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01 Benjamin Rota - “Zum Beispiel” (premiere) ..................................................................................................................................................................................................................... 2’2502 Wen Liu - “Love Song” (premiere) ............................................................................................................................................................................................................................................. 5’3503 Christopher Caliendo - Violin Sonata No. 1 - Movement III (premiere) .................................................................................................................................................... 5’5804 Fritz Kreisler - Tambourin Chinois Opus 3 ........................................................................................................................................................................................................................ 4’0105 Samuel Barber - “Sure on this Shining Night” (from Four Songs, Opus 13) ............................................................................................................................................ 2’2606 Sergei Prokofiev - Dance of the Girls with Lilies (from Romeo and Juliette Opus 64) Arr. Samuel Dushkin ..................................................................... 2’2807 Claude Debussy - “Claire de Lune” (from Suite Bergamasque) Arr. A Roelens .......................................................................................................................................... 4’3008 Richard Strauss - “Morgen!” Opus 27, No. 4 (feat. Bibiana Nwobilo) ................................................................................................................................................................ 3’34Franz Schubert09 Gretchen am Spinnrade, Op. 2, D. 118 ...................................................................................................................................................................................................................................... 3’4810 Auf dem Wasser zu singen, D. 774 ............................................................................................................................................................................................................................................... 2’3311 Die Forelle, D. 550 .................................................................................................................................................................................................................................................................................... 2’2312 Niccolò Paganini - III. Rondo “La Campanella” (from Violin Concerto No. 2 in B minor, Opus 7, MS 48) Arr. P. Kochanski ...................................... 5’1813 Pablo de Sarasate - Concert Fantasy on Mozart’s Die Zauberflöte Opus 54 ....................................................................................................................................... 7’2514 Giovanni Battista Pergolesi - Sonata No. 12 in E Major ....................................................................................................................................................................................... 5’1515 Heinrich Ignaz Franz von Biber - Sonata V in E minor C 142 (feat. Olga Filippova) ......................................................................................................................... 10’45

TT 68’36

Yury RevichSteps Through the Centuries

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The pieces I chose for this disc form a very interesting series of short violin compositions, as well as arrangements of piano and vocal works. The album was conceived as a journey back through the centuries, from the very contemporary to the early Baroque, with each piece marking a small step through time, displaying much of the instrument’s history and showcasing its rich possibilities.

The violin can be heard “talking” and “singing”, but also demonstrating its virtuosic potential, for example in Kochanski’s arrangement of “La Campanella”. With the opera and song arrangements, I hope to show how adeptly the violin can mimic the human voice, a technique famously described by Paganini as “suonar parlante”. I hope that the collaboration with the amazing soprano Bibiana Nwobilo on this recording will even more clearly illustrate this continuum of timbres and expression, showing how the violin is able to communicate the same multitude of feelings expressed by the human voice.

From the sorrow and grief of Schubert’s songs, through the tranquillity and inner passion of Debussy’s Claire de lune, to the joy of Pergolesi, and even the nervous tension created by the almost electronic soundscape of Wen Liu’s Love Song, the whole range of human emotions can be conveyed through the strings of a violin. But the lighter side of life is also featured on this album, most notably in the humorous Russian Slovak dances of Christopher Caliendo’s Sonata, and even in the atmosphere of the Viennese salon created in Zum Beispiel by Benjamin Rota.

I have the honor of premiering three contemporary works, all of which were dedicated to me, and which open this album. This disc represents for me another step in what I hope will be a long journey of exploration, discovering the human emotions entwined within the strings of my violin.

—Yury Revich

ENG

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The tradition of the Grand Tour became particularly popular

during the 19th century, with figures such as Mendelssohn

taking an enriching journey through the cultural highlights

of Europe. This disc represents a grand tour of another kind;

the geographical emphasis is supplanted by the historical, as

we embark upon a journey exploring the music of different

centuries. There are few instruments more suited to this

than the violin, the design of which has remained essentially

unchanged for centuries, while the timbre and range of the

instrument have inspired composers throughout the ages

to produce some of their finest works.

Zum Beispiel by Benjamin Rota is dedicated to Yury

Revich. The phrase Zum Beispiel means ‘for example’, and

Rota presents a series of examples of a ‘Wiener Waltz’, in a

number of different styles. The work is a tribute to Vienna –

the waltz capital of the world – but rather than parodying

this well-worn genre, Rota explores its capacity for beauty.

Wen Liu’s creativity extends to sound design and visual

media as well as composition. Her Love Song, composed

for Yury Revich, exploits the upper register of the violin,

with extensive use of harmonics and timbral contrasts. The

piece is further characterised by rapid ascending motifs,

chromaticism and glissandi. Love Song veers between

dynamic extremes, perhaps symbolising the extremities

of emotion associated with love, but ends with a tranquil

sustained note, marked pianissimo.

American composer Christopher Caliendo was born in

1959, and wrote his Violin Sonata No.1 for Yury Revich.

Caliendo’s musical language encompasses a diverse range

of influences, and in this work he integrates folk idioms

into his own style; the finale was inspired by Russian Slovak

dances.

Fritz Kreisler (1875-1962) was a violinist and composer

renowned for his distinctive tone and colourful

compositions. His Tambourin Chinois, Op.3, was

published in 1910, and reflects the love of Chinoiserie

that gripped Europe at the time; both Debussy and Ravel

were similarly fascinated by the exotic nature of Eastern

styles showcased in the Paris Exhibition of 1889. Kreisler’s

piece begins with open fifths on the piano, before the

violin unfolds a lively pentatonic tune. In the languorous

central section, the violin sings a seductive melody

before the piece returns to the opening tempo and style.

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In 1938, Samuel Barber (1910-1981) wrote Sure on this

Shining Night, one of his Four Songs, Op.13 (1937-1940).

Barber had a particular affinity for the voice, and once

explained that “writing songs just seemed a natural thing

to do”, though he also valued the violin’s inherent lyricism,

and wrote several works for the instrument including his

Violin Concerto of 1939. Sure on this Shining Night is one

of Barber’s most sublime songs, in which the sensitive

accompaniment and expressive vocal line combine to

convey the poetry of James Agee with wistful grace: “All

is healed, all is health. / High summer holds the earth. /

Hearts all whole.” Stylistically, Barber does not epitomise

20th-century trends – which is, in any case, are hugely wide-

ranging – but remained true to his own voice: “I myself wrote

always as I wished, and without a tremendous desire to find

the latest thing possible... I wrote as I wanted to for myself...”

1938 also saw the first performance in full of the ballet Romeo

and Juliet, Op.64, by Russian composer Sergei Prokofiev

(1891-1953), who had completed the first version of the

score in 1935. The ballet is one of Prokofiev’s greatest and

most beloved achievements, despite the fact that he was

initially cautious about having it staged after composers

such as Shostakovich received sinister criticism from the

State newspaper, Pravda. ‘Dance of the Girls with Lilies’

comes towards the end of the whole ballet, in Act 3, shortly

before Juliet’s death, and the music is characterised by

Prokofiev’s distinctive, enigmatic harmony and sinuous lines.

