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CHANDOS

CHAN 10341 BBC Philharmonic GIANANDREA NOSEDA

Ce qu’on entend sur la montagne • Tasso: Lamento e TrionfoLes Préludes • Orpheus

LisztSYMPHONIC POEMS VOL. 1

CHAN 10341 Booklet cover 7/4/05 3:50 PM

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Franz Liszt (1811–1886)

Symphonic Poems, Volume 1

Ce qu’on entend sur la montagne, S 95 30:42BergsymphonieSymphonic Poem No. 1Poco allegro – Poco a poco più di moto – Allegro mosso –Maestoso assai – Alla breve – Allegro con moto – 5:42Allegro maestoso, sempre alla breve – 4:16Allegro agitato assai – Un poco meno mosso – 3:37Andante religioso – Allegro moderato (alla breve) –Allegro moderato – 5:39Allegro. Poco a poco più di moto – Allegro animato e brioso –Animato – Più moderato – Andante religioso –Allegro moderato 11:27

Tasso: Lamento e Trionfo, S 96 19:54Symphonic Poem No. 2Lento – Allegro strepitoso – Lento – Adagio mesto – 8:36Meno adagio – 2:02Allegretto mosso con grazia (quasi menuetto) –Poco a poco più di moto – Allegro strepitoso – Lento assai – 4:32Allegro con molto brio – Poco a poco più mosso –Quasi presto – Moderato pomposo – Stretto. Molto animato 4:44

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Franz Liszt, Munich, 1858

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Ce qu’on entend sur la montagne, S 95 30:42BergsymphonieSymphonic Poem No. 1Poco allegro – Poco a poco più di moto – Allegro mosso –Maestoso assai – Alla breve – Allegro con moto – 5:42Allegro maestoso, sempre alla breve – 4:16Allegro agitato assai – Un poco meno mosso – 3:37Andante religioso – Allegro moderato (alla breve) –Allegro moderato – 5:39Allegro. Poco a poco più di moto – Allegro animato e brioso –Animato – Più moderato – Andante religioso –Allegro moderato 11:27

Tasso: Lamento e Trionfo, S 96 19:54Symphonic Poem No. 2Lento – Allegro strepitoso – Lento – Adagio mesto – 8:36Meno adagio – 2:02Allegretto mosso con grazia (quasi menuetto) –Poco a poco più di moto – Allegro strepitoso – Lento assai – 4:32Allegro con molto brio – Poco a poco più mosso –Quasi presto – Moderato pomposo – Stretto. Molto animato 4:44

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Between 1848 and 1858 Liszt wrote twelve‘symphonic poems’, the first six beingpublished in 1856, and the remainderbetween 1857 and 1861. He coined the termSymphonische Dichtung around 1853 todescribe these musical works whose ideaswere inspired by other art forms, such aspoetry or painting, or by characters andscenes from history or legend. There hadbeen earlier musical depictions of scenes inworks such as Beethoven’s Pastoral Symphonyand Berlioz’s Symphonie fantastique, evenVivaldi’s ‘Four Seasons’, and composers hadwritten works which they described as‘overtures’, that had a specific literaryinspiration, such as Mendelssohn’s EinSommernachtstraum (A Midsummer Night’sDream, 1826) and Meeresstille und glücklicheFahrt (Calm Sea and Prosperous Voyage,1828). Many of Liszt’s piano works from the1830s are inspired by literature, moods orenvironments, but the term ‘symphonicpoem’ was chosen specifically to describe asingle-movement work written for orchestra,of a type that is often referred to as‘programme music’. Whereas Berlioz used a

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Les Préludes, S 97 16:04Symphonic Poem No. 3Andante – Andante maestoso – L’istesso tempo –L’istesso tempo – 6:30Allegro ma non troppo – Allegro tempestoso –Un poco più moderato – 3:23Allegretto pastorale – Poco a poco più di moto –Allegro marziale animato – Andante maestoso 6:11

Orpheus, S 98 11:35Symphonic Poem No. 4Andante moderato – Un poco più di moto – Lento –Poco a poco più di moto – Andante con moto – Lento

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BBC PhilharmonicYuri Torchinsky leader

Gianandrea Noseda

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narrative technique (for example, in the‘March to the Scaffold’ of his Symphoniefantastique describing events that culminatein the decapitation of the hero), Liszt chosein his works to represent an overall mood orcharacter rather than specific details. He didthis particularly in the symphonic poems thatrepresented traits of a character, as inPrometheus (1850) and Orpheus (1853–54)as well as Hamlet (1858). The symphonicpoem flourished in the second half of thenineteenth century, with Tchaikovsky,Smetana and Saint-Saëns successfully usingthe genre, and reached its zenith with thecompositions of Richard Strauss who calledhis works ‘tone poems’.

At the time Liszt began work on the firstof his symphonic poems, he had written verylittle for orchestra. He was not confident inhis powers to orchestrate and engaged thehelp of August Conradi (1821–1873), andafterward that of Joachim Raff (1822–1882).It used to be thought that these early workswere fully orchestrated by Liszt’s assistants,but Peter Raabe has proved that in the finalversion of the scores, everything is the

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Between 1848 and 1858 Liszt wrote twelve‘symphonic poems’, the first six beingpublished in 1856, and the remainderbetween 1857 and 1861. He coined the termSymphonische Dichtung around 1853 todescribe these musical works whose ideaswere inspired by other art forms, such aspoetry or painting, or by characters andscenes from history or legend. There hadbeen earlier musical depictions of scenes inworks such as Beethoven’s Pastoral Symphonyand Berlioz’s Symphonie fantastique, evenVivaldi’s ‘Four Seasons’, and composers hadwritten works which they described as‘overtures’, that had a specific literaryinspiration, such as Mendelssohn’s EinSommernachtstraum (A Midsummer Night’sDream, 1826) and Meeresstille und glücklicheFahrt (Calm Sea and Prosperous Voyage,1828). Many of Liszt’s piano works from the1830s are inspired by literature, moods orenvironments, but the term ‘symphonicpoem’ was chosen specifically to describe asingle-movement work written for orchestra,of a type that is often referred to as‘programme music’. Whereas Berlioz used a

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Les Préludes, S 97 16:04Symphonic Poem No. 3Andante – Andante maestoso – L’istesso tempo –L’istesso tempo – 6:30Allegro ma non troppo – Allegro tempestoso –Un poco più moderato – 3:23Allegretto pastorale – Poco a poco più di moto –Allegro marziale animato – Andante maestoso 6:11

Orpheus, S 98 11:35Symphonic Poem No. 4Andante moderato – Un poco più di moto – Lento –Poco a poco più di moto – Andante con moto – Lento

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narrative technique (for example, in the‘March to the Scaffold’ of his Symphoniefantastique describing events that culminatein the decapitation of the hero), Liszt chosein his works to represent an overall mood orcharacter rather than specific details. He didthis particularly in the symphonic poems thatrepresented traits of a character, as inPrometheus (1850) and Orpheus (1853–54)as well as Hamlet (1858). The symphonicpoem flourished in the second half of thenineteenth century, with Tchaikovsky,Smetana and Saint-Saëns successfully usingthe genre, and reached its zenith with thecompositions of Richard Strauss who calledhis works ‘tone poems’.

At the time Liszt began work on the firstof his symphonic poems, he had written verylittle for orchestra. He was not confident inhis powers to orchestrate and engaged thehelp of August Conradi (1821–1873), andafterward that of Joachim Raff (1822–1882).It used to be thought that these early workswere fully orchestrated by Liszt’s assistants,but Peter Raabe has proved that in the finalversion of the scores, everything is the

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composer’s. In these works Liszt pushed theboundaries of orchestration, form, harmonyand structure and often employedmetamorphoses of themes. Of these works hewrote,

Although I was concerned to make clear myintentions by means of exact markings, I stilldo not conceal that much, possibly what isessential, cannot be committed to paper andcan only achieve a thorough effect by artisticmeans, by a sympathetic, spirited reproduction,on the part of both the conductor and theperformers.

The first of Liszt’s symphonic poems, Cequ’on entend sur la montagne (1848–49),was inspired by a poem of Victor Hugo inthe collection Feuilles d’automne, andsketched during the late 1840s. Liszt triedthe work in performance in Weimar, theearly orchestral parts bearing the title‘Overture by Franz Liszt’, and it also becameknown as Bergsymphonie (MountainSymphony). It is the longest of the twelvepoems – a thirteenth, Von der Wiege bis zumGrabe (From the Cradle to the Grave), waswritten at the end of Liszt’s life – and wasoriginally prefaced by a prose adaptation ofHugo’s poem, as Liszt liked to distil theemotional ideas of the work that had inspiredhim into an adumbration that would

facilitate a manageable musical form, andpresent the elements of the poem in a way tosuit more closely therefore the structure ofthe musical composition:

The poet perceives two voices; oneunfathomable, glorious and orderly, pouringforth its song of praise to the Lord; the otherdull, full of sounds of pain, of crying,blasphemies and cursing. One voice is nature,the other mankind. Both voices struggletowards each other, cross and merge into eachother until they finally unite in consecratedcontemplation and afterwards die away.

Liszt’s next symphonic poem originated asan overture for a performance of Goethe’splay Torquato Tasso that marked thecentenary in August 1849 of the author’sbirth. Liszt was not satisfied with theending of Goethe’s work, the demise of thepoet, and based his composition also onThe Lament of Tasso by Lord Byron. It isagain a work of conflicting ideas andemotions – lament and triumph – hence itsfull title, Tasso: Lamento e Trionfo. Afterreworkings by Raff and Conradi, Tasso wasfinally revised and reorchestrated by Lisztand published as Symphonic Poem No. 2. Itis in three sections (ABA), with anintroduction that represents suffering, thework concluding in a blaze of glory.

