветлела и цветовая гамма этих натюрмортов, а живопись сталанеобыкновеннолегкой,почтивоздушной.

Хотя выбор предметов по-прежнему кажется естественным, в сочетаниях вещейчувствуется некоторая отстраненность, и именно это делает натюрморты эмоционально

выразительными. В этом отношении особенно интересна картина, где висящий на стенечеснокпоказанрядомсзолотистойберестянойкорзинкой,лопаткойдлявыбиванияковров,сплетенной из сухой лозы, и керосиновой лампой («На вешалке», 1961, собрание А.Акопяна).

А.Акопян.«Навешалке»,1961,собраниеА.Акопяна

А.Акопян.«Цветы»,1975,собраниеА.Акопяна

Предметы, представленные в натюрмортах с мотивами чеснока, кажутся простыми иобыденными.Этоплетеные корзинки, старые туфли,фартук.Но светлые головкичеснокавносят в скромный набор вещей несколько неожиданную, даже экзотическую ноту иопределяютобщуютональность,делаякартинысветлыми,почтипрозрачными.

Натюрмортысосвязкамичесноканеявляютсяаллегорическими,итемнеменеевнихесть некоторая многозначность и загадочность. Кажется, что вещи оживают ивзаимодействуютдругсдругом.

Осенью 1962 года Акопян приехал на свою историческую родину — в Армению. Вследующем году в трех армянских городах прошли его персональные выставки,представившие художника как полностью сложившегося мастера, обладающего яркойиндивидуальностью. Именно в это время в творчестве Акопяна появился новый для негожанр—пейзаж.

Приехав в Армению, художник поселился в Ленинакане. Первым ленинаканскимпейзажамсвойственнапространственнаязамкнутость,тихиепустынныеулицынапоминаютскорее интерьер, нежели городской ландшафт («Ворота. Ленинакан», 1963, собраниеШ.Хачатряна,Ереван).

СтечениемвременивпейзажахАкопянапоявиласьпространственнаяглубина,ивсежеэтипроизведениязначительноотличалисьотвоздушныхисолнечныхполотенхудожников,родившихсяивыросшихвАрмении.

В безлюдных и печальных ландшафтах Акопяна ощущается влияние французскихмастеров,вчастностиМорисаУтрилло(«Улица.Ленинакан»,1965,ГосударственныймузейнародовВостока,Москва).

Необычныеленинаканскиепейзажипривлекливниманиепублики,доселеневидевшейподобного.

В1966–1970годахАкопянжилиработалвармянскихселенияхАгавнадзориМалишка,где создал большую серию эпических пейзажей («Полдень в Агавнадзоре», 1966,ГосударственныймузейнародовВостока,Москва;«УтровАгавнадзоре»,1968,собраниеП.Филяна, Ереван; «Деревня Малишка», 1970, Государственный музей народов Востока,Москва).

Интерес к пейзажной живописи заслоняет прежде любимый им жанр— натюрморт.Акопянвозвращаетсякнемулишьвконце1960-хгодов.

Лаконичныи в тоже времяудивительноутонченнынатюрмортысцветами («Цветы»,«Розы», оба—в 1975, собраниеА.Акопяна; «Цветыифартук», 1976,филиалКартиннойгалереиАрмении,Кировокан;«Розыиперчатки»,1977,собраниеА.Меликсетяна,Ереван).Такие предметы, как цветыи гитара, также характерныдля натюрмортовмастера, как исвязки чеснока («Гитара и мольберт», 1967, Министерство культуры Армении, Ереван).Художниктщательновыстраиваеткомпозициюэтихпроизведений,очищаетотвсего,поегомнению,случайногоилишнего.

Иногда для своих картин Акопян выбирает совершенно неожиданные предметы. Онзаключаетвформуклассическогонатюрмортатакиевещи,какрезиновыеперчатки,яйцавметаллическихкорзинках, сушенуювоблу, ощипанныхкур, слесарныеинструменты,и какбудтоне стремится эстетизироватьих, сделатьболеепривлекательными («Курицаи яйца.Натюрморт»,1969,Музейсовременногоискусства,Ереван;«Фартукияйца»,1972;«Рыбывкорзине», 1976, филиалКартинной галереиАрмении, Ереван; «Столярные инструменты»,1976; «Испуганные инструменты. Натюрморт», 1979; «Инструменты и яйца. Агрессия»,1980,все—всобранииА.Акопяна).

ЕслипейзажиАкопянапроникнутытишинойиспокойствием,тоегонатюрмортыполныдраматизма. Художник словно переносит в мир вещей атмосферу сложных,трудноразрешимыхчеловеческихотношений.Всамомпростомиобыденноммастервидитнеожиданное. Человеческие темпераменты, чувства, страсти воплощают «персонажи»мертвой натуры. Так, в натюрмортах с рыбой и перчатками зритель видит странныевзаимоотношения между предметами («Рыбы и перчатки», 1973, собрание А. Акопяна).

Порой они разыгрывают целые драматические сцены. Конфликтные ситуации возникаютмежду двумя сушеными рыбами, перчатками и воблами, клещами и пассатижами(«Инструменты»,1977,собраниеА.Акопяна).

В каждом натюрморте с повторяющимися группами предметов живописец создаетсложные «мизансцены», в которых действие развивается чрезвычайно напряженно.Обычные предметы превращаются в символы и аллегории. Художник обладаетпоразительной способностью видеть в простых деталях человеческого быта нечтонеожиданное,австатичной,устойчивойкомпозициипередатьизменчивое.