Claude Debussy (1862-1918) submitted his Suite

bergamasque for publication in 1890, but later revised and

published the work in 1905 – by which time his style has

evolved considerably. The third of this four-movement

suite, Clair de lune (‘Moonlight’), was inspired by a poem

of the same title by Verlaine, whose poetry was close

to Debussy’s heart. In early versions of the score, Clair

de lune includes the subtitle ‘Promenade sentimentale’,

hinting that while the tender, romantic character of the

piece was undeniably part of its conception, it should

perhaps be taken at a walking pace, rather than being

played very slowly. Either way, the piece is one of limpid

beauty and delicate harmony, its inherent lyricism

lending itself to this arrangement for violin and piano.

Morgen! (‘Tomorrow!’) was written in 1894 by Richard

Strauss (1864-1949), and is one of his most exquisite

songs. Just as John Henry Mackay’s poem begins mid-

sentence, as though we are overhearing the words – “And

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tomorrow the sun will shine again” – Strauss begins the

vocal line mid-phrase. Strauss wrote versions for voice

and piano, and this version for voice and piano with

violin, before writing the arrangement for voice with

orchestra. The violin unfolds a lyrical melody before the

soprano joins in, and the two continue to duet throughout

the song, their lines lovingly intertwined. The hushed

moment at “stumm werden wir uns in die Augen schauen”

(“we will look mutely into one another’s eyes”) is among

the most spine-tingling passages ever written by Strauss.

The song was part of a set of four Lieder, Op.27, presented

by the composer to his wife, Pauline, as a wedding gift.

In his short life, Franz Schubert (1797-1828) produced a

vast output of songs, with Die Forelle (‘The Trout’, 1817)

particularly famous for its use in his own ‘Trout’ Quintet

in A major. Auf dem Wasser zu singen (‘To be sung on

the water’, 1823) is also well known for its evocative,

rippling piano accompaniment, which sets the scene

for the vocalist to reflect upon the passage of time from

the vantage-point of a boat. Gretchen am Spinnrade

(‘Gretchen at the Spinning Wheel’, 1814) also features an

illustrative piano accompaniment, its constant motion

conjuring up the spinning wheel as well as accentuating

the unsettled tone of the poem: “I shall never find peace”.

In contrast, Italian composer-violinist Niccolò Paganini

epitomised 19th-century virtuosity, and wrote numerous

works showcasing the violin’s capacity for dazzling

display. ‘La campanella’ means ‘the little bell’, and, in its

orchestral version, a handbell is used in the final movement

of Paganini’s Violin Concerto No.2 to accentuate this

melody. Another virtuoso, Liszt, used this tune as the basis

for the third of his Grande Études de Paganini for piano.

The next work on our tour bridges the gap between Classical

and late Romantic eras. Mozart’s opera Die Zauberflöte was

composed in 1791 (the year of his death), and this Concert

Fantasy based upon the work, by Spanish composer and

violinist Pablo de Sarasate, appeared in 1908 (the year of his

death). The work combines the elegance of Mozart’s music

with the virtuosic flourishes beloved of later audiences.

The Italian composer, violinist and organist Giovanni

Pergolesi (1710-1736) was an important musical figure of the

late Baroque, particularly in the composition of opera and

sacred works, producing some outstanding music before his

life was cut short by tuberculosis at the age of only 26. There is

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considerable debate as to whether some of the works

attributed to Pergolesi were indeed composed by

him (including those which inspired Stravinsky’s

Pulcinella), and the lack of opus number attached to

the Sonata No.12 in E major is an indication that its

authorship is ambiguous. Yet the music speaks for

itself, beginning with a sunny Allegro, proceeding to a

stately Adagio, and culminating in a sprightly Presto.

Heinrich Biber (1644-1704) was born in Bohemia, and

excelled as a violinist, gambaist and composer. He gained a

position in the employ of Prince-Bishop Carl Liechtenstein-

Castelcorno in Kroměříž, in Moravia, but abandoned the post

– without permission – in 1670. Biber then joined the Kapelle

at Salzburg, remaining there until his death. He became

Kapellmeister in 1684, and was ennobled (becoming Biber

von Bibern) in 1690. The Sonata No. 5 in E minor begins with a

solemn ‘Praeludium’, in which the slowly unfolding harmonic

progressions allow space for considerable display from the

violin. There is an outburst of frantic material, before the

slower pace returns. The two ‘Variation’ movements which

follow represent a form at which Biber excelled. In each,

the violin decorates the bass-line with intricate curlicues in

an improvisatory style. Another gamba player, Christopher

Simpson (1605-1669) offered an insight into this process:

The ground being played over, you may then break

into crotchets and quavers... This done, and your

ground beginning over again, you may then break

it into division of a quicker motion... When you have

prosecuted that manner of play so long as you think

fitting, and shewed some command of hand; you may

then fall off to slower descant or binding-notes, as

you see cause, playing also sometimes loud or soft, to

express humour and draw on attention. After this you

may begin to play some skipping division... or what

your present fancy or invention shall prompt you to do...

Joanna Wyld

Text by Joanna Wyld / Odradek Records, LLC is licensed under a Creative Commons Attribution-NoDerivatives 4.0 International License. Permissions beyond the scope of this license may be available at www.odradek-records.com.

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At only 23, Yury Revich is already a mature artist, and one of the most expressive musicians of his generation. He was awarded Young Artist of the Year at the International Classical Music Awards, 2015, and Winner of the Young Musician of the Year award at the Beethoven Center, Vienna.

In 2009, Yury Revich gave his debut at Carnegie Hall, and in 2013 at La Scala, Milan. He has also performed at the Berlin Konzerthaus, Vienna Musikverein, Vienna Konzerthaus, Laeiszhalle, Hamburg, Metropolitan Art Space, Tokyo, Tchaikovsky Concert Hall, Cadogan Hall, London, the Preston Bradley Hall in Chicago, and can be heard at many international festivals, including the Aurora Star Festival and the Bad Ragaz Festival, at both of which he is artist in residence. He is also the Music Ambassador of the Amadeus Vienna International and the Beethoven Center, Vienna.

As a concert soloist, Yury performs with orchestras including the Svetlanov State Symphony, La Verdi Milano, North-West Deutsche Philarmonie, Il Pomeriggi Musicale, Zagreb Soloists, Russian National, and the Moscow Soloists. He collaborates with conductors including Yuri Bashmet, Mikhail Pletnev, Zhang Xian, Gintaras Rinkevicius, Yuri Simonov, and Justus Frantz.

Yury Revich works as a chamber musician in ensembles with artists such as Massimo Quarta, Gary Hoffman, Liana Isakadze, Lawrence Dutton, Robert McDuffie, and Daniil Trifonov. In 2015, Yury launched a new international concert cycle in Vienna: “Friday Nights with Yury Revich”, with artists such as Paul Badura-Skoda, Pavel Vernikov, Alexey Igudesman, Kotaro Fukuma, and other celebrities.

Yury Revich started playing the violin at the age of five, before studying with Pavel Vernikov. He comes from a dynasty of violinists: his father (also one of his teachers), grandfather and great-grandfather were all dedicated to the instrument. When Yury Revich turned seven, he entered the Central Music Academy of the Moscow Conservatory as a student of Galina Turchaninova. He began studying at the Vienna Conservatory in 2009, where he is taught by Pavel Vernikov.

Since 2008, Yury Revich has been playing a violin built for him by the French master luthier, Alan Karbonar, and he currently plays a Balestrieri from 1783, courtesy of the Goh Family Foundation in Singapore and the Amadeus International School in Vienna.