The most popular of Liszt’s symphonicpoems, Les Préludes, began life as Les QuatreÉlémens, choral settings of four poems byJoseph Autran (1813–1877). These settingswere never published and the orchestral workwhich Liszt then developed, althoughcontaining music from the earlier choralsettings, was linked instead to the fifteenth ofthe Méditations poétiques of Alphonse deLamartine (1790–1869), a work whichexpressed a similar mood to that of Autran’spoems. Liszt’s composition was first performedin 1854 and published as No. 3 of the twelvesymphonic poems. The orchestral score isprefaced with a summary of Lamartine’s ideas:

What is our life but a series of preludes to thatunknown song of which the first solemn note issounded by death? Love, sorrow, peace,victory – thus are the preludes named.

Orpheus, today thought of as one of thebest of the twelve poems, was also premieredin 1854. That same year Liszt had conducteda performance of Gluck’s Orfeo ed Euridicefor the birthday celebrations of the GrandDuchess Maria Pavlovna, and music he hadwritten to frame this performance wasreworked as his fourth symphonic poem.Characteristically, Liszt is not strictlydepicting Orpheus the singer of songs,although the hero’s lyre is alluded to in the

harp parts. As in many of his symphonicpoems, Liszt uses a basic three-part (ABA)structure with introduction.

The symphonic poems were not a successwith contemporary critics. Liszt was deemeda composer who wrote ‘Music of the Future’and went against the classical trends ofMozart and Beethoven. When Les Préludes(1848) and Mazeppa (1851) were performedin Leipzig in March 1857 the sarcasticcorrespondent of Neue Wiener Musikzeitungwrote:

We have discovered one important peculiarityabout them, it is true. We mean the greatpoverty of ideas, and the want of melody andharmony distinguishing them.

In fact, throughout their life these workshave received unfair and biased criticism.The extremes of emotion that Liszt displaysin his music made many listenersuncomfortable, particularly the Victoriansand the generations after. Today it isextraordinary to read that, even as late as1951, Liszt’s symphonic poems were stillreceiving harsh criticism in tomes such asThe Record Guide:

These brief works all have a certain immediatefascination; but the inherent weaknesses ofLiszt’s temperament – his inability to constructorganically, to be serious without becoming

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composer’s. In these works Liszt pushed theboundaries of orchestration, form, harmonyand structure and often employedmetamorphoses of themes. Of these works hewrote,

Although I was concerned to make clear myintentions by means of exact markings, I stilldo not conceal that much, possibly what isessential, cannot be committed to paper andcan only achieve a thorough effect by artisticmeans, by a sympathetic, spirited reproduction,on the part of both the conductor and theperformers.

The first of Liszt’s symphonic poems, Cequ’on entend sur la montagne (1848–49),was inspired by a poem of Victor Hugo inthe collection Feuilles d’automne, andsketched during the late 1840s. Liszt triedthe work in performance in Weimar, theearly orchestral parts bearing the title‘Overture by Franz Liszt’, and it also becameknown as Bergsymphonie (MountainSymphony). It is the longest of the twelvepoems – a thirteenth, Von der Wiege bis zumGrabe (From the Cradle to the Grave), waswritten at the end of Liszt’s life – and wasoriginally prefaced by a prose adaptation ofHugo’s poem, as Liszt liked to distil theemotional ideas of the work that had inspiredhim into an adumbration that would

facilitate a manageable musical form, andpresent the elements of the poem in a way tosuit more closely therefore the structure ofthe musical composition:

The poet perceives two voices; oneunfathomable, glorious and orderly, pouringforth its song of praise to the Lord; the otherdull, full of sounds of pain, of crying,blasphemies and cursing. One voice is nature,the other mankind. Both voices struggletowards each other, cross and merge into eachother until they finally unite in consecratedcontemplation and afterwards die away.

Liszt’s next symphonic poem originated asan overture for a performance of Goethe’splay Torquato Tasso that marked thecentenary in August 1849 of the author’sbirth. Liszt was not satisfied with theending of Goethe’s work, the demise of thepoet, and based his composition also onThe Lament of Tasso by Lord Byron. It isagain a work of conflicting ideas andemotions – lament and triumph – hence itsfull title, Tasso: Lamento e Trionfo. Afterreworkings by Raff and Conradi, Tasso wasfinally revised and reorchestrated by Lisztand published as Symphonic Poem No. 2. Itis in three sections (ABA), with anintroduction that represents suffering, thework concluding in a blaze of glory.

The most popular of Liszt’s symphonicpoems, Les Préludes, began life as Les QuatreÉlémens, choral settings of four poems byJoseph Autran (1813–1877). These settingswere never published and the orchestral workwhich Liszt then developed, althoughcontaining music from the earlier choralsettings, was linked instead to the fifteenth ofthe Méditations poétiques of Alphonse deLamartine (1790–1869), a work whichexpressed a similar mood to that of Autran’spoems. Liszt’s composition was first performedin 1854 and published as No. 3 of the twelvesymphonic poems. The orchestral score isprefaced with a summary of Lamartine’s ideas:

What is our life but a series of preludes to thatunknown song of which the first solemn note issounded by death? Love, sorrow, peace,victory – thus are the preludes named.

Orpheus, today thought of as one of thebest of the twelve poems, was also premieredin 1854. That same year Liszt had conducteda performance of Gluck’s Orfeo ed Euridicefor the birthday celebrations of the GrandDuchess Maria Pavlovna, and music he hadwritten to frame this performance wasreworked as his fourth symphonic poem.Characteristically, Liszt is not strictlydepicting Orpheus the singer of songs,although the hero’s lyre is alluded to in the

harp parts. As in many of his symphonicpoems, Liszt uses a basic three-part (ABA)structure with introduction.

The symphonic poems were not a successwith contemporary critics. Liszt was deemeda composer who wrote ‘Music of the Future’and went against the classical trends ofMozart and Beethoven. When Les Préludes(1848) and Mazeppa (1851) were performedin Leipzig in March 1857 the sarcasticcorrespondent of Neue Wiener Musikzeitungwrote:

We have discovered one important peculiarityabout them, it is true. We mean the greatpoverty of ideas, and the want of melody andharmony distinguishing them.

In fact, throughout their life these workshave received unfair and biased criticism.The extremes of emotion that Liszt displaysin his music made many listenersuncomfortable, particularly the Victoriansand the generations after. Today it isextraordinary to read that, even as late as1951, Liszt’s symphonic poems were stillreceiving harsh criticism in tomes such asThe Record Guide:

These brief works all have a certain immediatefascination; but the inherent weaknesses ofLiszt’s temperament – his inability to constructorganically, to be serious without becoming


conducting courses elsewhere in Italy and inVienna. After winning internationalcompetitions in 1994 he was invited to makehis debut with the Orchestra Sinfonica diMilano Giuseppe Verdi. He has subsequentlyheld appointments as Principal GuestConductor at the Mariinsky Theatre,home of the Kirov Opera and Ballet inSt Petersburg, Principal Conductor of theOrquestra de Cadaqués (a Spanish ensembleconsisting of musicians from Europeansymphony orchestras), Principal GuestConductor of the Rotterdam PhilharmonicOrchestra (1999–2003), Principal GuestConductor of the Orchestra SinfonicaNazionale della RAI and Artistic Director of

the international festival Settimane Musicalidi Stresa. Gianandrea Noseda has workedwith opera companies such as Los AngelesOpera and The Metropolitan Opera, NewYork, and has appeared with internationalorchestras such as the New YorkPhilharmonic, Toronto Symphony Orchestra,City of Birmingham Symphony Orchestra,Chamber Orchestra of Europe, SwedishRadio Symphony Orchestra, OsloPhilharmonic Orchestra, Vienna ChamberOrchestra, Tokyo Symphony Orchestra, andthe Orchestre national de France. SinceSeptember 2002 he has been PrincipalConductor of the BBC Philharmonic, andsince 2003 is an exclusive artist of Chandos.

solemn or pompous, his abuse of theMarch – make them ultimately disappointing.Les Préludes is by no means the best of thebunch, but its popularity seems unshakable.

The writer continues in similar fashion,referring to Les Préludes as ‘frowsy music’. Atthe time only this and one or two other ofthe poems were ever heard in concert.

Yet, though Liszt has always had hisdetractors, ready to brand him cheap andvulgar, he was supported and praised bymany contemporary composers, includingSaint-Saëns, Franck and Smetana, not tomention Wagner. Liszt’s compatriot Bartókcame to realise the pioneering aspect ofLiszt’s talent and wrote:

Studying Liszt afresh, especially less popularworks of his, such as Années de pèlerinage,Harmonies poétiques et religieuses, the FaustSymphony, and the Danse macabre (Totentanz),I discovered at last, beyond external features forwhich I had little sympathy, the composer’s truesignificance. I discovered in him far greatergenius than in Wagner or Strauss.

© 2005 Jonathan Summers

Universally recognised as one of Britain’sfinest orchestras, the BBC Philharmonic isbased in Manchester where it performs

regularly in the magnificent BridgewaterHall, while also touring all over the worldand recording programmes for BBC Radio 3.It has built an international reputation foroutstanding quality and committedperformances over an immensely wide-ranging repertoire. Gianandrea Nosedabecame Principal Conductor in September2002 when Yan Pascal Tortelier, who hadbeen Principal Conductor from 1991,became Conductor Laureate. Vassily Sinaiskyis the orchestra’s Principal Guest Conductor,and Sir Edward Downes (PrincipalConductor 1980–91) is ConductorEmeritus. The BBC Philharmonic hasworked with many distinguished conductorsand its policy of introducing new andadventurous repertoire into its programmeshas meant that many of the world’s greatestcomposers have conducted the orchestra. In1991 Sir Peter Maxwell Davies became theBBC Philharmonic’s first everComposer/Conductor and was succeeded in2000 by James MacMillan.