А.Акопян.«Инструментыияйца.Агрессия»,1980,собраниеА.Акопяна

Большой интерес представляют два цикла полотен с манекенами и мужскимикостюмами на стульях.Манекены в произведениях Акопяна символизируют женственноеначало. Мастер набрасывает на них куски тканей, наряжает в платья. Нередко онизображает рядом с манекенами букеты цветов, тем самым подчеркивая изящество этихнеподвижныхфигур.

Но в некоторых случаях художник помещает грациозный манекен в непривычную длянегосреду—нагородскуюулицу,гдеобычныйатрибутинтерьеракаждогошвейногоательевыглядитбеззащитныминеобыкновеннолегким.Живописецодухотворяетвещи,ноэтонелишаетихматериальности.

Острым драматизмом проникнуты картины с мужскими костюмами. По замыслуАкопяна, эти композиции должны были стать художественным мемориалом в память обармянах, воевавших во французском Сопротивлении, и обо всех представителях нации,погибшихвборьбесфашизмом.Ощущениетрагизмаполотнампридаюттакиедетали,какотсутствие рукава, воротника, а также складки и дыры на ткани. Печально и одиноковисящиенастульяхкостюмынапоминаютпустуюоболочку,которуюпокинулажизнь.Эти

необычные композиции отражают стремление мастера представить человека без егоконкретногообраза.Акопянписал:«Есливозможно,какэтопоказываетисторияискусства,изображая отдельные части человеческого тела (голову, лицо, торс, руки), выразитьиспытываемые человеком чувства, то почему же нельзя добиться того же с помощьюодежды?»

А.Акопян.«Натюрмортсманекеном»,1982,собраниеА.Акопяна

С середины 1970-х годов в творчество художника входит новый жанр — портрет. Визображенияхсвоихсовременниковмастерпытаетсяпередатьглавныечертыиххарактеров

(«ПортреткинорежиссераА.Пелешяна»,1974;«ПортретписателяВ.Ананяна,1976,оба—всобранииА.Акопяна).

Приехав в Армению уже сложившимся мастером, художник сумел показатьсоотечественникамсвойталантвовсемегоблеске.Ивтожевремяеготворчествосовсемнепохоженаискусствоармянскихживописцев.

Главным средством художественной выразительности в творчестве Акопяна всегдаоставался рисунок. В отличие от ярких эмоциональных картин художников Армении егополотна кажутся сдержанными и почти монохромными. Но зритель понимает, кактщательноразрабатываетмастерсвоикомпозиции,выполненныевсветлыхимягкихтонах,делающихживописьлегкойисветоносной.

ВладимирФедоровичСтожаров(1926–1973)

Тематика работ Стожарова определилась еще в ученические годы, когда студентХудожественного института им. В. И. Сурикова совершал поездки по родной стране.Красота русской земли, ее старинная архитектура, простой быт обитателей северныхдеревень — все это запало в душу молодого живописца, посвятившего свое творчествоРоссии.

Живописец Владимир Федорович Стожаров родился в Москве. В 1939–1945 годах онобучался в средней художественной школе при Московском государственномхудожественноминститутеим.В.И.Сурикова,ав1945–1951годахявлялсястудентомэтогоинститута.

Стожаров много путешествовал. Он посетил Костромскую и Ярославскую области,Сибирь,озераБайкалиИссык-Куль, совершилпоездкупоЕнисеюиАнгаре,поСевернойДвине и Пинеге. Художник побывал в Италии, Франции, Англии, Румынии. Но главнойтемой его творчества всегда оставалась Россия, русский Север. Мастера привлекалистаринныебелокаменныесоборы,деревнипоберегамСевернойДвины,бревенчатыеизбы,веселыенародныегулянья.

В.Ф.Стожаров.«Хлеб,соль,братина»,1964,Третьяковскаягалерея,Москва

Излюбленными жанрами Стожарова были пейзаж и натюрморт. В его картинахгармонично сочетаются цельность общего впечатления и тонкая наблюдательность, скоторойпереданымногочисленныедетали.Натюрмортыхудожника—настоящийапофеозРусской земли, ее основ, идущих из глубины веков. Главные «персонажи» полотенСтожарова—самовары,хлеба,испеченныеумелымихозяйками,братины,крынки,кувшиныс квасом («Квас. Натюрморт», 1972, собрание семьи художника). Все эти предметы какбудто хранят тепло сильных и добрых человеческих рук.Мир простых и скромных вещейпредстает на удивительно поэтичной картине «Хлеб, соль, братина» (1964, Третьяковскаягалерея,Москва).Стожаровумелоподобралпредметыдляэтойкомпозиции.Зрительвидиткараваи хлеба, вышитое полотенце, эмалированную кружку, бутылку — самые обычныедетали, соседствующие рядом со старинной братиной, на боку которой висит чарка.Картина лишена бытового начала, все, представленное на ней, — не просто элементыскромногочеловеческогобыта,аобразпрочностиимощиземли.

В.Ф.Стожаров.«Квас.Натюрморт»,1972,собраниесемьихудожника

Живопись Стожарова— глубоко национальное явление. Его гармоничные и цельныеполотнапронизаныискреннимвосхищениемкрасотойроднойземли,отмеченыогромныминтересомиуважениемкпрошломуинастоящемустраны.

Художникбылзамечательнымколористом.Плотные,густыемазки,глубокиеизвучныекрасочные оттенки придают его картинам монументальность и значимость. Несмотря насвоюпоэтичность,натюрмортыипейзажимастеранелишеныматериальности.

Выполненные с большим мастерством произведения Стожарова полны внутреннейэнергииисилы,ипотомуониисейчаспродолжаютинтересоватьзрителя.Работымастераукрашаютмногиекрупнейшиемузеивнашейстранеизарубежом.