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Alejandro Picó-Leonís studied piano at the Conservatorio de

Música Oscar Esplá in Alicante and with Consolación de Castro

in Madrid. He graduated with a Bachelor of Music and a Master

of Arts from Hunter College in New York, as a student of Prof.

Ubaldo Díaz-Acosta, a pupil of Alicia de Larrocha and Claudio

Arrau. Picó-Leonís has received further artistic impulse from

Norman Shetler, Graham Johnson and Gerold Huber.

He made his Carnegie Hall recital debut in 2002. Further recitals

followed at Weill Recital Hall at Carnegie Hall, the Kosciuszko

Foundation, the Kaye Playhouse and the Auditorium of the

United Nations, among others. In Europe he has performed

widely, including the renowed Musikverein in Vienna and

Gasteig in Munich.

He has appeared as a soloist with many international orchestras

with a wide repertoire. Picó-Leonís frequently performs as a

chamber musician as well as piano accompanist.

In 2011 Oehms Classics released his debut recording “Variations”.

A second CD with Oehms Classics was released in 2012 with

works by Mozart and Beethoven. Alejandro Picó-Leonís is

Artist-in-Residence of the Beethoven Festival 2014/15 in Vienna.

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Bibiana Nwobilo was born in Owerri, Nigeria, grew up in Carinthia, Austria, and studied singing at the Conservatories of Klagenfurt and Vienna with Gabrielle Sima and Hilda DeGroote.

Bibiana Nwobilo started her career as a singer 2007 in an unstaged production of Porgy and Bess at the Stadttheater Klagenfurt. In 2009 she premiered at the Styriarte as Clara in Porgy and Bess, conducted by Nikolaus Harnoncourt. She followed up by singing the part of Esmeralda in The Bartered Bride of Smetana, also conducted by Nikolaus Harnoncourt. Bibiana also performed during the Styriarte in Orff’s Carmina Burana, and sang the role of Dido in Purcells’ Dido & Aeneas. She also participated in a performance of the Carmina Burana in 2013 at the Vienna Konzerthaus and made her debut at the Vienna Musikverein in 2014.

In 2014 she is going to debut at the Theater Baden bei Wien as Giuditta and will participate in the world premiere of Bernhard Gander’s sitcom-opera “Life on the edge of the milky way“ at the Bregenz Festival and the Vienna Konzerthaus.

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Olga Filippova is a successful and critically acclaimed

Russian harpsichordist. She performed with famous

international soloists such as Grammy-winner Deborah

York, won prizes at renowned competitions and was

awarded for “Best chamber program of the year 2010”.

She has also performed regularly on radio and TV. Her

CD, “Favorites of the Baroque” was released in 2001.

Olga Filippova is also a successful teacher for baroque music

at the Moscow Tchaikovsky Conservatory. Her students have

gained widespread attention at International competitions.

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FRA

Les pièces que j ’ai choisies pour ce disque constituent une série captivante de brèves compositions pour violon, ainsi que des arrangements d’œuvres pour piano et pour chant. Cet album est conçu comme un voyage à travers le temps, de l’époque contemporaine aux débuts du baroque  ; chaque pièce marque un petit pas à travers l’histoire, reflétant l’évolution de l’instrument et la richesse de ses possibilités.

On peut ainsi entendre le violon «  parler  » et «  chanter  », mais également explorer son potentiel de virtuosité, comme par exemple dans l’arrangement de La Campanella de Kochanski. A travers les arrangements d’opéra et de chansons, je tiens à montrer combien le violon peut habilement imiter la voix humaine - la fameuse technique « suonar parlante » de Paganini. J’espère que ma collaboration avec la formidable soprano Bibiana Nwobilo illustrera de manière éloquente cette continuité de timbres et d’expression, montrant à quel point le violon est capable de communiquer la même variété de sentiments que la voix humaine.

De la tristesse et la douleur ressenties dans la musique de Schubert, à travers la quiétude et la passion intérieure du Clair de lune de Debussy, jusqu’à la joie de Pergolesi et même l’angoisse créée par le paysage sonore presque électronique de Love Song de Wen Liu, toute une gamme d’émotions humaines peut être rendue par les cordes du violon. Mais le côté plus léger de la vie est aussi représenté dans cet album, en particulier à travers les danses russes et slovaques de la Sonate de Christopher Caliendo, et même par l’atmosphère de salon viennois créée par Benjamin Rota dans Zum Beispiel.

J’ai l’immense honneur d’être le premier à interpréter trois œuvres contemporaines, qui me sont dédiées et qui ouvrent cet album. Ce disque représente pour moi une nouvelle étape au sein de mes explorations musicales, et permettra, je l’espère, de faire partager à travers les cordes de mon violon l’entrelacement et la richesse des émotions humaines.

— Yury Revich

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La tradition de la Grande Tournée devint particulièrement

populaire à partir du XIXe siècle, et de grands noms tels que

Mendelssohn se sont ainsi embarqués dans des voyages

enrichissants à travers les grands centres culturels européens.

Ce disque présente un tout autre type de grande tournée.

L’histoire supplante désormais la géographie, et c’est à travers

les siècles que nous effectuons notre « voyage musical ». Plus

que tout autre, le violon semble particulièrement adapté à

un tel exercice  : un instrument dont la fabrication est restée

inchangée pendant plusieurs siècles et dont le timbre et le

registre ont inspiré tant de compositeurs à travers les âges.

Zum Beispiel, de Benjamin Rota, est dédié à Yury Revich.

L’expression Zum Beispiel signifie Par exemple, et Rota présente

une série d’exemples de «  Wiener Waltz  » (Valse viennoise)

dans des styles différents. La pièce est un hommage à Vienne,

capitale mondiale de la valse, et sans jamais parodier ce genre,

Rota choisi d’en explorer toute la beauté.

La créativité de Wen Liu s’étend de la conception sonore, en

passant par les médias visuels, jusqu’à la composition. Sa

Chanson d’amour (Love Song) composée pour Yury Revich,

utilise le haut registre du violon, accompagné d’un recours

fréquent aux harmoniques et contrastes de timbre. La pièce

se caractérise également par des motifs rapides ascendants,

chromatiques et glissandi. La Chanson d’amour se meut entre

les pôles dynamiques, symbolisant peut-être les extrémités

des émotions associées à l’amour, puis se termine par une note

tranquille soutenue, marquée pianissimo.

Le compositeur américain Christopher Caliendo, né en1959,

a écrit sa Violin Sonata No. 1 pour Yury Revich. La langue

musicale de Caliendo comporte toute une gamme d’influences.

Dans cette œuvre, il intègre des nuances folkloriques dans son

propre style, et le final est inspiré par les danses russes.

Fritz Kreisler (1875-1962) était un compositeur et violoniste

réputé pour sa tonalité unique et ses compositions pleines de

couleur. Son Tambourin Chinois, Op. 3, publié en 1910, reflète

l’entrain pour la Chinoiserie alors en vogue à travers l’Europe.

Debussy et Ravel furent tous deux fascinés par la nature exotique

des styles orientaux représentés à l’exposition de Paris en 1889.

La pièce musicale de Kreisler commence par une quinte ouverte

du piano, puis le violon dévoile une vive mélodie pentatonique.