Gianandrea Noseda has earned aninternational reputation as an outstandingconductor. He was born in Milan where hebegan his musical studies in piano,composition and conducting, later attending

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conducting courses elsewhere in Italy and inVienna. After winning internationalcompetitions in 1994 he was invited to makehis debut with the Orchestra Sinfonica diMilano Giuseppe Verdi. He has subsequentlyheld appointments as Principal GuestConductor at the Mariinsky Theatre,home of the Kirov Opera and Ballet inSt Petersburg, Principal Conductor of theOrquestra de Cadaqués (a Spanish ensembleconsisting of musicians from Europeansymphony orchestras), Principal GuestConductor of the Rotterdam PhilharmonicOrchestra (1999–2003), Principal GuestConductor of the Orchestra SinfonicaNazionale della RAI and Artistic Director of

the international festival Settimane Musicalidi Stresa. Gianandrea Noseda has workedwith opera companies such as Los AngelesOpera and The Metropolitan Opera, NewYork, and has appeared with internationalorchestras such as the New YorkPhilharmonic, Toronto Symphony Orchestra,City of Birmingham Symphony Orchestra,Chamber Orchestra of Europe, SwedishRadio Symphony Orchestra, OsloPhilharmonic Orchestra, Vienna ChamberOrchestra, Tokyo Symphony Orchestra, andthe Orchestre national de France. SinceSeptember 2002 he has been PrincipalConductor of the BBC Philharmonic, andsince 2003 is an exclusive artist of Chandos.

solemn or pompous, his abuse of theMarch – make them ultimately disappointing.Les Préludes is by no means the best of thebunch, but its popularity seems unshakable.

The writer continues in similar fashion,referring to Les Préludes as ‘frowsy music’. Atthe time only this and one or two other ofthe poems were ever heard in concert.

Yet, though Liszt has always had hisdetractors, ready to brand him cheap andvulgar, he was supported and praised bymany contemporary composers, includingSaint-Saëns, Franck and Smetana, not tomention Wagner. Liszt’s compatriot Bartókcame to realise the pioneering aspect ofLiszt’s talent and wrote:

Studying Liszt afresh, especially less popularworks of his, such as Années de pèlerinage,Harmonies poétiques et religieuses, the FaustSymphony, and the Danse macabre (Totentanz),I discovered at last, beyond external features forwhich I had little sympathy, the composer’s truesignificance. I discovered in him far greatergenius than in Wagner or Strauss.

© 2005 Jonathan Summers

Universally recognised as one of Britain’sfinest orchestras, the BBC Philharmonic isbased in Manchester where it performs

regularly in the magnificent BridgewaterHall, while also touring all over the worldand recording programmes for BBC Radio 3.It has built an international reputation foroutstanding quality and committedperformances over an immensely wide-ranging repertoire. Gianandrea Nosedabecame Principal Conductor in September2002 when Yan Pascal Tortelier, who hadbeen Principal Conductor from 1991,became Conductor Laureate. Vassily Sinaiskyis the orchestra’s Principal Guest Conductor,and Sir Edward Downes (PrincipalConductor 1980–91) is ConductorEmeritus. The BBC Philharmonic hasworked with many distinguished conductorsand its policy of introducing new andadventurous repertoire into its programmeshas meant that many of the world’s greatestcomposers have conducted the orchestra. In1991 Sir Peter Maxwell Davies became theBBC Philharmonic’s first everComposer/Conductor and was succeeded in2000 by James MacMillan.

Gianandrea Noseda has earned aninternational reputation as an outstandingconductor. He was born in Milan where hebegan his musical studies in piano,composition and conducting, later attending

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sinfonischen Dichtung begann, hatte er erstwenig für Orchester komponiert. Er hattekein großes Selbstvertrauen, was dieInstrumentierung anbelangte, und nahmdaher die Hilfe August Conradis(1821–1873) und später Joachim Raffs(1822–1882) in Anspruch. Man glaubtelange, diese frühen Werke seien ganz und garvon Liszts Assistenten orchestriert worden,aber Peter Raabe hat nachgewiesen, daß inden Endfassungen der Partituren alles vomKomponisten selbst stammt. In diesenKompositionen erweiterte Liszt die Grenzenvon Instrumentierung, Form, Harmonik undStruktur und benutzte oft Themen-Metamorphosen. Er schrieb zu diesenWerken,

ich habe mich bemüht, durch genaueAnweisungen meine Absichten zuverdeutlichen, doch ich will nicht verbergen,daß viel, und vielleicht wohl auch dasWichtigste, sich nicht zu Papier bringen läßtund nur durch künstlerische Mittelnachhaltigen Ausdruck erhalten kann, durcheine teilnahmsvolle, lebendige Wiedergabesowohl von Seiten des Dirigenten als auch derMusiker.

Die erste von Liszts sinfonischenDichtungen, Ce qu’on entend sur lamontagne (1848/49), war durch ein

Gedicht Victor Hugos aus der SammlungFeuilles d’automne inspiriert und wurde vomKomponisten Ende der 1840er skizziert.Liszt brachte sie versuchsweise in Weimar zurAufführung, wobei die frühenOrchesterstimmen noch den Titel“Ouvertüre von Franz Liszt” trugen. DasWerk wurde auch als Bergsymphonie bekannt.Es handelt sich hierbei um die längste derzwölf sinfonischen Dichtungen (einedreizehnte, Von der Wiege bis zum Grabe,komponierte Liszt am Ende seines Lebens),und ihr stand ursprünglich eine Prosafassungvon Hugos Gedicht voran, da der Komponistaus den emotionalen Ideen des Werks,welches ihn inspiriert hatte, gerne eine ArtUmriß herausarbeitete, der eineüberschaubare musikalische Formermöglichen, und daher die Elemente desGedichts in einer Form präsentieren sollte,die besser zur Struktur der musikalischenKomposition passen würde:

Der Dichter vernimmt zwei Stimmen; die eineunermeßlich, glorreich und ordnungsvoll, demHerrn ihren jubelnden Lobgesangentgegenbrausend: – die andere dumpf, vollSchmerzenslaut, von Weinen, Lästern undFluchen angeschwellt. Die eine sprach: Natur,die andere: Menschheit! Die beiden Stimmenringen sich einander näher und näher,

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Zwischen 1848 und 1858 komponierte Lisztzwölf “Symphonische Dichtungen”, vondenen die ersten sechs 1856 und dierestlichen in den Jahren 1857 bis 1861veröffentlicht wurden. Liszt prägte um 1853den Begriff sinfonische Dichtung, um damitjene musikalischen Werke zu beschreiben,deren Ideen durch andere Kunstformen, wieetwa die Poesie oder die Malerei, oder durchPersonen und Szenen aus Geschichte oderLegende, inspiriert wurden. Schon früherhatte es in Werken wie BeethovensPastoraler Sinfonie und der Symphoniefantastique von Hector Berlioz, ja sogar inVivaldis “Vier Jahreszeiten” musikalischeDarstellungen von szenischen Momentengegeben, und Komponisten hatten als“Ouvertüren” bezeichnete Werke geschaffen,die auf eine bestimmte literarische Quellezurückgingen, wie etwa MendelssohnsEin Sommernachtstraum (1826) undMeeresstille und glückliche Fahrt (1828). Vielevon Liszts Klavierwerken aus den 1830erJahren basieren auf einer Inspiration aus derLiteratur oder sind durch Stimmungen undUmgebungen inspiriert, doch der Begriff

sinfonische Dichtung sollte ausdrücklich eineinsätziges, für Orchester komponiertes Werkbeschreiben, und zwar jener Art, die oft als“Programmusik” bezeichnet wird. WährendBerlioz eine erzählende Technik wählte (wieetwa im “Marsch zum Schafott” aus seinerSymphonie fantastique, in dem Ereignissebeschrieben werden, die in der Enthauptungdes Helden gipfeln), zog Liszt es vor, inseinen Werken nicht genaue Details, sonderneine vorherrschende Stimmung oder einenGesamtcharakter darzustellen. Dies istbesonders in jenen seiner sinfonischenDichtungen der Fall, in denen es umCharaktereigenschaften geht, wie Prometheus(1850) und Orpheus (1853/54), und ebensoHamlet (1858). Ihre Blütezeit erlebte diesinfonische Dichtung in der zweiten Hälftedes neunzehnten Jahrhunderts durchKomponisten wie Tschaikowski, Smetanaund Saint-Saëns, die das Genre alle mitErfolg verwendeten, und sie fand in denWerken Richard Strauss’, der seineKompositionen “Tondichtungen” nannte,ihren Höhepunkt.

Als Liszt mit der Arbeit an seiner ersten

Liszt: Sinfonische Dichtungen, Teil 1

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sinfonischen Dichtung begann, hatte er erstwenig für Orchester komponiert. Er hattekein großes Selbstvertrauen, was dieInstrumentierung anbelangte, und nahmdaher die Hilfe August Conradis(1821–1873) und später Joachim Raffs(1822–1882) in Anspruch. Man glaubtelange, diese frühen Werke seien ganz und garvon Liszts Assistenten orchestriert worden,aber Peter Raabe hat nachgewiesen, daß inden Endfassungen der Partituren alles vomKomponisten selbst stammt. In diesenKompositionen erweiterte Liszt die Grenzenvon Instrumentierung, Form, Harmonik undStruktur und benutzte oft Themen-Metamorphosen. Er schrieb zu diesenWerken,

ich habe mich bemüht, durch genaueAnweisungen meine Absichten zuverdeutlichen, doch ich will nicht verbergen,daß viel, und vielleicht wohl auch dasWichtigste, sich nicht zu Papier bringen läßtund nur durch künstlerische Mittelnachhaltigen Ausdruck erhalten kann, durcheine teilnahmsvolle, lebendige Wiedergabesowohl von Seiten des Dirigenten als auch derMusiker.