Dans la partie centrale langoureuse, le violon entonne une

mélodie séduisante avant que la pièce ne retourne à sa cadence

et à son style d’ouverture.

En 1938, Samuel Barber (1910-1981) écrivait Sure

on this Shining Night, une de ses Four Songs

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Op.13 (1937-1940). Barber avait une affection particulière pour la

voix et expliqua un jour que composer des chansons lui semblait

tout naturel, bien qu’appréciant également l’inhérent lyrisme du

violon, instrument pour lequel il composa une suite d’œuvres

parmi lesquelles son Violin Concerto écrit en 1939. Sure on this

Shining Night est l’une des plus belles chansons de Barber, dans

laquelle le tendre accompagnement et les lignes mélodiques

expressives contribuent à exprimer avec une grâce langoureuse

la poésie de James Agee : « Tout est sain et sauf. / Le sommet de

l’été envahit la terre. / Tous les cœurs sont unis. » Du point de vue

du style, Barber ne représente pas les tendances du XXe siècle –

lesquelles sont certes extrêmement vastes – mais reste fidèle

à sa propre voix : «  J’ai toujours écrit comme je le souhaitais,

sans le désir irrépressible de découvrir la toute dernière

tendance… J’ai écrit comme je l’aurais fait pour moi-même ».

1938 fut également l’année de la première performance complète

du ballet Roméo et Juliette, Op.64, du compositeur russe Sergeï

Prokofiev (1891-1953), qui en 1935 en avait achevé la première

version. Ce ballet est l’une des plus grandes et des plus parfaites

réussites musicales de Prokofiev, bien qu’il le mît en scène avec

prudence, sachant que des compositeurs tels que Chostakovitch

avaient reçu de sévères critiques de la part de la Pravda – journal

d’Etat du Parti. La Danse des Jeunes Filles aux Lis a lieu à la fin

du ballet, à l’acte III, peu avant la mort de Juliette. La musique

de Prokofiev se caractérise par une harmonie distinctive,

énigmatique ainsi que par des lignes mélodiques sinueuses.

Claude Debussy (1862-1918) soumit sa Suite bergamasque pour

publication en 1890, mais la révisa et la publia en 1905 – son

style ayant considérablement évolué entre-temps. La troisième

partie de cette suite en quatre mouvements, Clair de lune,

fut inspirée par le poème éponyme de Verlaine dont l’œuvre

conquit le cœur de Debussy. Dans les versions précédentes,

Clair de lune inclut un sous-titre : « Promenade sentimentale »,

soulignant ainsi que malgré le caractère romantique et

tendre indéniable de la pièce, celle-ci pourrait avoir le rythme

d’une marche, plutôt que d’être jouée très lentement. Quoi

qu’il en soit, la pièce est imprégnée d’une beauté limpide

et d’une harmonie délicate et son lyrisme contribue à

l’atmosphère créée dans cet arrangement pour violon et piano.

Morgen! («  Demain!  »), écrite en 1894 par Richard Strauss

(1864-1949), fut l’une de ses chansons les plus exquises.

Pareil au poème de John Henry Mackay commencé par une

phrase interrompue, comme si nous avions omis les paroles

– «  Et demain le soleil va de nouveau briller  » – Strauss

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commence une ligne vocale par une demi-phrase. Avant de

composer l’arrangement pour la voix avec orchestre, Strauss

écrivit des versions pour voix et piano avec violon. Le violon

dévoile une mélodie lyrique avant l’entrée du soprano, puis

tous deux poursuivent ce duo à travers toute la chanson, leur

partie se mariant agréablement. Le passage feutré «  stumm

werden wir uns in die Augen schauen » (nous allons nous regarder

silencieusement dans les yeux) est sans doute l’un des plus

touchants que Strauss ait jamais écrit. Cette chanson constitua

une partie de l’ensemble de quatre Lieder, Op.27 offert par le

compositeur à sa femme Pauline comme cadeau de mariage.

Durant sa courte vie, Franz Schubert (1797-1828) créa un grand

nombre de chansons et Die Forelle (La Truite, 1817) devint

particulièrement célèbre par son inclusion dans son Quintette

en La majeur. La pièce Auf dem Wasser zu singen (Chanter sur

l’eau, 1823) est également très connue pour l’accompagnement

ondulant et suggestif du piano créant l’atmosphère idéale

pour permettre au chanteur – dans une barque sur l’eau – de

méditer sur la fluidité du temps. La pièce musicale Gretchen

am Spinnrade (Marguerite au Rouet, 1814) se caractérise aussi

par un accompagnement illustratif du piano  : le mouvement

constant évoque bien le rouet tout en accentuant le ton

perturbé du poème : « Je ne trouverai jamais la paix ».

Pour sa part, le compositeur-violoniste italien Niccolò Paganini

vint à symboliser la virtuosité du XIXe siècle en composant

de nombreuses œuvres mettant en exergue les capacités du

violon pour le jeu éblouissant. La campanella veut dire « petite

sonnette  » et, dans sa version orchestrale, une petite cloche

à main est employée au final du Concerto pour Violon No. 2

de Paganini pour accentuer cette mélodie. Un autre virtuose,

Liszt, employa la même mélodie comme point de départ de la

troisième des Grande Études de Paganini pour piano.

L’œuvre suivante, dans notre tournée, fait le lien entre le

Classicisme et le Romantisme tardif. L’opéra de Mozart La Flûte

enchantée fut composé en 1791 (l’année de sa mort), et cette

Fantaisie sur La Flûte Enchantée du compositeur et violoniste

espagnol Pablo Sarasate, inspirée par l’opéra de son illustre

ancêtre, fut jouée en 1908 (année de sa mort). L’œuvre combine

l’élégance de la musique de Mozart avec les ornements virtuoses

préférés du public de l’époque.

Le compositeur, violoniste et organiste italien, Giovanni

Pergolesi (1710-1736), fut une figure musicale importante du

Baroque tardif, en particulier en ce qui concerne l’opéra et les

œuvres sacrées. Il créa une œuvre musicale extraordinaire avant

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sa mort précoce par la tuberculose à l’âge de 26 ans. Aujourd’hui

encore, certains s’interrogent sur la provenance des œuvres

attribuées à Pergolesi (y compris celle qui inspira Pulcinella de

Stravinsky). Aussi, l’absence d’opus attaché à la Sonate No.

12 en Mi majeur semble indiquer une paternité ambiguë.

Cependant, la musique parle pour elle-même, de l’Allegro

solaire en passant par un Adagio imposant, culminant dans un

Presto gaillard.

Heinrich Biber (1644 – 1704) naquit en Bohême. Il excella au

violon, à la viole de gambe et comme compositeur. Il fut reçu au

service du Prince-Évêque Charles I Liechtenstein-Castelcorno

à Kroměříž, en Moravie, avant d’abandonner cette position en

1670. Plus tard, Biber joignit la Chapelle de Salzburg où il resta

jusqu’à sa mort. Il reçut le titre de Kapellmeister en 1684 et fut

anobli en 1690 (devenant dès lors Biber von Bibern). La Sonate

No. 5 en Mi mineur commence par le solennel Praeludium

dans lequel se développe lentement la gradation harmonieuse

laissant la place au résonnement abondant du violon. On y

ressent une explosion tumultueuse de la matière musicale,

suivie d’une cadence plus calme. Les deux mouvements

suivants reflètent la forme dans laquelle Biber excellait. Dans

chacun d’eux, le violon accompagne une partie de basse aux

arabesques complexes dans un style improvisé. Un autre joueur

de viole de gambe, Christopher Simpson (1605-1669), expliquait

ainsi ce processus :

«  En jouant la partie principale vous devez la diviser en

noires et croches... Ensuite votre partie recommence et vous

pouvez la partager de nouveau en notes d’une durée plus

brève. Après vous être exercé dans cette manière de jeu

et en avoir acquis une maîtrise convenable, vous pouvez

revenir au déchant plus lent ou aux notes de liaison, en

jouant selon l’humeur plus fort ou plus bas pour exprimer

votre sentiment ou bien pour attirer l’attention. Cela fait,

vous pouvez commencer à jouer de façon interrompue... ou

bien faire ce que votre ingéniosité et votre invention vous

suggère de faire… »

Joanna Wyld

Traduction : Yannick Muet

Texte de Joanna Wyld (Trad: Yannick Muet)/Odradek Records, LLC est mis à disposition selon les termes de la Licence Creative Commons Attribution - Pas d’Utilisation Commerciale - Pas de Modification 4.0 France. www.odradek-records.com

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À seulement 23 ans, Yury Revich est déjà un artiste accompli, et l’un des

musiciens les plus expressifs de sa génération. Il a été nommé Jeune Artiste de

l’Année aux ICMA 2015 et Jeune Musicien de l’Année par le Centre Beethoven

de Vienne.

En 2009, Yury Revich fait ses débuts au Carnegie Hall, et en 2013 à la Scala

de Milan. Il a également joué au Konzerthaus de Berlin, Musikverein de

Vienne, Konzerthaus de Vienne, Laeiszhalle (Hambourg), Tokyo Metropolitan

Art Space, Tchaikovsky Concert Hall, Cadogan Hall (Londres), Preston Bradley

Hall (Chicago), et se produit dans de nombreux festivals internationaux, dont

l’Aurora Star Festival et le Festival Bad Ragaz en tant qu’artiste en résidence. Il

est également Ambassadeur musical d’Amadeus Vienna International et du

Centre Beethoven de Vienne.

En tant que soliste, Yury se produit avec des orchestres tels que l’Orchestre

Symphonique Svetlanov, La Verdi Milano, Nordwestdeutsche Philharmonie, Il

Pomeriggi Musicale, les Solistes de Zagreb, l’Orchestre National Russe et les

Solistes de Moscou. Il collabore avec des chefs tels que Yuri Bashmet, Mikhail

Pletnev, Zhang Xian, Gintaras Rinkevicius, Yuri Simonov et Justus Frantz.

Yury Revich est également musicien de chambre aux côtés d’artistes tels

que Massimo Quarta, Gary Hoffman, Liana Isakadze, Lawrence Dutton,

Robert McDuffie et Daniil Trifonov. En 2015, Yury a lancé un nouveau cycle

international à Vienne : « Vendredis soir avec Yury Revich », avec des artistes

tels que Paul Badura-Skoda, Pavel Vernikov, Alexey Igudesman, Kotaro Fukuma

et autres célébrités.

Yury Revich a commencé le violon à l’âge de cinq ans, avant d’étudier avec Pavel

Vernikov. Son père (également l’un de ses professeurs), grand-père et arrière-

grand-père étaient tous violonistes. Agé de sept ans, il entre à l’Académie

centrale du Conservatoire de Moscou comme élève de Galina Turchaninova. Il

intègre le Conservatoire de Vienne en 2009, sous la tutelle de Pavel Vernikov.

Depuis 2008, Yury joue sur un violon créé pour lui par le luthier français Alan

Karbonar, et joue actuellement sur un Balestrieri de 1783, grâce à la Fondation

Familiale Goh de Singapour et l’École Internationale Amadeus de Vienne.

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Alejandro Picó-Leonís a étudié le piano au Conservatorio de

Música Oscar Esplá d’Alicante et avec Consolación de Castro à

Madrid. Il est diplômé Master of Arts du Hunter College (New

York), comme élève d’Ubaldo Díaz-Acosta, un élève d’Alicia de

Larrocha et Claudio Arrau. Picó-Leonís a également étudié sous

la tutelle de Norman Shetler, Graham Johnson et Gerold Huber.

Il a fait son premier récital au Carnegie Hall en 2002. D’autres

ont suivi au Weill Recital Hall du Carnegie Hall, à la Fondation

Kosciuszko, la Kaye Playhouse et l’Auditorium des Nations

Unies, entre autres. Il s’est fréquemment produit en Europe,

notamment au Musikverein de Vienne et au Gasteig de Munich.

Il s’est produit en soliste avec de nombreux orchestres

internationaux au répertoire varié. Picó-Leonís joue souvent

en tant que musicien de chambre ainsi que pianiste

accompagnateur.

En 2011, Oehms Classics sort son premier enregistrement

« Variations ». Un deuxième CD pour Oehms Classics est paru

en 2012 avec des œuvres de Mozart et de Beethoven.

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Née à Owerri (Nigeria), Bibiana Nwobilo a grandi en Carinthie (Autriche) et étudié le chant aux conservatoires de Klagenfurt et de Vienne avec Gabrielle Sima et Hilda De Groote.

Bibiana Nwobilo a commencé sa carrière de cantatrice en 2007 au Stadttheater Klagenfurt dans Porgy and Bess. En 2009, elle a fait ses débuts au Festival Styriarte dans le rôle de Clara dans Porgy and Bess, dirigé par Nikolaus Harnoncourt. Elle a par la suite interprété le rôle d`Esmeralda dans La Fiancée vendue de Smetana, dirigé également par Nikolaus Harnoncourt. Bibiana s’est également produite dans Carmina Burana d`Orff, et dans le rôle de Dido dans l`opéra de Purcell Dido & Aeneas. Elle a également participé à une représentation de Carmina Burana en 2013 au Konzerthaus de Vienne et a fait ses débuts au Musikverein de Vienne en 2014.

En 2014, elle débutera dans le rôle de Giuditta au Théâtre de Baden bei Wien, et participera à la première mondiale de l`opéra-sitcom “La vie au bord d`une voie lactée” de Bernhard Gander, au Festival de Bregenz ainsi qu`au Konzerthaus de Vienne.

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Olga Filippova (39 ans) est une claveciniste russe

réputée. Elle a collaboré avec des solistes mondialement

connus, telle que la lauréate des Grammy Deborah York.

Elle a reçu plusieurs récompenses, dont le “Meilleur

programme de musique de chambre 2010”. Elle

apparaît régulièrement à la radio et à la télévision, et a

enregistré en 2001 le CD “Favoris de la Musique Baroque”.

Olga Filippova est également un professeur réputé

de musique baroque au Conservatoire Tchaïkovsky

de Moscou. Ses étudiants obtiennent toujours

de grands succès aux concours internationaux.

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Die von mir für diese CD ausgewählten Stücke bilden eine interessante Serie von kleinen Kompositionen für Violine, sowie Arrangements von Werken für Klavier und Gesang. Die Idee des Albums war eine Reise durch vergangene Epochen, von der Gegenwart bis zum frühen Barock, wobei jedes einzelne Stück einen kleinen Schritt in der Zeit markiert und einem dabei viel über die Geschichte des Instruments erzählt und seine reichen Möglichkeiten präsentiert.