Die erste von Liszts sinfonischenDichtungen, Ce qu’on entend sur lamontagne (1848/49), war durch ein

Gedicht Victor Hugos aus der SammlungFeuilles d’automne inspiriert und wurde vomKomponisten Ende der 1840er skizziert.Liszt brachte sie versuchsweise in Weimar zurAufführung, wobei die frühenOrchesterstimmen noch den Titel“Ouvertüre von Franz Liszt” trugen. DasWerk wurde auch als Bergsymphonie bekannt.Es handelt sich hierbei um die längste derzwölf sinfonischen Dichtungen (einedreizehnte, Von der Wiege bis zum Grabe,komponierte Liszt am Ende seines Lebens),und ihr stand ursprünglich eine Prosafassungvon Hugos Gedicht voran, da der Komponistaus den emotionalen Ideen des Werks,welches ihn inspiriert hatte, gerne eine ArtUmriß herausarbeitete, der eineüberschaubare musikalische Formermöglichen, und daher die Elemente desGedichts in einer Form präsentieren sollte,die besser zur Struktur der musikalischenKomposition passen würde:

Der Dichter vernimmt zwei Stimmen; die eineunermeßlich, glorreich und ordnungsvoll, demHerrn ihren jubelnden Lobgesangentgegenbrausend: – die andere dumpf, vollSchmerzenslaut, von Weinen, Lästern undFluchen angeschwellt. Die eine sprach: Natur,die andere: Menschheit! Die beiden Stimmenringen sich einander näher und näher,

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Zwischen 1848 und 1858 komponierte Lisztzwölf “Symphonische Dichtungen”, vondenen die ersten sechs 1856 und dierestlichen in den Jahren 1857 bis 1861veröffentlicht wurden. Liszt prägte um 1853den Begriff sinfonische Dichtung, um damitjene musikalischen Werke zu beschreiben,deren Ideen durch andere Kunstformen, wieetwa die Poesie oder die Malerei, oder durchPersonen und Szenen aus Geschichte oderLegende, inspiriert wurden. Schon früherhatte es in Werken wie BeethovensPastoraler Sinfonie und der Symphoniefantastique von Hector Berlioz, ja sogar inVivaldis “Vier Jahreszeiten” musikalischeDarstellungen von szenischen Momentengegeben, und Komponisten hatten als“Ouvertüren” bezeichnete Werke geschaffen,die auf eine bestimmte literarische Quellezurückgingen, wie etwa MendelssohnsEin Sommernachtstraum (1826) undMeeresstille und glückliche Fahrt (1828). Vielevon Liszts Klavierwerken aus den 1830erJahren basieren auf einer Inspiration aus derLiteratur oder sind durch Stimmungen undUmgebungen inspiriert, doch der Begriff

sinfonische Dichtung sollte ausdrücklich eineinsätziges, für Orchester komponiertes Werkbeschreiben, und zwar jener Art, die oft als“Programmusik” bezeichnet wird. WährendBerlioz eine erzählende Technik wählte (wieetwa im “Marsch zum Schafott” aus seinerSymphonie fantastique, in dem Ereignissebeschrieben werden, die in der Enthauptungdes Helden gipfeln), zog Liszt es vor, inseinen Werken nicht genaue Details, sonderneine vorherrschende Stimmung oder einenGesamtcharakter darzustellen. Dies istbesonders in jenen seiner sinfonischenDichtungen der Fall, in denen es umCharaktereigenschaften geht, wie Prometheus(1850) und Orpheus (1853/54), und ebensoHamlet (1858). Ihre Blütezeit erlebte diesinfonische Dichtung in der zweiten Hälftedes neunzehnten Jahrhunderts durchKomponisten wie Tschaikowski, Smetanaund Saint-Saëns, die das Genre alle mitErfolg verwendeten, und sie fand in denWerken Richard Strauss’, der seineKompositionen “Tondichtungen” nannte,ihren Höhepunkt.

Als Liszt mit der Arbeit an seiner ersten

Liszt: Sinfonische Dichtungen, Teil 1


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Helden anspielen. Wie in vielen seinersinfonischen Dichtungen verwendet derKomponist auch hier eine dreiteiligeGrundform (ABA) mit Einleitung.

Bei den zeitgenössischen Kritikern kamendie sinfonischen Dichtungen nichtsonderlich gut an. Liszt galt als Komponist,der “Zukunftsmusik” schrieb und sich gegendie klassische Richtung eines Mozart undBeethoven wandte. Als im März 1857Les Préludes (1848) und Mazeppa (1851) inLeipzig aufgeführt wurden, schrieb dersarkastische Korrespondent der NeuenWiener Musikzeitung, er habe tatsächlichetwas ganz Besonderes an den beidenWerken festgestellt, nämlich ihre großeIdeenarmut und das Fehlen jeglicherMelodik oder Harmonik, durch die sie sichhervorheben könnten. In der Tat warendiese Werke immer unfairer und einseitigerKritik ausgesetzt. Die emotionalenExtreme, die Liszt in seiner Musik darstellt,führten dazu, daß sich viele Zuhörer unwohlfühlten, insbesondere im viktorianischenZeitalter und in den darauffolgendenGenerationen. Heute scheint esbemerkenswert, daß Liszts sinfonischenDichtungen selbst noch 1951 in solchenWälzern wie The Record Guide harscheKritik widerfuhr:

Diese kurzen Werke besitzen alle eine gewisseunmittelbare Faszination; aber die LisztsTemperament innewohnenden Schwächen –seine Unfähigkeit organische Strukturen zuschaffen, ernsthaft zu sein, ohne dabeischwermütig oder pompös zu werden, seinMißbrauch des Marschs – machen sie letztlichenttäuschend. Bei Les Préludes handelt es sichkeineswegs um das beste Werk der Gruppe,aber seine Beliebtheit scheint unerschütterlich.

Der Autor fährt in ähnlicher Manier fort undbezeichnet Les Préludes als “schlampigeMusik”. Zu jener Zeit waren nur diese undvielleicht noch eine oder zwei weiteresinfonische Dichtungen überhaupt jemals imKonzert zu hören.

Doch obwohl Liszt immer seine Kritikerhatte, die jederzeit bereit waren, ihn als billigund vulgär abzutun, wurde er auch vonvielen seiner Zeitgenossen wie Saint-Saëns,Franck, Smetana und natürlich Wagnerunterstützt und gerühmt. Liszts LandsmannBartók erkannte die bahnbrechende Seite vonLiszts Talent und schrieb:

Als ich mich von neuem mit Liszt befaßte,besonders mit seinen unbekannteren Stückenwie Années de pèlerinage, Harmonies poétiques etreligieuses, der Faust-Symphonie und demDanse macabre (Totentanz), entdeckte ichschließlich, jenseits von äußerlichen

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durchkreuzen und verschmelzen sich, bis sieendlich in geweihter Betrachtung aufgehen undverhallen.

Liszts nächste sinfonische Dichtungentstand ursprünglich als Ouvertüre zu einerAufführung von Goethes Drama TorquatoTasso, anläßlich des hundertsten Geburtstagsdes Dichters im August 1849. Liszt empfandden Schluß von Goethes Werk, das Ende desDichters, als unbefriedigend, und er benutztezusätzlich The Lament of Tasso von LordByron als Basis für seine Komposition. Auchdiesem Werk wohnen widersprüchlicheIdeen und Emotionen inne – Klage undTriumph –, und daher lautet sein voller Titel,Tasso: Lamento e Trionfo. NachÜberarbeitungen durch Raff und Conradiwurde Tasso schließlich von Liszt revidiert,neu instrumentiert und als SinfonischeDichtung Nr. 2 veröffentlicht. Sie bestehtaus drei Teilen (ABA) mit einer Einleitung,die das Leiden repräsentiert, obwohl dasWerk letztlich mit Glanz und Gloria schließt.

Die bekannteste von Liszts sinfonischenDichtungen, Les Préludes, hieß zunächstLes Quatre Élémens, und es handelte sichdabei um vier Vertonungen von GedichtenJoseph Autrans (1813–1877) für Chor. DieseVertonungen wurden nie veröffentlicht, undobwohl das Orchesterstück, welches Liszt

später entwickelte, zwar musikalischesMaterial dieser früheren Chorsätze enthält,bezieht es sich doch auf die fünfzehnte derMéditations poétiques von Alphonse deLamartine (1790–1869), ein Werk, das eineähnliche Stimmung ausdrückt wie dieGedichte Autrans. Liszts Komposition wurde1854 uraufgeführt und als Nr. 3 der zwölfsinfonischen Dichtungen veröffentlicht. DerPartitur steht eine Zusammenfassung vonLamartines Ideen voran:

Was Andres ist unser Leben, als eineReihenfolge von Präludien zu jenemunbekannten Gesang, dessen erste undfeierliche Note der Tod anstimmt? Liebe,Schmerz, Frieden, Sieg – so heißen diePräludien.

Die sinfonische Dichtung Orpheus, dieheute als eine der besten der zwölf gilt,wurde ebenfalls 1854 uraufgeführt. Imgleichen Jahr dirigierte Liszt im Rahmen derFeierlichkeiten zum Geburtstag derGroßherzogin Maria Pawlowna eineAufführung von Glucks Orfeo ed Euridice,und die Rahmenmusik, die er zu diesemAnlaß geschrieben hatte, wurde zu dieser,seiner vierten sinfonischen Dichtungumgearbeitet. Ganz typisch stellt LisztOrpheus nicht streng als den Liedsänger dar,obwohl die Harfenstimmen auf die Leier des

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Helden anspielen. Wie in vielen seinersinfonischen Dichtungen verwendet derKomponist auch hier eine dreiteiligeGrundform (ABA) mit Einleitung.