Die Violine kann nicht nur „sprechend“ und „singend“ erklingen, sondern auch ihr virtuoses Potential zeigen, wie es zum Beispiel in Kochanskis Arrangement von La Campanella der Fall ist. Ich hoffe, dass ich mit den Opern- und Liedbearbeitungen darstellen kann, wie gut sich die Violine für das Nachahmen der menschlichen Stimme eignet – einer Technik, welche glänzend in Paganinis “suonar parlante” beschrieben wird. Desweiteren hoffe ich, dass durch die Zusammenarbeit mit der umwerfenden Sopranistin Bibiana Nwobilo das Kontinuum an Klangfarben und Ausdrucksformen auf dieser Aufnahme noch deutlicher veranschaulicht wird. Dabei wollen wir zeigen, dass die Violine im Stande ist mit derselben Gefühlsvielfalt, wie die der menschlichen Stimme, zu kommunizieren.

Von der Trauer und dem Schmerz in Schuberts Liedern, durch die Gelassenheit und innere Leidenschaft von Debussys Clair de lune, bis hin zur Freude Pergolesis und die Spannung der fast schon elektronischen Klangwelt in Wen Lius Love Song, kann die ganze Bandbreite der menschlichen Emotionen durch die Saiten einer Violine vermittelt werden.

Aber auch die leichtere Seite des Lebens ist auf diesem Album vertreten. Besonders spürbar ist das in den humoristischen, russisch angehauchten Tänzen aus Christopher Caliendos Sonate, als auch in der Salonatmosphäre Wiens in Zum Beispiel von Benjamin Rota.

Ich habe die Ehre die drei mir gewidmeten, zeitgenössischen Werke uraufzuführen und an den Anfang dieses Albums zu stellen. Diese Aufnahmen repräsentieren für mich nur noch einen weiteren Schritt in eine hoffentlich lange Reise voller Erkundungen, in denen ich die mit den Saiten meiner Violine verflochtenen menschlichen Emotionen entdecke.

— Yury Revich

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Die Tradition der großen Tournee gewann im 19. Jahrhundert

an Popularität, als Persönlichkeiten wie Mendelssohn

bereichernde Streifzüge durch die kulturellen Höhepunkte

Europas unternahmen. Diese CD präsentiert eine Tournee

anderer Natur; auf unserer Reise erkunden wir die Musik der

Jahrhunderte und ersetzen den geographischen Schwerpunkt

durch einen historischen. Wenige Instrumente sind dazu

geeigneter als die Violine, deren Grundform die Jahrhunderte

überdauerte und deren Klangfarbe und Umfang Komponisten

aller Perioden inspirierte Meisterwerke zu schreiben.

Zum Beispiel von Benjamin Rota ist Yury Revich gewidmet.

Der Name ist Programm, denn Rota präsentiert eine Reihe von

Beispielen eines „Wiener Walzers“ in verschiedenen Stilen. Das

Werk ist eine Huldigung an die Stadt Wien – die Walzerhauptstadt

der Welt – doch anstatt das abgenutzte Genre zu parodieren,

sucht Rota nach Möglichkeiten der Schönheit.

Wen Lius Kreativität erstreckt sich von der Komposition, über

visuelle Medien, bis hin zu Sound Design. Ihr für Yury Revich

geschriebener Love Song nutzt die höheren Register der Violine

und gebraucht dafür intensiv Obertöne und kontrastierende

Klangfarben. Das Stück ist des Weiteren gekennzeichnet von

schnell aufsteigenden Motiven, Chromatik und Glissandi. Love

Song dreht sich um dynamische Extreme, wodurch vielleicht

die extremen Gefühlslagen der Liebe angedeutet werden. Das

Stück endet jedoch mit einer ruhig angehaltenen pianissimo

Note.

Der amerikanische Komponist Christopher Caliendo wurde

1959 geboren und schrieb seine Violinsonate Nr. 1 für Yury

Revich. Seine Musiksprache umfasst eine große Bandbreite von

Einflüssen, und in diesem Werk integriert er volksmusikalische

Elemente in seinen eigenen Stil; das Finale ist von russischen/

slowakischen Tänzen inspiriert.

Fritz Kreisler (1875-1962) war ein Violinist und Komponist

der für seinen erkennbaren Klang und seine farbenfrohen

Kompositionen bekannt war. Tambourin Chinois, Opus 3,

wurde 1910 veröffentlicht und spiegelt die im damaligen Europa

grassierende Vorliebe für Chinoiserie wider; auch Debussy

und Ravel waren ähnlich fasziniert von der exotischen Natur

der östlichen Stile, die bei der Pariser Weltausstellung 1889 zu

sehen waren. Kreislers Stück beginnt mit offenen Quinten im

Klavier bevor die Violine mit einer lebendigen pentatonischen

Melodie einsetzt. Im trägen Mittelteil singt die Violine eine

verführerische Melodie ehe das Werk zu Stil und Tempo des

Anfangs zurückkehrt.

Im Jahre 1938 schrieb Samuel Barber (1910-1981)

Sure on this Shining Night, eines seiner Vier Lieder

Op.13 (1937-1940). Barber hatte eine besondere

Vorliebe für die Stimme und sagte einmal, dass

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„das Schreiben von Liedern sich einfach natürlich anfühlt“.

Dabei hatte er auch große Wertschätzung für die der Violine

innewohnende Lyrik und schrieb viele Kompositionen für das

Instrument, unter anderem sein Violinkonzert aus dem Jahr

1939. Sure on this Shining Night gehört zu Barbers erhabensten

Liedern. Die gefühlvolle Begleitung und die expressive

Oberstimme vereinen sich um die Poesie von James Agee

mit wehmütiger Anmut zu vermitteln: “Alles ist geheilt, Alles

ist Gesundheit. / Hochsommer hat die Erde im Griff. / Herzen

alle ganz”. Stilistisch verkörpert Barber nicht die Trends des 20.

Jahrhunderts – die ohnehin sehr zerstreut sind – sondern blieb

seiner eigenen Stimme treu: “Ich schrieb immer so wie ich es

selbst wollte, ohne ein großes Bestreben um immer das Neueste

zu finden...Ich schrieb so, wie ich es für mich selbst wollte...“

1938 war ebenso das Jahr der Erstaufführung des vollendeten

Balletts Romeo und Julia, Op. 64 vom russischen Komponisten

Sergei Prokofiev (1891-1953), welcher die erste Version der

Partitur im Jahre 1935 vervollständigt hat. Das Ballett gehört zu

Prokofievs beliebtesten und größten Errungenschaften, und das

obwohl er anfänglich vorsichtig mit einer Inszenierung umging,

da Komponisten wie Shostakovich düstere Kritik der staatlichen

Zeitung Prawda erhielten. Der ‘Tanz der Mädchen mit den Lilien’

steht am Ende des gesamten Balletts, im 3. Akt, kurz vor Julias

Tod. Die Musik ist gekennzeichnet von Prokofievs erkennbarer,

rätselhafter Harmoniesprache und gewundenen Linien.

Claude Debussy (1862-1918) reichte seine Suite bergamasque

1890 zur Veröffentlichung ein, revidierte das Werk jedoch später

und veröffentlichte es 1905 zu einem Zeitpunkt, als sein Stil sich

bereits beträchtlich weiterentwickelt hatte. Der dritte von den

vier Sätzen der Suite, Clair de lune (‘Mondlicht’), ist inspiriert vom

gleichnamigen Gedicht Verlaines, dessen Poesie Debussy sehr

am Herzen lag. In einer frühen Version der Partitur enthält Clair

de lune den Untertitel ‘Promenade sentimentale’ („Sentimentaler

Spaziergang“), ein Hinweis, dass obwohl der zarte, romantische

Charakter des Stückes ein nicht zu leugnender Bestandteil der

Konzeption war, das Stück nicht zu langsam, sondern eher in

einem fortschreitenden Tempo gespielt werden sollte. Wie

auch immer, das Stück ist voll von durchsichtiger Schönheit,

delikaten Harmonien und einer innewohnenden Lyrik,

sodass sich eine Bearbeitung für Violine und Klavier anbietet.

Morgen! wurde 1894 von Richard Strauss (1864-1949)

geschrieben und ist eines seiner hervorragendsten Lieder.

So wie John Henry Mackays Gedicht mitten im Satz

beginnt, und es dabei scheint als ob wir die Worte – „Und

morgen wird die Sonne wieder scheinen“ – belauschen, so

beginnt auch Strauss die Melodie der Stimme mittendrin.

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Strauss schrieb Versionen für Stimme und Klavier, sowie

diese Version für Stimme, Klavier und Violine, bevor er die

Bearbeitung für Stimme und Orchester verfasste. Die Violine

entfaltet dabei eine lyrische Melodie bevor der Sopran einsetzt

und die beiden Stimmen in einem Duett, in dem ihre Linien

lieblich verwoben sind, für den Rest des Stückes fortfahren.

Der gedämpfte Moment bei “stumm werden wir uns in die

Augen schauen” gehört zu den Gänsehaut erregendsten

Momenten, die Strauss je geschrieben hat. Das Lied ist Teil

einer Sammlung von vier Liedern, Opus 27, die der Komponist

seiner Gattin Pauline als Hochzeitsgeschenk überreichte.

In seinem kurzen Leben schrieb Franz Schubert (1797-1828) eine

große Menge an Liedern, wobei Die Forelle (1817) besonders

bekannt wurde durch ihren Einsatz im „Forellenquintett“ in

A-Dur. Auf dem Wasser zu singen (1823) ist ebenfalls sehr

bekannt für seine beschwörende, wogende Klavierbegleitung,

die den Ton setzt für den Sänger um vom Blickwinkel eines

Bootes über die Vergänglichkeit der Zeit zu sinnieren. Gretchen

am Spinnrade (1814) verfügt ebenfalls über eine tonmalerische

Klavierbegleitung, wobei die konstante Bewegung des

Klaviers Bilder eines Spinnrads hervorruft und gleichzeitig die

rastlose Stimmung des Gedichts betont: „Meine Ruh’ ist hin“.

Im Gegensatz hierzu verkörpert der italienische Komponist

und Violinist Niccolò Paganini die Virtuosität des 19.

Jahrhunderts wie kein anderer. Er schrieb eine große Anzahl

von Kompositionen, in denen die blendenden Fähigkeiten

der Violine zur Schau gestellt werden. ‘La campanella’

bedeutet „die kleine Glocke“, und in der Orchesterversion wird

ebensolch eine Handglocke im letzten Satz von Paganinis

Violinkonzert Nr. 2 verwendet um die Melodie zu betonen. Ein

weiterer Virtuose, Franz Liszt, benutzte diese Melodie als Basis

für die dritte seiner Grande Études de Paganini für das Klavier.

Das nächste Werk unserer Reise überbrückt den Graben

zwischen der Klassik und der Spätromantik. Die Mozartoper

Die Zauberflöte wurde 1791 (Mozarts Todesjahr) komponiert,

und die darauf basierende Konzertfantasie des spanischen

Komponisten und Geigers Pablo de Sarasate stammt aus

dem Jahr 1908 (Sarates Todesjahr). Das Werk verbindet

die Eleganz mozartscher Musik mit, vom späteren

Konzertpublikum so geliebten, virtuosen Verzierungen.

Der italienische Komponist, Violinist und Organist Giovanni

Pergolesi (1710-1736) war eine wichtige musikalische

Persönlichkeit des Spätbarock, vor allem im Bereich der

Oper und sakraler Musik. Er schrieb einige herausragende

Kompositionen bevor er im Alter von nur 26 Jahren an

Tuberkulose verstarb. Es herrschen rege Diskussionen

darüber, ob einige der ihm zugeschriebenen Werke

tatsächlich von ihm stammen (worunter jene Werke die

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Stravinskys Pulcinella inspirierten), und der Mangel einer

Opuszahl der Sonate Nr. 12 ist ein Hinweis, dass die

Autorenschaft umstritten ist. Die Musik jedoch spricht für sich

selbst. Sie beginnt mit einem sonnigen Allegro, schreitet fort zum

würdevollen Adagio, und gipfelt in einem schwungvollen Presto.

Heinrich Biber (1644-1704) wurde in Böhmen geboren und war

ein ausgezeichneter Violinist, Gambist und Komponist. Er wurde

angestellt vom Prinz-Bischof Carl Liechtenstein-Castelcorno in

Kroměříž, Morawien, verließ jedoch seine Stelle – ohne Erlaubnis

– im Jahre 1670. Biber wurde daraufhin Mitglied der Kapelle

in Salzburg, wo er bis zu seinem Tod verblieb. 1684 wurde er

zum Kapellmeister ernannt und 1690 sogar in den Adelsstand

erhoben (wodurch er zu Biber von Bibern wurde). Die Sonate Nr.

5 in e-Moll beginnt mit einem erhabenen „Praeludium“, in dem

die sich langsam entfaltenden harmonischen Fortschreitungen

der Violine reichlich Platz zur Entfaltung bieten. Nach einem

plötzlichen Ausbruch wilden Tonmaterials kehrt das ruhigere

Tempo zurück. Die folgenden zwei Variationssätze zeigen Biber

von seiner besten Seite. In jedem der beiden Sätze verziert

die Violine die Basslinie mit improvisatorisch anmutenden,

verworrenen Schnörkeln. Ein weiterer Gambist, Christopher

Simpson (1605-1669) gewährt uns Einblick in diesen Prozess:

Wenn dann die Basslinie wiederholt wird, darf man

ausbrechen in Viertel- und Achtelnoten... Hat man das getan,

und die Basslinie beginnt aufs Neue, so darf man zu einer

Unterteilung in schnellerer Bewegung übergehen...Wenn

man diese Spielart für so lange betrieben hat wie man es für

angebracht hält, und dabei die Fertigkeit der Hand gezeigt

hat, darf man in eine tiefere Lage gehen oder gebundene

Noten spielen, wie man es für angebracht hält, und dabei

manchmal laut oder leise spielen, humoristisch zu Werke

gehen oder die Aufmerksamkeit ziehen. Danach kann man

anfangen eine sprunghafte Unterteilung zu spielen... oder

was die momentane Stimmung oder Inspiration einem

eingibt, dabei immer von einer Art zur anderen wechselnd...