Bei den zeitgenössischen Kritikern kamendie sinfonischen Dichtungen nichtsonderlich gut an. Liszt galt als Komponist,der “Zukunftsmusik” schrieb und sich gegendie klassische Richtung eines Mozart undBeethoven wandte. Als im März 1857Les Préludes (1848) und Mazeppa (1851) inLeipzig aufgeführt wurden, schrieb dersarkastische Korrespondent der NeuenWiener Musikzeitung, er habe tatsächlichetwas ganz Besonderes an den beidenWerken festgestellt, nämlich ihre großeIdeenarmut und das Fehlen jeglicherMelodik oder Harmonik, durch die sie sichhervorheben könnten. In der Tat warendiese Werke immer unfairer und einseitigerKritik ausgesetzt. Die emotionalenExtreme, die Liszt in seiner Musik darstellt,führten dazu, daß sich viele Zuhörer unwohlfühlten, insbesondere im viktorianischenZeitalter und in den darauffolgendenGenerationen. Heute scheint esbemerkenswert, daß Liszts sinfonischenDichtungen selbst noch 1951 in solchenWälzern wie The Record Guide harscheKritik widerfuhr:

Diese kurzen Werke besitzen alle eine gewisseunmittelbare Faszination; aber die LisztsTemperament innewohnenden Schwächen –seine Unfähigkeit organische Strukturen zuschaffen, ernsthaft zu sein, ohne dabeischwermütig oder pompös zu werden, seinMißbrauch des Marschs – machen sie letztlichenttäuschend. Bei Les Préludes handelt es sichkeineswegs um das beste Werk der Gruppe,aber seine Beliebtheit scheint unerschütterlich.

Der Autor fährt in ähnlicher Manier fort undbezeichnet Les Préludes als “schlampigeMusik”. Zu jener Zeit waren nur diese undvielleicht noch eine oder zwei weiteresinfonische Dichtungen überhaupt jemals imKonzert zu hören.

Doch obwohl Liszt immer seine Kritikerhatte, die jederzeit bereit waren, ihn als billigund vulgär abzutun, wurde er auch vonvielen seiner Zeitgenossen wie Saint-Saëns,Franck, Smetana und natürlich Wagnerunterstützt und gerühmt. Liszts LandsmannBartók erkannte die bahnbrechende Seite vonLiszts Talent und schrieb:

Als ich mich von neuem mit Liszt befaßte,besonders mit seinen unbekannteren Stückenwie Années de pèlerinage, Harmonies poétiques etreligieuses, der Faust-Symphonie und demDanse macabre (Totentanz), entdeckte ichschließlich, jenseits von äußerlichen

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durchkreuzen und verschmelzen sich, bis sieendlich in geweihter Betrachtung aufgehen undverhallen.

Liszts nächste sinfonische Dichtungentstand ursprünglich als Ouvertüre zu einerAufführung von Goethes Drama TorquatoTasso, anläßlich des hundertsten Geburtstagsdes Dichters im August 1849. Liszt empfandden Schluß von Goethes Werk, das Ende desDichters, als unbefriedigend, und er benutztezusätzlich The Lament of Tasso von LordByron als Basis für seine Komposition. Auchdiesem Werk wohnen widersprüchlicheIdeen und Emotionen inne – Klage undTriumph –, und daher lautet sein voller Titel,Tasso: Lamento e Trionfo. NachÜberarbeitungen durch Raff und Conradiwurde Tasso schließlich von Liszt revidiert,neu instrumentiert und als SinfonischeDichtung Nr. 2 veröffentlicht. Sie bestehtaus drei Teilen (ABA) mit einer Einleitung,die das Leiden repräsentiert, obwohl dasWerk letztlich mit Glanz und Gloria schließt.

Die bekannteste von Liszts sinfonischenDichtungen, Les Préludes, hieß zunächstLes Quatre Élémens, und es handelte sichdabei um vier Vertonungen von GedichtenJoseph Autrans (1813–1877) für Chor. DieseVertonungen wurden nie veröffentlicht, undobwohl das Orchesterstück, welches Liszt

später entwickelte, zwar musikalischesMaterial dieser früheren Chorsätze enthält,bezieht es sich doch auf die fünfzehnte derMéditations poétiques von Alphonse deLamartine (1790–1869), ein Werk, das eineähnliche Stimmung ausdrückt wie dieGedichte Autrans. Liszts Komposition wurde1854 uraufgeführt und als Nr. 3 der zwölfsinfonischen Dichtungen veröffentlicht. DerPartitur steht eine Zusammenfassung vonLamartines Ideen voran:

Was Andres ist unser Leben, als eineReihenfolge von Präludien zu jenemunbekannten Gesang, dessen erste undfeierliche Note der Tod anstimmt? Liebe,Schmerz, Frieden, Sieg – so heißen diePräludien.

Die sinfonische Dichtung Orpheus, dieheute als eine der besten der zwölf gilt,wurde ebenfalls 1854 uraufgeführt. Imgleichen Jahr dirigierte Liszt im Rahmen derFeierlichkeiten zum Geburtstag derGroßherzogin Maria Pawlowna eineAufführung von Glucks Orfeo ed Euridice,und die Rahmenmusik, die er zu diesemAnlaß geschrieben hatte, wurde zu dieser,seiner vierten sinfonischen Dichtungumgearbeitet. Ganz typisch stellt LisztOrpheus nicht streng als den Liedsänger dar,obwohl die Harfenstimmen auf die Leier des


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Merkmalen, für die ich nicht viel Verständnisaufbringe, den wahrhaften Stellenwert diesesKomponisten. Ich entdeckte in ihm weitgrößeres Genie als in Wagner oder Strauss.

© 2005 Jonathan SummersÜbersetzung: Bettina Reinke-Welsh

Das BBC Philharmonic gilt allgemein alseines der besten Orchester Großbritanniens.Es hat seinen Sitz in Manchester aus, wo esin der Bridgewater Hall regelmäßig auf demProgramm steht und Rundfunkkonzerte fürBBC Radio 3 aufnimmt, wenn es nicht aufinternationalen Gastspielreisen unterwegs ist.Das Orchester hat einen weltweiten Ruf fürüberragende Qualität und interpretativesEngagement in einem ungewöhnlich breitgefächerten Repertoire. Gianandrea Nosedaübernahm im September 2002 die Rolle desChefdirigenten von Yan Pascal Tortelier, alsdieser nach elf Jahren zum Ehrendirigenternannt wurde. Wassili Sinaiski ist der ErsteGastdirigent des Orchesters und Sir EdwardDownes (Chefdirigent 1980–1991) seinEmeritierter Dirigent. Darüber hinaushaben zahlreiche Spitzendirigentenund -komponisten das BBC Philharmonicgeleitet, nicht zuletzt im Rahmen einer vordem Neuen unerschrockenen und

experimentierfreudigen Programmpolitik.Sir Peter Maxwell Davies wurde 1991zum allerersten Hauskomponistenbzw. -dirigenten des BBC Philharmonicernannt; im Jahr 2000 übernahm JamesMacMillan diese Position.

Der internationale SpitzendirigentGianandrea Noseda nahm seine musikalischeAusbildung in der Heimatstadt Mailand inden Fächern Klavier, Komposition undDirigieren auf; später absolvierte erDirigierkurse anderswo in Italien und inWien. Nach seinen Erfolgen beiinternationalen Wettbewerben im Jahre 1994wurde er eingeladen, mit dem OrchestraSinfonica di Milano Giuseppe Verdi zudebütieren. Dem folgten Verpflichtungen alsHauptgastdirigent am Mariinski-Theater inSt. Petersburg (dem Stammhaus der Kirow-Ensembles), Chefdirigent beim Orquestra deCadaqués (einem spanischen Ensemble, dasaus Mitgliedern europäischerSinfonieorchester besteht), Hauptgastdirigentbeim Rotterdams Philharmonisch Orkest(1999–2003), Hauptgastdirigent beimOrchestra Sinfonica Nazionale della RAI undkünstlerischer Leiter des internationalenFestivals Settimane Musicali di Stresa.Gianandrea Noseda hat mit Opernensembles

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wie der Los Angeles Opera und derMetropolitan Opera New Yorkzusammengearbeitet und ist mit zahlreicheninternational renommierten Orchesternaufgetreten: City of Birmingham SymphonyOrchestra, Europäisches Kammerorchester,Sveriges Radios Symfoniorkester, OsloFilharmoniske Orkester, Wiener

Kammerorchester, Tokyo SymphonyOrchestra, New York Philharmonic, TorontoSymphony Orchestra und Orchestre nationalde France, um nur einige zu nennen. SeitSeptember 2002 ist er Chefdirigent des BBCPhilharmonic, und seit 2003 steht er alsSchallplattenkünstler exklusiv bei Chandosunter Vertrag.

Gianandrea Noseda

Jona

than

Kee

nan

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Merkmalen, für die ich nicht viel Verständnisaufbringe, den wahrhaften Stellenwert diesesKomponisten. Ich entdeckte in ihm weitgrößeres Genie als in Wagner oder Strauss.

© 2005 Jonathan SummersÜbersetzung: Bettina Reinke-Welsh

Das BBC Philharmonic gilt allgemein alseines der besten Orchester Großbritanniens.Es hat seinen Sitz in Manchester aus, wo esin der Bridgewater Hall regelmäßig auf demProgramm steht und Rundfunkkonzerte fürBBC Radio 3 aufnimmt, wenn es nicht aufinternationalen Gastspielreisen unterwegs ist.Das Orchester hat einen weltweiten Ruf fürüberragende Qualität und interpretativesEngagement in einem ungewöhnlich breitgefächerten Repertoire. Gianandrea Nosedaübernahm im September 2002 die Rolle desChefdirigenten von Yan Pascal Tortelier, alsdieser nach elf Jahren zum Ehrendirigenternannt wurde. Wassili Sinaiski ist der ErsteGastdirigent des Orchesters und Sir EdwardDownes (Chefdirigent 1980–1991) seinEmeritierter Dirigent. Darüber hinaushaben zahlreiche Spitzendirigentenund -komponisten das BBC Philharmonicgeleitet, nicht zuletzt im Rahmen einer vordem Neuen unerschrockenen und

experimentierfreudigen Programmpolitik.Sir Peter Maxwell Davies wurde 1991zum allerersten Hauskomponistenbzw. -dirigenten des BBC Philharmonicernannt; im Jahr 2000 übernahm JamesMacMillan diese Position.