Joanna Wyld

Übersetzung: David Boos

Dieses Werk von Joanna Wyld (Übers. David Boos)/Odradek Records, LLC ist lizensiert unter einer Creative Commons-Namensnennung-Keine Bearbeitungen-4.0 Internationalen Lizenz. Über diese Lizenz hinausgehende Erlaubnisse können Sie unter www.odradek-records.com erfragen.

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Yury Revich, Young Artist of the Year 2015 (International Classical Music Awards) und Preisträger des „Young Musician of the Year“ Awards des Beethoven Center Vienna, ist mit seinen 23 Jahren bereits ein überaus reifer und ernstzunehmender Künstler. Er gehört zu den ausdrucksstärksten Musikern seiner Generation und lebt in Wien.

2009 debütierte er in der Carnegie Hall und 2013 in der Mailänder Scala. Er spielte u.a. bereits im Konzerthaus in Berlin, im Konzerthaus in Wien, im Musikverein in Wien, in der Laeiszhalle in Hamburg, im Metropolitan Hall in Tokyo, in der Tchaikovsky Concert Hall in Moscow, und ist auf vielen internationalen Festivals anzutreffen. Er ist Botschafter der Amadeus Vienna International School und des Beethoven Center Vienna und Artist in Residence des Aurora Star Festivals in Schweden, sowie des Bad Ragaz Next Generation Festivals in der Schweiz.

Yury spielt als Solist mit verschiedenen Orchestern wie z.B. der Svetlanov State Symphony, La Verdi Milano, Il Pomeriggi Musicale, Nord-West Deutsche Philharmonie, Zagreb Soloists, Russian National, Moscow Soloists, Israel Sinfonietta, und arbeitet mit Dirigenten wie Yuri Bashmet, Mikhail Pletnev, Justus Frantz, Zhang Xian, Gintaras Rinkevicius, Yuri Simonov u.a.

Darüber hinaus spielt er als Kammermusiker in Ensembles mit vielen namhaften internationalen Künstlern wie Gary Hoffman, Massimo Quarta, Liana Isakadze, Robert McDuffie, Daniil Trifonov, u.a.

In 2015 gründete Yury seine 1. Internationale Konzertreihe „Friday Nights with Yury Revich“ in Wien. Seit seinem fünften Lebensjahr spielt Yury Revich Geige. Er entspringt einer Dynastie von Violinisten – sein Vater, Großvater und Urgroßvater spielten allesamt dieses Instrument. Mit sieben Jahren trat er als Schüler Galina Turchaninovas in die Zentrale Musikschule des Moskauer Staatlichen Konservatoriums ein. Im Jahre 2009 ging er an das Konservatorium in Wien, wo er von Pavel Vernikov unterrichtet wird. Er studiert weiterhin in Wien und Moskau bei Valery Vorona und seinem Vater Alexander Revich.

Seit 2008 spielt Yury auf einer speziell für ihn vom französischen Geigenbaumeister Alain Carbonare angefertigten Violine. Zudem wurde ihm die Ehre zu teil, einige Auftritte auf der „Duke Alba“ Stradivari und der Guarneri del Gesu „Ex-Max Rostal“ zu spielen, die ihm von der Stradivari Gesellschaft zur Verfügung gestellt worden waren. Er spielt mit Stolz seit 2012 eine Balestrieri von 1783, die ihm von der Goh Family Foundation und der Amadeus International School Vienna zur Verfügung gestellt wurde.

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Alejandro Picó-Leonís studierte am Oscar Esplá-

Konservatorium in Alicante und bei Consolación de Castro

in Madrid. Weiters studierte er bei Prof. Ubaldo Díaz-Acosta,

einem Schüler von Alicia de Larrocha und Claudio Arrau, am

Hunter College in New York, und schloss diese Studien mit

den Titeln Bachelor of Music und Master of Arts für Klavier ab.

Weiters prägten ihn Karl-Ulrich Schnabel, Graham Johnson,

Norman Shetler und Gerold Huber.

2002 gab er sein Debüt an der New Yorker Carnegie Hall.

Weitere Auftritte folgten in der Weill Recital Hall der Carnegie

Hall, sowie der Kosciuszko Foundation, dem Kaye Playhouse,

und dem United Nations Auditorium. In Europa konzertierte

er unter anderem im Wiener Musikverein und dem Münchner

Gasteig.

Als Solist ist Picó-Leonís mit zahlreichen internationalen

Orchestern aufgetreten. Darüberhinaus ist er auch als

Kammermusiker sehr aktiv. 2011 erschien bei OehmsClassics

seine erste Solo-CD „Variations“. 2012 folgte, wieder bei

OehmsClassics, seine zweite CD mit Werken von Mozart

und Beethoven. Alejandro Picó-Leonís ist ständiger Artist-in-

Residence des Beethoven Festivals 2014/15 in Wien.

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Bibiana Nwobilo Geboren in Owerri, Nigeria und aufgewachsen in Kärnten, studierte Bibiana Nwobilo Gesang am Konservatorium Klagenfurt sowie am Konservatorium der Stadt Wien bei Gabrielle Sima und Hilda DeGroote.

Bibiana Nwobilo begann ihre Gesangskarriere 2007 in einer konzertanten Porgy and Bess-Produktion am Stadttheater Klagenfurt. In 2009 war sie erstmals bei der Styriarte als Clara in Porgy and Bess unter der Leitung von Nikolaus Harnoncourt zu hören. Danach folgte die Partie der Esmeralda in Smetanas Die verkaufte Braut, ebenso unter der Leitung von Nikolaus Harnoncourt. Des Weiteren war sie im Rahmen der Styriarte in Orffs Carmina Burana und 2013 in der Partie der Dido in Purcells` Dido & Aeneas zu hören. Die Carmina Burana sang sie 2013 auch im Wiener Konzerthaus und 2014 debütierte sie im Wiener Musikverein.

Am Theater Baden bei Wien wird sie in 2014 ihr Debut als Giuditta geben und mit der UA der Sitcom – Oper „Das Leben am Rande der Milchstrasse“ von Bernhard Gander bei den Bregenzer Festspielen und im Wiener Konzerthaus gastieren.

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Olga Filippova (39) ist eine erfolgreiche und von Kritikern

hochgelobte russische Cembalistin. Sie konzertierte mit

namhaften internationalen Solisten wie der Grammy-

Gewinnerin Deborah York, gewann renommierte

Wettbewerbe und wurde ausgezeichnet für “The best chamber

program of the year 2010”. Neben Radio- und Fernsehauftritten

erschien 2001 ihre CD “Favorites of the Baroque”.

Olga Filippova ist auch erfolgreich als Dozentin

für barocke Musik am Moskauer Tschaikowski

Konservatorium. Ihre Schüler haben bei internationalen

Wettbewerben auf sich aufmerksam gemacht.

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www.odradek-records.comwww.yuryrevich.com

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Photos: Tommaso Tuzj

Recorded at Universität für Musik und darstellende Kunst Wien3-4 June 2013

Violin: Balestrieri 1783, courtesy of the Goh Family FoundationPiano: Steinway Model B

Recording Engineer & Editing: Ludwig KlossekMastering and Mixing Engineer:

Thomas Vingtrinier, Sequenza Studio, Paris.

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