Der internationale SpitzendirigentGianandrea Noseda nahm seine musikalischeAusbildung in der Heimatstadt Mailand inden Fächern Klavier, Komposition undDirigieren auf; später absolvierte erDirigierkurse anderswo in Italien und inWien. Nach seinen Erfolgen beiinternationalen Wettbewerben im Jahre 1994wurde er eingeladen, mit dem OrchestraSinfonica di Milano Giuseppe Verdi zudebütieren. Dem folgten Verpflichtungen alsHauptgastdirigent am Mariinski-Theater inSt. Petersburg (dem Stammhaus der Kirow-Ensembles), Chefdirigent beim Orquestra deCadaqués (einem spanischen Ensemble, dasaus Mitgliedern europäischerSinfonieorchester besteht), Hauptgastdirigentbeim Rotterdams Philharmonisch Orkest(1999–2003), Hauptgastdirigent beimOrchestra Sinfonica Nazionale della RAI undkünstlerischer Leiter des internationalenFestivals Settimane Musicali di Stresa.Gianandrea Noseda hat mit Opernensembles

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wie der Los Angeles Opera und derMetropolitan Opera New Yorkzusammengearbeitet und ist mit zahlreicheninternational renommierten Orchesternaufgetreten: City of Birmingham SymphonyOrchestra, Europäisches Kammerorchester,Sveriges Radios Symfoniorkester, OsloFilharmoniske Orkester, Wiener

Kammerorchester, Tokyo SymphonyOrchestra, New York Philharmonic, TorontoSymphony Orchestra und Orchestre nationalde France, um nur einige zu nennen. SeitSeptember 2002 ist er Chefdirigent des BBCPhilharmonic, und seit 2003 steht er alsSchallplattenkünstler exklusiv bei Chandosunter Vertrag.

Gianandrea Noseda

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puis par Joachim Raff (1822–1882). Onpensait autrefois que ces premiers exemplesdu genre avaient été entièrement orchestréspar les assistants de Liszt, mais Peter Raabe adémontré que dans la version finale de cespartitions, tout est de la main ducompositeur. Dans ces œuvres, Liszt repoussales limites de l’orchestration, de la forme, del’harmonie et de la structure, recourantfréquemment à des métamorphoses dethèmes. Il écrivit à leur propos:

Bien que j’aie cherché à exprimer clairementmes intentions à l’aide d’indications précises, jene cache pas que bien des choses, peut-êtred’ailleurs l’essentiel, ne peuvent être couchéessur papier et que seule une vision artistique,une reproduction inspirée et sensible aussi biende la part du chef d’orchestre que desmusiciens, permettront d’obtenir l’effet voulu.

Le premier poème symphonique de Liszt,Ce qu’on entend sur la montagne(1848–1849), fut inspiré par un poème deVictor Hugo tiré du recueil Feuillesd’automne et esquissé vers la fin desannées 1840. L’œuvre fut donnée pour lapremière fois à Weimar, les partiesorchestrales originales portant le titre“Ouverture de Franz Liszt”, et elle devintégalement connue sous le titre deBergsymphonie. C’est le plus long des douze

poèmes – Liszt en composa un treizième,Von der Wiege bis zum Grabe (Du berceaujusqu’à la tombe), à la fin de sa vie – et ilétait précédé à l’origine par une adaptationen prose du poème de Hugo, car Liszt aimaitdistiller les idées émotionnelles de l’œuvrequi l’avait inspiré dans une esquissefavorisant une forme musicale maniable, etprésenter les éléments du poème d’unemanière mieux adaptée dès lors à la structurede la composition musicale:

Le poète écoute deux voix; l’une immense,magnifique, ineffable, chantant la beauté et lesharmonies de la création; l’autre gonflée desoupirs, de gémissements, de sanglots, de crisde révolte et de blasphèmes. “L’une disaitNature, et l’autre Humanité!… ces deux voixétranges, inouïes, sans cesse renaissantes, sanscesse évanouies”, se succèdent, de loin d’abord,puis se rapprochent, se croisent, entremêlantleurs accords tantôt stridents, tantôtharmonieux, jusqu’à ce que la contemplationémue du poète touche silencieusement auxconfins de la prière.

Le poème symphonique suivant de Lisztétait à l’origine une ouverture destinée à unereprésentation de la pièce de GoetheTorquato Tasso à l’occasion du centenaire dela naissance de l’écrivain en août 1849. Lisztn’aimait pas la conclusion imaginée par

Liszt: Poèmes symphoniques, volume 1

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Entre 1848 et 1858, Liszt composa douze“poèmes symphoniques”: les six premiersparurent en 1856 et les autres entre 1857 et1861. C’est lui qui inventa l’expressionSymphonische Dichtung vers 1853 pourdécrire ces œuvres musicales dont les idéesétaient inspirées par d’autres modesd’expression artistique, tels la poésie ou lapeinture, ou encore par des scènes ou despersonnages tirés de l’histoire ou de lalégende. La peinture de scènes n’était pas, enmusique, chose nouvelle, pour preuve laSymphonie Pastorale de Beethoven et laSymphonie fantastique de Berlioz, voire même“Les Quatre Saisons” de Vivaldi, et certainscompositeurs avaient écrit ce qu’ilsqualifiaient d’“ouvertures”, pièces s’inspirantd’œuvres littéraires spécifiques, comme EinSommernachtstraum (Le Songe d’une nuitd’été, 1826) et Meeresstille und glücklicheFahrt (Mer calme et heureux voyage, 1828)de Mendelssohn. De nombreuses pièces pourpiano de Liszt des années 1830 sont inspiréespar la littérature, par une atmosphère ou unenvironnement, mais le terme de “poèmesymphonique” référait spécifiquement à une

œuvre en un mouvement pour orchestre,relevant de ce qu’on appelle fréquemment“la musique à programme”. Si Berlioz eutrecours à une technique narrative (parexemple dans la “Marche au supplice” de laSymphonie fantastique qui décrit lesévénements culminant avec la décapitationdu héros), Liszt choisit dans ses œuvresd’illustrer une atmosphère générale ou untempérament plutôt que des détailsspécifiques. Cette technique estparticulièrement manifeste dans les poèmessymphoniques illustrant certains traits decaractère, comme Prometheus (Prométhée,1850) et Orpheus (Orphée, 1853–1854)ainsi que dans Hamlet (1858). Le poèmesymphonique s’épanouit durant la secondemoitié du dix-neuvième siècle: Tchaïkovski,Smetana et Saint-Saëns s’essayèrent avecsuccès à ce genre qui attint son apogée avecles compositions de Richard Strauss.

Lorsque Liszt commença à travailler aupremier de ses poèmes symphoniques, il avaitjusque-là très peu écrit pour orchestre.Doutant de ses talents d’orchestrateur, il sefit aider par August Conradi (1821–1873)

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puis par Joachim Raff (1822–1882). Onpensait autrefois que ces premiers exemplesdu genre avaient été entièrement orchestréspar les assistants de Liszt, mais Peter Raabe adémontré que dans la version finale de cespartitions, tout est de la main ducompositeur. Dans ces œuvres, Liszt repoussales limites de l’orchestration, de la forme, del’harmonie et de la structure, recourantfréquemment à des métamorphoses dethèmes. Il écrivit à leur propos:

Bien que j’aie cherché à exprimer clairementmes intentions à l’aide d’indications précises, jene cache pas que bien des choses, peut-êtred’ailleurs l’essentiel, ne peuvent être couchéessur papier et que seule une vision artistique,une reproduction inspirée et sensible aussi biende la part du chef d’orchestre que desmusiciens, permettront d’obtenir l’effet voulu.

Le premier poème symphonique de Liszt,Ce qu’on entend sur la montagne(1848–1849), fut inspiré par un poème deVictor Hugo tiré du recueil Feuillesd’automne et esquissé vers la fin desannées 1840. L’œuvre fut donnée pour lapremière fois à Weimar, les partiesorchestrales originales portant le titre“Ouverture de Franz Liszt”, et elle devintégalement connue sous le titre deBergsymphonie. C’est le plus long des douze

poèmes – Liszt en composa un treizième,Von der Wiege bis zum Grabe (Du berceaujusqu’à la tombe), à la fin de sa vie – et ilétait précédé à l’origine par une adaptationen prose du poème de Hugo, car Liszt aimaitdistiller les idées émotionnelles de l’œuvrequi l’avait inspiré dans une esquissefavorisant une forme musicale maniable, etprésenter les éléments du poème d’unemanière mieux adaptée dès lors à la structurede la composition musicale:

Le poète écoute deux voix; l’une immense,magnifique, ineffable, chantant la beauté et lesharmonies de la création; l’autre gonflée desoupirs, de gémissements, de sanglots, de crisde révolte et de blasphèmes. “L’une disaitNature, et l’autre Humanité!… ces deux voixétranges, inouïes, sans cesse renaissantes, sanscesse évanouies”, se succèdent, de loin d’abord,puis se rapprochent, se croisent, entremêlantleurs accords tantôt stridents, tantôtharmonieux, jusqu’à ce que la contemplationémue du poète touche silencieusement auxconfins de la prière.

Le poème symphonique suivant de Lisztétait à l’origine une ouverture destinée à unereprésentation de la pièce de GoetheTorquato Tasso à l’occasion du centenaire dela naissance de l’écrivain en août 1849. Lisztn’aimait pas la conclusion imaginée par

Liszt: Poèmes symphoniques, volume 1

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Entre 1848 et 1858, Liszt composa douze“poèmes symphoniques”: les six premiersparurent en 1856 et les autres entre 1857 et1861. C’est lui qui inventa l’expressionSymphonische Dichtung vers 1853 pourdécrire ces œuvres musicales dont les idéesétaient inspirées par d’autres modesd’expression artistique, tels la poésie ou lapeinture, ou encore par des scènes ou despersonnages tirés de l’histoire ou de lalégende. La peinture de scènes n’était pas, enmusique, chose nouvelle, pour preuve laSymphonie Pastorale de Beethoven et laSymphonie fantastique de Berlioz, voire même“Les Quatre Saisons” de Vivaldi, et certainscompositeurs avaient écrit ce qu’ilsqualifiaient d’“ouvertures”, pièces s’inspirantd’œuvres littéraires spécifiques, comme EinSommernachtstraum (Le Songe d’une nuitd’été, 1826) et Meeresstille und glücklicheFahrt (Mer calme et heureux voyage, 1828)de Mendelssohn. De nombreuses pièces pourpiano de Liszt des années 1830 sont inspiréespar la littérature, par une atmosphère ou unenvironnement, mais le terme de “poèmesymphonique” référait spécifiquement à une

œuvre en un mouvement pour orchestre,relevant de ce qu’on appelle fréquemment“la musique à programme”. Si Berlioz eutrecours à une technique narrative (parexemple dans la “Marche au supplice” de laSymphonie fantastique qui décrit lesévénements culminant avec la décapitationdu héros), Liszt choisit dans ses œuvresd’illustrer une atmosphère générale ou untempérament plutôt que des détailsspécifiques. Cette technique estparticulièrement manifeste dans les poèmessymphoniques illustrant certains traits decaractère, comme Prometheus (Prométhée,1850) et Orpheus (Orphée, 1853–1854)ainsi que dans Hamlet (1858). Le poèmesymphonique s’épanouit durant la secondemoitié du dix-neuvième siècle: Tchaïkovski,Smetana et Saint-Saëns s’essayèrent avecsuccès à ce genre qui attint son apogée avecles compositions de Richard Strauss.

Lorsque Liszt commença à travailler aupremier de ses poèmes symphoniques, il avaitjusque-là très peu écrit pour orchestre.Doutant de ses talents d’orchestrateur, il sefit aider par August Conradi (1821–1873)


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Neue Wiener Musikzeitung déclara avecsarcasme:

Certes, nous avons découvert une particularitéimportante de ces œuvres. À savoir la grandepauvreté d’idées et l’absence de mélodie etd’harmonies qui les caractérisent.

En fait, tout au long de leur existence, cesœuvres ont été traitées avec injustice etsubjectivité. Les émotions extrêmes queLiszt affiche dans sa musique ont déconcertébien des auditeurs, en particulier lesVictoriens et les générations qui les suivirent.On a du mal à croire aujourd’hui qu’en1951 encore, les poèmes symphoniques deLiszt continuaient à être sévèrementcritiqués dans des livres comme The RecordGuide:

Ces œuvres courtes sont toutes fascinantes aupremier abord; mais les défauts inhérents autempérament de Liszt – son inaptitude àconstruire sur des bases solides, à être sérieuxsans tomber dans le solennel ou le pompeux,son abus de la Marche – les rendent finalementdécevantes. Les Préludes est loin d’être lemeilleur du lot, mais sa popularité sembleinébranlable.

L’auteur continue dans la même veine,qualifiant Les Préludes de “musique peusoignée”. À l’époque seuls ce poème et un oudeux autres étaient donnés en concert.

Et pourtant, bien que Liszt ait toujours euses détracteurs, prêts à l’accuser de vulgaritéet de médiocrité, il fut soutenu et loué parbon nombre de compositeurs de son temps,dont Saint-Saëns, Franck et Smetana, et biensûr Wagner. Bartók, compatriote de Liszt,finit par prendre conscience du côté novateurdu talent de Liszt et écrivit:

En me replongeant dans Liszt, en particulierdans ses œuvres moins populaires, comme lesAnnées de pèlerinage, Harmonies poétiques etreligieuses, la Symphonie Faust et la Dansemacabre (Totentanz), j’ai fini par découvrir,au-delà de cette façade qui ne me touchaitguère, le véritable sens de Liszt. J’ai découverten lui un génie bien supérieur à Wagner ou àStrauss.

© 2005 Jonathan SummersTraduction: Nicole Valencia

Reconnu partout comme l’un des meilleursorchestres de Grande-Bretagne, le BBCPhilharmonic est basé à Manchester et seproduit régulièrement au magnifiqueBridgewater Hall, la salle de concerts de laville, parallèlement à ses tournées dans lemonde entier et ses enregistrements pour laBBC Radio 3. L’ensemble s’est forgé uneréputation internationale pour l’excellence de

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Goethe, à savoir la mort du poète, et basaégalement sa composition sur The Lament ofTasso de Lord Byron. Il s’agit à nouveaud’une œuvre aux idées et aux émotionscontradictoires – lamentation et triomphe –d’où le titre complet, Tasso: Lamento eTrionfo. Après des révisions de Raff etConradi, Tasso fut révisé et réorchestré parLiszt lui-même, puis publié en tant quePoème symphonique no 2. C’est une œuvreen trois sections (ABA), avec uneintroduction représentant la souffrance, letout s’achevant dans un torrent de gloire.

Le plus populaire des poèmessymphoniques de Liszt, Les Préludes,commença son existence sous le titre desQuatre Élémens, mise en musique pour chœurde quatre poèmes de Joseph Autran(1813–1877). Ces mises en musique ne furentjamais publiées et l’œuvre orchestrale que Lisztdéveloppa par la suite, si elle renfermaitcertaines pages originales des pièces pourchœur, s’inspirait plutôt de la quinzième desMéditations poétiques d’Alphonse de Lamartine(1790–1869), une œuvre de la même veineque les poèmes d’Autran. La composition deLiszt fut créée en 1854 et publiée en tant queNo 3 des douze poèmes symphoniques. Lapréface de la partition orchestrale résume ainsiles idées de Lamartine:

Notre vie est-elle autre chose qu’une série dePréludes à ce chant inconnu dont la mortentonne la première et solennelle note?Amour, douleur, paix, victoire – tels sont cespréludes.

Orpheus, considéré de nos jours commel’un des meilleurs de ces douze poèmessymphoniques, fut également créé en 1854.Cette année-là, Liszt avait dirigé unereprésentation d’Orfeo ed Euridice de Gluck àl’occasion de l’anniversaire de la GrandeDuchesse Maria Pavlovna, et la musique qu’ilavait composée pour encadrer cettereprésentation fut remaniée dans cequatrième poème symphonique. De façonbien typique, Liszt ne dépeint pas àstrictement parler Orphée le chanteur, bienqu’il fasse allusion à la lyre du héros dans lesparties de harpe. Comme dans plusieurs deses poèmes symphoniques, Liszt prend pourbase une structure tripartite (ABA) avec uneintroduction.

Les poèmes symphoniques netriomphèrent pas auprès des critiques dumoment. Ces derniers virent en Liszt uncompositeur de la “musique du futur” quiallait à l’encontre des tendances classiques deMozart et Beethoven. Lorsque Les Préludes(1848) et Mazeppa (1851) furent interprétésà Leipzig en mars 1857, le correspondant du

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Neue Wiener Musikzeitung déclara avecsarcasme:

Certes, nous avons découvert une particularitéimportante de ces œuvres. À savoir la grandepauvreté d’idées et l’absence de mélodie etd’harmonies qui les caractérisent.

En fait, tout au long de leur existence, cesœuvres ont été traitées avec injustice etsubjectivité. Les émotions extrêmes queLiszt affiche dans sa musique ont déconcertébien des auditeurs, en particulier lesVictoriens et les générations qui les suivirent.On a du mal à croire aujourd’hui qu’en1951 encore, les poèmes symphoniques deLiszt continuaient à être sévèrementcritiqués dans des livres comme The RecordGuide:

Ces œuvres courtes sont toutes fascinantes aupremier abord; mais les défauts inhérents autempérament de Liszt – son inaptitude àconstruire sur des bases solides, à être sérieuxsans tomber dans le solennel ou le pompeux,son abus de la Marche – les rendent finalementdécevantes. Les Préludes est loin d’être lemeilleur du lot, mais sa popularité sembleinébranlable.

L’auteur continue dans la même veine,qualifiant Les Préludes de “musique peusoignée”. À l’époque seuls ce poème et un oudeux autres étaient donnés en concert.

Et pourtant, bien que Liszt ait toujours euses détracteurs, prêts à l’accuser de vulgaritéet de médiocrité, il fut soutenu et loué parbon nombre de compositeurs de son temps,dont Saint-Saëns, Franck et Smetana, et biensûr Wagner. Bartók, compatriote de Liszt,finit par prendre conscience du côté novateurdu talent de Liszt et écrivit:

En me replongeant dans Liszt, en particulierdans ses œuvres moins populaires, comme lesAnnées de pèlerinage, Harmonies poétiques etreligieuses, la Symphonie Faust et la Dansemacabre (Totentanz), j’ai fini par découvrir,au-delà de cette façade qui ne me touchaitguère, le véritable sens de Liszt. J’ai découverten lui un génie bien supérieur à Wagner ou àStrauss.

© 2005 Jonathan SummersTraduction: Nicole Valencia

Reconnu partout comme l’un des meilleursorchestres de Grande-Bretagne, le BBCPhilharmonic est basé à Manchester et seproduit régulièrement au magnifiqueBridgewater Hall, la salle de concerts de laville, parallèlement à ses tournées dans lemonde entier et ses enregistrements pour laBBC Radio 3. L’ensemble s’est forgé uneréputation internationale pour l’excellence de

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Goethe, à savoir la mort du poète, et basaégalement sa composition sur The Lament ofTasso de Lord Byron. Il s’agit à nouveaud’une œuvre aux idées et aux émotionscontradictoires – lamentation et triomphe –d’où le titre complet, Tasso: Lamento eTrionfo. Après des révisions de Raff etConradi, Tasso fut révisé et réorchestré parLiszt lui-même, puis publié en tant quePoème symphonique no 2. C’est une œuvreen trois sections (ABA), avec uneintroduction représentant la souffrance, letout s’achevant dans un torrent de gloire.

Le plus populaire des poèmessymphoniques de Liszt, Les Préludes,commença son existence sous le titre desQuatre Élémens, mise en musique pour chœurde quatre poèmes de Joseph Autran(1813–1877). Ces mises en musique ne furentjamais publiées et l’œuvre orchestrale que Lisztdéveloppa par la suite, si elle renfermaitcertaines pages originales des pièces pourchœur, s’inspirait plutôt de la quinzième desMéditations poétiques d’Alphonse de Lamartine(1790–1869), une œuvre de la même veineque les poèmes d’Autran. La composition deLiszt fut créée en 1854 et publiée en tant queNo 3 des douze poèmes symphoniques. Lapréface de la partition orchestrale résume ainsiles idées de Lamartine:

Notre vie est-elle autre chose qu’une série dePréludes à ce chant inconnu dont la mortentonne la première et solennelle note?Amour, douleur, paix, victoire – tels sont cespréludes.

Orpheus, considéré de nos jours commel’un des meilleurs de ces douze poèmessymphoniques, fut également créé en 1854.Cette année-là, Liszt avait dirigé unereprésentation d’Orfeo ed Euridice de Gluck àl’occasion de l’anniversaire de la GrandeDuchesse Maria Pavlovna, et la musique qu’ilavait composée pour encadrer cettereprésentation fut remaniée dans cequatrième poème symphonique. De façonbien typique, Liszt ne dépeint pas àstrictement parler Orphée le chanteur, bienqu’il fasse allusion à la lyre du héros dans lesparties de harpe. Comme dans plusieurs deses poèmes symphoniques, Liszt prend pourbase une structure tripartite (ABA) avec uneintroduction.

Les poèmes symphoniques netriomphèrent pas auprès des critiques dumoment. Ces derniers virent en Liszt uncompositeur de la “musique du futur” quiallait à l’encontre des tendances classiques deMozart et Beethoven. Lorsque Les Préludes(1848) et Mazeppa (1851) furent interprétésà Leipzig en mars 1857, le correspondant du


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ses interprétations passionnées dans un vasterépertoire. En septembre 2002, GianandreaNoseda succéda à Yan Pascal Tortelier (chefprincipal depuis 1991) lorsque ce dernier futnommé chef lauréat. Vassili Sinaïski est chefprincipal invité et Sir Edward Downes (chefprincipal de 1980 à 1991) en est le chefhonoraire. Le BBC Philharmonic s’estproduit sous la direction de nombreux chefsdistingués et, par suite de sa politiqued’introduire dans ses programmes des œuvresnouveaux et innovateurs, plusieurs des grandscompositeurs du monde ont également dirigél’orchestre. En 1991, Sir Peter MaxwellDavies devint le premier compositeur/chefdu BBC Philharmonic; James MacMillan luisuccéda au poste en 2000.

Gianandrea Noseda est reconnu dans lemonde entier pour ses talents exceptionnelsde chef d’orchestre. C’est dans sa ville natalede Milan qu’il commença ses étudesmusicales, se partageant entre le piano, lacomposition et la direction avant de suivredes cours de direction à Vienne et en Italie.Après avoir remporté des concoursinternationaux en 1994, il fut invité à faireses débuts avec l’Orchestre symphonique

Giuseppe Verdi de Milan. Il travailla ensuitecomme chef principal invité au ThéâtreMariinski, résidence de l’Opéra Kirov et desBallets Kirov à Saint-Pétersbourg, chefprincipal de l’Orchestre de Cadaqués(ensemble espagnol regroupant des musiciensd’orchestres symphoniques européens), chefprincipal invité de l’Orchestrephilharmonique de Rotterdam et del’Orchestre symphonique national de la RAIet directeur artistique du festivalinternational Settimane Musicali di Stresa.Gianandrea Noseda a collaboré avec descompagnies lyriques comme le Los AngelesOpera et le Metropolitan Opera, New York,et dirigé des orchestres de renominternational tels le City of BirminghamSymphony Orchestra, l’Orchestre dechambre d’Europe, l’Orchestre symphoniquede la Radio suédoise, l’Orchestrephilharmonique d’Oslo, l’Orchestre dechambre de Vienne, le Tokyo SymphonyOrchestra, le New York Philharmonic, leToronto Symphony Orchestra et l’Orchestrenational de France. Il est depuis septembre2002 chef principal du BBC Philharmonic etil enregistre en exclusivité pour Chandosdepuis 2003.

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ses interprétations passionnées dans un vasterépertoire. En septembre 2002, GianandreaNoseda succéda à Yan Pascal Tortelier (chefprincipal depuis 1991) lorsque ce dernier futnommé chef lauréat. Vassili Sinaïski est chefprincipal invité et Sir Edward Downes (chefprincipal de 1980 à 1991) en est le chefhonoraire. Le BBC Philharmonic s’estproduit sous la direction de nombreux chefsdistingués et, par suite de sa politiqued’introduire dans ses programmes des œuvresnouveaux et innovateurs, plusieurs des grandscompositeurs du monde ont également dirigél’orchestre. En 1991, Sir Peter MaxwellDavies devint le premier compositeur/chefdu BBC Philharmonic; James MacMillan luisuccéda au poste en 2000.

Gianandrea Noseda est reconnu dans lemonde entier pour ses talents exceptionnelsde chef d’orchestre. C’est dans sa ville natalede Milan qu’il commença ses étudesmusicales, se partageant entre le piano, lacomposition et la direction avant de suivredes cours de direction à Vienne et en Italie.Après avoir remporté des concoursinternationaux en 1994, il fut invité à faireses débuts avec l’Orchestre symphonique

Giuseppe Verdi de Milan. Il travailla ensuitecomme chef principal invité au ThéâtreMariinski, résidence de l’Opéra Kirov et desBallets Kirov à Saint-Pétersbourg, chefprincipal de l’Orchestre de Cadaqués(ensemble espagnol regroupant des musiciensd’orchestres symphoniques européens), chefprincipal invité de l’Orchestrephilharmonique de Rotterdam et del’Orchestre symphonique national de la RAIet directeur artistique du festivalinternational Settimane Musicali di Stresa.Gianandrea Noseda a collaboré avec descompagnies lyriques comme le Los AngelesOpera et le Metropolitan Opera, New York,et dirigé des orchestres de renominternational tels le City of BirminghamSymphony Orchestra, l’Orchestre dechambre d’Europe, l’Orchestre symphoniquede la Radio suédoise, l’Orchestrephilharmonique d’Oslo, l’Orchestre dechambre de Vienne, le Tokyo SymphonyOrchestra, le New York Philharmonic, leToronto Symphony Orchestra et l’Orchestrenational de France. Il est depuis septembre2002 chef principal du BBC Philharmonic etil enregistre en exclusivité pour Chandosdepuis 2003.

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You can now purchase Chandos CDs directly from us. For further details pleasetelephone +44 (0) 1206 225225 for Chandos Direct. Fax: +44 (0) 1206 225201.Chandos Records Ltd, Chandos House, Commerce Way, Colchester, Essex CO2 8HQ, UKE-mail: [email protected] Website: www.chandos.net

Any requests to license tracks from this or any other Chandos disc should be made directly tothe Copyright Administrator, Chandos Records Ltd, at the above address.

Recording producers Brian Pidgeon and Mike GeorgeSound engineer Stephen RinkerAssistant engineers Celia Hutchison (Tasso: Lamento e Trionfo) and Denise Else (other works)Editor John Benton A & R administrator Charissa DebnamRecording venue Studio 7, New Broadcasting House, Manchester; 29 September (Ce qu’onentend sur la montagne, Orpheus), 30 September (Les Préludes) and 17 December (Tasso:Lamento e Trionfo) 2004Front cover Photograph of Gianandrea Noseda by Jonathan KeenanDesign Cass CassidyBooklet typeset by Dave PartridgeBooklet editor Finn S. GundersenP 2005 Chandos Records LtdC 2005 Chandos Records LtdChandos Records Ltd, Colchester, Essex CO2 8HQ, EnglandPrinted in the EU

Chandos 24-bit RecordingThe Chandos policy of being at the forefront of technology is now further advanced by theuse of 24-bit recording. 24-bit has a dynamic range that is up to 48dB greater and up to 256times the resolution of standard 16-bit recordings. These improvements now let you thelistener enjoy more of the natural clarity and ambience of the ‘Chandos sound’.

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CHANDOS

CHAN 10341 BBC Philharmonic GIANANDREA NOSEDA

Ce qu’on entend sur la montagne • Tasso: Lamento e TrionfoLes Préludes • Orpheus

LisztSYMPHONIC POEMS VOL. 1

CHAN 10341 Booklet cover 7/4/05 3:50 PM Page 1

CHANDOS DIGITAL CHAN 10341

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N10341

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295115 13412LC 7038 DDD TT 78:46

Recorded in 24-bit/96 kHz

Printed in the EU Public Domain



- Ce qu’on entend sur la montagne, S 95 30:42

- Tasso: Lamento e Trionfo, S 96 19:54

- Les Préludes, S 97 16:04

Orpheus, S 98 11:35

TT 78:46


GIANANDREA NOSEDA

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p 2005 Chandos Records Ltd c 2005 Chandos Records Ltd Chandos Records Ltd • Colchester • Essex • England

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CHAN 10341 Inlay 7/4/05 3:56 PM Page 1

symphonic poems vol - naxos music library · symphonic poems vol.1 ... symphonic poem no. 2 lento...

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